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Mónica Naranjo / Mimétika

Cada vez que Mónica Naranjo habla de su salida de Sony, me dan ganas de meter un saco de palomitas en el microondas. Una historia fascinante, con sus altibajos y sus momentos de poca confianza en la artista y de mucha confianza, en los que ha habido de todo: el éxito descomunal de ‘Palabra de mujer’, el disco de ‘Chicas malas’ que tanto trauma le representó, aquella locura llamada ‘Europa’, aquella locura al cuadrado llamada ‘Lubna’… Estoy seguro de que las reuniones de artista y sello en torno a tan extravagantes lanzamientos daría para una serie de Netflix o, como mínimo, de Movistar+.

«No hemos funcionado y no pasa nada», resume ahora ella, mientras algunos nos frotamos los ojos, porque lo cierto es que el combo de discográfica y artista hizo funcionar hasta aquello que parecía imposible de arrancar. Que tire la primera piedra el que habría adivinado que un tributo a Mina se vendería tan bien, el que habría dicho que ‘Lubna’ sería uno de los álbumes más vendidos de su año en España, el que habría predicho al escuchar ‘Desátame’ que Mónica Naranjo estaría vendiendo canciones de sonido metal al público LGTB+ en 2022. Pero así es ella, de sin igual.

En todo caso, ‘Mimétika’ es su primer álbum para una distribuidora independiente como es Altafonte, que acoge, por poner un par de ejemplos, las autoediciones de Robe y de Zahara. No por casualidad, muchos de sus temas hablan precisamente de la autorrealización y de la libertat. La portada parece sumar varios pedazos de Mónica Naranjo porque ‘Mimétika’ representa la suma de las diversas mujeres que contiene dentro de sí, al mismo tiempo que todo lo que pasa por su «puta cabeza».

Muy decidido en su temática de empoderamiento, el disco se abre con ‘Eterna’, cuyo mensaje es: «Pequeña mía / No quieras ser tan sólo una mujer más / Vive y sé grande». ‘Lágrimas de un ángel’ pide que se abra el paso a «una diosa» y a «una reina». ‘Aire’ parece burlarse de un «mansplaining» («Me dijo: «Nena, estás de suerte, te vengo a ayudar»»). Y ‘Medusa’ es tan clara como esto: «Ya no voy a callar / Ya no voy a llorar / Ya no quiero una bendición / Ni tampoco pedir perdón».

La suma de varias Mónicas Naranjos, en verdad, se aprecia más en la variedad musical que en los textos. Las composiciones de Pepe Herrero, posteriormente redondeadas por Chris Gordon -los dos principales nombres que acompañan a la misma Mónica en los créditos- pueden ser literalmente cualquier cosa. Hay retazos de trip-hop orquestado en ‘Polvo vacío’, hay metal en ‘Medusa’, hay arreglos industriales en ‘Lágrimas de un ángel’, hay hasta algo parecido a un reggaetón en ‘Sherezade’, también influida por arreglos al Este del Mediterráneo.

En ese «todo vale», y en un mundo poblado de hyperpop y producciones mutantes desde SOPHIE a Bad Bunny con todo lo que cabe en medio, ‘Mimétika’ no es un disco tan osado ni rocambolesco después de todo. Lo inesperado de la rave de Mastodonte en ‘Polvo vacío’ -sin ser lo más elegante del disco, precisamente- se echa de menos en otros puntos del minutaje. Por otro lado, el single ‘Ey!’ recuerda demasiado melódicamente a ‘Ain’t No Mountain High Enough’ y a ‘Fame’, por no hablar de que, entre todas las personas en el mundo para hablar de la libertad, la elección del Bunbury post-pandemia devanea entre lo inexplicado y lo inexplicable.

Comprobado que tampoco ha llegado tan lejos fuera de Sony en el camino de la ida de olla ya total, y dados los discretos resultados artísticos y comerciales de ‘Ey!’, quizá lo más revolucionario que podría hacer Mónica Naranjo ahora mismo sería un disco de canciones normales, como las baladas a piano ‘Se acabó’ o ‘Dame alas’. Quizá es una impresión personal, quizá es que todavía no he superado que la adaptación de ‘Hoy no‘ no fuera un hit de enormes dimensiones.

‘God Save The Animals’ de Alex G ya tiene fecha de salida

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El cantante, compositor y productor estadounidense Alex G ha anunciado la fecha de salida de su esperado noveno álbum de estudio. ‘God Save The Animals’ saldrá el 23 de septiembre y será el sucesor a ‘House of Sugar’, de 2019. Alex G ha acompañado la noticia con el lanzamiento de un nuevo single. Así, la pegadiza ‘Runner’ se convierte en el segundo single de su próximo álbum tras la salida de ‘Blessing’ a finales del pasado mayo, y lo acompaña un sencillo, pero efectivo videoclip.

Este nuevo álbum del artista de Filadelfia incluye el trabajo de media docena de ingenieros de su ciudad, a quienes Alex pidió que lo ayudaran a producir la «mejor» calidad de grabación posible. El resultado es un álbum «dinámico en su paleta sonora» y con una «profunda complejidad». A su vez, ‘God Save The Animals’ ha sido abordado mediante la colaboración, ya sea por contribuciones individuales de sus compañeros de banda o por la frecuente colaboradora de Alex G, Molly Germer, en cuerdas y/o voces.

Tracklist:
1. After All
2. Runner
3. Mission
4. S.D.O.S.
5. No Bitterness
6. Ain’t It Easy
7. Cross the Sea
8. Blessing
9. Early Morning Waiting
10. Immunity
11. Headroom Piano
12. Miracles
13. Forgive

Fan Futura cierra cartel con Eladio Carrión, Snow Tha Product…

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El Fan Futura Fest. ha confirmado el cierre de su cartel con la incorporación de 30 nuevos artistas. Estos encajarán dentro del enfoque del festival, centrado alrededor de la electrónica y los géneros urbanos, aunque se podrá disfrutar de una amplia variedad de tipos de música. Los nuevos artistas se sumarán a los confirmados anteriormente, entre los que se encuentran Steve Aoki, Bizarrap, Cruz Cafuné, Califato ¾, Daniel Sabater, Israel B, Natalia Lacunza, Soto Asa, Rojuu o The Parrots.

Las nuevas confirmaciones que dan el cierre al cartel del festival y que actuarán en San Javier, Murcia, del 26 al 31 de julio son Eladio Carrión, Snow Tha Product, Andrea Oliva, Andrés Campo, Belter Souls, Chelina Manuhutu, Delgao, Detlef, DJS From Mars, El Ima, Lee Foss, Mori, Orslok, Rusowsky, Selecta, Technasia, Taao, Barder, Derek Muller, DLPIN, Drea, Fat Gordon, Hoonine, Johnny’s Drama, Juanjo Martín, La Cachetona, Limalimon, Marss, Oscar Madrid, Ralphie Choo, REM DJs, Ruto Neon, Second DJs, The Hisunz, Yibril y Yosef.

Los nuevos artistas incluyen grandes de la música urbana, como Eladio Carrión, Snow Tha Product o Selecta, y DJs de la talla de Andrea Oliva, Andrés Campo o Technasia. También estará presente, como novedad, la marca Antídoto Club, una de las fiestas de referencia de la capital.

‘Break My Soul’ de Beyoncé ya es un hit (aunque no en España)

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Había mucha expectación por cómo funcionaba ‘Break My Soul’, el gran regreso de Beyoncé, 6 años después de su último disco de estudio. Sobre todo porque sus últimos éxitos han sido featurings con Ed Sheeran (‘Perfect’) o su propio esposo Jay-Z (‘Drunk In Love’) y realmente hay que remontarse hasta 2008, nada menos que 14 años, para encontrar su último número 1 en solitario en las listas, ‘Single Ladies’.

Pero es difícil dilucidar exactamente cuál fue el último hit de Beyoncé porque muchas de sus canciones han terminado siendo «sleepers», pese a no haber sido número 1, como ‘7/11’, ‘Love On Top’ o incluso ‘Run the World (Girls)’, que en su momento se consideró un enorme fracaso por no lograr un top 20 en Estados Unidos ni un top 10 en Reino Unido, y ahora se acerca a los 500 millones de streamings con toda la calma del mundo.

Olvidados por todos -eso sí que sí- proyectos como ‘El rey León’ o el disco de The Carters, que hasta genera ganas de comprarse el CD por lo que tiene de obra olvidada hasta el punto de resultar inverosímil (como aquel tercer álbum de Daft Punk que todo el mundo finge que no existe), las cosas no han podido empezar mejor para la artista en la era ‘RENAISSANCE’.

Tras unas horas de retraso en que sus seguidores se han mordido las uñas, Spotify ha publicado los números de las primeras 24 horas de ‘Break My Soul’ y las noticias son buenas. El tema ha sido número 1 directo en Spotify Brasil, número 2 en Estados Unidos, número 3 en Reino Unido y número 5 en el Global, sumando más de 5 millones de streamings en su primer día.

Es un dato excelente para Beyoncé, pero además es mejor lo que está por venir: su presencia en las playlists de Novedades Viernes y sobre todo encabezando Today’s Top Hits, una playlist con 30 millones de followers que ya encabeza. El éxito está garantizado, pues además aún no conocemos ni su vídeo ni sus posibles presentaciones en televisión. Su lanzamiento en pleno Orgullo también parece un acierto, por el tipo de beats que utiliza.

Eso sí, frente al top 10 directo logrado por la canción en Canadá y Australia, topamos con la resistencia de la Europa continental (solo top 11 en Holanda y top 18 en Suecia). Especialmente duros de roer para un tema de estas características son los países latinos, y entre ellos es España el que ha ofrecido más resistencia dentro de Europa. ‘BREAK MY SOUL’ es top 25 en Spotify Francia, top 70 en Italia y top 80 en España. Veremos cuánto es capaz de arañar en los próximos días.

5 canciones de Grandmaster Flash & The Furious Five que dieron forma al hip hop

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Grandmaster Flash, nacido Joseph Saddler, es una de las figuras más importantes de la historia del hip hop. No solo fue uno de los privilegiados que lo vio nacer, sino que tuvo un papel clave en todo ello, siendo uno de los primeros DJs de hip hop de la historia y un verdadero innovador con la mesa de mezclas.

Además de ser el primer DJ en tocar un vinilo con las manos para hacer música, Grandmaster Flash fue el pionero de algunas técnicas que hoy en día son estándar para cualquier disc-jockey, como el beat looping, y el descubridor de muchos de los samples más usados a lo largo de la historia del género.

Llamado «primer virtuoso del hip hop» por el New York Times, Grandmaster Flash fue la pieza clave de uno de los primeros supergrupos del rap, Grandmaster Flash & The Furious Five, el primer grupo de hip hop introducido en el Rock & Roll Hall of Fame, en 2007. Por si fuera poco, en 2019 recibió el Polar Music Prize, considerado por muchos como «el Nobel» de la música. Para celebrar su regreso a la Sala Razzmatazz de Barcelona este sábado 25 de junio, os traemos cinco clásicos de Grandmaster Flash & The Furious Five para sentir el beat en el pecho.

5. ‘Scorpio’ (1982)
«He is DJ Flash and he came here to give you a blast»
Grabada en 1981 y lanzada en 1982 como un single del álbum ‘The Message’ (1982), este inusual tema realmente suena como Daft Punk, excepto que fue más de una década antes de la llegada del dúo francés. Llegó al número 30 en las listas de R&B Singles en Estados Unidos y fue nombrada como «la mejor canción de electrónica temprana» por la revista Pitchfork. El nombre del tema es en honor a uno de los integrantes del grupo, llamado Scorpio.

4. ‘Freedom’ (1980)
«Full-grown, he’s a one of a kind / And Flash is gonna rock your mind»
La canción que lo empezó todo. ‘Freedom’ fue el debut del grupo en la discográfica Sugar Hill Records y su primer single de éxito, alcanzando el puesto 19 en las listas de R&B. Sí, al igual que ‘Scorpio’, este tema dista mucho del R&B, pero es que las listas de hip hop ni siquiera se habían inventado. De hecho, Billboard no incluyó la palabra «hip hop» en el nombre de ninguna lista hasta 1999. ‘Freedom’ ha sido sampleada en numerosas ocasiones, por artistas como De La Soul, los Beastie Boys, KRS-One e incluso por el propio Grandmaster Flash.

3. ‘White Lines (Don’t Do It)’ (1983)
«A businessman is caught with 24 kilos / He’s out on bail and out of jail / And that’s the way it goes»
Con este tema hay un poco de lío. Está acreditado a Grandmaster Flash & The Furious Five, pero en realidad en la canción solo aparece Melle Mel, integrante del grupo. Resulta que para cuando esta canción fue lanzada, Flash estaba demandando a Sugar Hill Records por los royalties y había dejado de hacer conciertos con Melle Mel. Su enemistad ha durado hasta nuestros días. El caso es que ‘White Lines’ es una de las canciones antidroga más bailongas de la historia. La bassline es adictiva a más no poder y la letra da que pensar. Ah, y Duran Duran hizo una cover del tema en 1995.

2. ‘The Adventures of Grandmaster Flash On The Wheels of Steel’ (1981)
«Grandmaster, cut faster !»
La cosa ya se pone seria. Esta ópera instrumental de 7 minutos es una grabación de una sesión en vivo de Grandmaster Flash mixeando canciones y haciendo su arte como DJ, usando tres tocadiscos. Esto fue tremendamente influyente para los DJs de la época y de los años posteriores. El mismísimo Dr. Dre, autor de clásicos como ‘Still D.R.E’ o ‘California Love’ de Tupac, dijo que Grandmaster Flash y esta canción fueron las razones por las que quiso empezar a hacer hip hop. Fue nombrada segunda mejor canción del año 1981 por la revista NME.

Samplea más de 10 canciones, entre las que se encuentran ‘Another One Bites The Dust’ de Queen, ‘Good Times’ de Chic, ‘Rapture’ de Blondie y otro tema de Flash del que ya hemos hablado anteriormente, ‘Freedom’.

1. ‘The Message’ (1982)
«It’s like a jungle sometimes / It makes me wonder how I keep from going under»
No es nada fácil resumir el impacto de esta canción. No solo en su época, sino en toda la historia del hip hop. Para empezar, fue un éxito comercial y de crítica. Fue la séptima canción de rap de la historia en aparecer en el Billboard Hot 100, en el número 62, y en 2017 la revista Rolling Stone la nombró «mejor grabación de hip hop de la historia». Por si esto fuera poco, en 2002 fue incluida en la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos, junto con otras grabaciones «cultural, histórica o estéticamente relevantes» como la Marcha Nacional o el discurso de Martin Luther King en el que exclama la famosa frase de «I Have A Dream…». Así de importante es este tema.

Para la historia del rap, simplemente es un hito. Líricamente, es una de las canciones más crudas y reales que se han escrito nunca, y no es ninguna exageración nombrar su último verso como el mejor de toda la historia. Y si no es el mejor, es el más relevante. Si no lo has hecho ya, escúchalo mientras lo lees. Por cierto, escrito por Melle Mel.

En cuestión de influencia, muchos expertos señalan ‘The Message’ como el tema que hizo que los raperos le quitaran el lugar a los DJs como las estrellas del hip hop, y el culpable de toda una marea de rap centrado en problemas sociales. Ha sido sampleado en más de 300 canciones y, simplemente, nunca pasará de moda.

La leyenda del hip hop que es Grandmaster Flash pinchará en la sala Razzmatazz de Barcelona el próximo sábado 25 de junio, tanto clásicos como nuevos hits, al tiempo que agarrará el micrófono. No todos los días se tiene la oportunidad de presenciar en directo el arte de un grande.

Natalia Lacunza solo se necesita a sí misma en ‘Mi sitio’

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Natalia Lacunza acaba de entrar en el top 5 de la lista de álbumes española con ‘Tiene que ser para mí‘, su debut largo oficial. Tras haber pasado tres de sus singles por la sección «Canción Del Día», ‘Tiene que ser para mí’ será nuestro «Disco de la Semana».

A estos temas destacados se suma hoy otro. ‘Mi sitio’ es una de las producciones más sencillas de ‘Tiene que ser para mí’ pero también una de las más accesibles y conmovedoras. Su sonido de pop acústico recuerda al desarrollado por Kacey Musgraves en su disco ‘Golden Hour‘. En concreto, temas como ‘Butterfly’ o el titular vienen a la mente al escuchar ‘Mi sitio’.

‘Mi sitio’ es probablemente la composición más serena que ‘Tiene que ser para mí’. El ritmo pausado que marca la guitarra, y la interpretación vocal de Lacunza, contribuyen a crear una canción que pasa como una acaricia de brisa por los oídos. Sin embargo, la melodía conmueve como pocas del disco porque transmite una mezcla de tristeza y felicidad. Como cantaba Kacey: «I’m happy and sad and the same time / You got me smiling with tears in my eyes…»

Sin embargo, ‘Mi sitio’ en absoluto tiene que ver con la canción citada, ni con el disco de Kacey, a nivel lírico. Lacunza no está hablando de una relación que le hace estar en las nubes. Al contrario, celebra haber dejado atrás a una persona y sentirse a gusto consigo misma. «Hace tiempo que sé cuál es mi sitio / Ahora ya sé que no te necesito» es una de las frases que mejor capturan el contenido de ‘Tiene que ser para mí’.

Sesión de Control: Rothrigo, Menta, Nico B, François…

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Renovamos nuestra playlist Sesión de Control, dedicada al pop nacional o en castellano, comenzando con Rothrigo, el madrileño asentado en Londres que ya os presentamos con el disco ‘Apple Juice‘ y que ahora ha estrenado un ‘Avoid Everything Forever’ que vuelve a inspirarse en la década de los 50.

Entre las revelaciones, hay nuevo tema del catalán Franc (Francesc Abril); François ha subido su tercer tema, ‘Dónde iré’ y LaSol presenta una producción electrónica llamada ‘deeper’ tras su ‘morriña EP’. Hoy mismo, Masoniería publica en Austrohúngaro otro corte de la banda sonora de ‘La amiga de mi amiga’, peli de Zaida Carmona y temática lésbica que se presentará en La Cineteca de Madrid el 1 de julio.

El rock viene de mano de proyectos como Castro, Caballo Prieto Azabache y Repion, estas últimas teniendo a Dover en su punto de mira -los primeros, no los de ‘Let Me Out’-. Por su parte, el shoegaze de las andaluzas Uniforms parece que va a mutar no sabemos si al gótico o a la electrónica a juzgar por su nuevo tema ‘I Quit’. También ajena a etiquetas, pero bien distinta, es ‘Nenúfares’ de NICO B. y Cosme Pelotillo, que se debate entre la música urbana y el rock.

El Buen Hijo tiene nuevo EP en el mercado, Menta continúa presentando las canciones de su próximo disco en Sonido Muchacho y Capitán Sunrise han estrenado la electropop ‘Tinder Sorpresa’ como parte de un single de 2 canciones.

Completamos la playlist con Lisasinson, el R&B de Mafalda, el rock lo-fi de L’Hereu Escampa, la apuesta de MTINES como «canción del verano en Cataluña» y Rorro, aquí un poco menos R&B y más synth-pop.




Observatorio Festival hace un llamamiento por su viabilidad: «os necesitamos»

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Observatorio Festival, que se celebra los días 1 y 2 de julio en Balboa, en la comarca de El Bierzo (León), ha enviado un comunicado a través de Facebook alertando de su viabilidad, que peligra en medio de lo que parece toda una burbuja festivalera.

Observatorio Festival indica que aunque se alegran de la vuelta de la normalidad, “el regreso de los macrofestivales les está afectando más de lo que imaginaban”. En el recinto con espacio para 2000 personas, decidieron poner solo 700 entradas a la venta para “asegurar el ambiente familiar y cercano”.

Para la viabilidad del evento, se necesita al menos vender 550 entradas, pero solo van vendidas 400. Su mensaje en Facebook es muy claro: “Este mensaje es una llamada de auxilio a todxs lxs que estáis dudando si venir o no. Os necesitamos”

El texto firmado por los socios Dani, Guille, Hannah, Jaime, Javi, Iván, Luis, Yavanna y Zoe indica: “necesitamos más personas que quieran pasar un fin de semana inolvidable en el mágico pueblo de Balboa”.

El cartel del viernes 1 de julio incluye a Blanco Palamera presentando ‘INTIMIDADE‘, Judeline, entre otros; y el 2 de julio a La Plata presentando ‘Acción directa‘, TRASHI, Çantamarta y Ralphie Choo, entre otros. Las entradas están disponibles aquí. Además, se ha habilitado una Fila 0 para todo aquel que no pueda asistir, pero quiera realizar un donativo.




Kurt Vile / (watch my moves)

En una entrevista reciente acerca de este nuevo disco, Kurt Vile se declaraba entusiasta de una forma de trabajo en la que “simplemente grabas algo súper rápido con algún teclado, guitarra o lo que sea que tengas a mano, y… te sorprenderías del resultado. Porque cuando compones se trata de no pensar en absoluto, sólo capturarlo con rapidez. Como Sun Ra, que lo grababa absolutamente todo”. El resultado de esa filosofía es este nuevo y largo disco del músico norteamericano, que reparte sus 15 canciones -según el formato- en un vinilo doble, un CD lleno hasta los topes, o un streaming de hora u cuarto.

Sin ser enemigos del enfoque “automático” de Vile, ni de las grabadoras repartidas por toda su casa-estudio para atrapar cada posible momento de inspiración, lo que sí podemos cuestionar es el control de calidad del material resultante. Parece que Verve (flamante nuevo sello del músico) le ha dejado libertad absoluta, que él ha aprovechado para experimentar más que nunca con sus pedales de loop. De ahí nace este álbum, que alterna canciones de dos tipos: por un lado, secuencias loopeadas de tres, cuatro acordes, repetidos de forma circular e hipnótica mientras Vile canta o recita melodías que parecen ligeramente improvisadas. Por el otro, canciones de corte más clásico, con un acabado más redondo de estrofa y estribillo. Ambas facetas combinan muy bien y otorgan a priori variedad a un tipo de música que en sí tiende a ser bastante monótona (la mayoría sigue de una u otra forma el compás clásico 4×4 del pop-rock (“tum, pa, tum-tum, pa”). Pero muy buenas tienen que ser quince canciones para no conformar un disco de calidad irregular.

Vile es un guitarrista eficiente y con buenas ideas, así que cuando las canciones en bucle funcionan, como en el caso de ‘Palace of OKV in Reverse’, o de la brillante ‘Like Exploding Stones’, da igual que la melodía sea medio hablada, o la letra algo insustancial: esa dulce escalada en la que los instrumentos se añaden unos a otros y la canción crece de forma lenta, casi meditativa, resulta muy seductora. Aunque sean los mismos 4 acordes durante 7 minutos, el viaje cósmico de guitarras y teclados entretejidos en deliciosas reverbs no se hace largo. Hasta supone un refrescante antídoto para quien esté cansado del pop actual hiperactivo basado en intro-preestribillo-estribillo-postestribillo-outro.

Lo mismo ocurre con la muy cautivadora pareja de acordes en loop del cierre del disco, la delicada ‘Stuffed Leopard’, que divaga deliciosamente durante 7 minutos. Cuando la música funciona, digieres bien esas letras que parecen inventadas sobre la marcha, y toleras las muy repetitivas referencias metamusicales (“en ‘Song for my Father’ plagié ‘Ricky Don’t Lose / y estos acordes ¿quién los tocó primero?”).

El problema es cuando las canciones, sin ser malas, resultan más mediocres: cuando la música se queda en “sin más” es cuando las letras sobre cosas explotando en su cabeza o fluyendo por su cuerpo o colores que cambian acaban resultando aún más intrascendentes y chirrían especialmente las meta-observaciones de la vida «slacker» (“tocando en la sala de música en mis gayumbos…”). Además de volver muy dudosa la certeza de que “grabar lo primero que te sale lo más rápidamente posible” funcione en todos los casos. Es el caso de ‘Fo Sho’, un loop de tres acordes totalmente olvidable, cuya letra parece casi una confesión inconsciente: “Aunque no acierte voy a seguir cantando mi canción, hasta el amanecer / voy a cascarme otro poema chulo en mi libreta de hojas amarillas / Y probablemente va a ser otra canción larga, y aunque no acierte voy a seguir cantando mi canción / canción larga”.

En el otro lado, las canciones de corte clásico tienen momento preciosos, como en el trío central del disco: la NeilYoungescaMount Airy Hill (Way Gone)’, con su tempo perezoso y deliciosas guitarras “slide” recuerda a lo mejor del catálogo anterior de Kurt. ‘Hey Like A Child’ también brilla con su excitante secuencia de acordes, arpegios un poco Tom Verlaine y letra romántica «slacker» (“como un niño, entraste bailando un vals en mi vida / como un rayo de sol brillas en mi vida /como un colocón suave, me siento bien”).

‘Jesus on a Wire’ narra una divertida estampa de Jesucristo al teléfono, nervioso, agobiado pensando en lo mucho que le va a costar “sacar al mundo de esta”, mientras Kurt quiere decirle que él también se siente solo a menudo. La bonita melodía y las hipnóticas guitarras -con añadido de jugosas acústicas- funcionan especialmente bien en ese minuto y medio final repetitivo, en el que aparece un piano que hace levitar esos dos simples acordes. Es quizá el momento en el que Vile consigue más exitosamente aunar las dos facetas del álbum.

Pero a partir de ahí, el disco se vuelve aún más desigual. Por cada bonita ‘Cool Water’ (con sus líquidas guitarras) o ‘Chazzy Don’t Mind’ (con la colaboración de Julia Shapiro de Chastity Belt) hay una aburrida ‘Say the Word’ o interludios instrumentales que no aportan demasiado. Y el hecho de que la mejor composición del disco sea un descarte del ‘Nebraska’ de Bruce Springsteen (la excelente ‘Wages of Sin’) pone en evidencia que a pesar de los momentos brillantes ninguna de las canciones es de primer nivel. Invocar ‘Heart of Gold’ de Neil Young en las letras tampoco ayuda con las comparaciones.

‘(watch my moves)’ resultaría un notable disco de 9 o 10 canciones, pero resulta demasiado autoindulgente en su formato final. ¿Homenaje a la bulímica duración de los CDs en los 90? ¿Culpa es de nuestro decadente umbral de atención? No dudo que a los seguidores de Kurt Vile el disco les encandilará, y gozarán de cada recoveco del mismo. Pero para el oyente medio, o para los curiosos que se interesen por primera vez en este artista, las dimensiones son excesivas y como consecuencia el nivel medio de calidad se acaba resintiendo.

La reunión de Delafé y Las Flores Azules, celestial en ‘AQUÍ AHORA’ y Tomavistas Extra

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Este jueves 23 de junio vuelve el ciclo Tomavistas Extra al Parque Tierno Galván, y lo inauguran Delaporte, que actúan a las 20.00, y Delafé y Las Flores Azules, que lo harán a las 21.45. Horarios que se repetirán durante las próximas 2 semanas, en un programa doble que unirá a Natalia Lacunza con El Buen Hijo este viernes 24; o a Los Planetas con El Último Vecino el 1 de julio, por poner tan sólo un par de ejemplos.

Delafé y Las Flores Azules interpretarán por supuesto los grandes éxitos por los que se han reunido. Están celebrando el 20º aniversario de ‘Las Trompetas de la Muerte’ y prometen que van a sonar ‘Mar el poder del mar’, ‘La primavera’ y ‘Espíritu Santo’. Pero también por supuesto su nueva producción de este año, ‘AQUÍ AHORA’, editada esta primavera.

Oscar d’Aniello y Helena Miquel se han reunido en esta grabación que puede parecer una canción de amor, pero que indudablemente es a la vez una metáfora sobre la amistad a pesar de los parones y los contratiempos. Entre referencias a ‘Mar el poder del mar’, algunos de los versos apuntan: «Tú me viste crecer / Me cuesta tanto creer / Que pueda volverte a perder» y «Durante todos estos años / Te he estado echando de menos / Te he estado echando de mi vida / Y fracasando en el intento».

Los coros de Helena Miquel se van abriendo paso paulatinamente, construyendo el crescendo típico de las canciones de Delafé y las Flores Azules, logrando que la parte de ella sea por supuesto el cénit de la grabación: «Coge mi mano, salgamos de aquí / Hace ya un tiempo que quiero decir (…) Siempre he querido estar aquí y ahora», haciendo de esto último el estribillo del tema, repetido hasta la saciedad.

‘AQUÍ AHORA’ apuesta a su vez por el sonido característico de Delafé y las Flores Azules: hay restos de pop sintético, un spoken word en su lado más tierno, y un tipo de teclados al final que nos remiten a los tiempos de Fangoria en ‘Dios odia a los cobardes’ y Family (que grabaron en su estudio por aquel entonces). Un tema que no puede sonar más celestial y que no desentonará nada entre hits pasados, pues está hecho exactamente de sus mismos materiales.

Nacho Vegas, Airbag, Estrella Fugaz… a Festival Brillante

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Festival Brillante, del que JENESAISPOP es medio oficial, se celebra en Chapinería, en la Sierra Oeste de Madrid, los días 16, 17 y 18 de septiembre. Habrá actuaciones de primer nivel como Julieta Venegas, La Casa Azul, Israel Fernández o Amaia, en la que será la única fecha en Madrid presentando ‘Cuando no sé quién soy‘.

Hoy se suman 13 nombres, entre los que destaca Nacho Vegas, que estará presentando el notable ‘Mundos Inmóviles Derrumbándose’. De él se acaba de estrenar como single su canción más osada, ‘Ramon In’, junto al correspondiente videoclip, que podéis disfrutar bajo estas líneas. También entre esos nombres están Airbag, los iconos del punk pop que van a presentar nuevo álbum ‘Cementerio Indie, o Estrella Fugaz, que vienen de publicar ‘Luminosa’ y arrasar en escenarios underground como el del último Madrid Popfest.

Los otros 10 nombres confirmados son en mayor o menor medida artistas emergentes, casi todos ellos habituales de nuestras páginas y nuestras playlists, como es el caso de Samuraï, con quien acabamos de hablar sobre gatos; La Élite, shego, Ganges, Irenegarry o rebe. También actuarán Monteperdido, krissia, Shangai Baby, Moglia y La Xinni. En concreto shego, La Élite y Samuraï actuarán dentro del programa Jägermusic, uniéndose a los ya anunciados Carrera, Alavedra y Mainline Magic Orchestra.

Entre las novedades en cuanto a logística, se ha habilitado la reserva de VTC con precios cerrados para que puedas venir de cualquier punto de Madrid a Chapinería: y también está disponible la reserva de plazas en los autobuses lanzaderas y parking oficial para desplazarse de Madrid a Chapinería. Además, Festival Brillante hará una oferta especial con precio cerrado para aquellos/as que compréis 4 entradas de día + reservéis VTC. Los precios variarán según el punto de recogida (M30, M40, M50). Más información, en la web oficial.

Lorde comenta la reacción «desconcertante y dolorosa» hacia su disco

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Lorde acaba de ofrecer uno de los conciertos más emocionantes vistos en el Primavera Sound de Barcelona. Ha presentado ‘Solar Power‘, su tercer disco. Ahora, con motivo del primer aniversario del single principal de ese álbum, la neozelandesa se ha sincerado en una carta dirigida a sus fans y ha comentado la reacción negativa que obtuvo el disco a su salida.

«Ha sido el año con los momentos altos más altos y con los momentos bajos más bajos que jamás he vivido», ha escrito. «A la gente le ha costado entender el álbum: aún a día de hoy recibo e-mails de gente que me cuenta que le está empezando a gustar ahora». La cantante cuenta que «la recepción que obtuvo el disco al principio fue muy desconcertante y a veces dolorosa», pero que «tras crear y lanzar este álbum aprendí mucho de mí misma acerca de cómo la gente me percibe», y que por este motivo se siente más «viva y conectada a mi arte».

La conclusión a la que ha llegado Lorde en relación a ‘Solar Power’ es que es un disco de transición, «uno de esos discos que se hacen entre momentos cumbre». La cantante «necesitaba andar bajo, rodar una bola de neón a través de la hierba alta y ver qué pasaba». Lorde explica que un amigo -que es artista- la ha hecho llegar a este entendimiento sobre el disco.

A la vez que Lorde ha compartido una nueva carta a sus fans, la neozelandesa ha estrenado videoclip. ‘The Path’ es la pista inaugural de ‘Solar Power’, desde el principio también una de las más escuchadas; es, de hecho, la canción con la que abre sus shows, y ahora es protagonista del siguiente capítulo de ‘Solar Power’. Aunque, en realidad, el vídeo de ‘The Path’ se considera el primer capítulo, y la precuela del de ‘Solar Power’.

El vídeo de ‘Falling Back’ es otro chiste malo de Drake

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Drake, quien acaba de lanzar por sorpresa ‘Honestly, Nevermind’, está empeñado en hacernos reír. Tras intentarlo –infructuosamente- en ‘Way 2 Sexy’, vuelve a la carga con ‘Falling Back’. No se da por vencido. Es como el que cuenta dos veces un chiste malo por si no lo has entendido. Ahora resulta que se va a casar y, jajá, en vez de una hay… ¡23 novias! Jajá. Drake, el rapero mormón. Drake, el playboy mayor que aún cree que las veinteañeras hacen cola para estar con él.

Pues ese es el chiste. Y Director X lo alarga nueve minutazos. Que si la tarjeta de boda (uy, qué larga). Que si las figuritas de la tarta (uy, que no caben). Que si la mesa nupcial (mira qué trávelin). Y así todo. Si en ‘God’s Plan’ el rapero salía repartiendo billetes como un millonario rumboso, aquí reparte anillos de boda con sonrisilla condescendiente. También reparte minutos de gloria: un plano final para cada “novia”, con su cuenta de insta debajo. Así es Drake.

Además del chiste, en el vídeo hay también chistecillos. Guiños cómplices entre amigotes. Por ejemplo, el cameo del pívot de los Chicago Bulls, Tristan Thompson (ex de Khloe Kardashian y reconocido mujeriego), haciendo de padrino. O el cómico Dan Finnerty y su The Dan Band, amenizando la ceremonia con una versión deslenguada del ‘Best I Ever Had’ del propio Drake.

Ah, y también hay sitio para los mensajes reivindicativos. Ese “Free YSL” que aparece sobreimpresionado y que parece remitir a la detención el pasado mayo de los raperos Young Thug y Gunna, del sello YSL, acusados de extorsión. Una risa todo, oye.

Tove Lo anuncia que su álbum ‘Dirt Femme’ saldrá el 14 de octubre

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Tove Lo ha anunciado su quinto álbum de estudio, ‘Dirt Femme’, el cual llegará a nuestros oídos el 14 de octubre. El sucesor de ‘Sunshine Kitty’, de 2019, incluirá colaboraciones con First Aid Kit, SG Lewis y Channel Tres. Hoy, la artista sueca ha lanzado el segundo single del álbum, ‘True Romance’, con un título inspirado por la película de 1993 del mismo nombre. Este single llega casi dos meses después de la salida del primer adelanto del disco, la synth-heavy ‘No One Dies From Love’.

Sobre la letra de ‘True Romance’, Tove Lo cuenta que tardó «tres días en tener la letra correcta», pero que después grabó la canción «en una sola toma». La conexión con la película ‘True Romance’ llega a través de la letra, la cual es descrita por la artista como «amor destructivo en su mejor y peor momento».

Sobre ‘Dirt Femme’, la cantante ha contado, a través de su cuenta de Instagram, que es «dramático, cinemático, altamente emocional y sexy», y ha añadido que trata sobre ella y su relación con su propia feminidad, y cómo esta la ha «ayudado y herido».

Tracklist:
1. No One Dies From Love
2. Suburbia
3. 2 Die 4
4. True Romance
5. Grapefruit
6. Cute & Cruel [ft. First Aid Kit]
7. Call on Me (With SG Lewis)
8. Attention Whore [ft. Channel Tres]
9. Pineapple Slice (With SG Lewis)
10. I’m to Blame
11. Kick in the Head
12. How Long

‘Te Felicito’ de Shakira ya es top 2 en España; Bizarrap con Villano Antivillano, top 10

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En el Top 100 Canciones de Promusicae, Bad Bunny sigue liderando con ‘Tití Me Preguntó’, pero la verdadera sorpresa se encuentra en el segundo puesto. Justamente dos meses después de su salida, el single de Shakira con Rauw Alejandro, ‘Te Felicito’, se posiciona en el número 2. Su lugar más alto hasta ahora.

Bizarrap y Villano Antillano debutan en el Top 10 de la lista de éxitos, más concretamente en el puesto número 9, con la sesión 51 del productor argentino. Bizarrap también está en el puesto 28 con Tiago PZK y en el 49 con la anticipada sesión de Paulo Londra.

En la posición 86 debuta ‘Nos Comemos Vivos’ de Maluma y Chencho Corleone. Vuelven a entrar en lista ‘A Contracorriente’, de Álvaro Soler y David Bisbal, en el puesto 95; ‘Ley Seca’, de Jhay Cortez y Anuel AA, en el 98; y el pelotazo de C. Tangana con los Gipsy Kings, ‘Ingobernable’, en el 99.

Natalia Lacunza debuta en el número 5 de las listas, Bad Bunny sigue líder…

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En las listas de éxitos españolas de Promusicae, Bad Bunny sigue siendo el rey del Top 100 de Álbumes por sexta semana consecutiva con ‘Un Verano Sin Ti’, y parece que va a ser complicado echarle de ahí.

Esta semana BTS ha entrado en la lista y se ha posicionado directamente en el puesto 2, con el álbum recopilatorio ‘Proof’. M-CLAN ha hecho su debut en el número 4, con el disco acústico en directo ‘EN PETIT COMITÉ’, justo por debajo de ‘Harry’s House’. El último álbum de Natalia Lacunza, ‘Tiene que ser para mí’, se ha colado justo en el puesto 5 de la lista, y no ha conseguido superar la posición de sus dos anteriores proyectos, ‘ep2’ y ‘Otras Alas’.

En el puesto 23 entra ‘Hate Über Alles’ de Kreator, en el 27 ‘Always Dream’ de Dímelo Flow, ‘The Love & Sex Tape’ de Maluma debuta en el puesto 36 y en el número 47 entran los míticos Rolling Stones con ‘Licked Live In NYC’, su disco en vivo desde Nueva York. El último disco doble de Beach House, ‘Once Twice Melody’, vuelve a entrar en lista y se coloca en el número 57 de esta. Las últimas dos entradas de la semana son Depeche Mode con ‘Ultra – The 12 Singles’ y Tierra Santa con ‘Destino’, en los puestos 69 y 83, respectivamente.

The Mars Volta regresan con nueva música después de 10 años

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Es oficial. The Mars Volta han vuelto. El dúo formado por Cedric Bixler-Zavala y Omar Rodríguez-López han lanzado nueva música después de 10 años de espera. El nuevo single se llama ‘Blacklight Shine’ y viene acompañado por un videoclip de 11 minutos en blanco y negro, dirigido por Rodríguez-López, y ambientado en una idílica isla tropical. Es el primer material presentado por el grupo tras su álbum de 2012, ‘Noctourniquet’, y tras su posterior ruptura en 2013.

Los rumores del regreso de la banda comenzaron el pasado domingo, cuando un misterioso cubo apareció en el Grand Park de la ciudad de Los Ángeles. El cubo era, en realidad, una instalación de arte audiovisual, llamada «L’ytome Hodorxí Telesterion», en la que cualquiera se podía introducir dentro y escuchar ‘Blacklight Shine’ por primera vez. La experiencia inmersiva estará disponible de forma digital a partir del 1 de julio.

Bixler-Zavala ya dio pistas del regreso del grupo en unos tweets de 2019: «Cuando ORL me enseñó parte de su nuevo material se me salieron las putas lágrimas». Añadió más tarde: «No hay fechas límite, no hay idas de olla, no hay dramas, solo dos hombres adultos usando aceites esenciales y nuevos y atrevidos perfumes, disparando ideas». Tres años más tarde, estos tweets, ya borrados, se han hecho realidad. Junto con el nuevo single, The Mars Volta también han anunciado las fechas de su primera gira desde 2012 pero, desafortunadamente, todas ellas son en Estados Unidos. La gira comenzará en septiembre de este año.

Pixar decepciona con ‘Lightyear’, una aburridísima odisea espacial

Cada nueva película de Pixar es, sobre todo a nivel de audiencia, un acontecimiento. El estudio de animación americano está más que consolidado como uno de los mejores del mundo, habiendo revolucionado el cine animado con ‘Toy Story’ en 1995 y, posteriormente, con cintas tan originales e icónicas como ‘Buscando a Nemo’ o ‘Up’. En los últimos años, el rumbo artístico de Pixar ha sido bastante errático, y pese a algún destello brillante como ‘Soul’, se ha notado un ligero desgaste creativo.

‘Lightyear’ es aquella película que Andy de ‘Toy Story’ veía a los 6 años, y el origen de su juguete. El concepto es interesante, incluso si en una cartelera superpoblada de secuelas y remakes un spin-off no sea nada particularmente excitante, pero el calado en el imaginario popular de ‘Toy Story’ justificaba que Pixar reciclara a este personaje y quisiera darle una nueva vida. Todo esto sobre el papel, claro. La realidad, sin embargo, no es tan estimulante. En ‘Lightyear’ encontramos una película insólita en el catálogo de la compañía: es rutinaria y absolutamente carente de ideas, algo de lo que no había pecado Pixar casi nunca.

El objetivo es el de crear un filme para amantes de la ciencia ficción, y como apuesta para una cinta enfocada a niños, es ciertamente arriesgada. ‘Lightyear’ es gris, oscura y apática, y ninguno de sus personajes tiene el más mínimo carisma o una personalidad distintiva para que el público infantil –o el adulto- conecte con ellos. Ni siquiera la mascota de la tripulación, diseñada precisamente para ello, es lo suficientemente graciosa o memorable.

Así pues, queda un filme que no parece dirigido a una audiencia concreta, o más bien, que no ha sabido dirigirse a su público objetivo. Se agradece, eso sí, la anulación de la heteronormatividad como única forma de vida válida. En la película se retrata con total naturalidad una familia formada por dos mujeres negras, algo que si poco a poco los grandes estudios comienzan a hacer, tendrá un impacto muy positivo a la larga. Si nos ponemos puntillosos, evidentemente esa no es la película que veía Andy en los 90, un Hollywood –y una sociedad- aún muy racista y homófobo, pero ese es el menor de los problemas. Ni siquiera es uno. Sí lo es un guion predecible que reproduce punto por punto las convenciones narrativas infantiles, dando lugar a una película plana que no solo queda lejísimos de llegar al infinito y más allá, sino que directamente nunca despega.

Si en cualquier película de ‘Toy Story’ se palpaba la pasión por el proyecto y un amor infinito hacia sus personajes, en ‘Lightyear’ solamente se percibe un ansia por hacer dinero y una sonora falta de imaginación. Viéndola parece imposible imaginar que ningún niño vaya a querer comprarse un juguete de Buzz Lightyear al salir del cine si no fuese por la saga original.

Beyoncé, más 90’s y machacona que nunca en ‘Break My Soul’

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Variety informaba hace unos días en exclusiva, citando a un insider, de que el nuevo disco de Beyoncé, su proyecto ‘RENAISSANCE’, se debatiría entre el dance y el country. Atendiendo al primer single, al menos lo primero es cierto.

‘Break My Soul’, hoy nuestra «Canción del Día», es una producción de dance noventera, severamente influida por los beats de aquella época. Se construye sobre un sample de ‘Explode’de Big Freedia de 2014 y después, no se avergüenza de ser al menos la 4ª canción de 2022 que samplea ‘Show Me Love’ de Robin S. Antes llegaron Daddy Yankee, Charli XCX y hasta Craig David.

No se puede decir que Beyoncé haya sido precisamente trendsetter esta vez. Es inevitable el comentario «Beyoncé llega tarde a cazar la tendencia, cuando antes las generaba». Un guiño rap y otro góspel en los últimos segundos añaden un pequeño punto de variedad. Lo que sí podemos celebrar es escucharla desinhibida y olvidada de intelectualidades, como pocas veces la hemos percibido desde los tiempos de ‘Crazy In Love’ y Destiny’s Child. Con 40 años recién cumplidos, parece que Beyoncé tiene más ganas de pasárselo bien que nunca. Como tantos millones de personas después de 2 años en el infierno.

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Drake / Honestly, Nevermind

Algunos seguidores de Drake le están crujiendo por el volantazo estilístico de su nuevo disco, un álbum con poco rap, catalogado de manera optimista como «dance» en Apple Music, y centrado en los ritmos house hasta cierto punto. El artista incluso podría haber contestado posteando la frase «está todo bien si no lo habéis entendido todavía», como queriendo decir que este ‘Honestly, Nevermind’ es tan avanzado que se comprenderá mejor en el futuro.

Ninguna de las partes parece muy acertada. Ni sus seguidores aupando a la fama ‘Jimmy Cooks’ con 21 Savage, la canción más continuista y menos sorprendente del álbum, que situada como pista 14 hasta parece un bonus track situado ahí en busca de un éxito, un tanto fuera de lugar por aquí. Ni él tampoco, que no es que haya entregado un arriesgadísimo «CHAMPAGNE MOTOPAPI», después de todo.

Pero Drake ha hecho bien muchas cosas en este álbum, pese a que últimamente cae mal en ciertos sectores. Por un lado, sus streamings siguen siendo muy altos y el disco representará muy cómodamente otro número 1 en el Billboard 200 para el artista. Por otro, parece que está de moda reírse de él, algo a lo que él mismo contribuye estrenando ridículos videoclips, como ese nuevo en el que se casa con 23 modelos.

Ciñéndonos a lo musical, hay que agradecer que se haya dado cuenta de que no podía ofrecer mucho más en producciones de trap que hace tiempo que empezaron a sonar obsoletas. En este álbum, la producción de Black Coffee y Carnage logra resultar excitante en pistas como ‘Currents’ y ‘Massive’. La primera se sostiene en unos muelles cual hit pícaro de reggaetón, pero la inspiración aquí más bien parece Burial, sobre todo en el tratamiento de las voces. Y ‘Massive’ es la grabación más sorprendente de Drake desde que le dio por el dancehall en ‘One Dance’. Aquí le ha dado por el piano house, que emerge además después de un inicio misterioso, llevando la canción hacia diferentes sitios.

La cuestión es que este minimalismo por el que ha optado Drake, con giros hacia el trance por ejemplo muy puntuales, le sienta como un guante a su sedosa voz. Sus letras se siguen definiendo por una serie de relaciones que vienen y van («encontré una nueva musa y eso son malas noticias para ti», dice por ejemplo ‘A Keeper’); y hablan de sexo con la imaginación de un adolescente con las hormonas desatadas («tu coño me está llamando», repite hasta la saciedad ‘Calling My Name’), pero se da la circunstancia de que como vocalista de R&B, continúa en el timbre exacto para hacer funcionar todas estas vaguedades y convertirlas en buenos temas, además bien hilvanados entre sí.

La primera parte del álbum aglutina ‘Falling Back’ unida a ‘Texts Go Green’ y la ya mencionada ‘Currents’, mientras en la segunda, además de ‘Massive’, destacan la sensación de bruma y peligro de ‘Overdrive’, esta con la participación de su escudero «40», y la guitarra paradisíaca de ‘Flight’s Booked’, que contiene un sample del dúo de R&B Floetry. A veces parece que Jamie xx ha echado una mano produciendo ‘Honestly, Nevermind’.

En el tramo final Drake se pasa de frenada con lo de la sutileza y el álbum se adormece demasiado entre ‘Down Hill’, los 5 minutos y medio de ‘Tie that Binds’ y ‘Liability’, hasta estropearse finalmente con la comercialota ‘Jimmy Cooks’, pero hay que reconocer que al menos esto parece un disco con principio y fin, y no una playlist como tantos otros lanzamientos suyos, así como algo diferente en su discografía.

Tanxugueiras lanzarán su tercer álbum el 29 de julio

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Rocio Cibes

Tanxugueiras han anunciado oficialmente la fecha de salida de su tercer álbum, tras ‘Tanxugueiras’ en 2018 y ‘Contrapunto’ en 2019. El disco saldrá en pleno verano, el 29 de julio, y será presentado de forma oficial el 6 de agosto durante el festival SonRías Baixas. En los últimos meses, Tanxugueiras han lanzado los singles ‘Desidia’, ‘Pano Corado’, ‘Averno’, ‘Figa’, ‘Midas’, ‘Telo’, ‘Coda’ y ‘Terra’, siendo este último su single más exitoso.

Las candidatas de Eurovisión 2022, Olaia, Aida y Sabela, también han dado a conocer la «Plataforma de Afectadxs por el Nuevo Álbum de Tanxugueiras», que es otra forma de dar nombre a la campaña de preventa del álbum. Las artistas lo han promocionado de esta forma: «No tenemos la portada, no tenemos el nombre del disco y, como sigamos así, no tendremos vergüenza. Pero si crees que somos una inversión más segura que las criptomonedas, ya puedes apoyarnos con la preventa del disco”.

Esta plataforma contiene varios vídeos de amigos y conocidos alegando tener el llamado «tanxumono», con los síntomas correspondientes, como forma de animar a los fans mientras siguen esperando la salida del disco, y de paso promocionar el lanzamiento de este.

Los Estanques y Anni B Sweet unen piano, Motown y psicodelia en ‘Caballitos de mar’

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Los Estanques y Anni B Sweet vuelven a ser lo más votado de JENESAISPOP por segunda semana consecutiva, con ‘Caballitos de mar’, motivo por el que la elegimos hoy como “Canción del Día”.

Ya solo por ese maravilloso piano que suena justo antes del segundo 20, ‘Caballitos de mar’ merecía toda nuestra atención, si bien también enriquece el tema la producción psicodélica que embadurna todo el disco ‘Burbuja cómoda y elefante inesperado’. La canción pasa del pop de cámara a lo saltarín, resultando al final casi bailable.

La Motown ha inspirado a Los Estanques y Anni B Sweet en el desarrollo de esta composición, que habla de “oportunidades fallidas” pero manteniendo “la esperanza y la ilusión”. Explica la nota de prensa: “Los caballitos de mar son el símbolo del amor fiel y eterno. El demonio es el mensajero del mal que pretende acabar con la felicidad y así se mezclan en una estrofa que respira -en principio- mucha melancolía y calma y que acaba con alegría y fuerza. Un bucle de caídas y vueltas a empezar que solo busca una nana que los calme. Cuando la terminas de escuchar tienes más sensación de haber festejado que de haber sufrido una pérdida. Quizá más que un fracaso o una victoria, sea una canción de rabia por lo que pudo ser y nunca fue”.

De ahí que el tono del tema pueda ser interpretado como festivo e incluso divertido, pese a que su frase más sonora sea el lamento de que “tuviste una oportunidad”. Los Estanques y Anni B Sweet actúan este 22 de junio en Madrid como parte de Noches del Botánico, y en un programa doble junto a León Benavente. También aguardan festivales como Santander Music, donde actúan el sábado 6 de agosto, el mismo día que El Columpio Asesino, Delaporte, Glassio, León Benavente y sus amigos Lori Meyers.

alt-J visitarán Madrid y Barcelona en otoño

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alt-J, a punto de visitar nuestro país como parte del Vida Festival y de Mad Cool, realizarán una gira por salas el próximo otoño. «Salas» o algo así, puesto que las fechas tendrán lugar en recintos bastante grandes.

A la fecha anunciada en el Sant Jordi Club de Barcelona el 14 de noviembre, se añade el Wizink Center de Madrid (suponemos que en uno de sus formatos reducidos, pero aun así enorme), un día después, el 15 de noviembre. Las entradas ya están a la venta en los puntos habituales, por 42 euros.

La banda está presentando su cuarto álbum ‘The Dream’, donde se incluían pequeñas maravillas como ‘Get Better’, con la que os dejamos.

Phoenix mantienen el misterio, no tanto el gancho, en ‘Alpha Zulu’

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Phoenix han publicado este mes un single, antes de su actuación en Primavera Sound, sin anunciar disco. Como escaldados por que todas sus canciones más escuchadas sean realmente anteriores a 2010, parece que han querido testear a sus seguidores o simplemente ofrecerles algo nuevo en lugar de sólo un «greatest hits» en vivo.

Sin ser una de esas producciones que reencauzan carreras, ‘Alpha Zulu’ tiene cierto encanto, como también era el caso de ‘Ti amo’, ‘J-Boy’ o ‘Entertainment’ de sus últimos discos. Aunque su título apela a la primera y última letra del abecedario, la letra del tema pulula libre y misteriosa, prueba de que Phoenix van a lo suyo y jamás a la caza de otro ‘If I Ever Feel Better’ o ‘1901’.

La pena es que no hay una referencia a esta última composición por los pelos. Entre citas a Dios y a la historia -lo que casa muy bien con ese vídeo bobalicón, un karaoke de obras de arte-, hay una frase que dice «debería haber muerto a los 51, en 1953», lo cual nos lleva de manera intrigante al año 1902.

Phoenix quisieron referenciar la Belle Époque parisina en su gran hit ‘1901’. Decían que entonces París molaba más. Desconozco por qué ahora nos llevan al año siguiente en esta canción que cuestiona también «por qué escoger el cuerpo por encima del tiempo», pero el tema se sostiene, dignamente, en unos teclados que primero repiten un riff de teclado bastante juguetón, en un ligero cambio de melodía en su recta final y en todos esos «Woo ha» con los que Thomas Mars parece estar ejerciendo algún tipo de lucha libre.

¿Qué te parece 'Alpha Zulu' de Phoenix?

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