Cuenta Mala Rodríguez que su nuevo disco ‘UN MUNDO RARO’ es un proceso de «liberación en tres actos». A través de él ha realizado un viaje interior, y considera el lanzamiento «la historia de una crisis con final feliz». Ese proceso de lucha explica los muchos sobresaltos en su desarrollo, las partes más fieras e indomables, incluso feístas, en contraste con otras que suenan más vulnerables y bonitas.
Una parte del álbum habla de libertad, desafío y «hate», quizá en referencia a sus muchas polémicas en las redes, quizá a otros asuntos desconocidos de su vida personal. ‘QUIÉN ERES TÚ’ se pregunta «quién eres tú pa hablar de mí» y se burla: «si traicionaron a Cristo, cómo no me van a traicionar a mí». ‘PAGANI’ recuerda que «a los que me tiran la Mala les rebota, no saben que estoy bendecida». En la balada a piano que cierra el disco, plantea que «lo que digan de nosotros no le importa casi nada». Subrayemos el «casi», que aparece hasta en el título.
En cuanto a libertad e independencia, el estribillo de ‘BRAVA’ es «no te pido que me salves». El tema llamado ‘UN MUNDO RARO’ parece hablar de cómo las mujeres no son bien vistas ni cuando van demasiado vestidas ni demasiado desnudas («Las visten para hacerlas desaparecer / A mí que me desnudo, no me ven»). En ‘PELIGROSA’ dice que «no hay forma que permita que un hombre quiera sentirse superior, la próxima vez que vuelva y me toque voy a mostrarle quién soy yo». Y continúa, por si quedaba alguna duda: «cogí clases de karate, un cuchillo, guardé un bate».
Musicalmente el disco continúa la senda de esa Mala Rodríguez seducida por el trap y el pop (‘No molestar’, con Polimá Westcoast), sin renunciar a su origen hip hop (‘VALOR’). En los créditos encontramos a gente como Bull Nene, Santto, Gabo y Tuny D. Aunque esta vez no son las canciones más raperas las que mejor relucen. ‘ROMPIENDO’ con JC Reyes tiene cierto flow, pero las barras de ‘BRAVA’ deberían remover tantas tripas como sus beats, Stories y entrevistas, y no es el caso. Por ahí, esta vez a la artista no le ha salido un hitazo como ‘La Niña’.
Por el contrario, luce bastante cómoda en las canciones que han buscado un poso más tribal o espiritual. Ahora que subasta una cita y show con ella misma en un hotel en lo que se va a considerar la «edición física» del disco, y que además va a donar lo obtenido a Save the Children; parece que hay un intento de reconciliación con el mundo. ‘YA NOS CONOCEMOS’ quiere ser más poética: «qué triste sería en el mar pasar la noche sin luna / pero más triste es vivir sin esperanza ninguna». Y ‘FLY GLÚ’, una especie de producción electropop, dembow y tropical… se construye en torno a una locución de ‘David El Gnomo‘. Comenzaba la serie explicando que los gnomos no entienden algunas costumbres de los humanos. Por ejemplo la de «prohibir, prohibir, prohibir» y «producir basuras». Hay que reconocer que, aunque no comulgues con sus ideas, lo recóndito de la cita tiene su gracia.
Y alguna cosa la sigue bordando. Es el caso del trip hop de ‘ÁNGEL’. Su toma vocal más desgarrada nos está confesando: «yo no soy un ángel, no puedo con todo este peso / las manos me arden, intento mirarte a los ojos pero soy cobarde». La Mala canta «la voz se me parte» y de hecho se le parte. Pero a continuación, cambia radicalmente de tono y no sabes si te ha estado tomando totalmente el pelo: «papi, se te ve demasiado bueno / yo tengo más trucos que los videojuegos». ¿Puro teatro?
Carolina Durante bajan las revoluciones en el primer single de su próximo disco, ‘Elige Tu Propia Aventura’, que promete ser el más maduro de la banda madrileña. El sencillo no tiene nada que ver con lo que nos tiene acostumbrados el grupo de Diego Ibáñez: balada, arreglos de cuerdas y vientos y sin estribillo. Es una de sus mejores canciones.
Basada en los conocidos libros para niños, ‘Elige Tu Propia Aventura’ trata sobre las decisiones que tomamos en la vida y que no tienen vuelta atrás, por dolorosas que sean. «A día de hoy me como la cabeza de forma obsesiva con cada cosa que hago mal o que podría haber hecho mejor durante días, semanas y meses como si sirviese de algo», cuenta el cantante y letrista de la banda.
Con un build up que comienza con unos íntimos punteos de guitarra y que termina con una brillante instrumentación, Carolina Durante construyen una letra que, de primeras, podría ir en la línea gamberra de la banda («Elige tu propia aventura, elijo comida basura»), pero que rápidamente se convierte en algo mucho más profundo: «Elige tu propia aventura, elijo ser un hijo de puta, elijo ser como mi padre, y elijo dejarte aparte».
El nuevo y sofisticado rumbo instrumental de Carolina Durante viene de la mano de Ali Chant, productor de artistas como Yard Act, Dry Cleaning o Perfume Genius, así como del multiinstrumentista David Grubb y el trompetista Pete Judge, que ha trabajado con artistas de la talla de Massive Attack. Según la nota de prensa, todo esto también lo podremos encontrar en el nuevo LP de Carolina Durante.
DELLAFUENTE viene de conseguir el mayor éxito comercial de su carrera gracias a ‘Manos Rotas’, junto a Morad, a finales del año pasado. Tras mantener el silencio, como es típico en el granadino, hoy ha anunciado que su próximo disco estará disponible el próximo 14 de junio. ‘Torii Yama’ es su título.
«Siento que vengo de un largo camino donde cada vez estoy más cerca de encontrarme conmigo. Todo cambia y me encanta esta sensación de sentirme empezando. Ya son 10 años de viaje. Y lo mejor de cada viaje, siempre, es volver a casa», se puede leer en la caption del post.
La semana pasada, DELLAFUENTE organizó en Madrid un evento único que se promocionó como «Lectura de Los Escritos de Torii Yama» y en el que se pudo escuchar el nuevo trabajo del artista. Estos escritos fueron presentados como una recopilación de letras inéditas de DELLAFUENTE y cada asistente recibió una copia para leer durante el evento, en el que se prohibió el usó del teléfono móvil.
El top 5 de la lista de singles en España llega prácticamente sin cambios respecto a la semana anterior, con lo urbano ocupando los cinco puestos. Corona Saiko una vez más con su hit ‘BadGyal’ junto a JC Reyes y Dei V. Por otro lado, la salida de ‘HIT ME HARD AND SOFT’ ha hecho que Billie Eilish protagonice la mayoría de entradas de la semana. Sin embargo, de diez canciones solo se han posicionado ocho. El tercer LP de Eilish sí ocupa el número 1 de la lista de discos.
‘LUNCH’ es la entrada más fuerte de la semana, directa al puesto 18. Aunque ‘THE DINER’ y ‘BITTERSUITE’ no han encontrado su sitio en el top de singles España, ‘CHIHIRO’ (#24), ‘BIRDS OF A FEATHER’ (#42), ‘SKINNY’ (#68), ‘L’AMOUR DE MA VIE’ (#69), ‘WILDFLOWER’ (#76), ‘THE GREATEST’ (#89) y ‘BLUE ‘ (#91) están esparcidas por toda la lista.
Feid protagoniza otras dos inclusiones: ‘GATITAS SANDUNGUERAS VOL.1’ junto a Álvaro Díaz, en el puesto 22, y ‘Brickell’ con Yandel, en el 97. Por último, la segoviana Isabel Aaiún ha colocado la canción ‘Potra Salvaje’ en el número 75, solo un escalón por encima de ‘WILDFLOWER’. En cuanto a la subida más grande del top, esta llega de la mano de NTG y Amenazzy con el hit ‘Suano’. Ha pasado del número 53, que ocupaba la semana pasada, al número 21.
Después de firmar sonadas colaboraciones con Shakira, Quevedo o Peso Pluma, Bizarrap vuelve a sus orígenes lanzando sesión con una artista emergente. La dominicana Lismar apenabas contaba unos 50.000 oyentes en Spotify antes de colaborar con Bizarrap. Ahora, la cifra se sitúa en torno al millón.
Bizarrap y Lismar se alían en la sesión número 60, que llega después de la 59, protagonizada por Natanael Cano. Lismar se sube a una producción de Bizarrap inspirada en el hip-hop de los ochenta, tan maximalista y llena de efectos como de costumbre.
En menos de una semana, la sesión 60 de Bizarrap ha superado el millón de escuchas, aunque en las listas de Spotify está pasando más desapercibida de lo que probablemente se esperaba, pues apenas asoma por el puesto 144 de España y por el 188 de Uruguay.
No será por el talento de Lismar para espetar barras a la velocidad de la luz. En sus versos se jacta de ser «la moda», muestra su orgullo de barrio afirmando que se «crió en la esquina» y que la calle le enseñó a ser «tíguere, pero fina», y se compara con la realiza británica, rapeando que «de República Dominicana yo soy una soberana / Me voy a morir corona’ como la princesa Diana».
Lismar, cuyo nombre real es Patricia Lismary Fernández Soto, lleva desde la pandemia dándose a conocer en el mundo de las llamadas músicas urbanas. Nacida en el barrio de Los Mina, Santo Domingo, se ha empezado a hacer un hueco con pequeños éxitos como ‘No me diga mah 2’ o ‘A mí mamá’. Ahora, tanto la sesión 60, como una segunda alianza con Biza en ‘Subió la tempratura’, prometen darla a conocer a una mayor audiencia.
Low Festival presenta la tanda final de confirmaciones de su edición de 2024, que se celebra los días 26, 27 y 28 de julio en Benidorm con Pixies, Amaral, Suede, Los Planetas, Maximo Park o Arde Bogotá entre los cabezas de cartel confirmados. JENESAISPOP es medio colaborador un año más.
El cierre del cartel de Low se centra en la pista de baile, concretamente en su Escenario Dancefloor, que se estrenará este año con sesiones de Joe Goddard, conocido por ser integrante de Hot Chip; PUTOCHINIMARICÓN o Chico Blanco.
La programación del Escenario Dancefloor por días revela que el viernes 26 ofrecerán sets Joe Goddard, Marcelo Pantani, Yahaira, Wisemen Project, Coolnenas, Lola Bozzano y Peredius b2b Bea Miau. El sábado 27 será turno de Horse Meat Disco, Two Ex, Álvaro Cabana, PUTOCHINOMARICÓN, Sama Yax, Stereo DJs y Miss Deep’in.
Finalmente, en la jornada del domingo 28 se pondrán tras los platos Chico Blanco, Argia, Second DJS, Jotapop, REM DJs, Mr Cong b2b Alexcurreya y Drizzyclare.
Los abonos y entradas de día siguen a la venta en la web de Low Festival a precio actual hasta este jueves a las 23.00 horas o hasta agotar cupo.
En la jornada inaugural del Primavera en la Ciutat en Sala Apolo hay montones de siniestros de la vieja escuela, además de camisetas de The Cure, Cocteau Twins y, claro, The Chameleons. Pinta a fiesta grande. Dos grupos señeros, Cranes y The Chameleons, junto con Johnny Jewel, visten la noche de oscuridad gótica y nostalgia sintética.
Cranes vienen a reivindicar su trono del dream pop tras once años de parón. Cuarenta minutos son escasos para toda la expectación por la banda de los hermanos Shaw. De hecho, una frase que se escucha bastante en la sala es: “yo he venido por los Cranes”. Alison Shaw, hierática y magnética, reina desde el lado izquierdo, mientras Jim dirige tras la batería. La voz de niña poseída de Alison es la máxima seña de identidad de la banda. No ha perdido fuste. Es más, esta noche brilla especialmente.
Jordi Pérez
Empiezan ensoñadores con ‘Cloudless’, pero enseguida marcan un tono marcial en ‘Da Da 331’. Las proyecciones son sencillas, pero oníricas y efectivas. Cranes logran dar a su concierto un ambiente de añejo film de terror, de esos que ya no dan miedo pero aún fascinan, van combinando ensoñación con ráfagas de furia. Alison, cuando no toca el bajo, se aprieta el diafragma todo el rato, como si quisiera entregarnos toda su expresividad. La culminación es ‘Starblood’ y, ahora sí, son una película de horror, entre golpes secos de batería y el guitarra aporreando su instrumento con una llave inglesa. Lo dicho: escasísimo.
Las estrellas de la noche fueron The Chameleons. La banda de Mark Burgess fue una de las más importantes de post punk británico de la primera mitad de los 80. Y aunque suene a tópico, en la sala se huele esa sensación de gran noche, de complicidad. No pueden sonar mejor. La introducción larga y los guitarrazos de ‘Silence, Sea and Sky’ pero, ay, la voz de Burgess suena floja. Por suerte enseguida se arregla y el clima que consiguen es mágico: un viaje en el tiempo, entre sintetizadores, líneas de bajo sincopadas y guitarras con el reverb a tope. No necesitan más que la potencia, los focos y los fans entregadísimos. La sala está completamente magnetizada cuando Burgess presenta a la banda y atacan ‘Swamp Thing’. Y ahí se acaba. Solo tienen cincuenta minutos. Hay pitidos, parece que la banda está negociando un tema más, pero finalmente no es posible. El público los reclama insistentemente, pero nada.
Jordi Pérez
Para Johnny Jewel se ha marchado casi la mitad del público. Está claro cuáles eran las prioridades góticas de la noche. Eso sí, los que se quedan demuestran bastante fervor. Lo de Johnny Jewel me recuerda un poco, salvando las distancias, al concierto de John Carpenter de 2016. Como Carpenter, Jewel goza revistiendo imágenes inquietantes a golpe de sintetizador sugerente, sofisticación hortera y efectismos. Jewel desgrana varios de sus temas de bandas sonoras, ya sea en solitario, con los Chromatics o Glass Candy. Va sin banda y lo fía todo a las proyecciones: giallo italiano, películas S de terror de los setenta, esa estética a la que la productora CANADÁ le debe tanto. Jewel se queda en el rincón, en la mesa, aunque de vez en cuando se arranca a bailar.
Cuando aparece la cara de Laura Palmer el público silba entusiasmado. Las imágenes de ‘Twin Peaks‘ son debidamente jaleadas, Jewel las llena de saxos sintéticos, de falso lujo. Luego más giallo y aplausos cuando se muestra una decapitación. Aunque la película que más rato va a ocupar la pantalla es ‘Lost River’, el debut a la dirección de Ryan Gosling (2014) que Jewel musicó. Un extraño film de imágenes fascinantes en que reina Christina Hendricks, que encuadran ‘Yes’ de Chromatics y ‘Shell Game’ de Glass Candy. La música recrea una iglesia tétrica, Jewel agarra el micro con vocoder y se arranca a cantar.
La máxima celebración se la lleva ‘Drive’ y la canción ‘Tick of the Clock’ de Chromatics. Aunque se pase de esteticismo un pelín vacío, la experiencia es bastante subyugante. Pena que cierre con cierto bajón con el remix de ‘Blinding Lights’ de The Weeknd, con un cartel bien grande con el nombre de la canción y el artista, como si no supiéramos quién es. Como si Jewel, después de mostrarnos su talento, fiara el triunfo a una carta ajena.
Masoniería, alias de Sònia Montoya, bajista de Papa Topo y Eterna Juventut, ha contado con Hidrogenesse para la producción de la mayoría de sus singles y para su edición en el sello Austrohúngaro. Entre estos sencillos se encuentran ‘El arquero’ (2020) o ‘Llorando por toda la ciudad’ (2022), uno de los temas de Masoniería incluidos en la banda sonora de ‘La amiga de mi amiga’. Vuelve a ser el caso con ‘Quiero ser tu novia’, probablemente la canción más discotequera que ha firmado la artista.
Se trata de un tema inspirado en el hi-NRG de los ochenta, tanto que no se corta en incorporar el sonido de unos buenos cascabeles. Eso sí, la melodía de ‘Quiero ser tu novia’ lleva al tecnopop español y, más concretamente, a Camela.
‘Quiero ser tu novia’ tiene capas, pues su letra se inspira en la vida de la famosa escritora francesa del siglo XIX Aurore Dupin, quien firmaba con el pseudónimo masculino George Sand para poder ver publicadas sus obras. Dupin vivió en Mallorca, ciudad a la que dedicó un libro, y era conocida por vestir indumentarias masculinas y por fumar en público, transgrediendo los códigos sociales de la época.
«Tu vida agitada está criticada por la sociedad» es una de las frases que escuchamos en ‘Quiero ser tu novia’. La historia de Dupin a Masoniería le fascina y, por eso, le «declara» su amor: le gusta que «fume por París», que «vista un traje gris» y que se haga pasar por hombre siendo mujer, y se imagina bailando con ella en Mallorca. En ‘Quiero ser tu novia’, Masoniería entrega una peculiar y divertida unión entre discoteca ochentas y literatura.
‘Quiero ser tu novia’ formará parte de un EP dedicado a George Sand, que verá en junio incluyendo nuevas versiones y remezclas del tema.
Billie Eilish coloca su nuevo disco, ‘Hit Me Hard and Soft‘, en el número 1 de álbumes en España. Como consecuencia, la mayoría de temas contenidos en el disco entran en la lista de singles.
‘Hit Me Hard and Soft’ da a Eilish su segundo número 1 de álbumes en España después de ‘Happier than Ever‘ (2021). En 2019, el debut de Eilish, ‘When We All Fall Asleep, Where Do We Go?‘, quedó en el puesto 2 de la lista de ventas, por detrás de ‘Nuclear’ de Leiva, pero entró en el número 1 de streaming, cuando la lista de Promusicae se dividía en dos listas. El EP ‘dont smile at me‘ no pasó de la 12ª posición.
Como hemos comentado, ‘Hit Me Hard and Soft’ acaba de dar a Eilish su mejor primera semana de ventas de su carrera en Estados Unidos, pero ha quedado en el puesto 2 de la lista oficial de álbumes debido a Taylor Swift. En Reino Unido, ‘Hit Me Hard and Soft’ ha entrado en el número 1 de la tabla de discos y el mismo dato se ha repetido en otros 16 países, entre ellos Alemania, Francia, Australia e Italia.
Curiosamente, Billie Eilish y Beth Gibbons vuelven a debutar a la vez en la lista de álbumes española, como ya ocurriera en 2019. Entonces, Gibbons presentaba su disco sinfónico, que entró en el número 40. ‘Lives Outgrown‘, el nuevo álbum de Gibbons, ingresa ahora en el puesto 36.
En realidad, la segunda entrada más fuerte de la semana en la lista de álbumes se la lleva Álvaro Diaz, que coloca ‘Sayonara’ en el puesto 5. Luis Fonsi entra en el 14 con ‘El viaje’, el álbum que incluye ‘Buenos Aires’ y ‘Marbella’ con Omar Montes.
Fuera del top 40, Ryan Castro mete ‘El cantante del ghetto’ en el puesto 43 y la reedición de ‘Leopoldo María Panero’ (con Bunbury y Carlos Ann, entre otros) aparece en el 73, mientras ‘Yo no soy yo’ de Nico Miseria lo hace en el 82 y la banda sonora de la tercera temporada de ‘Los Bridgerton’, en el 83. La última entrada en lista la firma Slash con ‘Orgy of the World’.
Con más de 15 años de carrera mezclando lo vintage del swing y el jazz con los ritmos modernos de la electrónica, Caravan Palace regresan con ‘Gangbusters Melody Club’, su quinto álbum de estudio, que además representa una vuelta a la pista de baile. Zoe Colotis, Arnaud de Bosredon y Charles Delaporte tampoco dejan de lado su amor por los vídeos musicales y vuelven a crear una tanda de visuales que prometen ser de los más locos que hayas visto nunca, tal y como nos tienen acostumbrados. El grupo francés traerá sus nuevas canciones a la capital española el próximo 11 de junio como parte de la programación de Noches del Botánico.
Hablamos con Zoe sobre los secretos para mantener la frescura después de tantos años, la creación de su particular estilo y la importancia de las redes sociales en la nueva industria musical.
¿Cómo ha recibido la gente vuestro quinto disco?
Creo que le gusta a la gente que escuchaba el grupo al principio y que le gustaba más esa música, a la vez que sigue interesando a los que disfrutan de la música electrónica moderna.
Seguís fieles a vuestro sonido, pero es un regreso al baile y a la música del club.
También lo hemos pensado mucho para que sea un álbum que sea fácil de hacer en los conciertos, porque algunos tenían un sonido que resultaba mejor en el estudio.
¿Y cómo conseguís manteneros frescos después de todos estos años?
Diría que la cosa buena con la música es que te puedes considerar un novato durante toda tu vida. Si tú sigues descubriendo nuevos sonidos, nueva música… no te puedes aburrir. La pasión por la música sigue siendo la misma. Y también algunos músicos se van, otros vienen. La manera de tocar el saxofón de Lucas, por ejemplo, nos ha dado ganas de hacer cosas distintas en el álbum. También seguimos con un respeto mutuo y una creatividad que nos conecta muy bien.
Siempre hacéis las canciones por separado. Arnaud y Charles hacen la música y luego lo juntan contigo, ¿no?
Empiezan solos y según lo que yo les digo cambian algunas cosas. Luego empezamos con las melodías del cante. No hay regla fija, pero la base lo hacen antes de cantar.
¿Qué facilidad da eso a la hora de crear?
Eso es porque tenemos la costumbre de hacerlo así, pero no sé si es la mejor manera. Es eso de que algunas cosas son más fáciles porque ya tienes una base de armonía, pero también la estructura deja menos sitio para el cante.
Tú tienes que encontrar los huecos para lo tuyo.
Eso es. También utilizamos muchos samples vocales, pero de canciones antiguas, distintas, y a veces no son cantes, son cosas de películas. Después de toda esa mezcla, empezamos a oír algo que parece como un principio de melodía. Entonces, yo empiezo a coger esas notas y a poner palabras.
He leído en la nota de prensa que vuestra música está «entre lo comercial y lo underground». ¿En qué lado os veis vosotros más?
Exactamente donde tú lo has dicho. El nombre del grupo es Caravan y Palace. Somos los dos extremos, de una parte y de otra. A la mitad es donde mejor nos encontramos, porque tenemos un pie en el underground y también en la música que nosotros escuchamos. Tenemos mucha música complicada, oscura, y también cosas que puedes oír en la radio. No tenemos racismo musical.
«Donde mejor nos encontramos es entre lo comercial y lo underground»
¿Tú cómo definirías vuestro sonido?
Una mezcla de música vintage, del pasado, y de una producción moderna, de música electrónica y club. También tenemos ese amor para las melodías orgánicas de la música del pasado, cuando no se preguntaban todas esas cosas de HiFi. La música de antes era una energía, y nosotros mezclamos esa energía orgánica con todo lo que la tecnología nos puede proponer para una experiencia sensorial total. La mezcla de esos universos nos inspira mucho. Por eso nuestra mascota es un robot, que es el símbolo de la tecnología, pero es un robot antiguo.
La música es tan estimulante que te puede distraer un poco de las letras, pero temas como ‘City Cook’ o ‘Mirrors’ tienen bastante chicha. ¿Cómo equilibráis ambas partes de la canción?
Intentamos que no sea demasiado evidente. Si es una melodía alegre, pues no decir que el sol brilla, aunque lo hacemos de vez en cuando. Otras veces nos gusta una melodía positiva con unas letras que tengan más oscuridad. Intentamos mezclar los ambientes. El título de la canción a veces también nos da una dirección. A veces escribimos algo por el título y al terminar la canción cambiamos el título.
Además de la música y las letras, están los vídeos. Los vuestros son bastante famosos. ¿De dónde viene vuestro amor por este tipo de vídeos musicales?
Somos niños grandes y nos gustan los dibujos animados. Lo bueno de eso es que no tienes ninguna limitación con lo que imaginas. Nos gusta mucho confiar en la creatividad de un artista que nos gusta, y le damos confianza para que nos proponga ideas. Es una conversación. Normalmente, ellos proponen las ideas y nosotros les vamos pidiendo cosas que se nos ocurren, por ejemplo, guiños a otros videoclips.
¿Qué piensas del estado del videoclip hoy en día?
Depende de lo que tú esperes de ello. Para mí, lo necesario es que la creatividad de los artistas se encuentre. Me encanta la idea de alguien que tiene algo fuerte con las imágenes, que tiene inspiración con la música. Para mí es como un regalo. Yo sigo pensando que el arte es muy importante en la vida de todo el mundo. No solo para comercializarla, una canción necesita un vídeo. Toda esa cuestión no me interesa mucho, pero me gusta mucho la idea de que la creatividad de los artistas sea compartida con el resto del universo y ojalá pudiéramos hacerlo para toda la música. A veces vienen a vernos en concierto con los trajes de los videoclips puestos. La niña grande dentro de mí es muy feliz cuando ve eso. Me encanta imaginar que toda esa creatividad conecta y va viajando de humanos en humanos.
Os va muy bien en redes, pero no es el caso de todos los artistas. El debate está en el aire y os quería preguntar si las redes sociales también forman parte de ser un artista hoy en día.
Es un debate sin fin. Si no lo haces, hay mucha frustración de la gente que te sigue, porque le gusta tener acceso a esto, pero la verdad es que cuesta mucho trabajo y tiempo en el que no estás haciendo música, videoclips, y entonces, dejas de lado lo que de verdad te da de comer. Tampoco puedes dar algo a medias. Si las cosas no vienen de los artistas, se nota que es como comunicación, publicidad y algo más comercial. O sea, que tampoco nos apetece hacer eso. Vamos intentando cosas. Es más fácil para nosotros ser activos en redes sociales cuando estamos de gira, porque estamos juntos. Cuando estamos cada uno en nuestros estudios, no nos apetece pensar en lo que podríamos subir. Yo me ocupo más de Instagram. Nuestro manager se ocupa de Facebook, Arnaud de Twitter y Charles de TikTok.
Os ha venido bien la llegada de Tiktok, ¿no?
La verdad es que yo lo he mirado 15 minutos y es que estaba como: no puedo. Demasiado rápido. No sabía si me gustaba o no lo que estaba viendo. No tenía ni idea. Entonces, yo lo he cortado. Yo me quedo con Instagram y ya me cuesta tanto trabajo que no hago nada. Sin embargo, hemos notado lo importante que es. Durante la exploración del nuevo álbum, salió un trend de TikTok con una canción del tercer disco, ‘Comics’. Pensábamos que esa canción estaba como, no muerta, pero que no iba a pasar nada con ella en la actualidad, y gracias a TikTok volvió.
Rosalía ha recomendado a Alcalá Norte en su canal oficial de WhatsApp, seguido por 1,5 millones de personas. En uno de los mensajes, Vila Tobella incluso canta un fragmento de ‘La vida cañón‘, la canción más popular del grupo de Ciudad Lineal. Cabe recordar que Alcalá Norte es un grupo independiente que suma cerca de 60.000 oyentes en Spotify, frente a los 24 millones de Rosalía.
En una serie de tres audios de voz, Rosalía cuenta que sus amigos le han recomendado una canción y que no se la puede quitar de la cabeza. A continuación, canta el estribillo de ‘La vida cañón’: «Peineta pa’ mi chica y un mantón, la vida cañón», seguido de una risilla.
En el tercer audio, Rosalía explica que ‘La vida cañón’ va «pues de eso, de la vida, la vida cañón, entonces, a la que me pasa una cosa buena, o me estoy gozando algo, yo digo «la vida cañón».
Rosalía ya sorprendió a Alcalá Norte hace unas semanas felicitando el cumpleaños por X a uno de sus integrantes, escribiendo «feliz día cañón». Alcalá Norte había estado etiquetando a Vila Tobella previamente, intentando llamar su atención. Sobre la mención de Rosalía, Rivas de Alcalá Norte afirmó a JENESAISPOP desconocer cómo había ocurrido: «No sé quién se lo habrá pasado. Tenemos buenos relaciones públicas por ahí y nuestro bajista es muy pesado. Lo intentó con Arde Bogotá, que pasan de él mazo, así que probó con Rosalía. Él conoce las reglas de Twitter, yo no. Como no lo entiendo, si hubiese hecho yo esa frikada, después de fracasar con Arde Bogotá habría ido a por unos menos pegados. Debió ser algún alma caritativa que nos quiere y que debemos tener en común con ella».
Uno de los amigos que ha podido recomendar Alcalá Norte a Rosalía es Diego Ibáñez, presuntamente su cuñado, y cantante de Carolina Durante. Rosalía ya fue noticia el año pasado por apoyar a Carolina Durante en sus redes.
Alcalá Norte, por su parte, se encuentra preparando la gira de presentación de su álbum debut, uno de los mejores discos de 2024. Este sábado, Alcalá Norte actúa en Primavera Sound.
Lizzo ha publicado un vídeo reaccionando en directo al último episodio de South Park, en el que aparece referenciada en una broma y que se centra en el uso del Ozempic entre famosos, un fármaco para bajar de peso. La autora de ‘Special’ se lo ha tomado muy bien.
En el episodio, titulado ‘El fin de la obesidad’, Eric Cartman no se puede permitir comprar el medicamento, por lo que su doctor le ordena tomar otro fármaco conocido como ‘Lizzo’, con el que supuestamente dejará de preocuparse sobre su peso y centrarse en la positividad corporal: «Debes escuchar a Lizzo cinco veces al día y ver sus vídeos justo antes de dormir», recomienda el médico.
En el clip publicado en redes, Lizzo está viendo el fragmento por primera vez: «Gente, mi mayor miedo se ha materializado. He sido referenciada en un episodio de South Park», comienza la cantante. «Realmente he mostrado al mundo cómo amarte a ti misma y que no te importe una mierda nada, hasta el punto de que estos hombres en Colorado saben quién coño soy y lo han puesto en su serie, que lleva emitiéndose alrededor de 25 años», cuenta emocionada.
Apareció en dos canciones de ‘COWBOY CARTER’ y dos semanas después, Shaboozey lanzó la canción que le posicionaría como estrella emergente. ‘A Bar Song (Tipsy)’ ocupa el cuarto puesto del Billboard Hot 100 y el número 10 en el Top 50 Global de Spotify, ¿puro efecto Beyoncé o hit por derecho propio?
Collins Obinna nació en Woodbridge, Virginia, y desde una temprana edad comparte un amor tanto por la música country como por el hip hop. Obtuvo sus primeras miradas como parte de la banda sonora de ‘Spider-Man: Into the Spider-Verse’, en 2018′, pero ‘SPAGHETTII’ y ‘SWEET HONEY BUCKIIN’ fueron sus cartas de presentación al gran público.
En ‘A Bar Song (Tipsy)’, Shaboozey propone mezclar el country más rancio con el rap, reflejado en los versos y en la interpolación del hit de J-Kwon en el estribillo, ‘Tipsy’, que alcanzó el segundo puesto del Billboard Hot 100 en 2004.
La instrumentación, plana y rozando el sonido de stock, y la letra, sobre trabajar y beber whisky, son totalmente lo que te podrías esperar de una canción genérica de country. El elemento diferenciador del artista de 29 años podría ser la voz -grave y profunda-, que recuerda a la de Lil Nas X.
Recientemente, el autor del macro hit ‘Old Town Road’ le contó a la BBC que estaba «feliz» por el éxito de Beyoncé y Shaboozey con el country. Sin embargo, este lamentaba haber estado adelantado a su tiempo: «Ojalá me hubiese pasado a mí también. No pude experimentar esto», añadió.
Zayn llega a su cuarto disco cambiando de sonido. Del R&B alternativo de sus trabajos previos, en ‘Room Under the Stairs’ ya no queda nada. Malik lo sustituye por un sonido de influencias soul, folk-rock y blues dado que ha producido el disco en Nashville junto al productor Dave Cobb, quien recientemente ha llevado a Take That por el mismo camino. A la voz de Zayn -la mejor de One Direction- el cambio de contexto le sienta bien, sobre todo cuando las composiciones están a la altura de su talento. Y no siempre es el caso.
En el soul-rock de ‘What I Am’, el sencillo principal, Zayn ruega a su chica que le acepte “tal y como es”. Sin embargo, Malik no termina de encontrar la felicidad, y sus adicciones y «problemas» siguen marcando las letras del disco. Le persiguen en la bonita ‘Alienated’ y en ‘Concrete Kisses’ va tan ebrio que «besa el suelo».
Esa metáfora aporta un pequeño destello de humor a un disco en habla sobre el amor como antídoto contra el tormento vital, aunque la luz entra por otros lados. El propio Zayn ha reconocido que ‘Room Under the Stairs’ necesitaba “un poco de amor” antes de escribir ‘Stardust’. Le salió la canción más adorable que ha escrito jamás. Ojalá el disco hubiera seguido su camino.
Pero no: a Zayn las melodías se le hacen bola esta vez. El inicio con ‘Dreaming’ promete, pero demasiado pronto las canciones divagan sin rumbo. ‘How it Feels’ podría ser un buen himno sobre la ansiedad si contara con una melodía más adherente, y ‘Gates of Hell’ no llevará otra vez la frase “I can’t feel my face” al éxito como ya hiciera su compañero canadiense.
La luz de ‘Stardust’ ilumina las canciones de ‘Room Under the Stairs’ que vienen antes y también las que vienen después. Y qué suerte, porque el camino se hace pantanoso en cortes como ‘My Woman’ -de inspiración góspel- o ‘Birds on a Cloud’. Al final es posible rescatar la mona ‘Something in the Water’, pero el tedio termina imponiéndose en ‘Room Under the Stairs’. ¡Y qué pena que una canción llamada ‘Fuchsia Sea’ sea tan aburrida!
Leticia Sabater ha lanzado la que será con muchas dudas la canción del verano 2024. En un intento de hacerle la competencia a Bad Bunny, Sabater ha publicado ‘Titi, cómeme el toto’, junto a un videoclip que no dejará indiferente a nadie.
Construida sobre una base electrónica que parece salida de un after, ‘Titi, cómeme el toto’ va a por el hit directo y simple. La frase que se repite mayoritariamente durante los 4 minutos de la canción es «titi, cómeme el toto, cómemelo to, to to, miau miau», con los maullidos prácticamente actuando como hook del tema.
El single adquiere un nivel más profundo, incluso con toques activistas, en la siguiente sección: «Verano caliente, baby empodérate, fiesta, DJ, playa, arena, sexo», seguido de unos gemidos muy incómodos. Sin embargo, el videoclip, como suele ser el caso en las canciones de Leticia Sabater, es la joya de la función.
Tras verlo, no queda muy claro su propósito, pero Sabater lo explica en su Instagram: «Con videoclip para que lo bailes y lo cantes en todas las pistas, fiestas, festivales, casa con tus colegas, playas». Ahora, los planos imposibles, las acrobacias aéreas de Leticia y toda la estética furry cobran mucho más sentido. Las partes en las que la catalana pasea a sus bailarines con una correa y en la que todos posan mientras se meten en la boca… algo con pelo, son los highlights del clip.
HYALYTE es el alias del productor y DJ Chesney Wielemans. Procedente de la provincia de Limburgo, en el sur de Países Bajos, Wielemans se está dando a conocer en el mundo del club gracias a sus sesiones llenas de mezclas excitantes. Los ritmos del house, el hip-hop, el drum’ n bass o la música disco tienen cabida en su universo, de maneras sorprendentes.
Entre los éxitos ajenos que HYALYTE se ha atrevido a mezclar se encuentra ‘Carnival’ de Kanye West o ‘Bizcochito‘ de Rosalía. Con sus agresivas revisiones, HYALYTE convierte las canciones pop en Transformers. Le gustan especialmente los ritmos funk y una de sus mejores producciones mezcla ‘Boy’s a liar’ de PinkPantheress y Ice Spice con la melodía de ‘Lady’ de Modjo y una contundente base carioca.
HYALYTE también ha hecho virguerías con ‘What Goes Around…Comes Around’ de Justin Timberlake y ‘Memories’ de David Guetta, y no ha dejado de firmar producciones propias. En ‘Sharks & Lions’ sube al rapero Grizmo a un ritmo de house espídico. Tendrás oportunidad de comprobar la magia de HYALYTE en directo viéndole actuar en la sala Razzmatazz de Barcelona el viernes 31 de mayo. Promete ser el «highlight» de la noche.
Este 25 de mayo se han cumplido 40 años desde el lanzamiento de ‘Smalltown Boy’, el gran éxito de Bronski Beat. 40 años en los que ‘Smalltown Boy’ no ha perdido vigencia. De hecho, estos días, coincidiendo con su aniversario, ‘Smalltown Boy’ ha vuelto al imaginario popular sirviendo de banda sonora de un reto viral de TikTok. En este «dancing challenge», los usuarios de TikTok graban a sus padres bailando como lo hacían en los ochenta, en su juventud.
El uso de ‘Smalltown Boy’ en TikTok ha llevado a la canción de vuelta a la lista oficial de singles de Reino Unido, donde acaba de subir al puesto 63. Desde los 80 no había logrado una posición tan alta en la lista.
Pero, más allá de su éxito comercial, que llegó a muchos otros países de Europa, especialmente a Italia, Países Bajos y Bélgica, donde fue número 1, y también a Estados Unidos, donde coronó las listas dance, ‘Smalltown Boy’ era -sobre todo- una canción de synth-pop perfecta. Y su sonido ha seguido influyendo a las nuevas generaciones. En el mainstream, Ed Sheeran se llevó el gato al agua fusilando ‘Smalltown Boy’ en ‘Bad Habits‘, uno de los mayores éxitos de 2021 en todo el mundo.
‘Smalltown Boy’ ha sido invocada por otros artistas de maneras más o menos improbables, a lo largo de la última década. Los sintes de ‘Smalltown Boy’ han empapado el indie anglosajón, por ejemplo, la música de Still Corners o -sobre todo- ese temazo de Pumarosa llamado ‘Heaven’. Había algo de ‘Smalltown Boy’, también, en el macrohit de Glass Animals ‘Heat Waves‘. Pero ‘Smalltown Boy’ también ha influido a artistas españoles: Mónica Naranjo la sampleó en 2012. En 2021 se popularizó una curiosa versión de ‘Smalltown Boy’ mezclada con ‘Wonderwall’ de Oasis.
Otros han ido tan lejos de colaborar con el propio Jimmy Somerville. Es el caso de Oliver Sim, Sparks o, últimamente, el DJ sueco Salvadore Ganacci. Oliver Sim, integrante de The xx, incluyó un recitado de Somerville en su balada ‘Hideous‘. Reflexionando sobre la homofobia, Sim se valía de la figura de Somerville para recordar al mundo cuán pionera fue ‘Smalltown Boy’ en su defensa de los derechos LGBTQ+. Su letra narraba la historia de un chico que huye de casa para no sufrir la violencia de su familia y entorno.
Somerville, único miembro superviviente de Bronski Beat, pues Larry Steinbachek falleció en 2016 y Steve Bronski en 2021, ha sido, en palabras de Oliver Sim, un «faro de luz» en su vida, y su «impacto cultural» en la comunidad queer ha sido «enorme». En el aspecto musical, es evidente que ‘Smalltown Boy’ no ha sido olvidada. Para Joe Goddard de Hot Chip es un «clásico de club moderno» y en sus sesiones sigue funcionando como el primer día. Prueba de que fue una producción visionaria es que sigue sonando hoy.
La semana de Primavera Sound comienza hoy lunes 27 de mayo con los primeros conciertos de Primavera a la Ciutat y seguirá hasta el 2 de junio con la programación del Parc del Fòrum y el CCCB, que volverá a apostar de manera especial por la escena local.
Del 29 de mayo al 2 de junio, Primavera Sound seguirá apoyando la escena catalana dándole un «alcance global». Entre los artistas catalanes confirmados en Primavera Sound se encuentran Mujeres, Renaldo i Clara, Mushkaa o Guillem Gisbert, autor de uno de los mejores discos de 2024.
La presencia catalana en Primavera Sound vivirá uno de sus momentos destacados en Primavera Pro, el encuentro para profesionales de Primavera Sound, con la «botifarrada» que ofrecerá Catalan Arts el miércoles 29 de mayo a las 18.30 horas en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB), como parte del encuentro profesional Primavera Pro. Llum, Mar Pujol o dani6ix & IZZKID actuarán durante este evento.
Y, entre las propuestas emergentes surgidas de Cataluña que se expondrán en Primavera Sound, hay que hablar de Ariox, proyecto de la cantante nacida en Cardedeu Ariadna Casas que lleva un tiempo -desde la pandemia- dándose a conocer.
El sonido de Ariox pudo adherirse al bedroom pop en ‘Estiu amb tu’, pero en los últimos tiempos se ha consolidado en las formas del pop electrónico. En esas coordenadas se ubica su disco de debut, ‘ARIOX IS SUPER SAD’, y lo demuestran el pulso bailable-pero-triste de ‘No és amor’ -una colaboración con Julieta-, el trance de ‘NS No em porta’ o el baile de club de ‘Jo sola plorant’. Ariox también explora el reguetón en ‘Tu i jo’ con Maria Hein sin renunciar a su toque personal.
Aunque hay que mencionar que el tema más popular de Ariox es una colaboración con Al·lèrgiques al pol·len: el buen rollito de ‘No et canto amb pena’ se acerca al medio millón de escuchas en Spotify. Es un tema que, con su sonido guitar pop, aguarda la llegada de la «Primavera». Ariox está confirmada en Primavera a la Ciutat y hoy actúa en la Sala Apolo.
El duelo Taylor Swift vs. Billie Eilish deja sus primeros números. En Estados Unidos, Taylor Swift permanece por quinta semana consecutiva en el número 1 de álbumes con ‘The Tortured Poets Department‘, lo que deja a Eilish en el número 2 con ‘Hit Me Hard and Soft‘. Billie, no obstante, logra la mejor primera semana de ventas de toda su carrera.
A Swift y Eilish les separan -en Estados Unidos- 40.000 copias. En su quinta semana, gracias al lanzamiento de nuevas versiones físicas y digitales, ‘The Tortured Poets Department’ despacha 379.000 unidades equivalentes, frente a las 339.000 de ‘Hit Me Hard and Soft’.
Las ventas desglosadas de Billie revelan que ‘Hit Me Hard and Soft’ ha despachado hasta 191.000 unidades físicas en su primera semana, 90.000 de las cuales se han decantado por el formato vinilo. En formato digital, ‘Hit Me Hard and Soft’ suma 166.500 puntos de streaming y 1.500 descargas.
Aunque a Billie Eilish el número 1 de álbumes en Estados Unidos -de momento- se le ha escapado, ‘Hit Me Hard and Soft’ ha superado las ventas en su primera semana en Estados Unidos tanto de su debut, ‘When We All Fall Asleep, Where Do We Go?‘, que se quedó en 313,000 unidades equivalentes, como de su segundo disco, ‘Happier Than Ever‘, que marcó 238,000 unidades. El mérito es enorme tanto para Taylor, que vende en su quinta semana más que Billie en la primera, como para Billie, que, aún quedando en el número 2, logra la mejor primera semana de su trayectoria.
El escenario es diferente en Reino Unido, donde Eilish sí coloca ‘Hit Me Hard and Soft’ en el número 1 de álbumes y deja a Taylor en el 2. Eilish también obtiene, en Reino Unido, la mejor primera semana de su carrera al sumar 67.100 unidades despachadas. Eso sí, el número 1 de singles se le ha escapado por culpa del fenómeno ‘Espresso’, y ‘Lunch’ debuta en el número 2.
Bruce Springsteen ha suspendido cuatro conciertos en Europa a dos semanas de aterrizar en España, alegando «problemas vocales». En el último día, Springsteen ha tenido que suspender un concierto en Marsella a última hora, seguido por una fecha en Praga y otras dos en Milán. Las nuevas fechas para estos cuatro conciertos se anunciarán próximamente.
Springsteen deberá descansar al menos diez días bajo recomendación médica, por lo que el Boss debería llegar recuperado a España. De hecho, promete reanudar la gira en Madrid. La nota de prensa oficial informa que «Bruce se está recuperando cómodamente y él y la E Street Band tienen ganas de reanudar su enormemente exitosa gira el día 12 de junio en Madrid».
La gira de Springsteen en Europa incluye hasta seis fechas en España. El Boss actúa en Madrid los días 12, 14 y 17 de junio, y en Barcelona el 20 y el 22 de junio. Las entradas para los conciertos de la gira de Springsteen -como era de esperar- volaron.
James Blake inicia nueva etapa en su carrera de vuelta a la independencia discográfica, y lo hace estrenando nuevo single, un tema que Blake lleva días promocionando en TikTok y en otras redes sociales de diferentes maneras. ‘Thrown Around’ llega solo medio año después de la publicación de ‘Playing Robots in Heaven‘, el último álbum de James Blake. Y la dirección sonora no puede ser más diferente a la de aquel trabajo.
‘Thrown Around’ es un homenaje a la música que Blake escuchaba en los primeros años de su vida. En concreto, a la música electrónica de los noventa. Y, más específicamente, a aquella electrónica que traía sello de Reino Unido. En ‘Thrown Around’, Blake entrega una producción que se puede ubicar en un punto medio entre el big beat de Fatboy Slim y la electrónica melódica de Moby.
En palabras de James Blake, ‘Thrown Around’ es una «canción desafiante» que cuestiona la relación de los seres humanos con el trabajo. «Nos pasamos horas dedicados al trabajo y no tenemos un sentido de comunidad, solo nos interesa el éxito», ha escrito el artista. Con ‘Thrown Around’, Blake desea «unir a las personas» y «conectarlas a través de la desobediencia».
Si prestamos atención a los números (y no tenemos en cuenta a Rosalía), Rels B es el artista más grande de nuestro país. Tiene prácticamente los mismos oyentes mensuales que la de ‘MOTOMAMI’ y el número de personas que puede reunir en un concierto está al nivel de Taylor Swift. Todo esto sin el apoyo de la industria o la prensa.
‘FORO SOL’ es una grabación del directo que hizo el año pasado en México frente a 65.000 personas y que lo haya incluido en el LP es toda una declaración de intenciones. Escuchar a tanta gente cantar ‘lo que hay x aquí’, uno de sus mayores éxitos, pone los pelos de punta. Es como decir: ‘¿Ves, España? Esto es lo que estoy consiguiendo alrededor del mundo’. Es por eso que ‘a new star (1 9 9 3)’ se siente como una celebración.
El noveno proyecto de Rels B suena tropical, dulce, optimista… ‘1 de Enero, Puntacana» es la típica canción maja para abrir un disco, en el mismo tono celebratorio y festivo de ‘Si Veo A Tu Mamá’ de ‘YHLQMDLG’. «Año nuevo, agua en los pies», canta el mallorquín. Esta intro marca los temas que se desarrollarán en los siguientes cortes -amor, éxito- y también adelanta la corta duración de las canciones, en su mayoría compuestas por un verso y un estribillo.
Rels B le da al afrobeat, al R&B y al rap, desbordando carisma en múltiples ocasiones. ‘Detrás del DJ’ es uno de los temas más interesantes, incluyendo como intro un mashup de diferentes canciones de reggaetón (‘Fiel’, ‘Callaíta’, ‘Candy’…) a ritmo de scratch. El encanto del artista brilla en frases como «Sin ser Bad Gyal la tengo alocá» o «Sin ser gitana tiene compás». En ‘Rapeadita LOVE’, la canción más horny y con el beat más sensual, Heredia canta sobre follar en el coche, con el chófer dentro («Bebé, en verdad es que me sabe mal, pero súbete»).
Ninguna canción en ‘a new star (1 9 9 3)’ es mala, pero tampoco hay un tema realmente sorprendente. La producción, mayoritariamente de la mano de Omar Alcaide, Andrés Yuma y el propio Rels B, no toma en ningún momento el protagonismo, excepto en esos instantes más cercanos al hip hop. Los arreglos de guitarra en ‘La Vida Sin Ti’, por otro lado, ponen el toque especial en una canción que no brillaría tanto de no ser por el vozarrón clásico de Lia Kali.
Los otros dos sencillos, ‘Pretty GIRL’ y ‘Un Desperdicio’, no están entre lo mejor del disco. La primera es un afrobeat buenrollero al uso con muy poca chicha y la segunda tiene un ritmo de reggae a guitarra acústica que suena algo desfasado. Eso sí, por su simplicidad, Rels consigue que algunas frases se te queden en la cabeza: «Tengo el corazón contento, pero mucho más contento si tú fueras mi mujer».
‘El último del contrato’ es la canción que te mantendrá más pegado a la letra, con Rels rapeando sobre el camino recorrido («Cuando YouTube no pagaba, cuando Spoti no existía, cuando cantar por 30 euros era una alegría»), la fama («Andar drogado en cada pary no es sinónimo de éxito, pa’ mí es una desgracia») e incluso sus compañeros de profesión («Tú mira mi generación, de los que salimos ya solo quedamos Pucho y yo»). Entre medias, nos deja algunos momentos realmente vulnerables, como cuando asegura que su dinero «puede pagar lo que sea, pero no puede pagar otra infancia».
‘a new star (2 0 2 4)’ cierra el círculo celebratorio que empieza con el primer corte, pero más que cantar de nuevo por todos los logros y metas cumplidas, Rels B celebra el descubrimiento de su nuevo yo. A su vez, la inclusión de canciones como ‘como un velero (interludio)’, un audio del móvil en el que Rels B se canta una idea, y ‘FORO SOL’ son otros indicios de que este LP va más dirigido a su propio creador que a los oyentes.
Más de 25.000 asistencias, sumando viernes y sábado, consolidan la propuesta del madrileño Tomavistas en un nuevo espacio. El párking de la Caja Mágica puede no tener las «vistas» del Tierno Galván, pero sí la de otros parques de Madrid, y sobre todo no es ese carámbano llamado IFEMA. Hay que destacar, por si no es evidente a primera vista, que Tomavistas sobrevive apostando por talentos diferentes a los de otras citas. En su cartel no verás a Vetusta Morla, ni a Love of Lesbian, ni a Viva Suecia ni mucho menos a Arde Bogotá. Su esencia es la reivindicación de artistas más arraigados en el indie original, y de ahí que su gran baza fueran Los Planetas en la primera jornada, y Belle & Sebastian o The Jesus and Mary Chain en la segunda.
Antes de los de Stuart Murdoch pudimos ver la presentación de Hurray for the Riff Raff. El proyecto de Alynda Segarra se enfrentó a dos trabas: el sol de media tarde, duro de sobrellevar en la mitad del escenario donde no caía sombra; y la prueba de sonido de Aiko El Grupo. Alguien decidió que era buena idea que estos probaran sus baterías y guitarras eléctricas a tope, mientras en el escenario perpendicular había un concierto de suave música country. Antes de su irrupción pudimos disfrutar de maravillas como ‘Buffalo’, que sonó en segundo lugar. Lo de la segunda mitad del show ya dependía de tu propia capacidad de concentración. Liberto Peiró
El concierto más emotivo de Tomavistas pudo ser el de Belle & Sebastian. Siempre es un placer reencontrarse con ellos, y más en un entorno como este, a plena luz del día, y con el público más o menos atento. No faltaron sus conocidos ases en la manga, y no me refiero a un setlist que ellos siempre van cambiando de concierto a concierto, sino a ese momentazo en que suben al escenario a su público. Es precioso ver a sus seguidores bailar siempre guardando las formas y las distancias, respetuosos con los saltitos particulares de Stuart Murdoch, que no olvidó su icónica camiseta a rayas.
‘Another Sunny Day’ sonó especialmente pertinente, ‘Get Me Away from Here, I’m Dying’ preciosa, y me emocioné sobre todo con la recuperación de ‘Sleep the Clock Around’. Si les hubiera dado por tocar ‘I Fought in A War’, ya me habría podido morir allí mismo. Mención especial para ese momento en que Murdoch se lanza al público y trata de caminar sobre una barandilla. Muy arriesgado, pero como veis, el humor es importante en Belle & Sebastian. Javier Rosa
Cariño se beneficiaron del encanto que tiene siempre tocar cuando está a punto de anochecer, en un concierto entretenido y hace rato consistente en base a sus hits. Cuando ya era de noche The Jesus and Mary Chain hicieron rugir su sonido shoegaze, sin descuidar la interpretación de su hit ‘Just Like Honey’. Cuánto sentido habría tenido que salieran antes o después de Los Planetas el día anterior.
La fiesta llegó con Alizzz, que habló de la especial relación que tiene con Tomavistas. Hace un par de años realizó aquí una de las primeras presentaciones a lo grande de su debut, y ahora sucede lo mismo con su segundo disco, ‘Conducción temeraria’. Conociendo Rusia fue el único featuring del concierto, interpretando el nuevo single ‘En tu casa o en la mía’, pero Cristian Quirante Catalán se basta y se sobra él mismo para afrontar canciones conocidas por sus voces invitadas. ‘Ya no vales’ no echó ni un poquito de menos a C. Tangana y ‘Amanecer’ y ‘El encuentro’ sobrevivieron sin Rigoberta Bandini ni Amaia.
El impacto entre la gente de ‘Despertar’ y ‘Dónde estás?’ es casi equiparable al de ‘Ya no siento nada’, aunque el momento más bonito fue ese en el que Alizzz hizo a miles de personas canturrear que “vamos a buscar… tiene que haber algo más” en ‘Todo me sabe a poco’. También tiene mucho mérito hacer cantar a miles de madrileños que “Rosalía y Estopa son del Baix Llobregat”, como si supiéramos qué significa eso exactamente.
Adrián YR
Cerraron Tomavistas Phoenix, que no defraudaron como cabeza de cartel, en base a unas proyecciones cucas, a veces muy obviamente ideadas en Versalles, de donde procede la banda, y al carisma e identificativa voz de Thomas Mars. El grupo se deshizo enseguida de ‘Lisztomania’, metiéndose al público en el bolsillo, y a su lado luego no deslucieron temas de discos posteriores como ‘Ti amo’ o ‘After Midnight’. Cundió el pánico porque el grupo acababa de tocar ‘If I Ever Feel Better’ en 7º lugar en su último concierto, pero en Madrid la reservaron para el tramo final. Un tema que dijeron haber escrito hace 25 años pero para el que no ha pasado el tiempo.
Decía la frase más sonora de aquella canción «siento el caos a mi alrededor», pero en Tomavistas sonó ordenada y disciplinada. El festival, que ha logrado que el Metro abriera hasta las 3.30 de la madrugada, había ofrecido una organización ejemplar. Ni colas en barras, ni baños, con el plus de haber incorporado al menú del día vino rosado bien frío. Un acierto que esperamos ver replicado en más festivales.
The Black Keys han cancelado los 31 conciertos en grandes recintos que habían anunciado para la gira norteamericana de ‘Ohio Players’ sin ningún tipo de explicación. El tour iba a comenzar en septiembre y habría terminado en noviembre, con recintos tan importantes como el Madison Square Garden de Nueva York.
En la página de venta de tickets se puede ver como todas las fechas aparecen canceladas, excepto una el próximo 6 de julio en Chicago. La propia página de la banda también ha eliminado todas las fechas de la gira.
Aunque los reembolsos se producirán mediante el método original de compra, muchos fans se han quedado sin palabras y otros lo han achacado a las «poquísimas ventas» y a los «desorbitados precios de las entradas». «Quien haya pensado en programar esta banda para estadios en 2024 debería ser despedido», escribía un usuario.
The Black Keys just canceled their entire North American arena tour for this fall due to extremely poor sales (likely due to exorbitantly priced tickets — most markets were $100+ just to get in the building).
Whoever thought booking this band in arenas in 2024 should be fired.
