‘Everything Is Love’, el disco con el que se entiende que está cerrándose la trilogía de la infidelidad de Jay-Z abierta con ‘Lemonade’ de Beyoncé y continuada con ‘4:44‘ del rapero, supone tres cosas. En primer lugar, una celebración definitiva de su amor como pareja; en segundo, una celebración constante de su envidiable posición en la industria del entretenimiento; y por último, cierto estancamiento musical que afecta sobre todo a Beyoncé, que acudía a este disco con un perfil muchísimo más alto que Mr. Knowles. ¿U os imagináis a Jay-Z llenando el Estadi Olímpic como ella, él solo?
En este último sentido, ‘Everything Is Love’ nunca es un mal disco, pero sí supone un poco una nadería para una Beyoncé que venía de darnos alegrías tan alucinantes en sus tres últimos largos como ‘Run the World (Girls)’, ‘1+1’, ‘Drunk In Love’, ‘XO’, ‘Partition’, ‘7/11’, ‘Sorry’, ‘Freedom’, ‘Formation’ o ‘Hold Up’, por nombrar diez. Absolutamente nada de ‘Everything Is Love’ se acerca a estas, ni siquiera ‘APESHIT’, cuyo ritmo tipo péndulo de Newton y letras pegadizas («can’t believe we made it») están claros, pero recuerdan demasiado a los trucos usados en recientes álbumes. La producción en ningún sentido es rupturista, más bien continuista respecto a ‘Formation’, solo que sin sus muchísimas lecturas.
‘Everything Is Love’ se recrea más bien en el sonido de Jay-Z de finales de los 90 y principios de los 2000, como muestran temas como ‘713’, dedicada a Houston. Hay de hecho guiños a la colaboración de ambos en ‘Crazy In Love’, y también cierto recostar en el sonido de ‘Misseducation of Lauryn Hill’, que este año celebra su 20º aniversario. ‘Song Cry’ de ‘The Blueprint’ de Jay-Z (2001), podría ser una referencia clara. El modo en que Jaguar Wright cantaba un sample maravilloso de ‘Sounds Like a Love Song’ de Bobby Glenn en aquella canción es más o menos la idea reproducida en ‘BLACKEFFECT’ cuando samplea ‘Broken Strings’ de Jun Kozuki, tocada por la Flower Travellin’ Band. Estamos hablando del Jay-Z que tanto influyó en los dos primeros álbumes de Kanye West, lo cual puede ser en sí mismo una respuesta a su beef de hace un par de años.
Esto nos lleva al carácter más ostentoso del disco. Una cantidad inmensa de textos versa de lo bien que les va a Jay-Z y Beyoncé, autocoronándose como reyes del mundo y hablando de la fama sin parar en letras como ‘BOSS’, ‘NICE’ o ‘HEARD ABOUT US’. ¿Recordáis cuando en una entrevista con Najwa, Nimri bromeaba sobre este matrimonio? «Imagínate las charlas entre Beyoncé y Jay Z… ¿Tú crees que se comen el mercado sin pensar en lo que hacen? No tengo ni idea, pero imagínate de qué hablan. Ella viene de gira y él dice: me voy a poner en ‘Suit & Tie’ en plan años 50 y luego viene Pharrell Williams a echar una mano. Están ahí todos cocinando el pastel». Desde ahora no hace falta que te imagines las animadas charlas entre Beyoncé y Jay-Z porque este disco deja claro de qué hablan en casa. Por supuesto, este monotema a lo largo del disco puede resultar algo tedioso para nosotros, la plebe, sobre todo cuando llega esa ‘FRIENDS’ en la que, ya, hasta sus amigos son los mejores del mercado. ¿Quién quiere escuchar esto? Sin embargo, sí tiene cierto sentido cuando Beyoncé anuncia en ‘BOSS’ que sus tataranietos negros ya son ricos, pues ahora mismo apenas hay gente negra entre los personajes más ricos del mundo, según Forbes; o cuando ‘BLACK EFFECT’ subraya la importancia de lo que han conseguido. Pasamos de lo concreto a lo social cuando llega la estrofa “get your hands up high like a false arrest (…) put your hands where I can see them, fuck a false arrest”.
Como celebración del amor, llama la atención lo poco apasionado que resulta el amor que prodigan. Beyoncé y Jay-Z pasan parte del disco diciendo todo lo que se quieren: empiezan contando cómo hacen el amor en ‘SUMMER’ y terminan celebrándolo a lo grande en ‘LOVEHAPPY’. Es reseñable que, hablando de amor, se hayan olvidado de hacer una canción que realmente pueda llegar a la gente. Como estrella pop, la mejor manera de demostrar tu amor no es repetir cuánto quieres a tu pareja, sino hacer una canción que, como prueba, pueda pasar a la historia, que mueva las entrañas, que nos llene el estómago de mariposas como el estribillo de ‘Drunk In Love’. La primera impresión es que se han olvidado de hacerla. La segunda, unida a la sensación «chilly» de la producción, es que ambos están hablando de una relación ya tranquila, asentada, sin altibajos, la correspondiente a los 16 años que hace que se conocen y los 10 que llevan casados.
En un disco que parece de transición, pues no presenta grandes nuevas ideas y una infidelidad en los tiempos en que la música nos habla de empoderamiento femenino, de poliamor y de parejas abiertas no puede dar ya muchísimo más de sí, este último es el enfoque más interesante de este disco. Una relación de hace 10 o 15 años, en un momento asentado y sólido como este del que presumen The Carters, y encima rodeada de millones, quizá no daba para un ‘Nothing Compares 2-U’ o un ‘Someone Like You’. Pero ‘Everything Is Love’ sí funciona como metáfora de ese amor romántico y maduro que ya no se disfruta al 100% pero tampoco se sufre, sobre una producción y unos beats tan relajados y tranquilos como una hamaca de verano. ¿Será conformismo, estar por estar o esta falta de agitación es el único fin posible del amor verdadero?
Calificación: 7/10 Lo mejor: ‘APESHIT’, ‘LOVEHAPPY’, ‘SUMMER’, ‘BLACKEFFECT’ Te gustará si te gusta: Jay-Z, Alicia Keys, Lauryn Hill Escúchalo:Spotify
Parece increíble que Alborotador Gomasio y Puzzles y Dragones no hayan compartido escenario nunca, teniendo en cuenta que algunos de sus miembros habían coincidido en varias bandas anteriores, algunas de ellas remontándose a casi la adolescencia. También, ambos han formado parte del colectivo Aplasta tus gafas de pasta (Sello CD-R, fanzine, blog y programa de radio). Pero es que incluso actualmente, Miguel López Breñas es bajista de Alborotador Gomasio a la par que guitarrista de Puzzles y Dragones y Alberto Robla (baterista de Alborotador Gomasio) ha grabado las sesiones de batería de ‘Vuelven Puzzles y Dragones‘, el último disco de estos. Por no hablar de la evidente sintonía estilística y gusto por lo melódico de los dos grupos.
Sin embargo, el cartel que este sábado, 23 de junio, reúne el minifestival ¡Aló Pop! en la sala Moby Dick de Madrid es, extrañamente, inédito: allí actuarán ambos grupos, junto con Caliente Caliente, el interesantísimo trío en el que ahora milita Raúl Querido y que acaba de estrenar el estupendo single ‘Mindfulness‘. Por eso, nos ha parecido una gran idea que estos grupos –con Marco y Dani como respectivos portavoces– establezcan una especie de entrevista-debate entre ellos, cuestionando la situación del pop independiente en la actualidad, con especial énfasis en la escena madrileña que tan bien conocen, pero también de países sudamericanos
Marco (Alborotador Gomasio): «Buenas tardes, Dani. Este 23 de Junio será la primera vez que Alborotador Gomasio y Puzzles y Dragones compartan escenario. Es algo que me hace especial ilusión, siendo tú la persona junto a la que empecé a hacer música en nuestro primer grupo, El Diablo Adolescente».
Dani (Puzzles y Dragones): «A nosotros también nos emociona mucho que la continua colaboración entre nuestros grupos, y también todo lo que rodea al entorno Aplasta tus gafas de pasta, se materialice por fin este sábado en Moby Dick».
M (AG): «Empiezo planteándote algunas reflexiones acerca de la música pop y la tradición popular. Son cuestiones sobre las que ya debatíamos juntos en Aplasta tus Gafas de Pasta. En primer lugar, tengo dudas de si, a día de hoy, existe un pop realmente independiente que proponga una forma de organización alternativa a la del mainstream. ¿Piensas que el pop comercial y el pop independiente se han convertido en productos que cada vez se diferencian menos?»
«Dani (Puzzles y Dragones): Prince o George Michael cometieron ese error: pensaban que la gente compraba sus canciones y decidieron hacer arte anónimo, ambos se estrellaron»
D (PyD): «Yo nunca he visto el pop como un producto, sino como arte. El arte tiene sus mercados y sus marchantes que hacen negocio con lo que rodea al arte, pero al final no se puede vender. Lo que se compra y se vende es el prestigio que da ese arte, o la imagen. Algunos artistas de alcance masivo, como Prince o George Michael, cometieron ese error: pensaban que la gente compraba sus canciones y decidieron hacer arte anónimo. Ambos se estrellaron. La razón es que, en el sistema actual, el arte sin la imagen o el prestigio es muy mal negocio.
Creo que la creatividad es parte de nuestra vida y el indie fomentaba que todo el mundo pudiese ser creativo y participar, o al menos esa era la idea, aunque al final se redujese a un sector juvenil, blanco y de clase media. El mercado ha encontrado la manera de monetizar el prestigio del indie y lo ha convertido en una marca. Sin embargo, la filosofía con la que empezó le cambió la vida a mucha gente y creo que
sigue ahí».
M (AG): «En la línea de lo que comentas, sé que Puzzles y Dragones tenéis una vocación pop que va más allá de las limitaciones de lo que entendemos como música popular. En este sentido, ¿hasta qué punto consideras que el pop es toda la música que pasa a ser parte de la memoria colectiva del pueblo?»
D (PyD): «Bueno, yo lo concibo desde un punto de vista más artístico que social. He estado pensando mucho en esto y tengo una teoría: Para mí el pop es toda aquella música que busca la sencillez y la belleza. Sería, por así decirlo, lo opuesto al barroco y al feísmo. No tiene nada que ver con los estilos musicales, es destilar al máximo una idea y una emoción. Por eso, desde grupos punk como los Buzzcocks, grupos tecno como Kraftwerk, cantautores y hasta compositores clásicos como Schubert han sido a veces pop. El pop puede ser muy sofisticado, pero siempre debe dar la impresión de ser simple, bonito y es clave que se pueda tararear».
M (AG): «Puzzles y Dragones tendéis a expresar y a hacer canciones cercanas a la nostalgia y a la tristeza. Sin embargo, hay otros grupos de pop que se inscriben en una tradición de lírica más cercana a la sátira. ¿Crees que son dos formas de escribir canciones condenadas a no entenderse?»
«Dani (Puzzles y Dragones): me parece bien la ironía siempre que se use como herramienta para transmitir un mensaje, como hace Putochinomaricón»
D (PyD): «Hacer una canción satírica te protege en cierta medida de la crítica, tanto si has escrito la canción, como si la defiendes. Si dices que te gusta mucho una canción de Dani Martín, te expones a ser considerado poco sofisticado o ridículo, cuando en realidad algunas de sus canciones son muy buenas. La ironía, como la picaresca, por parte de algunos sectores se confunde con ingenio o inteligencia… Pero, no me entiendas mal, me parece bien la ironía siempre que se use como herramienta para transmitir un mensaje, como hace Chenta de Putochinomaricón. Sin embargo, estoy en contra de la ironía como armadura contra la profundidad o la sensibilidad. Puzzles somos tristes más que trágicos, pero es que la tristeza es la alegría que ha quedado atrás. Negar esa tristeza sería negar todo ese amor que sentimos y esas personas que fuimos. Honrar esa alegría duele, pero creo que no es trágico».
M (AG): «Pasando a hablar un poco de actualidad: después de años en los que prácticamente sólo se hablaba de garage y post-punk, está habiendo un resurgir del pop y de los fanzines en Madrid (Cosmo K, Carolina Durante, Cariño, El Buen Hijo, Sierra, Andrea Galaxina, Duna Haller
etc…) ¿Os sentís cómodos en la escena del Nuevo Pop Madrileño?»
D (PyD): «Puzzles y Dragones nos hemos sentido a gusto desde que empezamos. La escena de pop madrileña lleva años prosperando y dando grandes canciones. Mira a Pablo Prisma, ese ser misterioso que crea himnos dignos de Family, Hazte Lapón, que empezaron aquí, o Andrea Galaxina, que lleva mucho tiempo produciendo fanzines preciosos. Por no mencionar a la gente que organiza el Madrid Popfest.
De los grupos que han surgido últimamente, con el que nos sentimos más identificados es con Cosmo K, porque hacen canciones muy bonitas con un toque siniestro que nos alucina. Cariño son muy emocionantes y los demás también nos gustan mucho, y nos inspiran. Devolviéndote la pregunta, ¿qué opinas de los grupos madrileños que están teniendo éxito ahora mismo, como Carolina Durante o Cariño?»
M (AG): «Me alegra que hayan causado tanta expectación, la verdad. ‘Cayetano‘ es un himno de nuestro tiempo, y eso es una cosa muy difícil de conseguir. En general, Sonido Muchacho se ha convertido en otro de los nuevos sellos de referencia de Madrid. Musicalmente me siento muy cercano a Cariño. Me da la sensación de que Elefant ha retomado el pulso con las apuestas de Putochinomaricón y Cariño. Creo que estos tres grupos van a a ser claves en el devenir del pop madrileño y, en mayor o menor medida, ya son iconos de una época».
D (PyD): «Siguiendo con los nuevos grupos, hace poco te pasé una canción del grupo chileno Patio Solar. Sé que estás muy interesado en lo que está ocurriendo en Sudamérica y has publicado un recopilatorio muy interesante en la página de tu blog Aplasta tus Gafas de Pasta ¿cuáles son tus grupos preferidos de Sudamérica? ¿tienes pensado hacer algún otro recopilatorio o editar algún nuevo disco?»
«Marco (Alborotador Gomasio): Me encanta todo lo que está pasando en Sudamérica a nivel de autogestión pop, sobretodo en Chile»
M (AG): «Me encanta todo lo que está pasando allí a nivel de autogestión pop, sobretodo en Chile. Amamos a Paracaidistas y Patio Solar, me parecen increíbles. Los siento con una actitud y una forma de hacer música muy cercana a la de Gomasio. En Argentina, el último de Ligas Menores es excepcional, también me encanta Tani. Hace dos años sacamos un recopilatorio con el colectivo Aplasta tus Gafas de Pasta, con grupos de aquí y de allí. Además, hemos traído a tocar por segunda vez a nuestro querido Billordo (artista argentino de antifolk), que ya ha hecho dos giras guitarra en mano por toda Europa. Respecto a los próximos movimientos Aplasta: vamos a sacar pronto un nuevo recopilatorio y después del verano sacaremos nuestro primer vinilo, el de nuestrxs admiradxs Cosmo K, que será co-editado junto a Discos de Kirlian».
M (AG): «Hemos visto tus últimos diseños para carteles de conciertos. Me parece que son ya un elemento indisociable de la imagen de Puzzles y Dragones, como el último que has hecho para nuestro concierto conjunto. ¿De dónde nace tu faceta de dibujante?»
D (PyD): «Gracias. Yo nunca he sabido dibujar. De niño se me daba fatal. Todo empezó con el disco de Puzzles y Dragones que, como sabes, fue un proceso muy duro en el que tuvimos muchos problemas. Llegó un momento en el que estuvimos a punto de rendirnos. Me sentía tan frustrado y triste que ni siquiera quería coger una guitarra porque me resultaba insoportable pensar en componer algo que luego nunca llegaría a grabar. Para llenar ese vacío empecé a dibujar y, aunque al principio eran sólo garabatos, poco a poco he ido aprendiendo a expresarme. Me ayudó mucho y, cuando finalmente conseguimos terminar el disco, tenía una herramienta más para apoyar las canciones y los conciertos».
D (PyD): «Háblame de la primera vez que escribiste una canción».
«Marco (Alborotador Gomasio): Me di cuenta de que las imágenes poéticas tenían una efecto increíble si se podían combinar con una melodía»
M (AG): «Empecé a toquetear una guitarra española que tenían mis padres, pero mi intención era más poética que musical. No me interesaba para nada aprender a tocar el instrumento y, hasta ahora, sólo he aprendido lo que me ha hecho falta estrictamente para apoyar lo que pedía la melodía. Una de las primeras cosas que hice fue hacer canciones a partir de poemas de Antonio Machado. Pues eso, al principio escribía más que tocaba, pero pronto me di cuenta de que las imágenes poéticas tenían una efecto increíble si se podían combinar con una melodía. Para acabar ¿qué proyectos tenéis Puzzles y Dragones en el futuro?»
D (PyD): «Ya estamos trabajando en canciones nuevas y podréis oír algunas este sábado en Moby Dick. Serán, esperamos, algunas de las canciones de nuestro segundo disco. También podréis vernos el mes que viene en el Contempopranea. ¿Y Alborotador Gomasio?»
M (AG): «Ya tenemos algunas fechas cerradas para este otoño. Por otro lado, estamos trabajando en canciones nuevas y tenemos el proyecto de sacar material grabado que quedó fuera de nuestro último disco, ‘Luz y Resistencia’».
‘Keep That Same Energy’, el disco de Teyana Taylor producido por Kanye West que salía el viernes 22, ‘Keep That Same Energy’, está finalmente disponible en TIDAL. Pusha T, presidente de G.O.O.D. Music -discográfica de Kanye- y autor de ‘DAYTONA’, otro de los proyectos producidos por Kanye que han salido en las últimas semanas, compartía en Twitter durante la tarde de ayer que todavía se encontraba “dando los toques finales” al disco y que saldría “más tarde”, pero nadie imaginaba que con “tarde” quería decir “durante la madrugada, cuando nadie se entere” (los medios anglosajones todavía no han publicado la noticia) y además solo en TIDAL, esa plataforma exclusiva.
El retraso del lanzamiento de ‘Keep That Same Energy’ va a ser especialmente perjudicial para la cantante y bailarina, quien más se ha beneficiado del “hype” que ha rodeado a esta tanda de lanzamientos semanales, todos ellos producidos por Kanye y con 7 pistas cada uno, al ser mucho menos famosa que Kanye, Pusha T, Nas y Kid Cudi; pero lo peor es que Taylor ya no podrá beneficiarse de los streamings adicionales generados durante el día oficial de lanzamientos, el viernes. Es posible que el público ya se haya olvidado de este disco o pase de él cuando haya salido. Kanye y compañía han perdido el tren, y peor aún, se lo han hecho perder a Teyana.
El resto de discos de esta tanda de lanzamientos semanales salieron tarde o mal. ‘ye‘ salió con falta de créditos, ‘KIDS SEE GHOSTS‘ con las canciones mal tituladas, ‘Nasir’ no estuvo disponible hasta la noche del viernes pasado. ‘DAYTONA’ por poco sale con otra portada: West la cambió a último momento, un día antes de lanzamiento, por la polémica imagen del baño de Whitney Houston. La diferencia de todos estos discos con el de Teyana es que, por lo menos, salieron cuando la gente los esperaba. Hasta ‘The Life of Pablo‘ cumplió con su fecha de salida pese a que West lo siguió editando tiempo después, e incluso anulara su exclusiva con TIDAL sin previo aviso, lo cual les ha costado a Kanye y a Jay-Z una denuncia por “engañar” a sus fans prometiéndoles la exclusiva del álbum para que se suscribieran a la plataforma de streaming.
Pusha T ha prometido que ‘Keep That Same Energy’ será una “obra maestra”, y los fans con suscripción a TIDAL pueden ya realizar sus veredictos. Pero esta ristra de lanzamientos desastrosos nos hace preguntarnos hasta qué punto Kanye y sus secuaces pueden permitirse una falta de profesionalidad -para sus fans, pero sobre todo para la propia Taylor- tal como perderse completamente la fecha programada de un lanzamiento. Nos preguntaríamos qué será lo siguiente, ¿pero puede ir a peor?
Yup @TEYANATAYLOR got one!! Putting final touches on this Classic… #KTSE – coming later today
Ariana Grande ultima ya la salida de su nuevo disco, ‘Sweetener’, del que ha publicado el exitoso ‘No Tears Left to Cry’ y recientemente el single ‘The Light is Coming’ con Nicki Minaj, mientras ha participado por otro lado en canciones de colegas como Troye Sivan (‘Dance to This’) o la propia Nicki (‘Bed’). El álbum sale el 17 de agosto y ya puede comprarse en pre-venta.
Mientras llega ‘Sweetener’, Grande interactúa con sus fans por Twitter, y de vez en cuando responde alguna que otra pregunta. En las últimas horas, una fan ha tenido el simpático descaro de preguntar a Grande “cómo de larga” es la de ‘Pete’, “refiriéndose” a una de las pistas incluidas en ‘Sweetener’, un interludio dedicado a su pareja, el actor Pete Davidson; pero jugando obviamente con el doble sentido de la frase con intención de descubrir cuántos centímetros mide el miembro de Davidson.
Y haciendo gala de su cachondo sentido del humor, Grande ha entrado en el juego de la fan respondiendo: “25 centímetros… oh, mierda… quiero decir, poco más de un minuto”. El tuit ha sido borrado -como era de esperar- pero varios medios no han tardado en hacer capturas de pantalla para que quede en el recuerdo. Muy “grande” todo…
Mientras prepara su disco político con Mirwais, Madonna sigue pasando el rato publicando fotos en Instagram, y una de las últimas es un curioso montaje que presenta a Beyoncé y Jay-Z en el videoclip de ‘APESHIT’ contemplando cuadros del Louvre, sustituidos estos por portadas de varios discos de Madonna. En el pie de foto, Madonna ha escrito “aprendiendo de la Maestra” y ha rematado su mensaje con el “LOL” de rigor.
El que debería haber sido un post completamente inocente de Madonna, sin embargo, no ha gustado a ciertos sectores de fans tanto de Madonna como de Beyoncé. En primer lugar hay quien defiende que es de mal gusto que Madonna “se inserte a sí misma en una posición imaginaria por encima de Beyoncé y Jay-Z”, al definirse a sí misma como “Maestra” y no ante cualquiera sino ante Beyoncé, una de las artistas más influyentes de la actualidad, si no la mayor y posiblemente la que más se acerca a “la nueva Madonna” (Madonna es, en cualquier caso, una de las mayores inspiraciones de Beyoncé, como ella ha reconocido en varias ocasiones).
Otros han ido un poco más lejos y han señalado algún tinte racista en el post de Madonna, ya que la autora de ‘Rebel Heart’ ha usado en su mensaje la palabra “Master” (“amo”) para definirse por encima de dos artistas casualmente afroamericanos. Además, dado que el videoclip de ‘APESHIT’ pretende ser una representación del poder y la influencia negros en un espacio históricamente blanco como el Louvre, la broma ha parecido incluso más fuera de lugar a algunas personas. Eso sí, hay quien apunta que probablemente Madonna ni siquiera sea consciente que en esta imagen están presentes Beyoncé y Jay-Z, lo cual es dudoso teniendo en cuenta el objetivo de su mensaje.
King Jedet prácticamente no necesita presentación. El joven influencer se ha convertido, primero desde Youtube y más tarde desde Instagram y Twitter, en uno de los personajes más conocidos del underground en nuestro país. A través de todos estos medios, Jedet ha buscado mostrar una identidad masculina diferente, que no se ha reñido con la feminidad, pero que sí ha buscado ser evidentemente artificial, y derribar esas barreras de género que todavía siguen instaladas en nuestra sociedad. Su presencia se ha hecho más fuerte a través de sus apariciones en programas como #yu, donde habla de cultura pop, por ejemplo de sus ídolos Lindsay Lohan y Kim Kardashian, apasionando a toda una horda de seguidoras y seguidores en las redes sociales.
La fama en internet ha permitido a Jedet dar el salto a la música, y en 2017 publicaba un ‘Reinas’ con Ms. Nina que no tardaba en convertirse en un mini hit underground, sumando a día de hoy más de 2.300.000 reproducciones entre varias plataformas de streaming. El tema era un reggaetón irresistible, gracias a un melódico estribillo totalmente infalible que se pegaba a la primera, pero sobre todo a una letra descarada que representaba su mensaje de manera muy clara, en frases como “tengo barba y me maquillo, soy un tío con vestido, mira en qué me he convertido, tú en tu casa ahí aburrido”.
‘Reinas’ no aparecerá en el mini-álbum de Jedet, ‘La leona’, que se publica el 29 de junio y el influencer presenta este sábado en la Sala Razzmatazz de Barcelona, junto a Ms. Nina y Glitch Gyals. En el disco tampoco aparecerán su balada con La Favi, ‘Mentiras’; pero sí el sensual reggaetón ‘No te necesito’, la reciente ‘Luna llena’ y ‘No tengo tiempo’, una colaboración con Ms. Nina y Brisa Fenoy. En todos los temas disponibles se percibe la influencia de ese reggaetón que domina actualmente una buena parte de la cultura sumergida española, vía artistas como Bad Gyal, La Zowi, Bea Pelea y por supuesto la mencionada Ms. Nina, aunque desde un prisma más pop, con producciones más limpias.
Quizás la faceta más interesante de King Jedet sea su carácter contradictorio. Jedet sabe su talento “limitado”, pero no por ello va a dejar de “explotarlo” y es claramente lo que está haciendo, con éxito. Pero aunque Jedet ha ha hablado tanto para bien de la cirugía estética o de su deseo de tener “la cuenta bancaria de las Kardashian”, también lo ha hecho para mal de la fama, declarando a Cosmopolitan en 2017 que el mundo de la fama en realidad no le “llena” porque es “mentira”. Quizás su verdadera ilusión sea “interpretar” una fama desde abajo… o no, pero está claro que el underground también necesita estrellas del pop, y Jedet es una de ellas.
Tras unas semanas frenéticas, este viernes 22 de junio parece más relajado en cuanto a álbumes. podemos destacar los nuevos discos de Kamasi Washington, Bebe Rexha, The Wave Pictures, Teyana Taylor, Death Grips, Gang Gang Dance, The Orb, Panic! At The Disco, Dawes, St. Lucia, el debut del productor Cosmo’s Midnight (con colaboraciones de Tove Styrke, por ejemplo) y los chilenos Ases Falsos, además de EPs debut de dos artistas de sensibilidad similar, Billy Raffoul y el británico Sonny, un álbum del interesante MC nacional Juancho Marqués y otro del veterano artesano del pop Joe Moore, esta vez bajo el paraguas del electropop y bajo el nombre de The Perfect Kiss. También hay que recordar los álbumes de Nas y The Carters (Beyoncé y Jay Z) lanzados el pasado fin de semana.
Florence + The Machine, Ariana Grande & Nicki Minaj, Paul McCartney, Róisín Murphy, C. Tangana, Rels B, Angèle, Bejo, Demi Lovato o Delaporte han presentado nuevas canciones a lo largo de los 7 días, como os hemos contado. También Chic, Die Antwoord, Gorillaz & Snoop Dogg, Justice, Wet, Meghan Trainor, Iseo & Dodosound, MHD, The Mary Onettes, Underworld & Iggy Pop (que confirman EP conjunto), Mogwai, Kate Boy, Samuel O’Kane, Detergente Líquido, Dillon Francis & Jarina Demarco, Ms NIna & Beauty Brain, Jax Jones & Mabel, Skepta, Gallant, Maximo Park, Lizzo, Tunng, Agar Agar, los chilenos The Holydrug Couple y Daya, la intérprete de uno de los éxitos de The Chainsmokers.
Más jugosa se presenta la semana en cuanto a rarezas y curiosidades. Por ejemplo, encontramos el nuevo single de Las Chillers (una versión del himno bóller de Mecano ‘Mujer contra mujer’), un álbum de estudio creado por Soulwax a partir de canciones que contuvieran la palabra «essential», una versión de Neil Young a cargo de Yo La Tengo (exclusiva de Spotify), un tema para una BSO a cargo de Mogwai, remixes (uno para Fever Ray a cargo de su hermano Olof, compañero en The Knife; otro de Raúl Querido para Alborotador Gomasio) y una nueva versión para una de las canciones del último disco de Kimbra, regrabada junto a Dawn Richard, nada menos.
Tras obtener un gran seguimiento en los últimos cuatro años gracias a su canal de Youtube, que cuenta con más de 400.000 suscriptores, y a través del cual han abordado temas de actualidad como la identidad de género, el poliamor, las drogas, la discriminación sexual, el feminismo o las enfermedades mentales, The Tripletz, el dúo formado por los Youtubers Sergi Pedrero y Lucas Loré, da el salto definitivo a la música.
Decimos “definitivo” porque, aunque The Tripletz ya eran DJs antes incluso de hacerse Youtubers, es ahora cuando se publica su primer single oficial, ‘You Better Fucking Dance’. El título del tema no puede ser más revelador, ya que está hecho para hacer “bailar” mediante un marcado ritmo house tan 90s, tan 90s, que por poco (solo por poco) parece un single perdido de Kiesza o Disclosure.
Con ‘You Better Fucking Dance’, The Tripletz, que, por cierto, también son autores del exitoso libro ‘Desnudos de prejuicios’, buscan “reflejar” su filosofía y la de su canal de Youtube, que “representa la diversidad, la libertad de expresión, la honestidad y la rebeldía. El dúo explica: “Da igual como seas, lo que te guste y como te expreses, aquí has venido a bailar y a sentirte libre”.
Christina Aguilera y Rosalía, la primera acompañada de Kanye West, la segunda por El Guincho, intercambian posiciones -volviendo la primera al número 1- esta semana entre lo más votado de JENESAISPOP. Las nuevas entradas son las de Troye Sivan (ft Ariana Grande), La Casa Azul y Spiritualized. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
Manolo García ha publicado una carta pública en su página web dirigida a Amaia Montero, quien ha sido víctima de duras críticas y descalificaciones en los últimos días después de protagonizar un desastroso concierto en Cantabria, según ella, debido a la falta de ensayos, según sus detractores, debido a unas copas de más.
García ha querido defender a Montero ante los “perfectos de este mundo”, y haciendo una extraña, y diríamos que algo desafortunada comparación con el movimiento #MeToo, el cantante enumera una serie de situaciones vergonzosas en las que #éltambién se ha encontrado, como haber subido al escenario “con alguna copa de más”, “haber patinado con un playback” o salir mal vestido a cantar. García indica que la imperfección le ha hecho humano, que es de hecho “nuestra condición” y asegura a Montero que las veces que ha hecho feliz a su público encima del escenario sobrepasan a las malas.
Este es el texto íntegro:
“Te conozco desde hace bastantes años, Amaia. Nos hemos encontrado en muchas fiestas de radio, entregas de premios… y siempre nos hemos saludado, siempre has tenido una palabra cariñosa para mí. Sabemos que la vida es una montaña rusa y hoy quiero enviarte un abrazo sincero, leal a esa amistad en la distancia pero profunda que siento por ti. Un abrazo cósmico.
Ahora que está tan de moda el Me Too, a mí me ha pasado de todo. He subido con alguna copa de más a un escenario, he patinado con un playback que no entraba en pleno directo de televisión, me he olvidado la letra de una canción bastantes veces, en multitud de ocasiones he salido a escena con ropas tan desacertadas como para morirse de risa y hasta me he colado en un agujero escenario abajo. ¿Qué sucede? ¿Que una pifia, un error, una metedura de pata pesan más que tantas y tantas noches de entrega, de buenos conciertos? Pues claro que no. Y como dice la Biblia, el que esté libre de culpa, que tire la primera piedra.
Como tú, como todos los que a veces nos pueden criticar, soy humano. Pero sabes, precisamente por eso hay que perdonarse. Si te soy sincero, tampoco me he sentido mal porque sé que todos y cada uno de los que están frente a nosotros en cualquier evento, de vez en cuando también fallan. Es nuestra condición. Y poco más. Ayer hablé contigo y al colgar el teléfono pensé en los años que llevas en el oficio de la música y en la cantidad de veces que habrás subido a un escenario y habrás dado felicidad al público junto a tus compañeros músicos. Eso, tu entrega de tantas noches a tanta gente es tu salvoconducto para ser respetada, como debería serlo todo el mundo.
Hace unos años –no demasiados- la existencia de una cinta como ‘Con amor, Simon’ hubiese sido impensable. Que un gran estudio como la 20th Century Fox haya realizado una película con fines comerciales en torno a un personaje homosexual es un gran paso adelante en la lucha por la diversidad sexual. Para llevarla a cabo, han escogido adaptar la novela de Becky Albertalli, ‘Yo, Simon, Homo Sapiens’, que relata las dificultades de ser un adolescente gay en el mundo heteronormativo donde vivimos. Todo comienza cuando en un foro del instituto un tal Blue publica anónimamente su homosexualidad, por lo que Simon –todavía dentro del armario-, le escribirá también ocultando su identidad contándole cómo se siente. Se establece así una correspondencia vía mail, a la par que Simon intenta descubrir quién es Blue. Sin embargo, el conflicto aparece cuando uno de sus compañeros de clase descubre la existencia de esos correos y le chantajea con sacarlos a la luz si él no le ayuda a conquistar a una amiga suya.
‘Con amor, Simon’ se mueve desde el principio en el terreno de lo mainstream. Es una comedia romántica de instituto, como las que hemos visto mil veces, cuya única particularidad es la de la sexualidad del protagonista (algo valioso, por otra parte). Como la gran mayoría de esta clase de películas, es totalmente predecible, tiene multitud de fallos de guion, detalles inverosímiles (el mero motivo por el que se desarrolla el conflicto, lo es, así como el chantaje) y personajes poco desarrollados. Resulta frustrante ver cómo los guionistas se empeñan en construir a Simon plasmando bien sus dudas, miedos e inseguridades adolescentes, y se olvidan de otorgar la más mínima fuerza a todos los demás secundarios.
Pese a todas sus carencias, no se puede negar que funciona como un entretenimiento amable y agradable de ver. Y tampoco se puede obviar su importancia, dando visibilidad y normalizando la homosexualidad ante un público más amplio que al que llegan otras películas infinitamente superiores a esta como ‘Call Me By Your Name’ o ‘Tierra de Dios’, por mencionar dos ejemplos recientes –aunque sean muy diferentes-. Otra de las virtudes de la película de Greg Berlanti es que, aun con todo, se sitúa por encima de la mayoría de comedias de instituto, algo que se deba probablemente a que el protagonista en esta ocasión sí tiene un conflicto importante.
La música juega un papel esencial para definir bien el tono desenfadado pero comprometido que tiene el film. Entre algunas de las canciones de artistas actuales que se puede escuchar están ‘Love Me’ de The 1975, ‘Love Lies’, de Khalid y Normani, ‘Strawberries & Cigarettes’ de Troye Sivan o ‘Alfie’s Song (not So Typical Love Song)’ o ‘Rollercoaster’, de Bleachers. Y también grandes hits atemporales como ‘I Wanna Dance With Somebody’ de Whitney Huston y ‘Someday at Christmas’ de The Jackson 5.
Es cierto que ‘Con amor, Simon’, no pretende ser más de lo que es, y también es cierto que el colectivo LGTTBI+ no solo merece historias de amor profundas, sino modelos en los que los adolescentes puedan también sentirse representados, y en ese sentido no hay nada reprochable. Sin embargo, sí que da cierta rabia, que al final, tenga opciones de ir más lejos y hacer mejor las cosas y no llegue a aprovechar sus oportunidades. Es una película relevante por lo que supone, pero cinematográficamente muy poca cosa. 6.
Esta noche se ha emitido finalmente en la televisión americana uno de los episodios de ‘Carpool Karaoke’ más esperados, el de Paul McCartney. La aparición del ex Beatle en el programa de James Corden, que se ha producido en Liverpool, coincide con el anuncio de su nuevo disco, ‘Egypt Station’, que se publica el 7 de septiembre y del que se han lanzado dos adelantos, ‘Come On to Me’ y ‘I Don’t Know’.
Como era de esperar, el viaje en coche de Corden y McCartney ha sido un baño de nostalgia, empezando por el propio Corden pidiendo ayuda por teléfono para llegar a trabajar con la frase “help, I need somebody”. De hecho, en cuanto McCartney entra en el automóvil, Corden le pregunta si recuerda la primera canción que escribió, a lo que McCartney responde que un tema llamado ‘I Lost My Little Girl’ que compuso a los 14 años.
Durante el trayecto, Corden y McCartney cantan canciones míticas de los Beatles como ‘Penny Lane’, ‘Blackbird’, por supuesto ‘Drive My Car’ o ‘Let it Be’, con la que Corden no puede evitar emocionarse al recordarle a su abuelo. También cae ‘Come On to Me’. Ambos incluso visitan la casa en Londres en la que McCartney vivió de adolescente, recordando este la enorme “distancia” que le separa de aquella época.
Finalmente, Corden y McCartney visitan un pub donde los Beatles solían hacer bolos antes de hacerse famosos, y allí McCartney realiza un mini concierto donde toca ‘Obladi-Oblada’, ‘Love Me Do’, ‘Back in the USSR’ y ‘Hey Jude’, esta última junto a un ilusionado Corden.
Ya nos advirtieron Axolotes Mexicanos con ‘Holi<3’ que lo suyo no era ninguna broma, por más que el humor ácido, enmascarado en una apariencia erróneamente cándida, protagonice las canciones de los hermanos Olaya y Juan Pedrayes, que ahora conforman el núcleo del grupo. Aquel estupendo compendio de 8 canciones sentaba las bases –no casualmente, sus portadas parecen reverso y anverso de la misma escena de inspiración manga– de ‘Salu2’, un álbum de debut que ha producido Carlos René (de Cornelia, también productor de Capitán Sunrise y San Francisco). Y es que ‘Doble Check’, el apabullante adelanto con querencia future bass y ecos de PC Music, no marca tanto el sonido de estas 13 canciones como el de ‘Trececatorce’ y ‘XXX’, recuperados aquí del 7” publicado el pasado año y evolución directa de aquel miniálbum de 2015.
Es decir, pop con espíritu punk en su velocidad furibunda y exacerbada dulzura en lo melódico, como unos jóvenes Green Day haciendo versiones de una primeriza La Casa Azul. O al revés. Todo ello salpicado de arreglos aparentemente antagonistas de hardcore o metal y J-Pop (¿BabyMetal?) que remiten a Helen Love o Kero Kero Bonito y suponen otra colección de canciones arrebatadoras. En sus fugaces 31 minutos de guitarrazos combinados con glitchpop desbocado, giros rítmicos audaces e inesperados al filo del descarrile, no hay apenas respiro (sólo la cadenciosa ‘Intro’ instrumental y ‘Menos 100’ rebajan levemente el nivel de excitación) y ‘Astor’, ‘Heavens Gate’, ‘Nacida para sufrir’ y ‘Estanquero’ se sitúan de inmediato como sus mayores himnos, a la altura de la gran ‘Disparo de amor’.
Pero, al margen de ese perfil de punk-pop extremo, ‘Salu2’ supone también una evolución en la carrera de Axolotes Mexicanos, especialmente en unas letras en las que Olaya (cuya faceta de dibujante y guionista de cómic tenemos el privilegio de albergar cada semana en la sección Yo he venido de mi casa) abandona la fantasía e inocencia de sus primeras canciones y se traslada a la realidad más cruda y personal. Miseria económica (‘Menos 100’), amor irracional (‘Estanquero’) y desamor cabal (‘Astor’, ‘Sin ti’), resacas, horas perdidas en la Red esperando una señal de esa persona (‘Doble Check’), procrastinación vocacional (‘Vaga’, que va de lo acústico a lo furioso), sustos en los ciclos menstruales (‘Farmacia’, una de las canciones más sorprendentes, con ese toque cumbiero), odio explícito (“he perdido por navidades que se muera Jorge Cremades”, canta en ‘Nacida para sufrir’) y venganza (¿qué cara se le habrá quedado a la tal Débora de ‘Debora Tartas’, con semejante retahíla de lindezas?) se plasman sin filtros y trufadas de referencias de la cultura popular en unas letras que retratan la precariedad a la que se ve abocada la generación que más ha padecido los efectos de la crisis económica. A esto se refiere su paisano Nacho Vegas cuando dice que “lo personal es político”. Un retrato vital crudo y contundente con el que dejarse el culo bailando y que confirma que Axolotes Mexicanos son mucho más interesantes de lo que su apariencia popi pudiera decir.
Axolotes Mexicanos presentan hoy, viernes 22 de junio, estas nuevas canciones en la Sala El Sol de Madrid, acompañados por Betacam.
Calificación: 7,8/10 Lo mejor: ‘Astor’, ‘Doble Check’, ‘Heavens Gate’, ‘Nacida para sufrir’, ‘Vaga’ Te gustará si: entiendes que la distancia entre La Casa Azul, Pignoise y Pimp Flaco no es tanta como parece. Escúchalo:Spotify
Entre las numerosas y desconcertantes sentencias judiciales –y con la dolorosa, para muchas y muchos, excarcelación de los 5 miembros de «La manada» aún candente– que inundan los noticieros durante los últimos tiempos, en el área de la cultura destacaba el secuestro dictado por un juez sobre una novela periodística del escritor Nacho Carretero, ‘Fariña’. Dicha novela indagaba en los orígenes de las redes de narcotráfico en la costa gallega durante los años 80 y 90, a menudo con la complicidad y connivencia de instituciones de todo calado.
Poco después de ser puesto a la venta, una jueza procedió al secuestro de su primera edición tras la demanda de uno de los «personajes» que aparecía en el libro, el exalcalde de O Grove José Alfredo Bea Gondar, por «injurias y calumnias» al plasmar su implicación en las descargas de cocaína realizadas en la época en su municipio. Una medida que derivó en la protesta airada del autor, claro, pero también de editores –que ofrecieron la opción de leerlo online camuflado en una versión digital del Quijote– y lectores. Según informa El País, tras la petición de la fiscalía del levantamiento de dicho embargo, la Audiencia Provincial de Madrid ha revocado la orden del juzgado, considerando además que los datos ofrecidos sobre Bea Gondar son «fiables y veraces», permitiendo la vuelta del libro a las tiendas y el lanzamiento de sus ediciones en catalán y gallego. Nacho Carretero, el autor, ha celebrado la sentencia en Twitter.
Se da la circunstancia, además, de que cuando el libro fue secuestrado ya estaba prácticamente finalizado el rodaje de una adaptación televisiva del libro. De hecho, la serie –estupenda desde el punto de vista narrativo y técnico– ha sido un gran éxito de audiencia, en el que además encontrábamos a Iván Ferreiro cantando su cabecera –se ha publicado un EP con sus canciones para la serie– junto a otros temas de grupos alternativos contemporáneos como Mujeres, Kokoshca, Carolina Durante o La Plata.
No contentos con triunfar gracias a ‘Un jardín’ y su inclusión como sintonía en el talent-show de danza ‘Fama, ¡A Bailar!’, ni con haber entregado ‘Uno‘, uno de los EPs más sugerentes de pop electrónico de este año, el dúo Delaporte presenta hoy un nuevo single que les afianza como adalides de una nueva sensibilidad en el pop español, una que rehúsa a caer en esquemas gastados y que mira al futuro, sin menoscabar ni su potencial comercial ni su personalidad artística.
Esta nueva canción se titula ‘Azul marino’, y con ella Sandra Delaporte y Sergio Salvi pretenden evocar sensaciones veraniegas para la temporada que ayer comenzaba oficialmente: es fresca y sugerente, siempre con la aguda voz de la cantante como conductora, pero también rotundamente bailable, con su base housera. Además, ha sido estrenada por la revista Vogue con un vídeo de gran presupuesto –aparentemente patrocinado por una conocida marca de ropa española– que se ha filmado tanto en La Habana como en Madrid, “para mezclar el caos y el color tropical de la isla, con «el orden, la cuadrícula de los edificios y la sobriedad» de Madrid”, dicen.
En lo lírico, ‘Azul marino’ habla de «las contradicciones que, a veces, aparecen en una relación en la que te gusta estar, pero que a la vez te lleva a ataduras y a lugares que nunca habrías imaginado. Se refiere al momento preciso en el que ves llorar a una persona que quieres”. Delaporte presentarán este nuevo tema hoy, 22 de junio, en la Ciudad del Rock de Arganda del Rey (Madrid), dentro del festival electrónico A Summer Story 2018; también estarán el día 30 en la Casa del Mar de Valencia y, ya en otoño, son (junto con Morcheeba, Amatria o Postmodern Jukebox) uno de los nombres destacados del cartel de MadTown Days by Jim Beam, certamen del que JENESAISPOP es medio colaborador.
Según lo previsto, hoy, viernes 22 de junio, Kanye West lanza la quinta novedad en la que ha venido trabajando en los últimos meses. Se trata del disco de Teyana Taylor, cuyo título, de manera aún oficiosa, parece ser ‘Keep The Same Energy’. Taylor es una cantante de soul y R&B originaria de Harlem que se hizo popular inicialmente como participante del reality de la MTV ‘My Super Sweet 16’, pero pronto mostró sus dotes para la canción y la danza.
Fichada por el subsello de Kanye, GOOD Music, debutó en 2014 con ‘VII’, pero su carrera pareció diluirse después hasta que apareciera en el memorable vídeo de ‘Fade’, single del álbum de Kanye West ‘The Life of Pablo’, bailando totalmente embadurnada en aceite en un gimnasio o similar. El nuevo disco de Teyana se ha estrenado la pasada noche en Los Ángeles, en una fiesta a la que han acudido tanto la propia cantante como West. Este ha subido a su cuenta de Twitter un streaming de vídeo en el que podemos ver imágenes de esa fiesta mientras suena de fondo la versión final del álbum, que es abiertamente soul y R&B, incluyendo algún guiño a Sade.
West completa así el mes loco de lanzamientos de discos cortos –todos ellos de 7 cortes–, que comenzó semanas atrás con ‘Daytona’ de Pusha T y siguió con ‘ye’ –firmado por Kanye–, ‘Kids See Ghost’ –West & Kid Cudi– y ‘Nasir’ de Nas.
Tras su decepcionante actuación en el reciente Paraíso Festival de Madrid, los que seguimos a Róisín Murphy necesitábamos una noticia así para recuperar la fe en ella: hoy se edita su nuevo maxi –el segundo de una serie de 4 que editará a lo largo de 2018– y en él nos reencontramos con la versión más pop de la ex-Moloko. Y es que el tema principal de este disco, su cara A, es ‘Plaything’, un corte de estructura pop convencional, con sus estrofas, su pre-estribillo y su (gran) estribillo. Prácticamente habría que remontarse a ‘Overpowered’ (de 2007, nada menos) para dar con ganchos semejantes en sus discos.
Pero ‘Plaything’ no es exactamente un regreso a aquella etapa, sino que su base claramente reminiscente del house de los 90 –la producción corre de nuevo a cargo del artista de DFA Records Maurice Fulton, muy influenciado por el hip hop y el funk oldskool– nos retrotrae incluso a tiempos de ¡Moloko! La influencia de esa etapa gloriosa de la música de baile se impregna también en la versión incluida en el disco, con un final instrumental que recuerda a las célebres “extended version” tan comunes en aquellos tiempos.
La cara B de este nuevo disco la ocupa ‘Life’, igualmente producida por Fulton, aunque algo menos evidente, más sinuosa que su “anverso”, con algún guiño instrumental a Kraftwerk. Pero, igualmente, tiene algo que nos lleva a ese encuentro entre pista de baile, electrónica y pop que caracterizó al dúo en el que Murphy obtuvo repercusión.
A principios del pasado mes de mayo, Róisín publicaba ‘All My Dreams / Innocence’, el primer maxi de esta serie, también producido por Fulton. Hace unos días se estrenaba el vídeo oficial de la cara A, en el que Murphy ravea con unos jovenzuelos, mostrando que la canción tenía más recorrido del que podría parecer inicialmente.
Como había anunciado esta semana, C. Tangana acaba de publicar ‘Bien duro‘, un nuevo single con el que muestra claramente su actual estrategia comercial: no dejar de ser noticia ni por un instante. El tema, como sabíamos, está producido por el norteamericano DVLP (leído «Develop»), alias del productor Bigram John Zayas, conocido en el mundo del rap por sus trabajos para Lil Wayne (‘Fire Man’ –2005–, ‘Blunt Blowin’ –2011–) o Eminem (‘Rap God’ –2013–), aunque en los últimos tiempos ha orientado su carrera al reggaeton, siendo uno de los artífices de ‘Energía’ de J Balvin, o el pop, trabajando con Paulina Rubio o Pitbull. La última obra que le conocíamos era ese estupendo ‘Pa dentro’ que facturó para la transformación urban de Juanes.
Basta una primera escucha ya no cabe duda de que ‘Bien duro’ tiene todas las papeletas para convertirse en sucesor de ‘Mala mujer’. Esto es, tener un éxito que exceda a su público habitual y se aproxime al mainstream. Sin embargo, no apuesta por emular la fórmula de su gran hit, sino por emular la de exitazos como ‘Mi gente’ o ‘X‘: el gancho, totalmente irresistible y magnético desde el minuto 1, no es un estribillo arquetípico, sino ese riff instrumental distorsionado que se repite de manera obsesiva y sobre el que Puchito apenas lanza unos secos «duro». Y es que, pese a esos fotomontajes promocionales, su gran referente ahora mismo no es Julio Iglesias sino J Balvin.
Aparte de ese hook primordial, ‘Bien duro’ se construye sobre una base de suave reggaton caribeño, con un inteligente piano de fondo que aporta ese toque clásicamente latino, y que dispone un colchón perfecto para unos versos ágiles de Pucho en los que canta sobre divertirse en esos impasse en los que uno discute con su pareja (como dejan claro líneas como «cuando entro al club, ya no sé quién eres tú» y «cuando estamos mal, lo paso bien»).
‘Bien duro’ podría lograr la repercusión que su estupendo single previo, ‘Traicionero‘, no parece haber conseguido –y seguramente no pretendía, siendo un tema más «difícil» estilísticamente–. Ambos son ajenos a ‘Avida Dollars‘, la mixtape que lanzó C. Tangana en los primeros meses de este 2018 y que contenía otro rotundo hit, ‘Llorando en la limo’. Paralelamente, prosigue su beef con Yung Beef.
Salvador Sobral ha pasado por Late Motiv, el programa de Buenafuente, para cantar en directo sentado al piano -ya sabéis, una rara avis en televisión- y también por supuesto para ser entrevistado. Tras hacer una versión reducida de su nuevo single ‘Mano a mano’, Sobral pide disculpas por ser un mal pianista y dice esperar que con el nuevo gobierno de España haya más música en directo en la tele, como asegura que ha pasado en Portugal con el cambio de gobierno.
El cantante ha hablado de su transplante de corazón, indicando que está súper agradecido a la vida, confesando que siente que tiene 1 año en lugar de 28, y también hablando una vez más de su paso como Erasmus por Mallorca o su estancia en Andalucía o Barcelona. Ha vuelto a criticar Eurovisión, por no ser algo «genuino» y sobre Caetano Veloso deja una broma de dudoso gusto indicando que «también caga». Reconoce, eso sí, que le «imita todo el rato».
Pero sin duda el titular lo ha dejado cuando ha decidido pringarse hablando de la gentrificación de las grandes ciudades o de Uber: «Me parece horrible el Airbnb, el Uber y la puta que les parió. Echan a la gente del barrio más típico, a viejitos, de sus casas para poner guiris allí, es un tema muy serio». Por otro lado, cuando le dicen que es el Cristiano Ronaldo de la música, responde que él paga sus impuestos; y también tiene ocasión de citar a Sílvia Pérez Cruz, quien está actuando bastante en Portugal.
Pocas horas antes de hacer acto de presencia en la ciudad de Barcelona dentro de su tour europeo –retomado tras superar una afección vocal que la obligó a cancelar un par de shows en Reino Unido–, Demi Lovato ha lanzado por sorpresa ‘Sober’. Un single inédito con el que parece abrir una nueva etapa post- ‘Tell Me You Love Me‘, el disco que presenta hoy en el Palau Sant Jordi de la capital catalana y mañana, 22 de junio, en el Wizink Center de Madrid.
‘Sober’ es un baladón al piano escrito por Lovato con, entre otros, el británico ROMANS (que recientemente componía para Craig David, Clean Bandit o Ella Mai). Y en ella Demi, como ha dicho en Twitter, cuenta «su verdad». Su letra no podía ser más explícita y confesional: en ella pide perdón a sus padres, a sus fans e incluso a su «futuro amante», por no ser lo que aquellos esperaban de ella.
Y lo hace por no poder mantenerse «sobria nunca más», aludiendo a sus recaídas en las adicciones a drogas y alcohol que sufre desde su adolescencia, por las que se ha sometido a diversos procesos de rehabilitación. Una batalla sobre la que ya había hablado en un reciente documental. En realidad y pese a lo que diga la canción, en un reciente concierto en Los Ángeles afirmaba que lleva «6 años sobria».
Como si de un acto de chulería se tratara, Bruno Mars trajo su 24K Magic World Tour de nuevo a Barcelona apenas catorce meses después de su primera visita, esta vez en el Estadi Olímpic. “The bigger, the better”, habrá pensado el hawaiano. Y ojo, que casi llena. Alguna grada vacía, pero al final hasta el Golden Circle luce bastante repleto. La contrapartida es que la actuación dura 80 rácanos minutos, agravado por el hecho de que, encima, Bruno empieza más de media hora tarde; ¡a las 22.35h! La peor parte se la lleva la pobre DJ Rashida, que tiene que soportar una monumental pitada por algo de lo que no tiene la culpa. Y eso va a implicar olvidarse del metro, con el subsiguiente problema de movilidad que comporta: largas esperas para unos buses nocturnos atestados y un monumental colapso viario en Montjuïc. Imagino que al equipo de producción del artista no le preocupa cómo van a regresar sus fans; deben de vivir instalados en la idea de que somos felices simplemente viendo a nuestro ídolo y que lo demás nos da igual. Ejem, pues no. Y más cuando el Estadi está repleto de familias con niños. Foto: Doctor Music (show de Tokio)
Quejas sobre el horario aparte, Mars es un buen entertainer con una jugosa cartera de hits que no brillan por su originalidad, pero sí por su pasmosa efectividad, gracias a su capacidad de reciclar sonidos añejos –r’n’b noventero, funk, pop ochentero-. Para compensarnos por la espera, empieza el concierto con espectaculares fuegos artificiales -un punto a favor del Estadi frente al Palau Sant Jordi-. Sin haberle visto en su anterior visita, pero comparando los setlists, compruebo que el repertorio es casi idéntico, hasta en el orden. La diferencia estriba en que eliminan ‘Straight Up & Down’ y ‘Grenade’, lo que hace que el show gane en ligereza. Arranca con ‘Finesse’ versión álbum (por suerte no hay pregrabados de Cardi B). El sonido es potente y bastante bueno para el espacio. El show es buenrollista y milimetrado; uno de sus puntos fuertes es el dinamismo, ya que la primera parte está dedicada a ‘24 K Magic’ y la segunda a los clásicos. La escenografía se crea a base de bonitos juegos de luces y las pantallas. Pero el espectáculo básicamente son él y la banda. Los músicos tocan estupendamente, reproduciendo fielmente los originales; Bruno va horriblemente vestido (un uniforme de los Dodgers que le queda fatal), pero se le perdona porque baila bastante bien y canta aún mejor.
Ya para ‘24k Magic’ hay aullidos. Y más fuegos. Pero muchos, muchos más. En ‘Perm’, menos los teclados y el batería, el resto del grupo está bailando y botando con Bruno. Y, por supuesto, el público. Bruno aprovecha para lucirse en solitario ante el delirio del personal. En la muy Boyz II Men ‘Calling All My Lovelies’, Bruno se calma agarrado a la guitarra. Los coristas se lucen, el público (muy predispuesto) enloquece con los “te quiero mucho cariño” que suelta su ídolo. Pero le dura poco el momento tierno. En ‘Chunky’ es interesante la conjunción de letras sobreimpresas en las pantallas alternadas con las imágenes de banda y público. Las canciones menos famosas se compensan con mejores efectos de luz… y con Bruno roneando al público. Para ‘Versace on the Floor’, uno de los puntos álgidos, los asistentes cumplen con el ritual de encender la luz de los móviles, en tal cantidad que casi sobrecoge. Pero Bruno se despierta, todos rompen a bailar y el escenario se llena de haces de iluminación y dorados para parar un tren.
Con ‘When I Was Your Man’ se muestra en modo baladón romántico, bastante impresionante, por verla (y oírla) coreada por casi 50.000 personas. Y él la canta muy bonita, cierto. Pero todas estas buenas impresiones se desvanecen gracias a un solo de piano que parece una invitación a que vayamos al lavabo o a por birra. Tras cinco minutos de sopor, despertamos de repente con ‘Locked Out of Heaven’, en que de nuevo impresiona ver a tanta gente cantando y botando. Y hay más fuegos. Y confeti. Tras un breve conato de despedida, Bruno se marcha definitivamente con ‘Uptown Funk’. Cero sorpresas, pero hay alegría y baile, fuegos y luces en tropel para subrayar el fin de fiesta. Fiesta tocada e interpretada de modo impecable. Demasiado. En estas macroproducciones no conviene jugársela ni fiar nada a la improvisación. Y Mars es un tipo serio al que se le nota que no le gusta correr el riesgo de que algo salga mal. Pero al final se echa en falta más fuste, más alma. Algo que haga que merezca la pena regresar a casa más de dos horas tarde sobre lo previsto.
Los teloneros DNCE, la aventura de Joe Jonas, abre -ellos sí- con escrupulosa puntualidad. La banda luce pintas variopintas y excéntricas, como de dibujos animados. Joe Jonas trata de mostrar hechuras de rockstar, se pavonea, se tira al suelo, grita: “make some noise!” y exhibe una buena voz. Como Bruno, son otra máquina de fagocitar sonidos. Y en directo dan el pego, aunque su calculado muestrario de skate punk-power pop resulte inofensivo. Tocan unos cuantos hits ajenos (‘7 Nation Army’, ‘Wannabe’ y la canción más repelente del universo, ‘Are You Gonna Be My Girl’ de Jet). Es a lo que aspiran, a conseguir esos hits estéticos y reconocibles. Algo que ya consiguieron con ‘Cake by the Ocean’, tema con el que cierran con pasmosa efectividad. Acabar el concierto, por eso, con ‘We Are the Champions’ ya sí que resulta tópico e innecesario. Pero son simpáticos y eso a la gente le gusta.
Una de las mayores promesas musicales internacionales de los últimos meses viene de Bélgica. Hablo de Angèle, una joven que se hizo popular por las interpretaciones musicales que sube regularmente a su perfil de Instagram en forma de vídeo, y que triunfó a lo grande con su primer single ‘La loi de Murphy’ publicado a finales del pasado año. Una canción que remitía a la primera Lily Allen y también a su compatriota Stromae, coronada con un vídeo ingenioso y fantástico.
Ya en 2018, Angèle volvía a dar de lleno en la diana con ‘Je veux tes yeux’, un sensual medio tiempo con otro vídeo divertidísimo, repleto de juegos visuales. Y esta semana ha presentado unos terceros single y vídeo y, sí, se apunta tres aciertos de tres. Se trata de ‘La thune’ (“la pasta”, los euros, en slang), un tema –esta vez co-producido por Tristan Salvati, que ha trabajado en el último álbum de Coeur De Pirate, por ejemplo– de explícita inspiración jamaicana y caribeña.
Aunque, una vez más, su música se engrandece por un fabuloso clip, que en este caso satiriza y retuerce el mensaje de la canción: que “a todo el mundo lo único que le interesa es la pasta”, la fama, figurar y subir selfies en Instagram. El vídeo sitúa a Angèle como una especie de Bonnie Parker (sin Clyde) de nuestros días, que desvalija con el mayor glamour posible a todo el que se cruza en su camino. Algo que sus víctimas, lejos de lamentar, celebran. Una maravilla que sirve a la belga, además, para anunciar su álbum de debut, que se publicará el 5 de octubre y que presentará en una extensa gira que, de momento, se limita a Países Bajos y Francia.
En el último álbum de St Vincent, ‘MASSEDUCTION’, uno de los 10 mejores discos de 2017, hacia el final aparecía una canción llamada ‘Slow Disco’, una balada de menos de 3 minutos aderezada con cuerdas: la típica que aparece cuando la secuencia de un álbum está llegando a su término y es el momento de ir recogiendo. La letra contenía frases como “me alegro de haber venido, ¿pero no puedo parar de pensar en irme?”, “te dejo bailando con un fantasma”, “¿estoy pensando lo que todo el mundo está pensando?” o, la mejor, “hay sangre en mis orejas y una tonta en el espejo”. La típica canción inspirada en una discoteca, pero llena de dolor. I-AM-DANCING-ON-MY-OWN.
Desde hace un par de semanas, esa canción es otra. St Vincent, que siempre creyó en la versatilidad de dicha composición, advirtiendo que permitía muy diferentes lecturas, la ha transformado en una canción de baile, no tan disco eso sí, más bien electro, que ha llamado ‘Fast Slow Disco’. Dice haberse inspirado en Taylor Swift a través de un amigo común (Jack Antonoff ha producido a ambas) y la verdad es que el resultado se parece un poquito, en espíritu, a ‘Style’. La remezcla ha tenido una aceptación enorme, acercándose al millón de reproducciones en Spotify y siendo su canción más oída ahora mismo, por lo que la ha llevado a la tele y además ha estrenado un videoclip para ella.
El vídeo es una visita a una discoteca gay, con la cantante embutida en cuero negro a lo Olivia Newton-John al final de ‘Grease’ y ha montado una orgía con esos hombres que ni la Kylie de ‘All the Lovers’. Otra referencia podría ser la Madonna de ‘Girl Gone Wild’, dado el carácter oscuro y pro-S&M del escenario. De hecho, Annie Clark se ha entregado más “a lo salvaje” todavía porque ha prescindido de los servicios de maquillaje y peluquería para mostrarse sudada de verdad. La verdad, matamos por ver cómo queda esto en el próximo Vida Festival la semana que viene.
Hace poco flipamos en colores viendo los vídeos de C. Tangana en las fiestas populares de Torrejón de Ardoz, un municipio a 20 kilómetros de Madrid que siempre ha presumido de celebrar conciertos gratuitos. La semana pasada se pudo ver en esta localidad a estrellas de primer nivel y hoy El Plural revela los cachés de todas ellas. Estopa habrían cobrado 120.395 euros, Antonio Orozco 78.650 euros, Pastora Soler 52.030 euros, Sweet California 39.040 euros y tanto C. Tangana como Demarco Flamenco 33.830 euros cada uno en lo que fue un concierto conjunto.
El Plural recuerda que Torrejón, con mayoría absoluta del Partido Popular desde hace unos años tras dos décadas de mandato socialista, es uno de los ayuntamientos más endeudados de España, con 142 millones de euros de deuda, más de 1.000 euros por habitante. El Plural sitúa en más de 350.000 euros lo gastado en conciertos, a lo que hay que sumar otras partidas, indicando que el Ayuntamiento ha organizado unas fiestas propias de una localidad «con superávit».
Se da la circunstancia de que este será el único concierto gratuito de Estopa de todo 2018, por lo que se reabre el debate sobre si los shows gratuitos pagados por las arcas públicas sirven para beneficiar la escena musical o para alterar artificialmente la demanda del mercado y el caché de los grupos, generando cierta burbuja, como sucedió durante los 80 y los 90.