Inicio Blog Página 1031

Susanne Sundfør / Music For People In Trouble

10

Nadie debería sentirse decepcionado por el hecho de que la noruega Susanne Sundfør haya retrocedido –leído sin connotación negativa alguna– a las formas acústicas, clásicas, de su debut homónimo publicado una década atrás. Es cierto que con ‘Ten Love Songs’, un disco complejo pero con pegada melódica que conjugaba sonidos sintéticos, ritmos bailables, canciones pop y composición clásica, Susanne logró captar más atención que nunca antes en toda su carrera. Sin embargo aquel proyecto, que desarrolló totalmente en solitario, la dejó tan exhausta que acabó afectando a su salud física, mental… y sentimental.

Por fortuna para nosotros, ese quiebre anímico la llevó a abandonar toda actividad… salvo la música, y así nació ’Music For People In Trouble’. Un disco que no es exactamente un álbum confesional ni explícito con sus problemas personales. Más bien al contrario, es un disco que parte de sus experiencias y de un viaje que emprendió por lugares absolutamente distintos de todo el mundo –Corea del Norte, Brasil, Nepal, Islandia…– para curarse. En esos parajes recónditos encontró una espiritualidad que la ayudó a sobreponerse –‘Music For People In Trouble’, la canción, es un discurso de un amigo suyo que posibilita experiencias extremas en la Naturaleza a modo de terapia; Susanne vivió su propia catarsis pasando 24 horas sola en los Pirineos– y que se plasma en estas diez nuevas canciones en las que ella dice que hay más luz que oscuridad.

A pesar de ‘Mantra’, un falso ejercicio de autoafirmación que se ensombrece en el último instante (“estoy tan vacía como la Tierra, un nacimiento insignificante, polvo de estrella en un universo, eso es todo lo que valgo”, termina); a pesar del corazón roto que se trasluce en ‘Reincarnation’, aunque valiera la pena (“soy una chica mala porque convertí un mundo feo en una perla de cristal y nos quedamos sin amor, fue pura felicidad”); a pesar de cómo expone los presagios del fracaso de su relación en ‘Bedtime Story’ (“Porque decía la verdad cuando dije que saldría mal, porque siempre pensé que mi vida sería una canción triste”); a pesar de que su visión sobre el amor ha quedado dañada para siempre (“No confíes en los que te aman, porque si les devuelves ese amor te decepcionarán, es un hecho”, comienza ‘Undercover’); a pesar de todo eso, ‘Music For People In Trouble’ es una promesa de que nada es tan importante, de que todo pasará y la luz volverá a nosotros (como fantasea en una ‘No One Believes In Love Anymore’ que en cierto modo remite a los Radiohead más conmovedores).

Ese fondo espiritual se traduce en unas canciones demoledoramente bellas, capaces de clavarte al asiento –si estás sentado, lo cual es recomendable porque la alternativa es caerse de culo– la primera vez que las escuchas con atención. ‘Music For People In Trouble’ es un torrente musical en el que folk leonardcohenesco, jazz, clásica –Sundfør culminó estudios superiores de piano–, pop y hasta new age (no hay mejor manera para definir la coda final de ‘The Sound of War’) van de la mano como una sola entidad. Una entidad repleta de pequeños detalles y giros en la producción (el “corte” súbito que padece ‘Good Luck Bad Luck’ antes de introducirnos en la coda jazzy; los ruidos domésticos y fantasmales que pueblan ‘Bedtime Story’) –esta vez la noruega ha delegado parte del trabajo en Jorgen Traeen, colaborador de Sondre Lerche, entre otros–. Una entidad que se pone a disposición de una voz casi sobrenatural: Sundfør se sitúa con estas expresivas y cálidas interpretaciones a un nivel sublime, no solo al de contemporáneas como Feist o Basia Bulat, sino al de leyendas como Linda Perhacs o Margo Guryan.

Como buena gran obra de calado espiritual y emocional, los 44 minutos de ‘Music For People In Trouble’ no son una balsa de aceite. Tienen sus valles, ejemplificados sobre todo en el corte que da nombre al disco y ejerce de experimental intermezzo –precedido de la citada coda ambient-noise de ‘The Sound of War’– o también en las disonancias un poco ‘Twin Peaks’ de ‘The Golden Age’ o la solemne intro de ‘Mountaineers’, con la resonante voz de John Grant. Pero se asimilan como peajes, momentos para detenerse, respirar y continuar en el viaje interior que ofrece el disco. Un viaje en el que sobre todo brillan melodías de una belleza que abruma y corta el aliento, tanto si es grandilocuente, como toda ‘Undercover’ o el crescendo final de ‘Mountaineers’, o íntima, como la de la desarmante ‘No One Believes In Love Anymore’, la acústica ‘Reincarnation’, la juguetona y pianística ‘Good Luck Bad Luck’ o la expresividad jazzy de ‘Bedtime Story’. Cuando muchos pensaban que Susanne Sundfør había alcanzado su cumbre en el hedonista y celebratorio ‘Ten Love Songs’, la noruega ha mostrado un nuevo perfil creativo que puede perpetuarla como una artista de enorme recorrido creativo e influencia, la Kate Bush de las nuevas generaciones.

Calificación: 8,6/10
Lo mejor: ‘Undercover’, ‘No One Believes In Love Anymore’, ‘Reincarnation’, ‘Bedtime Story’, ‘Mountaineers’, ‘Good Luck Bad Luck’
Te gustará si te gustan: First Aid Kit, Feist, Leonard Cohen, Kate Bush, Joanna Newsom
Escúchalo: Spotify

La cabeza de Merrill Garbus de Tune-Yards canta en un microondas en el vídeo de ‘ABC 123’

0

Tune-Yards publican nuevo disco el 19 de enero, un ‘I can feel you creep into my private life’ del que ya hemos conocido el sencillo principal, ‘Look at Your Hands’, que a través de un ritmo disco expresa y una producción ochentera expresa en su letra una crítica al poder corrupto, con referencias a la industria del agua o a la figura de un padre que es un “hombre malicioso”.

En la línea de ‘Look at Your Hands’, el dúo formado por Merrill Garbus y Nate Brenner presenta un segundo single de este trabajo titulado ‘ABC 123’, que vuelve a servirse de una melodía algo tontorrona -casi como su título- para contarnos una historia más turbia que nos habla del deseo de gustar a la gente, de centralidad blanca, de “libertad natural” convertida en “humo” y de un feto “antes de ser contaminado” que “nos lleva a lo obsceno”.

El tema se presenta con un curioso vídeo dirigido por Dear Mr Quistgaard en el que vemos a Garbus y a Brenner y a varias perosnas más en un taller, donde la cabeza de Garbus interpreta el tema desde varios sitios imposibles, como en el centro de un tren de juguete o en el interior de un microondas.

Sufjan Stevens muestra su fascinación por ‘Tonya Harding’ en dos versiones de la misma canción

3

Sufjan Stevens ha publicado otro tema más que se añade a ‘The Greatest Gift‘, su mixtape revisitando ‘Carrie & Lowell’ con remixes, demos y tomas alternativas o a las canciones que hace poco le hemos oído en una banda sonora.

La nueva idea es una canción para la patinadora Tonya Harding, a la que vio en la tele en 1991 y que siempre le ha fascinado. Se ha acompañado en este tema de Helado Negro y Doveman en la producción y le ha quedado un bonito villancico que recuerda que ya es hora de sacar de las estanterías sus dos recopilaciones al respecto.

En un texto promocional sobre este nuevo tema, Stevens confiesa: “Tonya brilla en el panteón de la historia americana simplemente porque nunca dejó de dar lo mejor de sí misma. Luchó contra el clasismo, el sexismo, el abuso físico y la reprimenda del público para convertirse en una leyenda americana”. Sufjan se refiere a que Tonya acusó a su madre de abusos.

En la descripción de Youtube podéis encontrar la letra empoderadora de ‘Tonya Harding’ («eres mi princesa americana», “solo Dios sabe lo que eres”), no exenta de ironía (“solo basura de Portland”) y sin esquivar su polémico enfrentamiento con otra patinadora llamada Nancy Kerrigan, a la que su novio hirió. En Bandcamp podéis escuchar otra versión de la canción en otro tono, además de leer un texto suyo sobre la patinadora, en el que habla, por ejemplo, de su sextape.

Nile Rodgers supera un segundo cáncer y avanza “grandes planes” para 2018

3

Nile Rodgers ha publicado un comunicado en forma de vídeo en su página web confirmando que ha superado un segundo cáncer. El músico explica que a principios de 2017, durante su gira mundial con Earth, Wind & Fire, se le detectaron dos tipos de cáncer en un único tumor y que al término de la gira fue ingresado en un hospital de Nueva York para que les fueran extirpados. El músico afirma que ahora está “100% recuperado”.

Rodgers, quien ya padeció un primer cáncer de próstata en 2011, afirma que la noticia de un segundo cáncer ha sido un duro varapalo para él tras un par de años duros por las muertes de un familiar y de sus amigos David Bowie, Prince, George Michael y Chris Cornell, y también al padecer su madre alzéimer, pero que tras su experiencia anterior con el cáncer ha afrontado el segundo con más tranquilidad y de nuevo rodeado de profesionales.

Más adelante en el texto, el músico curiosamente pide disculpas a sus fans por haber “desaparecido” en los últimos días y avanza planes para 2018 “que van más allá de mis sueños más salvajes”. Ojo, Rodgers recuerda que fue durante la recuperación de su primer cáncer que recibió en su casa la visita de Daft Punk para trabajar en el que sería su próximo disco, el exitoso ‘Random Access Memories’.

El Cigala, de nuevo errante e ido en ‘El Hormiguero’

34

El Cigala volvió a El Hormiguero después de haber asistido en 2014 y haberse mostrado errático, con la audiencia especulando sobre lo que se había o no se había tomado antes de rodar el programa. Y anoche, festivo en España, con más motivo sucedió exactamente lo mismo. El artista acudía al programa de Pablo Motos para presentar su documental ‘Indestructible, el alma de la salsa’, pero del documental se habló lo justito.

Lo que vimos fue una conversación sin norte ni sentido -menos incluso del habitual en el programa- en la que apenas se pudo entender algo sobre el día en que El Cigala dio su primer concierto tras la muerte de su esposa Amparo, a la que adoraba. «Llegué sin ganas de nada. Llegué muy cansado, derrotado, sin mente para cantar y cuando salí al escenario, estaba todo. Yo creo que fue el alma la que cantó esa noche», confesó en uno de los pocos momentos de claridad.

En el resto, El Cigala hizo del «cortarrollos» el nuevo «¡Atrásss, atrásss!», respondió lo que quiso, se rió a destiempo y produjo un par de silencios incómodos cuando se supone que tocaba oír al público reírse. Pero sobre todo miró a la más absoluta nada durante su intervención. Que fue coronada además con un concurso de chistes surrealista en el que le vistieron de romano y ducharon a unos empleados del programa y, sobre todo, con una espectadora perdiendo un coche y ganando en su lugar una mierda pinchada en un palo. Nivel Hormiguero.

A la espera de que se confirme si El Cigala es así y ya está, o su visita en este estado va a convertirse en una tradicición de El Hormiguero, el programa fue seguido por un 12% de la audiencia y 2.059.000 espectadores, además de anotar el minuto de oro del día, con un 18% y 3.051.000 espectadores, a las 22.47 h.

Caroline Polachek se desmarca del cartel de Moogfest al no haber sido avisada que sería “enteramente femenino y no binario”

3

Caroline Polachek, antigua integrante de Chairlift, y que actualmente se ocupa de su proyecto de ambient CEP-, ha decidido desmarcarse del cartel de Moogfest, un festival que se celebra del 17 al 20 de mayo en Durham, Carolina del Norte, al ser “enteramente femenino y no binario”. La artista asegura no haber sido avisada de la dirección del cartel cuando aceptó participar en el festival.

En un tuit, Polachek se ha mostrado “furiosa” ante la dirección del programa de Moogfest, al considerar que ha usado su género femenino y el del resto de artistas confirmadas por motivos de publicidad y para colgarse una medalla de feminismo a costa de su trabajo. “No necesito la simpatía de nadie y menos la de un curador que es hombre”, ha dicho. “Borrad mi nombre de esta lista y metedme con los tíos”. A continuación, en otro tuit, Polachek informaba que ya no va actuar en el festival.

Moogfest se ha disculpado con Polachek en un comunicado por presentarla en el cartel de manera que su arte haya parecido secundario. “Creemos que usar esta plataforma para poner el foco en las mujeres y en las personas transgénero y no binarias es una herramienta importante para combatir la invisibilidad que puede afectar a estas identidades cuando se las mantiene en la periferia”, ha escrito, insistiendo en que no ha habido “otra razón” para programar a estas artistas en su cartel más que su trabajo.

‘Black Mirror’ confirma fecha de estreno de su 4ª temporada y comparte avances de sus 6 episodios

2

Netflix ha confirmado la fecha de estreno de la cuarta temporada de ‘Black Mirror’, una de sus series estrella. Será el próximo 29 de diciembre. Será naturalmente uno de los mayores eventos culturales de lo que queda de 2017, en parte después del éxito de la temporada anterior, que incluía el episodio ‘San Junipero’, ganador de dos Emmy.

En los últimos días, la plataforma de series en streaming ha avanzado la nueva temporada de ‘Black Mirror’ con tráilers de sus seis episodios, los que llevarán por título ‘Arkangel’, ‘Hang the DJ’, ‘U.S.S. Callister’, ‘Cabeza de metal’, ‘Black Museum’ y ‘Cocodrilo’. En este nuevo futuro imaginado por ‘Black Mirror’ habrá sistemas de control parental avanzados, una sofisticada app de citas, viajes por el espacio exterior, un acosador misterioso y un sistema de registro de recuerdos.

Charlie Brooker, creador de ‘Black Mirror’, vuelve a firmar el guion para cada uno de estos episodios a excepción del titulado ‘U.S.S. Callister’, que ha escrito junto a William Bridges, informa El País. El episodio titulado ‘Arkangel’ lo ha dirigido la actriz Jodie Foster, quien según la productora de la serie Annabel Jones tenía claro cómo quería que fuera el episodio: un “drama indie ambientado en Estados Unidos”.

Ed Sheeran hace «match» en Tinder con otros cantantes a su paso por Los40

9

Ed Sheeran, el rey del pop en 2017, se ha pasado esta semana por el estudio de Anda Ya de Los40 para promocionar… ¿realmente necesita ‘Divide’ alguna promoción? El cantante británico está en España, presumiblemente visitará El Hormiguero en algún momento de los próximos días y ha tenido un momento para pasarse por Los40.

En su visita a Anda Ya, Sheeran ha tenido tiempo de recoger su premio Los40 Music de mano de Paula Echevarría, patear (mal) una pelota de futbol, hacer “match” en “Tinder” con Alejandro Sanz, Camila Cabello, Shawn Mendes y su colega Anne-Marie o “tatuarse” el logo de Los40. A todo esto, Cristina Boscá, rebosante de emoción ante la presencia de Sheeran, no puede evitar comunicarle que su música es “la banda sonora de mi vida y de la de todos, que te adoramos”.

Por cierto, Sheeran se ha confirmado recientemente en el disco de Eminem, ‘Revival’, que sale el 15 de diciembre. Sheeran aparecerá en un tema titulado ‘River’ y no será el único “featuring” del álbum, ya que su single principal es ‘Walk on Water’ con Beyoncé y además habrá otros temas con P!nk, Alicia Keys, Kehlani, Phresher, Skylar Grey y X Ambassador.

La música urbana es el nuevo pop… ¿pero es todo el pop?

12

Mientras las visitas a vídeos de artistas de música urbana se cuentan por millones en Youtube, su fórmula estética y sonora salpica también al mainstream. Son muchos los que proclaman que la música urbana, bien sea por la vía del tan traído y llevado «trap», con o sin componente latino, es el nuevo pop. ¡Si hasta Shakira tiene una canción que se llama ‘Trap’!

Tras haber preguntado a artistas de urban, electrónica o dream pop hace unos días si el rock’n’roll había muerto, hoy el ejercicio es el contrario. Preguntamos a artistas veteranos, nuevos rockeros, cantautores… cuán ajena les es esta música urbana, si ellos también tienen público joven en sus conciertos o cuáles son sus canciones o artistas favoritos de estos nuevos géneros. Responden dos de los grupos españoles de guitarra más populares de los últimos años, Viva Suecia y Hinds; Ibon Errazkin, que desde los 80 ha militado en Aventuras de Kirlian, Le Mans y Single y ahora lanza disco en solitario; Tulsa, que acaba de lanzar ‘Centauros‘; la revelación La Plata, autores de la enorme ‘Un atasco’; Manu de Rusos Blancos, que se acaban de hacer un hueco en el mercado pese a no ser precisamente unos adolescentes y sin recurrir a estos géneros; y también Franz Ferdinand, que hace poco han estado en Madrid promocionando un nuevo álbum que sale el año que viene y del que ya conocemos la excelente ‘Always Ascending’.

Viva Suecia

¿Creéis que el urban, el hip-hop, la música urbana, el trap… definitivamente es el nuevo pop, creéis que el pop siempre será una visión más amplia o cuál es vuestra opinión al respecto?
No creemos que sean el nuevo pop, sino que ahora forman parte muy activa de él. Como bien dices, entendemos la música pop como un concepto ecléctico y muy extenso, es mucho más que esos estilos que están de actualidad en cada momento.

¿Algún artista o canción concreta que os haya gustado de estos nuevos géneros?
Kinder Malo. Es alucinante, las letras son la hostia. Le seguimos la pista desde el principio.

«Nuestros padres se horrorizaban con bandas que escuchábamos de adolescentes y que hoy por hoy están totalmente aceptadas e incluso sonando en emisoras de radiofórmula, estamos convencidos de que eso mismo va a pasar con el trap, el urban, latino…»

Mucha gente cree que la gente joven solo escucha trap, urban, latino… pero en vuestros conciertos hay mucha gente joven, verdad? ¿Cómo lo percibís vosotros?
Bueno, aventurarse a decir que solo escucha determinada música es demasiado atrevido. A nuestros conciertos viene muchísima gente joven, es cierto, y muchos de ellos con un abanico muy amplio de gustos musicales. Lo bueno de esta época de sobreinformación que estamos viviendo es justo eso, el acceso es mucho más fácil y hemos aprendido a disfrutar de estilos que a priori no parecían compatibles. Eso ya parece algo del pasado, hay fans de Viva Suecia que al día siguiente pueden ir perfectamente a un concierto de Bad Bunny. Cada vez tenemos menos prejuicios y la mente más abierta a nuevas sensaciones. Nuestros padres se horrorizaban con bandas que escuchábamos de adolescentes y que hoy por hoy están totalmente aceptadas e incluso sonando en emisoras de radiofórmula, estamos convencidos de que eso mismo va a pasar con el trap, el urban, latino… Ya pasó con el rock, el punk, con la música disco, el hip hop y muchos otros. Forma parte de la historia de la música normalizar aquello que antes se ha satanizado.

Franz Ferdinand

¿Escucháis algo de música urbana, trap, grime, nuevo hip-hop…?
Alex Kapranos: «Sí, claro, mi favorito es Anderson.Paak, me encanta ese disco, mola mucho. También el de Thundercat».
Bob Hardy: «Yo no soy un experto».
A.K.: «Kanye también. Tiene una personalidad diferente, pero su música es alucinante, me gusta mucho, de verdad».

¿Creéis que la música urbana es el nuevo pop y que el rock’n’roll no es tan popular como solía? ¿Han salido nuevas bandas de rock que sean tan famosas como The Strokes o vosotros mismos, Franz Ferdinand?
A.K.: «Saldrán, va todo por fases. Estoy seguro de que saldrán, aunque de otra manera diferente. Estoy deseando escucharlas».

«Hay algo bueno en todos los géneros excepto en el nu-metal»

¿Vuestro público es también joven?
B.H.: «Sí, definitivamente sí. Nos sigue gente de 15 años, adolescentes».
A.K.: «Estábamos mirando antes las menciones de Twitter y había una chica de Vancouver muy enfadada porque vamos a hacer un concierto que es solo para mayores de 18 años. Eso significa que como mucho tendrá 17 años».
B.H.: «Y nos pasó exactamente lo mismo cuando tocamos en Vancouver la última vez».
A.K.: «¡Igual es que es la misma chica! (risas) De todas formas, si tiene 17 años, significa que tenía 2 años cuando empezamos a tocar. Es increíble».

En nuestra web hay gente que claramente odia el trap y la música urbana, ¿igual estamos forzando que sea el nuevo pop, cuando hay otras cosas que también gustan a la gente joven?
A.K.: «Yo siempre digo que hay algo bueno en todos los géneros excepto en el nu-metal» (risas).

Tulsa

¿Escuchas algo de música urbana, del tipo trap, hip-hop?
Me he acercado al trap. Estuve en una época oyendo mucho lo que estaba pasando. Tiene algo brutalmente magnético, muy fresco, pero me ponen muy de los nervios las letras, me da muchísima pena y les quiero matar a todos.

¿Algún ejemplo de magnético?
No recuerdo una canción en concreto. Kinder Malo me produce fascinación como personaje, pero es que todo lo que sale por esa boca me repugna.

¿A nivel machismo, lenguaje…?
Que digan «puta» todo el rato, que se refieran a las mujeres como putas, las fotos que salen… Me dio mucho miedo, no sé muy bien cómo encuadrarlo, no sé qué va a pasar, no sé qué dicen las mujeres de esa generación, qué sensación tienen, me gustaría saberlo, a mí me pilla un poco lejos.

«Quiero que salgan mujeres del trap fuertes. El género me pone, así en términos generales, pero las letras me parecen un puto espanto».

Bueno, hay algunas chicas.
Sí, Zowi, sí que hay, pero como que asumen un poco ese papel, ¿no?

Ms Nina dice que ella hace lo que le da la gana.
Yo quiero que salgan mujeres del trap fuertes, me encantaría eso, es un género súper potente, muy ilusionador. Me pone, así en términos generales, me pone, me gusta que exista, pero las letras me parecen un puto espanto.

Hinds (Carlotta)

¿Crees que el urban, el hip-hop, la música urbana, el trap… definitivamente es el nuevo pop, crees que el pop siempre será una visión más amplia o cuál es tu opinión al respecto?
Para contestar bien a esta pregunta antes habría que ponernos de acuerdo en cómo definimos la música pop. Si con pop nos estamos refiriendo a la música más popular y que triunfa en los charts, ningún género se transforma por ser popular. Más bien yo opinaría al contrario, creo que esta música urbana se ha ido haciendo/componiendo cada vez más melódica, pegadiza, con estribillos claros, fácil de escuchar, fácil de bailar… ¡estamos describiendo un hit! Y quizás está ocurriendo también a la inversa, artistas que hacían música pop como género en sí han ido subiéndose al carro de beats a ritmo de reggeaton, voces con un autotune forzado y demás. De todas formas y tratando de cerrar la respuesta, en el arte no hay nada definitivo. Las cosas seguirán cambiando, y de veras no se me hace tan inaudito ver el top 50 de España lleno de traperos y reggeaton, ya que probablemente sea todo culpa de C. Tangana, jajaja.

«Creo que esta música urbana se ha ido haciendo/componiendo cada vez más melódica, pegadiza, con estribillos claros, fácil de escuchar, fácil de bailar… ¡estamos describiendo un hit!»

LOWLIGHT, que han trabajado con One Path y Bad Gyal os citan entre el rock que escuchan, ¿en tu caso hay algún artista o canción concreta que te haya gustado de la última electrónica, la música urbana, el trap, etc?
Sí hay cosas que molan, pero no estoy muy segura de si me gustan a la fuerza de haberlo oído tanto. He perdido la perspectiva totalmente.

Mucha gente cree que la gente joven ya solo oye música urbana, pero por ejemplo vuestro público es jovencísimo, ¿verdad?
¡Hay muchísimos jóvenes, sí! Estas cosas siempre han ocurrido, nunca es un 100% de los jóvenes siguiendo ninguna moda. Siempre queda un porcentaje, aunque sea pequeño, que va más a su bola y no sigue a la masa. O a lo mejor les gustan las dos cosas. Sea como sea, me gusta mucho ver a chavalines en conciertos, por supuesto prefiero que sean de Hinds, jaja, pero que elijan música en directo como su plan de viernes siempre me parecerá positivo.

Ibon Errazkin

¿Crees que el urban, el hip-hop, la música urbana, el trap… definitivamente es el nuevo pop, crees que el pop siempre será una visión más amplia o cuál es tu opinión al respecto?
Pop pueden ser muchas cosas, pero sí, el pop moderno de hoy en día es esa música.

¿Algún artista o canción concreta que te haya gustado de estos nuevos géneros?
Muchas, ‘Hangover’ de Tomasa del Real, ‘Chulo sin H’ de Jowell & Randy, todo lo de Bad Gyal, ‘Hay flores flotando en el agua’ de Dellafuente…

¿Crees que estos son los únicos artistas que escucha la gente joven de 16-18 años o también ves gente joven en conciertos de otros estilos?
Tanto como los únicos… también está Pablo Alborán.



Rusos Blancos (Manu)

¿Crees que el urban, el hip-hop, la música urbana, el trap… definitivamente es el nuevo pop, crees que el pop siempre será una visión más amplia o cuál es tu opinión al respecto?
No creo que sea el nuevo pop, sino una corriente más dentro de la música popular que en los últimos años ha resultado ser la dominante, tal y como en otras épocas pudieron serlo otras. Si creo esto no es solo por una cuestión de que la música urbana, el hip hop, el trap… compartan estructuras, instrumentación y armonías con el resto de la música pop, sino sobre todo porque esas diferencias más marcadas que podían existir en un primer momento, fueron limándose hasta provocar que unas corrientes de origen marginal terminaran totalmente integradas en la industria. Y en ese camino ha sido la música urbana quien ha hecho más por asimilarse al pop que no a la inversa. En definitiva, no ha sido tanto la ruptura que podría suponer algo realmente nuevo como una regeneración continua de lo ya establecido por décadas de música popular.

«Este fenómeno nos ha coincidido con la crisis de los cuarenta y necesitamos sentirnos jóvenes»

¿Algún artista o canción concreta que te haya gustado de estos nuevos géneros? Creo que dijisteis que salvabais un 5% del género, ¿cuál sería?
Ese igual fue Javi (Betacam), que habrá escuchado más trap que yo. A mí hay muchísimas cosas de música urbana que me interesan muchísimo, pero el trap como subgénero no me interesa demasiado. Durante mi adolescencia casi solo escuché rap, y cuando hago la comparación no puedo evitar que me parezca mucho más pobre. Pero tampoco creo que deba ser nuestra generación la que legitime o no lo que hacen, sino la suya, los chavales de veinte años.

¿Crees que estos son los únicos artistas que escucha la gente joven de 16-18 años o también ves gente joven en conciertos de otros estilos, como en los vuestros propios?
Mi sensación es que estamos creando una burbuja enorme con esto del trap tal y como en su momento la creamos con el indie y como la creamos con cualquier cosa que les pueda llegar a gustar a los treintañeros con estudios universitarios y profesiones modernas. Yo trabajo en un centro comercial rodeado de chavales de veinte años y cuando les digo que el trap a día de hoy es lo más y que es el fenómeno musical definitivo no tienen ni idea de lo que estoy hablando. Y sin embargo, es a mis amigos de mi edad o más mayores a los que les veo ir a conciertos de trap, compartir vídeos en instagram, los que me hablan de ello… No quiero decir que la base fundamental del fenómeno no sean los críos, porque lo son. Pero también lo fueron en otros fenómenos anteriores y no se puso el foco en ellos. Lo que pasa es que este nos ha coincidido con la crisis de los cuarenta y necesitamos sentirnos jóvenes.

La Plata

¿Creéis que el urban, el hip-hop, la música urbana, el trap… definitivamente es el nuevo pop, créeis que el pop siempre será una visión más amplia o cuál es vuestra opinión al respecto?
El trap ha llegado a este país igual que todas las demás revoluciones culturales: con retraso. Y del mismo modo que las demás, ha llegado centrándose más en aspectos estéticos que en un modo de vida. Si tenemos en cuenta que el trap del sur de Estados Unidos en los noventa nace ligado a la calle, las drogas y la violencia, en España no tenemos trap como tal, sino una mezcla de géneros que lo hace mucho más consumible. Llamamos así en general a las nuevas generaciones de raperos que tienen características pop en cuanto a que han alcanzado las listas de éxitos. El «trap» no es el nuevo pop porque todo el mundo no se identifica masivamente con los temas que trata y la manera en que los trata. Pero si de lo que hablamos es de que ahora este estilo es tendencia en los festivales, estamos saturados de trap en Youtube o que la moda se ha rendido a su estética, es decir que el «trap» se ha popularizado: sí.

«Podría hacerse una analogía con nuestra generación y el indie, que crecimos con ello hasta que empezamos a analizarlo, criticarlo y al final como con todo pasamos a otra cosa»

Estáis entre los grupos favoritos de MueveloReina, ¿en vuestro caso hay algún artista o canción concreta que os haya gustado de estos nuevos géneros?
Estamos a favor del papel que juega la piratería de software y la facilidad de acceder al medio digital para que cualquier persona con pocos recursos sea capaz de crear y compartir su música en la red. Nos gustan los grupos de mujeres que en sus letras recuperan la actitud violenta y la desobediencia del rap en contra de lo normativo. De MueveloReina, además, es interesante su punto de vista irónico con el propio género. La suavidad de los últimos temas de Pimp Flaco también está bien. Y que en los bolos se llenen las primeras filas de grupos de amigas que mueven el culo sin que ningún chaval les moleste por detrás, siempre.

¿Creéis que estos son los únicos artistas que escucha la gente joven de 16-18 años o también veis gente joven en conciertos de otros estilos?
Prácticamente ya sólo consumimos música a través de internet, del que han nacido la mayoría de artistas trap actuales, más hedonistas e individualistas que en el hip-hop, lo que lo convierte en un género más atractivo por su estética. Éste es el mundo que los adolescentes están viviendo y podría hacerse una analogía con nuestra generación y el indie, que crecimos con ello hasta que empezamos a analizarlo, criticarlo y al final como con todo pasamos a otra cosa. Igualmente las próximas generaciones se opondrán a lo existente porque así es como se construye el futuro, a base de contraposiciones y de la nostalgia romántica del pasado. Un artículo de Young Vibez, en el que se defendía el lujo tan ligado al trap como exigencia política, auguraba un neo-hippismo o el retorno a un mundo pre-Internet que los adolescentes de hoy nunca han conocido, y un estilo de vida que rechace el exceso y el lujo. De cualquier manera, no existe un «gente joven» absoluto y obviamente hay gente joven en muchos sitios.

Paloma Faith / The Architect

23

Inspirada en Bob Dylan, Nina Simone y el Boss, Paloma Faith ha publicado su disco político, ‘The Architect’. La cantante británica defiende que los artistas pop de hoy tienen demasiado miedo a posicionarse políticamente y por tanto ha creado un disco en el que refleja su malestar por los problemas sociales y políticos en la actualidad, por suerte sin aburrirnos con referencias superfluas al Brexit y a Donald Trump, aunque de vez en cuando sí sucumbiendo a declaraciones hiperbólicas tipo “estamos en la tercera guerra mundial”.

‘The Architect’ no habla sobre ningún conflicto concreto, sino que más bien se dirige a ellos indirectamente a través de temas como la violencia, el patriarcado o los derechos humanos. El single principal del álbum, ‘Crybaby’, es un tema disco con mensaje claro, los hombres SÍ lloran, y que pese a ser muy bailable y pegadizo contiene un fondo de angustia que refleja perfectamente su mensaje. El mismo mensaje que se repite en ‘I’ll Be Gentle’ con John Legend, posiblemente la obra maestra del disco, una balada estilo Motown épica, con arreglos y coros góspel espectaculares, un poco navideña, en la que Faith sentencia: “un hombre de verdad deja que se le vea llorar”.

Faith invita a varias personalidades de la cultura en ‘The Architect’ para que la ayuden a expresar su mensaje de unión, paz y activismo, entre ellos al periodista Owen Jones y al actor Samuel L. Jackson, quien abre The Architect’ planteando directamente la tesis del álbum y clamando: “haz algo, di algo, cree en algo, pero sobre todo, sé consciente de que puedes cambiar las cosas”. Esta ambigüedad por tanto es ideal para que Faith integre en el álbum otros temas de autosuperación más personales como son ‘Guilty’, otra pieza Motown enorme; el exuberante y dramático tema titular y la otra maravilla disco de ‘The Architect’, ‘Til I’m Done’.

A menudo ‘The Architect’ redunda en fórmulas viejas sin impresionar, como es el caso de varios temas hacia el final del disco, como ‘Lost and Lonely’. Hay un bonus reivindincable, ‘Power to the Peaceful’, cuya producción remite a The Neptunes, y sobre todo la primera mitad del álbum está llena de buenas canciones, a destacar también ‘Kings and Queens’ y la dramática ‘Surrender’, otra gran canción con coros góspel. Un poco de tijera y a Faith le habría quedado un disco cercano a la perfección. En cualquier caso merece el número 1 en Reino Unido, y de los discos que se venderán como churros estas Navidades, sin duda es uno de los mejores.

Calificación: 7,7/10
Lo mejor: ‘The Architect’, ‘Crybaby’, ‘Guilty’, ‘I’ll Be Gentle’, ‘Surrender’, ‘Til I’m Done’
Te gustará si te gusta: Sam Smith, John Legend, Adele, Rebeca Ferguson, Duffy
Escúchalo: Spotify

’50 sombras de Grey’ y ‘Brokeback Mountain’, votadas entre las películas más aburridas de todos los tiempos

86

Coincidiendo con el estreno de una película que ha producido Samsung sobre una lavadora funcionando durante 66 minutos y a la que ha puesto música Michael Nyman, conocido sobre todo por la banda sonora de ‘El Piano’, la marca de telefonía ha realizado un estudio un tanto casero sobre las películas más aburridas de todos los tiempos.

En ella te sonreirás al encontrar algún blockbuster como ‘50 sombras de Grey‘, alguna película tan traída y tan llevada como ‘Showgirls’ o incluso una adaptación de nuestro país como ‘Vanilla Sky’ (¿de verdad alguien la recordaba?). Menos gracia te hará, probablemente, encontrar verdaderas obras maestras como ‘2001 Odisea en el espacio’ o películas que cambiaron el curso de la historia desde el punto de vista social como ‘Brokeback Mountain’. No falta, eso sí, y como era de prever, ‘El árbol de la vida‘. Casi sorprende la ausencia de ciertas cintas que suelen aparecer en este tipo de listados o han sido tan cuestionadas por el público, como ‘Gerry’, ‘Tropical Malady’ y ‘Holy Motors’.

¿Cómo se ha realizado este listado? Se ha consultado a un comité de críticos cinematográficos y luego se ha contrastado con 2.000 personas en Reino Unido. Suponemos que al voto de «aburrido» de estos corresponde el porcentaje recogido en el NME. No es el método más riguroso que se nos ocurre para publicar un listado de este alcance, pero ahí queda como curiosidad.

50 Shades of Grey (2015) – 34%
Blair Witch Project (1999) – 29%
Star Wars Episode I: The Phantom Menace (1999) – 26%
Brokeback Mountain (2005) – 26%
Transformers (2007) – 24%
The Postman (1997) – 24%
The Artist (2011) – 21%
Australia (2008) – 20%
Vanilla Sky (2001) – 20%
Seven Years in Tibet (1997) – 19%
Batman and Robin (1997) – 19%
2001 A Space Odyssey (1968) – 18%
The Matrix Revolutions (2003) – 17%
Showgirls (1995) – 17%
Far and Away (1992) – 17%
The Tree of Life (2011) – 16%
Noah (2014) – 16%
Meet Joe Black (1998) – 16%
Lincoln (2012) – 16%
Cleopatra (1963) – 16%

Katy Perry gana más en su batalla legal por un convento que con su disco ‘Witness’

21

Katy Perry podrá hacerse finalmente con el convento del que se enamoró hace unos años en las inmediaciones de Los Ángeles tras una larga batalla legal en la que se discutía la capacidad de las monjas para venderlo (en realidad el terreno pertenecía a la archidiócesis de Los Ángeles) y también enfrentaba a Perry con la restauradora y promotora inmobiliaria Dana Hollister.

Un juzgado condena esta semana a Dana Hollister, que quería comprar este mismo convento para hacer un hotel boutique de 60 habitaciones, a pagar 5 millones de dólares a Katy Perry, 1,6 de ellos correspondiendo a costas legales. ¿La razón? Había utilizado prácticas «maliciosas» para convencer a las monjas de que Katy Perry no merecía la compra, alegando que violaba sus creencias religiosas. Les puso videoclips de corte sexy, y el juzgado ha estimado que ha difamado, ha interferido en las relaciones contractuales de manera indebida y con ventaja económica para sí misma.

Esta victoria para Katy Perry le reportará más beneficio que las propias ventas de ‘Witness’, a nivel mundial estancadas en las 800.000 unidades, y que por tanto difícilmente le habrán reportado tal cantidad de millones de dólares si tenemos en cuenta que lo que se ingresa a través de un disco se reparte entre sello, tienda distribuidora, impuestos, etcétera. Otra cosa es lo que recaude su gira, que consta de 105 fechas a nivel mundial y le está reportando más de 1 millón de dólares por noche en recaudación total, pese a no estar colgando el cartel de «sold out». Rascando de aquí y de allá, no extraña que la cantante ofreciera 13 millones de dólares al contado para hacerse con este convento, que la archidiócesis de Los Ángeles le va a vender gustosamente, como informa el diario El País.

La Canción del Día: el saxo de Mikal Cronin hipnotiza en ‘The Main Pretender’ de Ty Segall

0

Ty Segall al fin ha concretado un poquito a qué venía tanta canción subida a Bandcamp este año (que no a Spotify). El 26 de enero tendrá un nuevo álbum en el mercado, con 19 pistas, y ahí estarán todos los adelantos que hemos conocido en los últimos tiempos: ‘Every 1’s a Winner’, ‘My Lady’s On Fire’, esa ‘Alta’ que de balada va evolucionando a un glam bastante guitarrero, la experimental ‘Meaning’ y ‘The Main Pretender’.

El disco se llama ‘Freedom’s Goblin’ y se define como “rock de impacto en todas sus formas y tamaños, con algunas de las canciones de pop más libre, violento y apasionado de 2018”. Quizá sea pronto para hablar de 2018, pero bien es verdad que ‘The Main Pretender’ es, gracias a su hipnotizante sección de vientos, muy David Bowie (ya ‘Manipulator‘ era un homenaje a su productor Tony Visconti), una de las canciones más accesibles de Ty Segall.

Y no lo es solo por su estribillo «You’re no one’s baby / You’re no one’s lover / You’re no one’s brother / You’re the main pretender» o la repetición obsesiva al final de la canción, sino por ese saxo tratado, saturado y a veces desbocado que ha tenido a bien tocar Mikal Cronin. Nada que ver con su actuación en ‘My Lady’s On Fire’, ¿verdad?

Este será el tracklist del álbum:

1. Fanny Dog
2. Rain
3. Every 1’s a Winner
4. Despoiler Of Cadaver
5. When Mommy Kills You
6. My Lady’s on Fire
7. Alta
8. Meaning
9. Cry Cry Cry
10. Shoot You Up
11. You Say All the Nice Things
12. The Last Waltz
13. She
14. Prison
15. Talkin 3
16. The Main Pretender
17. I’m Free
18. 5 Ft. Tall
19. And Goodnight

Do you believe in life after Cher?

71

¿Qué morena de origen armenio estaba en la cúspide de la fama 40 años antes de que el fenómeno Kardashian pusiera al país caucásico en el mapa de la cultura celebrity mundial? ¿Quién se adelantó a todos los traperos, estrellas e ídolos del pop en utilizar el autotune como seña de identidad? ¿Y quién es la única que tiene en su casa un Emmy, un Oscar y un Grammy? Cherilyn Sarkasian. Monosilábicamente, Cher.

La gran diva del espectáculo -esa que, como ella misma reconoce, no es considerada cantante por las cantantes, actriz por las actrices, ni cómica por las cómicas- se despedía el pasado 25 de noviembre de su residencia del casino Monte Carlo de Las Vegas hasta 2018. Y lo hacía con todas las entradas vendidas y un rosario de asistentes que incluía desde a los patrios Alaska y Mario en modo aniversario hasta a parejas heterosexuales cisgénero de más de 60, pero también gays de corte clásico en modo viaje de amigos o mariliendres de pelo rubio y camisa de brillantina.

Ahora, imaginen que se apagan las luces de un teatro con capacidad para 5000 personas, que se encienden unas pantallas –marco rococó dorado mediante- que muestran imágenes de los últimos 50 años de carrera de la artista, que suena un medley housero que une el ‘I Still Haven’t Found What I’m Looking For’ de U2 con el ‘Woman’s World’ de la propia Cher y que, en pleno subidón, se levanta el telón. Fan o no fan, los tiempos están manejados a la perfección para causar el éxtasis en un espectador que se ve absolutamente sobrecargado de inputs visuales y sonoros. Un decorado arabesco. Cinco bailarines vestidos de gladiador. Cuatro músicos. Y se corre un velo gigante y aparece ella, Cher, flotando sobre el escenario en un minarete dorado que ríete tú de los del palacio de Jasmin en Aladdin. Claro, canta del tirón -envuelta en una peluca afro, un mono azul semitransparente y unas hombreras con plumas de medio metro- ‘Woman’s World’ y ‘Strong Enough’ y el auditorio se viene abajo.

Desde luego, si alguien necesitaba una explicación sobre por qué sigue siendo necesaria Cher en 2017, ahí la tenía: una mujer de 71 años, desafiando al ageism preminente en la industria –ojo, siempre cuando se hable de artistas mujeres, nadie vaya a tocar un pelo a los Rolling, Bruce Springsteen o similares-, cantando al matriarcado y al female power. Y es que el show de la californiana, pese a estar anunciado como “no politizado” –this is America, after all-, deja entrever a una artista coherente con sus principios –sigue siendo poco, pero ¿acaso llevan Madonna o Britney Spears en su gira más reciente una bajista mujer? ¿Respetan la mayoría de shows de superestrellas la diversidad racial en su cuerpo de baile?-.

Pero sobre todo, a pesar de los 11 cambios de vestuario y 17 hits en 90 minutos, deja ver a una Cher muy humana, capaz de demostrar que el amor “after love” puede seguir existiendo en su emocionante homenaje a su ex marido Sonny Bono, con el que interpretó –digitalmente, claro- la mítica ‘I Got You Babe’ y que dejó a medio auditorio con el Kleenex en la mano. Y también muy empoderada y consciente de su rol en la industria y de lo que la audiencia opina de ella. Y es que, en el monólogo inicial –que por un momento nos transportó a aquellos míticos espectáculos que Debbie Reynolds ofrecía en teatros por toda la geografía norteamericana- ya le espeta a la audiencia que muchos de ellos estarán allí porque a “a ver cuánto tiempo más estará viva”. Pero también recuerda la emoción al verse reconocida con un Óscar (en 1988, como mejor actriz en ‘Hechizo de Luna’) tras sentirse una outsider de la industria durante toda su carrera o aquella vez que, al borde de los 40, un director de casting la llamó para decirle que se quedaba sin un papel por no ser ya joven ni guapa. ¿Chascarrillos de abuela? Sí. ¿Vigencia del mensaje? También. Empiecen a pensar en mujeres a las que la industria del entretenimiento menosprecia por haberse vinculado a géneros “menores” o porque cumplen cierta edad. Y, sin embargo, cierran bocas con cada aparición en la pantalla. El ejemplo perfecto, el de Reese Witherspoon en los últimos dos años.

Pero, volviendo al espectáculo, esto es Las Vegas. Y es América. Y lo visto sobre las tablas no se puede más que describir con un adjetivo prestado del inglés: massive. Masivo, gigantesco, elefantiásico y excesivo en todos los sentidos. Ya antes de empezar, la organización lo tiene todo preparado: merchan en cada piso del teatro, varios photocalls en los que posar con pelucas y boas al más puro estilo Cher y un hilo musical en el que no faltaron ni los Village People ni Gloria Gaynor. ¿Tópico? Llámese saber hacer feliz a tu audiencia –el asistente medio era de 50 y de orientación sexual y/o género no normativo-.

Y de eso sabe un rato Cher. Porque eligió empezar por todo lo alto, con los ya mencionados ‘Woman’s World’ y ‘Strong Enough’, pero no se dejó ni un hit –si acaso, ‘Bang, Bang’, pero existen versiones mejores que la suya, así que casi mejor así-. Cada tema o dos, cambio de vestuario, de ambientación y hasta de sonido. Y así salió vestida con la peluca con flequillo de sus tiempos de Sonny and Cher para interpretar ‘I Got You Babe’ o ‘All I Really Want To Do’ mientras la banda de cuatro músicos interpretaba todo el tema en directo. O vestida de jefe indio con plumas, brillantina y transparencias –vamos, marcándose un sexy Pocahontas- en ‘Half Breed’, con amplio protagonismo de sus bailarines durante los cuatro minutos que tardó en aparecer sobre el escenario.

Porque, sí, los tiempos de espera entre canciones se hicieron largos. Entre el cuerpo de baile, la voz pregrabada de Cher -¿alguien se cree que estuviera cantando real mientras le ponían el modelazo en backstage?- y los cambios en el escenario los mitigaron, pero no dejaron de restar ritmo al show. Eso sí, luego aparecía Cher a lomos de un elefante de cartón piedra o sobre una canoa sumeria envuelta en un outfit inenarrable y lo compensaba todo. No complaints.

Tras repasar en modo ‘Grease’ neonizado y colorido ‘Walking in Memphis’ y ‘The Shoop Shoop Song’, llegaba una celebradísima ‘If I Could Turn Back Time’ –que terminaba con un solo hardrockero que dejó a más de uno con el culo torcido-, con la que Cher realizaba la pantomima de bajar la cortina. Pero, evidentemente, el show no podía terminar sin su mayor hit. El que le permitió entrar en el Guinness de los récords al convertirse en la mujer de mayor edad en alcanzar el número uno en Estados Unidos. ‘Believe’, claro está. Y para ello se alzaba de nuevo el telón con una buena y una mala señal: la buena, que la iluminación y el colorido del escenario remitían muy claramente a los de la gira ‘The Age of Adz’ de Sufjan Stevens (bien por Cher). La mala, que el remix dubstep de tres minutos de la canción –hasta que ella apareció sobre el escenario- bien se podía haber quedado en 2013, y que además dejaba al asistente con el coitus interruptus en el cuerpo cada vez que parecía que iba a empezar la versión clásica del tema.

Pero llegó, finalmente, y Cher salió, interpretó ‘Believe’ –la mitad, todo sea dicho, porque buena parte de las voces del show estaban pregrabadas- y triunfó. Tanto que dejó el repeat del estribillo puesto y estuvo varios minutos saludando a la gente en las primeras filas. Un público enfervorizado que recordaba al que se agolpa en las bendiciones papales del Vaticano y que incluso acercó un bebé de apenas un año a la diva para que lo bendijera con su incorrupta mano con una caricia en la frente. Un ritual pagano con mucha brillantina. En definitiva, lo dicho: do you believe in life after Cher?

La Bien Querida contraataca tu cena de empresa con artillería pesada: Arturo de Juventud Juché

1

La Bien Querida tiene un nuevo disco en el mercado, el notable ‘Fuego‘, que incluye algunas de las mejores canciones que has oído este año, como ‘7 días juntos’ y ‘Dinamita’, además de una colaboración con Jota de Los Planetas que por supuesto está funcionando particularmente bien, ‘Recompensarte’. Lo presenta los días 15 de diciembre y 16 de diciembre en Madrid (OchoyMedio) y Barcelona (La [2] de Apolo), respectivamente y las entradas están a la venta en Ticketea.

Sobre todo el viernes 15 de diciembre La Bien Querida ha de competir con un récord Guiness de cenas de empresa en la capital y quien no se lo crea que intente reservar mesa para 10 en su restaurante favorito, incluso con dos semanas de antelación. Como en plan contraataque, La Bien Querida ha ideado un vídeo promocional en el que Arturo Hernández, el batería de Juventud Juché, Sierra (que acaban de publicar ‘A ninguna parte‘), etcétera, se cuela en su casa cual fan… disfrazado de ella misma.

El vídeo es más chanante y espontáneo que meditado y guionizado, en la línea de otras promociones que el polifacético músico ha realizado en los últimos meses: ingeniosas promos para festivales, además de por supuesto los conciertos de su propio grupo. ¿Debajo de qué mesa aparecerá próximamente el batería de Juventud Juché?

Muere Johnny Hallyday, uno de los cantantes más exitosos de la historia francesa

12

Johnny Hallyday, una de las figuras más importantes de la música francesa durante el siglo pasado y también el que nos ocupa, ha muerto como consecuencia de un cáncer de pulmón que le fue detectado el año pasado. Tenía 74 años. Uno de sus últimos lanzamientos se llamaba ‘Rester Vivant’ (“seguir vivo”) y este verano había completado la gira ‘Vieilles Cannailles’ (“viejos canallas”) que había emprendido con otras figuras tan queridas y referenciales como Jacques Dutronc y Eddy Mitchell.

A lo largo de su carrera ha editado 50 discos de estudio y ha vendido más de 100 millones de álbumes. Ya muy populares fueron sus discos de rock’n’roll durante finales de los 60 y los 70, cuando consiguió más de una decena de álbumes número 1 en las listas francesas, situando otros tantos en el puesto 2. Le llamaron «el Elvis francés». Reclutó por ejemplo en ‘Jeune Homme’ a Mick Jones (luego en Foreigner), Tommy Brown (The Griffin Brothers) y Jimmy Page, que arregló su tema ‘A tout casser’. Pero su éxito se extendió hasta nuestros días y todos los discos de estudio que ha editado en este siglo han sido top 1 en Francia. Además, ‘Sang pour Sang’, editado en 1999, es uno de los 20 discos más vendidos de la historia del país galo, por encima de los 2 millones de unidades tan solo en este país. Y de 2002 procede una de sus canciones más famosas, la balada ‘Marie’, escrita por Gérald De Palmas.

El artista se había casado 5 veces, 2 de ellas con la misma mujer. La primera fue la conocida artista Sylvie Vartan y la última, Laetitia Hallyday, quien ha comunicado su muerte, le duraba desde 1996. Entre quienes han lamentado su fallecimiento están Celine Dion, que le ha llamado “un verdadero icono”, o el presidente francés, Emmanuel Macron, que ha dicho que “no olvidaremos su nombre, ni su voz, ni sobre todo las interpretaciones con ese lirismo sensible”.

Este año se ha editado un disco de homenaje a la figura de Johnny Hallyday que incluía temas de Benjamin Biolay, Patrick Bruel o la exitosa Louane.

Melanie Martinez es acusada de violación por la cantante Timothy Heller

70

La cantante neoyorquina Melanie Martinez, conocida por su paso por The Voice y por su interesante carrera en solitario (es autora del recomendable ‘Cry Baby‘) ha sido acusada de violación por una antigua amiga, la también cantante Timothy Heller. Esta la acusa de haberla forzado a fumar cannabis y de penetrarla sin su consentimiento durante una noche en que durmieron juntas: Escribe: “Jamás dije sí. Siempre dije no, repetidamente. Pero ella usó su poder sobre mí y me hizo añicos. Para que no haya confusión: mi mejor amiga abusó de mí. Me practicó sexo oral y después me penetró con un juguete sexual sin preguntarme”.

Martinez ha acudido a Twitter para negar las acusaciones contra ella, escribiendo que se siente “horrorizada y triste” por leer las acusaciones de Heller: “lo que ella y yo hemos compartido ha sido una amistad cercana durante un periodo de tiempo. Llegamos a la vida de cada una al tiempo que empezábamos nuestras carreras y nos intentamos ayudar la una a la otra. Ambas hemos sufrido para enfrentarnos a nuestros propios demonios y los nuevos caminos que nos forjábamos, pero realmente creo que intentábamos elevarnos la una a la otra. Ella nunca dijo no a lo que decidimos hacer juntas. Y aunque ya no somos amigas, le envío mi amor y luz siempre”.

La acusación a Martinez se suma a las decenas y decenas que han surgido en los últimos meses después de que el productor Harvey Weinstein fuera acusado de abusos por varias actrices. Las acusaciones han golpeado fuertemente al mundo del cine y la televisión pero también de la música, como ha sucedido con Matt Mondanile de Ducktails o Alex Calder.

‘El sacrificio de un ciervo sagrado’, el ojo por diente de Lanthimos

3

Yorgos Lanthimos se ha convertido en los últimos años en uno de los directores clave del cine de autor, gracias a las múltiples lecturas sobre la sociedad que esconden cintas como ‘Canino‘ o más recientemente ‘Langosta‘. La represión en el núcleo familiar hasta conseguir anular a una persona, el totalitarismo o la presión de la sociedad para que todo el mundo tenga pareja han sido algunos de sus temas fetiche. Su última película, ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’, que se estrenaba en Cannes, en España se podía ver en el Festival de Sitges y ahora llega a los cines, no es tan ambiciosa -tan universal- en cuanto a mensaje, aunque sí rica en fondo, esta vez inspirándose en Eurípides y la Biblia.

De nuevo un núcleo familiar, en este caso formado por los personajes de Colin Farrell y Nicole Kidman y sus hijos, son el centro de atención, solo que esta vez no sirven como metáfora de los males de nuestra sociedad, a menos que entendamos aquí una reflexión sobre nuestra responsabilidad de cara a las consecuencias de nuestras adicciones, ahora que hay quien se ve capaz de mencionar el alcohol públicamente como excusa para justificar sus actos. Un dilema interesante pero que suena demasiado reduccionista para los poliédricos guiones de Lanthimos, que esta vez simplemente parece haber querido ofrecer un thriller algo Haneke y Lars von Trier sobre la justicia poética, la venganza y el ojo por ojo y diente por diente, aunque sin renunciar a su paleta personal.

De hecho, repite con quien parece su actor fetiche, Colin Farrell, que se queda la parte más conseguida de ‘El sacrificio de un ciervo sagrado’ tanto en cuanto a thriller como a la muestra de la personalidad del director. La relación del personaje de Farrell, cirujano, con un inquietante joven -demasiado joven- que frecuenta el hospital en el que trabaja, no puede resultar más turbia y desconcertante desde el minuto uno. Lanthimos, sin revelar realmente qué relación les une, logra incomodar al espectador cuando suponemos que todo lo que busca el joven es tratar de saciar su ansia de una figura paterna y también en aquellos momentos en que sus intenciones son de todo menos así de bonitas y naíf.

Aunque la película no logra mantener ese nivel de confusión a lo largo de sus dos horas de metraje, la trama se viene arriba cada vez que el intimidante y perturbado Barry Keoghan sabe ejercer de stalker a lo ‘Funny Games’, sirviéndose para ello de la varita de Lanthimos surrealista y fantástica, y que como tal, para angustia de espectadores y personajes, sabemos que no conocerá límite alguno. 7,5.

Ed Sheeran, Alicia Keys, Kehlani y Pink, entre los invitados de Eminem en ‘Revival’

51

Poco a poco van conociéndose los detalles del nuevo disco de Eminem que está a punto de llegar al mercado. ‘Revival’ se pone a la venta el 15 de diciembre, a tiempo para la Navidad, pero muy por los pelos, tras varias pistas el pasado mes de noviembre. La más sonada fue, por supuesto, el lanzamiento de un tema junto a Beyoncé que no ha terminado de conquistar las listas de éxitos.

Walk On Water‘, que precisamente abrirá el disco, llegaba al puesto 14 en Estados Unidos y al puesto 7 en Reino Unido, si bien solo 3 semanas después está claramente a la baja, en el puesto 20 en las islas británicas, y tan solo en el número 55 en las estadounidenses. Habrá que ver, pues, qué pasa con otros de los invitados del álbum, entre los que están nada menos que Ed Sheeran, Pink devolviendo el favor de su álbum, Kehlani o Skylar Grey, que era quien interpretaba ‘Walk On Water’ en vivo en la última ceremonia de los premios MTV.

Así queda el tracklist del que, en apenas 10 días, puede terminar siendo uno de los discos más vendidos de todo 2017.

1. Walk on water (ft. Beyoncé)
2. Believe
3. Chloraseptic (ft. Phresher)
4. Untouchable
5. River (ft. Ed Sheeran)
6. Remind me [intro]
7. Remind me
8. Revival [interlude]
9. Like home (ft. Alacia Keys)
10. Bad husband (ft. X Ambassadors)
11. Tragic endings (ft. Skylar Grey)
12. Framed
13. Nowhere fast (ft. Kehlani)
14. Heat
15. Offended
16. Need me (ft. Pink)
17. In your head
18. Castle
19. Arose

Mr Hudson y Vic Mensa odian a Coldplay en su nuevo single, ‘Coldplay’, que suena a Coldplay

1

¿Recordáis a Mr Hudson? El británico fue uno de los artistas reclutados para el sello de Kanye West GOOD Music a finales de la década pasada, y desde entonces le hemos oído en el disco colaborativo de West con Jay Z o en temas con Frank Ocean, Paloma Faith o Miley Cyrus con Future. Desde que publicara dos discos antes de 2010 no se ha sabido tanto sobre él, pero de vez en cuando sí que ha compartido alguna pista inédita.

La que llega hoy tiene la particularidad de llamarse ‘Coldplay’, hablar de Coldplay y sonar a Coldplay, en concreto a un punto medio entre ‘Parachutes’ y ‘Ghost Stories’, en concreto a ese delicioso momento en que decidieron entregarse a los brazos de Jon Hopkins. La letra tiene su guasa, especialmente cuando dice: «pelo húmedo en un día frío / el tipo de día en que pones a Coldplay / y ni siquiera me gusta Coldplay / pero hoy necesito a Coldplay». Mientras Hudson repite que «somos demasiado jóvenes para morir», Vic Mensa se une en un rap para sumar varias referencias a Coldplay, desde la conclusión «odio a Coldplay» hasta a ‘Yellow’ («I see your face in yellow every time I hear Coldplay») pasando por ‘Fix You’.

Vic Mensa ha publicado este año su disco ‘The Autobiography’, en el que aparece Mr Hudson, en concreto en la pista ‘Memories on 47th St.’.

Templeton / Una mar enorme

7

Los cántabros Templeton cuentan con la gran suerte de tener entre sus filas a Álvaro Martínez, que además de ser la voz principal en el grupo, es un reputado ilustrador que ahora mismo dibuja una de las series clásicas de DC Cómics, ‘Detective Comics’ –o sea, la serie original de Batman–. También ha elaborado –como ya ocurriera con la de ‘El murmullo’– la fabulosa cubierta de ‘Una mar enorme’, el nuevo álbum del grupo: los integrantes del sexteto, remando decididamente y al unísono en un pequeño bote, ante la amenaza de ser engullidos por una enorme ola oscura. La disparidad artística que muestran por separado Brian Hunt, Javier Carrasco (Betacam, Rusos Blancos) o Santiago Castillo (Esmeraldo) desaparece en Templeton para formar una amalgama diversa pero sorprendentemente consistente.

En una charla que mantuvimos con él meses atrás, Betacam definía este disco como el punto medio entre sus dos últimos discos, ‘Rosi’, un disco en el que los sintetizadores ganaban la partida al pop rock clásico, más acústico y algo pastoral de su antecesor, ‘El murmullo’. Ciertamente no hay mejor y más atinada descripción para definir a qué suena ‘Una mar enorme’, porque en él conviven tecnopop épico con guiños a New Order o A-Ha! y aspiraciones de sintonía televisiva (‘Largo recorrido’), explosivo pop atemporal que tan pronto remite a Beach Boys como a los suecos Shout Out Louds (’¡Flash!’), canción melódica de altas miras y enormes arreglos a lo Juan y Junior (‘Me has dejado de gustar’, ‘Nube gris’), una jota castellana revestida de misterio sintetizado a lo Chromatics (‘Se me llevan’), esqueléticas baladas eléctricas (‘Conan’), elaborada y taciturna psicodelia (‘Remar’) o una odisea pop capaz de ir de lo microscópico a lo galáctico, de La Buena Vida a Los Planetas (‘Marzo mayea’). Contra todo pronóstico, esa disparidad suena compacta, sólida y hasta lógica.

Volviendo al principio de esta crítica, lo que vertebra toda esa variedad de palos –además del siempre eficaz trabajo de producción de Paco Loco, claro está– es la convicción con la que el grupo articula ese rico universo estético, como si cada estilo de cada canción fuera lo que mejor supieran hacer del mundo, como si llevaran toda la vida haciendo canciones así. Y en realidad es más o menos así, porque la huella compositiva de estas canciones no dista de la que ya mostraban Templeton en sus primeras grandes canciones, ‘Las casas de verano e invierno’ y ‘Brasil’. Solo que, camino de una década después, lo hacen mejor, mucho mejor. Además, en ‘Una mar enorme’ también está entreverado un estilo lírico muy particular, que les distingue: una desazón, un desencanto generacional (“¿Qué es lo que me pasa, si nunca me pasa nada?” –‘Nube gris’–) de pronto y tardotreintañero, tan culto y preparado como aplastado por la precariedad laboral, social y moral que se dibuja en unas letras cargadas de humor sin ironía.

Por pura identificación, su honestidad nos hace esbozar una media sonrisa entre el espanto y la empatía, con personas que fantasean con llevar otra vida distinta pese a que saben que su aflicción no desaparecería con ella (“No he descubierto lo que soy; tampoco sé qué día es hoy” –’Año sabático’–), que avanzan a pesar de la nostalgia (el repaso a esas fotos técnica y anímicamente desastrosas que nos resistimos a tirar –‘¡Flash!’–) y el influjo de personas que pese a que no nos convienen no podemos (ni queremos) olvidar –‘Agua con sal’, ‘Me has dejado de gustar’– y pese a todo saben encontrar lo que de verdad vale la pena de todo esto (‘Conan’).

Encabezando todos esos grandes momentos traducidos en canciones, sin duda la gran cumbre de ‘Una mar enorme’ es esa ‘Marzo mayea’ que estrenábamos meses atrás en esta web y que antes citábamos, de manera nada casual, junto a los nombres de Los Planetas y La Buena Vida. Los primeros, por el espíritu de epopeya expansiva a lo ‘La copa de Europa’ que impregna todo el tema; los segundos, por la mención explícita en su letra y, también, por esos coros que parecen imitar los arreglos orquestales del disco del añorado grupo donostiarra (podría ser ’Álbum’, aunque también evocan una chispita a ‘Begin The Begin’) que la pareja protagonista de la canción coincide en tener por duplicado. Un encantador detalle de los muchos que pueblan este estupendo disco (no hay ni una canción mala ni prescindible) y que se acomodan, como si fueran propios, en el imaginario del oyente. Con esta gran obra Templeton consiguen, de una vez por todas, afianzar la entidad de su proyecto, escalando a la categoría de esos grupos que trascienden las comparaciones con otros referentes. Así, no hay ola que pueda romper los lazos internos de sus distintos componentes ni los que viejo y nuevo público ha establecido o establecerá con ellos.

Templeton serán los teloneros de Los Planetas en el concierto, con entradas ya agotadas, que el grupo de Granada ofrece el próximo jueves, 7 de diciembre, en el WiZink Center de Madrid.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘Marzo mayea’, ‘¡Flash!’, ‘Me has dejado de gustar’, ‘Nube gris’, ‘Conan’
Te gustará si te gusta: el buen pop en castellano, desde Los Planetas a La Buena Vida pasando por Rusos Blancos y Francisco Nixon
Escúchalo: Spotify

Lana Del Rey y Father John Misty, en el nuevo disco de Jonathan Wilson

1

Lana Del Rey es una de las artistas invitadas en ‘Rare Birds’, el nuevo disco de Jonathan Wilson. El músico de Laurel Canyon ha aparecido recientemente en ‘Pure Comedy’, el último trabajo de Father John Misty, y precisamente Josh Tillman es otro de los músicos invitados en este ‘Rare Birds’ que sale el 2 de marzo y en el que también han colaborado el veterano músico Laraaji (conocido por su trabajo en el ámbito del ambient y la new age) y la banda de pop de Brooklyn Lucius.

Wilson debutó en 2011 con un notable disco de folk-rock que fue aclamado por la crítica, ‘Gentle Spirit‘, al que en 2013 sucedería con ‘Fanfare‘. El primer adelanto de ‘Rare Birds’ es ‘Over the Midnight’, muy apta para fans de The War on Drugs y que se presenta con un psicodélico vídeo animado por ordenador.

Como Tillman, la autora de ‘Lust for Life‘ ha sido recientemente nominada a un Grammy por este mismo álbum, del que se han desprendido grandes canciones como ‘Love’, ’13 Beaches’ o la reciente canción del día en nuestro site, ‘Tomorrow Never Came’ junto a Sean Lennon.

‘Rare Birds’:

01 Trafalgar Square
02 Me
03 Over the Midnight
04 There’s a Light
05 Sunset Boulevard
06 Rarebirds
07 49 Hair Flips ft. Father John Misty
08 Miriam Montague
09 Loving You
10 Living With Myself ft. Lana Del Rey
11 Hard to Get Over
12 Hi Ho the Righteous
13 Mulholland Queen

Por qué es buena idea que Zahara componga la posible canción para Amaia Romero en Eurovisión

18

RTVE ha confirmado este lunes que el representante de España en la próxima edición de Eurovisión, que se celebra en Lisboa, saldrá del casting actual de Operación Triunfo. Una de las concursantes del formato que más posibilidades tiene de ir a Portugal es Amaia Romero, una de las favoritas del público desde el arranque del programa el pasado mes de octubre.

Amaia se ha ganado el favor de la audiencia gracias a sus bonitas interpretaciones de canciones como ‘City of Stars’ junto a Alfred y ‘Con las ganas’ de Zahara. Y precisamente la autora de ‘Santa‘ ha acudido en las últimas horas a Twitter para proponerse como compositora de la posible canción que presente la concursante navarra en Lisboa, de ganar esta Operación Triunfo y por tanto postularse como primera candidata para ir a Eurovisión. “Si Amaia va a Eurovision quiero componerle la canción” han sido sus palabras suscritas por sus fans y también por Barei, quien participara en Eurovisión en 2016, y que se ha apuntado como candidata para componer a Amaia de no poder hacerlo Zahara. Esta ha respondido con una sonrisa que “podemos hacerla entre las tres”.

Después de que Guille Milkyway –actual profesor en la Academia de Operación Triunfo– se quedara sin poder participar en Eurovisión con ‘La revolución sexual’ en 2008, el año en que España llevó a Belgrado esa cosa sin gracia -y eso que pretendía tenerla- que fue el “Chiki Chiki” de Chiquilikuatre, sería refrescante que una canción de Zahara representara a España en el festival. Es hora de que nuestro país proponga una canción que no siga necesariamente las modas del pop internacional como Manel Navarro, la misma Barei -cuyo ‘Say Yay’ por otro lado es una de las canciones más dignas que hemos llevado en los últimos años- o Soraya o que no se deje llevar por dramatismos vacuos y forzados como las candidaturas de Edurne, Ruth Lorenzo o Pastora Soler. Sí, estas dos últimas dejaron bien a España en los votos finales -ambas fueron top 10-, pero no mejor que Rosa en 2002 y desde luego no ganaron a pesar de todo. ¿Quizá es momento de llevar algo distinto? ¿Quizá sea este el momento adecuado?

Ojo, esto no significaría que Zahara compusiera para Amaia Romero una canción como ‘Con las ganas’. Quizá un tema sencillo, bonito, sería apto para Amaia Romero, pero la de Úbeda es capaz de otras cosas: en su último disco sorprendió con canciones synth-pop como ‘Caída libre’ (que, ojo, dura exactamente tres minutos) o más rockeras como ‘Crash’. Aún así la ternura de composiciones como ‘El frío’ ocupan un lugar de honor en su discografía. No cuesta nada oír a Amaia cantando eso de “esta mañana, cuando la nieve llegó, cubriendo la almohada, no imaginé que era más profundo que la escarcha sobre tu piel”. Ya hemos oído a Amaia arrancarse por Neutral Milk Hotel o Él mató a un policía motorizado… ¿Haremos caso a Vega y dignificaremos por fin nuestro paso por Eurovisión?

El colectivo de raperos La Insurgencia, condenado a 2 años de cárcel por enaltecimiento del terrorismo

5

12 integrantes del colectivo de raperos La Insurgencia han sido condenados a 2 años y 1 día de cárcel por “enaltecimiento del terrorismo”, confirma Público. Los jóvenes deberán abonar también una sanción de 4.800 euros y cumplir nueve años de inhabilitación absoluta. Al menos un miembro de La Insurgencia, Saúl Zaitsev, recurrirá al Supremo según El Salto.

Para la Fiscalía, las letras de La Insurgencia «ensalza[n] de manera casi sistemática la organización terrorista PCE (r) – GRAPO» y «mantiene[n] una tónica subversiva frente al orden constitucional democrático». Algunas de las frases examinadas para resolución son «Leyendo a presos de los GRAPO entendí muchas cosas, como que la lucha de clases no se gana con rosas», «yo no lleno salas diciendo que el Rey tiene una bala con el nombre de Lasa y Zabala, terrorismo institucional» o “Feliz cuando ajusticien en la plaza del pueblo a Letizia Ortiz».

Zaitsev hablaba con Público recientemente, explicando que ni él ni el resto de integrantes del colectivo entienden que la Fiscalía los quiera en prisión ya que su música “transmite la rabia de una generación sin futuro”. Además, acusa el sesgo de La Fiscalía, explicando que han analizado frases sacadas de contexto para concluir que de alguna forma sus letras favorecen el terrorismo. “Determinadas frases pueden sonar agresivas, pero nadie puede ir a la cárcel por hacer canciones de mal gusto”, indicaba. “O eso pensaba yo hasta ahora».