Todos hemos escuchado ‘Sorry’ de Justin Bieber, ‘Sorry’ de Beyoncé y ‘Sorry’ de Madonna además de otras decenas y decenas de canciones llamadas ‘Sorry’ o con la palabra “sorry” en el título, como ‘Sorry’ de Halsey, ‘I’m So Sorry’ de Aldous Harding, ‘Sorry Seems to Be the Hardest Word’ de Elton John o, dándole una vuelta a la tortilla, ‘Sorry Not Sorry’ de Demi Lovato. Nos faltaba escuchar a una banda que se llamase Sorry y al fin ha llegado.
Sorry es un cuarteto del norte de Londres compuesto por Asha Lorenz y Louis O’Bryen, dos chavales de 19 años que son amigos de la infancia; además de Lincoln Barrett (batería) y Campbell Baum (bajo). Todos ellos son colegas de dos bandas de punk jóvenes que han despuntado en los últimos tiempos, Shame y Goat Girl, con los que frecuentan el hervidero de talentos que es el Windmill Pub, en el sur de Londres. Como a estos grupos, a los miembros de Sorry les mueve un espíritu totalmente “do it yourself” que les lleva a producir su propia música y sus propios vídeos (como el EP visual ‘Home Demo/ns Vol II’), proyectando una frescura y una imagen despreocupada muy apta para su sonido grunge.
Porque lejos de las fusiones punk/country de Goat Girl y la energía power-punk de Shame, Sorry remite muy directamente a los 90 de L7 y Hole. Sorry cuidan sus melodías y sus canciones suelen presentar composiciones complejas donde los riffs de guitarra 90s conviven con ritmos bailables y efectos electrónicos propios del hip-hop, un género que ha influido mucho al grupo. En este sentido, su mejor canción es sin duda ‘Starstruck’, que acaba de estrenarse y, con su estribillo medio hablado, voces atropelladas y onomatopeya de asco, recuerda a los Yeah Yeah Yeahs y podría haber sido un hit de las campañas de Apple en 2008, aunque quizá no, debido a su guarra producción, mucho más punk de lo que nunca fueron los Ting Tings. De hecho, el grupo se confiesa fan de Mica Levi y una escucha de sus canciones es suficiente para entender por qué.
Aunque Sorry se auto-producen, y es evidente por ejemplo en el sonido bruto de su balada ‘Twinkle’, que sí es muy Hole, actualmente trabajan en el estudio y de hecho han dejado que Sean Oakle, productor que ha trabajado con James Blake y Frank Ocean, meta mano en ‘Showgirl’, otra de esas canciones de Sorry imposibles de fijar en otra época que no sea el grunge de los 90. Sin embargos, sus canciones nacen de la naturalidad de quien ha crecido escuchando esa música en la época de Youtube, y especialmente temas como ‘Starsturck’ evocan una frescura que es imposible de emular. Es el componente “cool” innato de un grupo que poco a poco puede convertirse en protagonista del efervescente movimiento punk que vibra actualmente en Reino Unido. Domino ya los ha fichado, lo cual no es poco de pavo.
El músico, compositor y productor Jaime Altozano se ha convertido desde su canal de Youtube en uno de los mejores divulgadores musicales de su/nuestra generación, un chico que analiza con pasión y facilidad de lenguaje la grandeza de obras musicales, ya sean de maestros de la música clásica o estrellas del rap o el pop, revelándonos sus secretos. Y claro, era cuestión de tiempo que dedicara uno de sus vídeos a Rosalía.
En este caso, ha dedicado en su canal una pieza de casi 40 minutos –más de lo que dura el álbum, por cierto– a desgranar por qué a él ‘El mal querer’, nuevo álbum de la artista barcelonesa le parece una maravilla desde el punto de vista técnico y musical. Y claro, se mea en general sobre casi cada crítica dedicada al álbum –tanto nacional como internacionalmente, y eso incluye la del que esto escribe, obviamente– en ese plano.
Así, nos descubre la importancia de detalles aparentemente pequeños –los sonidos de cristales o cuchillos ejercen no sólo de ad-libs sino también de contrapuntos– en la complejidad compositiva –no ya de canciones como ‘Malamente’ o ‘Pienso en tu mirá’ sino también en las que aparentan ser más tradicionalistas como ‘Que no salga la luna’ o ‘Di mi nombre’–, la experimentación de ‘De aquí no sales’ y las apasionantes modificaciones de escalas, compases y armonías que nutren este disco.
Pero, de forma igualmente interesante, Altozano también lanza una reflexión sobre por qué es tan importante su irrupción en el pop español y lo que su alcance internacional supone para toda una generación de creadores nacionales, una teoría muy interesante sobre las críticas que parecen despertar las loas hacia su figura –básicamente, lo equipara con el “terraplanismo”, que “surge de la falta de contacto y experiencia con cómo funcionan de verdad estas cosas”– y, al fin, también cuestiona las acusaciones de apropiación cultural, poniendo en la mesa una afirmación tan lógica como contundente: “cuando la gente cuestiona si una catalana puede hacer flamenco yo pienso en los estimados 50.000 estudiantes que puede haber en Japón”. Para Jaime, en fin, “Rosalía está creando un puto universo” y “nos está abriendo las puertas a todos nosotros”.
Rosalía, por cierto, ha colgado hoy en sus redes sociales un vídeo dando las gracias por la acogida a ‘El mal querer’ a bordo de un avión que la llevaba a Las Vegas para estar presente en la gala de los Grammy Latinos que se celebra el próximo jueves, 15 de noviembre. Rosalía es (tras J Balvin, con 8) la 2ª artista que opta a más nominaciones de esta edición, presente en 5 categorías (por delante, por ejemplo, de Pablo Alborán, que tiene 3). Dado que se consideran grabaciones entre el 1 de julio de 2017 y el 31 de mayo de 2018, todas ellas son para ‘Malamente’, no para su nuevo álbum. Días atrás se ha confirmado que Rosalía también actuará en vivo durante la gala. Y en otro plano espacio-temporal, hoy por fin se ha anunciado a Rosalía como candidata a entrar en la lista de Los 40 Principales con ‘Malamente’, ese single de hace casi seis meses.
En la actual bonanza de programas de música en directo en televisión –sin querer ser agoreros, felicitémonos, porque no sabemos cuánto podría durar–, anoche ‘Sesiones Movistar+‘ emitía su programa dedicado a Viva Suecia, casualmente en la semana en la que les era otorgado en los MTV EMAs el premio al mejor grupo español 2018 ante rivales del tirón popular de Rosalía o Love of Lesbian.
En el show presentado por Arturo Paniagua, el cuarteto murciano interpretó hasta seis canciones de su repertorio, comenzando por ‘Bien por ti’, ‘Casi todo’, ‘A dónde ir’ y ‘Amar el conflicto’ para, después de la entrevista del periodista musical, culminar con sus hits ‘El nudo y la esperanza’ y ‘Hemos ganado tiempo’. Lo más sorprendente de su aparición, sin embargo, fue que reivindicaran a un grupo frecuentemente denostado por anteriores generaciones del mundo indie como son Héroes del Silencio. Llevando a su terreno la célebre ‘Sirena varada’ –puedes ver un fragmento aquí debajo– demostraron su personalidad y, también, que en lo comercial están listos para dar el salto al nivel indiemainstream de Vetusta Morla e Izal. El programa ya está disponible en VOD para todos los abonados de esa plataforma digital.
Si hay un grupo que haya despegado en las dos últimas temporadas esos son Viva Suecia. Su segundo largo ‘Otros principios fundamentales‘, editado por Subterfuge en 2017, ha sido su espaldarazo definitivo tras un sólido debut, ‘La fuerza mayor‘, al que llegaron tras años de trabajo. Este disco les ha llevado no sólo a ofrecer docenas de conciertos este año por toda España –el próximo, el 17 de noviembre en Cáceres– y a tener que doblar fechas en La Riviera de Madrid para el año que viene –tras vender todo para el 28 de marzo, han abierto una nueva fecha el día 27, para la que aún hay entradas–, sino también a extender sus cotas de popularidad hasta Sudamérica –cuando les dieron el premio MTV estaban en Medellín, y ya tienen programadas fechas en México para 2019–. Pero no han tocado techo comercialmente, ni tampoco en el plano artístico: sus dos canciones publicadas como singles entre álbumes este año, ‘Amar el conflicto’ y la colaboración con Rufus T Firefly ‘Hoy empieza todo’, les muestran en un estado de forma excelente.
Como sabíamos gracias a una entrevista ofrecida por Nicola Roberts –de la que nos hacíamos eco cuando Jaime Cristóbal recuperaba su fantástica ‘Lucky Day‘–, la pelirroja había estado trabajando en la composición del nuevo álbum de su amiga y compañera en el girl-group Girls Aloud, Cheryl Tweedy (también conocida como Cheryl Cole, apellido que adoptó cuando estuvo casada con el futbolista Ashley Cole).
Ese disco, decía Roberts, contendría algunas canciones en las que Cheryl verbalizaría sus decepciones amorosas, siendo la última de ellas bien sonada: después de conocerse allá por 2008 en el Factor X británico, ella como jurado y él como concursante, en 2015 entabló una relación con el ex-One Direction Liam Payne, con el que tuvo un hijo en marzo de 2017 –Bear, «oso», han tenido los bemoles de llamar al chiquillo– para romper a finales del pasado mes de junio –pocas semanas después de que acallaran los rumores de crisis apareciendo juntos en los Brits en los que Este Haim troleó a la pareja–.
Así, tras contarle a Jessie Ware en el podcast que esta mantiene que está harta de fracasar en lo sentimental y que para ella el único hombre en su vida es el pequeño «Oso», es imposible no pensar en Liam cuando en el nuevo single estrenado ayer, ‘Love Made Me Do It’, canta en el pre-coro: «Ay, Dios mío / Soy tan imbécil / Me enamoro de todos los cabrones / Pero no me arrepiento, no / porque…» y comienza el estribillo en el que culpa al amor de todo. «Debería usar la cabeza / porque el corazón realmente la ha cagado / El amor me obligó a hacerlo», dice.
Pero, más allá del componente morboso-rosa, ‘Love Made Me Do It’ es una buena canción pop escrita por un amplio equipo en el que destacan Natasha Bedingfield (sí, la de ‘Unwritten‘) y la ya citada Nicola, con una producción de The Invisible Men (responsables de los hits del debut multinacional de Iggy Azalea, ‘Work’ y ‘Fancy’ incluidos, así como temas de Anne-Marie o Bebe Rexha) que llama la atención por su exquisito minimalismo –en cierto sentido y salvando las distancias, la primera impresión remite al estilo de ‘Faith’ de George Michael– y por alejarse de las últimas tendencias pop, de manera tremendamente refrescante.
Eso quizá no la lleva a conseguir un éxito rápido, pero sí podría garantizar la pervivencia de ‘Love Made Me Do It’ más allá de la dictadura de los charts. Su vídeo combina imágenes de coreografías a contraluz con primeros planos de su rostro en los que, coincidiendo con las frases más llamativas de su letra, da rienda suelta a su gestualidad interpretativa de manera bastante cómica. Por todo eso, impacta descubrir la saña con que se la ataca en los comentarios del clip en Youtube, esgrimiendo como crítica que tiene «demasiada cirugía». No queremos pensar que, sencillamente, se trate de directioners escocidos por el supuesto ataque a Liam que, por lo leído, no se da por aludido y ha felicitado públicamente a Cheryl por la canción. Un regreso que como mínimo despierta interés de cara a ese quinto álbum en solitario de la artista, 4 años después del tibio ‘Only Human‘.
Una de las noticias musicales más felices de 2018 es, con toda seguridad, la reaparición de Sade, proyecto comandado por la británica Sade Adu que ha tenido una de las carreras más estimulantes y sólidas –cualidades combinadas con un enrome éxito comercial, sobre todo a finales de los 80 y primeros 90– de las 3 últimas décadas. En los últimos días del pasado invierno se presentaba ‘Flowers of the Universe‘, un tema inédito que el grupo prestaba para la banda sonora de la película ‘Un pliegue en el tiempo’. Y hoy volvemos a descubrir otra nueva canción y, de nuevo, gracias a una película.
Se trata de ‘The Big Unknown’, canción principal de la BSO del film ‘Widows’ (‘Viudas‘). Se trata de una adaptación cinematográfica de una serie británica del mismo título, que dirige Steve McQueen (ganador de dos Oscar por ‘12 años de esclavitud‘) y protagonizada por Viola Davis, Michelle Rodriguez, Robert Duvall y Colin Farrell, entre otros. La canción, compuesta por Adu y su colaborador habitual Ben Travers (que también produce), es una balada guiada por pinceladas de piano y una seca caja de ritmos que remite a la época ‘Lovers Rock’ –salvo que no suena muy dub–, a los que se van sumando delicados arreglos de guitarra y cuerdas. El tema, tras aparecer ayer por la mañana en Spotify para después esfumarse, reapareció a última hora del día junto con el lyric-video del tema, protagonizado por la citada Viola Davis –la letra parece especialmente ideada para retratar el viaje personal de la actriz en el film– en escenas de la película, que se estrena el 30 de noviembre.
Aunque algo genérica en lo melódico, se trata de una pieza de música exquisita a la altura de su historia, que sin duda alimenta la esperanza de que ese nuevo trabajo discográfico que, según aseguró el fundador del grupo Stuart Matthewman semanas atrás, ya está en ciernes.
Fickle Friends (los ingleses Natassja Shiner, Jack Wilson, Harry Herrington, Chris Hall y Sam Morris) acaban de publicar el EP de tres pistas ‘Broken Sleep’, y además este sábado tocan en la sala Razzmatazz de Barcelona, por lo que no puede haber mejor momento para recuperar el disco que han publicado este año, ‘You Are Someone Else’. El álbum llegaba el pasado mes de marzo, aunque Fickle Friends se formaron en realidad en 2013, año en el que empezó a despuntar un grupo al que se parecen mucho y con el que comparten productor, The 1975.
El título del debut de Fickle Friends procede de una de sus mejores canciones, ‘Brooklyn’, que aunando melodías y guitarras tipo Haim con voces distorsionadas a la moda, pero que su vez remiten al ‘Respectable’ de Mel & Kim (una idea que vuelve a aparecer en ‘Heartbroken’), da una idea clara de en qué periodo de los 80 nos encontramos al escuchar este disco (por si no quedaba claro por la portada de que nos encontramos en esta década y no en otra). Son los 80 de Bananarama, Duran Duran, The Bangles y Belinda Carlisle y por tanto los mismos recuperados en tiempos recientes por Shura, Haim, MUNA o Ralph, aunque Fickle Friends se inclinan más que todas ellas por el hit pop tamaño estadio, como demuestra el “you’re not alone” de la potente ‘Bite’.
Con frecuencia los británicos son capaces de componer singles tan obvios y certeros como ‘Wake Me Up‘, que habla sobre “despertar” ante la realidad de una relación insalvable; el dinámico ‘Glue’ o la boba ‘Hello Hello’, pero también de canciones olvidables como ‘In My Head’, ‘Paris’, ‘Rotation’ o las dos últimas pistas del disco, que a su lado hacen parecer obras maestras las canciones buenas. No se entiende por el qué grupo decide incluir en ‘You Are Someone Else’ canciones tan prescindibles cuando el grueso del álbum es más que digno, ¿quizás ellos también quieren beneficiarse de las maravillas del streaming? ¿O será que realmente están orgullosos tanto del hitazo que es ‘Glue’ como de una canción que no podría pasar más desapercibida como ‘Rotation’?
Haciendo uso de sintetizadores más marcados que en el resto de temas, el grupo sorprende en ‘You Are Someone Else’ con la funky ‘Lovesick’, cuyos gordos lametazos de guitarra remiten a Prince, y con ‘Hard to Be Myself’, que siguiendo un estilo muy parecido al resto del disco, presenta no obstante su estribillo más emotivo pese a su final “what the fuck”. Es difícil enfrentarse a 16 canciones seguidas de ‘You Are Someone Else’ debido a su secuencia irregular, pero las maravillas del streaming pueden resolver el problema y lo cierto es que Fickle Friends, cuando atinan, son capaces de verdaderos pelotazos pop como los mencionados. Habrá que seguirles de cerca.
Calificación: 6,7/10 Lo mejor: ‘Wake Me Up’, ‘Glue’, ‘Bite’, ‘Hard to Be Myself’, ‘Brooklyn’ Te gustará si te gusta: Shura, MUNA, Ralph, Carly Rae Jepsen, The 1975 Escúchalo:Spotify
Parte de la redacción evalúa el último hitazo (ya supera los 50 millones de streamings solo en Spotify y en menos de una semana) de Ariana Grande, ‘thank u, next‘.
«No me habría cambiado por Ariana Grande este año. Ni el pasado tampoco. Por eso es tan grandioso que la cantante se haya sacado de la manga, justo ahora, este feliz tema que pasa de «R&B graciosete a lo Mariah Carey» a himno sublime cuando atiendes a la letra. Al principio parece un tema de recordatorio y agradecimiento a ex pasados como también lo fue el precioso ‘Unsent‘ de Alanis… pero este es en verdad un tema de autoafirmación y amor a uno mismo que hace el mejor uso posible de ese «NEXT» que ha inundado en los últimos años sitcoms, gifs animados y conversaciones privadas, incluso en castellano, cuando hace falta quitar hierro a algo. Me da un poco de rabia que esto haga olvidar temas suyos de este año más ricos y con más matices como ‘God Is A Woman‘ y ‘no tears left to cry‘, pero bueno… Next!» Sebas E. Alonso.
«No deja de ser romántico que Grande vaya a conseguir uno de los mayores éxitos de su carrera con una canción que parece de sus dos primeros discos. ‘thank u, next’, título cuyo impacto en las redes sociales puede convertirlo en un lema vital para millones de personas (si no lo ha hecho ya) aúna una base típica de R&B contemporáneo que podría ser de Drake con una melodía alegre y muy girl-group en el estribillo que Grande ha tenido a bien representar en directo con una referencia a ‘El club de las primeras esposas’, la famosa comedia protagonizada por Goldie Hawn, Bette Midler y Diane Keaton sobre tres mujeres que buscan vengarse de sus ex. Sin embargo, el mensaje último de ‘thank u, next’ no es de venganza en absoluto, sino de gratitud hacia las cosas que te ha enseñado la vida, aunque no hayan sido buenas, y sobre todo de amor y respeto a uno mismo. Es probablemente el mensaje más sano e importante emitido por un éxito pop en mucho tiempo». Jordi Bardají
«Vaya por delante que ‘thank u, next’ es una canción monísima de R&B a la usanza de los 90 –Mariah Carey parece una referencia de nuevo inevitable para Grande– y que el buenísimo humor y la fuerza de espíritu que demuestra Ariana en su letra es para llorar (habría que vernos a algunos después de lo que esta chica ha pasado en menos de 2 años). Pero también debo decir que no puedo esconder cierta rabia por que esta canción, que musicalmente es pegadiza, divertida pero algo anacrónica y falta de fuerza, llegue a eclipsar a dos de las cumbres de la música pop en 2018, como son ‘no tears left to cry’ y ‘God is a woman’, más potentes y valientes. Porque, ¿hasta qué punto el público que se acerca a esta canción no está obviando su precioso mensaje y sólo se quedan con el morbo de que sea una letra sobre sus exnovios?» Raúl Guillén
El estadounidense nacido en Viena James Hersey pegó un pelotazo el año pasado con una canción llamada ‘Miss You’ que colocó en radios y supera los 100 millones de reproducciones en Spotify a nivel global. Ahora vuelve con un nuevo EP llamado ‘Innerverse’ que saldrá a finales de este año con la producción de su colega narou, con el que ha trabajado en su estudio de Berlín. Se han adelantado ya las canciones ‘Real for You’ y ‘Let Go’, que habla sobre la importancia de la amistad.
Aprovechando su visita a Madrid, pues es telonero en la Sala But (OchoyMedio) de Metric este sábado 10 de noviembre a eso de las 20.30, hemos pedido a Hersey una playlist sobre los temas que le han inspirado últimamente. Su respuesta es una lista que, al menos en gran parte, huye de canciones típicas y nombres comunes o, incluso cuando recurre a ellos, ofrece otra visión. Aparecen Bon Iver, Cigarettes After Sex, Phoenix, Chance the Rapper o Julia Michaels, pero no con sus temas más sobados; nos recuerda la grandeza de aquel disco de Andy Shauf o nos introduce a los sudafricanos Beatenberg o al pop jazzy de Tom Misch. Debido a su ascendencia austríaca, incluso hay espacio para un artista de este país, Yung Hurn, estratégicamente secuenciado entre Khalid y Chance the Rapper, enseguida entenderéis por qué.
En conjunto una deliciosa música para una tarde de fin de semana, muy vinculada a su propio sonido entre el minimalismo y el R&B moderno (Gotye o Lorde pueden venir a la mente), que os recordamos podéis disfrutar este sábado en directo (entradas, aquí).
‘Ithaca’ – Beatenberg
‘Movie’ – Tom Misch
‘715 CREEKS’ – Bon Iver
‘To You’ – Andy Shauf
‘Affection’ – Cigarettes After Sex
‘Saved’ – Khalid
‘Gefühle an dich in einer Altbauwohnung’ – Yung Hurn
‘Blessings (2)’ – Chance The Rapper, Ty Dolla $ign, Anderson .Paak, etc.
‘Love Like a Sunset Part II’ – Phoenix
‘Worst In Me’ – Julia Michaels
“¿Hasta dónde estarías dispuesto a llegar por tu hijo?” es la pregunta que nos lanza el eslogan de ‘Tu Hijo’… pero realmente ésa no es la pregunta que nos hace la nueva película de Miguel Ángel Vivas. O, al menos, no la única. Es una pena que la saga de ‘Venganza‘ venga (jé) a la mente de muchos cuando lean la sinopsis o vean el trailer, porque no tienen nada que ver, y probablemente eso espante a más de uno: si es tu caso, te recomiendo que entres a ver esta historia sin prejuicios (y que evites a toda costa los spoilers como si esto fuese ‘Perdida‘), porque te vas a sorprender mucho. Y para bien. Jaime (José Coronado) es un médico padre de familia cuya vida da un giro de 180º cuando su hijo (Pol Monen) recibe una brutal paliza que le deja en coma y, desesperado al no encontrar respuestas ni justicia, decide buscar ambas con sus propias manos… de forma cada vez más literal. Pero esta producción de La Claqueta y Apache Films no tiene en ningún momento la pretensión de convertir a José Coronado en un Liam Neeson patrio, ni en emular los papeles de héroe/antihéroe de acción que tan bien defiende el madrileño; es otra la historia que quiere contar el guión escrito por Vivas junto a Alberto Marini.
¿Y qué quiere contar? Vivas, que describe el film como “una crítica a la masculinidad mal entendida”, define a su protagonista como un hombre del s. XX que no ha comprendido el s. XXI: “y el problema es que hay una serie de personas con cargos importantes en la misma situación… en realidad, ninguno de nosotros ha superado el s. XX, esa herencia está ahí”. No es casualidad que la película interpele tanto al espectador: desde el mismísimo título hasta la interpelación ya literal que, en el preestreno de Sevilla, el director hizo a los hombres presentes entre el público. “Jaime sois vosotros”. Porque, sin desvelar giros, la llaga donde Miguel Ángel Vivas mete el dedo no es tanto el hecho de que un padre podría hacer de todo por su hijo (que también), sino hasta qué punto los padres conocen a sus hijos, qué valores les transmiten a sus hijos, qué valores tienen a la hora de la verdad… y aquí es donde entran los valores asociados al constructo tóxico de masculinidad. Esa masculinidad que te hace reprimir tus emociones (“no te he visto llorar”, le dice el personaje interpretado por Asia Ortega) hasta que se enquistan y salen, como el pus, cercanas a la putrefacción. Por todo esto tiene un sentido la que podría ser una de las principales críticas al film -y que, sin duda, en otro contexto lo sería-, la poca presencia de las mujeres: se puede pensar que Ana Wagener está desaprovechada (eso sí, en las pocas ocasiones en que sale, está fantástica), y que en general los personajes femeninos de la película adoptan un papel sumiso, casi la “lámpara con post-it” del famoso test, frente a la abundante toma de decisiones y a las acciones de los personajes masculinos. Peeeero es que esa es la cosa: todo esto tiene un sentido simbólico con el final, y ya se encargan de dejarnos guiños en las primeras secuencias que comparte Jaime con su hija y su esposa.
Por supuesto, Coronado es el principal “culpable” de que ‘Tu Hijo’ sea el peliculón que es, con una de las interpretaciones más brutales e interesantes de su carrera. Una interpretación llena de detalles y basada mucho más en los crescendos y en la sutilidad -decidme que no le estaba dando una hostia con la mirada al dueño de la discoteca- que en lo excesivo. El prometedor (realmente podemos quitarle ya ese adjetivo, ¿no?) Pol Monen también hace un estupendo y complicado trabajo, tanto por las pocas escenas como por las energías tan distintas que debe transmitir, y ambos actores consiguen una química padre-hijo real y hasta tierna (el barcelonés comentaba en una entrevista que la intención era evitar que quedase pastelosa, y lo han conseguido). En cuanto al resto del reparto, de Luis Bermejo poco hay que decir a estas alturas, y los más jóvenes también están a ala altura de lo requerido: Asia Ortega especialmente natural, Sergio Castellanos demuestra que lo visto en ‘La Peste‘ no fue un espejismo, y de Ester Expósito no me sorprendería una nominación al Goya como mejor actriz revelación.
La otra gran baza de ‘Tu Hijo’ es la construcción de una atmósfera cada vez más asfixiante, a lo que contribuyen los planos secuencia, el acertado uso de la música, la importancia (de nuevo) de los detalles en aspectos tan tontos y a la vez tan cruciales como cierto bloqueo del móvil, un guión que nos hace empatizar y sufrir con Jaime a cada putada que se le presenta, o los desenfoques del resto del plano cuando le seguimos. Vivas ya demostró su habilidad para mantenernos en tensión con ‘Secuestrados‘, pero aquí se supera, entregando una película que evidentemente no es perfecta (un ejemplo es el tema del acento neutro en plena Sevilla, no ya con la familia de Coronado, sino con muchos otros personajes, que te acaba sacando de la escena), pero que resulta su mejor película, y una de las mejores propuestas nacionales que se pueden encontrar actualmente en cartelera. Y cuya pregunta no es solo hasta dónde estarías dispuesto a llegar por tu hijo, sino qué valores puedes estar transmitiéndole sin darte cuenta. Y qué tipo de mundo quieres dejarle. 8.
Dido, quien vendiera 22 millones de copias de su primer disco y 12 millones del segundo, naturalmente no tiene ninguna prisa por sacar discos. Su último trabajo hasta la fecha, ‘Girl Who Got Away‘, salió hace ya cinco años, el mismo periodo de tiempo que separa los lanzamientos de ‘Safe Trip Home‘ (2008) y ‘Life for Rent’ (2003). A este último le precede, por cuatro años, su exitosísimo debut ‘No Angel’ (1999).
A finales de 2013 vio la luz el recomendable “greatest hits” de Dido, pero nada más se ha sabido sobre su nueva música hasta ahora. Como puede verse en varios foros, Dido ha visitado las oficinas de BMG en Nueva York para presentar su nuevo álbum, que llevaría por título ‘Still On My Mind’ y saldría a principios de 2019. También ha sido revelada su portada, cuyo diseño corresponde con el nuevo logo de Dido disponible en su página web.
eminem create "stan" sampling thank you by dido, and he invented the term "stan" as the thing that we know today, so y'all better put some respect on her name and stream #DIDO5#StillOnMyMind when it came out pic.twitter.com/xiVcJRjytS
Como se preveía, Ariana Grande ha debutado en el número uno de la lista de éxitos de Reino Unido con su nuevo single, ‘thank u, next’. El tema está arrasando y en menos de una semana (se publicó el pasado sábado por la noche) ha alcanzado 75 millones de reproducciones entre varias plataformas de streaming, por lo que, con bastante probabilidad, debutará también en el número uno en Estados Unidos.
‘thank u, next’ es el primer número de Grande sola en Reino Unido, ya que sus dos números uno anteriores han sido compartidos, estos son, ‘Problem’ con Iggy Azalea y ‘Bang Bang’ con Jessie J y Nicki Minaj, ambos en 2014. En este territorio, ‘thank u, next’ ha registrado 73.000 “ventas combinadas” en total, lo que incluye 6,7 millones de streamings, desbancando más que holgadamente el anterior número uno, ‘Shallow’ de Lady Gaga y Bradley Cooper, a la segunda posición.
El éxito brutal de ‘thank u, next’ por poco nos está haciendo olvidar que Grande continúa comprometida con la promoción de su nuevo disco, ‘Sweetener‘, que se publicó hace nada, en agosto. De hecho, Grande tiene otros dos singles en la lista británica pertenecientes a este álbum, ‘breathin’ (46), que ha llegado a ser top 8; y ‘no tears left to cry’, (74), que ha llegado a ser top 2. Pronto publicaremos nuestro veredicto sobre ‘thank u, next’.
Los Javis podrían protagonizar un reality, informa FórmulaTV citando a los medios Yotele y TVienes. El programa, producido por Gestmusic, retrataría la vida cotidiana de Javier Calvo y Javier Ambrossi en el estilo de ‘Alaska y Mario’, ‘Algo pasa con Ana’ y demás realities protagonizados por celebridades de nuestro país.
Recientemente, Los Javis han vuelto a la Academia de Operación Triunfo como profesores de interpretación, tal el polémico despido de la actriz Itziar Castro. Gestmusic es la productora del programa de talentos musical, por lo que no sorprende que busque realizar nuevos proyectos con los cineastas, que no solo forman una pareja artística sino también personal, precisamente como Alaska y Mario.
El regreso de Los Javis a la Academia es uno de los varios proyectos que ocupan a los directos de ‘La llamada’ actualmente, entre los que se encuentran, también, el rodaje de la tercera temporada de ‘Paquita Salas‘ tras el éxito de la segunda, y el de una nueva serie llamada ‘Terror y feria’.
Kanye West y 6ix9ine han abandonado esta noche el rodaje de un videoclip en una mansión de Beverly Hills tras ser esta, supuestamente, el blanco de unos disparos por parte de un tirador anónimo. TMZ informa que uno de estos disparos ha llegado a atravesar una de las ventanas de la mansión, pero sin alcanzar a ninguna de las personas presentes.
Según TMZ, la policía de Beverly Hills ha recibido una llamada telefónica sobre las 22.25 de la noche, por parte de una persona involucrada en el rodaje, informándole de los disparos, que habrían sido un total de 8. Se sospecha que el tirador ha actuado desde un coche, pero se desconoce si con intención de que estos disparos alcanzaran a alguna persona en particular presente en el set de grabación.
West y 6ix9ine (el también rapero Daniel Hernández) se encontraban rodando, en una de las mansiones más caras de Beverly Hills, el videoclip del nuevo single del segundo, que además incluye la colaboración de Nicki Minaj. La autora de ‘Queen‘ no había llegado al rodaje cuando ha ocurrido el incidente, que ha dejado al equipo aturdido, según informaciones del tabloide norteamericano. El rodaje ha sido interrumpido mientras la policía realiza las investigaciones pertinentes.
Backstreet Boys, protagonistas de unos de los documentales musicales más recomendables de Netflix, han anunciado nuevo disco, ‘DNA’, y la gira mundial que realizarán para presentarlo les traerá a España. Actuarán el 13 de mayo en el WiZink Center de Madrid y el 17 de mayo en el Palau Sant Jordi de Barcelona. Las entradas saldrán a la venta el próximo 16 de noviembre, mientras el álbum, el décimo de su carrera, llegará a las tiendas el 25 de enero.
Los intérpretes de ‘Everybody’ y ‘I Want it That Way’ ya no son el fenómeno que fueron a finales de los 90 y principios de los 2000, pero sí puede decirse que su música ha evolucionado con el tiempo, a menudo dejando singles tan certeros como ‘Incomplete’, ‘In a World Like This’ o ‘Permanent Stain’ y como demostraba de hecho su reciente single ‘Don’t Go Breaking My Heart’, publicado hace más de un año que les acercaba a los terrenos más synth-poperos de Carly Rae Jepsen, Katy Perry o Robyn.
Y para muestra que Backstreet Boys no han tenido problema en adaptarse a los nuevos tiempos, su nuevo single, ‘Chances’, está compuesto por Ryan Tedder y el mismo Shawn Mendes que es hoy es una de las mayores estrellas adolescentes del momento. A pesar de lo que sugieren estos dos nombres, ‘Chances’ es también bastante synth-popera, aunque en este caso no olvida la presencia de las guitarras marca de la casa. Sí, podría haber sido un single de Shawn Mendes.
Un año después de ‘Mysteries of Love‘, la canción de Sufjan Stevens para ‘Call Me By Your Name’ por la que fue nominado a un Óscar, el cantautor norteamericano sigue sorprendiendo a sus seguidores durante la época navideña. Ahora ha publicado una canción que lleva inédita más de 10 años y que tiene una historia especial.
Stevens compuso ‘Lonely Man of Winter’ en 2007 como parte de su (ya no tan) habitual “intercambio de canciones navideñas”, a través del cual literalmente intercambiaba canciones con sus fans. El ganador del intercambio aquel año fue Alec Duffy con ‘Every Day is Christmas’, y el músico recibió una canción nueva de Stevens compuesta para la ocasión llamada ‘Lonely Man of Winter’, que en lugar de publicar en internet decidió mantener en privado. Después celebró “listening sessions” por Estados Unidos y Europa para mostrársela a los seguidores de Stevens que quisieran escucharla, pero la canción jamás había estado disponible en la red hasta ahora, cuando Ashmattic Kitty ha decidido publicarla.
La versión original de ‘Lonely Man of Winter’ ha llegado ahora a Spotify junto a una versión nueva que incluye la voz de Melissa Mary Ahern, y también junto a ‘Every Day is Christmas’ de Alec Duffy. El motivo por el que Stevens, Duffy y compañía han decidido finalmente publicar este tesoro antes inédito de Stevens es JACK, la organización de la que Duffy es director que busca apoyar a artistas, y para la que el músico ha querido recaudar dinero. El single sale también en vinilo el 9 de diciembre, en una edición limitada de 7″.
Una vez más, esa realidad paralela que es Twitter nos ha dado una de las mayores alegrías de el díala semanael mes la vida. Y es que nos ha descubierto el auténtico portadón que luce uno de los nuevo singles del participante en la 1ª edición de Operación Triunfo, cantante, empresario y polemista a tiempo parcial Juan Camus, titulado ‘Ni un segundo más’. En ella, vemos a un gran tiburón blanco al más puro estilo del de Spielberg, que emerge entre grandes olas para mostrar que lleva ¿tatuadas? sobre su piel las palabras «bullies», «trolls» y «haters», justo en el instante en el que está a punto de devorar unos cartuchos de dinamita con la mecha prendía.
La canción pretende ser un «tema dance antibullying, antihaters y antitrolling para aquellas personas que, como yo, lo hayan sufrido en algún momento. (…) A los aludidos, lo dicho, NI UN SEGUNDO MÁS!» Eso explicaba en un tuit del día 7 de octubre donde anunciaba la publicación de este single la pasada semana, acompañado de una versión en italiano de ‘Ave Maria’ –tendría guasa que fuera la de Bisbal… pero no, es la de Schubert– que tiene como objeto, al loro, «rezar por ellos» (refiriéndose a los malos a los que se dirige su otro tema, claro).
El caso es que, por increíble que parezca, la Internet ha tardado más de un mes en descubrir esta desternillante joya (me refiero a la portada, no a la canción, malpensados) pero, cuando lo ha hecho, ha explotado a lo grande, convirtiéndose en trending topic. Entre numerosos usuarios que se vanaglorian de haber sido bloqueados por el triunfito (¿quizá mostrando la motivación del single?), también hay quienes, como El Hematocrítico, asegura que acaba de superar a la del ‘Sgt. Pepper’s’ como la mejor de la historia, Borja Prieto lo califica de «masterpiece», mientras que otros usuarios piensan que están ante la aportación de Camus a la BSO de la nueva franquicia de ‘Sharknado’. Llorando en la limo estamos…
He escrito y producido este tema dance antibullying, antihaters y antitrolling para aquellas personas que, como yo, lo hayan sufrido en algún momento. Disponible el 1 de Noviembre en todas las plataformas digitales. A los aludidos, lo dicho, NI UN SEGUNDO MÁS! #antibullyingpic.twitter.com/bPb30XeqBn
Que se pare el mundo! Tras Velazquez, Goya, Picasso y Van Gogh, llega la portada de Juan Camus que cambiará la historia del arte. pic.twitter.com/DARHU7S40J
En el verano de 2013 los británicos These New Puritans lanzaban ‘Fields of Reeds‘, un tercer largo que aproximaba su experimentación rock a territorios propios de la neoclásica, tras el atinado volantazo estilístico hacia el artrock que supuso el gran ‘Hidden‘ (2010). Sin embargo, y extrañamente, nada más se ha sabido de ellos… hasta ahora.
Y es que el grupo comandado por los hermanos Jack y George Barnett estrenaba esta semana en The Fader (y hoy ya está disponible en plataformas de streaming) su primer single en 5 años. Se titula ‘Into the Fire’ y, por un momento, parece irrumpir en territorios del pop rock convencional… pero es sólo por un momento, porque en cuanto irrumpen las percusiones y el piano –elemento fundamental en su música–, llega la oscuridad y las disonancias, a las que contribuye el afamado David Tibet, alma de uno de los grupos experimentales más fundamentales de los 80, Current 93. Curiosamente, nunca se pierde cierta luminosidad, en su estructura casi convencional.
Y es que, según avanzan los Barnett al medio británico, su nuevo disco es «impactante» y «brutal y bello al mismo tiempo». También cuentan que el grupo vuelve a constar básicamente de ambos músicos (con Jack viviendo en Berlín desde que terminaron su última gira), por lo que ellos han hecho el papel de «20 músicos» para este trabajo, del que ‘Into the Fire’ es apenas «el giro del picaporte de la puerta» que lleva al nuevo espacio que han abierto.
Después de haber vivido un exitoso debut este año 2018, Cooltural Fest acaba de anunciar ya su próxima edición 2019. Se trata de un evento musical auspiciado por el Ayuntamiento de Almería que el pasado mes de agosto reunió a artistas nacionales del tirón de Izal, Carlos Sadness, La M.O.D.A., Iván Ferreiro, Sidonie o Rufus T Firefly. Su apuesta está clara: reunir las propuestas del pop rock alternativo patrio más exitosas en directo. Así que su nueva edición, continúa en esa línea.
Vetusta Morla –que parece que este año son apuesta imprescindible de casi cada festival del país–, Second, DePedro, Nunatak, Los Invaders y Embusteros están entre los grupos que actuarán en el escenario principal de Cooltural Fest. Este se complementa con dos escenarios más, uno de «Playa», que acogerá propuestas no tan mayoritarias pero tan interesantes como Arizona Baby y Joana Serrat, y otro de «Ciudad», donde encontraremos a Perro y Tu Otra Bonita. Estos son sólo los 10 primeros nombres de los aproximadamente 40 que promete la organización.
Celebrado en plena fiestas mayores de la ciudad andaluza, los días 16, 17 y 18 de agosto de 2019, Cooltural Fest ha anunciado que ampliará su recinto de conciertos en más de 10.000 m2, de modo que mejorará la zona de descanso y restauración. Los abonos, con un precio general de 29,90 € + gastos (existen también abonos VIP), están ya a la venta en su web.
Después de los discretitos resultados de ‘Dinero‘, single que contaba con co-protagonistas como Dj Khaled y Cardi B, Jennifer Lopez parece dispuesta a dar con un nuevo pelotazo comercial con ‘Te gusté’. Y nadie como Bad Bunny para hacerlo en el mercado del nuevo pop urban por el que la intérprete de ‘On The Floor’ ha apostado claramente este año con singles como ‘El anillo‘ (que ha funcionado relativamente bien, contando con una nueva versión posterior junto a Ozuna) o el citado ‘Dinero’.
‘Te gusté’ es un tema de hip hop lento que encaja perfectamente en el estilo del rapero puertorriqueño –no en vano, han participado en su producción Mambo Kingz, autores de bases del Conejo Malo como las de ‘Amorfoda‘ o ‘Sensualidad‘–. En ella, Bunny emplea con JLo la clásica táctica para ligar del machito básico, diciéndole que él sabe que ella se quedó prendada de él en cuanto le vio. Pero, lejos de adoptar una postura dócil, Jenni’ From The Block responde que se sabe «el cuento» y que luego no «duran ni dos minutos». «Pero dime qué más / Tú hablas mucho y no haces na'», espeta Lopez en el estribillo, sacándole los colores al gallito. La canción ha sido presentada con un vídeo protagonizado por ambos en ambiente playero, con JLo luciendo imagen al más puro estilo ‘Corrupción en Miami’.
Aunque parece que Jennifer desechó publicar aquel disco melódico de temas cantados en español del que se habló a finales de 2017, lo cierto es que todos sus últimos singles –con excepción de aquel ‘Us‘ con Skrillex y Poo Bear– han ido estado en sintonía con el estilo de música que más éxito tiene en el mercado hispanohablante y, sí, están todos interpretados en español.
«Deja que la leona en ti fluya libremente». Esto es más o menos el nombre de la canción que cierra el último disco de Yves Tumor, y esto es lo que parece querer decirnos desde esas fotos promocionales (¿las mejores del año?), en las que aparece hecho una fiera, como si estuviera dispuesto a comerse el mundo. O como si se hubiera acabado de escapar del Castillo de If, listo para cobrarse la peor de las venganzas. ‘Safe in the Hands of Love’ es su tercer álbum, pero el primero para el prestigioso sello WARP, hogar de gente tan influyente como Aphex Twin, Boards of Canada o Broadcast.
Throbbing Gristle son según él mismo la influencia más importante en su carrera, algo muy palpable en este disco que fluctúa por tantos estilos y territorios que casi podemos considerar su vía atrevida la que tiene que ver con el pop. Como en la carrera de la banda británica, aquí hay lugar para algo parecido al jazz (‘Faith In Nothing Except In Salvation’ parece una banda sonora de los 60), para la electrónica de diverso origen (‘Lifetime’ bebe del breakbeat de los 90), para el ruido (‘Hope in Suffering (Escaping Oblivion & Overcoming Powerlessness)’) y para cierta concesión rock (en concreto al de los 90 en ese single que comparábamos tan pronto con Avalanches como con Stone Roses, ‘Noid’). Es como si lo verdaderamente provocador en 2018 no fuera hacer un disco como ‘Syro’ de Aphex Twin, sino en un mismo álbum meter una canción tan accesible y maravillosa como ‘Licking an Orchid’… unos pocos minutos antes de algo como la monstruosa y terrorífica «Hope in Suffering».
Y ‘Licking an Orchid’ es una composición realmente maravillosa, gracias a su folkie sección de acordes a la guitarra acústica y a su seco ritmo de batería, casi en la estela de las cajas de ritmo del trip-hop. Yves Tumor aparece en ella realizando un ambiguo papel, pues aunque ha contado con la cantante James K en una estrofa tan bonita como intrigante («he llegado al vientre de nuestra madre buscando un pedazo de ti / recientemente he estado llorando, ¡llorando!»), es él quien adopta un personaje femenino en busca de ayuda. «Por favor, vuelve a casa», entona, tras decir: «puedo ser la única chica para ti / quiero apretarte más fuerte / ¿puedo llevarte a casa? / quiero ser la que te abrace más fuerte / de lo que nadie haya hecho antes». El llanto sonoro que se desgarra a partir del minuto 3 de este corte merece toda nuestra atención.
Aunque en ocasiones las letras parezcan random, tiradas al azar, como es el caso de ‘Noid’ a la altura de “a symptom, born loser, statistic”, esta contiene un mensaje sobre marginalidad, “depresión”, “síndrome de estrés postrumático” y brutalidad policial; y en general, sus textos suelen componerse más bien de mantras repetitivos, breves y abiertos a la interpretación. Los resultados son desiguales, pululando entre la tristeza y el desconcierto. En ‘Honesty’, un tema que reinterpreta el house tan a su bola como la última Róisín Murphy, encontramos humor («te acabo de conocer, pero no puedo vivir sin ti»); y en el R&B reptante de ‘Economy of Freedom’, desconcierto («¿no vas a llorar a mi lado? / están tan cansados de mí»). Pero ‘Recognizing the Enemy’ es algo emo en su sentimiento de culpa, haciéndote preguntar si su inspiración post-grunge es autoparódica («no puedo reconocerme a mí mismo / viviendo dentro de mi propio infierno») o va completamente en serio. Sus entrevistas, entre lo descacharrante y lo ridículo, en las que ni siquiera revela si su verdadero apellido es Bowie o no, no aclaran mucho.
No hay duda de que hay humor y atrevimiento en este álbum. Y ganas de generar inquietud. Porque justo cuando logras recostarte en la locura que contiene ‘Let the Lioness In You Flow Freely’, que podría ser a su directo lo que ‘You Made Me Realise’ es al de My Bloody Valentine… la canción se corta para incluir una outro sampleada de la banda sonora de una película de terror de los años 80, ‘Demon Queen’. Con Jan Haflin sonando celestial en ‘Angelfire’, no sabes si Tumor ha querido llevarte al cielo, al infierno o burlarse de la inexistencia de ambos. Es curioso que se asuma que los discos más personales son aquellos que narran un divorcio o un duelo para un artista, porque ‘Safe in the Hands of Love’ es un disco personal hasta decir basta. Casi en exceso. Como pasa con otros artistas como Ariel Pink o Mac DeMarco, ellos y solo ellos son el nexo de unión en su obra: solo Yves Tumor sirve de enlace en esta amalgama de sonidos que nada tiene que ver entre sí. ¿Estás dispuesta a entrar en su universo?
Yves Tumor actúa este sábado 10 de noviembre en MIRA Festival.
Calificación: 7,9/10 Lo mejor: ‘Licking an Orchid’, ‘Noid’, ‘Lifetime’ Te gustará si te gustan: los artistas que son un género propio por encima de cualquier otra cosa, incluidas las canciones. Escúchalo: Spotify
Como casi cada viernes de septiembre hasta principios de diciembre (las semanas previas a Navidad suelen ser más flojas), estamos ante otra jornada de lanzamientos prácticamente inabarcables. Hoy se lanzan álbumes tan potentes comercialmente como los nuevos de Muse, Imagine Dragons y –para el mercado latino– Mon Laferte. Junto a ellos, los pamploneses Kokoshca, Planningtorock, The New Raemon, cupcakKe, The Wave Pictures, Mow (álbum debut de la madrileña), Lil Peep (disco póstumo), J Mascis, el mini-álbum del trío Cariño, Jonas Blue o Thalía presentan sus nuevos trabajos. La brasileña Anitta y Crystal Fighters publican EPs, además.
En cuanto a singles, la semana es bien abundante también. Si a lo largo de la semana hemos conocido temas de Ariana Grande (el ya exitosísimo ‘Thank U, Netx’), Panda Bear, The Smashing Pumpkins, Dawn Richards o Brisa Fenoy, hoy conocemos nuevas canciones de Foster The People, The Good, the Bad & the Queen, Mucho, Cheryl, Ice Cube, Delaporte & Amatria, These New Puritans, Earl Sweatshirt, Piroshka (proyecto que une a miembros de Lush y Elastica), Regina Spektor, Jose Domingo, HMLTD, Ximena Sariñana, CNCO ft Meghan Trainor & Sean Paul, XXXTENTACION, Billie Marten, Shout Out Louds, Clea Vincent, Postiljonen, Tommy Genesis… y montones más.
Tampoco estamos cojos de álbumes en directo, inéditos, reediciones… Sufjan Stevens lanza un EP benéfico con un tema benéfico inédito (versión original y remix) más un villancico, Sade vuelve a publicar una nueva canción (de nuevo para una película, esta vez para la nueva de Steve McQueen) –la canción de Sade ha desaparecido misteriosamente–, Fleet Foxes publican disco de inéditos de sus primeros años (2006-2009) y Lucius inauguran una serie de 7″ en homenaje al fallecido Richard Swift (en la que también estarán Dan Auerbach, James Mercer). Aunque quizá la mayor sorpresa del día sea encontrar a Rosalía haciendo un dueto en el disco en directo de Niña Pastori, interpretando el tema de esta ‘Cuando te beso’.
Zahara, que se consagrara a lo grande con su tercer disco ‘Santa’ hace un par de temporadas, edita el próximo 16 de noviembre ‘Astronauta’. Hemos conocido el imaginativo single ‘Hoy la bestia cena en casa‘ y el tema ‘Multiverso’, pero quedan muchos grandes temas en el tracklist por descubrir que podrían ser sencillos en el futuro. Hoy se da a conocer el corte llamado ‘Guerra y paz’, que es una nueva grabación junto a Santi Balmes de Love of Lesbian. Una canción con piano clásico, pero también sintetizadores, en la que ahondamos con la misma Zahara. Foto: Miguel Zaragoza.
La cantante nos explica de qué habla el tema: «‘Guerra y Paz’ es una canción que habla de ese momento, al final de una relación, en el que te das cuenta de que la persona con la que estás no es aquella que conociste. Pero no es una canción de echar en cara, en la que uno sea el bueno y otro sea el malo, sino que es una canción en la que los dos pierden. Tiene que ver con las expectativas, con lo que esperamos del otro, con lo que uno al inicio de la relación muestra de sí mismo, también con lo que acaba siendo, y esa necesidad un poco masoquista de intentar recuperar lo que había, sin tener claro si era cierto». Dejando claro que no es una canción de reproche, insiste: «No es lo que le diga él a ella o a la inversa, sino que por un lado, comienza ella diciendo por aquello que estaba pasando y cómo él ya no es quién conoció… pero él también se lo dice a ella. Es, más que echarle en cara a una persona en concreto, reprocharse mutuamente esa falta de sinceridad al inicio de la relación».
«Con Santi ha sido todo muy fácil, tenemos una relación muy divertida, de falso duelo de divas y nos gusta potenciarla, pero a la hora de la verdad somos muy, muy amigos»
La voz de Santi Balmes se suma a la de Zahara, no por casualidad, en los momentos más emotivos («Cómo era el amor que sentías por mí / No consigo recordar» o «Qué voy a hacer con todos los abrazos que hice a medida para ti / Cuándo volverás a ser quién conocí»), si bien también canta su propia estrofa, indicando su visión como ha indicado la artista. Nos revela, sobre la colaboración del líder de Love of Lesbian: «El que esté Santi Balmes para mí fue fundamental, mientras componía esta canción me lo imaginaba todo el rato. Hay una frase que dice «No consigo recordar, no consigo recordarlo, aún no», y para mí su voz, cada vez que llegaba esa parte, aparecía. Yo misma se lo pedí. La verdad es que con Santi ha sido todo muy fácil, tenemos una relación muy divertida, de falso duelo de divas y nos gusta potenciarla, pero a la hora de la verdad somos muy, muy amigos, nos admiramos mutuamente y creo que las veces que hemos cantado juntos siempre ha habido mucha química y algo muy especial, tanto en el escenario como en las grabaciones. Hemos cantado juntos ‘Domingo Astromántico’, en mi disco, hemos grabado ‘Lucha de Gigantes’, y esta será la tercera grabación juntos en un dúo. Yo grabé en Gales, él se grabó en Barcelona, y la verdad es que entendió a la perfección lo que quería transmitir y lo clavó».
Finalmente, Zahara habla de la influencia en la producción del tema: «Musicalmente, la canción obviamente está producida por Mathew Twaites, como todo el disco, esta fue una de las que más se trabajó desde el principio porque es como la balada/tema de corte emotivo-épico del disco, pero no quería volver a repetir una canción como ‘El Frío’, o como ‘Salvaje’ o incluso como ‘Con las Ganas’. Para mí siendo una canción muy triste, melancólica, me gustaba que tuviera un punto pop, y que no perdiera esa esencia dentro de lo dramática o melodramática que puede ser la canción».
Caliza es el proyecto de Elisa Pérez, ex integrante de Rusos Blancos y Cosmen Adelaida, que este año ha publicado su segundo trabajo, ‘Mar de cristal‘. Un disco en el que se combinan el kraut y el synth-pop con los sonidos industriales, en la estela de proyectos como Esplendor Geométrico o Fasenuova. La artista es la nueva invitada de nuestra sección «Meister of the Week», patrocinada por Jägermusic, en la que cada músico escoge un tema más o menos ajeno a su carrera artística para hablar de él largo y tendido. Su elección no ha podido ser más apasionante: se sirve del libro ‘The Manual’ de The Timelords (The KLF), publicado en 1988, que daba las premisas que había que seguir para conseguir un número 1, para ahondar en lo que era la industria musical en aquel año y cuánto ha cambiado esta receta para el éxito seguro a día de hoy. Entre los hits actuales que analiza están ‘Shallow’, ‘Mia’, ‘Teléfono’ o ‘Malamente’. Caliza actúa el 24 de noviembre en el Muelle de Bilbao.
¿Por qué has elegido hablar de ‘The Manual’? Incluso dices que has vuelto varias veces sobre él, ¿qué te parece tan fascinante?
Por un lado es una guía rápida sobre el funcionamiento de la industria musical, y por otro casi un tratado sobre el gusto popular. Todo ello escrito de manera muy divertida, y desde el conocimiento, ya que aparte de haber logrado un número 1 con ‘Doctorin’ The Tardis’, no hay que olvidar que Bill Drummond había sido A&R. Es un libro tremendamente conciso y al grano, muy detallado. Pero detrás de toda esta información práctica se abre un vacío, nunca acabamos de conocer ninguna ventaja de lograr ser número uno, aparte de que tu canción pase a formar parte del imaginario colectivo (que no es poco).
Una de las cosas que comentabas es que el libro te parecía «demoledor», ¿en qué sentido?
Te explican cómo conseguir el número 1 pero no con qué fin. Empiezan refiriéndose a ello como una aspiración infantil, y te aseguran que aparte de ese número 1 no hay nada, ni fortuna infinita, ni fama permanente, y el sexo seguirá siendo un problema. También cuentan que la estrella en cuestión está continuamente tratando de esconder sus inseguridades ya que se considera a sí misma un fraude que en cualquier momento puede ser destapado. A pesar del tono de mofa y todo eso, en todo momento muestran la más profunda admiración por los éxitos gloriosos del pop que han conmovido a generaciones y generaciones, pero me da la sensación que lo único digno de admiración no es precisamente el artista sino la canción en sí, que pasa a ser un bien colectivo.
¿Cómo ha llegado el libro a tus manos? ¿Tienes alguna edición física? Parece bastante cotizado en Ebay y Amazon hay copias por 130 y 150 dólares.
Pues lo he leído online, como casi todo lo que hicieron The KLF está totalmente descatalogado por los cauces oficiales, pero se puede encontrar íntegro en internet.
(Según The Manual), «si tienes un grupo has de disolverlo, ya que las bandas no llegan al número 1 a no ser que sean marionetas. Como mucho un dúo»
¿Cómo resumirías la tesis del libro para aquellos que no sepan de qué va? ¿Es cierto que parte de la base es que tienes que ser pobre para escribir un número 1?
En ‘The Manual’ The KLF te explican paso a paso cómo lograr un número 1 en el Reino Unido en 1988, creo que en cinco semanas. Cómo encontrar un estudio y qué características tiene que tener, qué clase de canciones copiar y hasta qué punto copiar (recomiendan poseer la autoría para no renunciar a los derechos), cuál debe de ser exactamente la estructura de la canción y cuánto debe durar, qué debes de hacer tú y qué delegar, qué servicios tendrás que contratar (abogado, contable, distribución, equipo de ventas, etc), cuánto te va a costar… Al final, lo que te cuentan es cómo funciona la industria musical en un determinado momento y lugar, y qué función cumple la música comercial en la sociedad.
No es imprescindible ser pobre pero sí recomendable. Si no tienes un duro te tendrás que endeudar hasta el cuello y por ello te tendrás que esforzar más que nadie, ya que todo dependerá de ese número 1. A cada paso que das te endeudas un poco más, y al final del proceso acabarás debiendo 20.000 libras. También es recomendable no tener conocimientos musicales de ningún tipo, ni creerse un buen cantante, ya que el ego del cantante hace imposible su objetividad. Si tienes un grupo has de disolverlo, ya que las bandas no llegan al número 1 a no ser que sean marionetas. Como mucho un dúo.
«La estrella en cuestión está continuamente tratando de esconder sus inseguridades ya que se considera a sí misma un fraude que en cualquier momento puede ser destapado»
También nos has comentado que considerabas el libro «divertido», ¿puedes contar un par de cosas que te lo hayan parecido especialmente?
El tono general del libro es bastante irreverente. Por lo general te piden que le eches morro a todo, andes pidiendo dinero constantemente, fusiles tal o tal cosa… Por ejemplo: dan por hecho que no tienes teléfono o te han cortado la línea. Así que te recomiendan que no te vayas de la casa o la oficina de nadie sin antes haber hecho alguna llamada desde su teléfono. También debes estar constantemente preparando té en el estudio y ofreciéndoselo al ingeniero (es un rasgo muy inglés pero a la vez cualquiera que haya estado grabando en un estudio lo entenderá perfectamente). En el caso de que el estudio tenga mesa de billar y tengas que pagar por cada partida, te indican que introduzcas papeles de periódico en los agujeros. También aconsejan no coger taxis en ningún momento, ni tampoco fumar porros ni beber más de dos pintas al día durante la grabación. (Si el ingeniero o el programador lo hacen estás jodido). Está lleno de detalles ingeniosos LOL.
¿Te interesa el éxito comercial de las cosas mucho más de lo que parece por Caliza? ¿Sigues las listas de éxitos y cosas así?
Me interesa mucho como fenómeno, aunque me identifico bastante con el tono desconfiado de este libro. Lo que da a entender es que éxito comercial tiene bastante más que ver con una receta de cocina que con una creatividad libre (aunque desde la total admiración). No sigo las listas de éxitos pero más o menos me acabo enterando. Estos días para responder a esta entrevista he estado mirando Promusicae y la canción que es número 1 ahora mismo (Bad Bunny feat. Drake – Mia) no la había oído en mi vida. He flipado un poco con el castellano fonético de Drake.
«Lo que da a entender el libro es que éxito comercial tiene bastante más que ver con una receta de cocina que con una creatividad libre, aunque desde la total admiración»
¿Te ves adaptando alguna de las ideas de las que plantea el libro a tu propio repertorio, aunque sea mínima?
Me encantaría probar a hacer una canción que musicalmente se atuviera a sus normas. Por ahora muy bien no lo estoy haciendo ya que estribillos, por ejemplo, tengo pocos. Pero vaya, que la estructura de canción que plantean es súper habitual, y evidentemente no es suficiente para lograr un hit. También es importante usar exactamente el beat que esté de moda (esto me costaría un poco más ya que no tengo mucho olfato). Lo más arduo me parece seguir todos los pasos siguientes (que por otro lado están un poco desactualizados) para sonar en las radios de éxito, estar en todas las tiendas, hoy en día en todas las playlist de streaming… Me da mucha más pereza, pero es imprescindible. Luego también te dicen que algunos de los grandes escritores de canciones, que conocen la fórmula a la perfección (citan a Peter Waterman) ya no la siguen simplemente porque es aburrido hacer siempre lo mismo.
En una entrevista con The Guardian de 2006, un grupo deliberadamente un tanto prefabricado como las Pipettes, dijeron haber leído el libro. No duraron mucho después, tampoco Chumbawamba, que posaron con él. ¿Crees que el libro puede ser una vía para tener un número 1 pero no para durar en la industria, como sugerías?
Efectivamente, The KLF te dicen claramente que el número 1 es algo puntual, que no te aportará nada más allá de eso, el haberlo logrado. Ellos mismos reconocen no saber cuál es el propósito de todo esto, y afirman lo siguiente: Son temas tan sobreexpuestos que pronto están demasiado trillados, y tras haberlo logrado, la mayoría de cantantes nunca se recuperan y cargan con la losa toda la vida. Los artistas que consiguen repetir fórmula perderán el culo intentando demostrarle al mundo que su creatividad tiene otras facetas, o bien se pasarán la vida como un circo ambulante, repartiendo nostalgia. Y este es el mejor de los casos.
La mayoría no repiten fórmula y llevan una vida de impago de impuestos en la que aplazan desesperadamente la única cosa racional que pueden hacer -un trabajo de 9 a 6-. Los artistas que han construido carreras sólidas y tienen el reconocimiento de la crítica, seguidores leales y luego consiguen un número 1 son los que se coronan. Pero los puristas entre sus fans desertarán disgustados de tener que compartir su club privado con las sucias masas. Todo esto citado más o menos textualmente. En fin, que no hay opción buena.
«El truco es construir tu canción a base de trozos modificados, disfrazados y potenciados de éxitos anteriores»
La canción que The KLF consiguieron que fuera número 1 como The Timelords era un batiburrillo de sintonías conocidas, coros épicos… un poco como la de Chumbawamba. ¿Crees que por eso funcionan tan bien himnos futboleros como el del Real Madrid de RedOne o incluso aquel de New Order para la selección de Inglaterra?
Según cuentan el libro, el truco es construir tu canción a base de trozos modificados, disfrazados y potenciados de éxitos anteriores. KLF lo hicieron de manera tan obvia que perdieron mucho dinero y no lo recomiendan por motivos evidentes (=económicos)
El himno de Red One lo he tenido que mirar en YouTube, no lo había oído en mi vida y no sabía que ‘World In Motion’ fuera un tema futbolero. Vamos bien. En cualquier caso ninguna de las dos canciones me parecen especialmente pegadizas. Sí que me lo parecen ‘I Get Knocked Down’ y ‘Doctorin’ The Tardis’. Deduzco que el ‘chanting’ o cualquier melodía transformable en ‘lololó’ hace que el público masculino segregue algún tipo de hormona que ensalza su sentimiento patriótico, o algo así.
«Deduzco que el ‘chanting’ o cualquier melodía transformable en ‘lololó’ hace que el público masculino segregue algún tipo de hormona que ensalza su sentimiento patriótico, o algo así»
¿Te ha recordado el libro a algún hit actual? ¿Alguna canción actual sobre la que pudieras aplicar las tesis del libro?
Primero de todo, así ha de ser, formalmente, el número uno, según el manual: La canción ha de durar un máximo de 3:30 (idealmente menos de 3:20) y tener un máximo de 135 bpm, constar de intro, estrofa, estribillo, segunda estrofa, segundo estribillo, ‘breakdown’ (que es una especie de variante más desnuda de la estrofa o incluso algo parecido a un puente), estribillo doble, outro, todas ellas múltiplos de 4 compases. El estribillo es la parte más importante, las palabras con las que empiece han de ser el título de la canción y nunca puede durar más de 8 compases, y hacia el final puede ser doble.
La letra del estribillo nunca debe de tratar de nada más allá que las emociones humanas más básicas. Lo que digan las estrofas no tiene ninguna importancia. El elemento musical más importante es el ritmo y la línea de bajo, ha de ser un groove de baile que se ajuste a los gustos de la generación actual. No tiene sentido buscar la originalidad, más bien hacer un Frankenstein de lo que ya existe. Ojo que esto no lo dicen como algo negativo, ya que piensan que tu personalidad brillará a través de este armazón. Cada segundo del tema tiene que capturar tu atención y no dejarla ir, y siempre hay que ir a por el gancho más obvio, a por el menor común denominador, eso que no puedas creer que estés usando.
«Un par de canciones que sí que encajan al 100% estructuralmente (con el planteamiento de ‘The Manual’) son ‘Teléfono’ de Aitana, y ‘Malamente’ de Rosalía»
He echado un ojo a un par de éxitos recientes para ver si musicalmente encajaban. El número 1 actual en Reino Unido es ‘Shallow’, interpretada por Lady Gaga y Bradley Cooper. Primero, no es una canción de baile, y estructuralmente no se corresponde con estas premisas (tiene dos estrofas seguidas, y cada una consta de dos partes, luego tiene dos estribillos + ‘post-estribillos’ seguidos, y dura ligeramente más de 3:30. Pero bueno, es una banda sonora y es Lady Gaga, imagino que un debutante nunca llegaría al número 1 con esta canción, que personalmente no me parece nada pegadiza ni está en una onda súper de moda, aunque entiendo el efecto corazón-en-un-puño. La palabra más repetida en el estribillo es efectivamente el título, y la temática, aunque no sea buenrollera, tiene mucho de drama básico, con lo cual serviría.
En España el número 1 actual es ‘Mía’, de Bad Bunny y Drake. Esta encaja un poco mejor pero tampoco del todo. Dura exactamente 3:30, está a 97 bpm, consta de una especie de intro/estrofa, pre estribillo, estribillo, estrofa, estribillo, estrofa, pre estribillo, estribillo. El título se repite hasta la saciedad en el estribillo (súper pegadizo) y la temática es el deseo, eso concuerda bien. Pero tiene bastantes partes distintas de melodía, añadiendo algo de complejidad. El ritmo es el de moda, y bajo el correspondiente, aunque tampoco veo que sea una línea increíblemente atractiva.
Un par de canciones que sí que encajan al 100% estructuralmente son ‘Teléfono’ de Aitana, y ‘Malamente’ de Rosalía. Esta última aún no ha sido number one en Promusicae, pero tiene papeletas. Ambas están por debajo de 3 minutos y rondan los 90 bpms (que sería una canción bastante lenta en 4/4, pero no en un ritmo basado en tresillos como el regguetón de ‘Teléfono’ o las palmas de ‘Malamente’), repiten el título de la canción reiteradamente en el estribillo. Los ritmos se ajustan a la moda (de manera mucho más o mucho menos obvia), ambas canciones tratan sentimientos primarios (de manera más o menos obvia).
Me da la sensación que los bajos hoy en día no son un elemento tan principal o presente, puede que me equivoque pero desde luego no están en frecuencias muy graves. Tal vez tenga que ver con que estas canciones están pensadas para escucharse en dispositivos que no reproducen bien esas frecuencias, como los móviles. The KLF aconsejan mezclar siempre con altavoces baratos.
«Muchos temas de éxito eran instrumentales o casi. Hoy en día las canciones comerciales están forradas de voz de arriba a abajo, no hay ni un respiro instrumental»
El libro se inspira en Reino Unido, ¿qué resultaría tan diferente en nuestra cultura?
Más que diferencias con nuestra cultura, que también, es evidente el desfase temporal. Aunque en esencia sigue siendo lo mismo: crear una canción bajo unas normas muy específicas, por un lado pegada a la moda y por otro que despierte una conexión primaria con el oyente, por su ritmo y su letra, y luego seguir los cauces necesarios para que llegue a todos lados.
Aparte de lo que ha cambiado la industria, hay una serie de rasgos musicales también estarían desfasados. En el libro, escrito en el 88, la voz se plantea como algo opcional. Muchos temas de éxito eran instrumentales o casi. Hoy en día las canciones comerciales están forradas de voz de arriba a abajo, no hay ni un respiro instrumental. También vaticinaban y con razón que pronto llegaría una tecnología que haría posible hacer muchas de estas cosas desde casa.
A priori diría que en el Reino Unido la música comercial es más variada que en España y canciones de géneros más dispares suenan en las radios comerciales, tienen su público y su hueco. En España, Los 40 y tal son mucho más cerrados. Pero por lo que veo, el 18 de junio de 1988, la semana en la que ‘Doctorin’ The Tardis’ era #1 en UK, en Los 40 Principales lo era ‘Heart’ de Pet Shop Boys… ni tan mal. En cualquier caso, la radio ha perdido bastante peso frente a las plataformas como Spotify, por ejemplo, que tienen sus propios #1 y sus propias listas.
«En el Reino Unido la música comercial es más variada que en España y canciones de géneros más dispares suenan en las radios comerciales, tienen su público y su hueco. En España, Los 40 y tal son mucho más cerrados»
Finalmente, ¿cambió tu percepción de The KLF a raíz del libro? ¿Los has escuchado más/menos? A su vez en su grupo bastante esquivo (no están en Spotify, no hacen casi vida pública, etcétera)
No es que sea un grupo esquivo, se suicidaron comercialmente. Eliminaron todo su catálogo de todos lados y luego quemaron todas sus ganancias. Tanto con ‘The Manual’ como con el libro de John Higgs, The KLF pasaron de ser un par de taraos a los que no les hacía mucho caso a ser de mis personas favoritas. En el Primavera de hace dos años fui a ver una conferencia de Bill Drummond, proyectaron un documental que habían hecho sobre un proyecto suyo. Creo que iba grabando a gente que vivía en una misma latitud haciendo un sonido gutural. Luego lo montaba todo, lo reproducía una vez en un sitio recóndito y lo escuchaba (en ese momento se muteaba el sonido de la peli, con lo que el público lo llegábamos a escuchar) y luego lo borraba. Después contó algo que no tenía nada que ver, parecía darle bastante vergüenza el documental, y se fue cagando leches. Me gusta mucho su visión experimental, entre mágica y absurda, de la música y de la industria y de la vida en general. No me pueden caer mejor.
Telecinco ha rescatado de sus archivos la presentación que Rosalía realizó hace 10 años en el concurso de talentos ‘Tú sí que vales’. Con 14 años, la cantante versionó ‘Como en un mar eterno’ de Hanna y ‘Leave (Get Out)’ de JoJo y fue juzgada por la misma Noemí Galera que hoy dirige la Academia de Operación Triunfo y por los mismos Los Morancos que han imitado ‘Malamente’ en una de sus divertidas parodias.
También Àngel Llácer y Javier Sardá estuvieron por ahí para valorar a la cantante, que no consiguió pasar de las semifinales pese a su sorprendente seguridad. Atención a la cara de Llàcer cuando, ante su crítica, Rosalía contesta “no pasa nada, yo he venido aquí a aceptar las críticas y a aprender de profesionales como vosotros”, o al momento en que Rosalía discute la valoración del jurado por desafinar mientras bailaba. “No se puede todo”, replica la catalana.
Hoy el éxito de Rosalía es internacional, como demuestra la recepción de su nuevo disco recién publicado, ‘El mal querer‘. Por cierto, existe otro directo antiquísimo de Rosalía disponible en Youtube, en el que aparece cantando flamenco en un concierto cuando era adolescente. Aunque más fascinante es verla tocando el teclado para Rocío Márquez en 2015, en Primavera Sound, como una músico más.
Todos hemos escuchado ‘Sorry’ de Justin Bieber, ‘Sorry’ de Beyoncé y ‘Sorry’ de Madonna además de otras decenas y decenas de canciones llamadas ‘Sorry’ o con la palabra “sorry” en el título, como ‘Sorry’ de Halsey, ‘I’m So Sorry’ de Aldous Harding, ‘Sorry Seems to Be the Hardest Word’ de Elton John o, dándole una vuelta a la tortilla, ‘Sorry Not Sorry’ de Demi Lovato. Nos faltaba escuchar a una banda que se llamase Sorry y al fin ha llegado.
El músico, compositor y productor 
En la actual bonanza de programas de música en directo en televisión –sin querer ser agoreros, felicitémonos, porque no sabemos cuánto podría durar–, anoche ‘
Como sabíamos gracias a una 
Una de las noticias musicales más felices de 2018 es, con toda seguridad, 
Fickle Friends (los ingleses Natassja Shiner, Jack Wilson, Harry Herrington, Chris Hall y Sam Morris) acaban de publicar el EP de tres pistas ‘
Parte de la redacción evalúa el 
El estadounidense nacido en Viena James Hersey pegó un pelotazo el año pasado con una canción llamada ‘Miss You’ que colocó en radios y supera los 100 millones de reproducciones en Spotify a nivel global. Ahora vuelve con un nuevo EP llamado ‘Innerverse’ que saldrá a finales de este año con la producción de su colega narou, con el que ha trabajado en su estudio de Berlín. Se han adelantado ya las canciones ‘Real for You’ y ‘Let Go’, que habla sobre la importancia de la amistad.
“¿Hasta dónde estarías dispuesto a llegar por tu hijo?” es la pregunta que nos lanza el eslogan de ‘Tu Hijo’… pero realmente ésa no es la pregunta que nos hace la nueva película de Miguel Ángel Vivas. O, al menos, no la única. Es una pena que la saga de ‘
Dido, quien vendiera 22 millones de copias de su primer disco y 12 millones del segundo, naturalmente no tiene ninguna prisa por sacar discos. Su último trabajo hasta la fecha, ‘
Como se preveía, Ariana Grande 
Los Javis podrían protagonizar un reality, informa 
Kanye West y 6ix9ine han abandonado esta noche el rodaje de un videoclip en una mansión de Beverly Hills tras ser esta, supuestamente, el blanco de unos disparos por parte de un tirador anónimo. TMZ 
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Una vez más, esa realidad paralela que es Twitter nos ha dado una de las mayores alegrías de 
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«Deja que la leona en ti fluya libremente». Esto es más o menos el nombre de la canción que cierra el último disco de Yves Tumor, y esto es lo que parece querer decirnos desde 
Como casi cada viernes de septiembre hasta principios de diciembre (las semanas previas a Navidad suelen ser más flojas), estamos ante otra jornada de lanzamientos prácticamente inabarcables. Hoy se lanzan álbumes tan potentes comercialmente como los nuevos de Muse, Imagine Dragons y –para el mercado latino– Mon Laferte. Junto a ellos, los pamploneses Kokoshca, Planningtorock, The New Raemon, cupcakKe, The Wave Pictures, Mow (álbum debut de la madrileña), Lil Peep (disco póstumo), J Mascis, el mini-álbum del trío Cariño, Jonas Blue o Thalía presentan sus nuevos trabajos. La brasileña Anitta y Crystal Fighters publican EPs, además.
Zahara, que se consagrara a lo grande con su tercer disco ‘Santa’ hace un par de temporadas, edita el próximo 16 de noviembre ‘Astronauta’. Hemos conocido el imaginativo single ‘
Caliza es el proyecto de Elisa Pérez, ex integrante de Rusos Blancos y Cosmen Adelaida, que este año ha publicado su segundo trabajo, ‘
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