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Billie Eilish: “¡Soy una gran fan de Rosalía! Tiene un talento increíble y me encantaría colaborar con ella”

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Desde que os hablamos de ella en octubre del año pasado, a raíz de su EP ‘dont smile at me‘, la popularidad de Billie Eilish ha ido en aumento, recibiendo atención de cada vez más medios y halagos de cada vez más estrellas, hasta el punto de que su ‘lovely’ junto a Khalid para la BSO de ‘Por 13 Razones‘ le ha robado el foco en más de una canción al ‘Back To You‘ de Selena Gomez como tema principal de esa banda sonora. En octubre os contamos también cómo Billie prefería su “resting bitch face” en lugar de sonreír por cortesía, o de las letras no-precisamente-dulces y hasta inquietantes de ‘my boy’, ‘hostage’ o ‘bellyache’; lo que vimos cuando la entrevistamos la semana pasada fue, en cambio, amabilidad, no reñida ésta con su claridad a la hora de dar, sin pelos en la lengua, sus opiniones (atentos lo que dice sobre la juventud y el relevo generacional). Pudimos hablar unos minutos con la autora de ‘ocean eyes’ sobre cómo vive la fama y el paso de admirar a sus ídolos a salir de copas con ellos, sobre lo (poco) que nos puede contar sobre su álbum debut, y hasta sobre ¡Rosalía!

Lanzaste tu EP ‘dont smile at me’ el año pasado, y este año se ha anunciado que lanzarás tu álbum de debut. ¿Qué puedes decirnos de él que no sea top-secret?
Bueno, no está hecho, estamos haciéndolo ahora… No sé, cuando lo terminemos, lo terminaremos y lo lanzaremos. No puedo decir nada, pero es que tampoco lo sé realmente. Cuando vas a sacar algo que se va a convertir en algo tan importante de tu vida, es divertido ver cómo va ocurriendo, y como tú misma vas viendo las cosas que van pasando. Pero bueno, va a estar guay.

¿El primer single es ‘lovely’? ¿O será solo un album track?
La verdad es que no sé si estará en el álbum. Creo que no, porque ya está fuera y no sé… para ser sincera, dudo que esté en el álbum.

¿Cómo fue trabajar con Khalid?
Muy guay, él es amigo mío, así que fue mucho más que simplemente trabajar con un artista para una BSO. Le conocí en 2016, antes de cualquier hype para cualquiera de nosotros dos, y nos respetamos mucho. La escribimos juntos, de hecho.

«Ser joven mola, me gusta ser joven, ¿sabes? Me estoy viendo a mí misma crecer»

Leyendo otras entrevistas que te han hecho, veo que hay una constante entre las preguntas, y es sobre el hecho de tener éxito siendo alguien de 16 años, y especialmente siendo una chica de 16 años. Así que no te voy a preguntar lo mismo, sino más bien, ¿estás cansada de ese tratamiento?
A ver, lo entiendo… supongo que entiendo por qué lo dicen. Es raro, ¿sabes?, es raro cuando tú eres la persona de la que los medios hablan. Y normalmente te acaban molestando un montón de cosas, pero no sé… mira, te pongo un ejemplo. El otro día conocí a una niña muy guay de 10 años, y la verdad es que no tenía ni idea de qué decirle… porque he estado ahí, y sé que cualquier respuesta a “tengo 10 años” puede ser molesta. O sea, fui a decirle “maldita sea, no parece que tengas 10 años”, y enseguida pensé “joder, si eso es lo que la gente me decía a mí”. Y era muy molesto. Y esa es la cosa, que normalmente no piensas cómo se siente desde el otro lado. Es jodidamente raro, pero no sé, lo entiendo. Mola. Ser joven mola, me gusta ser joven, ¿sabes? Me estoy viendo a mí misma crecer.

«[Sobre los títulos de sus canciones en minúsucula] Es un sentimiento diferente, ¿sabes? Sé que es un poco tonto, que es solo una letra, pero para mí significa algo distinto»

No sé si alguien te ha hecho esta pregunta antes, pero, ¿qué pasa con las minúsculas? (NdE: todos los títulos de sus canciones son así) ¿Tienen algún valor simbólico, representan algo para ti?
Pues nadie me lo había preguntado, y es una buena pregunta (risas). Tengo el autocorrector de mi móvil desactivado, así que nunca pongo la primera letra mayúscula. Y luego si me encuentro algo así lo veo como muy artificial. No siento que mis canciones deban escribirse así, parece como de papeleo… ‘idontwannabeyouanymore’ no es lo mismo que ‘I don’t wanna be you anymore’. Y así con las demás. Es un sentimiento diferente, ¿sabes? Sé que es un poco tonto, que es solo una letra, pero para mí significa algo distinto. Es más sobre el sentimiento de la canción que sobre la escritura, es incluso una parte diferente de tu cuerpo la que se siente así.

Tienes un tema llamada ‘Six Feet Under’, que empieza diciendo “help, I lost myself again”… precisamente un verso de ‘Breathe me’, el tema de Sia que cerraba ‘Six Feet Under’. Desde que conocí tu canción me pregunté si era una referencia o solo casualidad.
(risas) Qué va, cuando la escribí no sabía de la existencia de esa serie, y mira que es raro, porque mi madre apareció en ella en un capítulo… creo que moría en ese capítulo.

Suena típico de esa serie, sí.
(risas) ¿A que sí? Pero de verdad te lo digo, no tenía ni idea de la serie cuando escribí la canción, es súper loco todo. Recuerdo cuando escuché ‘Breathe Me’, porque un amigo me comentó eso, y pensé “oh, Dios”. No ya por la coincidencia, sino porque ‘Breathe Me’ se ha convertido en una de las canciones más preciosas que he oído en mi vida. Es muy loco, en serio.

Hiciste una versión de ‘Bad’ de Michael Jackson que recibió muy buenas críticas, entre ellas la de Lorde. Muchos fans pidieron en ese momento una colaboración vuestra. ¿Ves eso posible? Suele haber además muchas comparaciones entre tú y la primera etapa de ella.
Fue guay, crecí escuchándola porque empezó a hacerse conocida cuando yo tenía unos 10 años, cuando sacó ‘Royals’ creo que tenía 16, y yo tengo 16 ahora… ella sabe lo que es esto. Lorde es una amiga, y un encanto, y todo lo que hace lo hace tan bien, y tan suyo… todo lo que Lorde ha hecho es perfectamente Lorde, es como que nadie ha hecho nada así. En cuanto a colaborar, no hemos hablado de ello, no sé. Es como que ya me encanta como persona, ¿sabes?

«Es muy guay haberme convertido en amiga de quienes eran mis ídolos, es como muy loco para mí»

Y, sea o no con Lorde, ¿hay alguna colaboración en el horizonte?
Hay muchas… conversaciones al respecto. Así que la respuesta es sí (risas), las habrá. Es muy guay haberme convertido en amiga de quienes eran mis ídolos, es como muy loco para mí. Ha sido maravilloso, porque son todos personas normales, son todos putos seres humanos, ¿sabes? Es muy raro, porque cuando eres pequeña y piensas en tus ídolos, sí, sabes que son humanos, porque todo el mundo lo dice, y tú dices “sí, ya sé que es humana y todo eso”… pero cuando llegas a conocerles de esta manera, es muy distinto. Es muy distinto quedar con ellos, tomarte algo con ellos, salir por ahí con ellos… te das cuenta de que lo que tienes delante es una persona, un humano, nada más que eso. Es su cerebro lo que les hace tan geniales, no su apariencia. Obviamente lo que ves en la tele es su apariencia, pero lo otro es lo real.

«Nadie dice nunca, de la generación más joven a ellos, nada que ayude a esa generación»

Muchos te consideran un icono de la generación millennial, y tú misma quieres reflejar eso con tu nombre de Instagram (“@wherearetheavocados”), ya que los aguacates se usan para referenciar esa generación, a la que muchos llaman también “copo de nieve”, débiles, sin valores ni objetivos, etc. ¿Qué piensa de esto alguien como tú, a quien muchas veces se ha tratado con esa mezcla de desprecio y condescendencia?
Nadie dice nunca, de la generación más joven a ellos, nada que ayude a esa generación. Obviamente la gente nos puede ver, pero no puede sentir qué es ser nuestra juventud, qué es ser nuestra generación, estando fuera. Y yo pienso que esta generación es la que va a tomar control del mundo… pienso que es jodidamente estúpido que la gente que está en la Casa Blanca, y la gente que se presenta como candidata a presidir lo que coño sea, sea tan mayor. Creo que es tonto porque los jóvenes son los que van a vivir más, estar aquí cuando ellos ya no estén, son los que van a existir en ese mundo que los adultos hayan creado para ellos. Es como “tú ya has vivido, joder, has vivido mucho y todo es distinto ahora, no puedes cambiarlo todo para devolverlo al estado en el que estaba antes… qué cojones”. A la gente joven se le debería tomar más en serio, y deberían estar en control, en puestos de poder, porque ellos son quienes van a cambiar las cosas a mejor.

«¡Soy una gran fan de Rosalía! (…) Tiene un talento increíble y me encantaría colaborar con ella»

Una curiosidad: el otro día nos sorprendimos al ver por tus stories que habías estado escuchando a la cantante española Rosalía, y su single ‘Malamente’. Rosalía también lo vio, y te lo agradeció públicamente en sus stories. ¿Cómo llegaste a ella? ¿Qué te parece su música? En España lo está petando.
¡Oh, Dios, sí! ¡Soy una gran fan de ella! Dios mío, es que… ¡joder! (risas) Encontré ‘Malamente’ porque un chico que trabajó conmigo en Apple me envió el enlace del videoclip diciendo que era increíble. Pero es que no es solo el vídeo, o sea, ¡esa voz! El vídeo, la voz, la música, la melodía… me dejó flipando. Y luego encontré ‘Brillo’, que es tan bonita, tan bonita… no sé, estoy realmente obsesionada con ella. Y me envió un DM dándome las gracias, diciendo que esperaba que nos pudiésemos conocer, me envió un vídeo agradeciéndomelo, y fue como súper adorable… es maravillosa.

¿Te gustaría colaborar con ella?
Por Dios, ¡sí! Me encantaría. Tiene un talento increíble, en serio… me gustaría mucho. Ojalá hagamos una canción juntas.

Ana Guerra planta cara en un programa de La 1 donde le afean publicar fotos suyas en bikini

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Ana Guerra es trending topic en España en estos momentos, y no exactamente por la razón que debería: AlunaGeorge le han cedido su logo. No, es broma: su single con la colaboración de Juan Magán estrenado el pasado viernes, ’Ni la hora’, es claramente un éxito, siendo top 1 en tendencias de Youtube con casi 3 millones de visualizaciones sólo 3 días después. En cambio, el origen del hashtag #AnaWarSiMeRepresenta es bien distinto.

La cantante surgida de la última edición de Operación Triunfo acudía esta mañana al programa matinal del mismo canal que emitió el talent show, ‘Amigas y conocidas’, para hablar de esta nueva canción. Sin embargo, nada más recibirla, la presentadora del programa Inés Ballester ya mostraba que, mejor que de música, le interesaba mucho más hablar de una foto en bikini que la canaria había subido a su Instagram hacía un par de días. Tras destacar el teórico mensaje feminista de la letra de su single (citando su estribillo “Nadie me controla y aunque me lo pidas no te doy ni la hora”), Ballester pretendía hacer ver la teórica incoherencia de ese discurso con el hecho de que publique fotos en bikini: «Entiendo que hemos entrado en una moda que hace unos años era impensable y todas las que salís sois muy monas, pero de ahí a que eso sea una reivindicación feminista no, ¿no?”

Ana Guerra, aunque respetuosa, era muy clara: «Lo hago, primero, porque me encanta esa foto, veo que en esa foto hay arte y es el trabajo de una persona. Segundo porque me da la paga y estoy muy cómoda subiendo estas cosas a las redes, estoy cómoda con mi cuerpo”. Tras lo cual otras colaboradoras del programa como Isabel San Sebastián o Beatriz Cortázar eran aún más beligerantes, acusándola de cobrar por los likes de la foto o de “crear traumas” a las “niñas que no tienen su cuerpo”. “Sí, vamos. No tengo otra cosa que hacer” contestaba Guerra. “¿Sabéis lo que es triste? Que esa foto al día siguiente fuera noticia, eso significa que tenemos que seguir con el cambio y que tenemos que seguir luchando por el feminismo”, remataba. Su contundente, respuesta ha desatado una ola de aplausos en Twitter por su entereza y valentía ante los ataques de las señoronas.

George Ezra boicotea su propio número 1 en favor de ‘Three Lions’ para animar a la selección de Inglaterra

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Es un topicazo bien gordo lo de que el fútbol logra cosas que serían impensables de otra forma, y sí, no deja de ser triste, pero… ¯\_(ツ)_/¯. Aún así, diríamos que este absurdo impulsado por el balompié sí que no lo habíamos visto nunca: un artista apoyando a otra canción para que sea número 1 en detrimento de la suya. Hablamos de George Ezra, que tras contemplar cómo su estupendo segundo álbum ‘Staying At Tamara’s’ se convertía en disco de platino, hace un par de semanas lograba que uno de sus singles, ‘Shotgun’, se convirtiera en número 1 de la lista de singles en Reino Unido.

El tema está evidentemente aupado por la onda veraniega que desprende, que se adapta de maravilla a la canícula que ya vivimos en el hemisferio norte y esta es ya su segunda semana en esta posición. Sin embargo, podría no haber una tercera (al menos de momento), puesto que el propio Ezra ha hecho campaña con un vídeo en Twitter para que sea sustituida por ‘Three Lions’, el himno oficioso de la selección de fútbol de Inglaterra, que el pasado fin de semana logró acceder a las semifinales del Mundial de Rusia, lo cual no ocurría desde hacía 28 años.

La canción de marras, compuesta nada menos que por Ian Broudie (The Lightning Seeds) junto con los cómicos David Baddiel y Frank Skinner en 1996, como canción oficial para la Eurocopa de fútbol que se celebró aquel año en Reino Unido y alcanzó el número 1 durante su celebración. Desde entonces, el tema ha tenido vida propia como himno habitual de las hinchadas en los campos de fútbol británicos, con ese popular “It’s coming home” que reza su estribillo. Tras las victorias de Inglaterra en la fase de grupos y la eliminatoria de octavos de final, la canción ha llegado al top 24, pero, tras derrotar a Suecia y acceder a las semifinales, las primeras cifras indican que podría ser número 1 otra vez esta semana, 22 años después. Con la connivencia de George Ezra, claro.

DJ Khaled cancela en un festival por problemas de agenda, y se tuitea de vacaciones

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DJ Khaled tuvo uno de los discos más populares de 2017 gracias a la inclusión en él de colaboraciones millonarias de gente como Rihanna o Justin Bieber. Su aparición en el británico Wireless Festival era muy esperada por tanto, pero el artista ha cancelado su actuación de este fin de semana. El show se llamaba “DJ Khaled and Friends”, con lo que además se presuponía que iba a estar lleno de estrellas invitadas, pero no ha tenido lugar, oficialmente porque DJ Khaled tenía que grabar su participación en el reality ‘The Four’.

El festival se ha culpado a sí mismo de no haber informado antes de este conflicto de agenda, pues ha estado al tanto de él durante meses, intentando solucionarlo, pero finalmente, sin éxito. El festival ha ofrecido en cambio una actuación sorpresa de nada menos que Drake tocando por primera vez canciones de su nuevo disco ‘Scorpion’… y entonces ha llegado DJ Khaled y se ha cubierto de gloria.

Mientras usuarios en Twitter asistentes al festival afirmaban estar llorando en el recinto a causa de la cancelación (según NME uno de ellos ha llegado a decir «me has hecho llorar el día de mi cumpleaños»), DJ Khaled no ha dejado de subirse ni un día a Twitter durante todo el fin de semana jactándose de estar todavía “de vacaciones”, bañándose con su hijo, volando en un jet privado de lujo o, finalmente, en el estudio y leyendo tranquilamente un libro. Las protestas de sus seguidores no se han hecho esperar, de momento sin obtener respuesta por su parte.

Prophets of Rage, este finde en Cruïlla, estrenan ‘Heart Afire’

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Prophets of Rage, el supergrupo compuesto por integrantes de Rage Against the Machine, Cypress Hill y Public Enemy, estrena nueva canción tras haber sacado su álbum de debut el año pasado. En este caso se trata de la canción ‘Heart Afire’ y son tan solo dos minutos y medio de rabia contenida topando con guiños tanto al hip-hop como al metal. El grupo del carismático Tom Morello ofrecerá su primera actuación en Barcelona esta misma semana, en concreto el viernes 13 de julio, como parte de la programación de Cruïlla, festival del que JENESAISPOP es medio colaborador. Prophets of Rage actúan en dicho festival el mismo día que N.E.R.D, Damian “Jr. Gong” Marley, Gilberto Gil, LP, o Kygo, entre muchos otros. De hecho, coinciden en horario de pleno con Jessie Ware y en parte con Lori Meyers, aunque no parecen compartir demasiado público objetivo. A última hora del viernes actuará gente como nudozurdo y Bomba Estéreo.

Os recordamos que el jueves 12 de julio será el día de Jack White y Bunbury y el sábado 14 de julio será el de Izal, David Byrne, Orbital, The Roots o Justice. Existen distintos tipos de entradas de día y abonos que podéis consultar en la página web de Cruïlla.

HMLTD / Hate Music Last Time Delete

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A principios de año apostábamos por HMLTD como uno de los proyectos más estimulantes del nuevo pop rock británico por escapar de cualquier tipo de norma estética, apostando por la teatralización de la música (qué gusto alguien alejándose, al fin, del coñazo del normcore) y lo excesivo como patrón a seguir. Además, referentes casi olvidados como Adam and The Ants, Queen, Roxy Music, Ian Dury & The Blockheads e incluso Pulp parecían recobrar sentido en singles tan sugerentes como ‘Is This What You Wanted?’, ‘To The Door’, ‘Satan, Luella & I’ animaban a ver en ellos un auténtico refresco para la depauperada escena británica. Por eso su EP debut, ‘Hate Music Last Time Delete’ (una nueva interpretación de su acrónimo, que en principio ocultaba un “Happy Meal Ltd” que les fue prohibido) se antojaba como uno de los lanzamientos más interesantes de este verano. Y eso que, musicalmente –otra cosa es la concepción de su vídeo NSFW, que tanto daba que pensar–, su single principal ‘Pictures of You’ decepcionaba un tanto al alejarse de ese halo de Culture Club post-millenial, como una suerte de canción que hubieran podido descartar Placebo por resultar demasiado heredera de Depeche Mode.

Por suerte, en el EP también hay canciones que recuperan aquel pulso desafiante de sus primeros singles, entre lo feísta y lo magnético. Ahí encajaría la delirante ‘Proxy Love’, una oda (presentada con otro gran vídeo) a la autoestima para las clases a las que se les ha enseñado que la humildad y la modestia eran cualidades virtuosas, lo cual les ha privado en realidad de aspirar a cotas más altas. Esta inhabitual reflexión tiene como vehículo una producción de Clarence Clarify (colaborador de la interesante Rina Sawayama) en la que predomina un punto electroclash hasta que, en su estribillo, parecen mutar en ABC –la variedad de registros vocales del guapo Duke Peterman les permite mutar del tecno al rock sinfónico y al punk en cuestión de segundos– antes de culminar con un final digno de los Pulp de los primeros EPs, que vuelven a emerger en algunas fases de ‘Mannequin’, el otro punto culminante del disco.

Como una especie de batidora pop rock, en esta se aderezan aquellos nombres con los de Adam Ant o unos Army of Lovers arrabaleros, alternando coros dignos de la Rusia de los zares con contrapuntos femeninos dignos del último Leonard Cohen. La final ‘Apple of My Eye’, en cambio, se adentra por territorios noir-rock que terminan siendo algo esclavos del guiño a Soft Cell y su apropiación de ‘Tainted Love’. En suma, ‘Hate Music Last Time Delete’ sí confirma la singularidad del grupo y su potencial, pero lo cierto es que uno aspiraba a un primer lanzamiento más sólido y convincente de HMLTD. Les queda crédito, pero no podrán descuidarse demasiado en lo sucesivo.

Calificación: 6,7/10
Lo mejor: ‘Proxy Love’, ‘Mannequin’
Te gustará si te gustan: el pop británico previo al brit-pop, sonando casi al unísono.
Escúchalo: Spotify

AlunaGeorge le dicen a Ana Guerra que se “quede” con su logo

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Este viernes 6 de julio ha llegado a las plataformas de streaming ‘Ni la hora‘, el nuevo single de Ana Guerra con Juan Magán. El vídeo del tema es el más visto actualmente en Youtube España y la canción en sí continúa escalando puestos en el top 50 español de Spotify, saludando actualmente desde el top 16.

‘Ni la hora’ había sido noticia también por otro motivo, y es que el logo de Ana Guerra (“AG”) presente en la portada de la canción era, ya no sospechosamente parecido, sino exactamente igual al del dúo británico AlunaGeorge. Los tuiteros no han tardado en hacérselo saber al grupo, y este ha decidido contestar al revuelo en Twitter, riéndose del asunto a través de varios emojis y comentando que Ana Guerra “puede quedarse” con el logo. El grupo remata el mensaje con un cariñoso beso… ¿o hay algo de ironía en él?

AlunaGeorge publicó su último álbum, ‘I Remember‘, del que se extrajeron singles como ‘Mean What I Mean’ o ‘My Blood’, en 2016. Antes llegó su debut, el notable ‘Body Music‘, el que contenía ese ‘I Know You Like It’ que lograría un enorme éxito años después gracias a una remezcla de DJ Snake. El dúo ha editado recientemente el single ‘Man Down’ junto a Shakka.

Ponentes de lujo en el curso de verano sobre música pop española de la Universidad de Málaga

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Del 17 al 20 de julio de 2018 tendrá lugar en la Universidad de Málaga un interesante curso de verano dedicado a la música pop española y para la que todavía quedan plazas. Son un total de 25 horas de curso que corresponden con 1 crédito ECTS.

Llamado ‘TRES GENERACIONES DE MÚSICA POP ESPAÑOLA’, el curso estará dirigido por Santi Carrillo, director de Rockdelux, y contará con ponentes de verdadero lujo, representantes de varias generaciones de la música pop española como son Loquillo, Niño de Elche, Christina Rosenvinge (foto), Kiko Veneno, J de Los Planetas, Lidia Damunt, La Bien Querida, Antonio Luque (Sr. Chinarro), Nacho Vegas y Soleá Morente (recientemente premiada por el Rey Felipe VI).

El día 19, como parte del curso tendrá lugar en Contenedor Cultural (Campus Teatinos) un concierto de Joe Crepúsculo. La entrada vale 3 euros, aunque es gratuita para matriculados en el curso.

Las matrículas en el curso pueden hacerse aquí, pero ojo porque quedan solo 11 becas de alojamiento para personas desplazadas.

‘Whitney’ en los cines españoles: aciertos y desaciertos en el documental sobre la cantante

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La pérdida de Whitney Houston ha sido una de las que más ha costado asumir durante los últimos años. Tras el éxito del documental ‘Amy’ en 2015 era cuestión de tiempo que se elaborara uno sobre la carrera de la artista americana y esta semana ‘Whitney’ ha llegado a las pantallas españolas tras su paso por el festival de Cannes. Su director es Kevin Macdonald, ganador de un Oscar por el documental de 1999 ‘Un día en septiembre’, y también responsable de ‘El último rey de Escocia’, ‘Touching the Void’ o el recomendable documental sobre Bob Marley, ‘Marley’.

El miedo que había en torno a ‘Whitney’ era lo que tenía de «biografía autorizada»: el hecho de haber podido contar para el documental con la participación de la familia de la cantante, lo que incluye a su madre o a su ex marido Bobby Brown, que maltrató a Whitney, hacía temer que se esquivaran cuestiones tan importantes en su vida como la adicción a las drogas, que finalmente pudo con ella; los abusos sufridos de niña o los traumas infantiles. Al final, pasa más bien lo contrario. Sí vemos a Brown bastante incómodo tratando las cuestiones más escabrosas de la vida de la artista, pero al final la parte personal de la carrera de Houston tiene un peso demasiado grande, en detrimento de la parte más artística.

Así, aunque se agradece que Kevin Macdonald haya evitado dedicar ‘Whitney’ a engrandecer su figura en modo fan, se termina pasando demasiado por encima de algunos puntos importantes de su carrera discográfica. No es que no veamos cómo se gestaron las colaboraciones con Mariah Carey o George Michael, apenas a la cantante en el estudio, seleccionando su repertorio, o narrando anécdotas de sus composiciones favoritas; es que se pasa por completo por encima de un pedazo de «comeback» como fue el de ‘My Love Is Your Love’ o ‘It’s Not Right, But It’s OK’, una canción de supervivencia llena de dobles sentidos que se continúa pinchando a día de hoy. Si en ‘Amy’, el uso de letras superpuestas y traducidas, servía para subrayar el talento de Winehouse como compositora, aquí no encontramos nada similar. De alguna manera se sobreentiende que Whitney fue grande, pero no se explica para quien dentro de un par de décadas se enfrente a este documental queriendo acercarse a su figura.

Kevin Macdonald ha hecho bien en evitar lo sensacionalista (por ejemplo excluyendo los muchos vídeos desastrosos de su directo de las últimas giras que se han subido a Youtube), pero ‘Whitney’ parece más pensado para el público casual que conoció, como todo el mundo, a Houston y sus canciones, y quiere saber más sobre su vida personal y las causas que condujeron a su muerte; que como documental melómano. Alguien que quiera aprender o recordar algo de la cultura musical de los años 80 y 90, qué contexto llevó a sus canciones a ser tan monstruosamente exitosas, cómo decidió sumergirse en lo bailable, qué significó para la comunidad negra su alcance mundial o de qué manera influyó en la industria el petardazo que supuso la banda sonora de ‘El guardaespaldas’ en formato CD no encontrará aquí demasiadas respuestas. 6,5.

La canción del día: ‘Treasure Island’ es una nueva “fantasía” seapunk de Azealia Banks

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Con ‘Fantasea II: The Second Wave’, el nuevo álbum de Azealia Banks, vuelve la sirena que conocimos en 2012 mediante temas de sonido acuático como, ejem, ‘Aquababe’ o videoclips como el de ‘Atlanta’, que se inspiraba en la estética “seapunk”. ‘Fantasea: The Second Wave’ contiene de hecho un tema llamado ‘Lorelei’ (como la sirena) y el sonido de temas ya conocidos como ‘Count Contessa’ (con vídeo rodado en una playa) y ‘Escapades’ busca claramente evocar una sensación de “mar” . A estos se ha sumado esta semana un nuevo single llamado, sin más misterio, ‘Treasure Island‘ (“isla del tesoro”), que busca llevarnos a un lugar “donde la luna centellea en el acuoso horizonte”.

Si en la primera “mixtape” de Banks brillaba la juventud y frescura de una rapera de 21 años con ganas de reventar discotecas, ‘Treasure Island’ expresa una sensualidad mucho más adulta. La base es obra de Cirkut y presenta un sonido muy cercano en estética a ese “seapunk” o “future bass” de texturas líquidas que se escuchó en parte de ‘Fantasea’, solo que ahora la composición es mucho más R&B, como muestra su hermoso estribillo, muy 90s y en el que Banks, anhelante, gime: “qué vergüenza siento, al no tener palabras para expresarte que soy sincera, los placeres están todos en la isla del tesoro”.

Suele hablarse poco de Banks como letrista, pero si algo ha demostrado a lo largo de su carrera es que no es solo una rapera excelente, sino también una escritora ágil y creativa, aunando en la letra de ‘Treasure Island’ imágenes tan hermosas como esa en la que anuncia que ella y su amante “viajarán directos a la luz de la luna”, con rimas tan delirantes como “you wanna get with it, wanna waters and lake spring, Little lady lagoon, nigga drown so deep like he fell in a pool” o mi favorita, “nigga, I done gave you the co-sign / The pussy so good niggas call it a gold mine”. Entre otras referencias acuáticas (Banks quiere “nadar” en los vaqueros de su amante), ‘Treasure Island’, como ‘Anna Wintour’, muestra una madurez en el talento de Banks que no se riñe con el carácter que permea en toda su discografía.

‘Bien duro’ de C. Tangana… ¿o bien blando?

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Parte de la redacción evalúa ‘Bien duro’, el nuevo single de C. Tangana.

“C. Tangana había anunciado que ‘Bien duro’ sería un nuevo “clásico” en su discografía. Como se esperaba, el tema está siendo un éxito (ronda el top 10 en Spotify España) y cuenta ya con un videoclip espectacular a la altura. Por suerte, tampoco es un nuevo ‘Mala mujer’, ya que se mueve más bien en las coordenadas del reggaetón contemporáneo de ‘Mi gente’ de J Balvin, eso sí, mediante un sutil piano de sabor salsero y sobre todo un regusto totalmente español (ese “a mí este whisky ya no me hace na” es oro). En papel, el tema no tendría por qué ser gran cosa, pero Antón imprime en él una gran personalidad, por ejemplo en el modo gamberro en que enuncia las frases de las estrofas (“bicho no se muere hasta que no se mata”, “llega el madrileño y le cambia la cara”), y la transición de “cuando estamos mal, lo paso…” al “bien duro” del estribillo es un puntazo. Producido por DLVP, que ha hecho uno de los mejores beats recientes de Eminem, el de ‘Rap God’, ‘Bien duro’ es otro paso lógico en la carrera de un C. Tangana que se ha ganado el privilegio de triunfar en sus propios términos”. Jordi Bardají

«‘Bien duro’… bien igual es lo que reconozco que me da lo nuevo de C. Tangana. A Pucho le gusta compararse con Drake, pues aquí ha logrado acercarse muchísimo al canadiense, porque me ocurre con ‘Bien duro’ lo mismo que en su día me sucedió con ‘God’s Plan’. La sensación de ir ya con el piloto automático, de creer que el carisma del personaje basta para tirar adelante la canción. La base tropical es mona, pero la canción es tan repetitiva y monótona, la forma lánguida de cantar de Antón, que normalmente me gusta, aquí casi me enerva… y todas las referencias sexo-monetarias ya me cansan. Que no dudo que será un hit, pero un hit bien blando». Mireia Pería.

“Una base tan martilleante como la de ‘Mi gente’, esos “te quiero pero yo qué sé”, ese “a mí este whisky ya no me hace na’”, esos “cuando entro al club ya no sé quién eres tú”… Si el nuevo reggaetón de C. Tangana no da ese ansiado salto internacional a lo Álvaro Soler o Maluma no será por falta de grandes intentos. Puchito ha vuelto a dar en el clavo en su enésimo single de los últimos meses, aunque esta canción es un poco más facilona y tiene menos misterio que ‘Llorando en la limo’ o ‘Mala mujer’. Le ha quedado un poco más ‘Mi cama’ esta vez”. Sebas E. Alonso.

Years & Years, SOPHIE, Mitski, Axolotes Mexicanos y Cariño entran en el top 40 de JNSP

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‘Accelerate’ continúa en el número 1 de las canciones más votadas por los lectores de JENESAISPOP, seguida por ‘Hunger’ de Florence + the Machine (esta semana en Bilbao BBK Live), y por ‘Malamente’ de Rosalía. Destaca las subidas de St Vincent, justo tras visitar Vida Festival, y Halsey. Hay además numerosas entradas: canciones de Years & Years, SOPHIE, Mitski, Axolotes Mexicanos y Cariño. Toca despedirse de ‘Black Car’ de Beach House, ya con 10 semanas de permanencia y en la parte baja de la tabla. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 9 Accelerate Christina Aguilera, Ty Dolla Sign, 2 Chainz Vota
2 4 2 9 Hunger Florence + the Machine Vota
3 3 1 5 Malamente Rosalía Vota
4 2 1 11 No Tears Left to Cry Ariana Grande Vota
5 6 1 13 Anna Wintour Azealia Banks Vota
6 15 12 9 Bloom Troye Sivan Vota
7 11 2 18 IDGAF Dua Lipa Vota
8 5 2 13 One Kiss Calvin Harris, Dua Lipa Vota
9 8 8 2 Apeshit The Carters Vota
10 9 4 11 deep end Lykke Li Vota
11 13 11 3 Ataraxia La Casa Azul Vota
12 14 1 23 Dancing Kylie Minogue Vota
13 21 13 2 Fast Slow Disco St Vincent Vota
14 7 7 3 Dance to This Troye Sivan, Ariana Grande Vota
15 15 1 All for You Years & Years Vota
16 12 5 8 This Is America Childish Gambino Vota
17 29 15 4 Lost My Mind Lily Allen Vota
18 16 4 11 Make Me Feel Janelle Monáe Vota
19 17 10 4 bitches Tove Lo, Charli XCX, Icona Pop, Elliphant, ALMA Vota
20 18 8 12 PYNK Janelle Monáe Vota
21 38 21 2 Strangers Halsey, Lauren Jauregui Vota
22 22 1 Immaterial SOPHIE Vota
23 10 5 5 Brillo J Balvin, Rosalía Vota
24 24 13 5 5 In the Morning Charli XCX Vota
25 20 3 7 Four Out of Five Arctic Monkeys Vota
26 23 17 7 Solo Clean Bandit, Demi Lovato Vota
27 35 27 5 Humility Gorillaz Vota
28 19 13 10 Black Car Beach House Vota
29 25 25 2 Bien duro C. Tangana Vota
30 27 25 4 The Invisibles Suede Vota
31 33 21 6 Don’t Miss It James Blake Vota
32 36 26 5 Give Yourself a Try The 1975 Vota
33 28 28 2 Sabes la noche Hazte Lapón Vota
34 40 24 9 All My Dreams Róisín Murphy Vota
35 34 25 9 Mercy Madame Monsieur Vota
36 37 23 7 Toy Netta Vota
37 37 1 Nobody Mitski Vota
38 38 1 Astor Axolotes Mexicanos Vota
39 39 20 6 Ocean Goldfrapp, Dave Gahan Vota
40 40 1 Canción de pop de amor Cariño Vota
Candidatos Canción Artista
Proxy Love HMLTD Vota
Gitanas Mala Rodríguez Vota
Ficción Costa ft Bebe Vota
Burn the House Down Kiddy Smile Vota
It’s Not Just Me Let’s Eat Grandma Vota
Ride or Die The Knocks, Foster the People Vota
Barcelona City Tour Mourn Vota
Girl The Parrots Vota
WYWD Kelela, Girl Unit Vota
Kream Iggy Azalea Vota
Alright Jain Vota
Verbena Novedades Carminha Vota
Internationally Bad Gyal Vota
Me pelea Dellafuente Vota
Girlfriend Christine and the Queens Vota

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SOPHIE confirma que está trabajando con Lady Gaga

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A espera de que se estrene ‘Ha nacido una estrella’, la película que protagoniza junto a Bradley Cooper, Lady Gaga prepara estos días nueva música y parece que será bastante electro, ya que se sabe que ha compartido estudio con Boys Noize y también con BloodPop, conocido por su estilo electropop, si bien el productor estaba también presente en un disco tan poco electro como ‘Joanne‘ de la propia Gaga.

Se rumoreaba que SOPHIE, una de las mayores representantes del sonido PC Music en la actualidad -pese a que no pertenece técnicamente al colectivo de A.G. Cook-, también se encontraba trabajando con Gaga, y la productora escocesa ha confirmado los rumores esta noche a unos fans. Como puede verse en el vídeo que adjuntamos abajo, SOPHIE asegura que sí, que está trabajando con Gaga pero como trabaja “en otras cosas al mismo tiempo”, y apunta que por el momento no sabe si ese material que ha preparado con ella verá la luz.

SOPHIE acaba de publicar su debut oficial, ‘Oil of Every Pearl’s Un-Insides‘, que llega después del recopilatorio de singles ‘Product‘. Su estilo de pop electrónico híper-artificial y brutalista se resume en temas como ‘Ponyboy’ o ‘Immaterial’, y se ha dejado escuchar también en numerosas producciones para Charli XCX, en una co-producción para Madonna y en varios temas del nuevo disco de Let’s Eat Grandma.

Zayn versiona a Elvis y a Beyoncé y promete que su disco se acerca

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Zayn sigue sin dar detalles de su segundo disco pese a que ya son varios los adelantos que se han publicado de él, entre ellos un ‘Dusk Til Dawn‘ con Sia que ha logrado un éxito mastodóntico en las plataformas de streaming, y un ‘Still Got Time‘ que también ha sido hit y de hecho llegaba antes. A estos le han seguido recientemente ‘Let Me‘ y ‘Entertainer‘, si bien su recepción comercial ha sido más tibia, podría decirse incluso que decepcionante.

El cantante británico sigue sin anunciar la continuación de ‘Mind of Mine’, pero sí ha querido apaciguar la espera de sus fans estrenando nuevo material en forma de versiones. Hoy domingo, Zayn ha publicado una taciturna interpretación de ‘Can’t Help Falling in Love’ de Elvis Presley, y hace unos días estrenaba una muy digna versión de ‘Me, Myself and I’ de Beyoncé. Curiosa elección esta última, pues no se trata de una de las canciones más recordadas de Beyoncé (fue el tercer single de su álbum debut en solitario, tras ‘Crazy in Love’ y ‘Baby Boy’).

Zayn promete además que su álbum “se acerca” -ya lo figurábamos- y apunta que tiene varias “sorpresas” preparadas para sus fans… Cabe preguntarse si la elección concreta de estos dos artistas con el objetivo de versionarlos no es indicativa de algo…

La canción del día: ‘WYWD’ de Kelela y Girl Unit une naturaleza y futuro en una bailable canción de desamor

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Kelela y Girl Unit -el DJ y productor británico Philip Gamble- no habían publicado hasta hace poco más que un par de colaboraciones, pero de su unión ha nacido probablemente la mejor canción de Kelela, ‘Rewind‘, por lo que la sorpresa de descubrir, hace unas semanas, el lanzamiento de una tercera colaboración entre ambos, ‘WYWD’, era mayúscula.

Y mayúscula es también esta bailable canción que lleva la palabra “remix” adjunta a su título porque en origen fue una balada, como ha contado Girl Unit en una entrevista. “La canción tenía potencial de ir más allá, tener un punto más luminoso, lo cual me llevó a la dirección del funky y el house”. ‘WYWD’ se vertebra en un ritmo latin house que evoca a Moloko, pero su húmeda atmósfera, que conjuga el canto de unos pájaros y la melodía de un xilófono, es mucho más oscura que por ejemplo ‘Forever More’, y evoca el elemento taciturno de esa cubierta en la que Kelela aparece contemplando un paisaje futurista desde su apartamento. Futuro y naturaleza parecen unirse en ‘WYWD’ de la misma manera que en el vídeo de Bok Bok y Kelela para ‘Melba’s Call’.

‘WYWD’ (“what you wanna do”) presenta un espíritu melancólico ya desde sus primeras frases, en las que Kelela se muestra exhausta por un amor que tanto a ella como a su amante se les ha “ido de las manos”. Kelela está “sentimental” porque su “vuelo sale mañana” y es incapaz de encontrar las palabras “adecuadas” para comunicar a su amante que en realidad ya no está interesada en él, ya que ha encontrado a otra persona “igual” que ella, con la que probablemente espera no “acomodarse” y caer en el tedio. Un pecado que, desde luego, esta canción se queda muy lejos de cometer.

Radiohead estrenan ‘Spectre’ en directo y tocan ‘Blow Out’ por primera vez en 10 años

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Este fin de semana, Radiohead han iniciado una nueva gira por Estados Unidos en presentación de su último disco, ‘A Moon Shaped Pool‘. El concierto ha tenido lugar en Chicago y, como siempre, su setlist ha dejado alguna que otra sorpresa, ya que Thom Yorke y compañía han rescatado una de esas canciones que llevaban tiempo sin tocar, en concreto ‘Blow Out’, el tema que cerraba su debut de 1993, ‘Pablo Honey’. Radiohead no tocaban esta canción desde 2008, hace 10 años. En el concierto, los autores de ‘OK Computer’ han estrenado también en directo ‘Spectre‘, su tema (descartado) para ‘James Bond: Spectre’.

Radiohead han sido noticia recientemente después que viera la luz en internet la versión completa de ‘Come to Your Senses’, un tema inédito que tocaron en 2006 durante un ensayo en California, poco antes de la edición de ‘In Rainbows‘, y que era muy buscado por los fans del grupo. Sorprendía además el sonido country de la canción.

Recientemente hemos podido ver a Thom Yorke en la última edición del festival Sónar de Barcelona, donde ha presentado material nuevo de su trabajo en solitario, y también temas ya conocidos de sus proyectos ‘The Eraser’ ,’Atoms for Peace’ y ‘Tomorrow’s Modern Boxes’.

Ezra Furman / Transangelic Exodus

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Cuando vi a Ezra Furman en el último Primavera Sound, travestido, luciendo un ostentoso collar de perlas, pensé que se tenía que ser muy grande para llevar un complemento tan cursi y trasnochado como ese y que le quedara bien. Después versionó el ‘Hounds of Love’ y reflexioné sobre la cantidad de talento que se necesita para hacer tuya una de las canciones más famosas de Kate Bush. Algo similar me ocurre con su plasmaciones discográficas; esa sensación de que Furman se apropia de un montón de artistas que le gustan, los lleva a su terreno, los deglute y arroja un resultado en que su personalidad queda por encima de todo, a pesar de hacer tan evidente sus préstamos.

Si en su anterior disco, ‘Perpetual Motion People’, Ezra jugaba a ser una estrella del pop fastuoso de los 60, esta vez lleva el foco a los años 80 y 90, eleva un poco el histrionismo, desata la imaginería queer y se catapulta al Paraíso. ‘Transangelic Exodus’ es mejor, pero infinitamente mejor, que su predecesor. Como si de una road movie se tratara (¿acaso la portada no parece un cartel de película?), Ezra narra la huida con su amante de un entorno hostil. El álbum está dedicado a los inmigrantes, a los refugiados, a los encerrados a la fuerza en los armarios; a todos esos seres vulnerables, heridos y perseguidos por la sociedad y que buscan un mundo mejor. De hecho, a poco que escarbas las letras en Genius, te encuentras con una cantidad apabullante de información sobre la naturaleza cinematográfica y todos los significados de las canciones. Pero el contenido no sirve de mucho si el continente no te sacude. Y el continente es abrumador; pop melodramático con poco drama y sí con mucha euforia contagiosa. La que emana Ezra, con su voz poderosa, elástica, ligeramente nasal, levemente rasposa, dominando todo.

En su interpretación, Furman asemeja, a rasgos generales, a Ian McCulloch o David McComb, los líderes de dos de los grupos señeros del pop épico de los ochenta, Echo and the Bunnymen y The Triffids. Pero hay más, muchos más a los que vampiriza tiernamente. La primera y sensualísima (¡ese título!) ‘Suck the Blood from my Wound’ recuerda a los MGMT de ‘Time to Pretend’; es una pieza saltarina, basada en riffs de sintetizadores, casi de BSO de film de John Hughes. ‘Driving Down to LA’ refleja la épica del coche y la fuga romántica, entre el blues y Kate Bush. En ‘No Place’, juega a ser un Nick Cave enloquecido y la PJ Harvey de ‘To Bring You My Love’, peleándose con trompetas mariachis. O te lleva a unos Suede golpeando timbales en la fulgurante ‘The Great Unknown’. Pero también hay lugar para rendir pleitesía a hermosos perdedores como Daniel Johnston en la preciosa ‘Gods Lift up the Lowly’, conducida por un melancólico piano, leves arreglos de cuerda y con la voz de Ezra sonando como si proviniera de un viejo radiocasette. Hay un momento en que la suntuosidad de ‘Maraschino-Red Dress $8.99 at Goodwill’ (guitarras de puro rock bailable a lo INSX) y ‘From a Beach House’ (que juraría que también incluye recordatorio musical a la banda del mismo nombre) pueden parecen bajar un poco el nivel (sólo un poco), pero entonces irrumpe la divina, maravillosa, ‘Love You So Bad’, construida con cuerdas y batería, puntuada por unos coros de lo más guasón y coronada por un magnífico y pegadizo estribillo. Y cuando crees que ya no puede dar más de sí esa estupendísima historia de amor fou adolescente, va y la remata con unos “wah-wah-wah” y las cuerdas desatadas en velocidad ascendente hasta el final. Quizás mi canción favorita en lo que llevamos de año; glorioso pop en cinemascope. Hasta el final no emergen los únicos recordatorios a los 60, ‘I Lost My Innocence’ y ‘Psalm 51’, con claro robo del ‘She Said, She Said’ de los Beatles e inflexiones de Father John Misty.

Ezra Furman es un personaje fascinante que en su nueva película se presenta como un fugitivo. Pero lo que es en realidad es un ladrón de guante blanco, uno de esos que planean un golpe prodigioso y obtienen una recompensa exuberante. Pero los realmente agraciados somos nosotros.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: ‘Suck the Blood of My Wound’, ‘Driving Down to LA’, ‘Gods Lift up the Lowly’, ‘No Place’, ‘Love You so Bad’
Te gustará si te gusta: el pop melodramático, de Suede a Triffids, pasando por Nick Cave y Kate Bush.
Escúchalo: Spotify

Crystal Fighters revientan el Río Babel

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Dice un viejo refrán que a quien los suyos se parece, honra merece. Durante largos años -e incluso actualmente- se ha tenido a infravalorar la música latinoamericana, estigmatizando géneros como la salsa, la cumbia o la bachata (ni hablemos ya del reguetón). Sin embargo, iniciativas como éste Río Babel recogen el testigo de una nueva generación de músicos para los cuales la fusión importa tanto como el rescate de los géneros que sus abuelos bailaban a lo largo de todo el llamado nuevo continente. Quien a los suyos se parece, honra merece. Ya no hay estigma que valga cuando se trata de géneros latinos. Foto: Daniel Cruz.

Y si no, que se lo digan a Los Caligaris, encargados de dar el pistoletazo de salida a la segunda y última jornada del Río Babel. Los argentinos sufren de todo menos vergüenza, ya sea de orígenes o estética. Bajo un concepto circense, los responsables del “Show más feliz del mundo”, como ellos mismos han bautizado su espectáculo, retaron al mismo solano de julio de Madrid, haciendo quitarse la camiseta a la concurrencia para abanicarla al aire al ritmo de su mezcolanza de rock, ska y funky. Un alarde de energía que incluso ellos mismos sufrían. “Ya me estoy cansando”, decía el vocalista, Martín Pampiglione, cuando faltaban pocos minutos para terminar el concierto. Sudorosos y sin camiseta, los argentinos daban paso a Quantic Live (¿quizás hubiera sido más acertado el orden inverso?)

A pesar de nacer como producción del DJ Will Holland, en Río Bbael Quantic Live se vio representada en formato de banda instrumental. Deshaciéndose en mezclas y temas propios de Joe Arroyo entremezclados con bases de jazz y blues, la Cumbia sobre el mar se desarrollaba bajo un concepto bailable que alcanzó su cénit con ‘Sol Clap’. A pesar del sol y el calor, la banda de Quantic trasladaba las visiones electrónicas del colombiano a través de un teclado, un saxofón y las sempiternas guitarra, bajo y batería.

Arco cumplía en esta jornada la misión que ya había satisfecho Juanito Makandé la anterior, aunque quizás con menor soltura y éxito. El ex vocalista del Puchero del Hortelano no lograba involucrar a parte de la audiencia con su registro cantautoril aflamencado, aunque sí entonó lo suficiente para servir de transición a Bebe, la primera de las cabezas de cartel de la tarde.

Comenzando con ‘Siempre me quedará’ y ella misma a la guitarra española, la extremeña tiraba de su faceta más latina, contoneándose y tirando de ¿silla de abuela? sobre el escenario para dar vida a la gráfica ‘Con mis manos’. Ella, y su abanico. No subestimes a esta bicha aunque tenga poca chicha en la cintura. Ni se nos ocurriría.

The Cat Empire fueron la sorpresa de la tarde -ya casi noche-. A pesar de la aparente languidez de sus discos de estudio, los australianos se marcaban un directo en el que hacían parecer que pasar del rock al ska es fácil una cuestión de buen rollo. Tanto, como pasar del pasodoble a la salsa y al reggae. Crystal Fighters llegaban en el punto en el que la energía parecía que ya no podría subir más. Pero subió.

Tras una intro de percusión indígena, ‘I Love London’ se convertía en el comienzo de un show en el que la energía no decayó en ningún momento. Serpentinas blancas explotando desde el escenario, cubierto por plantas selváticas y habitado por los vasco-británicos – los cuáles no dejaron de agradecer con el binomio gracias-eskerrik asko su implicación a la concurrencia. Incluso se permitieron el lujo de dejar espacio para el coreo de “otra, otra” y un bis que se antojaba imprescindible con ‘Plage’ y pelotas de playa y más serpentinas arrojadas al público, inconmensurable -llenando todo el recinto de Babel en el IFEMA- y extasiado.

Muchos de ellos, de hecho, abandonaron misión al comenzar Miranda!, quizás un tanto deslucidos tras la agresividad de la energía de Crystal Fighters. Los argentinos se marcaban el show más Orgullo del Babel con una indumentaria a base de lentejuelas doradas, visibles a kilómetros, y coreografías que traían a la mente a los también adorables Confidence Man.

Tras ellos, los peruanos Dengue Dengue Dengue, ataviados con sus habituales máscaras rituales, remataban el festival trasformando en música y remezcla la filosofía que exudaban estos días: capaces de partir de las bases de los ritmos indígenas para hacerlos confluir en la base de la brasileña y la salsa en un mismo tema, el dúo demostraba que lo latino trasciende con mucho la imagen que nos han vendido de él. Imposible parar de bailar. Imposible hacerse a la idea de esperar otro año más un nuevo Babel. Al menos nos quedan los tequeños.

Father John Misty / God’s Favorite Customer

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Que Joshua Tillman es uno de los más grandes compositores de música rock que ha explotado –tras sus buenas pero más taciturnas aproximaciones como J Tillman– en esta década que se aproxima a su final es un hecho. Father John Misty, el personaje inspirado en sí mismo que inventó para disfrazar sus debilidades, le ha llevado a un estado de gracia con el que había encadenado tres discos mayúsculos en varios niveles como ‘Fear Fun’, ‘I Love You, Honeybear’ y ‘Pure Comedy’. Sin apenas darnos respiro tras ese extenso y enrevesado álbum doble del pasado año, Tillman publica este ‘God’s Favorite Costumer’ que huele a fin de ciclo, a reflexión –no, no lo digo sólo por su pose meditativa en la portada del álbum, pero…– sobre lo que ese canalla desinhibido capaz de esparcir a los cuatro vientos toda su intimidad marital camuflada en sus reflexiones sobre la condición humana (o al revés) ha hecho a su propia vida privada.

Aunque a diferencia de los anteriores, según el autor, este no sea un disco-concepto, sí hay una unidad en ‘God’s Favorite Customer’. Y es que no puede ocultar que es un álbum surgido de y sobre el dolor y la tristeza que Misty vivió durante las seis semanas en las que estuvo viviendo en un hotel de Manhattan tras una ruptura (temporal, por suerte para él) con su esposa. Una separación derivada de un trabajo, el de él, que no sólo agudiza la pérdida de control sobre sus adicciones sino que empeora su tendencia a la depresión y, por supuesto, le separa durante largos periodos de Emma. Es cierto que, como prometió el cantautor de Maryland, se trata de un álbum que emplea unos ritmos más alegres y saltarines que su anterior disco, más lento y arisco. Pero estas diez canciones, paradójicamente, contienen más confesión personal, pena y lamento que todo aquel álbum en su conjunto. Él mismo lo ha etiquetado como “el auténtico ‘I Love You, Honeybear’”.

Incluso con sus abundantes (y habituales) trazas de humor –el retrato de su comportamiento errático en aquel hotel regala en ‘Mr. Tillman’ momentos tan hilarantes como sombríos, al igual que el patetismo de algún intento de poner en práctica su aura de fucker durante sus días de soltería en ‘Date Night’, la preclara visión de la depresión y las tendencias suicidas en ‘Hang Out In The Gallows’ o la fantasía ególatra de ‘Please Don’t Die’, en la que pone en voz de su esposa todo lo que le añora y cómo irrumpe de nuevo en su vida, en modo heroína, para rescatarle de las garras de la muerte–, todo apunta a un autofustigamiento por haber echado a perder esa relación preciosa que él mismo había sobreexpuesto en su álbum de 2015 –algo que lamenta abiertamente en los magníficos versos de ‘The Songwriter’, en la que juega a imaginar qué pasaría si su mujer fuera la compositora y él el que la espera en casa–. Finalmente, su empecinamiento (‘Just Dumb Enough To Try’) por salvar su relación le ayudan a ver que, en realidad, no existe el matrimonio idílico y, sólo asumirlo, puede librarles de la decepción y la ruptura definitiva (‘Disappointing Diamonds Are The Rarest Of Them All’).

Pero ‘God’s Favorite Customer’ también tiene un aire conceptual en lo musical y lo estético con el espíritu de inmediatez que desprende: tras la ultraproducida foto de portada de Pari Dukovic, el encarte presenta un cartoncillo con anotaciones y dibujos a mano, lleno de tachones sin duda nada aleatorios; para más inri, la galleta del vinilo es la empleada para las copias-prototipo, con una pegatina encima que aclara su autor y título. Pese a que no carece de arreglos elaborados (la producción se la reparte el propio JT con Jonathan Rado –Foxygen– o Dave Cerminara –ingeniero para Foster The People, The Neighborhood–; en sus créditos figuran arreglos y colaboraciones del oscuro The Haxan Cloak, Jonathan Wilson y hasta Mark Ronson), las composiciones parecen ir al grano y no dilatarse –salvo alguna excepción– más allá de unos 3 o 4 minutos, aportando una saludable sabor a improvisación al conjunto.

Cuando esto se conjuga con la inspiración de la que Tillman ha venido presumiendo en el último lustro, el resultado es un puñado da canciones sublimes como las concentradas en su cara A. Se trata, quizá, de la mejor sucesión de cinco canciones de toda su carrera y en las que, más que nunca, los nombres de John Lennon y George Harrison nos visitan como claros referentes. Su cara B, en cambio, alterna momentos tan brillantes como los de su anverso –‘Disappointing Diamonds Are The Rarest Of Them All’ y el corte titular en el que, con preciosos contrapuntos vocales de Weyes Blood, reclama ayuda a Dios en contraprestación por toda la devoción que le dispensó en su infancia gracias a su familia evangélica– con otros que destacan mucho más por qué y cómo lo que cuentan (la citada ‘The Songwriter’, ‘The Palace’) que por su vehículo musical. Pero que no todo ‘God’s Favorite Customer’ sea igual de deslumbrante no implica que no estemos ante otro disco magnífico, con el que Father John Misty parece cerrar un periodo de altísima producción artística que ya le ha reservado un nombre en letras doradas en la historia de la música popular de los 10s.

Calificación: 7,9/10
Te gustará si te gusta: el pop rock orquestal de otro tiempo, como el de John Lennon, George Harrison o Randy Newman.
Lo mejor: su cara A al completo.
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Nathy Peluso, Bunbury y Los Auténticos Decadentes, lo mejor de la 1ª jornada de Río Babel

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El Festival Río Babel, que el pasado año sorprendió por su acertada apuesta por la música latinoamericana, con bandas como Los Fabulosos Cadillacs, vuelve este segundo año de vida a demostrar que en Madrid no solo lo petan los Arctic Monkeys. También, otras apuestas alternativas y más cercanas a la comunidad latina, a la que quizás no se presta toda la atención que se debería, a la vista de la intensidad de la celebración del público durante esta primera jornada. Fotos: Hara Amros (Bunbury, Paco León).

Estrenando nueva ubicación, el Festival Río Babel arrancaba con los siempre simpáticos Jenny & The Mexicats y su particular apuesta por la fusión del rock, el sonido de la trompeta de Jenny y melodías bailables, reconocibles y de regusto a vieja feria (todo con la connotación positiva, no me vayan ustedes a malinterpretar). Ataviada con una gorra de béisbol, la inglesa no cesó en su intento de hacer bailar a una concurrencia que se escabulle del sol de la mejor manera posible. A pesar de la coincidencia en fechas con el Orgullo, no faltó audiencia para los segundos de la tarde, We The Lion. Los peruanos se aventuraron con un mash up de la intro de ‘Juego de Tronos’, así como un par de versiones bastante acertadas, como la de ‘Ho Hey’, de The Lumineers – efectivamente, We The Lion bebe mucho de la moda del folk y el ukelele-, terminando con su archiconocido ‘Found Love’.

Nathy Peluso, uno de los reclamos del cartel del día, recogía el testigo con todas las ganas de bailar del mundo y su particular interpretación del ‘Bang Bang’ de Nancy Sinatra y ‘Dos Gardenias’, dedicando incluso un tema entero al lucimiento de su DJ y la banda mientras ella demostraba que no solo la precede su voz, también una presencia magnética, fuerte y extremadamente carismática. Terminaba su actuación con ‘Corashe’, dejando tan solo unos pocos segundos a Juanito Makandé para el comienzo de su show.

El gaditano fue el único que hizo referencia al tema oficial del fin de semana con un escueto “ojalá llegue el día que no hablemos de hombres ni de mujeres, si no de personas. Mientras tanto, ¡viva las mujeres!” Y poco más. “Es un orgasmo estar aquí con vosotros”. Labia no le faltaba y ganas de convertir el Babel en un tablao, con su escenario decorado al más puro estilo de la Línea de la Concepción, tampoco. Un espectáculo bailable en el que no faltó ‘Niña voladora’ y que culminó con la versión de ‘Eres para mí’ de Julieta Venegas.

Bunbury sustituía al andaluz en el escenario contiguo ganándose al público con un “en este concierto haré un recorrido por toda mi carrera”. El público enfervorizó (pocas cosas podían dar más miedo que un Bunbury sin sus temas míticos de Héroes del Silencio). Más cansadete de lo habitual y con menos intensidad en sus típicas poses, pero con el mismo vozarrón infatigable y personalísimo, Enrique (nombre que el público coreaba una y otra vez) comenzó su show con su último single, ‘La actitud correcta’, terminándolo con el primero de los singles que le dio a conocer en solitario, ‘Lady Blue’. Entre medias no faltaron ‘Maldito Duende’, ‘Héroe de Leyenda’ o ‘El Extranjero’. Al maño hay que reconocerle su capacidad para llevar su espectáculo allá donde va sin dejar de lado en ningún momento al público, al cual agradeció cada uno de sus gestos.

Alamedadosoulna recogió la emoción depositada por el maño, transformándola en un puro pogo agitado con una barra mágica del ritmo (no, no se puede definir de otra manera) y un show de canciones continuas en las que poder corear “soy una culebra” o chocarse con el personal al ritmo de las covers encadenadas de ‘Crazy in Love’ o ‘Respect’. No parecían querer bajarse del escenario -algo que siempre les pasa- y, de hecho, la velocidad de su set hizo incluso que pareciera más corto de lo habitual (¿sería así?).

Los Auténticos Decadentes no se andaron por las ramas: globitos de colores para la concurrencia y visuales en los que los colorines no daban descanso a la retina, como tampoco los trajes de Cuto, Nicho y El Francés. Al contrario que ocurrió con Alameda, los argentinos pecaron de disminuir el ritmo de ‘Loco (Tu forma de ser)’, así como de acelerarlo en ‘No me importa el dinero’. Lo que no faltaron fue duchas de ¿cerveza?, ¿era cerveza? a los asistentes, bombona y pistola mediante desde el mismo escenario.

King Coya y las Queen Cholas se encargaban de rematar el primer día de festival al más puro estilo Babel: ellas dos disfrazadas con cabezas de lobo, él ataviado con una chamarra de chamán. Coreografías adictivas, ritmos afro-latinos y un dub soterrado en la electrónica y los remixes más heterogéneos de la Pachamama, directamente desde la confianza del Sónar.

Mañana sábado le tocará a Bebe, The Crystal Fighters y Cat Empire compensar la falta de Molotov. No les será difícil, pues ganas no faltan. (Y tequeños, en la zona de foodtracks, tampoco).

La canción del día: ‘Kream’ es el hit de rap duro que buscaba Iggy Azalea

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Iggy Azalea nunca volverá a tener un número uno, ni será “Best New Track”, y a estas alturas, es posible que jamás vuelva a sacar un disco, pero no puede negarse que al menos está sacando música interesante. ‘Mo Bounce’ era brutal, ‘Savior’ un hit tropipop perdido y su nuevo single de rap, ‘Kream’ con Tyga, es bueno y además el más creíble de todos.

El martirio de Azalea, esa rapera australiana, más blanca que la leche, ha sido siempre no haber logrado un verdadero éxito con una canción que fuera íntegramente de hip-hop, que no contara, en definitiva, con un gancho melódico diseñado para facilitar su digestión a las masas no consumidoras de este género. ‘Kream’ no está pensada para ellas, es puramente hip-hop, durilla, oscura e hipnótica, y tiene un sólido elemento “cool”, gracias a su fría base, a ese “ay” doblado que se repite a lo largo de la canción y a una serie de sonoras frases a cada cual más adictiva. Entre estas, “open up the safe, bitches got a lot to say”, “ass rules everything around me”, el nombre “Bella Hadid” y el diálogo entre Tyga e Iggy, cuando Tyga pregunta, “can you drop it down, make that ass talk to me?”, a lo que Iggy responde, “Keep that energy, gon’ up that Hennessy”.

Cabe preguntarse cómo es posible que se hayan necesitado hasta 15 personas para escribir una canción cuya gracia en realidad está en lo sencilla que parece, en la sensualidad fría y en la intriga que desprende con tan poco. Entre ellas se encuentra misteriosamente un Isaac Hayes que murió en 2008 y cuya presencia en ‘Kream’ ha de deberse a un sample (¿quizá ese “ahhhh” cortado que suena antes de cada verso?). En cualquier caso, ‘Kream’ es la primera canción de Iggy Azalea en mucho tiempo que no cuesta imaginar logrando un mini éxito espontáneo gracias a su completa naturalidad. Algunos singles antiguos de Azalea parecían forzados, este en absoluto: es “crema” pura.

Nicki Minaj y Ariana Grande hacen un vídeo desastroso para ‘Bed’

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Nicki Minaj ha estrenado el vídeo de ‘Bed’, su reciente colaboración con Ariana Grande, y las reacciones que este está suscitando en los fans no son demasiado positivas. Tras la dirección del vídeo se encuentra Hype Williams, quien ya trabajó con Minaj en el clip de ‘Va Va Voom’, y cuyo trabajo en ‘Bed’ parece cuanto menos apresurado: hay quien se está preguntando si esto no es en verdad un “fan edit”.

El vídeo de ‘Bed’ es un desastre. En él vemos a Minaj posar en una piscina, en la playa con una cola de sirena o en un hotel, mientras Grande canta su parte por su lado. Ambas se reúnen al final para ligar con dos maromos en una escena súper ensayada. En resumen, vemos en ‘Bed’ una serie de escenas unidas sin orden ni concierto que parecen de varios vídeos distintos, lo cual no tendría por qué ser un gran problema si no fuera por la extraña edición del vídeo en cuestión, que no brilla por su elegancia y fluidez precisamente. Las escenas de “product placement” son delirantes.

El vídeo de ‘Bed’ parece hecho ayer y sobre todo parece difícil imaginar que vaya a ayudar en algo al desempeño comercial de esta canción que, pese a la importancia de sus dos nombres involucrados, no está gustando demasiado a las masas. ‘Bed’ ha sido solo top 43 en Estados Unidos y en las plataformas de streaming está funcionando bien, pero no espectacularmente.

¿Hay espacio en el hip-hop americano para Bhad Bhabie, la chica del “cash me outside”?

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Esta noche actúa en la sala Razzmatazz de Barcelona una artista que en primer lugar fue personaje: tras Bhad Bhabie se esconde Danielle Bregoli, la joven de Florida que en 2016 alcanzó una enorme popularidad en Estados Unidos tras su visita, junto a su madre, al “talk show” del psicólogo Dr. Phil, en el que la madre de Bregoli buscaba poner solución al errático comportamiento de su hija. Atenta a la risa que suscitaba entre el público, durante un punto del programa Bregoli se enojó y espetó, con un extraño acento, la frase “cash me outside, how about da’” (“lo resolvemos en la calle, ¿qué te parece?”), que se ha convertido en icónica y de hecho está presente en la web de Urban Dictionary.

Como era de esperar, Bregoli ha buscado explotar su accidental fama y se ha pasado a la música, y en 2017 fichaba por Atlantic Records. Su primer single, ‘These Heaux’, entró en el Billboard y convirtió a Bhad Bhabie en la rapera más joven en lograr esta hazaña. Porque aunque parezca mentira, Bregoli nació en 2003: tiene solo 15 años, y es una risa leer en Twitter a fans más jóvenes incluso que ella lamentando no poder asistir al concierto al permitir este solo a personas mayores de edad. “Tía, no puedo ir a tu concierto y soy literalmente mayor que tú”.

Consciente de que tiene un producto potente entre manos, Atlantic Records no está dando a Bhad Bhabie sus peores canciones precisamente, y temas como ‘Trust Me’, con su punto R&B y colaboración del mismísimo Ty Dolla $ign, uno de los raperos más solicitados del momento (está en ‘Pyscho’ de Post Malone y ‘Accelerate’ de Christina, por ejemplo), y ‘Mama Don’t Worry (I Still Ain’t Dirty)’, no están nada mal. Ojo también el vídeo para ‘Hi Bich / Whachu Know’, porque está claro que Atlantic no se está andando con chiquitas con Bregoli tampoco en cuanto a presupuesto, y ahora que Cardi B ha pasado de ser una estrella de reality a la rapera más importante del momento, jugando bien sus cartas podríamos tener mucho Bhad Bhabie por delante.