El festival Boombastic, celebrado en Asturias, ha sufrido una tragedia después de que un joven madrileño de 25 años perdiese la vida en la madrugada de este sábado tras recibir un golpe en la cabeza mientras estaba montado en la noria del evento. Aunque no se conocen muchos detalles, el suceso se describe como un accidente.
Este ocurrió sobre las 4:30 de la mañana, momento en el que el fallecido sufrió un golpe mientras la atracción se encontraba en movimiento, tal y como ha informado la Guardia Civil a Efe. Los sanitarios asistieron al joven, pero no pudieron salvar su vida. En estos momentos las autoridades se encuentran investigando lo ocurrido en colaboración con la dirección del Boombastic.
La organización ha declarado que el evento «cumple todas las normativas vigentes respecto a seguridad», al igual que «sus empresas colaboradoras». Asimismo, ha expresado sus «condolencias a la familia y allegados» del fallecido. Por otra parte, la delegada del Gobierno en Asturias, Adriana Lastra, también ha trasladado su pésame a la familia del joven.
Jessie J ha revelado en un post de Instagram que ha sido diagnosticada con trastorno obsesivo-compulsivo (TOC) y trastorno por déficit de atención e hiperactividad (TDAH). Esta revela que los síntomas se hicieron más notables después de convertirse en madre.
La cantante lo ha explicado todo en un post de Instagram, compartiendo que aunque la noticia ha sido «reconfortante» ha sentido que no podía hablar de ello en público. «Es raro cuando sabes que toda tu vida has sido diferente y has sentido las cosas de forma distinta y finalmente un día, cuando menos te lo esperas, alguien explica por qué y no puedes evitarlo», cuenta la cantante.
Después de hablar del «amplio espectro» del TDAH, Jessie J describe el trastorno como un «superpoder, siempre que sea visto desde la perspectiva correcta y se tenga el apoyo de la gente de tu alrededor». Mientras que el TDAH afecta al comportamiento y concentración de las personas, haciéndolas parecer impulsivas o inquietas, el TOC es una condición de salud mental en la que la persona tiene pensamientos obsesivos y comportamientos compulsivos que suelen interferir en su vida.
La cantante de ‘Price Tag’ también ha compartido que el diagnóstico le ha hecho volver a pensar «sobre toda mi vida»: «La forma en la que he sido, la forma en la que lidio con las cosas, mis relaciones, cómo trabajo y cómo amo». Jessie J termina el comunicado en una nota positiva, asegurando que esto le ha hecho «quererme todavía más».
En un inesperado post de Instagram, Mitski ha compartido su particular versión de la canción italiana ‘Bella Ciao’, himno de la resistencia antifascista en Italia durante la Segunda Guerra Mundial. La cantante nipo-estadounidense ha traducido la letra al inglés con Google Translate «descaradamente», según admite en el vídeo.
«Quiero escuchar vuestra versión en vuestro lenguaje», se lee en la caption del post de Mitski, en el que también anima a sus seguidores a que creen otra versión en su propio idioma. Incluso comparte el hashtag #BellaCiaoWithMitski para que ella misma pueda estar al tanto de los vídeos.
«He intentado hacer una versión en inglés de esta importante canción italiana llamada ‘Bella Ciao'», cuenta la cantante en el vídeo. También admitió que no habla «ni una pizca de italiano» así que se vio obligada a recurrir a Google Translate, al igual que a tomar «inspiración de las versiones en inglés de Tom Waits y Marc Ribot».
«Si sabes italiano, no como yo, seguro que puedes escribir una mejor traducción de la que yo he hecho. Si eres una de esas personas, ¡hazlo! ¡Inténtalo! Y grábalo. Quiero verlo», finalizaba Mitski antes de brindar su preciosa voz al servicio de la canción italiana.
En 2019, dos años después de que lanzase -y pasara inadvertido- su álbum debut ‘Play Till You Win’, Cassandra Jenkins estaba a punto de irse de gira como parte de la banda de Purple Mountains cuando recibió, apenas unas horas antes, la noticia de que David Berman, se había suicidado. En el proceso de creación de ‘An Overview On Phenomenal Nature’, su segundo disco, la pérdida de su amigo sobrevolaba inevitablemente la mente de la artista neoyorkina.
Las canciones tienen un decidido aire espiritual, una voluntad de encontrarle sentido a la vida y a uno mismo, y a la vez, de explorar vidas e historias ajenas. De aprender del mundo y, sobre todo, de la gente que lo habita. Codeándose con Josh Kaufman (quien ha trabajado como músico en las grabaciones de discos de The War On Drugs o Taylor Swift) como productor principal, Jenkins impone un tono sosegado y magnético a lo largo de las siete pistas que componen el álbum, ejerciendo, además, de prodigiosa narradora con su susurrante voz, a veces cantada, a veces hablada.
La poesía de ‘An Overview…’ desborda al oyente desde los primeros segundos con ‘Michelangelo’, donde Jenkins se compara con un perro de tres patas, ya que parte de ella “siempre estará buscando lo que ha perdido”. Esa primera frase es un perfecto ejemplo del tipo de escritura que se ofrece en este trabajo: tan irónica como existencial, tan casual y ligera como punzante. En esa canción sin estribillo e impulsada por la fuerza de sus progresivas guitarras eléctricas, Jenkins nos abre una puerta y nos invita a experimentar el mundo con sus ojos.
En la sutilmente desgarradora ‘New Bikini’, incorpora los instrumentos de viento que nos acompañarán a lo largo del álbum mientras nos presenta con suma delicadeza a varios personajes y escenas de su vida: Warren, un pescador al que ve todos los fines de semana; el recuerdo de cuando murió David (Berman, suponemos) y sus amigos le regalaron un viaje a Noruega; su madre preocupada que le compra un bikini nuevo para animarla; su amigo Grey que está luchando contra una enfermedad. La conexión entre todos ellos es que los unos a los otros se aconsejan bañarse en el océano, purificarse con el agua que todo lo cura.
Precisamente sobre curarse trata también ‘Hard Drive’, una canción sorprendente y simplemente perfecta. En ella, Jenkins recita de forma hablada varios versos sobre distintos desconocidos con los que se va cruzando en diferentes lugares. Hay una guardia de seguridad (a la cual oímos al principio de la canción en una grabación) que afirma que al perder nuestra conexión con la naturaleza, perdemos nuestra humanidad, nuestro espíritu. En otro verso, Jenkins le pide al recepcionista del glamouroso restaurante californiano Inn of the 7th Ray que le hable de Saint Germain, y él comienza a contarle historias sobre chakras, el karma y el nacimiento del cosmos. Su amigo Darryl, que le está enseñando a conducir a los 35 años le pregunta si va a terapia, mientras que Perry le asegura que pese a que sabe que ha tenido unos meses duros, este año va a ser bueno. Le da unos golpecitos en el hombro y la invita a cerrar los ojos, respirar y contar hasta tres. Llegados a este momento, uno ya está totalmente inmerso en la novedosa y genial narrativa que propone Jenkins en esta canción-terapia, en la que uno se recompone a través de sus magníficos pasajes de saxofón, la nostálgica y cinematográfica melodía o la voz relajante y dulce de la cantante.
Uno de los temas claves del álbum es, sin lugar a duda, el anhelo por una fuerte conexión humana. Algo que se explicita aún más si cabe en la bellísima balada folk que es ‘Crosshairs’, donde Cassandra Jenkins solo quiere “derrumbarse en los brazos de alguien completamente desconocido”. La composición no solo posee uno de los estribillos más inmediatos del proyecto, sino que está elevada por una preciosa instrumentación en la que se funde el piano con las guitarras eléctricas y acústicas.
Para culminar ‘An Overview On Phenomenal Nature’, la cantautora opta por una pieza instrumental de 7 minutos donde se pueden escuchar voces lejanas ininteligibles o el sonido de los pájaros. Es un cierre conmovedor y justificado a un proyecto humanista y vital, que transita por el dolor, la soledad y la desconexión del mundo moderno para hacernos ver que aunque a veces creamos que está todo perdido, hay motivos para creer en la humanidad y en la bondad de los extraños; que es conveniente parar, respirar hondo y contar hasta tres para recomponer nuestro corazón roto.
Jade Thirlwall, conocida como JADE en su carrera en solitario, ha lanzado la que es automáticamente una de las mejores canciones de pop del año, y una de las más inesperadas. ‘Angel Of My Dreams’ es el primer single en solitario de JADE tras el «descanso» de Little Mix en 2022. Es la Canción del Día.
Aunque ‘Angel Of My Dreams’ en papel parece un tema de pop al uso de 3 minutos de duración, al darle al play las sorpresas se suceden una detrás de otra. Esta comienza como una emocional y grandiosa balada pop, con la artista británica cantándole a la industria musical y a su relación de amor/odio con ella: «Ángel de mis sueños / Siempre te amaré y te odiaré, no es justo».
Todo cambia a partir del primer verso, en el que queda claro que en realidad ‘Angel Of My Dreams’ es un camaleónico banger de verano. «Solo te importa el dinero / Vendiendo mi alma a un psicópata / Dicen que tengo suerte / Actúa como si tuvieses suerte, cariño», rapea JADE. El videoclip es el perfecto complemento a la canción, condensando toda su carrera musical con la ayuda de 11 looks diferentes y vídeos de su paso por Factor X.
«Quería que la canción sonase caótica», cuenta JADE, y lo consigue con creces. La música no para de cambiar de secciones y tempo, con la virtud de ser capaz de emocionar a la vez. El vídeo incluye un cameo del vocalista de Fontaines D.C., Grian Chatten, que viste con un chándal verde lima, también usado en el vídeo de ‘Starburster’. Chatten está en su brat summer.
Angel Of My Dreams is officially out in the world and I don’t know whether to cry or laugh or shit myself This song means everything to me – my love/hate letter to the music industry, telling my story from the beginning of my journey to now.https://t.co/7mL8Lri4fSpic.twitter.com/wV3ZQFZ8pZ
Charli xcx y Lorde no han tenido problema para sostener el top 1 de JENESAISPOP pese a que las polémicas canciones de Kesha y Katy Perry tienen sus fuertes defensores. Pero ‘girl, so confusing’ ha obtenido más del 51% de los votos en X. La entrada más fuerte es en cambio para Kylie con su bobada encantadora sobre signos zodiacales con Bebe Rexha y Tove Lo.
Del 19 de julio al 20 de agosto se celebra la edición online del Atlántida Film Fest, que tiene su versión presencial en Mallorca (19-28 de julio). Para abrir boca, destacamos cinco de las películas más interesantes que se podrán ver en el festival, del nuevo tour de force interpretativo de Marion Cotillard a la última provocación del siempre irreverente y cochino Bruce LaBruce.
Little Girl Blue (Mona Achache)
“Todo sobre mi madre” se podría titular esta película. Y sobre “mi abuela”, y sobre “mi bisabuela”. La historia de los antepasados femeninos de la directora Mona Achache es tremenda. De hecho, todas han escrito sobre las conflictivas relaciones con sus madres. ‘Little Girl Blue’, título que hace referencia a la célebre canción interpretada entre otras por Judy Garland, Nina Simone o Janis Joplin, es un docudrama que explora la vida de la madre de Mona, Carole Achache, quien se suicidó ahorcándose en 2016.
Carole era hija de Monique Lange, escritora y editora de Gallimard, que fue amiga íntima de Jean Genet y esposa de Juan Goytisolo, curiosamente los dos homosexuales. Carole creció en un ambiente muy rico intelectualmente pero muy pobre afectivamente, y tuvo una existencia marcada por los abusos sexuales, la prostitución y la adicción a las drogas. La película está planteada como un híbrido muy estimulante entre ficción, documental y representación teatral. Mona Achache repasa la vida de su madre a través de los documentos fotográficos y escritos que dejó y con el protagonismo de una espectacular Marion Cotillard encarnando a Carole. 7’5.
Blackbird, Blackberry (Elene Naveriani) ‘Solo nos queda bailar’ (2019), ‘Beginning’ (2020), ‘¿Qué vemos cuando miramos al cielo?’ (2021)… Últimamente no paran de llegar buenas películas del país de Sergei Parajanov y Otar Iosseliani. ‘Blackbird, Blackberry’, presentada en Cannes, es una nueva muestra del dinamismo del cine georgiano y la confirmación del talento de la directora georgiana-suiza Elene Naveriani (‘Soy un rayo de sol en la Tierra’, ‘Wet Sand’).
Mezclando el naturalismo y la sensualidad en la puesta en escena con la estética y el singular sentido del humor del cine de Kaurismäki, ‘Blackbird, Blackberry’ narra la crónica del primer amor y el despertar sexual de una mujer. La particularidad es que esta mujer, que vive sola en un pequeño pueblo donde regenta una mercería, tiene 48 años. Un tipo de personaje inusual, muy poco tratado en el cine, que es interpretado de forma excepcional por Eka Chavleishvili, ganadora de numerosos premios, quien compitió como mejor actriz europea con Sandra Hüller, ganadora por ‘Anatomía de una caída’. Toda una sorpresa. 8’5.
No esperes demasiado del fin del mundo (Radu Jude)
El inclasificable Radu Jude regresa con otra provocadora sátira sobre las miserias del tardocapitalismo y su impacto en la sociedad rumana contemporánea. Como en la anterior ‘Un polvo desafortunado o porno loco’, ‘No esperes demasiado del fin del mundo’ es una mezcla muy audaz y heterodoxa entre irreverente comedia costumbrista, lúcido ensayo sociopolítico y experimento cinéfilo.
La película sigue a una ayudante de producción audiovisual durante su interminable y estresante jornada laboral a bordo de una furgoneta. A partir de ese eje argumental, el filme avanza por carreteras inesperadas: dialoga con el clásico rumano ‘Angela merge mai departe’ (1982), sobre una taxista en el Bucarest de Ceausescu; satiriza los alter egos en las redes sociales con un personaje que debe su éxito a sus improperios machistas y xenófobos; y recrea el rodaje de un spot de forma tan mordaz como tronchante. Nadie hace sátiras como Jude. 8.
Los excesos (Luna Carmoon)
‘Hoard’, el título original de ‘Los excesos’, hace referencia a los hoarders, los acumuladores compulsivos, el síndrome de Diógenes. La protagonista de este debut de la británica Luna Carmoon es la hija de una “acumuladora”. Sus traumáticas vivencias de infancia con su madre mentalmente inestable son la base psicológica en la que se sustenta este visceral drama de amor y duelo.
‘Los excesos’, premiada en el festival de Venecia, narra, por una parte, el doloroso afloramiento de un trauma psicológico que ha estado latente durante años, y, por otra, un arrebatador romance entre dos seres marginales (interpretados por la prometedora angloespañola Saura Lightfoot-Leon y la estrella emergente Joseph Quinn) unidos por unas vivencias comunes: su peculiar relación con la basura y el olor corporal, fuente de rechazo social pero también de deseo sexual. Una directora a seguir muy de cerca. 7’9.
The Visitor (Bruce La Bruce)
En ‘Lejos del cielo’ (2002), Todd Haynes hacía una relectura de los melodramas de Douglas Sirk poniendo en primer término unos temas –racismo, homosexualidad, machismo- que en el Hollywood de los 50 permanecían velados o directamente enterrados por los condicionantes morales de la época. En ‘The Visitor’, Bruce LaBruce lleva a cabo una estrategia parecida: toma como referencia el clásico de Pasolini ‘Teorema’ (1968), con toda su carga simbólica y alegórica, y le “abre las piernas” en un sling de cuero, lo “pornifica”, como dice el propio director, lo explicita políticamente.
El resultado es una película bastante irregular, como es habitual en la filmografía del cineasta canadiense, irritante en ocasiones, pero atractiva por su lúdico sentido de la irreverencia, su provocadora estética queer y sus ganas de tocar –metafórica y literalmente- los huevos. LaBruce convierte al “invasor” del filme de Pasolini en un inmigrante de raza negra y lo introduce en una casa de una familia pija bastante particular. A partir de ese momento, “el visitante” mantendrá relaciones sexuales con cada miembro de la familia, poniendo patas arriba y a cuatro patas el orden establecido. 6’5.
A pesar de la edición de ejemplares físicos, y sobre todo de la edición de un EP con remixes a mitad de semana, ‘Woman’s World’ no ha logrado llegar al top 40 británico.
El nuevo single de Katy Perry llegó a figurar en las midweeks en el puesto 38 el pasado lunes, después pasó al 39, pero con el avance de la semana y sus malos datos de streaming, no ha podido pasar del número 47. En Irlanda la posición es aún peor, un número 65, y no se espera tampoco un resultado mucho mejor en Estados Unidos, pese al acuerdo con las emisoras de radio.
Sin esperanza para que el tema debute en España, pues ni ha olido el top 200 de Spotify en nuestro país, ni en otros países, parece claro que su equipo pasará rápidamente a otro de los prometedores temas de ‘143’. Varios de los teasers han tenido mejor feedback que ‘Woman’s World’.
El próximo 30 de agosto, Jónsi sacará un nuevo disco y se llamará ‘First Light’. A juzgar por los dos adelantos que comparte hoy, ‘Flicker’ y ‘Cherry Blossom’, estamos ante un trabajo de corte clásico e instrumental. Primero, de hecho, iba a ser la banda sonora de un videojuego en colaboración con la plataforma Myndstream.
El concepto es zen, dice el líder de Sigur Rós: «Al escribir esta música en un momento de agitación global provocada por el hombre y de inquietud, para un videojuego, imaginé ‘First Light’ como un mundo utópico, fantástico y momentáneo donde todos y todo viven juntos en paz y armonía eternas. Eligiendo la belleza sobre el desorden, la esperanza sobre el miedo, con nuestros ángeles guardianes divinos universales cuidándonos y conectándonos a todos como uno a través del amor, la melodía y la música”.
Así le ha quedado el tracklist, arrancado con ‘Flicker’.
01 Flicker
02 First Light
03 Green Meadow
04 Clearing
05 Cherry Blossom
06 In Plain View
07 Wishful Thinking
08 Forest Trill
09 Undercurrent
10 Willow
11 Stillness
12 Floweret
13 Over the Fence
14 Flutterby
Muy pocos días después de su paso por Mad Cool y Cruilla, The Smashing Pumpkins anuncian un nuevo disco que además va a salir de manera inminente. Se llama ‘Aghori Mhori Mei’ y estará con nosotros en tan sólo dos semanas, el 2 de agosto. Lo nuevo de los autores de ‘Siamese Dream’ (1993) llega tan solo un año después de ‘Atum’, que contenía 33 temas.
Como revela Billboard, Billy Corgan se ha inspirado en la idea «no puedes volver a casa». Ha querido mirar al pasado, solo para pasar página y dedicarse al futuro: «No era tanto mirar hacia atrás con sentimentalismo sino como medio para avanzar; para ver si en el equilibrio entre el éxito y el fracaso, nuestras formas de hacer música alrededor de 1990-1996 aún inspiraban algo revelador”.
El grupo ha revelado el tracklist, que podéis consultar bajo estas líneas, pero realmente durante sus recientes conciertos en Madrid y Barcelona, Smashing Pumpkins no dieron pistas sobre este trabajo. Interpretaron sobre todo temas de ‘Mellon Collie and the Infinite Sadness’ (1995) y de ‘ATUM’.
Aghori Mhori Mei:
01 Edin
02 Pentagrams
03 Sighommi
04 Pentecost
05 War Dreams of Itself
06 Who Goes There
07 999
08 Goeth the Fall
09 Sicarus
10 Murnau
Chapell Roan está teniendo un año fantástico, después de haber actuado en el tour de ‘Guts’ de Olivia Rodrigo y haber encabezado festivales como Coachella y Governors Ball gracias al éxito de ‘Good Luck, Babe!’. Sin embargo, ha revelado que no quiere ganar más fama tras haber notado algunos comportamientos de acosador en sus fans y no sentirse del todo segura.
La cantante lo ha revelado en un podcast, contando que «la gente ha empezado a ser muy rara» y asegurando que «me siguen, conocen dónde viven mis padres y dónde trabaja mi hermana». Lo ha descrito todo como «mierda muy rara». «Hace unos años dije que si había vibes de acosador o si mi familia estaba en peligro, lo dejaría. Y ya estamos ahi!», sentenció la estadounidense.
Roan terminó la conversación declarando que está en mitad de una «batalla» para parar el tren de la fama: «He puesto los frenos, honestamente, a cualquier cosa que sirva para hacerme más conocida. Ahora mismo es un bosque en llamas», aseguraba la cantante.
Stivijoes se está haciendo camino como una de las voces más prometedoras de la música alternativa en España. Hasta hace nada, vendía turrones en una tienda a tiempo completo. Poco después, su canción ‘Terapia’, dedicada su padre, se hizo viral en TikTok. La semana pasada, debutó en el escenario Nagusia de Bilbao BBK Live. ‘Solo’ es nuestra Canción del Día.
Nacido en Barcelona y con grandes vínculos en Galicia, habiendo pasado la infancia en O Saviñao, el joven de 24 años ha visto su vida cambiar a partir del viral de ‘Terapia’ en redes sociales, concebida en un principio como su despedida de la música. Desde entonces, miles de personas han descubierto su personal y sensible estilo, que puede recordar al Sen Senra más introspectivo.
Sobre graves voces que repiten lo que uno más necesita oír («Estoy bien»), Stivi comienza a enumerar algunos de sus mayores miedos, arrepentimientos y preocupaciones, como el haber estado «encerrado en un piso que nunca me quiso» o el no haber sido «la mitad de lo que fuiste para mí».
También hace un guiño a su mayor tema con una de las frases más punzantes de la canción: «Todavía no he ido a terapia, lo que escondo me da miedo». «Temo quedarme solo», repite en el estribillo. Aunque la temática puede parecer pesada, Stivi la presenta de una manera muy digerible e incluso pegadiza, gracias a una sutil producción que no hace más que crecer y crecer hasta liberarse en un final catártico.
Hoy 19 de julio salen a la venta los discos de Childish Gambino (el último como tal), Jimin, JT, Los Campesinos!, Glass Animals o Cruz Cafuné. De todos ellos puedes escuchar un tema en nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend.
También es un día importante para los seguidores de Operación Triunfo, pues tenemos nuevos singles de Paul Thin (en breve entrevista), Juanjo Bona y muy especialmente Naiara con Abraham Mateo. Ambos podrían convertir en un hit ‘Tienes que saber’.
En el plano internacional, hay nuevas canciones de Rauw Alejandro, Khalid, Joe Jonas, Mabel, TSHA, Overmono o Japandroids, que se van a separar; y en el nacional hay temas de Ganges, stivijoes, Teo Lucadamo o Cecilio G.
Abraham Mateo y Naiara han lanzado ‘Tienes Que Saber’, la anticipada colaboración que tiene como clara intención convertirse en uno de los hits del verano. El tema de electropop, producido por el propio Abraham Mateo, es innegablemente pegadizo, pero se vale de una fórmula que ya hemos visto demasiadas veces.
En ‘Tienes Que Saber’, ambos cantantes se confiesan el uno al otro lo que les ocurre cuando están separados, y no es nada bonito. Entre las afecciones sufridas se mencionan el «insomnio crónico», la «neumonía» y la «ansiedad». Aunque la letra es un tanto exagerada en ocasiones, puedo ver a una discoteca cantando las primeras líneas del estribillo a pleno pulmón: «Es una mierda cada vez que te vas, te echo de menos a la segunda calá'».
La melodía tiene ese feeling nostálgico que recuerda a la de ‘Formentera’ o ‘Tiroteo’, y tampoco puede faltar el break instrumental que tienen todas estas canciones. Eso sí, no se hace aburrida en ningún momento. La sensación general es que ‘Tienes Que Saber’ podría ser un hit perfectamente, pero también podría no serlo sin que resulte extraño.
Sandra Delaporte y Rayden tienen mejores razones que nadie para ser los más disfrutones. El último disco de Delaporte se llama ‘Aquí y ahora‘ porque es una celebración del presente hasta las últimas consecuencias. Sus conciertos de presentación son pura fiesta, toda una fantasía ravera, sin espacio para baladas ni medios tiempos. Los vídeos en redes del set son una locura en temas que avisan desde los propios nombres: ‘El techno cura’ y ‘Súbete la radio’. Y Rayden sigue encarando su gira de despedida, antes de centrarse en otras disciplinas artísticas, viviendo cada show como si no hubiera mañana. En principio, en agosto ofrecerá su ultimísimo concierto.
Así que a nadie puede sorprenderle verles juntos. ‘Nacimos tarde’ es el tema que este verano ambos cantan a la salud de Royal Bliss, dedicándose a esa generación que parecía puteada pero de ninguna manera está dispuesta a renunciar a nada que le aporte placer. Una generación que parece que llegó tarde a todo lo bueno, pero que está consiguiendo darle la vuelta a eso, para no perderse nada.
Sandra y Rayden nos hablan en ‘Nacimos tarde’ de una generación que, prácticamente, no tiene donde caerse muerta. Jóvenes a los que se les ha dicho que van tarde para «tener un trabajo fijo», tarde para «tener un piso»; jóvenes que sueñan con la posibilidad de «tener un piso en la playa». Lo bueno es que también es tarde «para poner la otra mejilla», que esa generación no está dispuesta a «dejar la vida para más tarde». Que no va a dejar «que alguien la juzgue por quien le guste». Y que está a golpe de punch para todo lo que pueda venir.
Este tema es tan PEC que cualquier persona que viva en 2024 lo entenderá a la primera y viene acompañado de una producción electrónica minimalista, con ecos de rap y spoken word. Tras su presentación en los últimos días de junio, Royal Bliss desarrolla durante todo el mes de julio una serie de actividades únicas e irrepetibles con la colaboración de Cultura Inquieta y Sofar. El pasado día 4 de julio se presentó la canción en público, y el día 9 se desarrolló un taller de pintura, charlas y combinados junto a Cultura Inquieta. Pero aún quedan varias actividades por delante.
Tras la proyección esa obra maestra llamada ‘La Gran Belleza’ de Sorrentino en La Casa Encendida este 16 de julio (qué bien traída), en compañía de la copa de Royal Bliss que más te guste, el miércoles 17 de julio, concierto sorpresa en el Hotel Vincci The Mint entre las 19:30 y las 22:00h. Las entradas, gratuitas hasta completar aforo.
El 22 de julio habrá otro concierto sorpresa en Cloudworks en el mismo horario, y de nuevo las entradas serán gratuitas. Y finalmente el 23 de julio Sofar y Royal Bliss te invitarán a otro concierto sorpresa más en Spolia Haus con tus amigos y también con los mejores combinados de Royal Bliss. De nuevo, las entradas serán gratuitas hasta completar aforo. Únicamente tendrás que prestar atención en tu móvil a la Coke App.
Janelle Monáe está de gira, en la que ya ha pasado por Madrid, y se lo está pasando como nunca. En una de sus últimas aventuras se ha hospedado en el Hotel Adlon de Berlín, el mismo en el que estaba Michael Jackson en 2002 cuando decidió asomar a su bebé por la ventana en uno de los vídeos más infames de su carrera. Monáe no ha tenido mejor idea que recrear ese momento, pero con un perro robot.
Aunque ella misma ha borrado el vídeo de sus redes sociales, se pueden encontrar múltiples capturas del clip en la red. En el vídeo aparece Monáe sosteniendo malamente a su perro robótico en el mismo balcón en el que Michael sostuvo a su hijo Blanket.
La cantante ha cuidado hasta el último detalle, poniéndose una peluca negra y un abrigo rojo tal y como ocurrió en la realidad, así como el audio de la multitud en el momento original de 2002. Después del incidente, Michael admitió que había cometido un «terrible error».
Janelle Monae so damn unserious bc why tf she dangling that robot out the window like she MJ pic.twitter.com/cM73VjUeCA
Este crossover no lo vimos venir. Britney Spears ha publicado hoy un extenso comunicado en Instagram mandando a la familia Osbourne «a la mierda» después de que el cantante de Black Sabbath, Ozzy Osbourne, criticase los vídeos de Spears bailando en redes sociales.
Todo empezó en el podcast de la familia Osbourne, mientras Ozzy hablaba sobre los bailes de TikTok antes de centrarse en «la pobre Britney»: «Estoy cansado de verla en YouTube. Todos los putos días. Es triste, muy, muy triste». A las críticas del vocalista se sumaron su hija Kelly, que aseguró que lo «sentía» por Spears, y Sharon Osbourne, que condescendientemente se refirió a ella como «pobrecita».
Spears respondió a las críticas ella misma a través de un largo post de Instagram y aprovechó para defender a Kate Beckinsale, que también ha recibido críticas por su contenido en redes sociales: «Me di cuenta de lo increíblemente cruel que ha sido la gente con su Instagram, diciendo que necesita hacer contenido acorde a su edad… su respuesta fue brutal», comienza la cantante de ‘Baby One More Time’.
«Número 1: Apenas bailo… y número 2: no soy nada pobre!», continúa la cantante haciendo frente a las críticas de los Osbourne. «Sé lo que es que te juzguen, pero creo que es importante AYUDARNOS LOS UNOS A LOS OTROS e invitarnos a lugares que ayuden nuestras almas a crecer», señalando la importancia de respaldarse entre artistas.
Dicho esto, el post de Spears termina por todo lo alto: «Voy a hacer una sesión de fotos con Kate y decidle a la familia Osbourne, que es la familia más aburrida de la humanidad, que hagan el favor de irse a la mierda!».
Hozier está en uno de sus mejores momentos. Acaba de conseguir el mayor hit de toda su carrera con ‘Too Sweet’, solo por detrás de la masiva ‘Take Me To Church’. Sin embargo, al contrario que aquella en 2014, ‘Too Sweet’ sí ha conseguido ocupar el puesto más alto del Billboard Hot 100. Además, ha sido tendencia viral en Tik Tok.
El artista irlandés se encuentra en medio de la gira de su último disco, ‘Unreal Unearth’, y de su trabajo complementario, ‘Unreal Uneart: Unheard’, en el que ha incluido algunas de las canciones que no pudieron entrar en el
álbum original. Lo interesante es que ‘Too Sweet’ forma parte de esta última tanda de temas.
Hablamos con Hozier en su camerino del Wizink Center, a unas horas de su debut en el recinto, sobre lo que significa tener un número 1 en Estados Unidos como artista irlandés, los secretos para escribir un hit, su música favorita en 2024 y las tendencias cambiantes del público hacia artistas más «caseros».
Esta noche es tu primer concierto aquí, en el Wizink, y la gente está emocionada. No sé si les has visto haciendo cola en la calle, con paraguas bajo el sol.
¿Qué? No. Wow, vale, son guays.
Siempre has tocado en La Riviera cuando has venido a Madrid. ¿Crees que vas a echar de menos tener cerca al público?
Siempre está ese factor. Hay algo agradable sobre estar en un club o en un recinto pequeño, pero también hay algo muy, muy especial en tocar en un sitio como este. También se siente muy bien. Es especial.
Ayer tocaste en Alma Festival en Barcelona. ¿Cómo te sentiste? ¿Qué pensaste del público español?
Lo disfruté muchísimo. Realmente fue uno de los mejores públicos para los que he tocado en mucho tiempo.
¿De verdad?
No lo digo por decir, porque seas un periodista español. Fue súper dulce. Simplemente, una atmósfera y una experiencia muy hermosas en una antigua y agradable plaza. El público fue cariñoso y se sabía todas las letras.
¿Cómo te enfrentas a la gente cuando sales al escenario?
De forma general, con los dos pies apuntando en la misma dirección, con suerte. Ahora en serio, creo que en cuanto escuchas la reacción del público y te haces una idea de su disfrute y emoción, es muy fácil estar a gusto en el escenario. Es muy divertido.
Eres el primer artista irlandés desde Sinéad O’Connor, con ‘Nothing Compares 2 U’ (1990), en llegar al número 1 en Estados Unidos. ¿Lo sabías?
Sí, es una locura. Me sorprendió. También me hizo reflexionar sobre todas las increíbles canciones de artistas irlandeses a las que les ha ido muy bien y me di cuenta de lo raro que es alcanzar el número uno. Son 34 años desde que eso pasó, lo cual es increíble, pero estoy en muy buena compañía. Antes de mí fueron Sinéad O’Connor y U2.
Y Gilbert O’Sullivan.
Exacto, ‘Alone Again (Naturally)’. Gran canción.
Para mí, es loco pensar que ‘Take Me To Church’ nunca llegó a ser número uno. Estaba sonando en todo el mundo, en la radio…
Ya. Al mismo tiempo, cuando la escucho ahora, creo que fue raro que conectara como hit pop. Tenía todos esos cambios de tempo, yendo de 4/4 a 3/4. Y el contenido era bastante ambicioso. Estoy muy orgulloso de todo lo que consiguió, pero creo que ‘Uptown Funk’ salió alrededor de la misma época. No estoy seguro.
El número 1 era Taylor Swift con ‘Blank Space’.
Ah, ‘Blank Space’. Bien hecho.
‘Take Me To Church’ era la primera canción de ese disco, pero ‘Too Sweet’ es un descarte, y aun así es número 1. ¿Cómo lo explicas?
Supongo que es una canción tan ligera y alegre, y esto es en detrimento mío, que no estaba seguro de ella. El disco fue compuesto en torno a nueve diferentes temas, y uno de ellos era la gula o la avaricia. ‘Eat Your Young’ y ‘Too Sweet’ estaban luchando por esa posición en el álbum. Escogí ‘Eat Your Young’ porque parecía más oscura.
También ha funcionado estupendamente.
Muchas gracias, estoy orgulloso de esa canción. Así que ‘Too Sweet’, la disfrutábamos, pero la apartamos por el momento. Era complicado competir con ‘Eat Your Young’, pero me alegro muchísimo de haberla lanzado porque nunca sabes lo que puede pasar. No lo vi venir, en absoluto.
¿Hay algún secreto para conseguir un hit?
Honestamente, tendrías que preguntarle a alguien que tenga más hits que yo (risas). Te puedo contar los secretos para escribir las canciones que yo escribo, pero, por lo general, no me muevo con el objetivo de que una canción sea un éxito. Creo que podría ser divertido y quizás algún día aborde un proyecto de esa manera porque sí disfruto de la música pop y de sus hits muy a menudo. Creo que pueden llegar a ser muy buenos.
Para mí, a la hora de escribir una canción, solo me aseguro de que resuene con la temática. Si ocurre esto y se siente honesta, merece la pena escribirla. Y hay algo en esa canción que es sincero y que se siente… odio la palabra catártico, pero se siente como si estuvieses procesando algo y sacándolo fuera de tu ser.
«Odio la palabra catártico, pero ‘Too Sweet’ es como si estuvieses procesando algo y sacándolo fuera de tu ser»
¿Qué tenías en mente cuando escribiste ‘Too Sweet’?
Sabía que le estaba escribiendo a la temática de la gula. Hacía mucho que tenía el riff. Escribí la mitad del tema en 2020. Mientras estábamos trabajando en ella, estaba claro que la canción podría funcionar en el contexto del disco. Quería capturar una voz que fuese un poco autodestructiva, un poco divertida y juguetona y que sospechase un poco de las personas que son demasiado excelentes. Las personas que tienen su vida demasiado controlada. La gente que puede levantarse por la mañana e ir directa al gimnasio. Cuando era más joven, estaba perplejo con eso. Yo disfrutaba mucho de vivir la vida arreglándomelas por el camino, subsistiendo de una manera disfrutable.
¿Ya no eres así?
No tanto como lo he sido, pero cuando estás de gira y eso, no te queda otra. No me voy de fiesta tanto como antes, aunque tampoco era muy fiestero. Intento dormir más de lo que solía.
Está claro que ‘Too Sweet’ te ha dado muchas alegrías, pero, ¿cuál es la canción a la que tienes más cariño del disco?
Eso es como escoger tu hijo favorito. Realmente, mi debilidad es ‘To Someone From A Warm Climate’. También ‘First Time y ‘Unknown’, que es de mis favoritas.
Antes estábamos hablando sobre buscar el éxito en una canción. Hoy en día, Tik Tok es parte de ese secreto, pero seguro que no lo tenías en mente cuando escribiste ‘Too Sweet’.
De alguna manera, lo petó. Cuando la escribí, ni siquiera sabía de la existencia de Tik Tok. Sé que se hizo popular durante la pandemia y tal, pero no, definitivamente no pensamos que esto pudiera pasar. De hecho, acabó en Tik Tok incluso antes de que saliese oficialmente, por accidente.
«Cuando escribí ‘Too Sweet’ ni siquiera sabía de la existencia de Tik Tok»
¿Leak o adelanto?
Hicimos un podcast con dos chicos en Estados Unidos y les compartimos la música para que pudiesen escucharla, pero al publicar la entrevista incluyeron la música en la entrevista. «Aquí un fragmento de su nuevo lanzamiento», o lo que sea. El sello se volvió loco, porque la idea no era lanzarlo así. Sin embargo, alguien lo oyó, lo grabó y lo subió a Tik Tok sin haberlo lanzado oficialmente. Pasó de forma natural, pero sí, muchas canciones de éxito tienen una vida en Tik Tok y la gente las descubre ahí. Y es lo que ocurrió con ‘Too Sweet’.
Entonces, ¿estás contento o frustrado con la situación? (risas)
Muy contento. No me importa decir esto como artista y espero que el sello me pueda perdonar, pero si fuera por mí, lo volvería a hacer porque no pienso con cabeza de vendedor todo el tiempo. Hay mucha música que soltaría en Tik Tok directamente. Si la canción flota, pues flota. Si la canción se hunde, se hunde. Quien sea que la disfrute, que la disfrute. Mi trabajo es hacer música. Su trabajo es encontrar una manera de ser listos con el marketing. Yo simplemente sería: «Aquí está toda la música». Si la gente lo escucha y lo disfruta, para mí está genial.
Hablando de hits, ¿hay alguna canción más que te guste del Hot 100?
Sí, de hecho, ayer la banda y yo estuvimos cantando Sabrina Carpenter. Hay dos o tres canciones suyas que están constantemente atrapadas en nuestra cabeza. Es guay. Me encanta que le vaya genial a Chappell Roan. Mk.gee también me sale muchas veces en mi rotación. Espero que más gente encuentre su música. Es un artista genial.
¿Crees que hoy en día la gente está viéndose más atraída hacia música más orgánica? Por artistas como Benson Boone, Teddy Swims, todo el country que ocupa los puestos más altos en listas…
Sí, creo que estoy viendo muchas más guitarras en las listas. Creo que podría ser algo relacionado con la postpandemia. Quizás a la gente le apetece música que conecta con ellos o que refleja lo que han vivido, que es lo que es, más que una cosa aspiracional. Siento que había un tiempo en el que la música era así en los vídeos musicales, en la forma en la que era vendida y anunciada. Era un ejemplo inalcanzable de lo que podía ser la vida, un estilo de vida súper lujoso, que normalmente era mostrado en todos esos videoclips.
De lo que me estoy dando cuenta es que tiene algo que ver con artistas como Noah Kahan, que escriben canciones que son directamente una experiencia vivida real. A veces es crudo, a veces es triste, y a veces es difícil. La gente está moviéndose hacia cosas que se sienten un poco más caseras.
Clairo llegó en un momento en que eso de “bedroom pop” no estaba tan expandido, entrando en nuestras vidas antes que Girl in red, o antes que Beabadoobee, por ejemplo. Quizás por eso, en la memoria colectiva popera perdura ‘Immunity‘, su debut, como un disco tremendo, y ‘Sling‘ como un tremendo tropiezo, pero quizás la realidad es que ambos discos estaban ok: ‘Sling’ no era tal tropiezo, y diría que ‘Immunity’ ha perdido un poco con el tiempo. “Veo esos discos y veo a alguien intentando convertirse en adulta”, cuenta la propia Claire Cottrill sobre ellos. Desde luego, ‘Charm’ se puede considerar bastante más compacto y maduro que los dos primeros.
De nuevo, Clairo ha decidido trabajar junto a un solo productor: en ‘Immunity’ fue Rostam Batmanglij, en ‘Sling’ fue el amado y odiado Jack Antonoff, y ahora es el turno de Leon Michels, líder de El Michels Affair y también miembro de The Black Keys durante sus giras (de ahí que el señor tenga créditos en medio ‘Ultraviolence‘).
El poso soulero de Michels se nota a lo largo de todo ‘Charm’, que continúa el camino distinto respecto al debut tomado en ‘Sling’, pero con una querencia mucho más setentera y compañeros de viaje como el melotrón, el órgano, o el wurlitzer, coqueteos con el r&b e incluso con el funk, y un delicioso toque psicodélico. Donde hablábamos de que ‘Visions’ se anunciaba como “el disco psicodélico de Norah Jones” y se quedaba un poco a medias, casi que una combinación con este ‘Charm’ habría sido lo que le faltó.
En ‘Juna’, por ejemplo, recuerda a la manera de jugar con esto que tiene Kali Uchis (Michels ha trabajado tanto con ella como con Norah, por cierto). Aunque desde luego la joya en este sentido es ‘Echo’: está claro que Claire tiene sus referentes para la atmósfera psicodélica del tema en los 60-70, en unos Beatles o unos Doors, pero la manera en que la trae a la actualidad recuerda al excelente segundo álbum de MGMT. ‘Echo’ es una de las pistas que consiguen quitarle al disco la condición de monotonía que sí alcanzaba a veces ‘Sling’, como también ocurre con la más uptempo ‘Add Up My Love’, o el estupendo single ‘Sexy To Someone’.
También se observa una mejoría en la Clairo letrista, sin ser aún su gran fuerte. Es especialmente buena su habilidad para adentrarse en un terreno más sugerente con cierto humor, como en ‘Juna’: “come to me slowly / it’s when you talk close enough / that I feel it on my skin, breathe it in (…) you make me wanna try on feminine / you make me wanna go buy a new dress / you make me wanna slip off a new dress”.
O en ‘Add Up My Love’, que combina los “do you miss my hands hangin’ on the back on your neck? / it’s just somethin’ I’m into / do you miss my name? Said it between your breath / I remember when I see the moon (…) Do you miss all the ways I put you in your place? / You say you like all of my attitude” para hacer un crack final: “do you miss my laugh? hear it from the back of the room / It’s just something I miss too”. Aunque desde luego la frase del disco está nada más empezar, en ese “I’m touch-starved and shameless” de ‘Nomad’, canción en la que Clairo sueña con ser alguien independiente y segura de sí misma, alguien que no tiene un hogar y está conforme con ello… y alguien que se despierta del sueño hecha una mierda y pensando en una relación que acabó en la realidad, pero no en su cabeza.
En ese sentido, el disco está muy bien atado porque ‘Nomad’ y ‘Pier 4’ (recuerda a ‘The Man with the Axe’ de Lorde, y en general hay cierto regusto a ‘Solar Power’ en el disco, para desesperación/alegría del oyente según sea) son un poco dos caras de la misma moneda. Decía Claire que el título viene de ese estado de “encantamiento”/“estar pillado”, “una zona gris de emoción, donde sabes suficientes cosas de una persona como para que te guste, pero te falta aún información, así que puedes decidir en qué dirección quieres ir, basándote en este sentimiento tan misterioso”. No es tan cohesivo como promete esta descripción, pero, como decíamos al principio, quizás sí el que más de su discografía. Puede que Clairo aún no haya conseguido un disco redondo, pero sí que ha conseguido que cada disco tenga su personalidad propia, conservando todos una impronta particular. Para quien esto escribe, ‘Charm’ es el que más se acerca.
Coca-Cola Music Experience promete ser el festival que pondrá la guinda al verano, y tendrá lugar en el recinto John Lennon de Getafe (Madrid) los próximos días 13 y 14 de septiembre. Siguiendo con su compromiso con la diversidad musical, tanto con artistas consagrados como emergentes, la última lista de confirmados incluye a Young Miko, Arde Bogotá, Donnie Sunshine y Loco Escrito.
Young Miko ya ha conquistado al mundo con himnos como ‘Lisa’ o su sesión junto a Bizarrap y de igual forma conquistará al público de Coca-Cola Music Experience. Además, este año la puertorriqueña también es la cara oficial del lanzamiento de Sprite Limelight en España. Esta nueva propuesta nace como forma de unir a la Gen Z con uno de sus medios favoritos para combatir el calor veraniego: la música.
De esta forma, Miko se unirá a la tercera temporada de Sprite Limelight, el programa musical de la marca, tras Fireboy DML, XAMA, Lay Zhang, Doechii, Blxckie y Mahalia, para acercar las tendencias musicales más prometedoras del mundo a la audiencia de la Generación Z a través de bonitas historias de superación. Bajo el lema de ‘Heat Happens’, Sprite ya ha lanzado el formato en Norteamérica, Europa, China, Latinoamérica y Brasil.
Adicionalmente y de forma especial, Sprite también lanzará un vídeo musical para la canción ‘rookie of the year’, sacada del último proyecto de la puertorriqueña, ‘att.’, ofreciendo una mirada más profunda de la historia detrás del tema. Desde el lanzamiento de su single debut, ‘105Freestyle’, en 2021, Young Miko se ha convertido en una de las artistas más queridas del género gracias a su honesta y magnética personalidad e inquietudes sociales, erigiéndose como todo un icono del colectivo LGTBIQ+. Así nos lo contaba, por ejemplo, recientemente en un podcast Jimena Amarillo.
Arde Bogotá se unen a Miko en el cartel de Coca-Cola Music Experience como uno de los fenómenos más masivos de nuestro país. Los murcianos llevarán al recinto John Lennon la potencia de temas tan establecidos como ‘La salvación’, ‘Los perros’ o ‘Antiaéreo’ para el que será de forma segura uno de los públicos más grandes del evento, como hemos podido presenciar en el resto de festivales a los que han acudido este verano.
Las confirmaciones del británico Donnie Sunshine, conocido por los ritmos afro-funk de sus sets de DJ, y el colombiano Loco Escrito, que brindará el mejor reggaeton de Suiza gracias a las influencias que acogió en su infancia, tampoco se quedan atrás.
Young Miko, Arde Bogotá, Donnie Sunshine y Loco Escrito se unen a un cartel que ya cuenta con todos estos nombres: Rauw Alejandro, Myke Towers, Manuel Turizo, Dimitri Vegas, Chanel, Íñigo Quintero, Paul Thin, Ruslana, Chiara, Violeta, Denna, Judeline, Niña Polaca, Veintiuno, Azahriah, Michenlo, Besmaya, Almacor, Mar Lucas, Polo Nández y Vilu Gontero.
La decimocuarta edición de CCME volverá a reunir a miles de personas para sumarse a los más de 270.000 asistentes que han recibido a lo largo de los últimos 13 años. El año pasado, 50.000 personas asistieron al evento de Coca-Cola. Los abonos generales de «tramo 2» están disponibles hasta agotar existencias a un precio de 60 euros más gastos de gestión, y pueden encontrarse en la web oficial del festival.
Low Festival vuelve un año más a Benidorm durante los días 26, 27 y 28 de julio. Como siempre, promete ser uno de los festivales más divertidos de la temporada. JENESAISPOP es medio oficial y avisamos de que ya se han agotado los abonos VIP y VIP POOL, pero todavía están disponibles los abonos generales, desde 73,99 euros, y las entradas de día, desde 47,99 euros. Los horarios ya han sido publicados. En este artículo recomendamos los 10 nombres imprescindibles del cartel, desde Suede o Pixies hasta La Plazuela o Kavinsky. También habrá una parada de la gira de despedida de El Columpio Asesino.
Suede
El mítico grupo británico, considerado clave del movimiento britpop y del relevo glam de David Bowie, es uno de los cabezas de cartel de Low Festival. A menos que seas un fan total de Hidrogenesse o de PUTOCHINOMARICÓN, con quienes coinciden el segundo día, Suede debería ser uno de los conciertos imperdibles de cualquier asistente. La banda de Brett Anderson presentará temas de su último y notable ‘Autofiction’, además de la retahíla de hits que les propulsó en los 90: ‘Trash’, ‘Beautiful Ones’, ‘Animal Nitrate’…
Pixies
Pixies cambiaron el indie-rock para siempre con sus álbumes de finales de los 80 y principios de los 90. El grupo no se resigna a vivir de las rentas y por eso hace muy pocas semanas que ha publicado un potente single llamado ‘You’re So Impatient’ -acompañado de una adaptación de ‘Que sera sera’-. Eso sí, solo lo han tocado un par de veces en vivo, no cada noche desde que salió. Lo seguro es que no faltarán ‘Monkey Gone to Heaven’, ‘Debaser’, ‘Here Comes Your Man’ o ‘Where Is My Mind?’.
Los Planetas
La gira en que Los Planetas están celebrando los 30 años de ‘Super 8’ está siendo una de las más emocionantes de 2024, como ya se ha dejado caer por otros festivales como Tomavistas. El grupo interpreta en orden el álbum, lo que implica que ‘De Viaje’, ‘Qué puedo hacer’ y ‘Si está bien’ suenan ya en los primeros 10 minutos de show, sin que la cosa luego decaiga, gracias a la aparición de ‘La caja del diablo’, bonus de aquel álbum, y a algún que otro tema extra…
La Casa Azul
La Casa Azul nos tiene entrenados para “grandes esperas”, y nada sabemos de la continuación del disco que publicaba en 2019, hace 5 años. Eso sí, las plataformas de streaming agrupan ‘Prometo no olvidar’, ‘No hay futuro’ y ‘Entra en mi vida’, como parte de un mismo proyecto que suponemos que se completará en algún momento. Las 3 están en su repertorio, y su gira continúa repleta de “grandes éxitos” de todas las épocas, como siempre.
Amaral
Eva Amaral y Juan Aguirre están en uno de sus mejores momentos. Tras más de 26 años de carrera, el grupo zaragozano sigue causando sensación en todos los festivales a los que van y en Low no va a ser diferente. Presentan un set que engloba toda su carrera, desde ‘No sé que hacer con mi vida’ hasta su último single, ‘Rompehielos’, con el que demuestran que todavía les quedan muchos temazos en la recámara. ‘Revolución’, ‘El universo sobre mí’ y ‘Marta, Sebas, Guille y los demás’ tampoco van a faltar.
La Plazuela
El dúo granadino empezó a ganar notoriedad en 2021 con la electrónica ‘Tangos de Copera’ y desde entonces se ha convertido en una de las revelaciones más emocionantes del panorama nacional. La mezcla de estilos que manejan queda clara nada más leer el título de su álbum debut, ‘RONEO FUNK CLUB’, que ha pasado meses en la lista oficial española. Su último EP, ‘La Caleta’, dedicado a las costas de Granada, muestra su lado más veraniego y orgánico, junto a la gran voz del reputado cantaor David de Jacoba.
Kavinsky
Poco se ha hablado de la influencia del sonido de la banda sonora de ‘Drive’ en ‘Fortnight‘, el último hit de Taylor Swift junto a Post Malone. En aquel revival de las bandas sonoras más atmosféricas de los 80 (John Carpenter y cosas así), tuvo mucho que ver no solo Johnny Jewel de Chromatics, sino Kavinsky. La exquisita ‘Nightcall’ contó con la co-producción de un miembro de Daft Punk. En su álbum de 2022 se codeó con gente como Sébastien Tellier, Cautious Clay o Prudence. Entregó momentos más jazz (‘Zenith’) pero también remixes con David Guetta (‘Cameo’).
Delaporte
Una de las giras más divertidas que hemos visto este año, y por tanto una de las que más recordaremos a largo plazo, está siendo la de ‘Aquí y ahora’ de Delaporte. Otro tour en el que el dúo formado por Sandra y Sergio alterna sus temas nuevos íntegramente dedicados a la pista de baile con sus grandes éxitos, y también con samples de otros artistas que enriquecen su discurso. Aprendeos bien el lema «muerte al que no me reviente el suelo», porque va a sonar y mucho, exactamente el viernes 26 de julio, entre 3.30 y 4.30 de la madrugada. La hora más propicia.
Arde Bogotá
‘Cowboys de la A3’ es exactamente el vinilo más vendido en España esta semana. El álbum de Arde Bogotá lleva más de un año ya en la lista general de nuestro país y aún resiste en el top 10, certificado como platino. El fenómeno Arde Bogotá, deudor del sonido Héroes del Silencio, se percibe semana tras semana en los festivales del país, y Benidorm no será una excepción.
Ojete Calor
Se acabó subestimar a Ojete Calor como todo un cabeza de cartel de festivales. Se acabó subestimar la comedia. El dúo de humoristas logró llenar el WiZink Center antes de que fuera tendencia, y volverá a hacerlo el próximo 28 de diciembre: echad un ojo a cuántas entradas quedan disponibles para esta fecha con 5 meses de antelación. ‘Mocatriz’, ‘Viejoven’ y ‘Tonta Gilipó’ no faltarán en un repertorio de los que se disfrutan sobre todo en vivo, por la cualidad que tienen de subno-performers. ¿Y cuándo ha sido eso exactamente malo?
Hace ya tres años, apareció prácticamente de la nada una de esas canciones que desde su primera escucha evidencia su trascendencia, que inmediatamente se sienten como un enorme soplo de aire fresco. Se llamaba ‘Hard Drive’ y era el segundo sencillo del segundo álbum de la hasta entonces semidesconocida cantautora neoyorkina Cassandra Jenkins.
En ella, la artista recitaba como si fuera un poema, conversaciones con extraños sobre diversos temas, desde esculturas, charlas sobre el presidente estadounidense, a karmas y chakras. El resultado era de una belleza arrebatadora, ubicado en el corazón del pequeño -tan solo siete pistas- e imprescindible ‘An Overview On Phenomenal Nature’.
Ahora, con su tercer disco, Jenkins debía enfrentarse al altísimo listón que ella misma se puso. ‘My Light, My Destroyer’ es continuista de aquel sonido sofisticado y elegante con el que nos enamoró, pero también expande sus horizontes hacia diferentes estilos. Tras el familiar y tranquilo arranque con ‘Devotion’, que no desentonaría en su largo anterior, ‘Clams Casino’ muestra a la cantautora coqueteando con las guitarras eléctricas. El indie rock vuelve a aparecer en pequeñas dosis en diferentes momentos a lo largo del proyecto, como en ‘Aurora, IL’ o en la lo-fi ‘Petco’.
Aunque ‘My Light, My Destroyer’ es rico en sonidos, y aquellos que esperaban toparse con los pasajes jazz y las reflexiones existencialistas que caracterizaron su anterior disco, podrán también encontrarlos aquí. ‘Betelgeuse’ es una balada hablada a piano entre su madre y la propia Jenkins en la que conversan sobre el cosmos y que funciona de preludio de ‘Omakase’, la canción que contiene el título del álbum (“My light, my love, my destroyer, my meteorite”), una preciosidad que envuelve al oyente en un cálido abrazo.
De igual manera, la delicadeza de la sentida canción de amor ‘Only One’, eleva su impacto emocional con la incursión de refinadas percusiones y saxofón. La artista también se atreve a aventurarse en el art pop con la etérea y atmosférica ‘Delphinium Blue’, a medio camino entre una balada de Caroline Polachek y una composición de Enya.
Probablemente para una mejor integración de todas las canciones en la secuencia, Jenkins incorpora tres interludios y una breve pieza instrumental final. Lejos de alargar el proyecto innecesariamente, sirven para darle mayor enjundia y lograr una experiencia completamente satisfactoria.
En el frágil y existencial documento que es ‘My Light, My Destroyer’, Cassandra Jenkins lucha contra la monotonía y por encontrar el significado de la vida en un mundo en el que nada es para siempre y donde todo cambia muy deprisa. La muerte, la pérdida o la soledad forman parte de la experiencia humana, y todo lo que podemos hacer es aceptarlo y celebrar la intermitente belleza del mundo que nos rodea. Salir de nosotros mismos, mirar al cielo y dejarnos cegar por la luz de la esperanza.
Billboard publica un largo reportaje sobre Charli xcx. La entrevista principal la realizaron de camino al concierto de Troye Sivan en el que la cantante apareció por sorpresa. Las preguntas no ahondan tanto en el sonido del álbum o en composiciones como ‘Everything is Romantic’ o la dedicada a SOPHIE en concreto, como en la trayectoria de la artista o el modo en que ‘brat‘ se ha convertido, sin duda, en el disco del verano.
Charli xcx comprueba en su móvil que la idea de llamar el disco ‘brat’ nació el 16 de marzo de 2022 y cuenta que a partir de ahí fue desarrollando el concepto y las canciones. «Quería que este disco fuera como tener una conversación con el oyente de manera sincera (…) Fue interesante hacer las cosas para la base de fans y que parecieran exclusivas, pero que una vez dentro del club, sintieras que es inclusivo. Y todo el mundo puede unirse al club. Solo que cada uno llega en momentos ligeramente diferentes y de maneras ligeramente diferentes».
Billboard ofrece datos sobre sus logros comerciales y estima que Charli xcx debe de ganar entre 500.000 y 900.000 dólares en derechos de autor al año, por lo que ha escrito para ella y para otros. En un momento, ella misma bromea sobre tener que compartir con tantísimas personas los royalties de ‘Speed Drive’, el tema para ‘Barbie’, cuando su parte la hizo en media hora de manera despreocupada. «Vale, sí, whatever», respondió a la propuesta, que vino de Mark Ronson.
Y por supuesto vuelve a ser crítica con su carrera. ‘Sucker’ cree que es un «intento de algo que ‘Sour’ de Olivia Rodrigo hizo mucho mejor» y ‘Charli’ cree que suena como si se hubiera «vendido por completo». Es interesante también escuchar qué dicen personas de su equipo, como Twiggy Rowley, que asegura: «siempre va tres pasos por delante. El único cambio es que la gente ahora está llegando a ella». Y también su mánager Brandon Creed comenta sobre la guerra en las listas sobre Taylor Swift: «nosotros seguimos con nuestro plan, y estamos encantados con los resultados del álbum».
Entre los claros titulares que deja la entrevista, está la posibilidad de que Charli xcx no haga más música después de ‘brat’, pero también menciona que está tentada de hacer un «disco tipo Lou Reed». Lo seguro es que podría estar pensando en actuar y este verano se desplazará a Polonia para un proyecto con rodaje que se va a improvisar y puede que finalmente no vea la luz. También saldrán más remixes de ‘brat’.
Y luego está la parte de Lorde. La autora de ‘Melodrama’ también ha sido entrevistada para este reportaje y revela que su remix de ‘girl, so confusing’ se ha improvisado en 3 días. Horas antes de que ‘brat’ viera la luz, Charli xcx le mandó la canción y Lorde respondió: «Dios mío, no tenía ni idea de que te sentías así. Lo siento. ¿Sabes? Debería aparecer en una versión de la canción».
El equipo de Charli xcx da a entender que hay muchos meses de trabajo detrás de esta campaña de márketing, comenzando por todas las tonalidades de verde que se barajaron para la portada, para que no recordara a nada demasiado conocido en particular, pero también se ha dejado margen para la improvisación. Por ejemplo, son conscientes de que hay varios singles funcionando a la vez, porque ‘Apple’ se ha viralizado en TikTok.
Lorde parece haber entendido realmente todo el concepto de ‘brat’ hablando de su remix: «Hay crudeza e inmediatez en mi parte. De verdad que me ha encantado cómo hemos trabajado en este remix. Hay algo muy brat en ello, algo muy meta y muy moderno. Solo Charli podía hacerlo funcionar. Ha abierto un canal entre nosotras, y me ha hecho decir cosas que no había dicho. Articulé cosas que no sabía que diría o incluso cosas que nunca había oído decir. Todo esto ha sido un honor».
Primal Scream, entre los grandes genios de las últimas décadas, diga lo que diga Rolling Stone, vuelven al fin con nuevo álbum. Su primer largo en 8 años, el primero desde ‘Chaosmosis‘, se llamará ‘Come Ahead!’, en relación con una expresión que se usa en Glasgow para retar a alguien que te está amenazando. Saldrá el 8 de noviembre.
El primer single se llama ‘Love Insurrection’ y suena como la enésima reinvención de Primal Scream. El grupo que comenzó haciendo shoegaze, se pasó al soul y a la rave en ‘Screamadelica’, al dub en ‘Vanishing Point’ y a la electrónica en ‘XTRMNTR’, suena en este adelanto a funk, a Northern Soul, a banda sonora de John Barry , y también un poco hippie. De hecho, la letra es uno de sus dardos políticos.
Nos recuerda ‘Love Insurrection’ que “en el país de los ciegos, el tuerto es el rey”, que “el Planeta está ardiendo” y que “el ciego está guiando a los ciegos y la verdad ya no es la verdad”. En referencia a las “fake news” y al calentamiento global, Bobby Gillespie asegura que “los poetas nos advirtieron que llegaría la tormenta, pero nadie lee libros ya”. Por todo eso, apela a una “insurrección de amor”, pues “estamos perdidos y necesitamos dirección”. Al final, hay un discurso en italiano que termina con un sonoro «no pasarán» anti-fascista.
Extendiéndose por encima de los 6 minutos y con su radio edit de 3, ‘Love Insurrection’ puede introducir a Primal Scream a una nueva generación de seguidores. Produce David Holmes.
La portada del álbum es una imagen del fallecido padre de Bobby Gillespie, Robert Gillespie Senior, tomada por Jim Lambie, y de hecho este disco se va a promocionar como el más personal de Bobby. Por primera vez han salido antes las letras que la música, quizá en relación al éxito de su biografía. Por un momento no se estaba muy seguro de si lo que se estaba haciendo era un álbum de Primal Scream u otra cosa. Os dejamos con el tracklist.
1. ‘Ready To Go Home’
2. ‘Love Insurrection’
3. ‘Heal Yourself’
4. ‘Innocent Money’
5. ‘Melancholy Man’
6. ‘Love Ain’t Enough’
7. ‘Circus Of Life’
8. ‘False Flags’
9. ‘Deep Dark Waters’
10. ‘The Centre Cannot Hold’
11. ‘Settler’s Blues’
This song means everything to me – my love/hate letter to the music industry, telling my story from the beginning of my journey to now.
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