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‘120 pulsaciones por minuto’: los héroes de ACT UP en la lucha contra el sida en los 90

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El francés de origen marroquí Robin Campillo ganó el Gran Premio del Jurado -presidido por Pedro Almodóvar- en la pasada edición del Festival de Cannes gracias a este retrato del activismo LGTB, que pone su foco principal en ACT UP París en los años 90. ACT UP (“AIDS Coalition to Unleash Power”, que podría traducirse como “Coalición contra el sida para desatar el poder”) es un grupo que tenía como objetivo promover la investigación científica contra el sida y lograr legislaciones favorables para los enfermos. Fue fundado en Nueva York en 1987 por el escritor, dramaturgo y activista Larry Kramer, quien luchó porque las grandes corporaciones hicieran algo al respecto para frenar la pandemia que hubo a finales de los años 80 y dar los cuidados necesarios a los enfermos. La organización se extendió a varias ciudades y a distintos países, como a la capital francesa en 1989, que es donde se desarrolla la cinta.

Campillo presenta a un grupo de militantes que protestaban activamente en eventos políticos, en laboratorios de empresas farmacéuticas o repartían condones y folletos de educación sexual en los institutos para dar visibilidad a los enfermos y para educar a una sociedad completamente ignorante de que el sida no solamente afectaba a los sectores más marginales y oprimidos, sino que era algo que le podía llegar a todo el mundo si no se prevenía. El desprecio o el rechazo que podía causar que en los 90 un colectivo de personas LGTB enfermas trataran de rebelarse contra el sistema y hacerse visibles, está plasmado en la película con pequeñas pinceladas. Pero ‘120 pulsaciones por minuto’ no trata sobre ese rechazo, sino sobre la voluntad de seguir adelante. El filme es un homenaje a todos aquellos que lucharon por que no se perdieran más vidas, por que se regulara un sistema de cuidados a los afectados, y por concienciar sobre el sexo con protección, entre otras cosas. Una labor de auténtica filantropía, ya que estaban trágicamente destinados a una muerte casi segura, y aun así, siguieron luchando sin dejar que nunca se apagaran sus voces. El trabajo de estos activistas es de una heroicidad inmensa, y Campillo regala un emocionante y sentido testimonio fílmico de agradecimiento y de amor a todos ellos.

La propuesta narrativa de la película ya nos da pistas de lo que supone ser miembro de un grupo de acción directa como ACT UP. Durante los primeros minutos, se reincide en una idea colectiva, no hay un claro protagonista, sino que se reflejan las acciones de todos, las reuniones de debates en las que se decide cómo actuar en la siguiente ocasión o los lemas que llevarán para el Orgullo o para la manifestación del Día Internacional del Sida. Esa representación general de cómo funciona la organización sirve como una perfecta introducción para pasar a lo particular, a la relación entre Nathan y Sean, el primero seronegativo, y el segundo, afectado por la enfermedad. Es en esta historia de amor donde, inteligentemente, el director construye de manera meticulosa a dos personajes que tienen que lidiar con el sida, cada uno a niveles muy distintos, y refleja que por mucho que pertenezcan a un colectivo, cada persona esta sola en su lucha. Nahuel Pérez Biscayart, que interpreta a Sean, ofrece un auténtico recital emocional, y su química con su pareja en pantalla, Arnaud Valois, es absoluta. En palabras del propio Campillo, Biscayart es un actor barroco, y Valois tiene una forma de interpretar más sencilla, y es en ese buscado contraste donde probablemente se encuentre el secreto de su afinidad.

Es interesante el uso que se le da al montaje y a la música durante todo el metraje, ya que parte de una línea narrativa presente y se alterna con flashbacks a menudo introducidos por las excelentes melodías electrónicas de Arnaud Rebotini. Especialmente memorable es, precisamente, en el mencionado paso de la película a lo individual, cuando se encadena una secuencia en una discoteca con una escena de cama. De esta forma, y gracias también a unos estupendos diálogos rebosantes de verdad -el guion está coescrito por Philippe Mangeot y por el propio Campillo, reconocible guionista de ‘La clase’, de Laurent Cantet- el filme mantiene un ritmo admirable, que mide perfectamente el tempo necesario para cada secuencia.

Hay algo muy valiente en la propuesta de Campillo, y es que se empeña en ser una fiel radiografía de la enfermedad y va hasta el final. No se ahorra detalles dolorosos, y tampoco hace alarde de ellos ni manipula emocionalmente al espectador. Los quince últimos minutos son, quizá, los más devastadores que hemos visto en una película en años, pero se llega a ellos de forma honesta y se palpa la implicación del autor en todo momento. ‘120 pulsaciones por minuto’ es, ante todo, una película que se compromete con lo que está narrando desde el primer instante. Y eso es algo crucial para contar una historia tan importante como esta. 8.

Las mejores canciones del momento: enero 2018

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Troye Sivan / My My My: Primer adelanto del nuevo disco de Troye Sivan y para muchos una de las primeras grandes canciones de 2018.
Camila Cabello / Never Be The Same: Segundo single del debut en solitario de Camila Cabello, tras el pelotazo de ‘Havana’.
Bruno Mars, Cardi B / Finesse: Jugada inteligente la de Bruno Mars, que con la rapera de moda presenta una versión nueva de una canción de su disco de 2016, que había pasado desapercibida.
PUTOCHINOMARICÓN / Gente de mierda: La dosis de humor electrogamberro necesaria viene de mano de la revelación PUTOCHINOMARICÓN, además con mensaje anti-bullying.
Superorganism / Everybody Wants To Be Famous: Uno de los grupos revelación de la temporada, el colectivo Superorganism, no decepciona tras la gran ‘Something On Your M.I.N.D.’.
Exnovios / Cuántas cosas por hacer: Infeccioso riff el de esta canción del segundo disco de los navarros, ‘Amor droga‘, que este sábado 20 actúan en Fotomatón, Madrid.
Melenas / Mentiras: Sus paisanas y colaboradoras Melenas han publicado un disco igual de notable, homónimo. Hablábamos con ellas hace poco.
Vega / Sally: Nuestro número 1 actual, votado por el público, es el single de presentación del próximo disco de Vega, que sabemos que se llama ‘La reina pez’.
Fernando Alfaro / Dominó: Fernando Alfaro saca un disco nuevo que finalmente ha resultado ser un disco de regrabaciones. Hay inéditas, y entre ellas se encuentra esta escalofriante ‘Dominó’.
Charli XCX, Kim Petras, Jay Park / Unlock It: Entre las últimas sorpresas de 2017, la nueva mixtape de Charli XCX, ‘Pop 2‘, con joyas como esta.

cupcakKe / Crayons: Temazo del que ha sido el primer Disco Recomendado de este año, el de cupcakKE.
Kendrick Lamar, Zacari / LOVE.: Otra de las grandes canciones de ‘DAMN.‘ ha sido lanzada como single. Pura sensualidad la de este ‘LOVE.’
Dellafuente, C. Tangana / Guerrera: Dúo entre dos de los iconos de la música urbana en nuestro país, Dellafuente y C. Tangana. Ambos iban a colaborar en ‘Mala mujer’, pero no resultó.
Jack White / Connected by Love: Reacciones encontradas para el single de regreso de Jack White, con un sorprendente fondo electrónico, pero también un claro espíritu góspel.
The Yearning / Do You Remember?: Ahora que aparecen en el taquillazo de Álex de la Iglesia, The Yearning lanzan mini LP este viernes, precedido de este dulce tema.
The Vaccines / I Can’t Quit: Tiro de 2 minutos y medio clásico de Vaccines, en adelanto de su próximo disco.
Yung Beef / Me perdí en Madrid: Hipnótico, medio agónico, nuevo single de Yung Beef, en sintonía con el globazo del que habla la letra, y que sirve como adelanto de ‘ADROMICFMS4’.
Kendrick Lamar, SZA / All the Stars: Dúo de tintes electro, casi Daft Punk, de dos de las mayores estrellas de la música negra de nuestros tiempos.
Justin Timberlake / Filthy: Primer adelanto del inminente disco de Justin Timberlake, en breve presentado en la Super Bowl.
Lion Babe, Moe Moks / Rockets: Lounge y sonidos jazzy se encuentran en este bello single cuyo vídeo se llenaba de sensualidad queer.

Tripulante y crucero / Amanecer: Veraniego adelanto del nuevo disco de Tripulante y crucero, de sonido tropical y un poquito world music.
Anitta / Vai malandra: Pelotazo de Anitta, número 1 instantáneo en Brasil que quizá llegue a España el verano que viene. Mención especial para su biquini de cinta aislante con copyright.
Christina Rosenvinge / Ana y los pájaros: Segundo adelanto del nuevo disco de Christina Rosenvinge, sobre el que pudimos hablar brevemente con la artista.
Migos / Stir Fry: El grupo trap de moda en Estados Unidos se saca de la manga esta estupenda producción como propia de The Neptunes.
James Blake / Vincent: Entre las sorpresas de Nochebuena, la mejor fue el regreso de James Blake aunque fuera a través de esta versión.
MissDandy / Diré que sí: Irresistible pelotazo del veterano músico valenciano Julián Nemesio.
Carolina Durante / Necromántico: Otra de las pruebas a punto de demostrar que Carolina Durante pueden ser «the next big thing».
MGMT / When You Die: Buen segundo single de lo nuevo de los autores de ‘Congratulations’.
Hundred Waters / Wave to Anchor: Justa recuperación de esta brillante joya perdida de Hundred Waters con motivo de la presentación de su videoclip.
Sunflower Bean / I Was a Fool: El sonido Fleetwood Mac, en concreto el de ‘Dreams’, permanece vivo gracias a gente como Sunflower Bean.

‘Born To Die’ de Lana del Rey cumple 300 semanas en Billboard 200: sus ventas e influencia desdicen a la crítica

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‘Born to Die’, el debut oficioso de Lana del Rey –en 2010 lanzó ‘Lana del Ray’, disco que ella misma retiró del mercado y que hoy no se puede conseguir por vías legales–, cumple ahora 300 semanas en Billboard 200 –siendo su cima el top 2–, una de las referencias más habituales para calibrar el éxito de un disco. Sólo dos álbumes de otras dos mujeres, ’21’ de Adele y ‘Tapestry’ de Carole King, lo habían logrado hasta la fecha. Aunque no hay datos oficiales de cuántas copias de este álbum se habrán vendido a día de hoy, en 2014 se estimaban ya en 7 millones –seguramente incluyendo su imperdible reedición posterior–. Pero es que, además de su éxito comercial, ‘Born to Die’ no solo fue el comienzo de uno de los mitos del pop de nuestros días, logrando una fiel base de fans en parte mantenida hasta la reciente edición de ‘Lust for Life’, su cuarto/quinto disco de estudio, arrastrando en este tiempo tanto a seguidores del pop comercial como a consumidores de música más sesuda y respetada por la crítica, gracias a discos más sombríos como ‘Ultraviolence’. ¿Quién lo hubiera dicho en 2012? Pocos, muy pocos.

Porque, si atendemos a la calificación del disco en Metacritic, rememoramos que fue muy mal tratado por la crítica especializada -sobre todo la norteamericana, con alguna salvedad como la web Slant Magazine-. Estas son algunas de las perlas que podemos recopilar, simplemente tomando las frases destacadas de cada medio en el citado portal de críticas:

“Me he esforzado al máximo para clasificar el álbum, [y no es más que] una serie de articulaciones, llenas de agonía y vacuidad”. [Tiny Mix Tapes; Nota: 0/10];

“Superficial y sobreexcitado, con periódicos ecos de la misantropía de ‘Valley Girl’ de Ke$ha, el álbum se instala en las más crueles preconcepciones contra la música pop”. [The AV Club]; Nota: 25/100]

“Considerando su imagen chic, es sorprendente lo gris, monótono y carente de pop que es ‘Born To Die’”. [Rolling Stone; Nota: 2/5]

“Una profundamente fallida reflexión sobre el amor, la imagen y la fama en el siglo XXI, y una colección de ideas lanzadas contra la pared para ver cuál se sostiene”. [Pop Matters; Nota: 4/10]

“Su álbum es mediocre en sus mejores partes. En las peores, es falto de inspiración y repetitivo como sus seguidores en Internet ”. [Consequence of Sound; Nota: D –esta publicación sigue el baremo de calificaciones escolares en EEUU; una “D” es un “insuficiente”]

“Por todos sus ronroneos sobre amor y lealtad, el álbum es el equivalente musical a un orgasmo fingido, repleto de torch songs sin fuego”. [Pitchfork; Nota: 5,5/10]

Curiosamente en Europa, especialmente en Reino Unido, fue mucho mejor recibido, con calificaciones notables o sobresalientes de Fact Magazine, Q, Mojo, DIY y NME, además de medios generalistas tan prestigiosos como BBC, The Guardian o The Independent. En nuestro país, las reacciones de los compañeros de Hipersónica y Muzikalia fueron levemente favorables aunque-con-peros, mientras que Mondosonoro (Xavi Sánchez Pons; Nota: 5/10) lo calificaba como “un monstruo de Frankenstein bastante descafeinado más cerca de Vaya con Dios, Smoke City o Hooverphonic, que de los primeros Portishead” y Rockdelux, que no puntúa sus críticas, dejaba el texto en manos de David Saavedra –muy admirado y respetado por el que esto escribe, todo sea dicho–, que decía “lo que ella intenta mostrar como erotismo light con cierto tono decadentista no es más que una chorrada preadolescente absolutamente pueril. Mucha Lana Del Rey, mucha parafernalia, pero no le llega ni a la suela de las plataformas a cualquier choni de barrio de 13 años”.

En este sentido, aunque nosotros mismos erramos como el que más y rectificamos las veces que sean necesarias, podemos presumir de que en este caso no nos equivocamos: “‘Born To Die’ es un disco imperfecto, como también lo eran (lo son) ‘True Blue’, ‘Faith’, ‘Appetite For Destruction’, ‘Slippery When Wet’, ‘Loud‘ o ‘Born In The USA’. Es música pop de calidad y con un potencial comercial extraordinario, con esa capacidad para el disfrute inmediato tan difícil de explicar. Como aquellos, es un disco que cuando acabe el año muchos de nosotros habremos escuchado cientos de veces más que el 90% de BNMs de Pitchfork. Y que dentro de unos años todavía escucharemos con un recuerdo emocionado de estos días”, concluía el texto que yo mismo escribí entonces y del que, a qué negarlo, aún me siento muy orgulloso.

Pero más importante que todo esto es la enorme influencia que su sonido y estética, esa suerte de trip-pop que bebe tanto del rap contemporáneo como del reprobable rol de mujer fatal tan frecuente en el Hollywood dorado, ha tenido en numerosos artistas coetáneos e incluso precedentes. Además de singles como ‘Take Me To Church’ de Hozier, ‘Paradise’ de Coldplay, ‘Love Me Like You Do’ de Ellie Goulding o ‘Wildest Dreams’ de Taylor Swift, nombres como Halsey, Melanie Martinez, Josef Salvat, Banks o The Neighbourhood difícilmente serían lo que son –aunque solo sea por la puerta que abrió ‘Born to Die’–. En el panorama nacional, su influencia se ha percibido más en el entorno independiente, con mujeres como Mow o propuestas como Ganges. De hecho, si hay algo que une a personajes tan aparentemente antagónicos como La Bien Querida y Yung Beef, no es sino su admiración por Lana del Rey: la primera no oculta que ‘Dinamita’ –de su último disco, ‘Fuego’– es una producción “en plan Lana”, mientras que el segundo debe su alias a su canción para la película ‘El Gran Gastby’, ‘Young & Beautiful’. Sí, sí, como lo leéis.

‘Born to Die’ es un monstruo, y ha marcado a público, artistas ajenos… y también a la propia Lana. Ninguno de sus álbumes posteriores ha logrado tal repercusión, y todos sus singles posteriores, desde ‘West Coast’ y ‘Ultraviolence’ a ‘Love’ y ‘Lust for Life’ pasando por ‘High on the Beach’ o ‘Music to Watch Boys to’ quedan muy muy lejos de las cifras de streaming de ‘Video Games’, ‘Born To Die’, ‘Blue Jeans’ o ‘Summertime Sadness’ –y no, no solo del afamado remix de Cedric Gervais–. Es un icono, un hito del pop de esta década como, presumiblemente, se demostrará cuando la prensa emprenda la tarea de resumir los 10s –lo cual ya está a la vuelta de la esquina, por otra parte–.

Lana del Rey actúa el 19 de abril en Barcelona, y en Madrid el día 20. Entradas aquí.

Cerco a Woody Allen por abusos, el director responde

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Una entrevista televisiva a Dylan Farrow, hija adoptiva de Woody Allen y Mia Farrow, en la que recuerda que lleva más de dos décadas acusando de abusos a su padre adoptivo, ha sido noticia hoy. Dylan ha acudido a CBS This Morning para ofrecer su testimonio en relación con la campaña antiabusos #MeToo. Ha indicado que los actores que trabajan con él deben “reconocer su complicidad”, y según su testimonio, sufrió tocamientos en sus genitales cuando tenía 7 años. Parte de la prensa indica que Hollywood está dando ya definitivamente la espalda a Woody Allen y que es muy difícil que el director vuelva a rodar en Estados Unidos, pues Oprah Winfrey, Natalie Portman y Reese Witherspoon han mostrado su apoyo a Dylan.

Woody Allen, que acaba de estrenar ‘Wonder Wheel‘, ha respondido: «Nunca abusé sexualmente de mi hija. Se me acusó por primera vez hace más de 25 años y en su momento fui investigado por la Clínica de Abuso Sexual Infantil del Hospital Yale-New Haven y por el Centro de Bienestar Infantil del Estado de Nueva York. Ambos estudiaron el caso durante muchos meses y concluyeron de forma independiente que el abuso sexual nunca se había producido. En cambio, descubrieron que era probable que su madre, enfadada, le hubiese enseñado a una niña vulnerable a contar esa historia, en el contexto de una ruptura agitada».

Allen vuelve a culpar a Mia Farrow de haber metido en la cabeza de Dylan que sufrió abusos. «Parece haber funcionado, y tristemente, estoy seguro de que Dylan de verdad cree lo que ella dice. Pero aunque la familia Farrow esté usando cínicamente esta oportunidad apoyada en el movimiento Time’s Up para repetir esta acusación desacreditada, eso no lo hace ahora más verdadero de lo que fue en el pasado».

The Prodigy se suman a Tsunami Xixón

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El festival Tsunami Xixón anuncia esta tarde que The Prodigy encabezarán uno de los días del cartel. Comentan en la nota de prensa: «Es un orgullo anunciar que los ingleses The Prodigy actuarán este verano en nuestro festival y estamos seguros de que pondrán patas arriba nuestra ciudad. Con temas tan míticos como “Smack My Bitch Up”, “Breathe”, “Omen” o “Invaders Must Die”, nos harán saltar y disfrutar hasta altas horas de la noche». Los «greatest hits» habituales en su show, por tanto, están garantizados. Además, será la única fecha en el norte de España este año.

El último disco hasta ahora de The Prodigy salía en 2015 bajo el nombre de ‘The Day Is My Enemy’, resultando número 1 en Reino Unido y disco de oro. Se espera que este 2018 saquen nuevo largo pues a finales del año pasado ya habían anunciado que firmaban con BMG y ya han estrenado varias pistas en vivo, aparentemente llamadas ‘Resonate’, ‘Need Some 1’ (antes conocida como ‘New Beats’) y ‘Boom Tap’.

Se confirma que aún faltan muchas bandas por anunciar todavía, que se sumarán a nombres ya anunciados para la próxima edición como Bad Religion, The Hives, Lagwagon, Millencolin, The Vintage Caravan, Los Coronas, Viva Belgrado, Dead Bronco y Green Desert Water. Los abonos se mantendrán al precio actual de 49 € + gastos hasta el próximo 1 de febrero a las 23:59, cuando el precio subirá. El festival se celebra los días 3 y 4 de agosto.

Fario se rodean de buitres, nenúfares y charcas en el tenebroso vídeo de ‘Bestiario’

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El trío madrileño Fario ha publicado en 2017 un disco influido tanto por las guitarras tenebrosas de Jesus and Mary Chain como por las melodías folclóricas de Mercedes Sosa, un ‘Tu aguijón‘ que se ha presentado con la luminosa (esos coros un tanto infantiles) ‘Aldea azul’, pero que guardaba otros temas más cavernosos, como ‘Presente’ o ‘Entre pipas y pitis’, que remitían al trabajo de Yo La Tengo o incluso Broadcast.

Uno de los temas más oscuros de ‘Tu aguijón’ era ‘Bestiario’, un tema de post-rock pantanoso cuya letra nos hablaba de sapos, buitres y cuervos habitando en una selva siniestra iluminada por la luz de la luna. La compositora de la canción, Montse Sánchez, ha afirmado que ‘Bestiario’ describe «un viaje de la animalidad a la humanidad a partir de la adquisición del lenguaje».

El videoclip para el tema, que estrenamos en JENESAISPOP, contiene imágenes acorde a su letra. El grupo explica que compuso el tema “a partir de una excursión al cañón del río Lobos, y muchas de las imágenes son reflejo exacto de ese ecosistema donde abundan los buitres, los nenúfares, las charcas y las ranas”. Nacho Mínguez ha dirigido la pieza con la técnica de “noche americana” y con la colaboración de Ignacio Yrizar en el archivo fotográfico. El vídeo sitúa a Montse entre plantas o sumergida en el agua, “en un jardín-dentro-de-un-vivero a las afueras de Madrid” y “rodeados de plantas exóticas, bolas gigantes de cuarzo y otros minerales utilizados a la vez como antena y protección”.

U2 retratan a Trump y a sus amigos, el Ku Kux Klan, en su nuevo vídeo político animado

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‘Get Out of Your Own Way’ es una de las canciones que U2 presentarán en su gira de 2018, que llega a Madrid el próximo mes de septiembre; y además es el enésimo single de su nuevo disco, el regular ‘Songs of Experience‘.

Por suerte, U2 se han currado un vídeo bastante chulo para esta canción, que ya puede verse. Es obra del colectivo de grafiti israelí Broken Fingaz Crew y se trata de una historia realizada con cartón y grabada en stop-motion que aborda el ambiente político actual en Estados Unidos. Aparecen el Ku Kux Klan campando a sus anchas como si nunca hubieran desaparecido, su amigo (según el vídeo) y amante de Haití Donald Trump y el niño sirio Alan Kurdi, quien se hiciera tristemente famoso en 2016 después de que una imagen de su cadáver tendido en una costa mediterránea se hiciera viral en todo el mundo. También salen U2, como podéis ver en la imagen.

El colectivo autor del vídeo ha explicado que este efectivamente trata “la situación política actual” en Estados Unidos, añadiendo: “2017 ha sido el año en el que los fascistas en todo el mundo se han sentido lo suficientemente confiados para elevar sus cabezas otra vez, animados además por Trump y otros líderes mundiales que utilizan el miedo de la gente para construir más muros y segregación”.

Migos encaran la salida de ‘Culture II’ la próxima semana con otra acusación de homofobia

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Migos publican ‘Culture II’, su nuevo disco, el próximo 26 de enero, de mano de un gran hit en Estados Unidos como es ‘MotorSport’ junto a Nicki Minaj y Cardi B; pero de nuevo la sombra de la homofobia parece perseguirles para manchar su imagen, como sucediera el año pasado cuando declaraban que les parecía “un asco” el apoyo que el rapero iLoveMakkonen había recibido del mundo del hip-hop tras salir del armario, tras lo cual pedían disculpas y aseguraban que no tenían “ningún problema con los gays”.

En este nuevo caso, la atención se centra en un rap que uno de los integrantes del grupo, Offset (quien acaba de colaborar con Tinashe) ha realizado en ‘Boss Life’ de YFN Lucci. La frase reza “I don’t vibe with queer people” (“no me gusta la gente queer” o “no me gusta la gente extraña”) y su presunta homofobia no ha pasado desapercibida en las redes sociales, donde fans y nos fans de Migos han acudido a expresar su desaprobación, hasta el punto que Offset se ha visto obligado a publicar una disculpa en Instagram, si bien un tanto sospechosa.

Antes de escribir en letras mayúsculas “LO SIENTO” y “ME DISCULPO”, Offset afirma que la frase no se refiere a la gente gay sino a la gente “rara” que le acosa como los paparazzi, en relación a la acepción de “queer” en inglés que se refiere a algo “raro” o “extraño”, y defiende que escogió la palabra “queer” porque rimaba con otras palabras como “here” o “lear”. Además, asegura que no odia a la gente gay ya que trabaja en el mundo de la moda, donde ha conocido a muchas personas gays a las que profesa un “enorme respeto”.

I didn’t write the line about gay people. I have said before since these issues before that I got love for all people. My passion for fashion has lead me to a lot of gay people around me who I have mad respect for and we are very cool so I’m not in a place where I’m hating like that. When I wrote that I was thinking of words that could rhyme with the others (here, lear, solitaire, bear) and I saw this definition about her having a queer feeling she was being watched and it fit what I was thinking about a stalker creepy paparazzi situation. To me that “queer” I don’t mean someone who’s gay. I mean lame people who film you, post it and stalk you. Lingo that means strange or odd. I M S O R R Y I A P O L O G I Z E I’m offended I offended anybody

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BØRNS / Blue Madonna

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Garrett Børns es un muchacho de Michigan que en 2015 conseguía un gran éxito con el single ‘Electric Love‘ extraído de su debut, logrando incluso llamar la atención de Prince, que mencionó esta canción en una de sus últimas entrevistas según Universal. Børns, que tuvo la rareza de escribir aquel disco mientras vivía en una casa en un árbol, es también una persona muy bien relacionada, sobre todo si recordamos que ha estado de gira con Halsey o en el tour conjunto de Charli XCX y Bleachers, o que ahora ha conseguido una corista del calibre de Lana del Rey, que no aparece solo en el acreditado dueto ‘God Save Our Young Blood‘.

A lo largo de estas 12 canciones, BØRNS, acompañado de nuevo por su productor de confianza Tommy English, reúne el sonido de los artistas de varias décadas. ‘Faded Heart’ presenta un sonido glam en la estela del David Bowie de los primeros 70, ‘Sweet Dreams’ mantiene el gusto por el sonido de Tame Impala que ya vimos en su disco anterior, la rockera ‘We Don’t Care’ remite tanto a Primal Scream como a White Stripes, ‘Man’ presenta una electrónica no tan distante de Goldfrapp junto a un piano un tanto George Michael circa ‘Freedom’ y ‘Second Night of Summer’ podría ser fácilmente una canción de Passion Pit.

El triunfo de BØRNS es haber logrado un disco que suena coherente a pesar de toda esa amalgama, pero lo cierto es que cuando suenas constantemente a otras cosas has de contar con unas canciones, una voz o unas letras realmente sublimes, y no es el caso de Garrett y su paseo por la psicodelia, el disco (‘Tension (Interlude)’, el pop onírico o la banda sonora. Sirva como ejemplo ‘God Save Our Young Blood’. Dice su sello que este corte «mezcla sensualmente las fanfarrias distantes del EDM», pero tenemos un problema si esto es lo mejor que se puede decir de un dúo con la cotizada Lana del Rey. Su leitmotiv se olvida con el paso de los días en lugar de todo lo contrario, su letra es repetitiva, y su análisis del paso del tiempo, frugal. ‘Supernatural’ es una producción estupenda, en la que brilla el theremin de Armen Ra, pero incluso aquí es obligatorio hablar de Tame Impala, Broadcast y United States of America, con unas cuerdecitas tomadas prestadas de The Style Council. Para cuando llega ‘Bye-Bye Darling’ uno ya no sabe si está escuchando un disco de Elton John, Harry Styles… o una vieja balada de Mark Owen.

Calificación: 5,9/10
Lo mejor: ‘Supernatural’, ‘I Don’t Want U Back’, ‘Faded Heart’
Te gustará si te gustan: muchísimo Tame Impala, Empire of the Sun, las migajas de Lana del Rey
Escúchalo: Spotify

Yo La Tengo comparten 4 temas de nuevo disco, ‘There’s a Riot Going On’

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Fans del indie-rock norteamericano, estáis de suerte: vuelven Yo La Tengo. Los autores de canciones tan bonitas como ‘I’ll Be Around’ y ‘Nowhere Near’ y de discos tan míticos del género como ‘I Can Hear the Heart Beating As One’, ‘Painful’ y ‘…And Then Nothing Turned Itself Inside Out‘ publican su nuevo disco, ‘There’s a Riot Going On’ (el decimoquinto), el próximo 16 de marzo.

Los de Hoboken, Nueva Jersey avanzan ‘There’s a Riot Going On’ con hasta cuatro temas nuevos y cuatro adorables portadas. Son ‘Out of the Pool’, ‘Shades of Blue’, ‘She May, She Might’ y ‘You Are Here’. Todos ellos mantienen el sonido rústico y ambiental de Yo La Tengo, y formarán parte de un disco de 15 pistas cuyo tracklist podéis observar bajo estas líneas.

En una extensa entrevista a Stereogum, el grupo ha dado a entender que el título del disco tiene un sentido político (es un título “muy recargado”), aunque no ha querido entrar en detalles respecto a su significado.

‘There’s a Riot Going On’:

01 You Are Here
02 Shades Of Blue
03 She May, She Might
04 For You Too
05 Ashes
06 Polynesia #1
07 Dream Dream Away
08 Shortwave
09 Above The Sound
10 Let’s Do It Wrong
11 What Chance Have I Got
12 Esportes Casual
13 Forever
14 Out Of The Pool
15 Here You Are

Jack White, Wolf Alice, Leon Bridges, Odesza… entre las nuevas confirmaciones de Mad Cool

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Jack White se suma a Mad Cool, en el que desde hace días se ha revelado como un cartel de órdago tras las confirmaciones de Pearl Jam, Queens of the Stone Age, Tame Impala, Nine Inch Nails, Massive Attack, Depeche Mode, Franz Ferdinand, Fleet Foxes, Kasabian, Alice in Chains, Justice, At the Drive-In, MGMT, Perfume Genius, Sampha, Rag’nBone Man, Snow Patrol o Portugal. The Man. White presentará su nuevo disco, ‘Boarding House Reach’, concretamente el viernes día 13 de julio.

Junto a él, Mad Cool ha confirmado otros jugosos nombres a su programa de este año, estos son, Eels (cuyo nuevo single hemos conocido esta semana), James Bay, Leon Bridges, Wolf Alice, The Big Moon, Odesza, Biznaga, Kevin Morby, Young Fathers, Rufus T. Firefly, Toundra, Blackbear, Daniel Avery y Richie Hawtin Close.

El festival tendrá lugar los días 12, 12 y 14 en el Espacio Mad Cool, ubicado en la zona Valdebebas – Ifema. Los abonos de tres días se agotaban recientemente, a seis meses de la celebración del evento. Las entradas VIP para el festival continúan a la venta.

Kylie revela portada, tracklist y fecha de ‘Golden’; estrena oficialmente ‘Dancing’

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Kylie Minogue va desgranando poco a poco los detalles de su nuevo disco, ‘Golden’. Tras filtrarse el sencillo principal, ‘Dancing’ (ya en streaming oficial), la cantante australiana revela la portada del álbum, que la retrata sentada en un sofá e iluminada por el sol (¿no parece una Simpson?); su tracklist y la fecha de lanzamiento, el 6 de abril.

Como ha revelado la filtración de ‘Dancing’, que se estrena oficialmente mañana viernes 19 de enero, la dirección de ‘Golden’ parece que irá en la vena country-pop de ‘Malibu’ de Miley Cyrus, ‘Anywhere’ de Rita Ora o el trabajo de Avicii, en este caso con la presencia especialmente prominente en las estrofas de unas guitarras acústicas, y una letra que puede entenderse como una reflexión sobre la mortalidad (“when I go out, I wanna go out dancing”).

Minogue ha sido noticia en los últimos meses no por su música sino por su reciente trabajo cinematográfico. La artista aparece en ‘Swinging Safari’, la nueva película de Stephen Elliott (‘Priscila, reina del desierto’), que se estrena precisamente hoy 18 de enero en Australia. La película se centra en tres matrimonios que buscan renovarse a través del intercambio de parejas.

‘Golden’:

01 Dancing
02 Stop Me from Falling
03 Golden
04 A Lifetime to Repair
05 Sincerely Yours
06 One Last Kiss
07 Live a Little
08 Shelby ’68
09 Radio On
10 Love
11 Raining Glitter
12 Music’s Too Sad without You

Eels recuerdan cómo sonaban hace 20 años en ‘The Deconstruction’

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Entre la avalancha de novedades musicales de las últimas horas destaca el regreso de Eels, el proyecto musical del ínclito Mark Oliver Everett. El día 6 de abril se publica ‘The Deconstruction’, nuevo álbum de estudio que sucede a ‘The Cautionary Tales of Mark Oliver Everett’ (2014), disco que suponía la continuación –aunque en forma de canciones– de su célebre novela autobiográfica ‘Cosas que los nietos deberían saber’.

El disco se compone de 15 nuevas canciones, de las cuales ha mostrado el corte titular del mismo. Si tomamos su sonido como una pista y no nos dejamos engañar por los primeros acordes acústicos, encontramos que ‘The Deconstruction’ recuerda al sonido de los primeros álbumes del grupo, aquel exitoso ‘Beautiful Freak’ con el que debutaron y su continuación intimista y más experimental, ‘Electro-Shock Blues’, que cumple ahora 20 años. Al menos en este tema, Everett reincide ahora en esa conjunción de pomposos arreglos de cuerda y cajas de ritmo funky que caracterizó sus inicios.

La nota de prensa de PIAS, distribuidora de su sello en España, recoge unas bonitas declaraciones de Mark sobre este disco: «Aquí tienes 15 nuevas canciones de EELS que pueden inspirarte o no, sacudirte o no. El mundo se ha vuelto loco. Pero si buscas, aún puedes encontrar cosas bellas. A veces no tienes ni que buscarlas. Otras veces tienes que esforzarte por crearlas tú mismo. Y luego están las ocasiones en que tienes que destrozar algo para encontrar algo bello en su interior”.

A finales de mayo Eels emprenderán una gira mundial de presentación de ‘The Deconstruction’ que llegará en verano y, de momento, no tiene ninguna fecha programada en España, aunque sí en Francia y Portugal (en el NOS Alive Festival de Lisboa, el 13 de julio). Estaremos muy pendientes de posibles ampliaciones.

Tracklist de ‘The Deconstruction’:

The Deconstruction
Bone Dry
The Quandary
Premonition
Rusty Pipes
The Epiphany
Today Is The Day
Sweet Scorched Earth
Coming Back
Be Hurt
You Are The Shining Light
There I Said It
Archie Goodnight
The Unanswerable
In Our Cathedral

Foto exterior: Gus Black

Justin Timberlake sobrevive en un mundo post-apocalíptico en el vídeo de ‘Supplies’

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‘Man of the Woods’, el nuevo disco de Justin Timberlake, se publica el 2 de febrero. La estrategia comercial de Timberlake para su cuarto álbum de estudio está siendo lanzar cuatro videosingles hasta la llegada del disco, del que ya conocemos el primero, ‘Filthy’. El segundo se estrena hoy 18 de enero. Como hemos dicho, el 2 de febrero sale el disco y el 4 de febrero Timberlake actúa en la Super Bowl.

Tras ‘Filthy’ llega, por tanto, el segundo avance de ‘Man of the Woods’, un tema titulado ‘Supplies’ (“provisiones”) que el cantante de Memphis ha avanzado en sus redes sociales junto a su videoclip. Estamos ante una oscura canción de hip-hop y pop con influencias de la música oriental (el sonido de lo que parece un sitar es prominente a lo largo de la canción) que presenta más tarde una sección-puente más melódica. La pieza es una producción de Pharrell Williams, Chad Hugo (ambos The Neptunes) y el propio Timberlake

El vídeo de ‘Supplies’ se ha estrenado junto al tema y está dirigido por el reputado Dave Meyers, quien ha trabajado con numerosas figuras del pop comercial, desde Britney a Kendrick Lamar. El vídeo, que contiene varios efectos especiales, muestra a Timberlake sentado ante un grupo de televisores en los que se proyectan noticias sobre racismo y luego en otras localizaciones post-apocalípticas acompañado de una mujer, su “provisión” última.

La canción del día: te vas a “hartar” de escuchar el nuevo tema de Parliament tras 38 años

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En los últimos años nos hemos hartado a escuchar proyectos inspirados en el funk psicodélico de Funkadelic y de su proyecto paralelo Parliament, en lo que hemos venido llamando en la actualidad funk alternativo. La música de D’Angelo (‘Sugah Daddy’), Kendrick Lamar (‘King Kunta’), Solange (‘Junie’), Childish Gambino (‘Redbone’) o Miguel (todo) ha bebido con mucho arte de los ritmos funk robustos, futuristas e irresistibles que George Clinton y compañía crearon en los 70 en discos tan influyentes como ‘Maggot Brain’ o ‘Mothership Connection’.

Por eso resulta toda una alegría que sean los propios Parliament (nota: Funkadelic y Parliament son el mismo grupo, pero el primero es más rockero y el segundo más funk) los que vuelvan esta vez, y no con cualquier canción, sino con un temazo titulado ‘I’m Gon Make U Sick O’Me’ (“voy a hacer que te hartes de mí”) que se suma a la lista de grandes canciones de su nutrida y fascinante discografía, ahora en colaboración con el cantante y rapero Scarface. Una canción con un pulso crujiente y vigoroso que convive con vientos explosivos, coros femeninos, voces como procedentes de una pesadilla y la expresiva voz de un George Clinton que a los 2 minutos y 15 segundos da paso a una nueva sección de la canción, definida por el paisaje celestial de un sintetizador, acompañado de la voz de Scarface.

Esta canción es el primer adelanto del nuevo disco de Parliament, ‘Medicaid Fraud Dog’, del que se lleva hablando desde hace meses y que será el primero del grupo en 38 años (el último fue ‘Trombipulation’, publicado en 1980). El disco se publica próximamente en el sello de Flying Lotus, Brainfeeder. Se desconoce el tracklist por el momento, aunque Clinton ha afirmado en una entrevista que es fan de Cardi B, Kendrick Lamar y Jay-Z. ¿Caerá alguno de ellos?

Por cierto, Bootsy Collins de Funkadelic/Parliament acaba de aparecer en una canción de Kali Uchis.

Olé Koretsky, quien fuera novio y compañero de banda de Dolores O’Riordan, anuncia nueva música de D.A.R.K.

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Science-AgreesEl repentino fallecimiento de Dolores O’Riordan de Cranberries este lunes 15 de enero ha dejado atónitos a sus millones de fans en todo el mundo y al mundo de la música, que la ha despedido en redes sociales. Y en las últimas horas han sido sus compañeros en D.A.R.K. quienes han dicho adiós para siempre a la cantante irlandesa, entre ellos Olé Koretsky, quien fuera su pareja en los últimos años de su vida.

A través de un comunicado en la web de D.A.R.K., Koretsky ha despedido a O’Riordan de manera muy personal en un emotivo texto. “Mi amiga, mi compañera, el amor de mi vida se ha ido. Mi corazón se ha roto y no tiene arreglo. Dolores es hermosa. Su arte es hermoso. Su familia es hermosa. La energía que continúa irradiando es innegable. Me siento perdido. La echo tanto de menos… Seguiré dando tumbos por este planeta durante un tiempo sabiendo muy bien que ya no hay lugar real para mí ahora mismo”.

D.A.R.K. ha informado además que, al tiempo de su fallecimiento repentino, O’Riordan se encontraba en Londres grabando con Martin Glover canciones para el sucesor de ‘Science Agrees‘, y que la banda pretende publicar este material nuevo en un futuro próximo, pues es “lo que Dolores habría querido”.

Elefantes, Viva Suecia, Varry Brava y Arco, entre las nuevas confirmaciones de Sansan Festival

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Elefantes, Viva Suecia, Varry Brava (foto), Arco, La Sra. Tomasa, Nixon y Meridian son las nuevas confirmaciones de SanSan Festival, que celebra su quinta edición en Benicàssim los próximos 29, 30 y 31 de marzo, en Semana Santa. Estos artistas se suman a los ya confirmados recientemente, estos son Sidonie, La M.O.D.A., Juanito Makandé, Iván Ferreiro, Rufus T. Firefly, Muerdo, Txarango y Ñeku. El festival anunciará más nombres próximamente. ¿Habrá sorpresa tamaño Los Del Río?

SanSan Festival contará con dos escenarios, una carpa de DJ’s, zona de hostelería, mercado y área de descanso. Además, Sansan Festival dispondrá da zona de acampada ubicada en la zona de Teresetes, junto al casco urbano de Benicàssim, con el objetivo de acercar el ambiente festivalero a la población y comercios de Benicàssim. Se facilitará varias opciones de alojamiento que incluyen check-in bienvenida a la llegada.

También se ofrecerá la posibilidad de viajar desde Madrid, Barcelona o Valencia desde autobuses oficiales del festival, y una vez en Benicàssim se habilitarán los servicios lanzaderas para poder llegar desde el pueblo al Festival y viceversa.

Las entradas están a la venta en la página web de STUBHUB.

ABONO GENERAL
40,00 € +GG

ABONO KIDS (De 0 a 10 años incluidos)
10,00 € +GG

ABONO KIDS (De 11 a 15 años incluidos)
30,00 € +GG

The Decemberists se inspiran en New Order y Roxy Music… ¿y St. Vincent? en su nuevo disco

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The Decemberists se reinventan en su nuevo disco. En ‘I’ll Be Your Girl’, que se publica el 16 de marzo, los de Portland han trabajado con el productor John Congleton, conocido por su trabajo con St. Vincent, Lana Del Rey y Antony and the Johnsons, y han querido buscar un sonido nuevo inspirándose en Roxy Music y New Order, como han expresado en nota de prensa.

Los autores de ‘The Crane Wife’ -por cierto, el año pasado se publicaba una edición de décimo aniversario del disco- y del excelente ‘Picaresque‘ han querido, claro, salir de su zona de confort. “Cuando pasas 17 años en un grupo, inevitablemente coges ciertas costumbres. Nuestra ambición esta vez realmente ha sido salir de nuestra zona de confort. Por eso hemos buscado trabajar con un productor diferente. Queríamos liberarnos a nosotros mismos de los patrones viejos y darnos el permiso de probar algo distinto”.

Y algo distinto escucharás en el primer avance de ‘I’ll Be Your Girl’, un tema principalmente electrónico, en el que se percibe de manera inequívoca la mano de Congleton en la robustez de los sonidos y ritmos. Casi, casi parece una canción de ‘MASSEDUCTION‘, aunque en este caso la presencia de guitarras sí nos hacen pensar más bien en Roxy Music.

Tinashe acierta con el urban de ‘No Drama’ de la mano de un Migos

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Después de dar tumbos con varios singles intranscendentes como ‘Player’, ‘Company’ o ‘Flame‘ y varias colaboraciones con Bleachers (‘I Wanna Get Better’), Britney Spears (‘Slumber Party‘) y blackbear (‘up in this’), Tinashe trata de enderezar su carrera con la publicación de un nuevo single titulado ‘No Drama’, en el que colabora Offset de Migos.

‘No Drama’ es el primer single de tres que Tinashe publicará próximamente, se supone que de cara a la publicación de su nuevo disco, ‘Joyride’, que se espera desde hace años. El resto se titula ‘Me So Bad’ y ‘Faded Love’. ‘No Drama’ es un tema urban y oscuro, que podría triunfar -principalmente en el mercado estadounidense- debido al carácter hipnótico de su estribillo, mientras la interpretación vocal de Tinashe puede recordar a Rihanna. De hecho, existe una versión de ‘No Drama’ sin “featuring” en la que se menciona a la barbadense en la letra (“We pulled up in Gucci, dripped down in Gabbana / Bad as your mama, racked up like Rihanna”.

En tanto trabajaba en ‘Joyride’, Tinashe publicaba en 2016 su versión oscura en forma de “mixtape”, un recomendable ‘Nightride‘ en el que la cantante daba rienda suelta a su sonido más experimental, en canciones a menudo deslumbrantes como ‘C’est La Vie’, ‘Sacrifices’ o ‘Soul Glitch’. El primer disco oficial de Tinashe, ‘Aquarius‘, sin embargo, se publicaba en el lejano 2014.

new 💎 coming soon — link in bio

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‘Los Ángeles’ de Rosalía, ganador del Premio Ruido a mejor disco nacional del año

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Los ángeles’ de Rosalía se ha proclamado ganador del Premio Ruido a mejor disco español del año 2017. Este es el tercer galardón que otorga la PAM (Periodistas Asociados de Música), que como el Mercury Prize en Reino Unido valora la calidad por encima de ventas y en sus dos ediciones anteriores ha premiado ‘Voces del extremo’ de Niño de Elche y ‘Salve discordia’ de Triángulo de Amor Bizarro. Además de Rosalía junto a Refree hemos visto actuar en la ceremonia a otros 4 de los 11 nominados: Maria Arnal y Marcel Bagés (impresionante la voz de Arnal en ‘Tú que vienes a rondarme’, divertida en el «quiéreme, adquiéreme, compra mi disco» de ‘Canción total’), la energía de power duo de Cala Vento, el punk rabioso de Biznaga (sobre todo vibrante en su himno ‘Una ciudad cualquiera’) y para cerrar la psicodelia sesentera de Rufus T. Firefly.

Rosalía, que ha realizado una alucinante actuación de cortar el hipo de 3 canciones, a destacar ‘Aunque es de noche’ -no incluida en el disco- y ‘Catalina’ (y pocas veces la Sala El Sol ha guardado tal silencio), ha tenido unas palabras de agradecimiento al recoger el premio, asegurando que no esperaba este éxito: «Ninguno nos lo esperábamos cuando grabamos el disco. Le decía a Raül (Refree): «¿Tú crees que le va a gustar a alguien?» y él decía: «sí, sí, sí», pero luego decía: «no sé». El disco nació de la pulsión del amor por la música. No habría llegado a la gente sin el cariño de los medios, y lo importante es que llegue a la gente». Al recoger uno de los premios, una guitarra, bromeaba: «No la voy a tocar porque hoy llevo las uñas de gel», en referencia a C. Tangana, nominado también pero ausente en la ceremonia. La presentadora del evento y presidenta actual de la PAM, María Ballesteros, había elogiado durante la gala las propuestas que se abren a nuevos géneros y no «encorsetan el flamenco». Era una referencia a las acusaciones de apropiacionismo a la cantante y juro que alguien preguntó detrás de mí si era gitana porque había cantado la frase «quisiera hacer testamento como esos payos con fundamento».

Los nominados eran, además del disco de Rosalía, ‘Ídolo’ de C. Tangana, ‘Mismo sitio, distinto lugar’ de Vetusta Morla, ‘Zona temporalmente autónoma’ de Los Planetas, ‘45 cerebros y un corazón’ de Maria Arnal y Marcel Bagés, ‘Firmamento’ de Rocío Márquez, ‘Para quienes aún viven’ de Exquirla, ‘Fruto panorama‘ de Cala Vento, ‘Magnolia‘ de Rufus T. Firefly, ‘Predación‘ de Pablo und Destruktion y ‘Sentido del Espectáculo‘ de Biznaga.

Chlöe’s Clue / Panorama

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Se diría que han pasado siglos desde que, ante cualquier chica que emergiera con una guitarra y cantara en inglés, implicaba ineludiblemente citar a Russian Red como referente. En realidad, no solo no hace tanto sino que seguimos en ese tiempo, como si la buena de Lourdes hubiera inventado la piedra filosofal, como si no existieran mujeres como Angel Olsen, Zooey Deschanel, Natalie Prass, Basia Bulat y hombres como M. Ward o Adam Green y grupos como Whitney. En realidad, no es sino enmarcar una idea musical que se sirve del reciclaje de maneras oldies para hacer canciones maravillosas. Y al final, no es sino eso lo que hacía Lourdes, como también lo hace la valenciana Raquel Adalid bajo el alias Chlöe’s Clue.

En su segundo álbum recientemente publicado, ‘Panorama’, cumple esos preceptos con más ahínco, decisión y clase que en su debut ‘Hidden Rhythms’, algo más heterogéneo y contemporáneo en sonido. Aunque es cierto que números como el arrebatador ‘Dibidáa’, la italófila ‘Lira Versilia’ o ‘The Desk of Despair’ encajan magníficamente con la idea estética del notable ‘Fuerteventura’, Adalid persiste aún más en los esquemas doo-wop, honky tonk, rhythm and blues, resultando el candor de los álbumes de She & Him una pista más clara.

Pero como decía, por encima de un factor estético no excesivamente original y de una voz bonita y bien trabajada, aunque no especialmente reconocible, este ‘Panorama’ brilla sobre todo por cómo emplea esos elementos. Es decir, la sucesión de canciones que van de lo bueno a lo magnífico es bastante abrumadora, partiendo desde el acertado single ‘Visions and Versions’ –su vídeo lynchiano y lleno de humor es para no perdérselo–. Tanto si apuesta por los ecos latinos (‘Panorama (Pain or Drama)’, ‘Decadance is Dead’), como por el lounge (el chachachá ‘Café-Bar 2000’, la bailable ‘Pain Boutique’), el medio tiempo con ukelele en ristre (‘Villa Rosita’) o el boogie bailable (‘Rumours from a Room’), Adalid demuestra un estado de inspiración soberbio. Coronado con un sonido fantástico y unos arreglos exquisitos –Xema Fuertes y Caio Bellveser (Maderita, Alondra Bentley, Nacho Umbert) son toda una garantía–, a la altura de una producción internacional, Chlöe’s Clue presenta un gran disco en el que cada canción tiene algo que la distingue de las demás y la hace memorable, lo cual es casi una rareza en nuestros días.

Chlöe’s Clue presenta ‘Panorama’ mañana, 18 de enero, en la sala Costello Club de Madrid; el 27 de enero estará en Continental Gràcia, en Barcelona, y el 31 en el Teatro del Mercado, Zaragoza.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: cuesta elegir, pero ‘Visions and Versions’, ‘Dibidáa’, ‘Panorama (Pain or Drama)’, ‘Cafe-Bar 2000’, ‘Lira Versilia’
Te gustará si te gustan: She & Him, Alondra Bentley, la Angel Olsen más 50s y sí, Russian Red.
Escúchalo: Spotify

La canción del día: U.S. Girls encuentra su propia ‘La Isla Bonita’ en ‘Pearly Gates’

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Meghan Remy es una de esas artistas que combina melodías brillantes y arrebatos bailables con una estética turbadora, alejada de cánones tópicos y performances desconcertantes, como aquella especie de karaoke que desplegó en Primavera Sound 2016. Sin embargo, tras su fichaje por el sello británico 4AD, da la impresión que sus discos han ido haciéndose algo más accesibles. Tras ‘Gem’ y ‘Half Free’, los adelantos de ‘In a Poem Unlimited’, que llega el día 16 de febrero, parecen ir en una dirección similar.

Primero fue el disco clásico, un poco Baccara, de ‘Mad as Hell’, luego la seducción glam de ‘Velvet 4 Sale’ y, desde hace unos días, ‘Pearly Gates’ la ha llevado hasta alcanzar lo que podríamos calificar como su propia ‘La Isla Bonita’. Primero porque, sobre su ágil y bailable base funky, muestra influencias españolas, en esas falsetas de guitarra flamenca que suenan en su arranque y unas cuantas castañuelas desperdigadas aquí y allí. Y segundo, por su letra y vídeo de inspiración religiosa.

En él, la creativa Chrissy Jones –con la que Remy ya había trabajado en el clip de ‘Work From Home’– presenta, de manera bastante literal y toda su parafernalia mística, la historia de una mujer que se propone seducir a San Pedro para asegurarse su entrada al reino de los cielos –las “puertas de perlas”, según algún pasaje de la Biblia–, aunque no logra su propósito como ella esperaba. Como no podría esperarse menos, su letra va por otros derroteros más terrenales: “Haría cualquier cosa que pidiera San Pedro para poder ser un ángel a su lado / Parecía una apuesta segura, así que cerré mis ojos y abrí de par en par mis puertas y San Pedro entró”, dice. Efectivamente, es un símil sexual: “hace años me contaron la historia de un tío intentando convencer a una chica para tener sexo sin protección, diciendo “tranquila, soy muy bueno sacándola”. Pensé que era algo tan estúpido de decir que supe que algún día le dedicaría una canción sobre eso”, explica Remy.

Pero más allá de divertidas/sórdidas casualidades que lo conecten con el hit de Madonna, ‘Pearly Gates’ destaca por su exuberancia, su ambientación glam y sexy –la producción es de Meghan y Louis Percival, su colaborador más frecuente–, cuyo colofón es ese estribillo con coro góspel cantado por el artista de Toronto James Bailey que, como su propio Pepito Grillo, reprocha a la osada protagonista “nunca vas a estar segura, ni siquiera en las Puertas / solo eres la hija de un hombre”.

The Chainsmokers añaden cuerdas y castañuelas a su sonido electropop en ‘Sick Boy’

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Justo el día en que la ex novia de Alex Pall de The Chainsmokers ha compartido en internet unas imágenes -registradas por una cámara de vigilancia- de él presuntamente poniéndole los cuernos, aprovechando para afirmar que “todos los hombres son escoria”, The Chainsmokers publican un nuevo single titulado ‘Sick Boy’, no se sabe si para eclipsar la polémica o no, y para el que ya se puede ver el vídeo oficial, dirigido por Brewer y en el que vemos al dúo tocando dramáticamente la canción en su set oscuro.

Interpretada por el otro Chainsmoker, Alex Taggart, ‘Sick Boy’ presenta una base electrónica bastante más elegante de lo que acostumbran The Chainsmokers, sin drops chabacanos, y además sorprende por contener un prominente arreglo de piano, otro arreglo de cuerdas orquestal y unas castañuelas. En palabras del dúo, la canción “habla sobre preservar nuestra identidad en el mundo actual, de mantener la entereza frente a lo que realmente puedes controlar y lo que no”.

En 2017, The Chainsmokers publicaron su debut, ‘Memories… Do Not Open‘, en el que encontramos uno de los mayores hits de aquel año, ‘Something Just Like This’ con Coldplay. El álbum fue vapuleado por la crítica, pero terminó entre los 20 más vendidos del año.

Vega: “‘Eva María’ es un temón que forma parte de la memoria musical de este país”

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Esta primavera, Subterfuge publica finalmente ‘La Reina Pez’, el nuevo disco de Vega, cuya existencia conocemos desde hace al menos dos años. En el tiempo que ha pasado entre ‘Wolverines‘ y la actualidad, la cantautora cordobesa ha publicado un disco de versiones de la canzone italiana, ha compuesto una de las canciones principales de ‘Hijos del mar’ de David Bisbal (el quinto álbum más vendido en España en 2016), y además ha sido madre. Con motivo del primer avance de ‘La Reina Pez’, ‘Sally’, hablamos con Vega sobre el origen de la canción, que es el nuevo top 1 semanal en JNSP; su conexión con la religión y con ‘Eva María’ de Fórmula V, sobre su esperado nuevo álbum y también sobre la maternidad. Este jueves, Vega actúa con Viva Suecia en la fiesta Stereoparty 2018, que tendrá lugar en Teatro Circo Price, en Madrid. Cantará con el grupo murciano ‘Los años’.

¿Era muy importante para ti dedicar una canción a esas dos Sallys, la Sally del pasado y la Sally del presente que deja ir a esa otra Sally?
Importante fue aceptar que no podía seguir mirando atrás pensando en lo que quería ser, con la carga de que era algo muy distinto de lo que quería en ese momento y de lo que todos recuerdan de mí. Muchas veces yo me desahogo escribiendo párrafos y párrafos en mi blog y otras haciendo canciones. Así nació ‘Sally’.

¿Cuál es el origen de la canción y por qué es el primer adelanto de ‘La Reina Pez’? ¿Qué significa para ti un nombre como Sally?
Escribí ‘Sally’ el día de mi cumpleaños haciendo honor a esa ‘Sally’ de la que se habla en una de mis canciones favoritas: ‘Don’t Look Back In Anger’ de Oasis. Decidimos que fuese el primer adelanto de ‘La Reina Pez’ porque era una canción con fuerza, fresca y con una melodía que a mí me encanta. Es una canción que lanza un mensaje entre líneas que yo también quería dar. Pienso que entre ‘Wolverines’ y ‘La Reina Pez’ hay diferencias, pero la esencia de Vega continúa intacta. No sé si se trata de la Vega de siempre o una una nueva Vega que siempre ha estado dentro de mí y he dejado salir ahora.

‘Sally’ es una canción que suena bastante nostálgica, ¿lo será ‘La Reina Pez’?
Pienso que en ‘La Reina Pez’ hay canciones con un toque de nostalgia, al igual que las hay con un toque reivindicativo, canciones con mucha fuerza, con algo de tristeza, con alegría… En definitiva con todo lo que tengo dentro de mí en ocasiones. Y al igual que lo tengo yo, todo el mundo tiene un día más o menos triste, alegre, inconformista.

Hay un punto en las guitarras de esta canción que nos remiten a ‘Eva María se fue’ de Fórmula V… ¿Puede ser una influencia inconsciente o dónde te llevan a ti esas guitarras que hacen de motivo principal?
Los arreglos de guitarra del disco son del que para mí sin duda es uno de los mejores guitarristas de este país, con un talento sobrenatural y una creatividad sin limites. Estoy hablando de Kike Fuentes. También tiene un sentido del humor único y estoy convencida de que cuando le traslade vuestra pregunta le va a encantar ;) Ah… ¡y gracias por el piropazo! ‘Eva María’ es un temón que forma parte de la memoria musical de este país, ojalá en toda mi carrera haya escrito o escriba en un futuro una que alcance a ser reconocida por tantas y tantas generaciones de españoles!!!

La letra tiene una curiosa mención a la religión y a la iglesia. ¿Qué función ha cumplido la religión en tu vida? ¿Procedes de un entorno religioso? ¿Ha supuesto una presión o un alivio para ti en algún momento de tu vida?
Nací en 1979. Crecí en una familia trabajadora y como en el 90% de los hogares españoles de esa época, estudiábamos religión católica en el cole y el día a día dependía mas de la costumbre familiar. Soy firmemente creyente, creo en Dios, y creo en el Dios de cada uno. Lo que no creo es en las interpretaciones que hace el ser humano de lo que supuestamente dice o quiere Dios. La comunicación es unidireccional, a mí no me contesta, y el oído sé que no me falla. Será eso que llaman fe. Luego no creo que nadie escuche directrices concretas. Todas las religiones suelen tener valores importantes. Yo me quedo con los que me importan, los que me hacen querer ser mejor persona y respetar a los demás y ser empática. Esos que trataré de inculcarle a mi hija.

El disco se ha grabado en Berlín, suponemos que por eso el vídeo muestra imágenes de la ciudad, pero también es cierto que muchos relacionarán Sally con los muchísimos jóvenes españoles que han emigrado a la ciudad en la última década debido al paro juvenil. ¿Eres consciente de esa otra lectura de la canción? Al fin y al cabo Sally tiene un espíritu «aventurero» por decirlo así.
Honestamente no había pensado en esa lectura de la canción. Supongo que lo bueno que tienen las canciones es que cada persona las siente y las hace suyas. A cada uno nos afectan de una u otra manera y eso es lo bonito. Yo la escribí pensando simplemente en cuando dejamos atrás algo que soñamos ser para ser lo que somos. La importancia de dar ese paso para ser plenamente feliz, o al menos intentarlo. ;)

Hace 5 años de ‘Wolverines’. En todo este tiempo, has sido madre. ¿Tendrá tu maternidad un gran peso en ‘La Reina Pez’ como ha pasado en discos de Adele, Cranberries… o en absoluto, pues como dice Imelda May, «la maternidad no lo cambia todo» y tu música sigue igual?
La maternidad cambia cosas, mentiría si digo que no. Ves el mundo con otra perspectiva, tus miedos aumentan, tus ganas, por extensión, también. Ser madre es una experiencia única y maravillosa, que también te ocupa mucho tiempo. La conciliación también se vuelve mucho más difícil. Pero tampoco pienso que la maternidad lo cambie todo. Hay cosas que las cambia el paso del tiempo, seas o no madre, o que directamente no cambian, tengas o no una hija.

Conocemos la existencia de ‘La Reina Pez’ desde finales de 2016 y en Twitter hablas de canciones de este disco que tienen ya 4 años. ¿Por qué ‘La Reina Pez’ ha sido un título tan claro desde el principio? ¿Cuándo podemos esperar el disco?
A veces, escribo una canción y me gusta el resultado, y apuesto por ella para que vaya en un nuevo álbum. Con ‘La Reina Pez’ podríamos decir que se ganó ese puesto desde el primer momento. Y no solo eso si no que el mensaje que tiene es tan fundamental y necesario que he querido que sea el título del disco por la importancia del mismo. Para mi, ‘La Reina Pez’ tenía que ser el titulo del disco.