Inicio Blog Página 929

Anna Calvi / Hunter

5

Anna Calvi se ha permitido el lujo de dejar pasar 5 añazos -una eternidad en la industria musical- entre su segundo álbum, ‘One Breath‘, y el tercero, que sale esta semana bajo el nombre de ‘Hunter’. Es verdad que entre medias editó un EP llamado ‘Strange Weather’, pero este se componía de versiones y en cualquier caso salía también hace demasiado: cuatro años. ‘Hunter’ no trae la correspondiente imaginativa renovación sonora que habría cabido esperar tanto tiempo después de su debut. Calvi seguirá una temporada más presionada por las comparaciones con Nick Cave y PJ Harvey -y siempre los clásicos, nunca los de ‘Let England Shake’ o ‘Skeleton Tree’-, pero al menos puede decir que su álbum tiene mensaje.

“Soy un alfa / divido y conquisto”, canta Calvi en ‘Alpha’ antes de romper la canción que abre la cara B de la edición vinilo, probablemente refiriéndose a los llamados «machos alfa». Una canción que se ve sucedida por una catárquica ‘Chain’, cuyo mantra principal es «I’ll be the boy you be the girl / I’ll be the girl you be the boy / I’ll be the girl (wonderful feeling)». Como dejaba ver un single que se llamaba ‘Don’t Beat the Girl Out of My Boy’, como plantea la primera canción de esta secuencia, llamada ‘As a Man’ (sobre cómo sería ser «un hombre en todo excepto mi cuerpo») y como cuenta entusiasmada en las entrevistas, Calvi habla sobre el fin de los roles de género en este disco de título tan… ¿masculino?

La artista vuelve una y otra vez sobre estos temas, como sucede en ‘Wish’, en la que proclama «mi mente es libre, así que no me detengas», y trata también de manera tangencial otros relacionados. Hay una canción extrañamente titulada ‘Indies or Paradise’ que, como cuenta en las entrevistas, habla sobre nuestra aproximación al amor. «Es sobre la idea de que el amor puede salvarte de la mierda (…) Es algo religioso, creer así en el amor. Lo encuentro tan trágico como hermoso».

Desapegado del amor en general, es una pena que ‘Hunter’ recurra a una canción de amor para cerrarse (“digo una mentira / en tu cama, tan pequeña”, dice ‘Eden’), pero todo problema queda atrás en cuanto irrumpe su preciosa voz en esta pista; como también sucede en ‘As a Man’, y su adecuado giro nasal. Y es que puedes lamentar que el productor sea alguien tan obvio como Nick Launay (Nick Cave), que ‘Don’t Beat the Girl Out of My Boy’ te dé muchas ganas de oír a Lou Reed o lo corto o vago de la mayoría de las letras. Pero hay una belleza inequívoca en esta reivindicación y Calvi la ha trabajado con ahínco.

Sin ser una canción electrónica, ‘Hunter’ recuerda para bien al carácter envolvente de ‘Porcelain’ de Moby, además con esa imagen tan gráfica que alterna indistintamente «vestir de cuero» y «llevar flores en el pelo». ‘Indies or Paradise’, por reptante y animal, no es menos pegadiza y pop. ‘Wish’ es todo un tiro en el que se alterna una de las melodías más inmediatas y bailables del álbum con un precioso drop algo ambient y próximo a los primeros Goldfrapp; mientras que ‘Away’, aunque parezca inacabada, se sitúa en un deseable punto medio entre Chris Isaak y Julee Cruise. No sé si Anna Calvi está siendo irónica cuando en un momento de este álbum afirma que «tu belleza me salvará», pero desde luego ha sido el caso de estas composiciones.

Calificación: 7,5/10
Lo mejor: ‘Hunter’, ‘Eden’, ‘Wish’, ‘Don’t Beat the Girl Out of My Boy’
Te gustará si te gusta: Nick Cave, Goldfrapp, Savages y no crees en la diferencia entre hombres y mujeres.
Escúchalo: Spotify

Dua Lipa da los detalles de la reedición de su debut, con 3 temas nuevos

18

Según ha confirmado la artista británica en Twitter, Dua Lipa presentará esta semana, concretamente el jueves día 6 de septiembre, un nuevo single titulado ‘Electricity’. Se trata de aquella colaboración con dos de los productores más importantes del pop de los últimos años, Mark Ronson (Amy Winehouse, Lady Gaga) y Diplo (Madonna, Beyoncé), que ahora forman un tándem bajo el nombre de Silk City.

Como se había contado hace semanas, ‘Electricity’ ha sido además compuesta junto a Romy Madley Croft, de The xx, y Florence Welch, conocida por su proyecto Florence + The Machine. Ronson dijo en una entrevista que esta canción cuenta con “una voz profunda y llena de alma que nos remonta a la época del gospel house”. A priori, eso parece estar en perfecta sintonía estilística con el actual éxito de Dua Lipa, ‘One Kiss‘, también una colaboración, en este caso con Calvin Harris. Ha sido número 1 en la lista de singles de Reino Unido y alcanzó el top 26 de Billboard Hot 100 en EE UU.

‘Electricity’ será el cuarto single de Silk City tras ‘Only Can Get Better‘ (con Daniel Merriweather), ‘Feel About You’ (con Mapei) y ‘Loud’ (con GoldLink y Desiigner). En cuanto a Dua Lipa, ha confirmado que el tema formará parte de una reedición de su exitoso debut, que también incluirá el primigenio macrohit ‘Scared To Be Lonely’, así como una colaboración con BLACKPINK. Saldrá el 19 de octubre.
Disco 1:
1. Genesis
2. Lost In Your Light (feat. Miguel)
3. Hotter Than Hell
4. Be The One
5. IDGAF
6. Blow Your Mind (Mwah)
7. Garden
8. No Goodbyes
9. Thinking ‘Bout You
10. New Rules
11. Begging
12. Homesick
13. Dreams
14. Room For 2
15. New Love
16. Bad Together
17. Last Dance
Disco 2:
1. Want To
2. Running
3. Kiss and Make Up (Dua Lipa & BLACKPINK)
4. One Kiss (Calvin Harris & Dua Lipa)
5. Electricity (Silk City & Dua Lipa)
6. Scared To Be Lonely (Martin Garrix & Dua Lipa)
7. No Lie (Sean Paul & Dua Lipa)
8. New Rules (Live)

Cómo algunos fans pueden ser tóxicos aunque pretendan lo contrario

181

La RAE define “fan” como “admirador o seguidor de alguien” y como “entusiasta de algo”, dando como ejemplo “es un fan de la ópera” (soy fan, valga la redundancia, de ese ejemplo). Pero cada vez se habla más de los fans tóxicos, aquellos que no distinguen realidad de ficción, aquellos que asocian a un actor con su personaje odioso hasta hacer que deje de actuar, como fue el caso de Jack Gleeson. Hace poco, The Telegraph analizaba la deriva tóxica sufrida por el fandom de ‘Rick & Morty’, relacionada además con el machismo, y los de Rick & Morty aparecen de hecho entre la lista de “los fandoms más díficiles de defender” de Wired, un curioso top que mezcla a los de Nicki Minaj o Taylor Swift con los de ‘Star Wars’ (aquellos a los que James Gunn recomendó ir a terapia), los de (por razones obvias) Chris Brown y XXXTentacion, y hasta los fans de Elon Musk (!). Una palabra que en principio se usó para definir a este tipo de seguidor tóxico fue “stan” (formada por la fusión de “stalker” y “fan”), pero el significado se ha acabado haciendo coloquial y, al igual que cuando tu amiga te dice que está “stalkeando” al tío que le gusta lo que quiere decir es que está mirando sus fotos antiguas de Instagram, y no que esté subida a un árbol grabándole en su casa mientras se ducha, también si alguien te dice “yo staneo a Charli XCX” no significa que escriba cien mil veces en un cuaderno “I just want you to focus on my love” a lo Jack Torrance. Bueno, o sí. Quién sabe.

El caso es que este tipo de seguidores (en este artículo nos referimos a la parte más tóxica de ellos; no, no todos son así) abunda en lo musical, y en los últimos días se ha vuelto a hablar de ello a causa de unos tuits de Marina Diamandis. La autora de ‘Froot‘ saltaba a raíz de los chistes sobre sus dificultades económicas: “estoy harta de estos comentarios maliciosos, creéis que sois graciosos pero os olvidáis de que hay un ser humano al otro lado” respondía al comentario concreto de un fan. Tras definirse éste como “stan” y aclararle que era broma, ella insistía en que lo entendía, pero que para ella era centrarse «en lo positivo con estos comentarios». «Solo quería que los que enviáis estos mensajes a los artistas lo supierais, que todos tenemos nuestros problemas de autoestima, y a veces lo último que necesitamos es ser atacados de esta manera en Internet”. Dependiendo de a quién preguntes, se centrará en ubicar a este tipo de seguidores en un género concreto (que si los heavies son muy cerrados a cualquier otro estilo, que si los fans de estrellas del pop están especialmente pirados, que si lo-peor-de-lo-peor está en el k-pop…), o en un artista concreto (los “little monsters” siguen sin quitarse ese sambenito a ojos del público general), o puede que también te digan que el nivel de adoración extrema de los fans ha surgido con Twitter (cierto vídeo mítico de fans de Take That está en desacuerdo con esa afirmación, y podríamos irnos más atrás en el tiempo).

“Sí es cierto que Internet lo hace más fácil, no solo porque puedas organizarte alrededor de una idea positiva como “Beyoncé es maravillosa”, sino también porque pueden organizarse alrededor de la oposición, “Los fans de Rihanna son basura””, comenta el escritor y colaborador de The Atlantic Derek Thompson en el extracto de su libro ‘Hit Makers’ que reproducen en Refinery29, “Internet les ha dado a los fans un lugar estupendo para juntarse, pero también canaliza su rabia, su desesperación y su resentimiento”. Ni Internet ni las redes sociales son, por tanto, el problema, pero sí resultan una herramienta que puede amplificarlo y hacer que, aunque por supuesto los fans pueden ayudar a aupar a un artista a través de las redes (los hashtags son un ejemplo), también pueden servir para acosar a quienes digan algo malo de ese artista (tenemos el ejemplo reciente de Wanna Thompson y Nicki Minaj), o contribuir a que caiga mal sin pretenderlo, por simple asociación, perjudicándoles ante los ojos de un público más maduro.

Mención aparte merece lo que pasa con la mayoría de cantantes femeninas. “Parece como que no quieren que haya muchas tías triundando, como que siempre tiene que haber una reina, ¿no?”, comentaba Mala Rodríguez hace poco, sobre los enfrentamientos que los medios (y la propia sociedad) fuerzan entre mujeres que están triunfando… y en los que el componente fan también influye, como apuntaba Thompson al elegir a Beyoncé y Rihanna para su metáfora (tuvieron que negar rumores de enemistad alimentados por la prensa). A veces los fandoms acentúan el feud que se haya creado -con frecuencia haciendo referencia al físico y la edad de las cantantes-, y otras veces son los propios seguidores los que extrapolan sus batallas a las artistas. Así, la mítica pelea entre little monsters y madonniers partía de un enfrentamiento verídico (aunque llevándolo al extremo), pero también está próximo el caso de los fans de Beyoncé con Emma Watson, teniendo ambas que aclarar que no existía ningún problema por más que sus seguidores insistieran. También en nuestro país y de forma reciente es curioso el empeño, por una parte de sus fans, en enfrentar a Amaia con Aitana, despreciando a la primera para destacar los logros de la segunda y viceversa… cuando no podría estar más claro que son bastante amigas.

De hecho, el fandom de OT 2017 ha sido uno de los mayores fenómenos nacionales surgidos en los últimos años, con un sub-fandom para cada concursante. Pero lo que empezó como una bonita comunidad de seguidores ha acabado adquiriendo muy mala fama, y ahuyentando incluso a espectadores del concurso. Esto se ha achacado mucho a las “cepedistas”, especialmente debido al acoso sufrido por Vicente, ex novio de Aitana (en un caso de intromisión en el ámbito privado-sentimental que recuerda a lo sucedido con Pete Davidson, el prometido de Ariana Grande, que llegó a cerrarse la cuenta de Instagram el mes pasado), pero lo cierto es que no es exclusivo de los fans de Cepeda: este sector de fans tóxicos se encuentra también en el fandom de Alfred, de Miriam, de Raoul, o de las mencionadas Amaia y Aitana, y del resto de sus compañeros. Muchas veces estos comportamientos online no se centran en atacar a otro compañero, sino al propio artista, como pasó con la propia Aitana cuando sacó ‘Teléfono’ y muchos tuiteros se rieron de lo mala que les parecía la canción, mencionando el perfil de la catalana, que, a juzgar por lo que tuiteó horas después, había visto esos comentarios, como le pasó a Marina Diamandis.

“Hay una cultura fan de degradar a la gente en Internet que no me gusta nada. Llevo fuera de las redes sociales tres meses porque sufro depresión, y los comentarios negativos me afectan muchísimo”, decía Diamandis en otro de los tuits que componían el enfado del que hablábamos antes. “Lo entiendo, y problabemente si hubiese tenido Twitter de adolescente yo habría hecho lo mismo. Pero los artistas sí que ven vuestros comentarios, cada mañana y cada noche, y los fans se engañan a sí mismos si creen que eso no constituye acoso solo porque es online”, zanjaba la intérprete de ‘I’m a ruin’, que recientemente ha anunciado que su próximo álbum lo sacará bajo el nombre de “Marina”, sin los “diamantes” que representaban a sus fans. La galesa ha aclarado que no se trata de un enfado con sus fans, sino de que quiere ser tratada “como un ser humano, no como un personaje”. Y es que, si bien es cierto que muchos sueltan auténticas burradas en redes sociales a famosos porque piensan que no lo van a leer, a otros les daría igual que lo leyesen, porque piensan en el artista, como decía Marina, más como un personaje, una celebrity, no como una persona más. En conclusión, ni Internet, ni Twitter, ni por supuesto los fans en general, son los culpables de que todas estas cosas ocurran, pero el caso es ese, que ocurren, y cada vez con más intensidad. Y cabe preguntarse: ¿hemos llevado demasiado lejos esa “protección” que queremos darle a nuestro artista favorito? Incluso, como ocurre con el aspecto posesivo del amor romántico, ¿estamos confundiendo esa pasión con un sentimiento de que el artista en cuestión es tan “nuestro” que nos pertenece?

La condena por abuso a una menor de 6ix9nine no afecta al público, que hace de ‘Bebe’ el vídeo más visto en España

71

Mientras aún está pendiente de ser juzgado por tratar de estrangular a una chica de 16 años, Daniel Hernandez, más conocido como Tekashi 6ix9ine o 6ix9ine a secas, debe acudir a juicio este mes de septiembre por haber violado el acuerdo con la fiscalía que le permitió eludir la entrada en prisión tras ser condenado por abuso sexual infantil a una niña de 13 años. Un delito de pedofilia que no ha disuadido a Nicki Minaj de trabajar con él en ‘Fefe’: de hecho, su defensa pública del rapero de Florida y la inclusión de esa canción en ‘Queen’ podrían ser una de las causas de su actual impopularidad.

Tampoco parece afectar demasiado al público español, que ha logrado que el clip oficial de su nuevo single ‘Bebe’ se haya convertido en el vídeo (musical o no) más visto de nuestro país, sumando unas cifras globales espeluznantes (en varios sentidos): 32 millones de visualizaciones en 3 días. Parte de este mérito pertenece también a Anuel AA, un cantante puertorriqueño de bastante éxito en el ámbito callejero cuya mixtape ‘Real hasta la muerte’ ha sido número 1 de la lista de streaming de álbumes de España.

Juntos cantan un tema producido por Ronny J de pop tropical que ni siquiera tiene un gancho especialmente atractivo, y cuyo supuesto magnetismo, adivinamos, está en una letra íntegramente en español dedicada a una chica que es infiel a “su hombre” porque es una “diablita” en el cuerpo de una mujer. Cuerpos que, por supuesto, rodean a ambos personajes en un harto predecible vídeo playero. El lanzamiento de este single ha coincidido, además, con la presencia de 6ix9ine en nuestro país, donde ha ofrecido sendas actuaciones en un club de Lleida y en otro de Ibiza, y donde es también conocido por haber colaborado con Yung Beef en su Ep ‘Kowloon Mixtape‘.

‘Bebe’, como ‘Fefe’, no forman parte de ‘Day 69: Graduation Day’, la mixtape que lanzaba la pasada primavera y que, gracias a singles como ‘Gummo’ y ’Gotti’, acumula unos 600 millones de reproducciones en 4 meses. Una popularidad que Hernandez, de tan sólo 22 años, residente en Brooklyn pero de origen mexicano –el vídeo de su primera visita a Puebla, de donde es su madre, repartiendo dólares sin ton ni son a cualquiera que se acercaba a él aunque no se lo pidan, es terrible– ha empezado a pagar: hace poco fue objeto de un secuestro que le llevó a ser hospitalizado.

Róisín Murphy, top 1 de JNSP; entran Anja Garbarek, Javiera, Empress Of, Disclosure, Art Brut, Emma Louise…

1

Róisín Murphy es el nuevo top 1 de JENESAISPOP tras los persistentes votos de sus seguidores, volcados con ella tras sus polémicos tuits por la falta de apoyo de medios. Esta semana hay varias entradas, destacando la de Anja Garbarek al top 3, la de Javiera Mena al número 8 y la de Empress Of al top 10. También damos la bienvenida a los temas de LOONA, Disclosure, Death Cab for Cutie, Art Brut, Dounia, Emma Louise y Ximena Sariñana. Toca a su vez decir adiós a varios temas que cumplen 10 semanas o más en la mitad baja de la tabla. Son tan viejos conocidos como ‘No Tears Left to Cry’, ‘Accelerate’, ‘Dance to This’, ‘Bien duro’ y ‘Apeshit’, es decir varias de las canciones del año que quieren ya dejar paso a otras nuevas. Ya podéis escuchar nuestra última lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 2 2 6 Plaything Róisín Murphy Vota
2 1 1 4 Missing U Robyn Vota
3 3 1 The Witness Anja Garbarek Vota
4 9 2 21 One Kiss Calvin Harris, Dua Lipa Vota
5 3 3 10 Fast Slow Disco St Vincent Vota
6 4 2 17 Hunger Florence + the Machine Vota
7 5 5 8 Girlfriend Christine and the Queens Vota
8 8 1 Espejo Javiera Mena Vota
9 6 6 2 Golden Child Say Lou Lou Vota
10 10 1 When I’m With Him Empress Of Vota
11 7 7 2 Woman Cat Power, Lana del Rey Vota
12 8 7 8 It’s Not Just Me Let’s Eat Grandma Vota
13 11 11 5 Tranquility Base Hotel & Casino Arctic Monkeys Vota
14 14 1 Hi High LOONA Vota
15 10 10 2 Two Slow Dancers Mitski Vota
16 22 13 9 Immaterial SOPHIE Vota
17 17 1 Where Angels Fear to Tread Disclosure Vota
18 13 1 5 Pienso en tu mirá Rosalía Vota
19 14 1 13 Malamente Rosalía Vota
20 18 7 9 All for You Years & Years Vota
21 16 1 19 No Tears Left to Cry Ariana Grande Vota
22 15 2 7 God Is a Woman Ariana Grande Vota
23 12 1 17 Accelerate Christina Aguilera, Ty Dolla Sign, 2 Chainz Vota
24 24 1 Northern Lights Death Cab for Cutie Vota
25 20 6 11 Dance to This Troye Sivan, Ariana Grande Vota
26 19 5 4 Ya no quiero ná Lola Indigo Vota
27 27 27 3 Complicated Mura Masa, Nao Vota
28 34 20 6 Level Up Ciara Vota
29 26 26 3 Boo’d Up Ella Mai Vota
30 30 1 Wham! Bang! Pow! Let’s Rock Out! Art Brut Vota
31 31 1 How I See It Dounia Vota
32 33 32 2 Uh Huh Jade Bird Vota
33 35 31 6 you should see me in a crown Billie Eilish Vota
34 34 1 Falling Apart Emma Louise Vota
35 29 18 10 Bien duro C. Tangana Vota
36 31 31 2 Tried Up Ama Lou Vota
37 39 8 10 Apeshit The Carters Vota
38 17 17 3 Girls Night Out Charli XCX Vota
39 30 26 3 Make Time for Love The Goon Sax Vota
40 40 1 ¿Qué tiene? Ximena Sariñana Vota
Candidatos Canción Artista
There’s Only One of Us A Place to Bury Strangers Vota
Fool Villagers Vota
Shot Gun Shack Neneh Cherry Vota
My Sex Brooke Candy, MNDR, Pussy Riot, Mykki Blanco Vota
Made for Now Janet Jackson, Daddy Yankee Vota
Flexin’ Tkay Maidza Vota
Alright Jain Vota
Guns N Roses Yvng Beef, GOA Vota
Feels Like Summer Childish Gambino Vota
Hoy Pedrina, Martina La Peligrosa Vota
Jessica WJ Cayucas Vota
Alas Volver Vota
Maravilloso Sidonie Vota
By the Daylight Devon Walsh Vota
If You Really Love Nothing Interpol Vota

Vota por tus canciones favoritas

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

Maddie Ziegler vuelve a “ser” Sia en el fantástico vídeo para ‘Thunderclouds’ de LSD

9

A finales del pasado año una periodista de The Guardian planteaba si era razonable que Sia huyera de la fama haciendo a su vez famosa a la niña bailarina –ya adolescente– Maddie Ziegler. Sia respondía en Twitter que era algo que también se planteaba constantemente y que, si bien ya era famosa cuando comenzó a trabajar con ella en el vídeo de ‘Chandelier’ –luego siguieron algunos más, además de actuaciones en televisión–, se sentía responsable de su mayor exposición pública.

Pero Sia concluía que consultaba con ella absolutamente todo y que el día que ella quisiera parar, pararía. El caso es que deducimos que Maddie, como decía la artista australiana, sigue sin querer parar, porque de nuevo la encontramos “siendo” Sia –o algo parecido– en el fantástico vídeo oficial de ‘Thunderclouds’, el estupendo último single de LSD, proyecto que une a Labrinth, Sia y Diplo y que, según parece, publicarán un álbum en breve.

El vídeo es obra del barcelonés Ernest Desumbila y la productora sauvage.tv, caracterizados por el empleo de animación e imagen real. Además de numerosos anuncios televisivos muy conocidos, Desumbila ha dirigido clips de The Sound of Arrows, La Bien Querida, Klein, Dellafuente… o ‘Audio’, de los propios LSD. En el caso de ‘Thunderclouds’, se presenta un mundo mágico que por momentos recuerda a los inicios de ‘Bola de Dragón’ o similar, con Labrinth como un personaje místico a lomos de una nube voladora y Diplo conduciendo una furgoneta voladora sobre la que Maddie Ziegler baila con la característica media melena de Sia (aunque, en algún fragmento del clip, un títere parece “ser” ese personaje).

Muere Conway Savage, mítico miembro de los Bad Seeds de Nick Cave

3

Según ha confirmado el propio grupo australiano en sus redes sociales, Conway Savage, que fuera miembro de Nick Cave & The Bad Seeds durante casi 3 décadas (se incorporó al grupo australiano en el año 1990, para la promoción de ‘The Good Son’), ha fallecido a la edad de 58 años. El año pasado le fue diagnosticado un tumor cerebral del que fue operado.

Como decíamos, Cave y su grupo han confirmado que Savage fallecía en la tarde de ayer domingo, 2 de septiembre, en un comunicado muy emocionante firmado por el propio Cave –que, recordemos, perdió a uno de sus hijos adolescentes años atrás y a él dedicaba su últimas obras–: «Nuestro amado Conway murió en la tarde del domingo. Miembro de los Bad Seeds durante casi 30 años, Conway fue el hilo anárquico que recorría las actuaciones en directo del grupo. Fue muy querido por todos, miembros de la banda y fans. Irascible, divertido, aterrador, sentimental, de corazón cálido, gentil, sarcástico, honesto, auténtico… Él era todo eso y casi literalmente «estaba dotado con una voz dorada», alta y dulce, empapada de soul. En una noche de alcohol, a las 4 de la mañana, en un hotel bar en Colonia, Conway se sentó al piano y cantó para nosotros ‘Streets of Laredo’, con su dulce, melancólico estilo y paró el mundo por un momento. No quedó un solo ojo seco en el lugar. Adiós Conway, no queda un solo ojo seco en casa. Te queremos, Nick y los Bad Seeds…»

Conway Savage nació en Victoria en 1960, y desde principios de los 80 participó como pianista y teclista en diversos grupos underground australianos con otro ilustre músico de su generación, Jim White. También grabó para artistas como Kim Salmon o Robert Forster (The Go-Betweens), e inició su carrera en solitario (que después sólo retomaría esporádicamente o como dúo junto a la cantautora Suzie Higgie). Como decíamos antes, se incorporó al grupo de Nick Cave en 1990 para promocionar ‘The Good Son’, pasando a ser miembro oficial de la banda durante los siguientes años. Participó en discos como músico fundamental del grupo en álbumes tan cruciales como ‘Henry’s Dream’ (1992), ‘Let Love In’ (‘1994), ‘Murder Ballads’ (1996), ‘The Boatman’s Call’ (1997), ‘No More Shall We Part’ (2001) y ‘Abattoir Blues / The Lyre of Orpheus’ (2004). Aunque participó en este, a partir de ‘Dig, Lazarus, Dig!!!’ (2008) la presencia de pianos en los discos de Cave se redujo, pero siguió siendo miembro regular de sus directos hasta 2016. Curiosamente, Savage cantó como solista una canción de Nick Cave and the Bad Seeds, mostrando esas dotes vocales que Cave cita en su comunicado: se trata de ‘The Willow Garden’, cara B del dueto con Kylie Minogue ‘Where The Wild Roses Grow’, publicada en en 1995. Sirva de eterno recuerdo hacia él.

Girando por Salas anuncia nueva convocatoria para artistas emergentes

0

Una año más, el Ministerio de Cultura (por medio del Instituto Nacional de las Artes Escénicas y de la Música –INAEM– siendo entidad colaboradora la Federación Coordinadora del Circuito de Músicas Populares –FCMP, integrada por diversas asociaciones profesionales del mundo de la música como APM, UFI o PROMUSICAE) abre convocatoria para el circuito Girando por Salas, en la que será ya su 9ª edición. Como sabréis, GPS tiene como objetivo apoyar a artistas emergentes de todos los estilos, tanto solistas como bandas, ofreciendo ayudas para la celebración de conciertos dentro del circuito de salas en todo el territorio español. Dichos conciertos se realizarán fuera de la Comunidad Autónoma de residencia de cada artista o a un mínimo de 300 km dentro de la misma.

La convocatoria comienza hoy, 3 de septiembre, dando como plazo límite para la inscripción en la web Girando Por Salas hasta el próximo día 14 del mismo mes. Como es habitual, de entre todas aquellas solicitudes recibidas que cumplan los requisitos –recordemos que es para grupos con al menos 1 EP editado y un máximo de 3 álbumes–, se someterá un primer listado a votación pública entre los días 5 y 11 de octubre. Tras el recuento de votos, el día 23 de octubre se anunciarán los 26 artistas seleccionados y el calendario, en coordinación con las salas y los artistas seleccionados, con un mínimo de 6 conciertos por artista que tendrán lugar entre los meses de noviembre de 2018 y mayo de 2019.

Según datos del INAEM, la pasada edición de GPS llevó a 26 grupos (entre los que se encontraban nombres como los de El Último Vecino, Modelo de Respuesta Polar, Núria Graham, Tigres Leones o Ed Is Dead, por ejemplo) a 141 salas de todo el país, con un total 165 conciertos programados a los que asistieron 14.181 personas.

A la venta las entradas para la gira española de 5 fechas de Yo La Tengo

3

El perpetuo trío de indie rock Yo La Tengo acaba de anunciar una próxima minigira de 5 fechas por salas de distintas ciudades españolas. Será a principios del mes de febrero el año que viene, 2019, y prácticamente recorrerán toda la mitad norte del país.

El tour comienza el día 8 en la Sala Capitol de Santiago de Compostela, continúa el 9 en el Teatro Victoria Eugenia de Donosti, el 11 de febrero en la Sala La Riviera de Madrid, sigue el 12 en Oasis Club Teatro de Zaragoza y termina el día 13 en la Sala Apolo de Barcelona. Las entradas para Madrid y Barcelona están ya a la venta a través de Live Nation.

Esta serie de actuaciones de Ira Kaplan, Georgia Hubley y James McNew servirá para presentar en nuestro país en recintos reducidos (hace unas semanas lo hacían, pero dentro de Mad Cool 2018) el último disco del grupo, ‘There’s a Riot Going On’. Un disco que no ha convencido a parte de la crítica y el público, calificándolo en esta página como, posiblemente, el disco más aburrido de su carrera. Aunque, como apuntaban algunos comentarios en esa crítica, para muchos el peor disco de Yo La Tengo ya es mejor que gran parte del resto de música que se publica actualmente.

La M.O.D.A. cierran el cartel de Dcode 2018 casi sobre la bocina

1

Cuando quedan tan sólo cinco días para que se celebre en el Paraninfo de la Ciudad Universitaria de Madrid una nueva edición del festival Dcode, el certamen acaba de anunciar al último grupo de su cartel, cuando ya nadie lo esperaba. Se trata de La Maravillosa Orquesta del Alcohol, conocidos popularmente como La M.O.D.A.

El grupo de Burgos se ha convertido en uno de los nombres más recurrentes en los festivales de la península de cualquier línea editorial (sólo este año han estado en festivales como Mad Cool, Low Festival, Santander Music o Sonorama Ribera) habida cuenta de su tirón popular. Al fin y al cabo, no hay tantos grupos nacionales capaces de llenar durante tres noches seguidas la sala La Riviera de Madrid, por ejemplo. En todas esas actuaciones, La M.O.D.A. estarán presentando las canciones de su cuarto disco de estudio publicado el año pasado, ‘Salvavida (de las balas perdidas)‘, un nuevo tratado de rock con cierta querencia celta/tabernaria que adapta a una idiosincrasia hispana el estilo de grupos como Dropkick Murphys o The Gaslight Anthem.

La M.O.D.A. engrosan un variopinto cartel de artistas y grupos españoles en Dcode 2018, que incluye a nombres consolidados como Izal, Sidonie, Triángulo de Amor Bizarro, Viva Suecia o Grises junto a otros menos conocidos pero interesantes como Nat Simons o los ganadores del concurso BDCODER 2018, Volver. Un cartel en el que, por supuesto, destaca sobre todos la presencia de los norteamericanos Imagine Dragons y que incluye a Bastille, The Vaccines o Jorja Smith, entre otros. Además, esta misma mañana se han anunciado también los horarios de estos conciertos del próximo sábado 8 de septiembre.

La Canción del Día: ‘breathin’ es la canción favorita del público de ‘Sweetener’

20

No hay tercer single oficial anunciado para ‘Sweetener’, el nuevo disco de Ariana Grande, pero parece que está claro cuál es la canción favorita del público del álbum, aparte de ‘No Tears Left to Cry’ y ‘God Is a Woman’, hasta ahora los sencillos oficiales del largo. Y no, no hablamos de ‘The Light Is Coming’ con Nicki Minaj. Beneficiada por su inclusión ¿espontánea? en una playlist de Spotify con tantísimos millones de seguidores como Today’s Top Hits, ‘breathin’ es la canción más escuchada de Ariana Grande ahora mismo en la red social sueca.

Hablando de Suecia, parte de la canción se grabó en Los Ángeles, pero parte se grabó en Estocolmo, lo cual se debe seguramente a la co-autoría de Ilya Salmanzadeh (con quien Grande ya había trabajado en ‘Problem’) y Peter Svensson de los Cardigans, quien antes ya se había involucrado en hits de gente como The Weeknd, Carly Rae Jepsen o la misma Ariana (‘Focus’ y ‘Love Me Harder’, entre otras). ‘breathin» habla sobre ansiedad («es la peor sensación del mundo»), sobre no poder «respirar» a causa de ella, y Grande la afrontó de la siguiente manera: «vale, no puedo respirar, pero vamos a escribir esta canción».

Aunque no llega a desmadrarse, ‘breathin’ es una de las canciones más bailables del cuarto álbum de Ariana Grande. En un momento, cuando emerge el primer estribillo, parece que la canción se va a entregar a los territorios de su rompepistas ‘Into You’. Por eso sorprende en su lugar la aparición de un solo de guitarra -convenientemente tratado- del mencionado Ilya Salmanzadeh, que supone la cumbre de una composición que acaba demasiado pronto y por tanto se presta para ser escuchada en modo «repeat». Cabe preguntarse si habrá remezclas preparadas para este otoño o la próxima primavera, si habrá problemas con ese «shit» o si de hecho ya habrá vídeo rodado. ¿Sería, de momento, ‘Everytime‘ una elección más adecuada para Navidad?

¿Cuál quieres que sea el próximo single de Ariana Grande?

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

Troye Sivan / Bloom

33

Parece mentira pero ‘My My My!’, el primer adelanto del nuevo disco de Troye Sivan, un esperado ‘Bloom’ que ha salido finalmente este viernes 31 de agosto, llegó a nuestras vidas… ¡¡¡en enero!!! Siete meses han pasado desde que la campaña de ‘Bloom’ arrancara oficialmente hasta la salida del disco, pero la canción, en lugar de caer en el olvido, se ha hecho más y más grande con el tiempo hasta consolidarse como la mejor canción de la carrera del australiano. Es sin duda el ‘Green Light’ de 2018… y las comparaciones con Lorde no se acaban aquí.

No, ‘Bloom’ no será el mejor disco de 2018 como ‘Melodrama’ lo fue el del año pasado, pero igual que Lorde, el cantante australiano ha publicado un álbum que documenta su madurez emocional (‘The Good Side’, ‘Postcard’) y sexual (‘Seventeen’, ‘Bloom’) en un momento muy concreto de su juventud, lo cual a la vez, como ‘Melodrama’, va a servir de espejo para una generación entera de fans que idolatran a ambos artistas y buscan reflejarse en ellos a través de sus historias. Además, ‘Bloom’ se ha presentado también con un primer single trascendental y eufórico, estelar del primer segundo al último, en el que Sivan aboga por “dejar de huir del amor”, donde Lorde clamaba “estoy preparada, esa luz verde, la quiero”.

Sin embargo, Troye no es Lorde, ‘Bloom’ no es un disco de autor como lo es ‘Melodrama’ y el australiano hace bien en acompañarse de diversos autores para pulir y elevar sus, por otro lado, personales canciones, aunque esto resulte en composiciones con un carácter más diluido. Le acompañan en ‘Bloom’ su habitual Allie X en canciones como ‘Seventeen’, una emotiva balada sobre una primera experiencia sexual de Sivan, Grindr mediante, o Peter Svensson, quien ya al margen de los Cardigans hace actualmente carrera como compositor para estrellas del pop como Ariana Grande (con quien Sivan colabora aquí en la cálida ‘Dance to This‘), The Weeknd o Nick Jonas, y que firma, entre otros y junto al productor Oscar Holter, el voluptuoso homenaje a los ochenta de los bombos enlatados que es el tema titular.

Si algo define ‘Bloom’ es una vulnerabilidad que empapa todas las canciones, desde las más bailables (las irresistibles ‘My My My!’ y ‘Plum’) hasta las baladas y pese a que Sivan no disponga de una voz especialmente carismática o emotiva. Ya nos detuvimos en ‘The Good Side’ destacando su preciosa melodía, que parecía inspirada en Sufjan Stevens tanto como su mágica unión de guitarras acústicas y florituras electrónicas, y casi igual de emocionantes son una ‘Postcard’ junto a Gordi en la que Sivan narra la vez en que envió una carta a su novio desde Tokio, “incluso la escribí en japonés”, recuerda, “y no te importó una mierda”, o ‘Animal’, la épica balada post-Frank Ocean -con producción futurista de Jam City (productor de Kelela)- que cierra el álbum.

Si algo hay que lamentar de ‘Bloom’ es que Troye Sivan no haya aprovechado la oportunidad para crear un segundo disco que termine de forjar su personalidad en la industria, que partiera más de ‘Blue Neighborhood’ y menos de las expectativas comerciales depositadas sobre la nueva estrella del pop internacional. Sin embargo, ‘Bloom’ sí mantiene ese gusto por las producciones sofisticadas de aquel primer trabajo y su abierta comercialidad expone ante nosotros a un artista que sabe qué quiere contar y con quién quiere trabajar para hacerlo lo mejor posible. Como ‘Dance to This’, ‘Bloom’ nos invita a quedarnos en casa y bailar, y aunque no tiene el aura de disco histórico de ‘Melodrama’, sí es un trabajo importante para Sivan, que sienta las bases para lo que el australiano nos tenga que contar en el futuro.

Calificación: 7,4/10
Lo mejor: ‘My My My!’, ‘The Good Side’, ‘Bloom’, ‘Dance to This’
Te gustará si te gusta: el pop comercial producido con gusto
Escúchalo: Spotify

La Canción del Domingo: todos los cameos de ‘Feels Like Summer’ de Childish Gambino

16

Tras el pelotazo dado por ‘This Is America’, a todas luces una de las mejores canciones de 2018, Childish Gambino publicaba dos canciones que ha incluido en un tándem llamado ‘Summer Pack’. La canción que más ha llamado la atención del público es ‘Summertime Magic’, pero también merecía muchísimo la pena la evocadora ‘Feels Like Summer’.

Precisamente cuando estamos en septiembre y el título de esta última canción comienza a tener un sabor más agridulce, el artista ha estrenado su correspondiente videoclip. Es un paseo por la ciudad, animado, bajo la dirección del propio Donald Glover y también Ivan Dixon y Greg Sharp, por el que “se pasan”, por supuesto a modo de animación, diferentes famosos del mundillo. En diferentes escenas en torno al barrio vemos figurar a Kanye West llorando en brazos de Michelle Obama, The Weeknd, Drake, Nicki Minaj o Travis Scott.

La idea no tiene ningún desperdicio, aunque lo que sigue despuntando es la canción, marcada por un sutil sinte como de lenguaje morse, percusión orgánica, de manera puntual guitarra acústica y por supuesto la sedosa voz de Childish Gambino tratando una letra agridulce. La canción habla del cambio climático o de la superpoblación, mostrando un atisbo de esperanza pero también de duda: “sé que sabes de mi pena / espero que este mundo pueda cambiar / pero sigue igual / espero que podamos cambiar”.

Estos son los cameos recogidos en el vídeo según The Independent (aunque algunos sean algo discutibles o menos reconocibles).

• Lil Pump y Trippie Redd (00:46)
• 21 Savage y Metro Boomin’ (00:48)
• Kodak Black (00:57)
• Migos (1:00)
• Chance the Rapper, Jaden Smith, Birdman (1:20)
• Will Smith (1:25)
• Azealia Banks sola en un árbol (1:28)
• Nicki Minaj y Travis Scott (1:29)
• The Weeknd, Ty Dolla $ign y Frank Ocean (1:35)
• A$AP Rocky, Solange y Willow Smith (1:39)
• Soulja Boy (1:41)
• Drake corriendo tras la bici de Future (1:46)
• Kid Cudi (1:59)
• Kanye West llorando en brazos de Michelle Obama con una gorra «MAKE AMERICA GREAT AGAIN» (2:06)
• Beyoncé con una camiseta de Fredo Santana (2:15)
• El gobernador de Florida Andrew Gillium con una referencia a XXXTENTACION (2:25)
• Lil Uzi Vert, Oprah Winfrey, Kehlani y Tiffany Haddish (2:42)
• Lil Yachty y Charlamagne (2:45)
• Gucci Mane (2:49)
• Snoop Dogg, Dr. Dre, Diddy, Wiz Khalifa y JAY-Z (2:51)
• Ball Brothers y Young Thug (2:58)
• Meek Mill, 2 Chainz, Pusha T, y Lil Wayne (3:01)
• Rae Sremmurd y J. Cole (3:03)
• Janelle Monáe y Tessa Thompson (3:11)
• Chris Brown llorando (3:29)
• Outkast (Big Boi and Andre 3000) (3:39)
• Rihanna (3:47)
• Whitney Houston (3:54)
• Michael Jackson (4:04)

‘Single Girl’ de Lush nos recuerda que en el Britpop también hubo chicas e himnos feministas

3

Quizá suene a lugar común lo de “qué injusto y reduccionista ha quedado el recuerdo histórico del Britpop, ahora parece que sólo había grupos de tíos”. Puede que las revisiones que se hacen dos décadas después no estén tan mal, al menos en los medios mejor informados. Pero todavía siguen saliendo selecciones como ésta de hace algunas semanas en las que el panorama (de nabos) es de lo más previsible y aburridísimo.

Momento de recordar, pues, que una de las grandes y más refrescantes características de aquel movimiento fue, precisamente, la aparición de grupos mixtos, multirraciales y femeninos 100%. Y que muchos de ellos fueron excelentes: además de las conocidas Elastica estaban Sleeper, Echobelly, Powder, Kenickie, Dubstar o las que lograron más éxito durante más tiempo: Lush. Una banda que venía en realidad del shoegaze, estilo que predominaba en su debut de 1989 (fue impactante conocerlas al año siguiente con ‘Sweetness and Light’), pero que supo evolucionar hacia el sonido Britpop con gran naturalidad y canciones redondas. Su último disco, ‘Lovelife’ (1996), es quizá su momento pop más perfecto, aunque las presiones del sello 4AD para que lograsen triunfar en América se estaban volviendo insoportables para la banda.

El single de adelanto de ‘Lovelife’ fue la maravillosa ‘Single Girl’, que sigue siendo una de las 10 o 15 mejores piezas de pop de guitarras de la historia del Britpop: compuesta no por la cantante principal -Miki Berenyi- sino por Emma Anderson, sus dos guitarras se entrelazan en un magistral baile de potentes acordes 90s e inteligentes riffs y arpegios, baile que se refleja también en voces en armonía entre las dos, subrayando la brillantez de la melodía.

La letra, además, tiene “plot twist”: comienza cantando “soltera, no quiero ser una chica soltera, ¿quién querría ser una chica soltera?” para acabar cambiando totalmente esa idea preconcebida: “cuando me abandonaste me llovió del cielo / No quiero limpiar tu basura otra vez esta noche / No quiero peleas / Y esta noche puedo hacer lo que quiera otra vez, con quien elija, está bien / Chica soltera, quiero ser una chica soltera.” Escuchémoslo viendo su vídeo totalmente post-cuatro-bodas-y-un-funeral:

No sería la única proclama feminista del sensacional ‘Lovelife’: ‘Ladykillers’ es otra pieza de guitarras mordientes, melodía irresistible y letra combativa. Por desgracia, sería su último álbum. El suicidio de su batería Chris Acland acabaría de desmoronar una estructura ya muy dañada por las tensiones y Emma y Miki decidieron cerrar capítulo. Anderson seguiría unos años en el muy interesante proyecto Sing-Sing, pero Miki estuvo básicamente retirada durante casi dos décadas. Por eso fue tan especial el breve y precioso reencuentro de hace un par de años con el EP ‘Blind Spot’, que recuperaba su lado más shoegaze, pero de momento no ha habido continuación, ni parece que la vaya a haber. Siempre nos quedará la cuenta de Twitter de Miki, en la que con regularidad sube fotos de su carrera en los 90 y comenta anécdotas de aquellos años.

‘Single Girl’ sonó en Popcasting #291 de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

U2 continuarán con su gira tras la cancelación in situ de Berlín por un problema de voz de Bono

11

U2 actuaban este sábado en un estadio de Berlín como parte de su última gira, pero lamentablemente no pudieron concluir el concierto. Tan pronto como después de la 5ª canción, que era ‘Beautiful Day’, Bono hubo de abandonar por problemas con su voz, reduciendo el show a un 20-25% de lo que se había visto la noche anterior en la misma ciudad (era la segunda cita consecutiva en la capital alemana). En uno de los vídeos se ve a Bono diciendo que se siente como en un «cigarro gigante» (en algunas zonas del recinto se podía fumar), que ha perdido su voz y que no sabe qué hacer. Dice que “10 minutos antes estaba cantando como un pájaro” pero que no puede más. El grupo termina ‘Beautiful Day’ con la participación del público, pero después decide no continuar. Bono dice que se va a ausentar 10 o 15 minutos pero finalmente no puede volver.

La web de U2 emitía un comunicado en nombre de todos los miembros de U2 que no son Bono, es decir The Edge, Larry y Adam: “sentimos la cancelación de esta noche. Bono estaba en condiciones estupendas antes del concierto y estábamos deseando dar el segundo concierto de Berlín, pero después de unas cuantas canciones, perdió su voz por completo. No sabemos lo que ha pasado y estamos recibiendo consejo médico. Como siempre, apreciamos la comprensión de la audiencia y de todos los fans de Berlín, y de todos los que han viajado. En breve actualizaremos”.

Finalmente, Bono ha comunicado este lunes 3 de septiembre que su problema de voz no es grave y que podrá concluir su gira, que llega a Madrid los próximos días 20 y 21 de septiembre, sin problema. Además, han reubicado el concierto semi cancelado de Berlín para el próximo 13 de noviembre, como informa su web oficial.

Pedrina / Prisma

0

Pedrina se dio a conocer en España como parte de Pedrina y Río, el dúo que vio cómo su tema ‘Enamorada’ aparecía en el taquillazo de Paco León ‘Kiki, el amor se hace‘, llevando a sumarles millones y millones de streamings. ‘Prisma’ es el primer disco en solitario de la colombiana, si bien hay que aclarar que no ha habido «divorcio», pues en él aparecen dos colaboraciones con Río: el desenfadado corte jamaicano llamado ‘Adiós’ -con mensaje final de libertad y empoderamiento- y ‘Billete falso’, una suerte de ranchera a dúo a ritmo de vals, y con metales.

‘Prisma’ llega para confirmar lo que ya se vio en ‘Canciones sin ropa‘: que lo de Pedrina no es flor de un día, siendo la autora única de sencillos tan destacables como el brasileño ‘Háblame’, o el principal ‘Hoy’, que además de un pequeño rap de Martina La Peligrosa, incluye la violencia sexy de la rima «corpillo» con «gatillo», puesta sobre la mesa desde el principio. «Quiero verte hoy / Pero tiene que ser casual / Tiene que parecer que yo no quiero / Quizás me vista un poco ligero», comienzan single y disco.

Además, aunque Pedrina cante sobre ritmos tradicionales de la música latina, y ahí están los sonidos fronterizos de ‘Inevitable’; o se sume a los riffs cincuenteros (‘Quisiera’ empieza como un tema retro de Russian Red); contribuyen a la actualización de su sonido los sintetizadores y efectos de sonido, que podríamos vincular con trucos de Psapp o El Guincho. Por momentos, ‘Importante’ parece un tema de Ana Belén, solo que producido por Aries. En verdad, están tras ella Richard Blair (Sidestepper) y Oscar Alford, mientras que ‘Hoy’ ha sido producida por el ex Bomba Estéreo Julián Salázar.

‘Prisma’ se resiente de la falta de «punch» que sí tienen estos últimos, sonando en algún momento algo edulcorado de más. Pedrina está cómoda en diferentes registros, viejos y modernos, muy bien entrelazados. Así, ‘Billete falso’ es un tema tan apasionado como el almodovariano disco de Sol Escobar. Pero quizá por su dulce timbre de voz, es más interesante su registro desafiante en ‘Pelaste el cobre’ (¡esa rima de «tu fea cara» con «no escuchas nada»!), un tema muy Metronomy, por una cuestión de contraste.

Calificación: 6,8/10
Lo mejor: ‘Hoy’, ‘Háblame’, ‘Pelaste el cobre’, ‘Inevitable’
Te gustará si te gusta: Sol Escobar, Aries, El Guincho, Gepe
Escúchalo: Spotify

¿Merece ‘Teléfono’ de Aitana ser número 1 en España durante un mes?

47

Parte de la redacción evalúa el que es el número 1 en España desde hace un mes, ‘Teléfono’ de Aitana Ocaña.

“A riesgo de que me trepen encima hordas de fans de Aitana, he de reconocer que la barcelonesa siempre me ha parecido una de las concursantes de OT17 más sobrevaloradas. No me parece nada interesante su voz y tampoco me lo parece ‘Teléfono’. Es una canción obvia, de repetitiva pesada, y la base musical de Andrés Torres y Mauricio Rengifo es un cóctel muy poco velado entre la moda pseudo-tropical y las cuerdecitas ufanas de ‘Issues’ de Julia Michaels. Por lo menos su juego de cortes y efectos añade dinamismo a la canción, porque la melodía es plana a más no poder. Se pega, sí, pero no para bien: más que volver a escucharla, deseas no haberlo hecho en primer lugar”. Jordi Bardají.

«Cuando una canción que te parece mala o te deja indiferente, triunfa, merece la pena volver a sentarte con ella para ver qué se te está escapando. ‘Despacito’ resultó ser una mina de estribillos múltiples que se iban superponiendo, ‘La bicicleta’ de Carlos Vives y Shakira había hecho antes exactamente lo mismo, C. Tangana es experto en publicar temas que de primeras te dejan un poco igual y a los pocos días resultan mostrar ganchos por todos lados… ¿pero qué tiene exactamente ‘Teléfono’? Ni la estructura esconde secretos, ni tampoco ninguna parte de su letra o de su producción. Está más cerca del misterioso pelotazo de The Chainsmokers que de cualquier otra cosa. Su mérito es solo el de la repetición ad nauseam y el de haber salido en el momento adecuado, con Aitana convertida en superestrella. La verdad, me quedo mil veces con el flow y la relevancia del mensaje de ‘Lo malo’. ¿Qué digo? Me quedo hasta con ‘Arde’…» Sebas E. Alonso.

“Voy a hacer de abogada de la diabla y decirlo: a mí me gusta ‘Teléfono’. Reconozco que es facilona en extremo en lo melódico (¿que se pegue a la primera es malo?), pero eso no significa que sea simple. La manera de jugar al corta-pega con sus capas, romper los ritmos y sorprender es muy divertida, una audacia no tan habitual como nos gustaría en el pop mainstream. En ese sentido, ‘Teléfono’ nos hace recordar el truco de ‘Despacito’… y es lógico, puesto que sus autores son también Mauricio Rengifo y Andrés Torres. Por lo demás, Aitana está sobradamente bien en los distintos papeles vocales que acomete (la diva, la rapera, los coros) y demuestra que está preparada para representar en nuestro país lo que en el mundo anglosajón representa Julia Michaels o Dua Lipa”. Raúl Guillén.

¿Qué te parece 'Teléfono' de Aitana?

Ver resultados

Cargando ... Cargando ...

Quique González a David Guetta sobre la cancelación en Santander: «Te la suda un poco, ¿verdad?»

7

La cancelación de tintes más desagradables del verano fue la de David Guetta en Santander a última hora, alegando un fallo en su avión. La organización envió un comunicado acusando a Guetta de no haber devuelto el caché del show cancelado, explicando en 12 largos puntos su visión, pero en cualquier caso esta semana el Pleno del Ayuntamiento de Santander ha determinado la devolución del dinero para los usuarios.

Así informa sobre ello El Diario Montañés, indicando que el PSOE aceptaba una enmienda transaccional del PP, aprobándose con 25 votos a favor (PP, PSOE, PRC, IU y dos concejales no adscritos), y la abstención de la concejala de Ganemos, y otra concejala no adscrita.

David Guetta excusó con un vídeo su ausencia del show de Santander el mismo día del set para el que se habían vendido las 10.000 entradas (sold-out). Su negativa a devolver el caché pese a la cancelación (las condiciones del contrato no han trascendido) ha provocado la indignación del cantante Quique González, que esta tarde de sábado ha escrito en Twitter: «Hola @davidguetta! ¿ Cómo va lo de Santander? ¿Tienes la conciencia tranquila? Te la suda un poco, ¿verdad? Pero si solamente tenías que traer el pincho! Vas a dejar a unos cuantos amigos en la bancarrota. No hay derecho. Te bañas en billetes. Págales, joder». Su mensaje ha provocado el apoyo de algunos usuarios, pero también la crítica de otros, que le echan en cara sus maneras de hablar de la labor de Guetta.

Eminem desplaza a Drake del top 1 global de Spotify con ‘The Ringer’

8

Eminem sacó ayer un disco llamado ‘Kamikaze’ por sorpresa y una de sus pistas ha logrado desplazar del número 1 global de Spotify a ‘In My Feelings’ de Drake, la cual ha pasado en esta posición 54 días, es decir casi 2 meses (casi todo el tiempo que lleva editada). La canción de Eminem que ha logrado este mérito es la primera del álbum, ‘The Ringer’, que ha sumado 5,2 millones de reproducciones durante el primer día. La canción ha sido top 1 directo en el Spotify de Reino Unido, aunque en Estados Unidos ha quedado en el puesto 2… por detrás de ‘Lucky You’ del propio Eminem.

De hecho, ‘Lucky You’ entra directamente al top 3 global de Spotify -un puesto por debajo de ‘In My Feelings’ de Drake- y ‘Greatest’ al top 4. Otras canciones de ‘Kamikaze’ en el top 50 del global de Spotify son ‘Not Alike’ (top 11), ‘Kamikaze’ (top 13), ‘Normal’ (top 15), ‘Fall’ (top 16, la pista polémica junto a Bon Iver), ‘Stepping Stone’ (top 19), ‘Em Calls Paul -Skit’ (top 29), ‘Venom’ (top 33), ‘Nice Guy’ (top 37) y ’Good Guy’ (top 39).

Le dure o no, que Eminem haya logrado desplazar ‘In My Feelings’ de Drake del top 1 del global de Spotify es noticia porque Drake es una de las personas que recibe en las letras de ‘Kamikaze’, en concreto en el corte titular, donde el rapero trata el tema de que otros escriban las canciones de Drake, haciendo referencia a su disco ‘Views’: «You got some «views», but you’re still below me / Mine are higher, so when you compare our views, you get overlooked / And I don’t say the hook unless I wrote the hook».

James Bay / Electric Light

1

James Bay se ha cortado el pelo y ha pasado de una suerte de folk impersonal a un pop-rock comercial también algo impersonal. No es que haya habido un cambio brutal de registro (el más destacado, en su pelo), pero Bay parece querer dejar un poco atrás el rollo más Hozier y proyectar una imagen más “rockera”. Y, como su flamante peinado, la verdad es que el nuevo estilo le sienta mucho mejor.

‘Electric Light’ es un disco elegante y aseado, bien pensado y mejor presentado para hacerlo agradable, digerible y dejar un buen regusto en la boca. Prácticamente es el compendio de cómo-hacer-el-perfecto-disco-comercial, pillando cachitos de artistas de solvencia contrastada de aquí y allá. Echen la culpa a Jon Green o Paul Epworth, productores y dos hachas en esto de los hits sofisticados (Adele y un larguísimo etcétera). Comercialmente, a Bay la jugada le ha ido algo regular; el disco entró directamente al número 2 de las listas británicas, para desaparecer del top 75 en apenas seis semanas. Aun así, mucho más preferible esto que su anterior encarnación. Y, lo mejor: nos deja unos cuantos temazos, entre lo ultra pegadizo y lo memorable.

James Bay sigue construyéndose una imagen de chico sensible, pero ahora mucho más enérgico, gracias a su calculada propensión al melodrama. Sin desgarro, lo justo para hacer tilín, apoyado en su gran voz, que oscila con solvencia entre el poderío y la vulnerabilidad. En su sopa cabe una gran cantidad de ingredientes, en la mezcla justa para no parecer deslavazado o falto de coherencia. Así, pone un pie en el soft-rock de los 80, a lo INXS, en ‘Wasted on Each Other’ y otro en los Arctic Monkeys de ‘AM’; a saber: estribillo con gancho y guitarrazos pulcros, palmas, aderezados por un puntito justo de macarra. Hay hits superlativos, como ‘Pink Lemonade’, la mejor de todo el conjunto, acelerada, emotiva, repleta de drama, construida a base de unos riffs de guitarra tópicos e infalibles, con el plus de esa letra de no-soy-bueno-para-ti. Todo un compendio de trucos manidos, sí, pero de resultado arrebatador.

También hay equitos a lo James Blake en ‘Wild Love’ y en el principio de ‘Us’, que asimismo recuerda al neo-blues de Rag’N’ Bone Man, hasta convertirse en el típico baladón mesiánico que se engancha cosa mala, cartas que vuelve a jugar con aún mejor resultado en ‘I Found You’. ‘In My Head’, que canta de una manera encantadoramente juguetona, es un tema optimista, con final góspel y cierto despiporre instrumental. Roza un pelín el plagio en ‘Wanderlust’, que contiene una línea de bajo que recuerda poderosamente a la de ‘Pumped up Kicks’ de Foster The People. Encontramos un poco del soul entendido a la manera del primer Bruno Mars en su versión sedosa en ‘Fade Out’, o su buenrrollismo, con bien de rock ochentero, reaparecen en ’Just for Tonight’. Hasta pone una pizquita de Bon Iver en ‘Stand Up’… Todo se sucede de manera fluida y, sorprendentemente, sin relleno. Nada sobra. Quizás ‘Electric Light’ sea un mejunje que recuerda a otras muchas cosas, pero sabe bien rico y entra como un tiro.

Calificación: 7,2/10
Lo mejor: ‘Pink Lemonade’, ‘Wild Love’, ‘Us’, ‘Just for Tonight’, ‘I Found You’
Te gustará si te gusta: Rag ‘n’Bone Man, Foster the People

La Canción del Día: Cayucas cantan al desastre de perder un número de teléfono en ‘Jessica WJ’

4

Vuelven Cayucas, el dúo de los hermanos Zach y Ben Ladyn autor de dos discos: ‘Bigfoot‘ y ‘Dancing at the Blue Lagoon‘. Y no lo hace precisamente decepcionando. Ayer estrenaban un par de canciones, una de las cuales incluíamos en la playlist de novedades Ready for the Weekend, pues es la que su sello considera la cara A de su nuevo single. Es un avance del que -dicen- será «su mejor álbum».

Si la cara B recibe el nombre de ‘Skeleton Coast’, el tema que nos ocupa se llama ‘Jessica WJ’ y es una canción uptempo en la que podemos percibir algún beat sesentero o setentero (como esos tan cinéticos que imitan Metronomy) como revestido de electrónica pop a lo Passion Pit o Foster the People; pero vinculándose también a los 90. Su letra, no en vano, se sitúa en 1998, apelando a la protagonista, que ya no está, si bien quien lamenta haberse marchado o como mínimo perdido es el propio narrador en el estribillo, que con un timbre bastante Beck canta: «Jessica WJ, no sé por qué me fui corriendo / Jessica, cometí un error / me pasaste tu teléfono en una carta y la tiré».

De manera divertida, un puente de la canción hace referencia al motociclista de acrobacias de los 60 y los 70 Evel Knievel (muy acorde con la música de la canción) para decir algo así como que volaba por los aires, las chicas se enamoraban de él, pero finalmente «no tenía más remedio que caer», «aunque la llama no se haya apagado».

Lucas González de Andy y Lucas se enfrenta airadamente a los padres de Gabriel Cruz

44

Andy y Lucas sacaron recientemente durante un concierto una camiseta con la imagen de niños asesinados que reclamaba “JUSTICIA YA”. El gesto no ha gustado a los padres de Gabriel Cruz, que sí se han mostrado agradecidos por ejemplo con Rozalén, y han enviado un comunicado pidiendo que no se use la imagen de su hijo “junto a un eslogan político”, que se eviten situaciones “desagradables que aumenten su dolor” y piden respeto para su “proceso de duelo” mientras llega el juicio.

Un jefe de prensa habría enviado una escueta nota de respuesta indicando algo así como “Andy y Lucas se disculpan si han generado algún malestar con esta camiseta y la retiran del mercado. Como padres solo querían solidarizarse con los padres de Gabriel”, pero lo que nos encontramos es un vídeo en el que, utilizando la cuenta de Twitter del dúo (no una personal), Lucas (González) reconoce estar “muy enfadado” por este comunicado recordando hasta en dos ocasiones que el grupo lleva “16 años siendo populares”, exclamando sin sonrojo frases como “¡qué vergüenza!” y concluyendo que «este país se está volviendo loco, pero luego pedimos firmas y nos echamos fotos con los políticos».

Lucas llega a disculparse con los padres de Gabriel, pero se muestra visiblemente enfadado e indica que lo único que pretendían era que “la causa no muriera” y “ayudar para que esos hijos de puta que asesinan niños no se salgan con la suya”. Exclama dirigiéndose a ellos de tú a tú: ”Yo también soy padre y si a mi hijo le pasa lo que le ha pasado al suyo, Dios no lo quiera, que todos los grupos de España saquen una camiseta con la imagen de mi hijo para que se haga justicia”. De manera surrealista, también llega a confesar cuánto la carrera de Andy y Lucas depende de la contratación pública, cuando niega que el grupo y el lema sean políticos. “¿Un eslogan político? Si Andy y Lucas no se inclinan por ningún partido político… ¿No ven que vivimos de los ayuntamientos? ¿Cómo vamos a decir que somos de izquierdas, de derechas, de centro, de arriba o de abajo?”.

El pastor que abrazó demasiado a Ariana Grande en el funeral de Aretha pide perdón

73

Ayer se celebró el funeral por Aretha Franklin, al que acudieron los Clinton y en el que actuaron Stevie Wonder interpretando ‘The Lord’s Prayer’ y ‘As’; Chaka Khan con ‘Goin’ Up Yonder’; Jennifer Hudson con ‘Amazing Grace’; Faith Hill con ‘What a Friend We Have In Jesus’; o Ariana Grande con “Natural Woman”, entre otros.

Ariana Grande, que saludó a Hillary Clinton a primera hora de la noche como mostró el directo de Youtube, ha sido noticia por la cara con la que Bill Clinton la mira durante su actuación, y sobre todo por haber sido abrazada en exceso por el pastor Charles H. Ellis III. Este, además de tener el dudoso gusto de decirle que pensaba que “Ariana Grande era un taco mexicano”, se muestra excesivamente cariñoso llegando a tocarle un pecho.

La imagen no ha pasado desapercibida para los fans de Ariana Grande, que han hecho del hashtag #RespectAriana trending topic mundial, hablando de acoso o como mínimo de lo gratuito de que este pastor acogiese en sus brazos a la cantante. Grande no ha comentado nada sobre el funeral en sus redes sociales, pero el pastor ya se ha disculpado en entrevista con The Associated Press: «nunca habría sido mi intención tocar el pecho de ninguna mujer. No sé, supongo que la abracé y quizá crucé una línea, igual fui demasiado familiar y me disculpo». Al tiempo que se disculpa por el chiste racista, indica que abrazó a todos los artistas que actuaron, hombres y mujeres: «De eso va con todos, les doy la mano y les abrazo. Es lo que hacemos en la iglesia, es todo amor. Lo último que quería era crear una distracción, todo esto de hoy ha ido sobre Aretha».



«Bon Iver», ¿qué esperabas de Eminem?

44

Eminem ha sacado un disco por sorpresa llamado ‘Kamikaze’, en el que carga contra algunos de los que criticaron su álbum anterior ‘Revival‘ y contra alguna gente que le cae mal. El NME ha hecho un especial de la gente con la que se mete y la lista incluye a gente de hoy, mañana y ayer: Donald Trump, Drake, Migos, Machine Gun Kelly, Tyler the Creator, Lil Yachty, Lil Pump, Lil Xan, Charlamagne tha God, Joe Budden, y Earl Sweatshirt, entre otros.

Justin Vernon de Bon Iver aparece en la canción ‘Fall’, en la que su voz forma el bonito gancho «don’t fall on my faith / don’t fall on my face». La letra incluye la letra dirigida a Tyler the Creator: «Tyler tú no «creaste» nada / entiendo por qué te llamas a ti mismo «maricón» / y no es porque carezcas de atención / sino porque adoras las pelotas de D12″ (grupo de Eminem). Justin Vernon ha acudido a las redes sociales para tratar de explicar por qué se ha involucrado en algo así: «no estuve en el estudio con Eminem para esta canción. Salió de una sesión con BJ Burton y Mike Mill. No me gusta el mensaje, pedí que cambiaran la canción, no lo hicieron (…) Eminem es uno de los mejores raperos de todos los tiempos, pero este no es el momento de criticar a la juventud, sino de escuchar. De actuar. No es momento de insultar. Ojalá nos hubieran escuchado cuando pedimos cambiar la canción (…) Me he equivocado y vamos a acabar con esta pista».

Esta nueva letra de Eminem no ha dejado indiferente a la prensa, pues llega demasiado poco tiempo después de que un niño de 9 años se haya suicidado por ser gay, como apunta DJ Booth; The Independent titula que si «usar insultos homófobos es la única manera de llamar la atención de los medios en 2018, Eminem debería retirarse ahora mismo»; y Billboard escribe un artículo en el que recuerda que Eminem no asocia la palabra «maricón» a «homosexualidad» sino que la usa como «zorra» o «capullo» (Elton John le defendió en aquella declaración de 2013), y recuerda que sí, Tyler the Creator se llama a sí mismo «maricón», pero apunta que lo hace en un contexto completamente diferente, no como «letra escarlata».

Eminem y nadie más es responsable de sus raps. No Justin Vernon. Pero sí cabe preguntarse qué esperaba exactamente el responsable de Bon Iver de un rapero que ha sido tan criticado por lo irreverente de sus letras, y parece no haberse preocupado demasiado de averiguar qué mensaje contenía la canción en la que ha insertado su estribillo. El historial con letras políticamente incorrectas de Eminem y su reiterado uso de la palabra «faggot» es demasiado largo como para que el discurso de Vernon el día de salida de la canción sea este en lugar de otro abogando por la libertad de expresión de los raperos, o la huida de lo políticamente correcto, que -ojo- también está de actualidad e incluso podría haber sido algo enriquecedor.

Quiero pensar que le ha podido la inexperiencia y no sus ansias de dinero, porque Vernon siempre ha sido muy modesto e incluso conservador a la hora de insertar sus canciones en anuncios o colaborar con otros (en los Grammy, por ejemplo), y aquí algunos podrían percibir que está cayendo un mito. ¿De verdad nunca se le ocurrió que, al colaborar con Eminem, podía encontrarse oficialmente como co-autor de letras que tuvieran connotaciones sexistas u homófobas? ¿Acaso ha estado más tiempo del que pensamos recluido en la cabaña de ‘For Emma, Forever Ago‘? ¿De verdad no es lo suficientemente famoso, después de colocar dos álbumes en el top 2 de Estados Unidos, como para firmar un contrato que obligue a la supervisión de dónde termina metida su voz a estas alturas de la película?