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serpentwithfeet muestra su fascinante universo neo-gospel en ‘bless ur heart’

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Josiah Wise es un artista de Baltimore afincado en Nueva York conocido por su alias serpentwithfeet. Recientemente su nombre salía a la palestra como remixer de ‘Blissing Me’, uno de los sencillos extraídos de ‘Utopia‘ de Björk. Wise comenzó a sonar en medios musicales en 2016, cuando lanzó su Ep debut ‘blisters’ en el sello Tri Angle (How To Dress Well, The Haxan Cloak –productor de ese disco, precisamente–).

Su música, que podíamos acotar como neo-gospel, en línea con artistas como Laura Mvula, está repleta de arreglos de cuerda y vientos espectaculares y coros, pero también se adentra en la experimentación electrónica. Después de aquel disco, serpentwithfeet ya tiene listo su álbum de debut, titulado ‘soil’, en cuya producción han trabajado, entre otros, Paul Epworth (Adele, Florence + The Machine) o Clams Casino (A$AP Rocky). Lo co-editará con Tri Angle Records el más potente Secretly Canadian y se acaba de presentar su primer adelanto.

Se titula ‘bless ur heart’ –curiosamente, es el corte que cierra el disco– y su vídeo oficial, dirigido por Andrew Thomas Huang –colaborador frecuente de Björk– y estrenado por The Fader, es digno de no perdérselo. Sobre todo, porque saca todo el jugo a la peculiar estética de Wise: cabeza tatuada, enorme –y postiza– barba roja, larguísimas uñas doradas, vestimenta teatral… Mientras serpentwithfeet nos pasea por una especie de antiguo palacio mientras dos pequeñas lunas le acompañan suena este tema imponente, posiblemente lo más pop que haya presentado hasta el momento.

Tracklist de ‘Soil’:
1. whisper
2. messy
3. wrong tree
4. fragrant
5. mourning song
6. cherubim
7. seedless
8. invoice
9. waft
10. slow syrip
11. bless ur heart

Demi Lovato se traslada a otra dimensión en ‘I Believe’, producida por DJ Khaled

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Esta semana se estrena ‘Un pliegue en el tiempo’, film Disney de acción real –basada en una novela del mismo título publicada en 1962 por Madeleina L’Engle– que ha sido dirigido por Ava DuVernay y que coprotagonizan Oprah Winfrey (sí, la presentadora), Reese Witherspoon, Chris Pine o Zach Galifianakis. Pero, más allá del plano cinematográfico, también ha sido noticia por contener la primera canción nueva de Sade en 8 años –su lyric-video oficial ha sido lanzado hace unas horas, también–. Sin embargo, su banda sonora contiene otras canciones que interesarán a los amantes del pop.

Por ejemplo, hoy hemos conocido ‘I Believe’, la aportación de Demi Lovato a este soundtrack. Se trata de un tema conjunto con DJ Khaled, que produce el tema –como bien se encarga de anunciar al inicio del mismo, en su línea habitual–. Tras un teaser emitido en televisión en la mañana de ayer, por la noche ha sido estrenado el clip oficial de la canción, que muestra a Lovato inmersa en esa especie de dimensión paralela a la que viaja la protagonista infantil de novela y película.

Demi Lovato está inmersa en una gira mundial de presentación de ‘Tell Me You Love Me’, su buen último disco, que llegará a España el próximo mes de junio: el día 21 estará en Sant Jordi Club de Barcelona, y el 22 en el Palacio Vistalegre de Madrid. para presentar su último disco, ‘Tell Me You Love Me‘, quizás el mejor de su carrera. Las entradas están disponibles en Ticketmaster. Ayer publicábamos un especial destacando 5 (en realidad, 6) buenas canciones de su repertorio.

Nuevos Hobbies / Palmeras

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Dos nuevoshobbies, Raúl Bernarte y Álex Lacalle, contribuyeron a que las geniales letras de Gonzalo Marcos de El Palacio de Linares tuvieran un acompañamiento musical a la altura en su hasta ahora último disco, ‘Ataque de amor’. Por ese regalo, lo mínimo que podría hacerse es atender a las canciones que ahora Nuevos Hobbies han publicado en su segundo disco, a finales de 2017. Pero es que ‘Palmeras’ no necesita ningún tipo de excusa para que escuchemos a los pamploneses, porque sus canciones son igualmente estupendas.

Transitando con gusto y gracia por los márgenes del jangle pop, el indie británico de los 80, Los Brincos e incluso cierta querencia country, temas tan exquisitos –arreglados por Yon Vidaur– como ‘Borraría todo lo tuyo’, ‘Palmeras’, ‘Dime que no se acaba’, ‘Todo puede aún empeorar’, ‘Háblame, mírame’ o ‘Noche en tu habitación’ sobresalen de un conjunto que tiende a lo uniforme y confirman a Bernarte –compositor de todo el disco salvo ‘Aterrizaje’, co-escrito con Lacalle– como uno de los escritores más interesantes del nuevo indie español (el que se aleja todo lo que puede del indiemainstream, quiero decir).

Porque, como si la pluma afilada de Gonzalo hubiera contagiado a Raúl, estas letras comparten ese punto entre lo mezquino y lo enternecedor, lo filosófico y lo vulgar, de El Palacio de Linares, alejando el rollo naif, más previsible, de EPs como ‘Gripe’. “Hoy cuando te vi ya no estabas tan fea (…) con un chico nuevo, que de verdad no te pega”; “Hoy me he levantado y estoy fatal, todo lo que anoche hice está en “wassap”, y tú ya te has ido y no quieres hablar. Todo puede aún empeorar”; “Llegando a hoy acabo de entender que la vida se me escapa. Y ahora que por fin algo ya iba bien, ves que no quedará nada”; “En la hora wifi sé que tú estarás en algún lugar, esperándome encontrar. Y no tengo más que hacer que desconectar, pero la hora wifi no se va a acabar”; “Que contigo he pasado una enfermedad y ya no te quiero ver más. Si fuera por mí (…), borraría todo lo tuyo que hay en mí”… Son algunos ejemplos de esa lírica entre lo cándido y lo perverso que, en realidad, conforman la condición humana y que con tan buen tino plasman Nuevos Hobbies. Como en sus canciones, de lo triste a lo encantador, de lo odioso a lo adorable apenas hay un giro de voz, un cambio de acorde, una palabra…

Nuevos Hobbies presentan ‘Palmeras’ este sábado, 10 de marzo, en Madrid. Será en el bar Fotomatón, abriendo –muy apropiadamente– para Puzzles y Dragones. En verano, estarán en Contempopránea 2018.

Calificación: 7,1/10
Lo mejor: ‘Borraría todo lo tuyo’, ‘Palmeras’, ‘Dime que esto no se acaba’, ‘Aterrizaje’
Te gustará si te gustan: El Palacio de Linares, Puzzles y Dragones, Neleonard.
Escúchalo: Spotify, Bandcamp.

8 de Marzo: Sobran razones

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Este 8 de marzo, día de la mujer trabajadora, hay convocada una huelga de alcance mundial. En España reina cierta confusión. Por un lado, hay una huelga de 24 horas convocada por los sindicatos minoritarios, CNT, CGT y Confederación Intersindical. Sin embargo, los sindicatos mayoritarios (CCOO y UGT) sólo convocan a paros de dos horas. También hay huelga de estudiantes, de cuidados y consumo. La de cuidados es para visibilizar hasta qué punto el cuidado de las personas es una tarea abrumadoramente femenina. La segunda, para denunciar el sesgo machista del capitalismo. Pero en la huelga general, ¿hemos de parar solo las mujeres para resaltar hasta qué punto afectaría a la economía nuestra ausencia? ¿O es una huelga que puede realizar todo el mundo?

El panorama es algo ambiguo para las trabajadoras de todas las áreas. No menos puede resultar en el mundo de la música. Desde JENESAISPOP hemos querido realizar una pequeña consulta a una representación de artistas y trabajadoras de la industria musical sobre los motivos por los que van a secundar o no la huelga. No están todas, ya que por motivos de agenda o falta de tiempo no todas las contactadas han podido respondernos, pero las que sí nos han dado unas respuestas muy interesantes.

«Creo que va a ser muy emocionante ir a la marcha y nos va a dar muchas fuerzas y esperanza ver a tanta gente movilizada por la lucha por la igualdad. Women rights are human rights!». Ana Perrote, Hinds.

A la pregunta sobre si van a realizar la huelga, la respuesta es abrumadoramente positiva. De hecho, Maria Arnal incluso ha pospuesto su concierto con Marcel Bagés en el Café del Teatre (Lleida) para el 5 de abril, con motivo de la huelga. Hinds están entusiasmadas ante la convocatoria. Amber Grimbergen declara: “queremos un cambio real en la sociedad,  somos nosotras (TODAS nosotras) las que debemos construir este camino”. Ana Perrote añade: “creo que va a ser muy emocionante ir a la marcha y nos va a dar muchas fuerzas y esperanza ver a tanta gente movilizada por la lucha por la igualdad. Women rights are human rights!”. Para rematar, Ade Martín nos dice: “Sí hay que aprovechar que por fin hemos conseguido tener la atención en nosotras y utilizarla bien. El jueves es una oportunidad perfecta para reivindicar nuestros derechos”. Louise J. Sansom, de Anímic y Hidden Tracks responde: “Hace unos años no me daba cuenta de cómo el machismo afectaba el presente y el futuro de las mujeres, no pensaba en el feminismo, no era «consciente» de la necesidad de ser feminista, pero gracias a mujeres que luchan cada día por nosotras he podido ir viendo y aprendiendo a abrir los ojos y ver cómo tanto las cosas pequeñas como las grandes nos hacen quienes somos. Yo haré huelga en honor a las que lucharon por nosotras, por las que luchan hoy y por las que lucharán mañana, lo hago por mi hijo y lo hago sobre todo por mí”.

«Todas las desgracias acontecidas durante el año te dan fuerzas para participar en este tipo de actos, como las últimas desafortunadas declaraciones del señor Munilla, obispo de Donosti». Julia de Urreaga, Rural Zombies.

Julia de Urreaga de Rural Zombies es más explícita en sus ataques y las razones que le llevan a secundar la huelga: “Sí, el 8 de marzo secundaré la huelga feminista. Considero que es una lucha que hay que librar día a día, pero tener un día internacionalmente reconocido como este creo que puede ser muy impactante y positivo para las mujeres y todas las personas en general que apoyen la igualdad de una manera pacífica. Además, todas las desgracias acontecidas durante el año te dan fuerzas para participar en este tipo de actos, como las últimas desafortunadas declaraciones del señor Munilla, obispo de Donosti, en las que considera que «el feminismo de género es el suicidio de la propia dignidad femenina». Yo no soy religiosa, pero la gente que lo sea espero que sepa diferenciar la fe de la doctrina patriarcal impartida por una institución tan poderosa como la Iglesia, en la que casi todos los altos cargos, qué casualidad, son hombres. Creo que el que no admite que existe una brecha salarial entre hombres y mujeres está cegado por los valores machistas que nos han sido inculcados desde pequeños, los que hacen que aún a día de hoy algunos crean que las mujeres merecemos menos. Personalmente, me parecen razones suficientes para salir a la calle”.

«Conforme vas creciendo te das cuentas de que por haber nacido mujer te toca menos de todo, y eso no hay Dios que lo trague». Isa Cea, Triángulo.

Isa Cea de Triángulo de Amor Bizarro no se queda atrás: “Sí, haré la huelga, esta vez es una cuestión de respeto propio. Conforme vas creciendo te das cuentas de que por haber nacido mujer te toca menos de todo, y eso no hay Dios que lo trague. Nos toca aguantar injusticias sociales, legales y sobre todo morales por no ser hombres, así de claro. Las mujeres somos las personas que más tiempo llevamos oprimidas sobre el planeta. Es insostenible y vergonzoso que esto siga pasando en cualquier país del mundo”. Las Odio hacen especial hincapié en la huelga de consumo: “Opinamos que se trata de una huelga con varios aspectos muy interesantes, cuya finalidad es mostrar el hueco que deja la mujer si decide parar, tanto en el terreno laboral como en el de los cuidados. Además está la otra parte de la huelga de consumo, que también es muy simbólica. En un momento en el que el feminismo ha logrado llegar a los grandes medios, pensamos, para quedarse, se está produciendo, en algunos ámbitos, una capitalización del discurso. Pero como movimiento de izquierdas que es, el feminismo siempre ha estado en contra del capitalismo, por lo que es muy significativa la parte de huelga de consumo».

«Me apetecía mucho poner lo de “cancelado por huelga feminista», pero al final hemos llegado a la conclusión de que un concierto es algo que pasa un día y si no, no pasa. No es como una obra de teatro. Hemos decidido que, para hacer huelga de consumo, no venderemos tickets a partir de las doce de la noche». Christina Rosenvinge.

Hay excepciones por eso dentro de este panorama a favor del paro el 8 de marzo. Lore de Belako se lamenta: “Al ser autónoma no tengo esa opción, pero sí que puedo unirme a las reivindicaciones acudiendo a las manifestaciones convocadas el 8 de marzo. Daremos un concierto en Murcia, así que nos sumaremos a la manifestación de las 20:00 en la ciudad». Ariadna Paniagua de Punsetes declara: “No voy a hacer huelga, pero respeto a quien quiera hacerla”. Christina Rosenvinge tampoco hará huelga… estrictamente. Ha decidido no cancelar el bolo que tiene programado para el 8 de marzo en la sala Apolo y convertirlo en un acto reivindicativo: «Está resultando de lo más emocionante. Estoy como si tuviera quince años. Ha provocado una ola de sororidad inédita hasta ahora (…) Me apetecía mucho poner lo de «cancelado por huelga feminista», pero al final hemos llegado a la conclusión de que un concierto es algo que pasa un día y si no, no pasa. No es como una obra de teatro. Hemos decidido que, para hacer huelga de consumo, no venderemos tickets a partir de las doce de la noche. Y cederé el escenario a las mujeres de la música, a la plataforma MYM (Mujeres y Música), leeremos un manifiesto del 8M que es común y elaboraremos uno específico”.

Pero no sólo la incidencia se va a notar sobre los escenarios, sino también detrás. Clara Pérez, una de las responsables de comunicación de Sony, confirma que secundará la huelga: “Me parece un acto necesario a la hora de ejercer mis derechos y causar un impacto tanto en el entorno donde me relaciono como en la empresa donde trabajo, más si tenemos en cuenta que en mi departamento somos casi todas mujeres”.

¿Hay más precariedad entre las artistas femeninas?

«Máximo respeto a todas, pero si una mujer no puede levantarse ante un programador y decirle: «cambiamos la fecha o no hago este bolo» vamos muy mal, a mí me pesan más mis valores que ganar un bolo más»». Louise Sansom, Anímic.

Hay otra cuestión que aflora al respecto de la huelga. En el artículo que publicaba Mondo Sonoro sobre el 8 de marzo, destaca una escueta pero contundente declaración de La China Patino de Cycle en que afirma que, si tuviera bolo el 8 de marzo: “no podría hacerla [la huelga], ya que me quedaría sin comer”. En un mundillo en que los grandes nombres que atiborran salas y encabezan festivales son eminentemente masculinos, ¿qué opinan las entrevistadas del punto de vista de Patino? ¿Es la precariedad en la industria de la música eminentemente femenina? Louise reflexiona: “No creo que sea algo femenino en este caso, no, eso es algo personal y sin género. Tú eres la que decide el valor de un movimiento. Yo no estoy de acuerdo con La China Patino, justamente es en estas cosas en las que hemos de esforzarnos para que haya cambios, y además, cuando eres músico, la precariedad es tan evidente que sinceramente, no te va a venir de un bolo. Esto además (para mí) muestra el problema más grande de todos, el de entrar en esa rueda viciosa del sistema, si dices que sí en un día tan importante, solo por lo económico, estás dejando de lado al resto de personas por tus propios intereses, ni más ni menos, pero es que además abres puertas a que esa ‘precariedad’ sea aceptada, que se pueda usar porque hay personas que dicen «vale, yo lo haré». No podemos avanzar si no estamos unidas. Otra cosa es que quieras utilizar ese concierto como acto reivindicativo. Mira, yo soy la primera que nunca tengo ni un duro, toco menos de lo que me gustaría y con cachés que la mayoría de las veces son de vergüenza, pero a veces hay que comer un poco menos y luchar un poco más (…). Está claro que la precariedad afecta, y consigue que muchos no hagan huelga, pero eso no significa que no tengan el derecho legal de hacerlo, ni quita el hecho de que hacerlo o no hacerlo sea una decisión personal. Yo no me meteré en los porqués de los demás, máximo respeto a todas, pero si una mujer no puede levantarse ante un programador y decirle: «cambiamos la fecha o no hago este bolo» vamos muy mal, a mí me pesan más mis valores que ganar un bolo más”.

«Pienso que, ya que hacer huelga es un derecho y no una obligación, cada cual debe valorar su situación personal y tomar una decisión al respecto sin ser juzgado». Ariadna Paniagua, Punsetes.

Julia de Rural Zombies confiesa: “yo estoy estudiando, así que no puedo hablar por los que trabajan, pero puedo entender que haya gente que perder un día de trabajo le suponga un problema o no se lo pueda permitir. Siempre y cuando en el día a día se luche por nuestros derechos puedo apoyar esta decisión. Pero también creo que a veces hay que hacer un esfuerzo, porque no todos los días nos juntaremos tantas mujeres para alzar la voz. En general, todo el país está viviendo una situación de precariedad laboral, pero es cierto que se acentúa en el ámbito cultural, y aún más en el sector femenino.”. Isa de TAB defiende la postura de La China: “Comprendo perfectamente a la China Patino y también a todas las mujeres que por diferentes circunstancias ese día no puedan dejar su lugar de trabajo o abandonar a las personas que tengan a su cuidado. Son esas cargas y esa precariedad laboral las que nos dejan tantas veces sin opciones. Las que sí podamos ir gritaremos más para que no se note su ausencia”. Sobre si la precariedad es eminentemente femenina, añade: “Siempre he pensado que la industria es realmente quien gobierna y quien marca las pautas sociales que más le pueden beneficiar. Siempre con una mentalidad ultra conservadora y anteponiendo el capitalismo al ser humano, y así nos va. Son esas las primeras puertas que hay que tirar abajo, porque si solo hay hombres en lugares tan decisivos seguiremos como hasta ahora”.

«Sinceramente, no le veo el sentido a cancelar un concierto y llamarlo huelga, ya que es una fiesta a la que la gente se une para escuchar». Cris de Belako.

Ariadna de Punsetes se muestra comedida: “Pienso que, ya que hacer huelga es un derecho y no una obligación, cada cual debe valorar su situación personal y tomar una decisión al respecto sin ser juzgado. Si por motivos económicos no te puedes permitir cancelar un bolo, lo respeto igual que si decides hacer huelga. Creo que la situación de dificultad económica es generalizada, y afecta a muchos grupos, estén formados por hombres o por mujeres”. Cris de Belako se sincera: ”La verdad, nunca he visto Belako como un trabajo real, primero porque la música siempre ha sido nuestro hobbie y segundo porque de momento no nos da de comer. Pero, sinceramente, no le veo el sentido a cancelar un concierto y llamarlo huelga, ya que es una fiesta a la que la gente se une para escuchar. Y en este caso, día 8 de marzo, aprovecharemos ese momento en el que la gente nos escucha para transmitir nuestro deseo de vivir en un mundo de igualdad”.

«Me gustaría que saliera un estudio serio comparando el caché que cobramos las mujeres comparado con el de los hombres. Te dicen que es porque los hombres venden más tickets. Pero es que los hombres tienen más prestigio artístico porque salen en las portadas de las revistas, porque su talento se da por hecho». Christina Rosenvinge.

Pero la que reflexiona más en profundidad es Christina Rosenvinge, llegando a la raíz del problema: “No es fácil de entender a simple vista. Por eso muchos hombres piensan que, si las mujeres no estamos ahí, es porque no queremos. Y no entienden que es porque no podemos. Tiene muchos factores. Hay un factor educacional, primero, porque las mujeres no suelen tener el papel de protagonista. Y, si lo tienen, es porque usa el caballo de Troya de sexualizarse «ahora que todo el mundo me mira, voy a hacer lo que me da la gana». Que a mí me parece totalmente legítima. Pero es que tienes luego un millón de hombres que usan otro millón de técnicas. Las niñas que quieren tocar instrumentos tienen pocos ejemplos delante. O tienen chicas con vozarrón cantando o chicas bailando. Pero pocas veces tienen chicas tocando un instrumento. En la adolescencia, los chicos tienen más libertad y pueden pillar la furgoneta para ir a tocar a un club de mala muerte de Toledo. Las mujeres suelen tener la libertad más restringida por una razón de miedo (…) Pocas veces las mujeres han entrado en proyectos de otros. Y las que hemos logrado desarrollarlos, lo hemos hecho solas. Mujeres aisladas, normalmente con una guitarra acústica. ¿Por qué? La querencia de las mujeres por el folk no es una cuestión de preferencia, sino de supervivencia. Es lo más barato y sencillo si quieres hacer música. Lo que usamos es nuestro capital creativo. Pero implicar a una banda, a un sello que ponga dinero, que inviertan en ti, es mucho más difícil en una mujer que en un hombre. Ese es el principio de la precariedad». Y pone el dardo al añadir: “me gustaría que saliera un estudio serio comparando el caché que cobramos las mujeres comparado con el de los hombres. Te dicen que es porque los hombres venden más tickets. Pero es que los hombres tienen más prestigio artístico porque salen en las portadas de las revistas, porque su talento se da por hecho (…) Como las mujeres no tenemos tanta exposición, ni la misma valoración, al empezar no tenemos a tanto público que nos siga y no vendemos tantos tickets. Es la pescadilla que se muerde la cola. Sólo se puede romper desde la conciencia”.

¿Es el mundo de la música menos machista que el resto?

«Parece que hay una tendencia a pensar que en los sectores artísticos hay menos machismo que en otros. Sin embargo, se trata de un problema estructural, no concreto de una u otra industria o sector». Las Odio.

Otra de las preguntas que planteábamos era si consideraban que el mundo de la música era más, menos o igual de machista que otras áreas. Louise se sincera: “siempre me he dedicado a la industria musical, así que no sabría opinar sobre otros áreas, estoy casi segura de que hay machismo en todas partes, desgraciadamente muchos hombres y mujeres no se dan cuenta de que lo están practicando, con sus comentarios, miradas o gestos. Qué mujer no explica la típica historia de que le da una idea a su jefe (normalmente mayor de 50, blanco y heterosexual), la rechaza sin más, y pasados seis meses la propone como suya, y nosotras lo aceptamos por el bien global de un proyecto. TODAS vamos. (…) Su superioridad es casi inconsciente (y tú encima eres la loca que grita «esa idea era mía»). Lo que queda es denunciarlo, hacer algo al respecto. Yo soy más de hechos que de palabras, así que no comparto muchas cosas en redes ni nada así, pero si actúo en mi día a día, digo lo que pienso sin miedo y si algo no me gusta no huyo en busca de otra cosa, intento cambiarlo, ya sea en una oficina o en una prueba de sonido con el típico técnico machista (que perdonadme pero hay muchos, yo menos mal que tengo a los míos que son unos ángeles, hombres y feministas)”.

Las Odio añaden: “Parece que hay una tendencia a pensar que en los sectores artísticos hay menos machismo que en otros. Sin embargo, se trata de un problema estructural, no concreto de una u otra industria o sector. Se trata de un sistema que permite que las mujeres cobren menos, no sólo porque pueda ocurrir que se les ofrezca menos sueldo de inicio para el mismo puesto que a un hombre, sino porque, además, a lo largo de su carrera, seguramente encontrará más dificultades para ascender o decidirá reducir su jornada para hacerse cargo del cuidado de los hijos. Es un sistema que permite que, en un ambiente laboral, se produzcan casos de acoso sexual más o menos grave, o más o menos aceptado socialmente como piropo o, incluso, elogio, y que fundamentalmente se produce contra las mujeres”. 

«En otros puestos especializados de producción, técnico de sonido, stage manager, tour manager, etc, encontrarte a una compañera es casi tan difícil como que te toque la lotería». Clara Pérez, Sony.

Clara de Sony explica: “No sabría decir con exactitud si es más o menos que en otras industrias, pero sí decir que el machismo está ahí y en muchos casos es demasiado evidente. Como en muchos otros sectores te encuentras con que la gran mayoría de puestos directivos o de mayor responsabilidad están copados por hombres y el número de mujeres es ridículamente inferior, al igual que en otros puestos especializados de producción, técnico de sonido, stage manager, tour manager, etc, donde encontrarte a una compañera es casi tan difícil como que te toque la lotería. Ya ni hablemos de artistas o grupos femeninos. El 2017 se cerró con unos porcentajes de participación de mujeres en los escenarios de salas y festivales nacionales que dejaba bastante que desear”. Cris de Belako piensa que “el machismo es una lacra que existe en todos los ámbitos laboral, social, educativo, domestico, cultural… No importa si es más, igual o menos machista, el caso es que es machista. Está claro que todavía hay mucho por hacer, muchas cosas por cambiar y quiero destacar que es responsabilidad de tod@s”.

Christina Rosenvinge explica su historia. “Se ha crecido poco. En el año 92, yo era la única chica que componía música. A mí me llamaron de la SGAE porque había batido los récords de recaudación femenina. ¡Lo cual solo habla de la escasez de mujeres que había! Hemos estado muchos años pensando que esta dinámica era imposible de romper, sin analizarla ni entenderla. En este momento lo tenemos todo a favor. Las mujeres queremos estar y los hombres quieren también ayudar a hacer algo. Las mujeres tenemos que dar un paso al frente. Debe haber mujeres programando, porque los hombres se identifican más con el discurso masculino y aprecian menos la voz femenina (…). Hay un lastre educacional muy difícil de romper, solo desde la conciencia absoluta. Las mujeres ya la hemos desarrollado conciencia feminista. Es el momento en que también la desarrollen los hombres, porque es positivo para todos”.

La Canción del Día: 4 momentazos de ‘Cayetano’, la parodia de Taburete y Ciudadanos hecha por Carolina Durante

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Carolina Durante, fichados por Sonido Muchacho, hogar de Juventud Juché y La Plata, entre otros, han llamado la atención últimamente por canciones como ‘En verano’, ‘La noche de los muertos vivientes‘ y ‘Necromántico‘. Pero lo que han editado hoy puede ser su «breakthrough» definitivo. Se llama ‘Cayetano’ y sí, es una parodia. Estos son 4 de los momentazos que nos ha dejado en apenas 2 minutos y medio. El vídeo ha sido dirigido por Pablo Vallhonrat.

El autógrafo de Inés Arrimadas

“Todos mis amigos se llaman Cayetano / no votan al PP, votan a Ciudadanos” es una de las frases más sonoras de la nueva canción de Carolina Durante. Las imágenes del vídeo acompañan pero van más allá, pues el autógrafo de Inés Arrimadas (“un beso enorme para mis amigos de Carolina Durante”) aparece al lado de un must de la historia del pop (¿o del postureo?), ‘Psycho Candy’, de The Jesus and Mary Chain, últimamente tan cuestionados por Edi Clavo de Gabinete Caligari.

La parodia de Taburete y Morat

En cuanto te das cuenta de lo que va el vídeo, la pregunta se hace inevitable: ¿saldrán Taburete, el exitoso grupo del hijo de Bárcenas que se ha convertido en un referente del orgullo pijo? Pues por supuesto, hay 2 referencias, una en la letra y otra en el vídeo. La letra incluye además a Morat: «Morat, Taburete / qué grupazos / en sus conciertos, cómo lo pasamos». Por su parte el vídeo, subtitulado, incluye en un momento la frase: «Toca la de ‘Sirenas'». En la redundancia, quizá sí que se han pasado de frenada… aunque ni look ni ukelele parecen algo casual.

¿El nuevo Imperio contraataca?

Lo dijimos hace tiempo y lo confirma un comentario de Youtube: «sois los nuevos Nikis». La relación con ‘El imperio contraataca’, su gran himno, es incuestionable. Esta canción en los 80 coló para alguien en algún momento como un ensalzamiento de lo español, pese a su poso irónico, y probablemente Carolina Durante esperan que, de alguna manera, alguien se tome ‘Cayetano’ en serio. Parece poco probable, pero por si acaso, un disco de Los Nikis aparece en plano. En concreto, ‘Marines a pleno sol’. Sí, el que se abría con ‘El imperio contraataca’. Después también vemos el recopilatorio ‘Mi chica se ha ido a Benidorm’.

El final en el balcón

Sin ánimo de hacer «spoiler», no podemos dejar de destacar el retrato último escogido por una banda madrileña, en este momento histórico, para retratar a Cayetanos y Cayetanas. El plano final no tiene ningún tipo de desperdicio.

Years & Years estrenan sonido con su nuevo sencillo, ‘Sanctify’

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Years & Years habían anunciado que este miércoles estrenarían nuevo single y aquí está. Tras su estreno en BBC ya podemos encontrar en las plataformas de streaming esa nueva canción llamada ‘Sanctify’. No se trata en este caso de un himno electropop como lo fueron algunos de los mayores éxitos de su debut, ‘Desire’ o ‘King’.

Ahora han decidido exprimir una influencia tribal que estaba en algún lugar de aquel ‘Communion‘ y que podría acercarlos tímidamente a Kate Bush, Peter Gabriel, The Knife, Woodkid o la primera Lorde. El tema ha sido escrito por los miembros de Years & Years Olly Alexander y Tom Hull, y ha sido producido por Kid Harpoon, quien ha trabajado con Florence + The Machine en la mismísima ‘Shake It Out’, o con Jessie Ware en ‘Wildest Moments’. El vídeo de la canción se ha estrenado de manera simultánea.

El videoclip es una superproducción, aparente primera parte de una historia por desarrollar, y se sitúa en un Palo Santo en el que los humanos se han convertido en una rareza. Entre guiños a ‘Blade Runner’, el argumento juega con conceptos como la libertad y la expresividad corporal, exaltando a todas luces a Olly como frontman. ¿Y no hay un algo que recuerda a la deriva hacia la oscuridad de Hurts?

Barcelona se rinde a unos Slowdive inmensos y atemporales

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Justo una semana antes de que Slowdive actuaran en la sala Apolo, nevó en Barcelona. No cuajó, pero muchos salimos a la calle para empaparnos de esa sensación mágica de anormalidad que parece ralentizar el paso del tiempo. Yo lo hice con Slowdive sonando en mis auriculares, sabiendo que siete días más tarde volverían a recorrerme los mismos escalofríos de placer y excepcionalidad. Y así fue. Porque, pese al calor sofocante y creciente debido al lleno que registró una sala que ha ganado algo de espacio con las últimas reformas, presenciar la actuación de los británicos fue como estar en el ojo de una gélida tormenta emocional vivida a cámara lenta, con violentas ráfagas de guitarra acariciándonos, cascadas de finas melodías y una intensidad atmosférica a baja presión.

La condición de banda de culto de Slowdive se fue gestando durante los casi de 20 años que pasaron separados, pero se ha certificado definitivamente a la luz de su regreso discográfico homónimo, publicado en mayo del año pasado ante la admiración unánime de crítica y público, tanto del viejo como del nuevo. Un álbum con el que se ha descongelado un género que, hoy por hoy, no cuenta con demasiados grupos de nuevo cuño en el mainstream. Ya habían actuado en 2014 en el Primavera Sound, en aquella gira de reunión, pero el carisma, el sonido y la cercanía que propicia una sala como Apolo otorgaba a esta cita un carácter muy especial. Con razón el sold out, también registrado en el concierto de esta noche en Madrid.
Y así, del mismo modo que ‘Slowdive’ ha pulverizado nada menos que 20 años de espera, sus canciones se integraron a la perfección con las antiguas en un setlist que podría constituirse como mito: una hora y media larga y atemporal del shoegaze y dream pop más canónicos. Saltando de la solemnidad de ‘Slomo’ a la solidez de ‘Slowdive’, y de ésta a la bruma onírica de ‘Crazy for You’. Rejuveneciendo con el ritmo enriquecido y valiente de ‘Star Roving’, con un Neil Halstead siempre evadido hacia sus amplis; y, acto seguido, rescatando de la nostalgia una ‘Avalyn’ viciada y fúnebre cuyo final nos dejó sin aliento. Pero no era más que el calentamiento.

Entonces, coincidiendo con un tramo en el que Rachel Goswell agarró la guitarra, llegó la hora de los grandes himnos. Anti-himnos, mejor dicho: esas piezas abismales que a la vez arañan el firmamento y se hunden en lo más profundo de nuestra psique. Canciones enormes como ‘Catch the Breeze’, gélida y ardiente al mismo tiempo, capaz que anudarnos la garganta hasta hacernos llorar; como ‘No Longer Making Time’, un escalofriante salto de fe al vacío; como ‘Souvlaki Space Station’, envuelta en ondas gravitacionales (que circundaron a la propia Goswell en su baile); como ‘When the Sun Hits’, cenital por excelencia y con esa épica para antihéroes; y como ‘Alison’, que fue como tocar el cielo. Canciones que podrían separar las aguas, que juegan con las fuerzas naturales como Poseidón sin su vengativo carácter.

Es más, podría decirse que lo nuevo de Slowdive rebosa aún más emoción, dulzura y bondad que su antiguo trabajo, y que la interpretación en directo de aquél se ha visto influenciada por ello. Con el público ya totalmente entregado, temas recientes como ‘Sugar for the Pill’ y ‘Don’t Know Why’ terminaron de ablandarnos el corazón, completando el repertorio, eso sí, con una semi-acústica ‘Dagger’ y con ‘40 Days’, piezas extraídas de ‘Souvlaki’, su segundo álbum.

Luego, detrás de toda su música, están ellos. Rachel y Neil. La mirada feliz y sonriente de ella, buscándonos uno a uno; el alma de grunge en paz de él, siempre flotando y como disperso en sus punteos y distorsiones. Cantando a dúo, volando en tonos distintos pero juntos, tocándose sin estar siquiera cerca. En muchas ocasiones Rachel mira a Neil con ternura y admiración, y aunque éste levite en su propio mundo, dibujando con los dedos aristas imposibles, milagrosas, la conexión se produce, estalla la chispa y los sentimientos se convierten en magia y en música. Entonces es cuando el tiempo deja de transcurrir con normalidad y pierde sentido. No solo por habernos regalado el mejor antídoto contra la nostalgia, que obviamente es el hecho mismo de que hayan regresado al redil de nuestro regazo; sino porque, al igual que pasa cuando nos quedamos absortos bajo una inesperada y atípica nevada, mientras gotean sus guitarras, como pétalos de flor de loto cayendo, y mientras la distorsión bate sus alas de colibrí, nuestra existencia misma transcurre más despacio, adhiriéndose a ella la emoción de las vivencias con mucha más intensidad y perdurabilidad. ¿Quién podrá olvidar el concierto de Slowdive en la sala Apolo? Nadie. 10. Fotos: Pablo Luna Chao.

Susanne Sundfør, una voz prodigiosa para un repertorio sin «hits»

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La noruega Susanne Sundfør, reciente ganadora del Nordic Music Prize 2018 por el excelente ‘Music For People In Trouble’ por delante de las últimas obras de Björk o Fever Ray, ofreció anoche –en el marco del certamen Guitar BCN 2018– su primer concierto en Barcelona, y también en el país. Sin embargo, debió sentirse como en casa. Más que nada, por un público nórdico que igualaba o casi superaba al local en una llena sala Luz de Gas. Ellos fueron los únicos que le lanzaron arengas, más calientes que el respetable mediterráneo, lo que son las cosas. Imaginamos que esta noche en el Teatro Lara de Madrid será diferente, porque a estas alturas del año no hay allí tanto turismo del norte de Europa… ¿o sí?

Aún así, ella se esforzó en dar las gracias en castellano/catalán e incluso pareció percibir como apropiado recuperar ‘Can You Feel The Thunder’ de su disco ‘The Silicone Veil’, canción que habla de un matador en Pamplona –la sombra de Hemingway es alargada– y contiene alguna frase en nuestra lengua. “¿Qué tal es mi español?”, preguntó, como si hubiera manera de reparar en su dicción ante su abrumador chorro vocal, un timbre que es un verdadero prodigio en registros, potencia y matices, con similitudes con Carole King y Joanna Newsom, pero perfectamente identificable a estas alturas. Tan descomunal que en numerosas ocasiones acallaba el sonido de los instrumentos que la acompañaban. Casi de otro mundo, ya vale la pena pagar la entrada para sentirla.

Otra cosa es el repertorio que, con el acompañamiento de otros dos multiinstrumentistas –una mujer que tocaba teclados, el arpa y hacía coros pero no retuve su nombre, y Jesse Chandler, de Midlake y BNQT, que se empleó en teclados e instrumentos de viento–, racaneó inexplicablemente con sus canciones más conocidas: sonó casi íntegro su último disco, del que apenas dejó fuera sus singles, ‘Mountaineers’ y ‘Undercover’ (la viene tocando habitualmente, pero aquí decidió sustituirla por una estupenda versión de ‘Home Again’ de Carole King); de manera similar, apenas sonó un tema de ‘Ten Love Songs’ y fue ‘Trust Me’, no precisamente de las más célebres de ese álbum (aunque solo por su primera línea –“Nothing’s ever easy when you take ecstasy”– ya valía la pena). Sólo concedió el “hit” de ‘The Silicone Veil’, ‘White Foxes’, pero tampoco hablamos de su disco más popular.

El setlist parecía reo del formato de esta rama de la gira, más proclive a desarrollos ambientales –en una ocasión, resultó hasta confuso que el trío saliera a tocar un instrumental para volver a marcharse–, intros y outros, solos de piano entre clásicos y jazzies. De hecho, hubiera tenido incluso más interés escuchar adaptaciones a este estilo de canciones bailables como ‘Delirious’ o ‘Kamikaze’.

Pero en todo caso fue un concierto exquisito, porque ‘Music For People In Trouble’ está sobrado de momentos sublimes, tan escalofriantes como ‘Bedtime Story’ o ‘Reincarnation’ (rematada con una outro que, a falta de slide guitar, tiró por el jazz, un poco a lo Tim Hardin), que arrancaron las mayores ovaciones de la velada, junto con ‘Good Luck Bad Luck’, ‘Mantra’, ‘The Sound of War’ o ‘No One Believes In Love Anymore’. El mimo, calidad y calidez de los arreglos de piano, saxo, clarinete o arpa y, sobre todo, la voz superdotada de Sundfør –que, en cambio, se mostró más tímida de lo que imaginábamos– fueron una auténtica joya cuyo mayor problema es que, con semejante repertorio, apenas sonaran 12 canciones, en una hora escasa de concierto. 7,9.

Foto de cabecera: Desi Estévez, cedida por Houston Party.

¿Pagarías por que un artista se retirara? Vince Staples se lo ofrece a sus «haters» por 2 millones de dólares

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Vince Staples es uno de los raperos más exitosos de la actualidad, muy especialmente después de que su último disco ‘Big Fish Theory‘ fuera top 20 en Estados Unidos y además uno de los mejores discos de 2017 para decenas de medios, incluido el nuestro.

Sin embargo, parece que algo no va bien últimamente en su entorno y Staples está recibiendo un «feedback» especialmente negativo por sus conciertos, con gente protestando por «la falta de energía y los fallos de producción». Por ello, ha decidido rodar un vídeo en el que explica que, debido a todas esas críticas, ofrece su retirada a cambio de 2 millones de dólares. Ha llegado a abrir un crowdfunding para recaudar esos 2 millones. Si se llega a esa cifra, asegura: «eso me permitirá cerrar la boca para siempre y que nunca volváis a saber de mí. Ni canciones, ni entrevistas, ni absolutamente nada».

Los primeros donativos en los primeros minutos ascienden a 500 dólares, nada significativo, si bien da un poco de miedo imaginar cuán alto puede llegar la cantidad teniendo en cuenta que la gente está poniendo entre 5 y 100 dólares -de momento- para este cometido. ¿Habrá alguien a quien le sobra tanto el dinero como para donar una barbaridad? ¿Y se retiraría en serio? ¿No puede aspirar un rapero de su categoría a ganar mucho más que un par de millones a lo largo de los años sumando streamings, conciertos, acuerdos con marcas, derechos de autor, colaboraciones con artistas incluso más famosos?

En cualquier caso, Vince Staples parece estar de broma mientras se dirige a cámara. Siempre se puede devolver el dinero de un crowdfunding por lo bajini. Son además conocidas sus inquietudes artísticas al margen de la pasta. Algo le picaría para volver. Pero aparte de esa cuestión, el melón que ha abierto es fino: la reflexión sobre el alcance de la negatividad que los artistas reciben en las redes sociales, la sobreexposición en las mismas, las críticas y el excesivo feedback que reciben en todo momento… y por otro lado, su modo de encajar esas críticas. ¿Es esta la mejor o no es acaso tan imaginativa? Más que «haters», la gente que va a sus conciertos han de ser fans que esperaban simplemente un show mejor.

Finalmente, cabría preguntarse qué pasaría si una estrella más global que Vince Staples se sumergiera en tamaño reto. Existen listas con los cantantes más odiados el mundo, y Justin Bieber suele encabezarlas. De hecho, suyo es el vídeo con más «dislikes» de la historia de Youtube, con ‘Baby’. Bieber aparece en ese top 50 varias veces incluso con hits tan universales como ‘Sorry’ o ‘What Do You Mean?’. Sin duda, el cantante, que gana más de 80 millones de dólares anuales según Forbes, podría pedir más que 2 millones de dólares por retirarse, pero dado que sus «dislikes» también suman millones… ¿cuánta gente se molestaría realmente en romper la hucha? ¿Y sería justo en base a sus méritos artísticos, que recordemos, incluyen la nominación al Grammy a Álbum del Año por ‘Purpose’?

¿Pagarías para que un artista que odias se retirara?

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My Bloody Valentine anuncian «un par de EP’S», pero no de 4 canciones, ni cortos

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A finales de 2017 se anunció un nuevo disco de My Bloody Valentine para la próxima primavera. La próxima primavera está al caer… ¿y qué sabemos de la continuación del excelente ‘m b v‘? Hasta ahora no mucho -las noticias llegan con cuentagotas-, pero al menos sabemos que hay algo en camino (saludos a Portishead).

Kevin Shields ha aparecido telefónicamente como invitado en el show de NPR ‘All Songs Considered’ y ha hablado con Bob Boilen sobre sus planes de futuro, también de su trabajo con Brian Eno y sobre los remasters de ‘Loveless’ e ‘Isn’t Anything’, siempre tan atento a la calidad del sonido de lo que escuchamos. Cuando llega el momento de hablar de nueva música, se extiende bastante: «empezamos a hacer un álbum nuevo hará un año, basado en ideas que tenía. Empezamos a trabajar solo en Pro Tools para ver si estas ideas funcionaban. Y resultó que sí. Así que empezamos a grabar en analógico el pasado verano, y después paramos de nuevo. Solo teníamos el fondo de la pista, baterías y cosas así. Y luego volví a ello porque, esencialmente, no estoy haciendo un álbum al modo en que haría un álbum, que sería de modo independiente. Estoy haciendo más bien un EP, pero no quiero que esté constreñido a 4 canciones o a una duración determinada. Es un EP de verdad, pero es un EP extenso. Voy a hacer un par de ellos antes de hacer un álbum».

Después indica que va a actuar este verano y que van a empezar a introducir «ideas» en el setlist. «Quiero huir de mi idea de cada 20 años hacer un álbum y luego una gira y luego desaparecer durante 5 años». En la entrevista de NPR indica que durante los próximos 3 o 4 años hará cosas. El primer EP espera tenerlo preparado antes de empezar los ensayos de junio. Y después, hará el siguiente. «Y mientras, tocaremos y probaremos cosas en directo. Quiero intentar mezclar cosas y estar más en el presente, que es algo que nunca he hecho».

Los EP’s no son un formato que sea ajeno a My Bloody Valentine. De hecho, los suyos están muy bien considerados entre sus seguidores y uno de sus grandes clásicos, ‘You Made Me Realise’, estaba contenido en uno de ellos, editado en 1988.

Demi Lovato en 5 temazos que casi nadie esperaba de ella y 1 bonus track

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Demi Lovato actúa los días 21 de junio en Sant Jordi Club de Barcelona y 22 de junio de Madrid en el Palacio Vistalegre para presentar su último disco, ‘Tell Me You Love Me‘, quizás el mejor de su carrera. Las entradas están disponibles en Ticketmaster. Una carrera, por cierto, no exenta de temazos asequibles para todos los públicos, no solo el “teenager”, como estos cinco… +1.

Cool for the Summer

La bisexualidad experimental o semi fingida de Demi en ‘Cool for the Summer’ no gustó a algunas personas que la acusaron de utilizar a la comunidad LGBT para su propio beneficio. “No se lo digas a tu madre” o “puedo mantener un secreto” eran algunas de las frases cuestionables de esta composición, por otro lado, incontestable de Max Martin que aunaba sensualidad, épica y un sonido muy ochentas.

Heart Attack

El single que introdujo a Demi Lovato a un público mayoritario más allá del adolescente es una composición ultra pegadiza con un punto rockero y un gran estribillo “power pop” acompañado de guitarras acústicas. En él, Lovato presume de rango vocal cantando sobre su miedo a enamorarse y a que le hagan daño.

Daddy Issues

Este no-single de ‘Tell Me You Love Me’ es la octava canción de Demi más escuchada en Spotify por varias razones. El sonido 8-bit y electro-pop de ‘Daddy Issues’ parece de Chrvches, pero lo mejor de la canción es su sentido del humor. Casi se puede oír a Demi volviéndose completamente chiflada cuando canta eso de “tengo síndrome del padre ausente, me vuelvo loca cuando estoy contigo, olvida todas las terapias a las que he ido”.

Échame la culpa

Demi, mexicana por parte de padre (aunque ella dice ahora que es española), ha sido muy lista colaborando con Luis Fonsi tras el éxito de ‘Despacito’ en ‘Échame la culpa’, un reggaetón romántico que ha sido número 1 en España. Un nuevo uso del “no eres tú, soy yo” en la música pop a la que le sobran los ganchos para convertirse en una de las canciones del verano. El vídeo se acerca a los mil millones de visitas en Youtube.

Sorry Not Sorry

De manera un tanto inesperada, ‘Sorry Not Sorry’ se ha terminado convirtiendo en el mayor éxito en solitario de Demi en las plataformas de streaming. 425 millones de reproducciones en Spotify acumula esta composición de R&B y pop noventero en la onda de la primera Ariana Grande que presenta a una Demi segura de sí misma, un tanto malévola (“I’m the baddest bitch”) y sin cuentas que deber.

Bonus: Mr. Hughes

Este bonus track de ‘Confident’ experimentaba con el sonido de la primera Amy Winehouse para ofrecer una de las grandes oportunidades perdidas de la carrera de Demi Lovato. No tiene ningún sentido que tan poca gente se haya quedado sin escuchar este eufórico ‘Mr. Hughes’ compuesto por un post-estribillo de “oh oh ohs” colosal que derribaría todos los “wall of sounds” de Phil Spector.

Carlos Sadness, Belako, Fernando Alfaro, Niño de Elche, Bad Gyal… en las listas españolas

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Diferentes tipos de luz‘, el nuevo disco de Carlos Sadness, es la entrada más fuerte en la lista de ventas española. No ha podido contra el disco de Operación Triunfo, pero sí registra la mejor posición de su carrera, pues ‘La idea salvaje’ fue top 12. También El Kanka, Belako, Niño de Elche, Fernando Alfaro o ¿David Bowie? y en streaming Bad Gyal ingresan en la tabla de Promusicae.

2(E) Carlos Sadness / Diferentes tipos de luz

Estupenda posición de Carlos Sadness en España con su nuevo disco. ‘Diferentes tipos de luz’ sube 10 posiciones respecto a ‘La idea salvaje’ y también es la entrada más fuerte en la lista de streaming, en el puesto 8.

6(E) El Kanka / El arte de saltar

Posiblemente gracias a la publicidad que ha hecho de él Amaia Romero en Operación Triunfo (su famoso ‘Qué mal que estoy y lo poco que quejo’ es una versión de El Kanka), el cantautor malagueño registra la segunda entrada más fuerte en la lista de ventas con ‘El arte de saltar’, que incluye una colaboración con Jorge Drexler.

8(E) Fredi Leis / Neón

El cantautor y pianista gallego se ha abierto un camino en el pop teloneando a Alejandro Sanz o Malú, y ahora debuta con ‘Neón’ directamente en el top 10 de ventas.

12(E) Sofia Ellar / Nota en Do

Buena entrada para esta cantautora de Madrid nacida en Londres que se hizo famosa gracias a Instagram. Su primer disco, ‘Seis peniques’, llegó el año pasado.

16(E) Niño de Elche / Antología del cante flamenco heterodoxo

El flamenco heterodoxo de Niño de Elche entra en el top 16 de la lista de ventas. La promoción del disco ha llevado a Francisco Contreras por ejemplo a Late Motiv, donde ha realizado una gran versión del himno de España.

29(E) Belako / Render Me Numb, Trivial Violence

‘Hamen’, el anterior disco de Belako, pasó varias semanas en la lista de ventas española tras debutar en el top 24 de Promusicae. ¿Tendrá ‘Render Me Numb, Trivial Violence‘, el nuevo álbum de los vascos, la misma suerte? De momento, entra unos peldaños por debajo de aquella posición, en el puesto 29.

34(E) B.S.O. ‘Chica vampiro’

La banda sonora de ‘Chica vampiro’ llega a la lista de ventas después de que la serie infantil colombiana, ya terminada, se haya estrenado en la televisión por cable española. Se emite en Disney Channel.

37(E) Fernando Alfaro / Sangre en los surcos

El extraño nuevo disco de Fernando Alfaro, que incluye varias canciones originales, versiones nuevas de canciones de su etapa en Surfin’ Bichos y Chucho y otros descartes antiguos, logra irrumpir entre los 40 discos más vendidos en el país.

52(E) Concert for George

Hay nostalgia por George Harrison y por supuesto entra en la lista de ventas la re-edición de ‘Concert for George’, el concierto tributo que varios colegas como Paul McCartney, Eric Clapton o Tom Petty realizaron en 2002 en el Royal Albert Hall de Londres. El disco celebra el 75 aniversario del nacimiento de Harrison.

58(E) Dinero / A 10 años luz

Los recopilatorios de éxitos siguen funcionando y a la lista de ventas española llega el de Dinero, que en ‘A 10 años luz’ han re-grabado canciones de sus 10 años de carrera con Dani Martín, Iván Ferreiro, Mikel Izal o Martí Perarnau (Mucho), entre otros.

71(E) David Bowie / Heroes, 89(E) Low

Recientemente, Parlophone ha reeditado en CD, vinilo y digital cinco discos de Bowie, ‘Low’, ‘Heroes’, ‘Stage’, ‘Lodger’ y ‘Scary Monsters’. Dos de ellos, ‘Heroes’ y ‘Low’, entran en la lista de ventas.

Y en streaming…

Carlos Sadness es el disco más escuchado en las plataformas de streaming esta semana (8), seguido por Bad Gyal, cuya “mixtape” ‘Worldwide Angel’ no cuenta con edición física. También entran Sofia Ellar en el 13 y El Kanka en el 17, aunque más curioso es el ingreso en tabla del australiano Vance Joy, top 28 con ‘Nation of Two’, sin gira pasada o futura en España. El disco ha sido además top 1 en Australia, top 2 en Canadá y top 10 en USA.

La versión definitiva de ‘Tu canción’ de Amaia y Alfred es más rica en arreglos (y en autotune)

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RTVE ha estrenado, al fin, la versión definitiva de ‘Tu canción’, la, ejem, canción que la navarra Amaia Romero, ganadora de Operación Triunfo, y el catalán Alfred García, cuarto finalista, ambos pareja, presentarán el próximo mes de mayo en Eurovisión, que se celebra en Lisboa. El vídeo, como os hemos contado, se estrena este viernes.

Por supuesto, la estructura de la composición original de Raúl Gómez se respeta en esta nueva versión de ‘Tu canción’ algo más rica en arreglos… y en autotune (la voz retocada de Alfred es evidente en sus primeros versos, y diríamos que las voces de ambos han sido limadas con bastante claridad a lo largo de la canción, aunque esto dará igual cuando ambos la canten en directo en Lisboa). En la segunda estrofa parece que se han marcado la presencia de algunos elementos percusivos y en el estribillo final se ha añadido un parón y un subidón con redoble que… ¿era necesario? Eso sí, los arreglos orquestales parecen los mismos, aunque más intensos.

La versión original de ‘Tu canción’ sigue disponible en Spotify. La adjuntamos para quien quiera comparar. Evidentemente, la nueva versión suena menos lánguida, gracias a unos arreglos que aportan más dinamismo a la composición, sin restarle la emoción de la orquesta. ¿Tiene posibilidades esto de ganar Eurovisión? De momento, España va segunda en las apuestas de Wiwibloggs.

NME ya no publicará más en papel tras 66 años, aunque no se deshace de su versión “dorada”

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NME, una de las publicaciones musicales más prestigiosas del mundo, original de Reino Unido, donde en los 70 fue la revista musical más vendida, ha anunciado el cierre de su edición en papel tras 66 años de historia en los que ha llegado a cubrir el nacimiento de los Beatles o el auge del punk durante la era Thatcher (fue su época más política), siendo muy importante también para la popularización del post-punk, el shoegaze y por supuesto el brit-pop. NME seguirá en internet, abrirá dos canales de radio y estrenará una nueva web, The Big Read, aunque seguirá imprimiendo NME Gold, su servicio por suscripción.

Tras décadas de transformación editorial en los que pasó de ser un periódico musical a un tabloide más ligero y adaptado a los nuevos tiempos, en 2015 el “New Musical Express” pasó a distribuirse gratuitamente en Reino Unido después de un descenso de las ventas que obligó a la revista a reducir su distribución a las 15.000 copias, una cifra muy lejana de las 300.000 que llegó a despachar semanalmente en su mejor época, de manera especial en 1964, durante el auge de los Beatles, y que de hecho superó a partir de 2015 tras pasarse al modelo gratuito, batiendo su propio récord.

Paul Cheal, director de la editora Time Inc., propietaria de NME, ha explicado que la edición física gratuita de NME ha “catapultado” el número de usuarios en NME.com, pero que la publicación se ha “enfrentado a costes de producción cada vez más altos y a un mercado de publicidad impresa muy duro”. “Es en el ámbito digital donde el esfuerzo y la inversión se centrarán para asegurar el sólido futuro de esta famosa marca”, ha apuntado.

Ladilla Rusa / Estado del malestar

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Escuchando a Ladilla Rusa, dúo formado por los también periodistas Víctor F. Clarés y Tania Lozano, uno asume que su irrupción se ha visto favorecida, de alguna manera, por el éxito de Las Bistecs: su exitillo en la escena parece haber allanado el camino para que una propuesta basada en la pura guasa y apoyada en irresistibles pepinazos como ‘Macaulay Culkin’ y ‘Bebo (de bar en peor)’ –a la postre, lo mejor del disco– se haga popular en poco tiempo. Como aquellas –y como también Chico y Chica, Alma X u Ojete Calor–, esta suerte de performance musical se apoya en el humor para buscar el guiño con su público potencial y, por encima de todo, divertir. En el caso de Ladilla Rusa, a diferencia de los antes citados, la música parece más la forma que el fondo: no hay coartada estética que valga, ni estilo que se les ponga por delante si sirve para sus propósitos.

Así que, producido por Ignacio Miranda (Ultraplayback, Julieta Jones), ‘Estado del malestar’ –financiado por crowdfunding y editado por un subsello de El Genio Equivocado, La Mundial Records– no se casa con nada ni nadie y alberga de todo: a la rumba gabber, el electro con querencia italo y el tecno punk que ya conocíamos, ahora se suman tropical funk, electrojota, bakalao o trap morisco, un poco porque sí. Esa diversidad musical contribuye a hacer del primer disco de Ladilla Rusa una aventurilla desopilante con la que parece casi imposible aburrirse.

Da igual que no sea ni especialmente original ni goce de una especial pericia sonora: cuando esas producciones van de la mano de coñas inspiradas y perversamente incorrectas (algo tan osado como necesario hoy día) como desmenuzar el argumento de ‘Solo en casa’, cantarle a pasarse el día pensando en privar, hacer de aquella delirante aparición de El Cigala en El Hormiguero un himno (‘Atrás’), derribar el romanticismo sexista de las princesas Disney (‘Princesas’) o hacer que el “no es no” sea una reivindicación feminista bailable y cachonda a un tiempo (‘Cerrada’; muy bien los «cerrada de amor, abierta al champagne; cerrada de amor, cerrada de pussy»), Ladilla Rusa tienen sentido. Pero cuando ese gracejo muta en chistes facilongos y algo baratos –que en sus mejores momentos parecen retazos previsibles de monólogos de ‘El club de la comedia’ y, en los peores, son propios de las parodias musicales de Los Morancos–, el disco pierde lo único que no podía perder: la gracia.

Da igual que se empleen para homenajear a ídolos muertos (‘Criando malvas’, con un estribillo muy Enrique y Ana) o la cultura del robo y el pelotazo en las élites española y catalana (‘Estado del malestar’). Y es aún peor cuando se tornan en simples chistes gruesos sobre ponerse fanegas a base de cocina tradicional (‘Cambiome el cuerpo’), esbozar a una especie de ‘Lady Olé’/‘DJ Bicha’ del Vallès (‘Encarni encarnae’; superbailable, por otra parte) o elogiar tu tienda de todo a 100 preferida (‘Chucherías Mari’). Bromas privadas, las justas y necesarias. Por lo visto y leído, se intuye que la mayor baza de Víctor y Tania son su morro y su espontaneidad, algo que solo emerge de cuando en cuando en ‘Estado del malestar’, un disco que divierte pero no tanto como prometía.

Así que habrá que esperar a sus shows en directo para certificarlo: estarán el 17 de marzo en la sala Almo2bar de Barcelona y el 24 de marzo en Superlativo Bar de Madrid.

Calificación: 5,5/10
Lo mejor: ‘Macaulay Culkin’, ‘Bebo (de bar en peor)’, ‘Atrás’, ‘Cerrada’
Te gustará si te gustan: Chico y Chica, Las Bistecs y Ojete Calor, pero también te hacen gracia Los Morancos y José Mota.
Escúchalo: Spotify.

Theresa Wayman de Warpaint es TT (que no trending topic) en su debut en solitario

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El 18 de mayo verá la luz ‘Lovelaws’, el nuevo disco de Theresa Wayman, vocalista y guitarrista del cuarteto de rock experimental de Los Ángeles Warpaint. Es su debut en solitario y ojo, no lo firma con su nombre sino con un apodo que no va ayudar nada a que la encontramos en las búsquedas de Google: TT. Como trending topic.

La nota de prensa explica que ‘Lovelaws’ habla de la maternidad de Wayman (tiene un hijo de 12 años), una maternidad que le ha permitido saber “lo que es dar y recibir amor incondicional”, y también sobre “los altibajos de un romance, vistos a través de la experiencia de Wayman en sus frecuentes giras, donde la rutina puede ser desquiciante, y en la que cualquier relación se complica”. Wayman trató de procesar la soledad en un disco “down tempo, sexy y emotivo”. Apunta: “Soy una persona romántica en un mundo en el que una relación es difícil. Pero también necesito estar sola y no forzar el hecho de tener una relación.”

El primer avance de ‘Lovelaws’ es la jazzy y cabaretera ‘Love Leaks’, que también presenta un punto experimental y electrónico en la onda de las composiciones poliédricas y “arty” de Warpaint.

Biffy Clyro, León Benavente, Vintage Trouble… entre las 12 nuevas confirmaciones de Low Festival

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Low Festival, que celebra su 10º aniversario los días 27, 28 y 29 de julio en Benidorm, acaba de confirmar 12 nuevos artistas para su cartel de 2018, entre los que se encuentra uno de los grandes nombres internacionales para esta edición, Biffy Clyro, unos de los mayores exponentes del rock independiente actual gracias a su unión de prog-rock, distorsión y pop. Presentarán ‘Ellipsis’. También León Benavente (foto) ofrecerán en Benidorm uno de sus pocos conciertos este 2018, y entre las sorpresas del cartel está la confirmación del grupo estadounidense de rock’n’roll Vintage Trouble.

Santiago Auserón, líder de Radio Futura y Juan Perro, y la banda mallorquina Sexy Sadie unirán sus esfuerzos en un set conjunto en el que presentarán temas míticos de su repertorio como ‘Escuela de calor’ o ‘Annabee Lee’. Más confirmaciones nacionales son las de Mujeres, que también celebran su 10º aniversario, y Las Chillers, que acaban de publicar canción propia, ‘Siempre juntas’. Y a los platos, DJ Coco.

Entre las promesas que se suman a Low Festival encontramos el grupo de rock psicodélico de A Coruña Fogbound y a los mallorquines Escorpio, que evocan los sonidos de Golpes Bajos, Décima Víctima o Parálisis Permanente. Además, vuelve Sona La Dipu para mostrar algunos de los grupos más prometedores de Valencia. Actuarán Odd Cherry Pie (synthpop y folk), Mireia Vilar (pop) y Dûrga (post-rock).

A punto de agotarse los abonos VIP y VIP Pool, todavía se pueden comprar abonos generales por 67€ en lowfestival.es/abonos/. Su precio subirá mañana jueves a medianoche.

Cat Power se dejará descubrir por el público “millennial” teloneando a Lana Del Rey en España

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Aunque Cat Power lleva más de 20 años en activo, nunca ha alcanzado la popularidad de Lana Del Rey. Por eso no sorprende descubrir que la autora de ‘Moon Pix’ y de otras obras maestras como ‘You Are Free’ ejercerá las veces de telonera en los dos conciertos de Lana tiene programados en España esta primavera, el 19 de abril en Palau Sant Jordi de Barcelona y el 20 de abril en el Palacio Vistalegre de Madrid.

Chan Marshall -así se llama Cat Power- se dejará así descubrir por el superlativo público “millennial” que sigue religiosamente a Lana Del Rey y posiblemente desconozca el trabajo de una de las mayores representantes del indie-rock norteamericano de los 90. O quizás ya la conozcan, ya que Lana habló de Cat Power en una entrevista de 2014, reconociendo que se sentía “conectada” psicológicamente a ella debido al miedo escénico que comparten, o compartían. También, en 2015, dijo que Cat Power era su “mayor inspiración femenina”. ¿Alguien negaría la influencia de Cat Power en Lana escuchando canciones como ‘Colors and the Kids’?

La gira europea de Lana Del Rey arranca el 11 de abril en Milán y pasará por Roma, Berlín y Amberes antes de llegar a España. La norteamericana presenta su álbum nominado a un Grammy ‘Lust for Life

King Princess, protegida de Mark Ronson, es viral global con ‘1950’

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Un vistazo a los éxitos virales de Spotify en todo el mundo descubre en la lista la presencia de una canción titulada ‘1950’ e interpretada por una tal King Princess. ¿De dónde ha salido esta canción, la única de su autora en la plataforma, y sobre todo de dónde han salido los casi 2 millones de streamings que ha producido tras su publicación el 23 de febrero?

El secreto es Mark Ronson. King Princess, el proyecto de la joven cantautora de Brooklyn Mikaela Strauss (tiene 19 años), es el primer fichaje de Zelig Records, el nuevo sello discográfico de Mark Ronson. El autor de ‘Uptown Funk’ no ha dejado de promocionar ‘1950’ en sus redes sociales en las últimos días, hasta el punto que Ronson ha cambiado su imagen de perfil por la cara de King Princess.

‘1950’ es una bonita balada de “amor queer”, como define su misma autora, que canta y toca todos los instrumentos en la canción. Explica: “el amor queer solo pudo existir de manera privada durante mucho tiempo, y en la sociedad se expresaba a través de formas de arte codificadas. Escribí esta canción para contar una historia de amor no correspondido vivido en propias carnes, haciéndolo lo mejor que he podido para reconocer y rendir tributo a esa época de la historia”.

Como no hace tanto ‘Sea Creatures‘ de SOAK, ‘1950’ nos sitúa en una ciudad anticuada que no entiende el amor entre King Princess y su amante. Canta: “¿iba en serio aquello de que era guapa, y lo de que no quieres vivir en una ciudad donde la gente es tan mala?” En tiempos de ‘Call Me By Your Name‘, ‘1950’ es una nueva dramatización del amor homosexual “prohibido” e “imposible” (a ojos de la sociedad), aunque King Princess lo realiza a través de un estilo que parece encontrar un punto común entre Frank Ocean y Lorde y sobre todo en la balada clásica.

Otras canciones del repertorio de King Princess son ‘Send Pix’ y ‘Sunburn’, aunque ‘1950’ es oficialmente su single de debut. Los tres temas prometen un futuro brillante para esta compositora y multiinstrumentalista neoyorquina que, por cierto, declinó una oferta discográfica a los 11 años para terminar los estudios. Parece que su momento ha llegado… ¿y de qué mejor manera que de mano de Mark Ronson?

El responsable de Fyre Festival se declara culpable de doble fraude electrónico

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Billy McFarland, el joven empresario de 26 años responsable de Fyre Festival, el desastroso evento musical de lujo que había de tener lugar en las Bahamas el pasado mes de abril, pero hubo de ser cancelado por la pésima organización llena de falsedades sobre sus servicios reales, se ha declarado culpable de doble fraude electrónico en el tribunal federal de Manhattan tras ser acusado de mentir a los inversores de Fyre Media Inc., que no han vuelto a ver el dinero que prestaron a McFarland, sobre los fondos reales de su empresa. McFarland se enfrentaría a 20 años por cada fraude, 40 en total, aunque según Bloomberg, tras un acuerdo con el gobierno es posible que la pena se quede entre 8 y 10 años y en una multa de 300.000 dólares. Se espera que McFarland conozca su sentencia el 21 de junio. El colaborador de McFarland, el rapero Ja Rule, se enfrenta como él a una demanda por estafa.

McFarland ha reconocido ante la justicia estadounidense que maquilló las cifras de los fondos de Fyre Media Inc. a sus inversores. “Subestimé enormemente los recursos que serían necesarios para llevar a cabo un evento de esta magnitud. Mi intención y esfuerzo se dirigieron a organizar un festival legítimo. En un intento por recaudar lo que yo pensaba que eran fondos necesarios, mentí a los inversores sobre varios aspectos de Fyre Media y sobre mis finanzas personales”.

El caos histórico de Fyre Festival se descubrió cuando los asistentes, algunos de los cuales llegaron a pagar verdaderas burradas para acudir al evento (12.000 euros es una de las cifras), aterrizaron en la isla de Gran Exuma y se encontraron con un escenario desolador más propio de uno de los peores festivales de verano imaginables que de un evento de lujo. No se esperaban que hubiera zona de acampada en lugar de residencias como Dios manda, letrinas portátiles en lugar de baños un servicio de comida aberrante.

Jon Hopkins nos lleva a una aventura en el bosque en el vídeo de ‘Emerald Rush’

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El compositor de música electrónica británico Jon Hopkins ha anunciado su nuevo disco, el primero desde que en 2013 publicara ‘Immunity‘ y colaborara con sus amigos Coldplay en ‘Ghost Stories‘, contribuyendo a la producción de ‘Midnight’, y compusiera la banda sonora de ‘How I Live Now’, .

‘Singularity’ sale el 4 de mayo y el sello Domino dice que está influido por sus “experiencias en meditación y en estados de trance”. El álbum, dice el sello, abarca “desde tecno áspero a música coral trascendental, de piano acústico en solitario a ambient psicodélico”.

El primer adelanto de ‘Singularity’ es ‘Emerald Rush’, que encaja en la descripción de “tecno áspero” de Domino, contando también con una emocionante melodía. El tema, disponible también en streaming tanto en su versión original como en “radio edit”, se presenta con un videoclip animado dirigido por Robert Hunter y Elliot Dear y protagonizado por un chico adolescente que despierta en un bosque en medio de la noche. En su camino a la aventura, el chico se topa con unos extraños escarabajos luminiscentes que pueblan el cielo y le dirigen hacia una cueva llena de estalactitas. En el interior de esta cueva, el protagonista tiene una experiencia cósmica.

01 Singularity
02 Emerald Rush
03 Neon Pattern Drum
04 Everything Connected
05 Feel First Life
06 C O S M
07 Echo Dissolve
08 Luminous Beings
09 Recovery

Beach House no se comen el coco con el título de su séptimo disco y comparten ‘Dive’

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El 11 de mayo, justo a tiempo para el Primavera Sound, en cuyo cartel están confirmados, se publica ‘7’, el nuevo disco de Beach House, que, has adivinado, es el séptimo de su carrera. Por suerte, esta vez no se les filtrará el disco meses antes como ocurría con algunos de sus últimos lanzamientos.

Esta noche ha llegado a la red el “tracklist” de ‘7’ y a las plataformas de streaming un tema nuevo, ‘Dive’. Tras la sorpresa que supuso ‘Lemon Glow’, un tema que con su punto psicodélico contenía unas guitarras muy propias de ‘Thank Your Lucky Stars’, ‘Dive’ “se sumerge” más todavía en la parte más eléctrica del grupo, desarrollándose hacia un clímax ligeramente “shoegaze”, aunque también un poco Spiritualized.

En 2015, Beach House sorprendían publicando no uno sino dos discos el mismo año, ‘Depression Cherry‘ y ‘Thank Your Lucky Stars‘. Y en 2017, los de Baltimore sacaban a la venta un disco de rarezas y caras b. Entre los grandes clásicos de la carrera del grupo están ‘Zebra’, ‘Master of None’ (que suena en la serie del mismo nombre), ‘Myth’, ‘Space Song’ o ‘Gila’. Comenta a Beach House en nuestros foros.

‘7’:

01 Dark Spring
02 Pay No Mind
03 Lemon Glow
04 L’Inconnue
05 Drunk in LA
06 Dive
07 Black Car
08 Lose Your Smile
09 Woo
10 Girl Of The Year
11 Last Ride

Luz Casal / Que corra el aire

Luz Casal ha publicado esta semana su primer disco de estudio en 5 años. El anterior ‘Almas gemelas’ (2013), a su vez, había tardado 6 años en llegar, siempre dejando aparte un recopilatorio (2011) y el álbum de versiones de boleros de 2009. Además de ser un álbum muy esperado por el mencionado lapso, ‘Que corra el aire’ presenta la particularidad de estar producido por Ricky Falkner, conocido en el mundo alternativo por haber sido parte de Standstill, y al que Luz ha llegado porque le gustó el disco de Quique González que produjo él, ‘Me mata si me necesitas’ (2016).

Por suerte, nadie ha intentado disfrazar a Casal de indie o alternativa a estas alturas, topando con resultados tan dispares como los de ‘Infinitos bailes’ de Raphael, pues como dice ella misma: «para alternativa, yo, al margen de cuáles sean las siglas». Lo que sí han hecho Falkner y músicos y artistas tan conocidos en el mundo indiemainstream como Depedro o Santos es dar un acabado apropiado a estas canciones que nos hablan con esperanza sobre la vida, y también sobre su opuesto. Y no hablamos de cuerdas ni pomposidad. Especialmente piano, rhodes, hammond y acordeón de Josep M. Baldomà (él parece llevar las riendas en ‘Tanto ruido’), pero también la cadencia country de las guitarras del single ‘Miénteme al oído’ van construyendo un disco calmado, reflexivo, adulto y feliz alguna vez próximo a los últimos de La Buena Vida.

En ‘Que corra el aire’ encontramos canciones sobre la muerte, como por ejemplo ‘Lucas’, dedicada a un niño que falleció de encefalitis, y ‘Meu pai’, dedicada por Luz a su padre; pero ambas evitan sonar lacrimógenas, transmitiendo en verdad la alegría de vivir propia de alguien que se ha enfrentado al cáncer dos veces, tanto en 2007 como en 2010. ‘Días prestados’, de nuevo con Luz compartiendo créditos con Pablo Sycet, es toda una oda a la vida («estamos aquí de paso / en viaje hacia un fin marcado (…) vamos a brindar por ti, por mí / porque tu aliento me ayude a seguir»); de la misma manera que resuenan en la cabeza del oyente proclamas de ánimo como «dale de comer al amor, el único alimento» (‘La única verdad’), «es mejor una caída que vivir en una nube de otra vida» (‘Miénteme al oído’) o «el vértigo se irá si te atreves a saltar» (‘Volver a comenzar’). Ganas de vivir y de nuevas aventuras que quedan patentes ya desde el primer tema, el más rockero y titular, ‘Que corra el aire’, con una estupenda recreación de sonido directo que brilla especialmente en la edición CD y en alta fidelidad. Sí, aún queda gente que cuida masterización, mezcla, etcétera.

Sin «highlights» del tamaño de ‘Entre mis recuerdos’, ‘Lo eres todo’ o ‘Besaré el suelo’, los maravillosos singles que hicieron muy justamente de ‘Como la flor prometida’ (1995) el disco más vendido de su vida, ‘Que corra el aire’ sí presenta una correcta sucesión de buenas canciones. Un disco agradable, no extremadamente cómodo ni autocomplaciente, en el que despuntan el bolero ‘Quise olvidarte’ (escrito por Cristina Plaza de Clovis), la versión final de ‘Amores’ de Mari Trini o el desenlace de ‘Volver a comenzar’.