Steve Albini, productor de Nirvana o Pixies, de tocar con Shellac en el PS a forrarse en un torneo de póker

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18 junio, 2018

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Semanas atrás asistíamos con estupor a la noticia de que SZA, una de las artistas de R&B más prominentes del panorama gracias a discos como ‘Ctrl’, su excelente debut oficial, podría haber perdido su voz para siempre. En una serie de tuits que después borró pero que trascendieron, decía tras un concierto que su voz estaba “permanentemente dañada” y se mostraba dolida por la situación tras 11 meses de gira ininterrumpida (participaba en un tour promovido por su sello, Top Dawg Entertainment, junto a otros artistas del mismo como Kendrick Lamar).

Sin embargo, hoy SZA ha sorprendido con un tuit en el que explica que, tras ser asistida por médicos expertos y otros profesionales, su voz no se ha perdido para siempre. “Gracias
al increíble equipo de médicos y técnicos vocales que se han tomado tiempo para tratarme durante las últimas semanas en cada ciudad. Me siento bendecida por poder decir que mi voz no ha está dañada permanentemente y que he trabajado cada día para poder volver. Lentamente pero segura”, ha revelado en un tuit publicado horas atrás.

Curiosamente, en las últimas horas hemos conocido una nueva colaboración vocal de SZA con otro de los artistas de su sello. Se trata de Jay Rock, viejo amigo y colaborador de Lamar que publicaba el pasado viernes un nuevo álbum titulado ‘Redemption’. SZA participa precisamente en el tema que da nombre al álbum, en el que también colaboran Lamar, Future, Jeremih o J. Cole.

Thank u to the incredible team of Doctors and vocal technicians that have taken time to see me over the last few weeks in every city. I’m blessed to say my voice is not permanently damaged and i’ve been working daily to get back. Slowly but surely.

— SZA (@sza) June 17, 2018

Hazte Lapón / Tú siempre ganas. Parte 1. La vida adulta (instrucciones de uso)

Por

Carlos Úbeda

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18 junio, 2018

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A mediados de los años 30, el famoso escritor Vladimir Nabokov, su mujer Véra y su hijo Dmitri paseaban por la playa cuando vieron llegar a una misteriosa mujer que se plantó frente a ellos. Se trataba de la actriz Irina Guadanini, amante de Vladimir. Véra se retiró con su hijo y le dijo a su marido un conciso: “estamos arriba, decide pronto”. No mucho más tarde, Irina, desde la playa, pudo ver en el balcón del hogar de los Nabokov tres bañadores secándose al sol.

Lolo Lapón, en la extensa entrevista que mantuvimos con él, nos contaba cómo, años más tarde, Véra impidió que Vladimir quemara el manuscrito de ‘Lolita’. «Tú has sido, eres y serás mi único amor», solía repetirle a menudo el escritor a su mujer. Esa clase de relaciones, complejas y adultas, a veces duras, incluso contradictorias, pueblan canciones tan bonitas como ‘Como Véra y Vladimir’, de esta primera entrega del tercer disco de Hazte Lapón: ‘Tú siempre ganas’.

Tras un primer álbum (‘Bromas privadas en lugares públicos’, 2013) sin mucha repercusión, Hazte Lapón consiguieron impactar a público y crítica con su segundo disco (‘No son tu marido‘, 2015), un trabajo que reivindicaba la vida en pareja con inteligencia y apartándose de los estereotipos. ‘No son tu marido’ era un disco algo irregular pero repleto de canciones deslumbrantes y absolutamente icónicas que los emparentaban con contemporáneos como Los Lagos de Hinault, con versos sueltos del pop reciente como Klaus & Kinski pero, sobre todo, con la influencia lírica y melódica de los mejores Astrud.

Había, por lo tanto, mucha expectación con la continuación de ‘No son tu marido’ y más sabiendo que se trataría del último disco bajo el nombre de Hazte Lapón. En la entrevista con Lolo se perciben dos motivos. Por un lado, el hastío con una escena indie patria de la que son exponentes tardíos y que ya no puede dar más síntomas de agotamiento. Por otra, su propio encuentro con la madurez, la responsabilidad, la vida adulta. Precisamente subtitulada como ‘La vida adulta (instrucciones de uso)’, esta primera parte de la despedida de Hazte Lapón se vuelve a centrar en las relaciones de pareja, pero de una forma diferente a ‘No son tu marido’, mucho más atormentada y melancólica. Donde antes había ilusión por una vida en común ahora hay emoción por la supervivencia de la misma.

Con producción a cargo de Ferran y Cristian de Caballo Grande, se trata de un trabajo muy marcado por su concepción como disco de estudio en el que conviven muchas sonoridades: desde el arreglo elegante, casi Brit, de ‘El punto ciego’, al aire country de ‘Un carrusel’, pasando por el nostálgico colchón noise-pop de ‘La vida adulta’. A veces la voz queda más en segundo plano (‘La bolsa o la vida’) y en una primera escucha se pueden echar en falta más ganchos inmediatos, pero no tardan en aparecer, especialmente en el segundo tramo del disco.

A la ya citada ‘Como Véra y Vladimir’ (o «a Vladimir», como parece que dice -apropiadamente- en algunos momentos) le acompañan otros grandes aciertos como la que quizá sea la canción más redonda de todas, ‘Sabes la noche’, una melodía de sabor inmortal (¿Battiato meets The Magnetic Fields?), que envuelve los temores más profundos. La consternación ante los efectos de la edad se manifiesta en ‘Walter Disney Corp.’, con una cadencia propia de los Lambchop más sobrios o del Bill Callahan más crepuscular. El cierre con la shoegazer ‘Fantasías brutalistas’ ahonda en las -de algún modo- placenteras crisis de la edad tardía con una contundencia emotiva, adictiva y un pelín sádica.

Tras estas primeras diez canciones publicadas digitalmente, Hazte Lapón publicarán un single en verano y, ya en otoño, la última parte tanto de este disco -en una cuidada edición física que incluirá un juego de cartas- como de la historia de este proyecto que podrá morir, pero del cual nunca nos podremos ya olvidar.

Calificación: 7,8/10
Lo mejor: ‘Sabes la noche’, ‘Walter Disney Corp.’, ‘Fantasías brutalistas’, ‘Como Véra y Vladimir’.
Te gustará si te gustan: Astrud, Klaus & Kinski, El Niño Gusano, The Magnetic Fields.
Escúchalo: Spotify

Un atropello múltiple en el festival holandés Pinkpop deja un muerto y tres heridos

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18 junio, 2018

Según informan diversos medios internacionales, un atropello múltiple sucedido la pasada madrugada durante el festival Pinkpop 2018, celebrado en la localidad holandesa de Landgraaf, ha tenido como triste resultado la muerte de una persona y la de otras tres heridas. El conductor se dio a la fuga, localizándose el vehículo abandonado poco después y deteniéndose más tarde a un sospechoso, según medios locales.

El suceso tuvo lugar sobre las 4:00h AM de este lunes, horas después de que este evento musical terminara con la actuación de Bruno Mars. Según BBC, la colisión tuvo lugar en la zona de acampada del festival, sin que por el momento se conozca si el atropello fue intencionado o acccidental. Sí se ha confirmado que se trata de una furgoneta con matrícula holandesa. Pese a la detención, las policías belga y alemana, cuya frontera está próxima a la provincia donde se celebra el festival, permanecen en alerta.

La organización del festival, que este año celebraba su décima edición con la presencia de artistas como Pearl Jam, Foo Fighters, Noel Gallagher, The Offspring o el cantante pop norteamericano, ha publicado en sus redes sociales un comunicado confirmando lo sucedido, expresando su consternación y facilitando un número de teléfono para facilitar más información a afectados: «La Organización de Pinkpop está profundamente conmocionada y permanece con las víctimas y sus familias».

Escuchando el primer disco de… Nacho Vegas

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18 junio, 2018

Posiblemente muchos entréis a este artículo esperando encontrar una revisión de ‘Actos inexplicables’, el disco con el que Nacho Vegas abría un periplo en solitario del que esta semana presenta su octava referencia, ‘Violética’. Pero ya hablamos de aquel fantástico debut en el sello Limbo Starr cuando lo etiquetamos como uno de los discos de la pasada década para nuestra web –lectura que, por supuesto, recomiendo recuperar–. Hoy, en realidad, nos vamos a centrar en lo que fue su primer disco al margen de Manta Ray, llevando todo el peso de la composición –salvo de las letras, como ahora veremos– y la interpretación y sentando un claro precedente de lo que más tarde ha desarrollado en sus obras bajo su nombre propio.

Hablo de Diariu, un proyecto que inició a mediados de los 90 junto a su amigo, el poeta y realizador Ramón Lluís Bande, con el que comenzó a colaborar al poner música a un proyecto televisivo llamado ‘Verdá o consecuencia’, donde Vegas mostró su primera canción en solitario propiamente dicha, ‘Señardá’. Tras ese experimento, la colaboración se extendió a Diariu, que como su propio nombre indica nació con la idea de musicar unos poemas de Bande en lengua bable que narraban, a modo de diario, un asesinato. Una especie de ‘Ulises’ musical, sangriento y modesto. Así fue en su primer EP, un disco homónimo que publicó Astro Discos aprovechando una subvención del área de cultura de Principado de Asturias para la música cantada en asturiano. Estructurado en cinco cortes que reflejaban cada una de las etapas del día del crimen salvo el último, ‘La polesina’, que era una adaptación del tradicional ‘Romance de la Pola’ que luego Nacho versionó de nuevo en Lucas 15. Ya entonces, el folclore astur comenzaba a filtrarse como una fuente de inspiración.

Diariu nació como un proyecto diametralmente distinto a las derivas experimentales que convirtieron a Manta Ray en los abanderados del post-rock español, aunque su reflejo está impreso en numerosos pasajes de este proyecto, como esa ‘Tarde’ que pone fondo musical a una conversación telefónica entre los amantes o el spoken word de ‘Nueche’. Sin embargo, canciones como la pegadiza ‘La mañana’ o ‘Madrugada’ son una anticipación muy evidente suponen una aproximación –en una tesitura algo amateur y lo-fi– a la música folk con trazos rock, enfatizándolo con el carácter local que da la lengua empleada y los referentes de proximidad: el mar y su salitre, las polas, las cuencas, la sociedad deprimida.

Vegas pareció saber que había dado con algo de lo que tirar y, cuando vivía sus últimos días como parte Manta Ray, preparaba y publicaba –esta vez en Acuarela– ‘Diariu Dos’, un álbum propiamente dicho. Con las ideas más claras y, sobre todo, un presupuesto que les permitía contar con imponentes arreglos de cuerda, metales, percusiones y las colaboraciones de los mantarays Frank Rudow y Nacho Álvarez, además de la aportación vocal de Mónica Vacas del grupo Mus. Este disco, ya sí, es un antecedente más preciso de lo que vendría después en ‘Actos inexplicables’, con los ecos dylanianos, cohenianos, vanzandtianos y la voluntad de establecerse, a su manera, como un eslabón con la tradición cultural astur.

En su tracklist hay algún pasaje algo insólito, como los tintes dub de ‘Piedra, arena, tierra’ y ‘Aquel día’, pero no resulta complicado encontrar paralelismos de canciones como la instrumental ‘De la vida de les piedres’, ‘Inmóvil, ‘Caer, rodar’ o ‘Ventana’ en composiciones posteriores de Vegas, que se dilatan hasta su presente: uno de los temas que destacan en las primeras escuchas de ‘Violética’ es la murder ballad ‘Bajo el puente de l’Ará’, una historia de localista cantada en asturiano. La obra de Diariu es una rareza, una curiosidad sin la que los fans de Vegas pueden vivir, pero sorprende y enriquece su figura como creador, con un valor similar al de las etapas de aprendizaje de un pintor.

LCD Soundsystem hacen el mejor concierto de Sónar 2018

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JNSP

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17 junio, 2018

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La edición de 25 aniversario de Sónar ha reunido a 126.000 asistentes, la cifra más alta de la historia del festival. Por otro lado, se ha desvelado que Sónar 2019 y Sónar+D se celebrará los días 18, 19 y 20 del mes de julio, pero el festival volverá a sus fechas habituales los días 18, 19 y 20 de junio en 2020.

IAMDDB maneja varios tics de la generación Instagram; se muestra simpática y cercana, suelta su rollo y busca la complicidad con su público. Demasiado incluso, porque interacciona exageradamente con él; tanto que a ratos hasta parece forzado. Entre canción y canción se come unas chuches, nos dice que se va a quitar los zapatos, nos pregunta que si nos lo pasamos bien, que si fumamos yerba, se enciende una barrita de incienso, se abraza a las primeras filas, nos enseña un porro que le han dado, se lo fuma, etc. ¿Su música? Mayoritariamente r’n’b sedoso, de dormitorio, de duración breve (todas las canciones las acaba abruptamente), con bases lanzadas por un señor con gesto de funcionario aburrido. Ella cuando canta tiene una presencia ágil y divertida y muestra una buena voz, pero quizás todo es demasiado random (voz y canciones) y aún le falte un punto de personalidad que sustenten tanta verborrea. Mireia Pería

A Rels B sí que se le nota naturalidad en su contacto con el público. Bien acompañado por Buco como MC, Itchy de dj y una vocalista (Jenny, aunque se me escapa el nombre de su colectivo), ofrece un show divertido, fluido. Y eso que empieza de lo más accidentado, porque durante tema y medio no se le oye la voz… hasta que la insistencia de la concurrencia hace que pare y se dé cuenta del fallo. “Y yo que me lo estaba pasando de puta madre… ¡Gracias, señor técnico!”. Todo sin abandonar su eterna sonrisa. Él es superexpresivo, el resto de sus acompañantes no le va a la zaga (y con qué devoción se los mira), y va lanzando su hip hop espumoso, con punch y collejas simpáticas (y alguna que otra muestra de misoginia; no todo es perfecto); ‘Flakk’s plan’, ‘Love It’, ‘Tienes el don’… Presenta un nuevo tema que se titula ‘Euromillón’, nos pide ayuda para que suplamos a Dellafuente en ‘Buenos genes’, se pone a cantar ‘María María’ de Santana… hacia el final, nos presenta un cuerpo de baile formado por cuatro chicas jovencísimas vestidas de runners en ‘Reina de Pikas’ y ya se quedan todo el resto del set, hasta un ‘Es mejor’ celebradísima, en que el resto de crew acaba participando en las coreografías. Mireia Pería

Cornelius en el Sònar Hall ofrece un show bonito de ver (grandes audiovisuales y juegos de luces) y bonito de escuchar (la banda toca a la perfección y hacen gala de un sonido diáfano), pero al final carente de alma. La música del japonés, que presenta nuevo álbum –‘Mellow Waves’- tras doce años, es de una ejecución espléndida. Mimetiza sonidos de free jazz, pop psicodélico, bossa nova, funk con momentos de ruido de rock duro e incluso death metal, creando algo así como una banda sonora retrofuturista, compendio del s. XX. Pero, como he indicado al principio, a ese tejido sonoro tan bien bordado, tan hermoso, le falla el alma y desdibuja finalmente el gozo que pudiera ofrecer. Mireia Pería

Esta vez el llenazo de Nathy Peluso sí que lo vi venir, así que llegué con antelación, antes de que el acceso se colapsara. Está claro que el escenario Sònar XS se queda excesivamente XS a la diva argentina. Las cortinas doradas que adornan el espacio y la cabeza de ciervo se ajustan a la perfección a su visión melodramática de la música urbana, a esa mezcla de bolero con hip hop. En directo su voz suena más rica y desgarrada. “¡Soy una sandunguera romántica!” nos espeta tras entonar ‘Hot Butter’. Está contenta de ver a tanta gente y lo demuestra con intensidad: “A mí me gusta la sabrosura”. Y lo clásico, porque bien se pone a cantar ‘Bang Bang (My Baby Shot Me Down)’ o nos interpreta una versión un tanto sui generis de ‘Dos gardenias’, como te suelta todo un pregrabado de salsa que suena como si tuviéramos a la Fania en el escenario, mientras ella baila sin freno. Y como para corregir tanta tradición, nos arrastra con fuertes ritmos hip hop, aparcando lo latino, en ‘Corashe’. La próxima vez espero poder verla en un escenario grande. Mireia Pería

Mi paradoja con LCD Soundsystem es que me gustan moderadamente en disco, pero me entusiasman locamente en directo. No es para menos; James Murphy y los suyos crean una máquina rítmica tan magnética, y Murphy canta con tal devoción que es imposible no sucumbir. Y la noche del sábado en Sònar Hall no iba a ser excepción. La banda emerge, James se quita la chaqueta, luce su aspecto desastrado de siempre -pero, ojo que cuida lo esencial; durante la sesión de Despacio de esa misma tarde estaba usando una mascarilla para proteger su garganta-, golpea la batería con una baqueta, comienza ‘Get Innocuous’ y ya somos suyos. La bola de espejos que adorna el escenario enloquece en mil reflejos, como la música y el público. Así, Murphy va desplegando todas sus querencias (Talking Heads y New Order, postpunk y funk, disco y technopop) a través del mecanismo sónico perfecto, ejecutando versiones maxis con un sonido contundente, impecable. Es divertido ver cómo la banda ejecuta la avalancha rítmica de manera casi impasible, mientras Murphy se aferra a su micro a su característica manera, se deja llevar, se retuerce desatado. Y el público se desata también. Sólo hay que ver cómo coreamos “We won’t be your babies anymore” en ‘You Wanted a Hit’. No hay pausa entre canción y canción ni interacciones innecesarias con el público, tampoco las queremos. James vocifera, nos sumerge en una galaxia paralela, nos da subidones perpetuos, pero de los de verdad. Difícil destacar un momento álgido, porque todo el concierto lo es, todo suena a hit definitivo. Me quedo con la épica de ‘Call the Police’, los “yeah yeah” que suelta Murphy como la mejor diva house en –claro- ‘Yeah’. Pero, personalmente, lo que más me conmueve es el momento melancólico del show, un ‘Someone Great’ para llorar, que eleva la emoción del original a la enésima potencia, gracias especialmente a los coros de Nancy Whang maquinales y, a la vez, emotivos. Pero para no permitirnos la bajona, vuelve a arrancar la locomotora sincopada en ‘Tonite’. El asunto se lleva al máximo arrebato en ‘Dance Yrself Clean’, todos entonamos los “ahhhhh”, la banda retiene la canción y la sueltan, cómo nos soltamos nosotros; la bola de espejos gira, las luces rojas se desmadran subrayando el jolgorio. Y el final apoteósico con ‘All My Friends’. Parece que Murphy olvida la letra o le falla el micro, pero da igual porque cantamos “Where are your friends tonight?” desgañitándonos. Acabo deshidratada y al borde de la lipotimia. Absolutamente feliz. El mejor concierto del Sònar. Mireia Pería

Fatima al Qadiri realizó un set de sonido contundente y nítido, en el que presentó su EP ‘Shaneera’, que dedica a las drag queens del mundo y cuyo sonido parece una mezcla entre grime y sonoridades árabes. De hecho, al Qadiri portó una peluca, deduzco que buscando interpretar ese personaje drag que titula su EP. La beatmaker actuó frente a su ordenador, micrófono en mano, mientras unos espectaculares y opulentos visuales se proyectaban tras suyo. Lejos de invitar al baile, los ritmos post-rave de al Qadiri fueron intrigantes y oscuros, nada que ver con los vibrantes ritmos hip-hop y trap que presentó TOKiMONSTA una hora antes. La productora de Los Ángeles básicamente hizo una versión elegante y con gusto del DJ set que realizó Diplo del viernes. Jordi Bardají

Sentimientos encontrados con el set de Thom Yorke en el escenario principal de Sónar de Noche. El líder de Radiohead es uno de los grandes cabezas de cartel del 25 aniversario del Sónar con su proyecto junto a Nigel Godrich y el artista visual Tarik Barri, a través del que Yorke presenta las canciones que ha publicado en solitario y junto a Atoms for Peace a lo largo de una década. La puesta en escena, compuesta por cinco pantallas rectangulares a través de las cuales se proyectan preciosas imágenes animadas (obra del propio Barri), es sencilla pero imponente, y Yorke defiende sus temas con autoridad. Sin embargo, algo no puede ir bien cuando la asistencia del concierto solo hace que despejarse a medida que este avanza, y la realidad es que el repertorio de Yorke se termina haciendo bola. La música del británico, una electrónica emotiva y cerebral, es un poco sesuda, pero eso no sería problema si sus canciones, especialmente inéditas como ‘The Axe’, ‘Two Feet Off the Ground’ o ‘I Am a Very Rude Person’, sencillamente fueran mejores o más interesantes, y por culpa de estas canciones y otras, el show cae pronto en el tedio. Yorke sí logra resarcirse con la contundencia de ‘Default’ al final, pero es demasiado tarde: el concierto ha dejado de ser interesante hace rato. Jordi Bardají

Sol Escobar / La dama oscura

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17 junio, 2018

La artista colombiana Sol Escobar deja atrás su pasado como Anasol para empezar de cero. Ahora asentada en España, la cantante se muestra en ‘La dama oscura’, disco que ha compuesto y producido enteramente en solitario, como una desgarrada intérprete de la canción latina. Pero no estamos hablando hoy de reggaeton ni de urban: aquí hay canciones llamadas cosas como ‘Bolero 22’ y ‘Ranchera vampírica’ y las sonoridades del álbum pululan igualmente por lo fronterizo o el blues y el folk norteamericanos.

También actriz, Sol Escobar se inspiraba en una de las obras de teatro en que ha trabajado junto a Laura Villegas para componer el primer tema, y después le vinieron otra decena más, renunciando a un par de ellos que no le convencían, dejando ‘La dama oscura’ en 7 cortes que, eso sí, casi alcanzan los 5 minutos de duración de media. Pese a cierto recurrir a la fantasía o al realismo mágico mediante «vampiros» y «fantasmas», estamos ante producciones totalmente apasionadas, como muestra la interpretación de los últimos segundos de ‘Pájaro negro’.

Esa entrega tan loca al amor, a un «amor que es un volcán» como dice ‘Ese amor’, termina resultando algo excesiva, con letras tan dedicadas que bordean lo decadente en momentos como «tú sabes bien que me tienes a tus pies» (‘Ranchera vampírica’) o «mordí el asfalto y me entregué sin pedir nada a cambio» (‘La dama oscura’). En pleno fervor post-8M, las letras de Sol Escobar suenan algo anacrónicas. Sin embargo, según ella misma hay también en algún tema un poso feminista (“no me hables, ya no quiero más, ahora soy la que se va”, dice ‘Fantasma’, entonada por alguien a quien han matado), y este álbum (¿o mini álbum?) no es sino el cierre de una etapa para la artista, pudiendo olvidar al fin una relación que se le quebró hace «8 o 9 años» y que la ha atormentado durante toda esta eternidad.

Ahora asentada en España «por amor», la cantante nos presenta en ‘La dama oscura’ a un interesante álter ego en el que hay que referenciar a Chavela Vargas o a Calexico, pero también a otros artistas más inesperados y sorprendentes. Ella dice admirar mucho a James Blake, por lo que hay que prestar atención a los coros como sampleados de la excelente ‘Disparo’, un cinematográfico single que valdría a Almodóvar, a Lynch y a Tarantino (esas guitarras twang); y también al buen gusto de las cuerdas de pop de cámara de ‘Ese amor’, por mucho que las trompetas sean el arreglo más vistoso.

Sol Escobar actúa este martes 19 de junio en la Sala El Sol de Madrid.

Calificación: 7,2/10
Te gustará si te gusta: un buen drama
Lo mejor: ‘Disparo’, ‘Pájaro negro’, ‘Ese amor’
Escúchalo: Spotify

Carolina Durante critican el buenrollismo entre los grupos y se dirigen a Mikel de Izal: «¡Cuidado con el Instagram!»

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17 junio, 2018

Carolina Durante han concedido una entrevista a Los Prieto Flores (Borja ex Meteosat y su esposa, la ex Google Natalia) en la que desgranan el éxito de ‘Cayetano’, su tema crítico e irónico sobre los votantes de Ciudadanos, que supera ya las 300.000 reproducciones en Spotify.

La entrevista es deslenguada y en ella mencionan por ejemplo que Juan, el batería, es muy del malrollismo entre los grupos, llevando a Diego a pronunciarse contra el buenrollismo entre bandas, algo que ha diferenciado siempre la escena anglosajona de la española, donde es totalmente un tabú para los grupos hablar mal de otros grupos: “El otro día estaba con Fran de Los Nastys y decía: “es que tenemos que apoyarnos unos a otros”. ¡Vete a tomar por culo, coño! Si alguien me cae mal… Es como: “vamos a apoyarnos todos y juntos subimos, porque claro, es que tenemos que…” No, no, vamos a ver; no voy a hacer por que me caiga bien alguien. No te voy a insultar si me parece una mierda tu grupo, pero…”.

Borja y Natalia les animan a que se metan con el indiemainstream en su disco y ahí tienen unas palabras sobre Izal: “Se viene, se viene. No, no es broma. Les admiramos muchísimo”. “Muchísimo”, repiten, con cierta acidez: “Un saludo para el cantante, ¿cómo se llama? ¿Mikel? Mikel, sabemos lo que haces por ahí con el móvil. Cuidado con el Instagram”, bromean refiriéndose a las acusaciones de acoso recibidas por el cantante, que él negó a través de Facebook.

En otras partes de la entrevista, hablan de la polémica sobre Valtonyc o C. Tangana en el Primavera Sound. “Me han deseado la muerte por Youtube y Twitter y tampoco lo voy a denunciar”, revela Diego, que también cuenta al principio del vídeo cómo ha conocido a Jota de Los Planetas recientemente.

Jess Glynne ya es la artista británica femenina con más números 1

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17 junio, 2018

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El número 1 de esta semana en Reino Unido tendría que ser ‘One Kiss’ de Calvin Harris y Dua Lipa por novena semana consecutiva, pues es la canción más vendida y escuchada con lo equivalente a 46.000 unidades en los últimos siete días. Sin embargo, la Official Charts Company imponía el año pasado una serie de normas para que las listas británicas se muevan algo en los tiempos del streaming y la canción aparece penalizada en el puesto 7. Recibe ahora el equivalente a 27.500 puntos al haberse cambiado su ratio de «número de streamings que equivale a una venta».

Los grandes ganadores de la medida han sido Jess Glynne y Clean Bandit, ambos recordados por su hitazo ‘Rather Be’, solo que ahora por separado. El nuevo número 1 es el tema de Jess Glynne ‘I’ll Be There’ con lo equivalente a 38.000 unidades. Es el tercer número 1 en solitario y el séptimo en total de Jess Glynne, en lo que supone un récord ya para una artista femenina británica, empatando además logros de Tinie Tempah y Calvin Harris como los artistas con más tops 1 de la década actual. Entre las artistas femeninas con más números 1 en Reino Unido están Madonna, Rihanna o Kylie, pero no son británicas. Adele y Amy Winehouse no aparecen en el listado, pues son (Amy fue) más bien artistas de álbumes.

A menos de mil unidades quedan Clean Bandit con su divertidísimo tema junto a Demi Lovato, ’Solo’, mientras en el número 3 ha quedado otra colaboradora de la banda británica, Anne Marie.

«Yo he venido de mi casa»… mujeres artistas vs hombres artistas

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Olaya Axolote

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17 junio, 2018

Todos los «Yo he venido de mi casa», aquí.
Olaya Axolote es líder del grupo Axolotes Mexicanos.

La Canción del Día: a The Carters les ponen los museos (no la fama) en ‘Apeshit’

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17 junio, 2018

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El single principal del esperado disco conjunto de Beyoncé y Jay-Z es ‘Apeshit’, una co-producción que la pareja ha realizado acompañada por un Pharrell Williams al que habíamos perdido un poco la pista. “Go apeshit” es en inglés “ponerse como loco” y tanto el pre-estribillo como el vago estribillo contienen la frase «Have you ever seen the crowd goin’ apeshit?».

La producción de la canción juega a producir un efecto hipnótico mediante la repetición constante de un par de notas, mientras Beyoncé rechaza la fama («I don’t give a damn ‘bout the fame») y reclama igualdad salarial para la mujer en su parte (“put some respect on my check / or pay me in equity”). También menciona la popular tienda parisina de diseño Colette, que cerraba hace unos meses.

Jay-Z en su rap hacia el final se jacta de haber rechazado actuar en la Super Bowl («me necesitáis, pero yo a vosotros no») y se burla de haberse ido de la última ceremonia de los Grammys con las manos vacías pese a haber optado a 8 galardones con ‘4:44’. La canción cuenta con pequeñas contribuciones vocales de Quavo y Offset de Migos, que aparecen como co-autores pero no como co-productores, curiosamente.

El vídeo de ‘Apeshit’ muestra a Beyoncé y Jay-Z, ahora conocidos como The Carters, posando delante de cuadros y esculturas tan populares como la ‘Mona Lisa’ del Louvre, y varias partes interiores y exteriores del museo más famoso de París y uno de los más conocidos del mundo pueden reconocerse muy claramente en el videoclip. También aparecen un grupo de bailarinas y una pareja a punto de tener sexo (como a Feria, «les ponen los museos«) y vemos la imagen que supone la portada del disco que contiene este ‘Apeshit’, ‘Everything Is Love’, igualmente realizada frente a la Mona Lisa de Leonardo Da Vinci.

«Joaquín se ha quedado totalmente mudo, tiene una afonía terrible y no va a poder seguir el concierto»

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17 junio, 2018

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Joaquín Sabina, que está presentando en directo su último álbum, ‘Lo niego todo’, no ha podido terminar su concierto de este sábado en Madrid. El artista estaba interpretando su popular tema ‘Y sin embargo’, cuando decidió no continuar. Era la 14ª canción que interpretaba de un setlist que suele incluir unos 22 cortes, por lo que quedaron sin sonar varios de los últimos, entre ellos ’19 días y 500 noches’, ‘Y nos dieron las 10’ o ‘Contigo’. Existen vídeos del momento exacto en que decide no continuar con el show, como podéis ver bajo estas líneas o en laSexta.

Según informa la cadena, varias canciones antes de abandonar el show, ya se había dirigido a la audiencia diciendo algo así como: “esto no lo debo decir quizá, pero este no está siendo un buen concierto y lo que no me ha pasado durante toda la gira, me ha pasado hoy, y es que la voz me está fallando”.

Después de abandonar Joaquín el escenario y de que la banda intentara seguir con el set interpretando dos temas más como se aprecia en Setlist.fm, Pancho Varona se dirigía a la audiencia para decir: “me dicen que Joaquín se ha quedado totalmente mudo, tiene una afonía terrible y no va a poder seguir el concierto. Lo sentimos muchísimo de todo corazón”. El público, como podéis ver en el vídeo, rompe a aplaudir.

La gira de Joaquín Sabina incluye 4 fechas más este verano según su web: el 21 de junio A Coruña, el 30 de junio Córdoba, el 7 de julio Albacete y el 14 de julio Granada. Suponemos que el artista podrá recuperar su voz de aquí al jueves.

Beyoncé y Jay-Z lanzan disco sorpresa como The Carters, ‘Everything Is Love’, y single extra, ‘Salud!’

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17 junio, 2018

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Un par de semanas después de haber comenzado su gira mundial, Beyoncé y Jay-Z han lanzado su disco conjunto sin aviso previo, ‘Everything Is Love’. Lo han hecho este sábado 16 de junio a última hora y a través de Tidal, recordando a la jugada de ‘Lemonade‘. Se llevaba tiempo especulando con la existencia de este álbum, pero el asunto no había pasado de rumor, por lo que se puede considerar un disco sorpresa. Además, ninguna canción del álbum ha sonado de momento en la gira conjunta que están realizando Beyoncé y Jay-Z.

‘Everything Is Love’, firmado con el sesentero nombre de The Carters -muy sitcom- se compone de 9 temas, dura algo más de 38 minutos y completa la trilogía lanzada por el matrimonio sobre su crisis sentimental, iniciada con y continuada con ‘4:44‘. El primer single recibe el nombre de ‘APESHIT’, cuenta con Pharrell y y Migos y al menos su vídeo se ha subido a Youtube, en este caso no es una exclusiva de Tidal. También hay un single extra no incluido en el álbum llamado ‘Salud!’.

Como apunta Pitchfork, Jay-Z asegura haber rechazado la Super Bowl en uno de los temas mientras que Beyoncé manda a la mierda a Spotify, plataforma a la que nunca ha subido su mejor disco, ‘Lemonade’, en la pista llamada irónicamente ‘Nice’: “If I gave…two fucks about streaming numbers woulda put Lemonade up on Spotify. Fuck you». A la espera de que la gira ‘On the Run II’ llegue a Barcelona el 11 de julio (aún quedan algunas entradas en Ticketmaster), os dejamos con la secuencia de canciones. Tanto Jay-Z como Beyoncé aparecen en los créditos de las 10 composiciones.

1.-Summer
2.-Apeshit
3.-Boss
4.-Nice
5.-713
6.-Friends
7.-Heard About Us
8.-Black Effect
9.-LoveHappy
—
10.-Salud!

Rosalía deslumbra estrenando ‘El mal querer’, SOPHIE fascina y Gorillaz aprueban en viernes de Sónar 2018

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JNSP

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16 junio, 2018

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En el Sònar Còmplex arranca Territroy Live, un proyecto de los griegos Stathis Kalatzis y Panagiotis Melidis, aún inédito discográficamente que, sobre el papel, pinta de lo más sugerente. Y de hecho comienza bastante bien. House etnicista la mar de acogedor con bonitas proyecciones en sepia, llevadas por la voz en falsete de Melidis con la que va fabricando loops. Pero, ay, empiezan a entrar en un terreno de breakbeats tenebrosos, van abandonando los terrenos house, tras un conato punkfunk acaban deviniendo excesivamente pesados, maquinales. Incluso se escucha algún silbido ocasional, y acabo desconectando. Todo lo contrario sucede con las deliciosas DECISIVE PINK, un dúo formado por Angel Deradoorian (ex Dirty Projectors) y Kate Shilonosova, cuya presencia de hada es magnética. Una música hermosa, con un pie en Stereolab, otro en Lio o Yelle, pero también con incorporaciones de reggae y funk. Empiezan con pop soñador, pero poco a poco nos arrastran a terrenos psicodélicos y progresivos, a bandas sonoras de fantasía. Una pequeña maravilla que no puedo acabar de degustar porque Liberato me espera. Mireia Pería

El Sònar Hall está repleto de italianos, al menos las primeras filas, para recibir a Liberato, el anónimo (no muestra el rostro) fenómeno napolitano urban. Tras una música de thriller, emerge alguien, embozado y con sudadera negra con el nombre del artista, que empieza a atacar unas baterías electrónicas y disparar techno duro. Pero no, no es él. Porque de las sombras, igualmente oculto, emerge el héroe de la tarde, acompañado de otro percusionista. Se hace cargo de la mesa y arranca con ‘Nove Maggio’. Y es muy gracioso ver cómo contrasta la dura imagen que hay encima del escenario -penumbra, haces hirientes de luces blancas, tres tipos encapuchados que más bien parecen los Sunn O)))- con la luminosidad y alegría de la música. Porque las canciones de Liberato son puro pop pegadizo, mezcla de urban, algo de trance, italo disco e incluso canción melódica italiana, coronadas por fantásticos estribillos y conducidas por una voz dulce. Haciendo un resumen rápido, una especie de Drake italiano. Nosotros cantamos unos temas que son puro gozo. ‘Je te voglio bene assaje’, una estival ‘Gaiola portafortuna’, alarga con intermedio trance mi favorita, ‘Me Staje Appennenn’ Amò’… Bailamos hasta que termina con ‘Tu T’e Scurdat’ ‘E Me’. El público pide más, pero se acaba ya. Estupendo. Y, cuando su imagen y su show se ajuste a su música, puede sEr el acabóse. Mireia Pería

En SónarComplex, Laurel Halo presentó su nuevo proyecto junto al batería y percusionista Eli Keszler, ‘Raw Silk Uncut Wood’. Se trata de un espectáculo de improvisación en el que electrónica y música en directo dialogan a la manera de un free jazz ambiental que busca evocar algún tipo de entorno selvático, produciendo una maraña de sonidos cacofónicos en el que percusiones metálicas acompañan el croar de unas ranas o el canto de unos pájaros. Entre todo esto, Halo añade su propia voz filtrada por un efecto de autotune. El resultado es una música extraña, interesante pero desestructurada y no demasiado agradable. Jordi Bardají

Hay una avalancha humana para entrar al Sònar Hall. Maldigo no haber sido capaz de imaginar la masiva expectación hacia la nueva encarnación de Rosalía. Consigo entrar, pero al fondo y con nula visibilidad. Arranca con ‘Malamente’ y el recinto parece que se hunde. Sólo queda rezar para que el gentío se evapore. Apenas logro vislumbrar cuatro palmeros, dos chicos y dos chicas. Mis contactos me chivan que van todos de blanco, que lleva bailarinas. Que Rosalía parece Las Chuches. El Guincho es el encargado de la música y de lanzar las bases. Rosalía está presentando su nueva música, sin concesiones a ‘Los Ángeles’; música construida a base de samples (hay incluso un tema construido a base del tubo de escape de una moto), pregrabados y palmas, con unas letras de lo más clásico; una mezcla de flamenco fusión con pop urbano. Las canciones son de lo más sugestivas, huelen ya a clásico popular. Y, por encima de todo, la voz prodigiosa de Rosalía y su presencia; porque cuando consigo tirar hacia adelante y logro ver el escenario, la sorpresa es mayúscula. Rosalía baila; baila flamenco, pero también ejecuta elaboradas coreografías con su cuerpo de baile, como una divaza de R’n’B. Como Beyoncé. Incluso hay cambios de vestuarios; tras un breve intermedio, emerge de rojo. El ambiente de la sala es asfixiante, pero no parece importar a nadie. El público a mi alrededor está entusiasmadísimo con la nueva Rosalía. El show no escatima en juegos de luces, incluso en proyecciones de dibujos animados con Rosalía de heroína ninja. Casi para acabar, nos regala un tema apabullante sólo construido con su cantar y efectos de voz. Ella está emocionada, nos explica que tras este su nuevo proyecto, ‘El mal querer’, hay implicada mucha gente a la que quiere dar las gracias. Y cierra con el tema más hip hop, rematado por una coreografía espectacular. Sólo 45 minutos de show. Suficientes para certificar que Rosalía está catapultada al éxito más fulgurante. Mireia Pería

No sé cuántos siglos por delante vive SOPHIE (unos cuantos seguro), lo que sí sé es que su “mundo totalmente nuevo” da un poco de miedo. Acompañada de dos bailarinas y de la vocalista Cecile Believe, SOPHIE aparece en el escenario de SónarDôme desbordante y su electro-pop de plástico, mecánico e híper artificial llega desde los altavoces como una enorme bestia dispuesta a derribar todo que se cruce por delante. El retumbe es brutal, apabullante. Por poco me vuelan las lentillas por los aires. Pero la oscuridad pronto acontece y ese mundo en apariencia maravilloso se vuelve gris y, mientras la música adquiere tonos más oscuros y amenazantes, una enorme bolsa de plástico empieza a hincharse tras SOPHIE, terminando por engullirla, a la vez que la música parece devorarse a sí misma hasta desaparecer. Tras esta espectacular introducción, SOPHIE y sus colaboradoras re-aparecen en el escenario y proceden a presentar ‘Oil of Every Pearl’s Un-Insides’, destacando el brutalismo de ‘Ponyboy’ y ‘Faceshopping’, el dramatismo de ‘Is it Cold i the Water?’ y el pop del siglo XXII de ‘Immaterial’. Se suceden en el escenario extrañas coreografías entre SOPHIE y sus bailarinas: con una de ellas, SOPHIE parece querer emular un maniquí, lo cual, teniendo en cuenta sus artificiales rasgos faciales, produce una sensación de “valle inquietante” que durará todo el concierto. El set es profundamente decadente en la manera narcótica con la que SOPHIE, que no aguanta recto el micrófono ni una sola vez, y cuya mirada parece en todo momento perdida en otras cosas, interpreta todas las canciones, y el punto sado-maso de la puesta en escena (las bailarinas esclavas, SOPHIE, su ama) llega a su cumbre cuando SOPHIE, quien antes ha saltado hacia el público, con la mala suerte que ha caído al suelo, se echa ¿agua? ¿aceite? por encima, se quita la parte superior de su ajustadísimo atuendo y se queda en tetas ante su público, posando sensualmente para las decenas de cámaras que le tiran fotos en ese momento. “Mirad estas tetas, porque no las vais a tocar”, parece decirnos. Si tuviera que describir mi interpretación de lo visto en este concierto, diría que SOPHIE, buscando potenciar el elemento artificial de su música y de su propio aspecto, planteando un futurismo absolutamente terrorífico, ha interpretado a un humanoide esclavo condenado a entretener por toda la eternidad. Si en lo que pasó anoche no hubo nada de interpretación, entonces fue un concierto de rock ‘n roll en toda regla, y de hecho SOPHIE lo terminó estampando el soporte de micrófono contra el suelo hasta romperlo. Ambas cosas produjeron, para mí, el show más fascinante del Sónar de lejos. Jordi Bardají

El islandés Ólafur Arnalds comienza con quince minutos de retraso, quizás fruto de la inmensa cola que espera que abran las puertas del Sònar Complex. Ólafur, al piano y teclados, está acompañado por un cuarteto de cuerda y un batería, tenuemente iluminados. Bromea con que hayamos preferido verle a él antes que el fútbol y nos anuncia que va a tocar temas de su nuevo disco, aún inédito. Ganan los paisajes sosegados y melancólicos, de BSO lluviosa, con una introducción a piano y las cuerdas que se van sumando para crear hermosos crescendos , aunque hay algún momento en que entra la batería y eleva el ritmo. Entre el público no se para de oír chistar. Tanto, que incluso parece que se estén riendo. Pero Ólafur no parece darse cuenta. Y la mayoría de los presentes están mesmerizados por la hermosura de lo que se escucha. Mireia Pería

Alva Noto presenta en SónarComplex ‘UNIEQAV’, uno de los tres álbumes que ha publicado en 2018, en un espectáculo que en realidad no propone especialmente nada nuevo, ya que se basa en la combinación de tecno cerebral y minimalista y visuales con proyecciones de frecuencias de sonido (el de su propia música) que ya le hemos visto en shows anteriores, solo o acompañado (por ejemplo, de Ryoji Ikeda en CYCLE). Esta vez la música está más inclinada al entorno de club, y la precisión y radicalidad de sus beats clínicos y ultra-matemáticos nunca dejará de volar los sesos a quien se deje seducir por ellos. Un concierto de Alva Noto es lo más parecido que hay a bailar en el interior de un ordenador, realmente fascinante. Jordi Bardají

Reconozco que, de todos los proyectos de Damon Albarn, Gorillaz no es el que más me interesa. Aún así, es un combo de singles efectivos y su concierto es sinónimo de fiesta asegurada. Proyectan un ‘Hello’ en la pantalla y el público ofrece una bienvenida calurosa. La banda está rematada por un espectacular elenco de coristas (algo desaprovechadas). Damon de amarillo sigue teniendo ese aspecto de chaval desastrado al que todo le da un poco igual y, a la vez, demuestra ser un perro viejo que lleva gran parte del show en sus espaldas; ora se acerca al público en el foso ya en la segunda canción (‘Tranz’), ora se pone a cantar con un micro conectado al megáfono (‘Tomorrow Comes Today’), un par de gestos que repetirá varias veces a lo largo de la noche. Los audiovisuales reproducen los canónicos dibujos animados de Gorillaz, pero lo importante sucede encima del escenario, en el mundo real. La banda es enérgica y se les ve con ganas. Incluso hay invitados de ultra-lujo. Nada más y nada menos que De La Soul reaparecen en el Sònar para rapear en ‘Superfast Jellyfish’. ¡Y nadie los presenta! Como tampoco presentan a Jamie Principle (en ‘Hollywood’). Little Simz tiene más suerte en ‘Garage Palace’, acompañada del coro, que echa el resto. Damon incluso rapea en ‘Sleeping Powder’. Sin embargo, a pesar del entusiasmo que le echan, no me acaban de enganchar. Las canciones se suceden, pero me acaban pareciendo iguales. El hecho que encima no toquen mis favoritas de ‘Humanz’ (sólo ‘Saturnz Barz’ en los bises) tampoco ayuda. Incluso diría que el público se ha ido enfriando y ya sólo responden a “ las conocidas”; ‘Feel Good inc.’, que vuelve a tener la colaboración inestimable de De La Soul. Y, claro, un final que no podía ser otro que ‘Clint Eastwood’, con Damon rapeando y el coro soltando el “The future is coming up, coming up…”. Damon se despide diciéndonos “corazón, corazón…”. Pues para mi gusto, algo de corazón sí que ha faltado.

El corazón que echo de menos en Gorillaz lo tiene el sueco Yung Lean a espuertas, simplemente él con su voz y el tipo que le pone las bases. Vestido como un policía distópico, con una camiseta que no acierto a averiguar de quién es (¿Marilyn Manson?), no puedo evitar que me recuerde a un joven Genesis P-Orridge. Su hip hop tiene mucho de visceral, y el público se lo devuelve viviendo ‘Drop It/Scooter’. Lanza preciosas proyecciones de ventanales góticos en ‘Kyoto’, lo inunda todo de rojo en ‘Red Bottom Sky’, nos llena de graves del infierno y emoción desatada, conmueve con el baladón techno, prácticamente un vals, que es ‘Agony’ o el emo trap de ‘Yellowman’. El suyo es un carisma singular que tiene algo de doliente y su actuación nos ha abierto aún más las puertas a su mundo interior. Mireia Pería

Entrada la madrugada, el concierto de Bonobo es un bálsamo ante la tralla que predomina en las sesiones del Sónar de Noche. Presenta Simon Green su disco ‘Migration’ a las máquinas y acompañado de varios músicos en directo y de unas coristas, dotando a su música de un elemento humano que, de nuevo, resulta un alivio ante lo visto en el festival. También porque la música de Bonobo tiene un elemento preciosista -es, en una palabra, bonita-, lo cual le hace destacar frente a otros productores presentes en el cartel de Sónar 2018 como Diplo. El líder de Major Lazer, después de cenar con Rosalía (en serio, está en su stories) se sube al escenario principal del Sónar de Noche para hacer lo que mejor sabe, disparar ritmos espasmódicos de dubstep y dancehall maximalista, bruto y esquizofrénico. Moló un rato. Jordi Bardají

Reconozco que no alcanzo a ver una buena parte del DJ set de Alizzz, pero lo que sí llego escuchar parece enfocado en los ritmos dancehall. De hecho, el productor catalán pincha un curioso mash-up de (lo que parece) ‘Pon de Replay’ de Rihanna con otro tema de la barbadense, ‘Loveeeeeee Song’, y más tarde confirma que ‘Traicionero’ de C. Tangana es un verdadero temazo. Como siempre, tanto las producciones propias de Alizzz como su selección de ritmos destacan por ser una explosión de color, y en ese sentido es radicalmente opuesto a lo que ofrece más tarde Bicep (un tecno algo anodino) y sobre todo Helena Hauff, que convierte el Sónar en Berghain con su hardcore/dark wave encocado y salvaje. Durante su set, empieza a amanecer en Barcelona, pero la oscuridad de su sonido se impone. Jordi Bardají

Hit de ayer: ‘Dieu créa la femme’ de Karen (2001)

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Jaime Cristóbal

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16 junio, 2018

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El inicio de las exitosas colaboraciones musicales entre Benjamin Biolay y Keren Ann -dos de los artistas franceses más queridos aquí en JNSP- se suele situar en 2000, con el célebre ‘Jardin d’hiver’ compuesto para Henri Salvador, cuyo éxito les puso en el mapa como los músicos más eminentes de aquella “nouvelle chanson” de comienzos de década. Sin embargo, su pasado juntos se remonta al grupo Shelby, un efímero proyecto de pop 90s cuyo único single, ‘1+1’, sonaba a estrambótico híbrido de los Corrs y Joan Osborne (la canción recuerda muchísimo a su ‘One of Us’). Junto a Biolay y Ann, Shelby se completaba con una violinista y cantante llamada Karen Brunon, que Benjamin conocía desde su adolescencia en el conservatorio de Lyon.

Dos años después del fracaso de Shelby, el sello Epic trató de lanzar en solitario a Karen, con el apoyo de nuestro apreciado dúo compositivo. La canción escrita para la ocasión, ‘Dieu créa la femme’, repetiría sin embargo el fracaso del grupo y se quedaría, a pesar de su calidad, en otro intento efímero de un solo single. Era una pieza de pop directo, con letra extremadamente breve, que giraba alrededor de una simple idea, condensada en el estribillo: “me gustaría ser un hombre sin melodramas / pero Dios creó a la mujer”. Su fracaso resulta una injusticia a todas luces por su evidente potencial comercial, que llevaba el sello melódico inconfundible de Ann/Biolay sustentado por un ritmo “baggy” muy de comienzos de la década:

La pieza acusaba también algunos problemas, principalmente esa masterización ultracomprimida que hacía fosfatina el rango dinámico de la canción y añadía una irritante distorsión, un efecto colateral habitual en las “loudness wars” del cambio de milenio. Una pena que sin embargo no impide disfrutar de esos exquisitos arreglos de cuerda de Biolay que engrandecen aún más el bello estribillo, o la guitarra twangy que adorna la introducción y el final.

La parte más misteriosa de la historia de esta canción es, sin embargo, su desaparición de las redes casi sin dejar rastro. Para ser un lanzamiento de una compañía importante, resulta muy desconcertante su total ausencia en plataformas de streaming, o en el mismo Youtube. Ni siquiera en la dark web de los P2P es apenas localizable. De hecho, intentar subir el inexistente vídeo para este artículo me costó lo que nunca me había pasado: la cancelación de mi cuenta de Youtube por infringir un copyright… Un borrado de pruebas históricas que bordea lo estalinista y está muy en la línea de lo que viene pasando con otra área “gris” de la carrera de Benjamin Biolay: la completa ausencia en las plataformas de sus dos singles pre-’Rose Kennedy’, de 1997 y 1998, los que grabó para el sello EMI. Canciones esquivas que sólo se pueden escuchar cuando fans anónimos las suben a Youtube hasta que son retiradas de nuevo. Por ejemplo, hace un par de meses alguien compartió este documento fascinante: el clip de su primer sencillo (‘La révolution’) en el que la propuesta estética 90s de Biolay es tan desconcertante como su estilo vocal.

Casi simultáneamente al fallido proyecto Karen, Ann y Biolay engarzaban sus respectivos (y colaborativos) álbumes de debut, esas dos maravillas tituladas ‘La biographie de Luka Philipsen’ y ‘Rose Kennedy’, que les acabarían de consagrar artísticamente. Karen continuaría trabajando con su violín para artistas tan prestigiosos como Charles Aznavour, Brian Wilson o Damon Albarn, pero en 2014 (ahora ya con su apellido Brunon) conseguiría por fin retomar su carrera de cantante junto a sus viejos amigos con el interesante álbum ‘La fille idéale’: producido por Biolay y coescrito por Ann, Biolay y Brunon, supondría el relanzamiento finalmente exitoso de una carrera que 14 años antes había encallado a pesar de tan brillante canción de debut.

‘Dieu créa la femme’ suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, ya disponible en este enlace.

Beatriz Luengo / Cuerpo y alma

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Pablo Tocino

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16 junio, 2018

Estar varios años preparando un disco puede dar buenos resultados o no pero, en el caso de Beatriz Luengo, sin duda ha acertado: con ‘Caprichosa’ ha dado el campanazo (9 millones de reproducciones en Youtube suman el “dance video” y el videoclip final), atrayendo además a nichos de público que no se habían acercado a ella hasta ahora. Y no es lo único destacable que podemos encontrar en un álbum que probablemente le reporte varios hits no solo compuestos por ella (Luengo está detrás de ‘La mordidita’ de Ricky Martin o ‘Madre Tierra’ de Chayanne, re-popularizada estos meses gracias a las “co-sas bue-nas” de Ricky y Mireya), sino también interpretados por ella.

Estamos ante un disco doble que a su vez es uno solo, como se dijo en su momento que sería ‘Rebel Heart‘: ‘Cuerpo’ está diseñado para que los oyentes no paren de bailar, mientras que en ‘Alma’ bajan los beats para dar paso a las baladas. ‘Caprichosa’ pertenece, cómo no, a esa colección más física, es especialmente contagiosa y con muchas papeletas de sonar este verano, pero la primera parte está llena de posibles singles. Hablamos de los featurings -hubiese pegado muchísimo uno con Mimi, sugerencia para algún remix-, como el de Brisa Fenoy en la pegajosa ‘Amarrao’ (muy eficaces como ganchos “tú me erizas los pelos” y “ama-ama-amarrao”, aunque este último podría haberse explotado más) o el ya mencionado de La Mala, y también hablamos de los momentos en que Luengo defiende ella sola temas salpicados de reggaeton (‘Postureo’, donde tiene especial fuerza el pre-estribillo), dancehall (‘Delito’), toques de tropical house (‘El Tan Tan’) y hasta un sensual trip-hop (‘La Mala’).

La parte de baladas no está tan conseguida (sobre todo en lo que a producción se refiere), aunque seguro que hará las delicias de sus fans al tratarse de composiciones muy personales. Es aquí donde se nota que el disco tiene dieciocho temas y se hace algo largo; aun así, pueden destacarse composiciones como la delicada ‘Ojos de Mandela’ junto a Alejandro Sanz, lo que brilla su voz en ‘No me dejes caer’, o una versión de ‘El Amante’ que deja en bragas a la original de Nicky Jam.

El año pasado, la madrileña comentaba en una entrevista que, después de que su participación en ‘Tu cara me suena’ le acercase a millones de hogares de nuestro país (sustituyendo la asociación inmediata a UPA Dance que muchos seguían haciendo con ella), se planteaba aprovechar la oportunidad en lugar de volver a Miami. En ese sentido, Luengo puede estar orgullosa: un año después ofrece el que es el mejor trabajo de su carrera y probablemente se asegure un hueco en la escena musical mainstream española de los próximos años, gracias sobre todo a la parte urban del disco.

Calificación: 6,4/10
Te gustará si te gusta: Efecto Mariposa, Karol G, Bebe, Conchita, Bea Pelea. Y si aún no comprendes cómo es posible que Mimi fuese la primera expulsada de ‘OT’.
Lo mejor: ‘Caprichosa’, ‘Amarrao’, ‘Postureo’, ‘El Amante’
Escúchalo: Spotify

La Canción del Día: Meghan Trainor no merecía el flop de ‘Let You Be Right’

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16 junio, 2018

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En este mundo parece que solo cabe el hitazo o el flopazo, y este ha sido el caso del último single de Meghan Trainor, pese a que no está nada mal: ni una entrada en todo el Billboard Hot 100 ha conocido, en la que podemos considerar la lista más competitiva e influyente del mundo.

En todo caso, la canción sigue sin estar nada mal y haya logrado lo que haya logrado, continúa demostrando que Meghan Trainor tiene bastante olfato para el gancho melódico. En este caso con cierta cadencia disco, la composición se recuesta en el legado de Chic y artistas ochenteras como C.C. Catch para enviar un mensaje hedonista y desenfadado.

Meghan ha escrito el tema junto a Jacob Kasher Hindlin y Andrew Wells, quien además la ha producido, y su letra contiene imágenes tan simpáticas como ese «beso en el semáforo» o, en general, esa condescendencia divertidilla del propio título de la canción («no tengo ganas de discutir esta noche, voy a dejar que tengas razón»).

Su vídeo estrenado este mes es una despreocupada fiesta en la que la cantante continúa explorando su lado sexy. Esta semana se ha estrenado también un “behind the scenes” con el que os dejamos.

Nacho Vegas, a por el récord Guiness de titulares en 3 días: un top 10 donde caben C’s, Podemos, PSOE, Taburete…

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15 junio, 2018

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Nacho Vegas publica hoy su nuevo disco ‘Violética’, que reseñaremos en breve. El artista ha concedido una serie de entrevistas estos días que por supuesto está dejando una mina de titulares virales, habida cuenta de lo deslenguado de sus entrevistas y de sus controvertidas opiniones políticas. Estos son tan solo algunos de ellos, dejando de lado el titular de El Confidencial sobre Russian Red («No creo que Russian Red sea una cretina derechista»), sobre el que Nacho Vegas pedía una rectificación, en concreto la eliminación de un «ya» al principio de la frase, ante la que finalmente este medio cedía. Foto: Pablo Zamora.

10.-«A veces me sonrojo con las respuestas a preguntas políticas de músicos de renombre (…) ¿Yo también seré así de sonrojante?
En El Diario: «Me niego a ser un opinólogo. En la actualidad la política está presente en el prime time televisivo con tertulias y programas de debate. Y cuando veo en esos programas tipo laSexta Noche a algún músico de renombre y les preguntan por la situación política a veces me sonrojo con las respuestas que dan. Y me digo: «¿Yo también seré así de sonrojante?». Es una putada, la verdad [risas]».

9.-«La monarquía no merece ningún respeto»
En Efe (La Vanguardia): «Muchos llevamos anticipando desde hace tiempo el colapso de la monarquía. Es una institución anacrónica y antidemocrática en esencia, por lo que no merece ningún respeto».

8.-«Veo la cumbia como un nuevo punk»
En El Diario: «La cumbia me interesa porque es todo un fenómeno al que se le está prestando menos atención del que debiera. Al igual que hay ríos de tinta vertidos sobre el punk, un estilo que en realidad ocupó muy pocos años, creo que la cumbia igualmente debería estudiarse. Yo la veo como un nuevo punk, de hecho, algo que sucede en toda Latinoamérica de forma geotransversal con cumbias muy diferentes: desde la cumbia sonidera de México o la más tradicional de Colombia; la chicha, que es la cumbia psicodélica de Perú; la cumbia villera argentina que está más vinculada al rock y el punk… La cumbia como tal es un fenómeno relativamente moderno que ha originado una nueva estética, y por eso me interesa tanto».

7.-«Lo bochornoso es escuchar a los líderes políticos hablando de si les representa más Beyoncé o Vetusta Morla»
En El Diario: «Por supuesto que hubo géneros y escenas que tenían como componente esencial el compromiso político. Pienso en todo el pop británico de los ochenta que se enfrentó a Margaret Thatcher. O en la música chilena de los sesenta (…) Pero hace un rato me decían algo que es cierto y que me resulta muy interesante: hay canciones que no nacieron como himnos y que sin embargo fueron adoptadas como tal posteriormente. Es el caso del ‘A quién le importa’ de Alaska y Dinarama, que hoy es un himno LGTB. Cuando escribes canciones llega un momento en que dejan de pertenecerte y pasan a ser propiedad de la gente. Eso que decía Violeta Parra de que cuando interpretas una canción popular lo que estás haciendo es rescatarla para devolvérsela al pueblo. Las canciones pertenecen más a la gente que a los autores, y es la gente la que va a decidir si la convierte en un himno que hable de los procesos sociales. Desde luego lo bochornoso es escuchar a los líderes políticos hablando de música y de si les representa más Beyoncé o Vetusta Morla».

6.-«Podemos es un partido vertical en el que la calle manda muy poco»
En Público: «Por mucho que en Vistalegre II [segunda asamblea estatal, donde Pablo Iglesias se impuso a Íñigo Errejón] se haya intentado hablar mucho de la calle, al final Podemos acaba siendo un partido vertical en el que la calle manda muy poco. Creo en Anticapitalistas y en el municipalismo porque siguen manteniendo la horizontalidad. Más allá de eso, a nivel estatal, no creo en la política, la verdad. No tengo ningún interés».

5.-«No confío en el PSOE»
En Público: «No confío en el PSOE. ¿Cambiar las cosas desde dentro? No sé. Yo confío en una vía rupturista, por la que apuesta Anticapitalistas. El PSOE es un partido del régimen que ahora tiene que posicionarse y hacer gestos, como tender un diálogo con Catalunya o derogar no sólo la reforma laboral de Rajoy, sino también la de Zapatero. Entonces sí que se podría hablar de compañeros de una fuerza progresista, pero por el momento creo que no».

4.-«El terrorismo de Estado lo estamos viviendo día a día (…) Baltasar Garzón, a quien todo el mundo pone por las nubes, es un antidemócrata»
En Público: «El terrorismo de Estado lo estamos viviendo día a día. Terrorismo de Estado es la Audiencia Nacional. Terrorismo de Estado es perseguir a Valtonyc, quien ha tenido que exiliarse en Bruselas. Terrorismo de Estado es la pena de cárcel a Pablo Hasel. Terrorismo de Estado es condenar a prisión a los raperos de La Insurgencia. Terrorismo de Estado también fue haber cerrado Egunkaria en 2003. Destrozaron un periódico que no había cometido ningún delito y que cumplía su función democrática de informar, mientras que sus directivos llegaron a ser encarcelados y, siete años después de la clausura del periódico, fueron absueltos. Y el exjuez Baltasar Garzón, a quien todo el mundo pone por las nubes, como si fuera un paladín de la democracia, es un antidemócrata [NdPúblico: en 1998 clausuró el diario Egin por razones similares]. Si son ellos los que van a sostener nuestra democracia, Dios nos salve…»

3.-«El catalizador institucional del 15-M, Podemos, ha traído un montón de contradicciones y situaciones absurdas»
En Público: «El 15-M fue necesario. Una experiencia política importantísima para mucha gente, entre la que me incluyo, porque en aquel momento estaba un poco despistado. De repente, se abrieron espacios en los que pudimos confluir muchas personas y vimos un horizonte de cambio. Ahora lo siento como algo importante porque podemos seguir teniéndolo como referente. No obstante, su catalizador institucional —en un partido como Podemos— ha traído un montón de contradicciones y de situaciones absurdas, como tener que votar sobre dos tíos que se han comprado un chalé en Galapagar. Esas cosas tan ridículas que no esperábamos entonces…»

2.-«Ciudadanos es un partido de ultraderecha con la cara lavada»
En El Mundo: «Debemos aprovechar que en España, a diferencia del resto de Europa, la ultraderecha no ha crecido ni se ha metido en los parlamentos. Y si no se ha metido, los partidos de la derecha tradicional, los conservadores o liberales, han asumido los programas de las formaciones de ultraderecha para no perder el voto más duro. Aquí lo estamos viendo con Ciudadanos, que es un partido de ultraderecha con la cara lavada. Pero es verdad que, en su momento, el 15-M sirvió de cortafuegos para que no hubiera una oleada de ultraderechismo».

1.-«Taburete sí tienen conciencia de clase, de la clase opresora»
En El Mundo: «Hay algo que diferencia a Taburete de la escena de la que yo vengo, la música indie. Se supone que éramos todos gente desclasada o, a lo sumo, clase media, que es ese invento para desmovilizar a la clase trabajadora. (…) A diferencia de los grupos indies, lo que tiene Taburete es que ellos sí que tienen conciencia de clase, de la clase opresora. Por eso la gente que va a sus conciertos se siente identificada con ellos como élite. No verás a un chaval con un trabajo precario en un concierto suyo, estoy seguro».

Ready for the Weekend: Nacho Vegas, Christina Aguilera, Cigarettes After Sex, SOPHIE, All Saints…

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15 junio, 2018

Hasta 74 (que serán 75 en cuanto Nas y Kanye West suban a Spotify su nuevo disco conjunto) canciones hemos necesitado para resumir esta jornada de lanzamientos, que ha sido una auténtica avalancha. Comenzando, claro, por los álbumes que han presentado Christina Aguilera, Nacho Vegas o SOPHIE, y continuando por los de Johnny Marr, Melody’s Echo Chamber, Mourn, Jay Rock, Chromeo, Sean Nicholas Savage, 5 Seconds of Summer, Chancha Via Circuito, Mike Shinoda (primer disco que publica tras la pérdida de Chester Bennington, su colega en Linkin Park), los regresos en solitario de John Parish y Stuart A. Staples (Tindersticks) y los debuts largos de BC Unidos, Rolling Blackout Coastal Fever y los murcianos Fantasmamidi. En cuanto a EPs, destacan los debuts de las muy prometedoras Sigrid, King Princess y Calpurnia, el grupo de Finn Wolfhard (‘Stranger Things’).

‘Ataraxia’, nuevo anticipo de ‘La gran esfera’ de La Casa Azul, es el single destacado del día, pero hay muchos más, comenzando por las nuevas canciones de Alessia Cara o Cigarettes After Sex y terminando por el debut de Roi Méndez (OT 2017), siguiendo por temas nuevos de Lidia Damunt y Alondra Bentley, Chaka Khan, Sidonie, All Saints, Gorillaz, Tom Odell, Alice Glass, The Essex Green, Mura Masa, Let’s Eat Grandma, Kodaline, Kygo & Imagine Dragons, Roosevelt, Noah Cyrus, 2 Chainz (junto a Drake), Dirty Projectors, Pimp Flaco & Kinder Malo, The Tallest Man On Earth, Slaves, Goldlink, Flavien Berger, Luluc, Totally Enormous Dinosaur, Nao, Selecta & Recycled J, White Denim, The Zephyrs, DNCE, The Kooks, Luis Fonsi junto a la rapera británica Stefflon Don y Becky G cantando para Mau y Ricky. Toda esta montonera hay que sumarla a las canciones que a lo largo de los últimos 7 días han presentado Spiritualized, Death Cab For Cutie, Chromatics, Nicki Minaj, con Ariana Grande por un lado, y con Lil Wayne por otro, Low, Troye Sivan y, de nuevo, Ariana Grande, Pedrina, Linda Guilala, Villagers o Macy Gray.

Rematamos con lanzamientos singulares como las BSOs de las películas ‘Uncle Drew’ (con Logic, entre otras muchas estrellas del R&B y el hip hop) y ‘Superfly’ (con Miguel, entre otras muchas estrellas del R&B y el hip hop), o la versión de Maroon 5 del clásico de Bob Marley ‘Three Little Birds’, la versión de Chvrches del clásico de Rihanna ‘Stay’, además de remixes insólitos, como el de Twin Shadow para alt-J o el de Superorganism para los franceses Polo & Pan.

La canción del día: La Casa Azul canta al sexo como remedio curativo en ‘Ataraxia’

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15 junio, 2018

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La Casa Azul sube hoy a las plataformas de streaming el tercer single de ‘La gran esfera’, su nuevo disco, previsto para el próximo mes de octubre. ‘Ataraxia‘ es una de las canciones que hemos escuchado ya en vivo en los conciertos de Guille Milkyway, en concreto la que en el reciente festival Tomavistas identificamos como «trap-phael» por su concesión a los ritmos urban –también hay un fondo un pelín PC Music– sin perder la esencia melódico-dramática del proyecto (y de Raphael).

Como se había anunciado, el lanzamiento de este nuevo single viene acompañado de un nuevo vídeo oficial –si no nos equivocamos, el primero desde ‘La fiesta universal‘, nada menos–. ¡Y qué vídeo!, dirigido por Juanma Carrillo, al que recordaréis sin duda por sus estupendos trabajos para La Bien Querida. Carrillo traslada fantásticamente a imágenes la letra sobre el deseo, la pasión y el sexo como remedio curativo para todas las afecciones anímicas a las que canta Guille, con esa incontenible querencia por los polisílabos. Esto es lo que el realizador explica sobre el clip:

«Buscaba poner en imagen la sensación inexplicable y química que te provoca desear a una persona por primera vez, como si necesitaras su aire para poder respirar. Decidí plasmar una sencilla historia de amor y encuentro, pero dejándome llevar por momentos oníricos, como las levitaciones que el propio deseo ataraxico les provoca a los protagonistas. Además de intentar mostrar sin tapujos sus encuentros sexuales llenos de pasión, pero también de un cierto gusto por la provocación y el juego de poder ser vistos en lugares públicos, decidí rodarlo usando en buena parte ópticas angulares como pequeño guiño a la grandiosidad que el director Terrence Malick insufla en sus películas, especialmente “El Árbol De La Vida”. Además, para la escena final tenía en mente la alocada “Shortbus” de John Cameron Michell, ya que “la fiesta del amor”, quería que fuera una mezcla entre una rave de los 90 y una orgía clandestina luminosa. Además, la sombra del Michael Winterbottom de “9 songs” y por supuesto Larry Clark, y un clásico para mí como es Louis Malle y su “Damage” o “Les Amants”».

Como dice este texto, las escenas sexuales –que incluyen sexo oral, entre otras variantes– son considerablemente explícitas, aunque están rodadas con delicadeza, lejos de resultar soeces. Ni siquiera en su orgiástico final, con Guille ejerciendo de «maestro de ceremonias». Un gran complemento para una canción que, pese a resultar más esquiva de lo habitual en la carrera de La Casa Azul, termina ganando gracias a su imponente melodía y a sus trucos de producción contemporánea. Sin duda, esta es la respuesta más firme posible a los que acusaban a Milkyway de repetirse y haberse acomodado.

La Casa Azul estarán presentando sus nuevas canciones y sus grandes éxitos en festivales y recintos de todo el país en las próximas semanas: el 23 de junio, en el Festival Polifonik de Barbastro; el 6 de julio en Jardins de Pedralbes, Barcelona; el 14 de julio en Festival Fardelej, en Arnedo; el 21 de julio en Atlantic Festival, Illa de Arousa; el 2 de agosto en Arenal Sound, Burriana; y el 1 de septiembre en Ebrovisión, Miranda de Ebro.

Alice Glass se mete en un ataúd en el vídeo de ‘Mine’

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15 junio, 2018

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La ex Crystal Castles Alice Glass publica hoy un nuevo tema llamado ‘Mine’, con el que continúa con su carrera en solitario. Según la nota de prensa, la canción es sobre “alguien que se daña a sí mismo en un intento de recuperar el control de su propia vida y sus experiencias. Es una forma de autosacrificio y también un acto de libertad personal para alguien que se siente completamente fuera de su propio control». No obstante, aclara rápidamente: «No estoy a favor de hacerse daño a uno mismo, pero como gran parte de mi música, ‘Mine’ es sobre mi lucha para salir de una relación intensamente abusiva».

‘Mine’ es una canción de melodía un tanto Sia y un tanto Lady Gaga circa ‘Million Reasons’, pero como producida por alguien más en la estela de Purity Rings y Grimes. En el vídeo, Alice Glass se introduce a sí misma en un ataúd, suponemos que como metáfora de cómo se ha sentido en vida en la relación abusiva de la que habla, la que denuncia haber tenido con su ex compañero en Crystal Castles y que se está resolviendo en los tribunales. También aparece en el videoclip la drag Violet Chachki.

‘Malamente’ de Rosalía, nuevo top 1 de JENESAISPOP

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15 junio, 2018

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‘Malamente’ de Rosalía es el nuevo top 1 de JENESAISPOP, en una lista como cada semana votada por el público. Como efecto colateral, tanto ‘Brillo’ con J Balvin como ‘Llorando en la limo’ de C. Tangana alcanzan nuevo máximo. Entran en lista el remix de ‘bitches’ con Tove Lo, ‘Lost My Mind’ de Lily Allen, ‘The Invisibles’ de Suede, ‘Ghost Town’ de Kanye West, ‘love4eva’ de Loona, ‘Duele’ de Dorian y ‘Pa’dentro’ de Juanes. Nos despedimos de ‘Anywhere’ de Rita Ora, al llevar más de 10 semanas en lista y pasar a la parte baja de la tabla. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.

Top	Ant.	Peak	Sem.	Canción	Artista
1	3	1	2	Malamente	Rosalía	Vota
2	1	1	6	Accelerate	Christina Aguilera, Ty Dolla Sign, 2 Chainz	Vota
3	2	1	8	No Tears Left to Cry	Ariana Grande	Vota
4	5	2	6	Hunger	Florence + the Machine	Vota
5	17	5	2	Brillo	J Balvin, Rosalía	Vota
6	8	2	10	One Kiss	Calvin Harris, Dua Lipa	Vota
7	10	1	10	Anna Wintour	Azealia Banks	Vota
8	14	5	5	This Is America	Childish Gambino	Vota
9	4	4	8	deep end	Lykke Li	Vota
10	–	10	1	bitches	Tove Lo, Charli XCX, Icona Pop, Elliphant, ALMA	Vota
11	11	1	19	Lo malo	Ana Guerra, Aitana	Vota
12	7	3	4	Four Out of Five	Arctic Monkeys	Vota
13	32	13	2	5 In the Morning	Charli XCX	Vota
14	6	1	20	Dancing	Kylie Minogue	Vota
15	15	8	9	PYNK	Janelle Monáe	Vota
16	12	2	15	IDGAF	Dua Lipa	Vota
17	18	4	16	Make Me Feel	Janelle Monáe	Vota
18	27	11	8	I Like It	Cardi B	Vota
19	30	19	8	Llorando en la limo	C. Tangana	Vota
20	9	6	8	Stop Me From Falling	Kylie Minogue, Gente de Zona	Vota
21	19	12	6	Bloom	Troye Sivan	Vota
22	–	22	1	Lost My Mind	Lily Allen	Vota
23	23	13	7	Black Car	Beach House	Vota
24	25	24	2	Please Don’t Die	Father John Misty	Vota
25	–	25	1	The Invisibles	Suede	Vota
26	16	4	34	Anywhere	Rita Ora	Vota
27	23	17	4	Solo	Clean Bandit, Demi Lovato	Vota
28	37	28	2	Humility	Gorillaz	Vota
29	–	29	1	Ghost Town	Kanye West	Vota
30	34	25	6	Mercy	Madame Monsieur	Vota
31	26	26	2	Give Yourself a Try	The 1975	Vota
32	28	13	8	Call Out My Name	The Weeknd	Vota
33	29	23	4	Toy	Netta	Vota
34	–	34	1	love4eva	Loona ft Grimes	Vota
35	20	20	3	Ocean	Goldfrapp, Dave Gahan	Vota
36	21	21	3	Don’t Miss It	James Blake	Vota
37	40	37	2	Space & Time	Wolf Alice	Vota
38	24	24	6	All My Dreams	Róisín Murphy	Vota
39	–	39	1	Duele	Dorian	Vota
40	–	40	1	Pa dentro	Juanes	Vota

Candidatos	Canción	Artista
–	Ataraxia	La Casa Azul	Vota
–	A Trick of the Light	Villagers	Vota
–	I’m Upset	Drake	Vota
–	Animal en extinción	L kan	Vota
–	Dance to This	Troye Sivan, Ariana Grande	Vota
–	Fly	Low	Vota
–	I’m Your Man	Spiritualized	Vota
–	Una belleza propia	The New Raemon	Vota
–	Madrid	Xoel López	Vota
–	Numb	Meg Myers	Vota
–	Dragon Hills	Henry Saiz Band	Vota
–	FFS	Deaf Wish	Vota
–	Gold Rush	Death Cab for Cutie	Vota

Vota por tus 20 canciones favoritas

Accelerate, de Christina Aguilera, Ty Dolla Sign, 2 Chainz (6%, 96 Votos)
Malamente, de Rosalía (6%, 91 Votos)
No Tears Left to Cry, de Ariana Grande (4%, 65 Votos)
Hunger, de Florence + the Machine (4%, 64 Votos)
One Kiss, de Calvin Harris, Dua Lipa (4%, 57 Votos)
Brillo, de J Balvin, Rosalía (4%, 56 Votos)
Anna Wintour, de Azealia Banks (4%, 53 Votos)
deep end, de Lykke Li (3%, 50 Votos)
Make Me Feel, de Janelle Monáe (3%, 46 Votos)
IDGAF, de Dua Lipa (3%, 40 Votos)
Dancing, de Kylie Minogue (3%, 40 Votos)
I Like It, de Cardi B (3%, 39 Votos)
Lost My Mind, de Lily Allen (3%, 38 Votos)
Bloom, de Troye Sivan (3%, 38 Votos)
PYNK, de Janelle Monáe (3%, 38 Votos)
This Is America, de Childish Gambino (2%, 37 Votos)
Black Car, de Beach House (2%, 35 Votos)
Lo malo, de Ana Guerra, Aitana (2%, 35 Votos)
bitches, de Tove Lo, Charli XCX, Icona Pop, Elliphant, ALMA (2%, 35 Votos)
Ataraxia, de La Casa Azul (2%, 34 Votos)
Dance to This, de Troye Sivan, Ariana Grande (2%, 34 Votos)
5 In the Morning, de Charli XCX (2%, 28 Votos)
Solo, de Clean Bandit, Demi Lovato (2%, 28 Votos)
Four Out of Five, de Arctic Monkeys (2%, 27 Votos)
Stop Me From Falling, de Kylie Minogue, Gente de Zona (2%, 27 Votos)
Llorando en la limo, de C. Tangana (2%, 27 Votos)
Don’t Miss It, de James Blake (2%, 26 Votos)
Toy, de Netta (2%, 24 Votos)
Ghost Town, de Kanye West (1%, 22 Votos)
Mercy, de Madame Monsieur (1%, 20 Votos)
Call Out My Name, de The Weeknd (1%, 20 Votos)
All My Dreams, de Róisín Murphy (1%, 20 Votos)
The Invisibles, de Suede (1%, 19 Votos)
Ocean, de Goldfrapp, Dave Gahan (1%, 18 Votos)
Please Don’t Die, de Father John Misty (1%, 18 Votos)
Humility, de Gorillaz (1%, 17 Votos)
Duele, de Dorian (1%, 16 Votos)
Pa dentro, de Juanes (1%, 16 Votos)
Give Yourself a Try, de The 1975 (1%, 13 Votos)
I’m Your Man, de Spiritualized (1%, 12 Votos)
love4eva, de Loona ft Grimes (1%, 11 Votos)
Space & Time, de Wolf Alice (1%, 11 Votos)
Una belleza propia, de The New Raemon (1%, 9 Votos)
I’m Upset, de Drake (1%, 8 Votos)
Animal en extinción, de L kan (0%, 6 Votos)
Madrid, de Xoel López (0%, 5 Votos)
Dragon Hills, de Henry Saiz Band (0%, 5 Votos)
Fly, de Low (0%, 5 Votos)
A Trick of the Light, de Villagers (0%, 5 Votos)
Gold Rush, de Death Cab for Cutie (0%, 5 Votos)
FFS, de Deaf Wish (0%, 3 Votos)
Numb, de Meg Myers (0%, 2 Votos)

Votos totales: 204

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Vida Festival agota abonos y anuncia últimas entradas de día

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15 junio, 2018

Vida Festival, que se celebra el último fin de semana de este mes, como siempre en Vilanova i la Geltrú, anuncia que se han agotado los abonos. También anuncia que quedan “las últimas entradas de día”, que están disponibles en su web.

Os recordamos que el jueves 28 de junio será el día en que actúen Los Planteas, Calexico, Curtis Harding, Novedades Carminha o J Bernardt; el viernes 29 de junio el de Franz Ferdinand, St Vincent, Joe Cepúsculo, Nick Mulvey, The New Raemon con McEnroe o Tulsa; y el sábado 30 de junio Iron & Wine, They Might Be Giants, of Montreal, Elvis Perkins, Josh Rouse, Maga, Mourn, La Plata, etcétera. También hay algunos conciertos el domingo, como es habitual.

¿Este es el futuro de alt-J? El grupo colabora con Pusha-T y Twin Shadow y se los lleva a la tele

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