Mariah Carey actúa en el WiZink Center de Madrid el próximo 17 de diciembre, en el que será su primer concierto en España en casi 20 años, y para el que las entradas ya están a la venta. La cantante presentará, en toda Europa, y tras su paso por Reino Unido, la gira navideña ‘All I Want For Christmas Is You, A Night of Joy & Festivity’.
La gira ‘All I Want for Christmas is You’ será una buena oportunidad para reencontrarse en directo con la faceta más festiva de Carey, principalmente con la histórica canción que nombra al tour y que Carey compuso junto a Walter Afanasieff sin saber que se convertiría en el mayor éxito de su carrera internacional y en un verdadero estándar navideño; pero también con otros villancicos originales como el gran ‘Oh Santa’ y las muchas versiones de clásicos navideños anglosajones que pueblan el repertorio de sus dos discos dedicados a la Navidad, ‘Merry Christmas’ (1994) y ‘Merry Christmas II You’ (2010), como’ Hark! The Herald Angels Sing’, ‘O Holy Night’ o ‘Here Comes Santa Claus’. No hace falta decir que la puesta en escena, por lo que se ha visto en los directos del año pasado, será una completa fantasía navideña.
Sin embargo, Carey no olvidará en su setlist algunos de los mayores éxitos de su carrera al margen de la Navidad. Teniendo en cuenta el repertorio de su gira navideña anterior, ‘Hero’ estará presente en el concierto, así como ‘We Belong Together’ y ‘Emotions’ (de actualidad tras ser sampleada por Drake), y también ‘The Star’, su canción para la banda sonora de la película animada del mismo nombre, que no fue un gran éxito a nivel comercial pero sí obtuvo en 2017 una nominación a los Globos de Oro entregados este año. A espera que Carey contradiga nuestro titular en el estreno de esta gira (al fin y al cabo es la misma que presentó en 2017), ¿presentará el setlist novedades notables? ¿Caerán, por ejemplo, esos ‘Without You’, ‘My All’, ‘Honey’ o ‘Heartbreaker’ especialmente queridos en España? Habrá que esperar a diciembre para comprobarlo…
Malas noticias para Yung Beef. El rapero granadino ha sido retirado del festival de cultura urbana y deportes extremos O Marisquiño debido a una agresión que cometió contra un espectador el pasado 22 de julio durante un concierto en el festival Atlantic Fest en A Illa de Arousa, y que O Marisquiño ha considerado un “mal ejemplo” para los asistentes a su evento. En lugar de Yung Beef actuará el rapero Rels B.
Como puede observarse en el vídeo que adjunta El Faro de Vigo, durante su actuación en Atlantic Fest el autor de ‘Un corazón y una flecha’ bajó desde el escenario a la pista para actuar entre el público, cuando una persona detrás de él le lanzó un vaso lleno de líquido encima (no está claro si agua o alcohol). Beef reaccionó a esta agresión de muy mala manera, procediendo a propinar varias patadas a la persona del público que creyó le lanzó el agua, que por cierto no parece para nada la persona realmente responsable de la agresión original, y solo hay que observar su posición en la pista para comprobarlo.
En su comunicado, la organización de O Marisquiño confirma la cancelación del concierto de Yung Beef habiendo cumplido “con todas las obligaciones contractuales que existían” con el rapero, y defiende que es un festival “que trata de transmitir los valores que representa el deporte y que, por tanto, no se identifica con estos comportamientos”. Por otro lado, Yung Beef ha tuiteado “¿quién dice que no voy a Vigo?” y en Instagram Stories ha confirmado que actuará gratis en Vigo en la fecha en la que actúa Rels B en O Marisquiño. Beef ha lanzado un par de mensajes contra Rels B en Twitter, indicando que sustituirle a él por el autor de ‘Lejos de ti’ es “como si te vas a pinchar heroína y te meten lejía”, y reprobándole que haya aceptado la propuesta de sustituirle en el cartel, que considera “un gesto poco solidario con sus compañeros de gremio”.
Supongo que el no podría decidir nada en el fondo pero me parece un gesto poco solidario con sus compañeros de gremio… Hasta los taxistas me parecen más reales…
La gallega asentada en Madrid Marem Ladson ha debutado este año con un disco homónimo muy recomendable que no se limita a los sonidos de cantautor, dejando canciones bailables como ‘West’, más cercana a los primeros Strokes; o ‘Born’, vinculable a los sonidos ancestrales de Ibeyi. La cantante, de 20 años, nos habla sobre el disco, sobre por dónde cree que irá su futuro o sobre su carrera, Relaciones Internacionales. Este 31 de julio actúa en Madrid, a las 19.00 en el Teatro Real, y después aguardan el Festival Noroeste (10 de agosto en A Coruña), Ewan Fest (11 de agosto en Salinas) y Cambados el 16 de agosto.
Creo que hemos tenido que ajustar el día de esta entrevista porque antes estabas de exámenes, ¿qué estás estudiando?
He acabado 3º de Relaciones Internacionales, son 4 años de carrera, me queda uno, que me estoy planteando aparcarlo para no ir tan agobiada, porque entre conciertos, promo… Voy a acabar la carrera por la inversión de tiempo y dinero, aunque esté en la Complutense, que es una universidad pública, que ha hecho mi madre. La gente me pregunta: «¿por qué estudias esto, es por tener un plan b?». ¡No! Me interesa, es importante tener otro conocimiento aparte de la música. Quiero saber cómo funciona el mundo. Estoy estudiando Derecho, Economía, Política, las redes de poder y es muy interesante.
¿Crees que lo que estudias puede terminar influyendo tus letras?
Ahora estoy retratando más bien mi entorno, relaciones personales. A lo mejor me sale escribir canciones más políticas, de protesta, quién sabe, pero de momento no. Me gusta que la gente haga las cosas de manera natural. De momento no me sale. Me encantaría escribir canciones en contra de las políticas de Trump, pero si no me sale sería forzado y me saldría una canción de mierda (risas). Me sale hablar de cosas íntimas.
«Si el fin de la cooperación es acabar con el hambre del mundo y lograr el desarrollo de los países, ¿cómo es que no se ha conseguido todavía? No hay una voluntad verdadera de los estados que tienen el poder. No hay interés»
¿Qué parte de Relaciones Internacionales te interesa más?
La cooperación internacional y el tema de los refugiados. Me parece inquietante que siga existiendo algo como la cooperación. Si el fin de la cooperación es acabar con el hambre del mundo y lograr el desarrollo de los países, ¿cómo es que no se ha conseguido todavía? No hay una voluntad verdadera de los estados que tienen el poder. No hay interés. Es un instrumento que se usa en los estados desarrollados para limpiar la conciencia de la gente. «Pues mira, donas dinero a esta organización y ya te sientes mejor». Y luego con los refugiados, la mentalidad de la gente es preocupante. ¿Cómo puede haber tanta gente que no entienda por qué tienen que irse, que están huyendo de guerras que hemos creado o financiado nosotros muchas veces? Cuanto más lo estudio, más rabia me da.
¿La Complutense te permite especializarte en un tema y tú has escogido ese?
La Complutense no está muy centrada en cooperación pero yo he investigado por mi cuenta. Me he leído, por ejemplo, ‘Blanco negro busca negro pobre’, que te abre mucho los ojos. Te planteas si realmente estamos haciendo algo útil con la cooperación o está mal enfocada.
¿Cómo empezaste en esto de la música?
En 4º de la ESO o 2º de Bachillerato, porque a los 15 años estuve estudiando en Houston. Al volver, empecé a tocar, a la gente le gustaban mis canciones, y me dije «voy a intentarlo». Cuando me vine a Madrid estudiar, empecé a trabajar con Mont Ventoux, apostaron por mí, que es importante que crean en ti y a raíz de eso grabé este disco. Siempre he estado escribiendo canciones y este disco es una recopilación de lo que he ido haciendo.
«‘For and About’ es una canción que claramente hice a los 13 años, es de amor. No me arrepiento porque era lo que sentía con 13 años, pero en las últimas, la temática ha ido evolucionando»
¿Qué canciones son las más viejas?
‘For and About’ es la más vieja. Por letra y temática, es una canción que claramente hice a los 13 años, es de amor. No me arrepiento porque era lo que sentía con 13 años, pero en las últimas, la temática ha ido evolucionando. ‘Losing Control’ o ‘Woods’ son más introspectivas, sobre ir madurando, descubriendo quién eres. ‘Shades of Blue’ habla de las aspiraciones que uno tiene, sobre la zona de confort, las cosas que te gustan pero no te inspiran… ‘All My Storms’ la escribí con 15 años en EE.UU., y ‘Shades of Blue’ ya con 19. Evidentemente estoy trabajando en algo nuevo, pero está bien aceptarse y no arrepentirse, les tengo cariño a las más viejas.
¿No tienes ese miedo de que se pierda la frescura de los inicios?
El segundo disco es duro porque para el primero has tenido todo el tiempo del mundo y para el segundo no hay tanto. Pero gracias a Dios, considero que tengo cierta facilidad para las melodías y tengo ya cosas. Y cuento con el apoyo de mi banda. Tocando juntos empiezan a surgir otro tipo de cosas. Las nuevas canciones sonarán más sólidas, porque con el primero, yo escribía, luego pensaba los arreglos, se añadían los bajos… poco a poco. El siguiente va a ser más consolidado al tocar ya todos juntos. Va a sonar más banda, más rodado. Es la idea que tengo, aunque ya veré.
Este disco es muy variado, hay temas tipo cantautor, alguno de bailar, otro más introspectivo… ¿tú lo ves también variado u homogéneo?
Yo quería que sonara a Marem Ladson, que la gente supiese que soy yo. Tengo 20 años, estoy construyendo mi persona, algo normal a mi edad, y no me preocupa en absoluto. Iré evolucionando, y tendré más claro a qué quiero sonar. Hice el disco que me dio la gana: ‘Born’ es a capella, porque mi hermana y yo la cantamos en la cocina de casa, tengo esta grabación y la quiero así y ya está. En otra quería épica final a lo Nick Cave, otra canción que terminara en plan guitarra y voz, tipo cantautora, ‘West’ es casi bailable… Cada una es lo que quería hacer. El segundo me gustaría que fuera más unificado, me apetece hacer algo más redondo.
«Me inquieta que la gente esté tan desconectada de la naturaleza. Yo personalmente necesito volver a Galicia y tocar un árbol, me hace sentir súper tranquila»
‘Born’ tiene un punto espiritual, ¿en qué te has inspirado? ¿te recuerda a algo de tu infancia?
La letra es una oda a la naturalieza, a las raíces, porque me inquieta que la gente esté tan desconectada de la naturaleza, y en Madrid con la contaminación y los móviles… Yo personalmente necesito volver a Galicia y tocar un árbol, me hace sentir súper tranquila. Para otra gente será la playa, para mí es el bosque. Queríamos que el sonido fuera espiritual porque es un canto al origen, a no necesitar nada más que lo más puro.
¿No te vale con el Retiro o la Casa de Campo?
(risas) Es que la contaminación… desde que he llegado tengo alergia, no sé a qué, pero me levanto estornudando todos los días.
¿’West’ puede ser una canción clave, de cara al próximo disco?
No es de las últimas, para la gente que me conoce desde el primer momento es un clásico mío. Con guitarra y voz era súper folkie y le quise dar una vuelta al grabarla para que no fuera tan folkie. Me apetecía que el disco fuera más variado, que no fuera en plan cantautora, que es algo que me gusta muchísimo pero tampoco me representa al 100%.
He leído que sueles citar a Bob Dylan y Joni Mitchell como influencias.
Es lo más básico para mí. Me ayudan a componer, a pensar estructuras, son mi influencia básica para componer porque me parecen flipantes. En sonido no me influyen tanto porque no quiero en este momento ser una cantautora como Joni Mitchell. Me gusta Angel Olsen porque son canciones más desgarradoras, más viscerales.
¿Hay algún disco en concreto de estos 3 artistas que tengas como música de cabecera o eres de canciones sueltas como las nuevas generaciones?
Soy de canciones sueltas efectivamente. Nunca he encontrado un disco entero que diga: «DIOS». Me parece flipante ‘My Woman’ de Angel Olsen, me gusta mucho ‘Blue’ de Joni Mitchell. A ver, los típicos, los clásicos que descubrí cuando tenía 12 años y de repente me encontré con estos artistas. Descubrí en Youtube a Florence + the Machine, que es una banda que me flipaba, pero luego ya no tanto. Depende del momento. Como Laura Marling, que me pilló en un momento folkie, ella siguió en eso y yo ya no estoy tanto en lo folkie.
Por lo que dices no eres una gran coleccionista de discos…
No tengo tocadiscos (risas) Es algo que nunca he dicho, me da un poco de vergüenza. Mis abuelos tenían uno en la aldea. Mi madre tenía discos pero yo nunca he tenido uno propio.
Pero tú justo sí has sacado tu vinilo…
Es algo muy millennial, de mi generación. Quizá cuando sea mayor y viva en una ciudad, pero me estoy mudando todos los años y sería un coñazo…
Has mencionado las estructuras de las canciones. Háblame de la de ‘Losing Control’, ¿está trabajada por partes?
No me suelo agobiar mucho con las estructuras. ‘West’ es el mejor ejemplo, su estructura es normal, pero no era así. No se sabía qué era el estribillo, por qué había solo una estrofa… Y en ‘Losing Control’ terminé quitando una estrofa del final porque era demasiado larga. No me agobia porque no estoy haciendo música comercial, ABABC. Hago lo que me da la gana, y salen las cosas como salen (risas). Yo estoy contenta con mi disco y espero que a la gente le guste.
Háblame del piano de ‘My Corazón’.
Es una canción de pop sesentero, «cheesy», romántica, yo diría que un poco ‘Twin Peaks’, me parece bonita, es cortita, y la única canción con una palabra en español del disco, y la pronuncio como «corasón». Es muy distinta al resto de canciones.
¿Ves un poso latino en ella?
Yo no… Igual es por la palabra, pero no me la imagino…
«Idealizar tanto a las personas no está bien, y tenía ganas de hacer canciones que no fueran de amor, o que no fueran de «corazón roto, chica débil, el chico pasando»».
Como has dicho, hay en el disco un momento de dejar atrás el lado más cheesy de las relaciones personales, ¿has mandado un mensaje con eso de manera premeditada?
Yo creo que es eso, es premeditado. Me di cuenta de que todas las canciones de adolescente y pre-adolescente eran de amor romántico, idealizado… y al hacerte mayor, esto no funciona así. Idealizar tanto a las personas no está bien, y tenía ganas de hacer canciones que no fueran de amor, o que no fueran de «corazón roto, chica débil, el chico pasando». Me apetecía hacerlo desde otro punto de vista. Algunas no hablan de amor, otras hablan de relaciones familiares, de amistades, tampoco quiero ser muy directa, son demasiado personales para mencionar nombres y apellidos (risas).
¿Recuerdas algún punto de inflexión al respecto, como venirte a Madrid y tener que valerte por ti misma, la Marcha de la Mujer…?
‘All My Storms’ hablaba de irte de la ciudad porque «no puedo hacer que me quieras», mientras que el siguiente single ‘Shades of Blue’ es lo contrario: «te iba a dejar para hacer lo que a mí me gusta». Es de liberación, en contra de lo prestablecido, porque las relaciones amorosas no tienen por qué ser así. Madrid pudo ser un cambio, aunque también viví en Houston y vi las cosas desde otro punto de vista. Yo siento que maduré antes de lo que se suele madurar, me fui justo al divorciarse mis padres, me abrió los ojos en algunas cosas y eso se plasmó.
«Si hay una chica que canta bien, que es guapa… se la mete en un saco y no quiero que me metan en ese saco, porque no debería existir ese saco»
Ahora hay bastantes voces que se alzan contra el amor romántico.
Además, me di cuenta de que si hay una chica que canta bien, que es guapa… se la mete en un saco y no quiero que me metan en ese saco, porque no debería existir ese saco. Pero tampoco me sentía identificada con chicos cantautores, que también hay y no se le mete en ese saco de «chica riquiña que hace canciones de amor». Te cansa que te comparen con otras chicas cantautoras.
Yo ahí tengo un conflicto porque normalmente una voz femenina te recuerda a otra voz femenina.
Si pienso en artistas relacionados con Angel Olsen, seguro que me vienen a la cabeza chicas, por la voz. Pero al mismo tiempo su disco no es solo voz y guitarra, el sonido te puede recordar a una banda, o a un disco que no sea mujer. ¿Te refieres más en España?
Es que no sé si empieza a parecer que lo más de lo más es que te comparen con un hombre, con Nick Cave, ya que le has mencionado, cuando yo prefiero a PJ Harvey. Eso no suena nada bien… Ha llegado un punto en el que parece que es malo comparar a una chica cantautora con Russian Red, Anni B Sweet o Zahara.
Yo creo que no es una cuestión de chicos y chicas. Lo fácil es comparar con Russian Red, a cualquiera le puede venir a la cabeza, es una chica que más o menos lo ha petado, pero es demasiado fácil. Mow no tiene nada que ver, la compararía antes con otras cosas (y también la han comparado). Mi disco a nivel de sonido me parece mucho más comparable con Christina Rosenvinge, con el disco que acaba de sacar. Me parece una gran comparación a nivel sonido. O con Núria Graham.
¿Qué te ha aportado Brian Hunt como productor?
Estoy muy contenta, nos entendimos muy rápido, es lo que yo quería. Es importante que haya buena comunicación y respete lo que yo quiero y que me deje el control sobre mi propia música. A día de hoy yo no sé producir un disco, pero él me da herramientas para expresar lo que quiero y cómo quiero que suene. Se implicó mucho, tanto que es mi banda, él y Jaime Arteche. Nos hemos entendido muy bien. Las canciones forman parte de todos, todos hemos aportado partes, baterías… arreglos de bajo que yo tampoco sé… Entre todos hemos ido armando.
Maggie Rogers publicó en 2017 su EP de debut, ‘Now That the Light is Fading‘, auspiciado por el éxito de ‘Alaska’. En los meses posteriores al lanzamiento de aquel disco corto, la cantautora de Maryland ha lanzado singles sueltos como ‘Fallingwater’ o ‘Split Stones’, que como de costumbre han aunado melodías maduras y evocadoras con el elemento orgánico que caracteriza a su sonido.
A estos temas se ha sumado recientemente ‘Give a Little’, estrenada el pasado 27 de julio. Producida por un Greg Kurstin que recientemente ha producido las nuevas obras de Chvrchesy Years & Years, estamos ante una pegadiza y sutil composición de pop-rock que recuerda a las últimas Haim (a las que Rogers ha teloneado) y casi por defecto a Fleetwood Mac, como demuestra su particular unión de punteos de guitarra y sintetizadores y sobre todo dulce a la par que anhelante estribillo “quizás si pones un poco de tu parte podemos empezar a conocernos mejor”. Estribillo al que que siguen unos coros “give a little, give a little”… ¿tras los cuales segurísimo no se encuentran las autoras de ‘Something to Tell You‘?
Si ‘Give a Little’ parece una canción de amor es porque lo es, pero Rogers ha contado que está inspirada en el National School Walkout, acontecido en Estados Unidos el pasado 20 de abril y durante el cual los estudiantes de Estados Unidos se manifestaron en contra de la violencia de armas. Rogers se ha sentido “inspirada por el cambio por el que que estos estudiantes luchan” y, de hecho, la letra de ‘Give a Little’ incluye una llamada directa a que el destinatario de su letra “suelte las armas” y “abra su corazón”, que Rogers acompaña con la típica referencia a la naturaleza que suele incluir en sus canciones, en este caso a espera que esta persona le “deje ser la luz que alumbra el lago”.
Mac DeMarco sigue presentando su último disco, ‘This Old Dog‘, por el mundo y este fin de semana ha actuado en el festival Fuji Rock de Japón. La presencia de DeMarco en el país nipón es notable, pues la música pop japonesa ha sido siempre una influencia en su sonido, hasta el punto que su canción más popular, ‘Chamber of Reflection’, utiliza la melodía de ‘the world II’ de Shigeo Sekito. Además, DeMarco ha hablado en varias ocasiones sobre su amor por Yellow Magic Orchestra.
DeMarco suele realizar versiones en sus conciertos y en Fuji Rock, que se celebra en Yuzawa, en la prefectura de Niigata, el canadiense por supuesto ha hecho un “cover” de una canción de pop japonesa, y no ha escogido una cualquiera, sino ‘Sukiyaki’ de Kyo Sakamoto, que de manera inaudita fue número uno en Estados Unidos durante el verano de 1963. Hasta aquí todo normal.
La noticia es que DeMarco (extremo derecha en la foto) se ha acompañado, durante su actuación de ‘Sukiyaki’, por nada menos que Post Malone (extremo izquierda en la foto), uno de los artistas más exitosos de la actualidad, y quien como DeMarco ha formado parte del cartel de Fuji Rock. Malone ha salido al escenario para realizar un discretísimo acompañamiento de ganzá (un instrumento muy parecido a la maraca), pero naturalmente su aparición causa un verdadero furor entre el público. Hay quien dice que la amistad de Post Malone y Mac DeMarco era solo cuestión de tiempo.
El dúo australiano asentado en Brooklyn formado por Zoe Randell y Steve Hassett ha construido su sonido en torno al folk de finales de los 60 y principios de los 70, recordando a gente como Vashti Bunyan, The Free Design o Nico. En el uso de voces, silencios y en ese punto medio entre tranquilidad y pasión que les caracteriza, también recuerdan al slowcore de principios del siglo XXI de Low. Después de dos álbumes, el desaparecido ‘Dear Hamlyn’ (2008) y ‘Passerby‘ (2014), ‘Sculptor’ es su tercera entrega, en la que han querido hablar sobre «el potencial de las personas para navegar a través de las dificultades», creando «diferentes caminos» por sí mismas.
Cuenta Zoe Randell, a raíz de cómo la canción ‘Me and Jasper’ lidia con la adolescencia, que la pequeña ciudad en que creció daba para «un gran estudio en cotilleos, escándalo, asignación de personajes y la determinación de la gente para luchar contra ella». En la línea, el tema ‘Kids’ -un tanto Radiohead circa ‘Exit Music’- cita a «la aburrida policía que te persigue por las calles» y amenaza: «sabemos tu nombre y dónde vives». Y el disco se cierra con el tema titular, que además de preguntarse si «los políticos quieren ser músicos», pide derecho a «conocer el color y el trazo de mis propios miedos (…) la más hermosa y serena escultura que mis manos pudieran trazar, hacer o romper».
Que no solo la libertad sino también la propia creación es un interés para Luluc, está claro desde el propio título del disco, pero también hay que destacar que la primera canción, ‘Spring’, es una adaptación de una poetisa japonesa del siglo X, Lady Ise; o que ‘Controversy’ toma su letra de un fragmento de la novela ‘Mi hermano Jack’ de George Johnston, que empieza diciendo que «lo que da tanto miedo de estos suburbios es que aceptaron su mediocridad». A toda esta carga intelectual, el dúo parece restar peso con ‘Genius’ y su trato de la literatura, en la que bromean «me encantan las palabras, sobre todo si son las que salen mi pluma». Seguro que el ego respirable de todos los artistas de Brooklyn ha jugado en esto algún tipo de papel.
Pero si Luluc quitan peso es sobre todo con un disco sobrio y breve que se extiende muy poco más allá de la media hora, con un par de pistas en torno o incluso por debajo de los 2 minutos de duración, como es el caso de la anecdótica ‘Needn’t Be’. Canciones tan intensas como la fabulosa ‘Heist’, en la que ha intervenido su colega Aaron Dessner de The National, se ven contrastadas con el anti-estribillo de ‘Kids’ o la pequeña luminosidad de canciones tan ligeras y afables como ‘Moon Girl’.
Son pocos los detalles que emergen en ‘Sculptor’, como ese piano al inicio de ‘Spring’, la guitarra en segundo o tercer plano de J Mascis en ‘Me and Jasper’, el teclado y la eléctrica en la segunda parte de ‘Kids’, la percusión y la tibia experimentación al final de ‘Controversy’ o el desenlace percusivo del disco. Pero todo está donde tiene que estar. Una de las canciones más fascinantes al respecto es ‘Cambridge’. En un momento dado parece que un teclado subterráneo va a inclinar la canción hacia el dream pop de unos Beach House, la voz de Zoe se eleva entonces hasta los cielos y la conclusión, sobre encontrar «nuevos caminos» y dejar atrás «juegos pasados», no puede ser más Everything But the Girl. Ojalá más canciones con tan interesante deriva.
Calificación: 7,6/10 Lo mejor: ‘Heist’, ‘Kids’, ‘Cambridge’ Te gustará si te gusta: Low, Vashti Bunyan, los Radiohead acústicos, los Broadcast acústicos Escúchalo: Spotify
Low Festival ha dado este domingo por concluida su edición de 2018, en la que ha celebrado su décimo aniversario. 83.000 personas ha congregado Low Festival a lo largo de sus cuatro días de celebración (siendo los principales el 27, 28 y 29 de julio), confirma el festival.
Puede que Editors ocupara la posición principal en el cartel del domingo en Low Festival, pero el verdadero cabeza de cartel, el grupo al que más gente fue a ver, el que congregó a un número realmente impresionante de gente, fue sin lugar a dudas Izal. Era de esperar dada su popularidad y el grupo ofreció un concierto a la altura de su relevancia actual, apoyado además por una atractiva puesta en escena de luces presidida por un semicírculo que proyectaba colores e imágenes. Como ya comenté en mi valoración de ‘Autoterapia’, las letras de Izal me resultan melodramáticas, simples y vacías, pero no se puede negar que el grupo sabe componer canciones distintivas y memorables, como ‘Pausa’ o esa ‘Pequeña gran revolución’ que Mikel Izal cuenta compuso hace cinco años y medio para su hermana, en ese momento embarazada. Izal despliega un setlist dinámico en el que caben ritmos acelerados y bailables, baladas y el sonido de un ukelele, destacando una ‘El pozo’ que claramente produce el momento cumbre del set. Por otro lado, Mikel realiza un pequeño discurso abogando por la “libertad de expresión y la libertad sexual” en estos “tiempos extraños” en los que prima el “miedo”, que puede tener o no que ver con la polémica por acoso sexual que le ha afectado recientemente. Foto: Javier Rosa
Tras el concierto de Niños Mutantes, que como el de Los Planetas supone un emotivo reencuentro con algunas de las canciones más emotivas que ha producido el indie nacional, aunque en este caso el grupo granadino presentaba además nuevo EP, ‘Diez&Medio’, del que cayó el tema principal, ‘Sin pensar’, fue el turno de Editors. La banda de Birmingham anuncia su llegada al escenario con una curiosa canción, ‘Gimme Gimme Gimme’ de ABBA. La canción resalta el contraste con el estilo sombrío del grupo y pone los ánimos por las nubes, pero desde luego no prepara a nadie para el sopor de concierto que se avecina. No, no soy fan de Editors y su directo me reafirma en mi posición que es un grupo sobrevalorado con muy pocas canciones memorables. Supone un gran esfuerzo adaptarse a la épica inflada de un grupo que, como Muse, pero con menos repertorio, emplea melodías pseudo heroicas y drama efectista por doquier para suscitar la emoción más faciloide en el público, y Editors presenta canciones como ‘Formaldehyde’, ‘Sugar’ o ‘Cold’ como si fuera un grupo de magos con poca habilidad para disimular sus trucos de humo. El ritmo disco de ‘Ocean of Night’ salva un poco los muebles, pero llega demasiado tarde. Si Editors se pareciera más a Abba…
Kakkmaddafakka presentan buen rollo desde la primera canción a la última. Frente al dibujo de una casa de colores en medio de un bosque que les sirve de sencilla pero adorable puesta en escena, el grupo busca el baile alegre y el público responde en canciones como ‘Neighborhood’, ‘Is She’ o la tropical ‘Boy’, de cuestionable letra sin embargo (“boy, stop acting like a girl”, ¿en serio?). No llego a entender la obsesión de Kakkmaddafakka con ellos mismos, ya que uno de sus integrantes llega a enarbolar una bandera con el nombre del grupo escrito y el grupo no deja de gritar al público que grite “Kakkmadafakka” cada dos canciones cual secta. ¡Que ya sabemos quien sois, por eso hemos venido! Les perdonamos porque se marcan una inesperadísima versión de ‘Believe’ de Cher para terminar que resulta un verdadero puntazo y una muy necesaria reivindicación.
A Vive la Fête le perjudica muy claramente actuar a una hora tardía, las cuatro y media de la mañana, cuando una gran parte de la asistencia al festival ya está regresando a sus apartamentos u hoteles para descansar. Y es una pena porque el grupo belga ofrece un concierto vibrante y divertidísimo en el que demuestra con creces por qué es uno de los grupos más importantes que produjo el denominado dance-rock durante la pasada década, en su caso gracias a canciones estelares como ‘La vérité’, ‘Décadanse’ y más hits incontestables de su repertorio. ¡Y qué comandante tan carismática es Els Pynoo! Sin duda el grupo mereció más ambiente, porque su set es una verdadera fiesta.
Como avanzamos el viernes en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend», Elvis Costello está de regreso con un nuevo disco con The Imposters (el primero con ellos desde ‘Momofuku’ en 2008), del que ya se conocen dos adelantos, ‘Under Lime’ y ‘Unwanted Number’. El álbum se llama ‘Look Now’ y sale al mercado el 12 de octubre editado por Concord Records y en España distribuido por Universal.
Según informa esta compañía discográfica, el disco está «grabado en Hollywood, Nueva York y Vancouver» y el álbum es «hermoso en su simplicidad, reflexivo en su visión lírica, rodeado de melodías y orquestaciones». La mayoría de los títulos han sido escritos únicamente por Elvis Costello, aunque ‘Do Not Look Now’ y ‘Photographies Can Lie’ fueron co-escritos junto a Burt Bacharach. El álbum fue coproducido por Elvis Costello y Sebastian Krys, ganador del Grammy Latino del año 2007 y 2015, que además de haber trabajado con Shakira (‘Dónde están los ladrones’), Gloria Estefan o Luis Fonsi, lo ha hecho con artistas españoles como Lori Meyers, Vega o Fangoria, además de tan mainstream como Alejandro Sanz, Enrique Iglesias o Amaia Montero.
La nota de prensa indica que Krys había trabajado ya extensamente con «Pete (Thomas, batería) y Davey (Faragher, bajo)» en Los Ángeles, por lo “no es una sorpresa que la sección rítmica estuviera bien preparada para cuando comenzaron las sesiones de grabación”. Sobre sus propias labores de co-producción, Costello dice que «tenía toda la orquestación y partes vocales en su cabeza”, y que Sebastian hizo un bonito trabajo manteniendo «todo presente pero siempre guiado por una emoción o una narrativa”. “Estaba ahí para asegurarnos que solo las notas esenciales llegaran al disco, fueran una guitarra con fuzz o un jazz con fagot”. Este es el tracklist y los dos adelantos que conocemos.
1. Under Lime
2. Don’t Look Now
3. Burnt Sugar Is So Bitter
4. Stripping Paper
5. Unwanted Number
6. I Let The Sun Go Down
7. Mr. & Mrs. Hush
8. Photographs Can Lie
9. Dishonor The Stars
10. Suspect My Tears
11. Why Won’t Heaven Help Me?
12. He’s Given Me Things
Deluxe Special Edition Tracks:
13. Isabelle In Tears
14. Adieu Paris (L’Envie Des Étoiles)
15. The Final Mrs. Curtain
16. You Shouldn’t Look At Me That Way
Phosphorescent, el proyecto de Matthew Houck autor de discos como ‘Muchacho‘, donde estaba la inolvidable ‘Song for Zula’ (una de las 15 mejores canciones de 2013), vuelve el 5 de octubre con un disco llamado ‘C’est la vie’, cuyo primer single se presenta hoy. ‘New Birth in New England’ es una canción costumbrista y alegre, con una parte final entre el góspel y ese tipo de voces femeninas que tanto gustaba a Leonard Cohen.
La nota de prensa remitida por Everlasting en España indica que este regreso tras 5 años retratará un periodo de la vida del artista que incluye «enamorarse, empezar una familia, dejar Nueva York por Nashville y construir un estudio desde cero». De esta manera se indica que esto ha «abierto las fronteras sobre cómo un disco de Phosphorescent puede sonar, equilibrando lo terrenal y lo incandescente, lo turbulento y lo sereno, creando su propio cosmos musical en el proceso».
Mientras él ha sido el productor del disco, de la mezcla se han encargado Matthew y Vance Powell (Jack White, Chris Stapleton, Arctic Monkeys).
01 Black Moon / Silver Waves
02 C’est La Vie No. 2
03 New Birth in New England
04 There From Here
05 Around the Horn
06 Christmas Down Under
07 My Beautiful Boy
08 These Rocks
09 Black Waves / Silver Moon
Parece que ‘Lo malo’ no va a ser el único número 1 de la carrera de Aitana Ocaña, como pronosticaban los más agoreros. La cantante tiene grandes posibilidades de repetir la hazaña de Cepeda de alcanzar el número 1 directo de la lista española de singles oficial, algo que no logró Ana Guerra junto a Juan Magan con ‘Ni la hora’, quedando en un también destacable puesto 2.
Aunque habrá que esperar al martes 7 de agosto para conocer los datos oficiales, ‘Teléfono’ de Aitana Ocaña está arrasando, pese a la tibia recepción que ha tenido en cuanto a comentarios y redes sociales. La canción ha sido número 1 en iTunes España desde su lanzamiento, aún durante este lunes multiplicando por 5 las descargas del número 2, que es ‘Déjala que baile’ de Melendi con Alejandro Sanz y Arkano, que además está de oferta. iTunes ya no es tan significativo en nuestro país (si es que alguna vez lo fue), pero lo bueno es que los datos mostrados por Spotify son también excelentes.
’Teléfono’ de Aitana lleva ya 3 días situada en el número 1 de Spotify España, con una cantidad de streamings diarios realmente descomunal, y muy superior al número 2. La canción de Ocaña está en torno a los 470.000 streaming diarios, mientras ‘Vaina loca’ se mueve entre los 350.000 y 400.000. Esta canción y ‘Te boté’ pelean por destronar mañana a ‘Sin pijama’ (actual top 1 oficial), si bien parece que a su vez, la que gane la batalla mañana en Promusicae podría ser, como decimos, destronada por Aitana cuando acabe la semana. Dependerá de lo que suceda este martes, miércoles, jueves… cuando suponemos que ‘Teléfono’ irá perdiendo algo de fuelle (¿o no?), mientras los streamings de ‘Te boté’, ‘Vaina loca’ y ‘Sin pijama’ permanecerán tan estables como hemos visto a lo largo de las últimas semanas.
‘Teléfono’ ha sido igualmente top 1 en Youtube España durante el fin de semana, donde sigue 3 días después pese a que ha habido nuevo vídeo de Maluma y Shakira, pero Youtube no cuenta de cara a la lista española, a diferencia de lo que sucede en Estados Unidos o ahora, Reino Unido. El vídeo ya ha superado los 6 millones de streamings.
Creíamos que Robyn había anunciado la llegada de su nuevo single ‘Missing U’ a las plataformas de streaming para hoy a las 15.00, las 14.00 en Canarias. Pero no ha sido exactamente. Lo que tenemos entre manos es un corto de 7 minutos en el que podemos escuchar esa nueva canción, ‘Missing U’ (que en realidad sale mañana), sólo de fondo.
El corto es una celebración de los “hardcore fans” de Robyn y viene a ser una demostración de que, a pesar de que sus ventas o streamings no sean tan voluminosos como los de una Rihanna, un Bruno Mars, una Beyoncé o un Calvin Harris, hay una generación de personas para los que su música ha sido muy importante. En el corto vemos u oímos a gente contar cómo ha salido del armario gracias a ella, además de a un grupo de jóvenes organizar una fiesta en Brooklyn en su honor llamada This Party Is Killing You.
Robyn aparece en el vídeo dirigido por Danilo Parra, que comienza con una suerte de clase de spinning pro-Robyn, revelando lo tímida que es, pero valorando lo que significa para ella que se recuerde su música cuando hace tantísimo tiempo que no saca disco (desde 2010). Robyn dice además que ‘Missing U’, el nuevo tema, habla de lo que se siente cuando desaparece una persona, de cómo esta incluso puede parecer más clara (“hasta el punto de que la ves por todas partes”), pero indica que también es una canción para sus fans.
Pablo Casado es el nuevo presidente del Partido Popular tras haber vencido en las primarias a Soraya Sáenz de Santamaría, y en medio de la polémica de su máster (o ahora el plagio de un libro), ha publicado un tuit con unas declaraciones sobre inmigración que está copando titulares.
El tuit, que sucede a la noticia de que el 38% de los inmigrantes que entran por mar a Europa lo hacen por España, dice: «No es posible que haya papeles para todos, ni es sostenible un estado de bienestar que pueda absorber a los millones de africanos que quieren venir a Europa y tenemos que decirlo, aunque sea políticamente incorrecto. Seamos sinceros y responsables con esta cuestión». Entre los miles de respuestas que ha suscitado este mensaje, encontramos varios de músicos de nuestro país.
Guille Galván, uno de los compositores principales de Vetusta Morla (suyas son 7 de las 10 canciones del último disco, por ejemplo), le ha respondido: «Seamos sinceros, no te molestan los africanos, te molestan los pobres. Eso también tenemos que decirlo». El Nega ha citado a Pablo Casado al subir una noticia sobre la agresión racista en Turín a una atleta, indicándole: «Esto es lo que traen tus discursos de odio y los de tu colega Salvini, Pablo Casado. Nos vas a tener enfrente, fascista». El MC Pablo Hásel, que tiene 100.000 followers, ha comentado, recordando los casos de corrupción del PP: «Lo que no es posible es que una minoría de parásitos acumuléis tanto a costa de la explotación y miseria ajena, también de África. Quienes sobráis aquí y robáis el trabajo y otras muchas cosas, sois vosotros». Nacho Ruiz de Nine Stories y músico y jefe discográfico de Alondra Bentley o Marem Ladson, ha ironizado: «En España no hay partidos de ultraderecha», citando también el tuit de Pablo Casado. Zahara ha retuiteado un mensaje de MoeDeTriana que decía «No es posible que haya cerebros para todos» en referencia al mismo tuit del presidente del PP.
En días pasados, ya se habían producido otras reacciones en el mundo del pop a la llegada al poder de Casado. Entre las declaraciones de este en Informe Semanal su propio Twitter destacaba: «Propongo suprimir el impuesto de patrimonio y el de sucesiones, en donaciones se suprimiría en los casos en los que hubiera un parentesco. Una bajada del IRPF en torno al 40% y el de Sociedades debería converger con los países más competitivos de Europa». Manolo Martínez de Astrud, respondía: «Propongo que los pobres manden a sus hijos a unos juegos televisados donde mueran todos menos uno», tuit que ha «gustado» en esta red social tanto a Fernando Alfaro como a Guille Milkyway. Por su parte, Niño de Elche ha calificado como «terrible» el deseo de Pablo Casado de «volver al bipartidismo».
Seamos sinceros, no te molestan los africanos, te molestan los pobres. Eso también tenemos que decirlo. https://t.co/STH3R7FAbd
Lo que no es posible es que una minoría de parásitos acumuléis tanto a costa de la explotación y miseria ajena, también de África. Quienes sobráis aquí y robáis el trabajo y otras muchas cosas, sois vosotros. https://t.co/M5spkicWrq
Sam Mehran de Test Icicles ha muerto a los 31 años. La noticia ha salido a la luz este domingo 29 de julio a través del Instagram de Zak Mering de GunkTV Records, y ha sido recogida por medios como el NME o The Fader. Este martes 31 de julio, Cory Nitta ha confirmado a Pitchfork que se ha suicidado y que su cuerpo fue encontrado en su casa de Hollywood.
Mehran cantaba y tocaba la guitarra en Test Icicles, ejerciendo de co-líder junto a Rory Attwell. El tercer miembro de la banda, aunque pocos lo recuerden, era Devonte Hynes, a la postre conocido como Lightspeed Champion y ahora como Blood Orange. Después, Mehran ha seguido trabajando en solitario y grabando música con el alias Outer Limits Recordings, con el que llegó a publicar dos discos, el último incluso con la colaboración de Ariel Pink. También ha trabajado recientemente con SSION.
Test Icicles tuvieron cierto éxito en torno a 2004, en los tiempos en que tanto se hablaba del dance-punk, con bandas al frente del movimiento como Radio 4 o LCD Soundsystem. Test Icicles llegaron a colocar un par de temas en el top 40 británico, como fue el caso de ‘Circle.Square.Triangle’ a finales de 2005 y ‘What’s Your Damage?’ a principios de 2006. Su disco llamado ‘For Screening Purposes Only’ salía en octubre de 2005, llegando al número 69 en las listas de las islas, conteniendo ambas y obteniendo excelentes críticas en el NME o en Pitchfork.
El artista experimental Yves Tumor saca disco tras lanzamientos como el álbum de estudio ‘Serpent Music’ (2016) o la compilación de temas ‘Experiencing the Deposit of Faith’ (2017). Su nuevo single, lanzado a finales de la semana pasada y que has podido escuchar en nuestra playlist de novedades semanales “Ready for the Weekend”, es de lo más pop y asequible que ha grabado.
‘Noid’ presenta a un Yves Tumor cercano al sonido de Madchester y también a esos Avalanches empeñados en samplear canciones perdidas de la historia del pop. El sonido que envuelve esta pista es por tanto embriagador y fascinante, casi veraniego, si bien la letra es mucho más asfixiante: “temo por mi vida / no confían en nosotros”, por no hablar del estribillo “lo llaman enfermedad, trastorno por estrés post-traumático, depresión”.
En sintonía, la canción se va haciendo un ovillo de repeticiones incluso de la letra, con la composición derivando en una llamada a Emergencias “911”, en la que esos “seguros en sus manos / ahí es donde siento la presión” no puede sonar menos confortable. Sin duda Tumor está aquí planteando un juego de contrastes, contraponiendo una letra bastante agobiante con una música accesible para casi todos los públicos. ¿Una metáfora sobre los métodos para el adormecimiento del pueblo? En cualquier caso, una canción realmente contagiosa, que de momento hay que esperar para saber si es indicativa de un álbum nuevo que no se ha anunciado.
Una nueva versión de Radiohead ha aparecido este fin de semana en la red tras una interpretación en directo y es una suerte que no haya sido otra versión más de ‘Creep’, ni una canción de ‘The Bends’ ni una canción de ‘OK Computer’.
A su paso por el Newport Folk Festival este fin de semana, Mumford & Sons se han decantado por una de las joyas perdidas del magnífico ‘In Rainbows’, aquel disco de 2007 de los de Thom Yorke, cuyo precio digital pudo decidir a la carta el público. La escogida ha sido ‘All I Need’, el que se consideró el quinto single de aquel disco, y les ha acompañado sobre el escenario Phoebe Bridgers, que el año pasado editaba el folkie ’Stranger in the Alps’. Tras una filtración en Twitter, al fin alguien ha subido el vídeo completo con la bonita versión a Youtube.
El líder de Mumford & Sons, Marcus Mumford, también ha sido noticia recientemente por formar parte del jurado 2018 del rotativo jurado del Mercury Prize. Entre los 12 nominados de este año están Jorja Smith, Noel Gallagher, Florence + the Machine o Lily Allen, si bien se ha echado de menos a SOPHIE, Charli XCX o Let’s Eat Grandma.
‘In My Feelings’ ha sido el número 1 mundial de Spotify durante 21 días desde que se lanzara hace un mes. Es top 1 en Estados Unidos, es top 1 en Reino Unido y sube como la espuma en España, donde esta semana ha sido la subida más fuerte, del top 67 al 25. Parte de su mérito es el pelotazo dado por ‘Scorpion‘, el nuevo disco de 25 temas de Drake, al que siempre, de manera espontánea, le funciona muy bien un tema que no ha promocionado especialmente.
Pero parte del éxito es la viralización de un reto que ha circulado por internet como la pólvora. Según informaba hace unos días Sony, todo empezaba con Shiggy, un cómico e influencer de Instagram, quien creó un baile sincronizado con la letra de Drake en una carretera. Después, muchas estrellas como Will Smith, Ciara y su marido Russell Wilson, Kevin Hart y Odell Beckham Jr. aceptaban el reto apoyado por hashtags como #InMyFeelingsChallenge y #DoTheShiggy.
El público se ha sumado masivamente al reto de bailar la canción en la carretera, tirándose de su propio coche en movimiento, y los accidentes y pequeñas tragedias no se han hecho esperar. Como podéis ver, hay gente a la que le está saliendo bien, como la cantante Dani Leigh, pero otra que está terminando por los suelos demasiado cerca de un coche en marcha. Antes de que la cosa pase a mayores, la Junta Nacional de Seguridad del Transporte de Estados Unidos ha hecho un llamamiento para concienciar sobre el riesgo que representa este reto.
“Tenemos que compartir nuestra opinión sobre el reto #InMyFeelings. Distraerse de cualquier modo es peligroso y puede ser mortal. Independientemente de que seas conductor, piloto o acompañante, concéntrate en operar con seguridad tu vehículo”. Se adjuntan imágenes de accidentes. Además, el responsable de este organismo Nicholas Worrell ha dicho: “Los accidentes con vehículos de motor son la principal causa de muerte en Estados Unidos. Salir de un vehículo en movimiento o lanzarse hacia carriles de tráfico para mostrar tus pasos de baile es tonto y peligroso para ti y para los que te rodean”.
Desde CBS han contactado con Drake para comentar este tema, pero no ha respondido. El cantante ha estrenado recientemente el videoclip de otro de los temas de su disco, ‘NonStop’, en exclusiva a través de Apple Music. El vídeo se concentra en su aparición sorpresa en el Wireless Festival de Londres este verano, contando con cameos de French Montana, Quavo o Noah «40» Shebib, entre otros.
Bebe publica esta semana el primer single de una nueva etapa, más colorida y latina, con el single ‘Corazón’, cuyo vídeo estrenamos hace unos días en JENESAISPOP. La cantante nos habla de las nuevas colaboraciones que irán conduciendo a un nuevo álbum, previsto en principio para finales de 2019. No ha dejado de trabajar con Carlos Jean, pero sobre todo lo está haciendo con artistas latinoamericanos. Bebe nos habla de llorar escuchando a Yung Beef, de su admiración por Rosalía, a la que contactó vía Instagram, de las críticas y los guetos musicales. En un momento se emociona hablando de su padre, pero en general se ve a una Bebe más contenta y emocionada con lo que está haciendo que nunca.
¿’Corazón’ es un single suelto, como se lleva ahora, o el avance de un próximo álbum?
Es un single como se está haciendo ahora, que me parece súper interesante y volver a lo que se hacía cuando éramos pequeños: singles sueltos, EP’s de 5… para a finales del año que viene quizá hacer un compendio con más canciones que tengo ya preparadas y que van a ir saliendo.
La canción empieza con una guitarra para luego añadir un ritmo reggaetón. Ya nos dijiste hace un par de años que estabas «estudiando reggaetón», ¿pero esta canción la empezaste con acústica?
La canción no es mía. Es de Bull Nene, un compositor de reggaetón que ha escrito para Maluma, Balvin… para mucha gente. Cuando estuve en los Grammy (latinos) en esa época que tú decías, me fui con la intención de conocer gente. Conocí a Bull, además de a otra gente, y nos hicimos súper amigos. Me mandó esta canción, me dijo: «me encantaría que la cantaras» y me llegó en un momento que parecía que la habían hecho para mí, me pareció muy divertido. Sí era más acústica, la grabamos así en Medellín, donde estuve trabajando con Bull y con otros chavales increíbles que hacen beats que alucinas. Y me dijo que se la enseñara a Tayni, que estaba trabajando en Miami. A Tayni le gustó mucho también y entonces es quien la ha producido. Son todos de la misma edad, unos 27, gente súper potente, son muy finos, y tienen muchas ganas de trabajar con gente de España. Estoy muy contenta porque trabajo con un equipo de gente muy motivadora.
¿No has tocado nada la letra? ¿No eres co-autora?
No. Lo único, hay algo que yo entendí mal, lo de: «pasó toda esta pena mía». Él (Bull Nene) no decía eso, pero me respondió: «me encanta». Cuando lo pide, sí (puedo tocar una canción) pero en este caso no. Me parecía que no lo necesitaba.
Tú no sueles cantar nunca canciones de otra gente, ¿no? ¿No es como la primera vez?
En mis discos son todas canciones mías, sí, pero he hecho colaboraciones con otra gente.
La verdad es que la canción es muy tú… Estoy muy sorprendido de que no sea tuya…
Bull compone muy así y tú le metes el ritmo que quieras. Él tiene una manera muy elegante escribiendo.
«(Escribir para otros) te hace indagar, ponerte en otras situaciones, no acomodarte»
Es curioso porque suele ser al revés. Los cantantes de pop, tipo Alaska y Marta Sánchez, van componiendo cada vez más… y tú, que eres cantautora, al revés…
Cada uno tiene su proceso, pero este también es lógico. Desde que hice el último disco, decidí que iba a componer para otros. Buscas otras cosas que si haces para ti no harías. Te hace indagar, ponerte en otras situaciones, no acomodarte. Ha sido circunstancial, es una cosa que va saliendo de una manera más natural de lo que parece. Si te dan algo bonito, ¿por qué no lo vas a hacer?
¿El resto de canciones que tienes son con más gente o tuyas?
Hay de todo. Estuve con Camilo Echeverry, que trabaja junto con Tainy. Yo llevaba muchas letras, llevaba una con una base de Costa y empecé a trabajar con ella. Camilo puso otra letra y es entre los tres.
Fíjate que pensé que ‘Corazón’ tenía un mensaje feminista y ahora resulta que la ha escrito un hombre…
(risas) Somos muy básicos, nos duelen las mismas cosas, excepto los dolores de regla, que no sabéis lo que es. Los dolores de corazón son los mismos. Me encajaba muy bien para mí.
Me llama la atención esta confusión de sexos que he tenido, porque además en el vídeo hay personajes andróginos.
Raúl Rosillo (el director) y yo estuvimos hablando de poner (en el vídeo) alguien que hiciera compañía. No queríamos dos bailarinas chicas, me parecía más usado, y a mí me encantan los personajes andróginos y los bailarines. Los bailarines de clásico o de contemporáneo con ese punto andrógino me flipan. En principio iban a bailar más, pero sus posturas eran perfectas y los dejamos más quietos. Nos pusimos a jugar y ellos estaban encantados. Creo que son los que mejor se lo pasaron. Todo el equipo trabajó muchísimo. Raúl ha hecho con cuatro cosas algo maravilloso.
«En la vida hay que darle la vuelta al drama, llenarnos de colores, hay que darse un poco de color»
Tiene unos colores pop, luminosos, que no te asociaba…
Eso era lo que quería. Hice un tablero en Pinterest y le dije a Raúl: ¡colores! Quería que tuviera mucho color. Tiene que ver con los ritmos latinos y el sentido del humor de la canción. En la vida hay que darle la vuelta al drama, llenarnos de colores, hay que darse un poco de color.
En la letra mencionas Instagram, no sé si estás más enganchada que hace unos años, cuando te preguntamos.
Enganchada no, porque se me olvida subir cosas, pero es la herramienta que más uso. Me parece interesante porque es muy rápida, puedes contactar con gente sin intermediarios, es lo más interesante para los que somos artistas, y me gusta, la verdad.
¿Con quién has contactado?
Con Hugo Costa, por ejemplo. Yo era fan suya desde que empezamos. Tenía ganas de que nos juntáramos, te vas siguiendo, te vas contactando. Y con unos cuantos más.
El vídeo tiene un product placement brutal, gracias a la «botella» de la letra… que no sé si estaba ya ahí o la calzasteis…
Es que King Peter lo lleva mi comadre, Sandra Tomé, soy la madrina de su hija, somos amigas desde los 8 años. Dijimos: «¿Y si lo hacemos?». Está bien que nos apoyemos, se han trabajado muchísimo la marca, la he visto desde el más absoluto origen.
Este single se ha retrasado, ¿verdad? Me huele como a principios de verano…
Yo lo quería para marzo, lo tenía casi hecho desde enero, pero Tayni estaba con muchísimo trabajo porque está ahora mismo súper top. Al no tener la canción terminada, se ha ido retrasando, y cuando pasa eso tienes que tomar perspectiva porque te empiezas a aburrir. Yo tenía que grabar otra cosa con Santos en República Dominicana, así que me fui y cuando volví, ya lo cogí con frescura. Pero sí, yo quería sacar esto en marzo para ahora estar lanzando ya otra.
«A veces una canción no suena lo que te gustaría, pero eso no te puede frenar. Uno no puede gustar a todo el mundo»
¿Cuán importante es esta canción para ti? ¿Estará en el próximo disco seguro o dependerá de cómo vaya?
¿De cómo funcione? ¿Como si no se oye nada? No… cuando alguien me dice «esta canción… (va a ir muy bien)» soy muy desconfiada. A veces no depende de ti, por h o por b, no suena lo que te gustaría, pero eso no te puede frenar. Uno no puede gustar a todo el mundo. Pero para mí (‘Corazón’) marca el principio de lo que quiero, que no esté escrita por mí es un cambio bastante bonito.
Y es significativa, tiene relación con las demás que vienen…
Sí, con lo que yo quiero hacer con otras canciones, con Tayni y con Camilo en Miami, y con Bull y Alejandro y los chicos en Medellín, y con cosas que estoy haciendo aquí con Carlos (Jean)… todo tiene que ver. Las canciones tienen cada una sus luces y sombras, pero el ritmo quiero que sea más latino y más fuerte y más negro.
Bueno, a veces algo te influye la recepción del público, supongo. ‘K.I.E.R.E.M.E.’ ya no está en tu setlist…
Sí está.
He mirado varios setlists circa Río Babel y no la he visto…
Lo que pasa es que en Río Babel solo tenía una hora. Cuando son conciertos tan cortos tienes que hipotecar canciones. ‘K.I.E.R.E.M.E.’ la uno a ‘Yo fumo’ y pasamos de una a otra. Ahora la estaba tocando como rock’n’roll, y como tengo que preparar la gira de Argentina y por lo que voy a ir sacando, la quiero hacer como era original, más electrónica.
Te adivinaba traumatizada por su recepción…
Yo no.
Guardo como oro en paño un vinilo de ‘Un pokito de rocanrol’ que no salió a la venta… No está en Discogs siquiera (NdE: veo ahora que sí está, valorado en 100 euros). Me lo dio tu sello…
¡Qué guay que lo tengas! No salió, no, y me quedan muy pocos porque solo hice 500. Se los he ido dando a amigos, gente que me apetecía que lo tuviera, Carlos (Jean), músicos, gente que sé que les apetece.
Me encanta ese disco a nivel sonido, la grabación…
Está todo tocado.
… y me da rabia que tu disco de «comeback» haya sido el siguiente…
Aquí lo vetaron.
Siempre dices eso… pero creo que a tu público le dio bastante susto…
Tampoco hubo oportunidad. No pude hacer apenas conciertos aquí. Si tú le cierras la puerta desde el primer momento… la gente ya no va a tener interés ninguno. Fue visto y no visto. Pero está bien. Fuera de España estuvo nominado a los Grammy.
Y por la cara que has puesto, tampoco consideras tu «comeback» el último…
Procuro no pensar mucho en esas cosas, pero sí, por la recepción, la repercusión, por los comentarios…
Y ahora vuelves a cambiar de tercio…
Pero como todos: si ya he hecho una cosa antes, para qué la vamos a hacer otra vez. Y me apetecía hacer cosas con gente de fuera.
Me he perdido un poco con el fin de EMI…
Me perdí en Madrid (NdE: interrumpe citando a Yung Beef).
¿Cómo te afectó el fin de EMI?
La mitad vino a Warner y la otra a Sony, creo. Aquí realmente de EMI queda Mariola (Pérez) y Jorge Maldonado, que ha vuelto después. Pero sigo viendo a la gente que está en Sony.
Mi pregunta más bien es si has tenido una persona de confianza que te haya apoyado en los momentos malos que has tenido, y con el cambio de sello. ¿O vas a tu bola?
No es que vaya a mi bola, uno necesita siempre tener un poco de apoyo. Con el tercer disco EMI estaba en un momento delicado, tenían que salvar lo que tenían que salvar. Ahí estaba un poco sola. Gastaron mucho dinero, a Simone Bosé, a Diego… les gustaba mucho el disco, pero estaban en un momento muy delicado a nivel estructural. Las cosas pasan cuando tienen que pasar. Cuando nos podemos ayudar lo hacemos, forman parte de mi vida. Son gente que me han visto desde el primer concierto en El Búho Real, tienen mi respeto y nos gusta vernos crecer.
«He llorado con todos, con Yung Beef, C. Tangana… El último disco de Yung Beef es muy bonito, es puro corazón, es fuerte, pero es muy emocionante (…) Rosalía es lo mejor, es un regalo que salga alguien como ella»
¿Cómo has vivido estos últimos años la música española?
Feliz, es una maravilla todo lo que está pasando. Tenía muchas ganas de hacer reggaetón porque estaba un poco más aburrida. Están los chicos explotando y haciendo cosas súper interesantes a nivel internacional. El trap que se hace en España me parece incluso más interesante que el de Latinoamérica. He llorado con todos, con Yung Beef, C. Tangana… El último disco de Yung Beef es muy bonito, es puro corazón, es fuerte, pero es muy emocionante. Y oigo listas de Spotify… Rosalía es lo mejor, es un regalo que salga alguien como ella. Me parece maravilloso que pase algo así con esa fuerza, ese todo, esas ganas y que se lo cree. Eso es muy importante. Es maravilloso contemplarlo.
¿La has conocido?
Sí. Le escribí por Instagram. Cuando vi ‘Catalina’ casi me muero. Me dijo: «Ay, Bebe, qué guay», estuvimos bastante tiempo hablando y teníamos ganas de conocernos. También me gustan La Zowi y Ms Nina, son unas gamberras. Las mujeres están haciendo cosas súper cañeras.
La verdad es que me acordé de tu trabajo con Medem cuando vi que Rosalía estaba trabajando con Almodóvar…
Ella puede hacer lo que quiera, es maravillosa.
¿Qué tal te fue en Río Babel? Es un festival como de música latino pero con un punto indie… ¿Estuviste cómoda? ¿Te gustaría hacer más festivales?
Yo sí, me lo paso muy bien también. Estuve viendo algunos conciertos. Venía de viaje, me hice unos pocos de kilómetros.
«Si solo haces música indie, estás creando guetos musicales. «Solo vamos aquí las indies». Eso es ridículo»
Por eso suspendiste las entrevistas aquel día…
Sería porque tuve que viajar, mi padre hacía 70 años, le hacíamos una fiesta sorpresa, todo el mundo iba a estar menos yo, me pasé a darle un beso porque ha pasado un año complicado. (NdE: tiene que parar porque se emociona). Me cuesta mucho trabajo no estar en las cosas de mi casa y más en ese nivel, que era una fiesta sorpresa, celebrando la vida. Llegué (a Río Babel) como media hora antes…
Recuerdo oírte citar a Pony Bravo y ahora a Yung Beef… ¿algún festival en que te gustaría tocar y no te llaman?
No, no, no…
Te pregunto porque al principio no me hubiera imaginado a Amaral o Bunbury en Dcode.
Hay que abrirse, mira el FIB lo que era y mira ahora. Al final los festivales es música, la gente se junta, está al aire libre, precisamente es muy interesante que se mezclen los estilos. Si solo haces música indie, estás creando guetos musicales. «Solo vamos aquí las indies». Eso es ridículo. Cuando lo abres es mucho más interesante.
«Yo todavía estoy esperando que me enseñen cuánto reggaetón machista hay, porque escucho mucho reggaetón, y antiguo también. Y depende de la lectura que le quieras dar a las cosas»
¿Crees que en España hay prejuicios contra la música latina?
Sí, en España muchos. En general hay muchos prejuicios, pecamos de una cosilla y es que hablamos sin haber escuchado. Juzgamos «antes de», porque ya alguien lo ha dicho. Los medios tienen una responsabilidad para que la gente se abra y reciba la música de una manera, porque no te tiene que gustar lo que yo hago, u otra persona, pero cuando algo está bien hecho, hay que reconocerlo y no limitarnos a cerrarnos. Somos latinos pero no somos latinoamericanos, hay mucho parecido pero no, no es lo mismo el Caribe, ni la gente, ni la sangre, ni la cultura. Musicalmente quizá nos cuesta pero porque alguien dice: «son letras machistas». Yo todavía estoy esperando que me enseñen cuánto reggaetón machista hay, porque escucho mucho reggaetón, y antiguo también. Y depende de la lectura que le quieras dar a las cosas. La música es poesía, es sentido del humor, hazla tuya, pero no siempre refleja una realidad. Y somos un poco cínicos o hipócritas, porque yo también hablo de sexo, y al final el sexo son los códigos que tú tengas con tu pareja o la persona que lo quieras hacer. Ellos lo hablan más abiertamente, pero lo habla más el trap. El reggaetón ahora mismo no es tan explícito para nada. Hay canciones de reggaetón que lloras, que son bonitas.
‘Despacito’ no la veo machista, me parece un tema sexual y ya está, pero luego hay cada cosa…
Los traperos latinoamericanos. Que a la primera te gusta, y a la cuarta ya es «me aburro de tus cuatro chorradas». Pero tampoco me lo tomo más en serio. Se busca como la responsabilidad de que tenemos que educar a los músicos, y son chavales jóvenes que están ahí flipándolo. Si les das demasiada importancia, les estás dando el lugar que no es. Todo lo que se vaya a prohibir, la juventud lo va a buscar más. Hay que escuchar la música con la mente más abierta.
Tras dos llamativos EPs, este debut largo de los australianos Rolling Blackouts Coastal Fever (Rolling Blackouts CF para los amigos) llega para ocupar un espacio privilegiado en las estanterías, memorias digitales y/o corazones de los amantes del pop rock en el que las guitarras siguen siendo lo más importante. Y no, esto no se circunscribe únicamente a nostálgicos de tiempos dorados, pues la vigencia y éxito de grupos como Real Estate, The War On Drugs o Kurt Vile y sus Violators muestran que están lejos de extinguirse.
En el caso del quinteto de Melbourne, sus canciones se acercan sobre todo a la concepción de los autores de ‘Atlas’, con su apuesta por tocar acordes bonitos y entrelazar las distintas armonías de sus tres guitarristas, cantantes y compositores principales (Fran Keaney, Joe White, y Tom Russo). Resulta del todo inevitable, ante ese vibrante manto jangle pop, evocar a sus compatriotas The Go-Betweens (también a The Chills e incluso a Felt) en el estupendo equilibrio entre melodía, nervio y músculo en canciones como la primorosa ‘Talking Straight’, ‘Mainland’, ‘Exclusive Grave’, ‘Cappuccino City’ o ‘The Hammer’. Pero Rolling Blackouts CF no se conforman con ser un mero eco y afianzan también un espacio propio filtrando una querencia más punk, casi no-wave (‘Time In Common’), en determinados pasajes, tendiendo un puente con el Nueva York de Lou Reed en los punteos calientes y el ambiente canalla de ‘An Air Conditioned Man’, ‘Bellarine’ o ‘Sister’s Jeans’, en la que también sorprende cierta conexión con Pixies, especialmente en su desbocada recta final.
Cuenta el grupo que estas canciones están influenciadas por los momentos convulsos que el mundo ha vivido en el último par de años, y cómo han afectado a la gente que tienen cerca. Que son pequeñas postales sobre individuos que, en realidad, forman un collage sobre el abismo al que, perciben, estamos próximos (su título, de hecho, es el nombre de una explotación minera próxima a Melbourne). Leyendo sus textos, más sombríos de lo que indica la música pero algo herméticos, lo cierto es que resulta difícil encontrar esas pretensiones. Pero realmente no parece crucial para disfrutar de un disco muy bonito, ágil de escuchar prácticamente de cabo a rabo (diría que ‘How Long?’ es, claramente, la más floja del conjunto). Su gran tacha puede ser que, salvo quizá ‘Exclusive Grave’, ‘Bellarine’ y, en menor medida, ‘Mainland’, se echan en falta ganchos tan irrefutables e inmediatos como el de ‘Talking Straight’ –la sensación es que, de hecho, ellos mismos huyen de una excesiva obviedad–. Pero, así y todo, se postula como una estupenda banda sonora estival. Particularmente para viajar.
Calificación: 7,3/10 Lo mejor: ‘Talking Straight’, ‘An Air Conditioned Man’, ‘Exclusive Grave’, ‘Mainland’ Te gustará si te gusta: Real Estate, The Go-Betweens, Lou Reed Escúchalo: Spotify
La reciente muerte del inventor del fuzz ha vuelto a poner de relieve que la a priori tradicional y acomodaticia música country estuvo una vez a la vanguardia de los nuevos sonidos en el panorama del pop. Eran los años 60, y dicho efecto sonoro (acaecido durante un accidente técnico durante una grabación) se extendió enseguida por un género en pleno esplendor comercial, y que estaba ansioso de adornar sus superventas con elementos novedosos. Y tal y como la música pop de la actualidad se empeña en seguir corroborando, de entre todos los recursos más o menos “novelty” uno de los más persuasivos ha sido siempre el de manipular las voces de una canción. El ubicuo autotune actual tiene como antepasado al de sobra conocido vocoder, un efecto de síntesis de voz que proliferó en los 70 y 80 pero que provenía, sorprendentemente, de un sistema de codificación de voz que databa de los años 30 y cuya primera aplicación fue en transmisiones secretas durante la II Guerra Mundial.
Pero entre el vocoder y el autotune existió un primo lejano, un invento no electrónico que durante un breve periodo de tiempo estuvo muy en boga, y conoció su máximo esplendor en los 70, en manos (o más bien boca) de guitarristas como Peter Frampton, Todd Rundgren o Joe Walsh: era la menos conocida “talk box”, un mecanismo que llevaba el sonido de un instrumento (generalmente una guitarra) a través de un tubo hasta la boca, donde el músico podía modularlo y, recogido de vuelta con un pequeño micrófono, fundirlo con el sonido original. El resultado era totalmente alienígena y fascinó a muchos.
El primer músico en utilizarlo fue el americano Alvino Rey, en combinación con su guitarra pedal steel (habitual de la música country) pero sería Pete Drake quien -con el mismo instrumento- la desarrollaría en todo su esplendor durante los años 60. Tan extravagante propuesta tuvo una enorme aceptación, lo que le llevaría a grabar una avalancha de álbumes de versiones de grandes éxitos interpretados en dicho formato (hasta tres elepés publicaría durante 1964), convirtiéndole en un habitual de shows televisivos como el del siguiente vídeo, que le invitaban fascinados por su metálica talk box y sus sonidos de otro mundo. El hecho de que el clip en cuestión sea además uno de los más brillantes ejemplos de “estetica pre-lynchiana” lo convierte en todavía más fascinante:
La canción es preciosa, pero contemplar 50 años más tarde cómo es interpretada entre estatuas de cera vivientes de espeluznantes sonrisas, con una voz semirrobotizada y en un decorado de technicolor degradado puede resultar abrumador. Confunde, y hasta podría parecer un colosal y maravilloso fake, como una escena de película pensada para crear inquietud y sudores fríos, o una broma de alto presupuesto para fundir a Daft Punk con el country de los 60. Sin embargo, todos sabemos que escarbando en el pasado lo bizarro y lo sublime se encuentran con frecuencia de la mano.
Peter Drake explotó su “gimmick” hasta agotarlo sin remordimientos, porque nunca había dejado de lado su exitosa carrera de músico de sesiones, tocando el pedal steel para los mejores: Tammy Wynette, Elvis, Don Gibson o Bob Dylan. Precisamente en una de esas lucrativas sesiones, ya en 1970, durante la grabación del ‘All Things Must Pass’ de George Harrison, acabaría regalando su “talk box” a un joven Peter Frampton, quien revitalizaría la popularidad del efecto durante el resto de la década.
Para mediados de los 80, cuando Richie Sambora lo utilizó en la introducción de ‘Livin’ on a Prayer’ de Bon Jovi, el efecto estaba ya en franca decadencia. Y hasta 1998 no llegaría el siguiente avance en manipulación vocal -el autotune de Antares- que Cher convirtió en legendario con su canción ‘Believe’. Que por cierto tardaría -en un curioso paralelo con el caso de la “talk box” y Pete Drake- más o menos una década en empezar a extenderse por el panorama del pop.
‘Forever’ de Pete Drake, que falleció hace hoy justo 30 años, suena en el último Popcasting de Jaime Cristóbal, un especial dedicado a efectos inusuales y anacrónicos en la historia de la música. Está disponible en este enlace.
Pasión desbordante la que se ve en el escenario durante la actuación de Vintage Trouble. El grupo de blues-rock de Los Ángeles ofrece un concierto que además de “vintage”, tiene un punto rock n roll, y de hecho al final de set su líder, Ty Taylor, se mete entre el público y le hace darse la vuelta para mirar hacia la torre de la zona reservada, desde donde prepara el ataque final. Allí, Taylor parece un Mesías, pide al público que levante las manos y, cuando está listo, casi sin pensarlo, salta hacia la marabunta y la surfea de espaldas, dejándose elevar por esas manos anónimas que le sujetan hasta acercarle definitivamente de nuevo al escenario.
Ya atardeciendo aparece Carlos Sadness en el escenario, arropado por una gran concurrencia, como es de esperar dada su popularidad. Presenta el cantante barcelonés su último disco, ‘Diferentes tipos de luz’, del que interpreta temas como ‘Amor papaya’ o ‘Longitud de onda’, su homenaje particular al reggaetón, con la que busca que finalmente “perreemos sin tener que poner la playlist de Spotify en oculto”. Por otro lado, la personalidad de la propuesta de Carlos Sadness es evidente en canciones como ‘Amor papaya’ (ese homenaje a su “fruta favorita”) o ‘Días impares’, que toca acompañado por su ukelele.
¿Qué decir de Los Planetas que no se haya dicho ya? El grupo granadino no solo tiene uno de los repertorios más sólidos que ha parido el pop-rock nacional, también cuenta con canciones tan sumamente emotivas que escucharlas por primera vez supone una verdadera revelación. Costaría imaginar a alguien que no se emocionase descubriendo ese catártico ‘Toxicosmos’ de guitarras grandes y envolventes en el estilo shoegaze, o con ese atmosférico ‘Amanecer’ que aúna guitarras con unos bellísimos teclados muy The Cure. Apasionan también al enorme público congregado en el concierto de Los Planetas clásicos como ‘Corrientes circulares en el tiempo’ o ese ‘Un buen día’ que levanta los ánimos con una melodía más alegre, en contraste con el tono general algo más dramático y sombrío del concierto. Foto: Javier Rosa
Javiera Mena es una rara avis en Low Festival este año ya que es de las pocas artistas del cartel que presentan un repertorio puramente synth-pop y ochentero. Ataviada con un abrigo beige, Mena presenta su último disco, ‘Espejo’, y un sonido estupendo para que se luzcan esas cristalinas bases electrónicas tan Pet Shop Boys / Yazoo / Fangoria y sobre todo sus melodías elegantes e imborrables, de hits como ‘Dentro de ti’, ‘Intuición’ o por supuesto ‘Espada’. Mena además tiene el detalle de felicitar al Low su décimo aniversario, indicando que es la tercera vez que actúa en el festival y que está encantada, ya que en él “la energía es muy bonita”. Con conciertos como el suyo, sin duda lo es.
Entre las promesas programadas en el escenario Jäger hay que destacar a Fogbound, un grupo gallego de rock con tendencia al rock duro y a las cadencias medievales, como demuestra su canción más popular y que abre su set, ‘Gazing at My Grave’, pero capaz también de componer baladas con un punto muy britpop y psicodélico. Se ve en el escenario a tres muchachos con un repertorio definido y confiados en su propuesta, sobre todo a un teclado que se entrega a su instrumento como si, en realidad, el instrumenta le hubiera poseído a él.
Un rock más duro, afilado y dramático que el de Fogbound es el que ofrece Biffy Clyro, el grupo escocés comandado por un tatuadísimo Simon Neil que, como siempre actúa descamisado (y como él otros miembros del grupo) y que prácticamente estrena peinado corto (antes era famoso por su melena). Un sello de identidad -el de actuar sin camiseta- que tiene que ver con la fuerza apabullante de su directo, a través del cual el grupo fluctúa entre la pasión de sus temas más potentes y melódicos (las coreadísimas ‘Mountains’ y ‘Many of Horror’) y la rabia de sus rebotes más brutales y punkarras. Foto: Javier Rosa
La “verbena” del sábado corre a cargo de Novedades Carminha. No decepciona un concierto que es una fiesta de principio a fin y que prácticamente no da tregua, ya que entre canción y canción apenas hay descansos. Se suceden uno tras otro los temazos, de ‘Que dios reparta fuerte’ a ‘Antigua pero moderna’, de ‘Te quiero igual’ (con mención a Los Planetas) a ‘La mejor de Europa’, de ritmos más William Onyeabor a otros más garage rock, demostrando que el grupo tiene repertorio para rato, pero es la transición de ‘Cariñito’ a ‘Lento’, que el cuarteto interpreta usando el ritmo más acelerado y disco de de la primera, la que produce el momento más divertido del concierto. Vinieron de tranquis, pero se terminó liando. Foto: Javier Rosa
El concierto de The Chemical Brothers es uno de los mejores que pueden presenciarse actualmente en cualquier género y estilo. Es monumental. El dúo británico compuesto por Tom Rowlands y Ed Simons ofrece un espectáculo de electrónica digno de su leyenda, un absoluto bombardeo audiovisual en el que las canciones se acompañan con imágenes en movimiento muy trabajadas y originales y luces, mientras el grupo pincha los temas en la sombra, acordándose de hitazos como ‘Go’, ‘Hey Boy Hey Girl’ o ‘Galvanize’ y presentando algún tema nuevo (‘Free Yourself’), desplegando un generoso setlist que no da tregua y llega a rozar las veinte pistas. En la pantalla se ve a humanoides huyendo en el ciberespacio, a bailarines holograma, a un terrorífico señor con máscara y corona y pintado de blanco, a bailarines danzando dramáticamente en el interior de una bañera… Y cuando no se proyectan imágenes, el diseño de luces hace un trabajo igualmente asombroso. No está muy clara la línea narrativa del concierto, si es que la hay, pero las imágenes proyectadas durante el mismo y el trabajo lumínico producen un efecto realmente impactante que ataca a los sentidos de manera brutal. Pero más impactante todavía son los enormes globos de colores que salen disparados desde el escenario en la segunda mitad del set y sobre todo los gigantes robots que aparecen después, no a través de las pantallas, sino en el mismísimo escenario, y que además proyectan desde sus torsos formas geométricas luminosas y disparan desde sus ojos rayos láser. Parecen venidos a arrasar con la humanidad, dan de hecho bastante miedo, pero su presencia eleva el concierto a la categoría de espectáculo histórico. Hay que verlo para creerlo… y fliparlo. Foto: Javier Rosa
Amaia Romero ha actuado este sábado en el Teatro Real de Madrid. Hacer un show por su propia cuenta le ha permitido ampliar el repertorio que ya le vimos en Primavera Sound el pasado mes de mayo, repertorio que ya incluía versiones de Neutral Milk Hotel, Él Mató a un Policía Motorizado, Broken Bells y Arcade Fire.
Ayer en el Teatro Real también sonaron una adaptación al castellano de Antònia Font, ‘Darrera Una Revista’, ‘Video Games’ de Lana del Rey, ‘Bang Bang’ de Nancy Sinatra, ‘Porque te vas’ de Jeanette o curiosamente ‘Felices los 4’ de Maluma. El concierto casi al completo ha aparecido en el canal de Youtube de playthispiano. Podéis comparar el setlist de Barcelona y el setlist de Madrid a través de Setlist.fm.
Amaia Romero ha concedido después una entrevista a Europa Press contando cómo ha sido la experiencia de tocar en el Teatro Real, definiéndolo como “increíble”. La cantante afirma haber perdido la noción de «cuándo ha llegado hasta aquí» y asegura que no «se va a cerrar a nada». «Lo que haga ahora no significa que lo vaya a hacer siempre, no me cierro a un estilo», indica, reconociendo que está «componiendo y experimentando consigo misma». Romero está a punto de revelar cuándo va a sacar su primer tema («antes de…»), pero finalmente no acaba la frase. No será este verano. El vídeo de la entrevista está bajo estas líneas también.
Este sábado 28 de julio ha muerto en Letonia Joseph Maus, hermano de John Maus y miembro de su gira. Joseph se encontraba junto a John en Cēsis acompañándolo de gira cuando se ha producido su fallecimiento sin que se conozca la causa. Así se ha informado a través de un comunicado en Twitter y lo recoge Pitchfork, donde Joseph fue becario en 2009. El resto de la gira ha sido cancelada.
El comunicado de su sello dice: «ofrecemos nuestras más profundas y sinceras condolencias a la familia de Joe, Robert Sue, Kevin, Stephanie y John Maus, y también a los miembros de la banda Luke y Jonathan, a sus amigos, y a todos los que están sufriendo con esta trágica pérdida. Por otro lado, en nombre de la familia Maus pedimos respeto por el deseo de privacidad de John, de su familiay de su banda».
Como se puede ver en su página web, John Maus tenía que visitar varios países como Holanda, Polonia, Alemania, Suiza o Reino Unido durante este mes de agosto. El 1 de noviembre también tenía un concierto en París tras pasar por el BIME de Bilbao unos días antes. Estaba presentando una caja recopilatoria con todos sus discos, que incluía un nuevo álbum que salía este año, ‘Addendum’, grabado durante las sesiones de ‘Screen Memories’ (2017).
Entre las novedades de esta semana en Spotify España está ‘Insomnio’ del cantante mexicano Aleks Syntek, ganador de varios Grammy y muy conocido en Latinoamérica desde los años 90 tanto por la banda Syntek como por su trabajo en solitario durante este siglo.
‘Insomnio’ es una composición redonda de pop ochentero que va a encantar a los seguidores en nuestro país de gente como Miss Caffeina y Varry Brava, pues se basa, como ellos, en el pop más desprejuiciado. Si bien esa base inicial nos puede remitir a los Strokes de ‘Hard to Explain’, el punteo es más bien Two Door Cinema Club, mientras la melodía podríamos emparentarla con el típico hit que se sacaban de la manga sin aparente esfuerzo Radio Futura y Hombres G (hay un par de acordes bastante ‘Venezia’).
La letra, por su parte, es explícita en su dedicación a los celos: “tu amor dispara mi insomnio / por qué no dejo de pensar en ti / a veces casi te odio / estás con él pensando en mí”. No, no es de extrañar que la canción se esté usando en una telenovela, ‘Y mañana será otro día’, expresión que también aparece calzada en la letra. La telenovela comenzó a emitirse en abril y puede verse diariamente en México a partir de las 16.30.
Shakira y Maluma han estrenado al fin el vídeo de ‘Clandestino’, la nueva canción de reggaetón colaborativa que lanzaban hace un par de meses. Ambos aparecen retozando al sol o separados por una valla, lo cual no parece un guiño a la inmigración ni a Trump a juzgar por el resto del vídeo, en el que vemos a Shakira bailando en la playa como la Madonna de ‘Cherish’ o la Beyoncé de ‘Drunk In Love’. El vídeo ha sido dirigido por Jaume De Laiguana y ha sido rodado en España.
‘Clandestino’ ha sido por supuesto un gran éxito comercial, aunque es cierto que no ha repetido el pelotazo que representó ‘Chantaje’. En España está estancada en torno al top 20 de la lista oficial de singles, cuando ambos saben muy bien lo que es ser top 10 e incluso número 1 en nuestro país.
Maluma ha generado polémica esta semana en Instagram por subirse en la cama rodeado de varias mujeres en bañador, como adelanto de su nuevo tema ‘Mala mía’. La imagen ha sido cuestionada, puesto que se ha hablado largo y tendido del machismo que aparece en algunas letras suyas, polémica que trataba de zanjar con su conocida oda al poliamor, ‘Felices los 4’. El cantante ha sido acusado de tratar a las mujeres como objetos, como recoge El Español.
Mariah Carey actúa en el WiZink Center de Madrid el próximo 17 de diciembre, en el que será su primer concierto en España en casi 20 años, y para el que las entradas ya están a la venta. La cantante presentará, en toda Europa, y tras su paso por Reino Unido, la gira navideña ‘All I Want For Christmas Is You, A Night of Joy & Festivity’.
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Parece que ‘Lo malo’ no va a ser el único número 1 de la carrera de Aitana Ocaña, como pronosticaban los más agoreros. La cantante tiene grandes posibilidades de repetir la hazaña de Cepeda de alcanzar el número 1 directo de la lista española de singles oficial, algo que no logró Ana Guerra junto a Juan Magan con ‘Ni la hora’, quedando en un también destacable puesto 2.
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Bebe publica esta semana el primer single de una nueva etapa, más colorida y latina, con el single ‘Corazón’, cuyo vídeo estrenamos hace unos días en JENESAISPOP. La cantante nos habla de las nuevas colaboraciones que irán conduciendo a un nuevo álbum, previsto en principio para finales de 2019. No ha dejado de trabajar con Carlos Jean, pero sobre todo lo está haciendo con artistas latinoamericanos. Bebe nos habla de llorar escuchando a Yung Beef, de su admiración por Rosalía, a la que contactó vía Instagram, de las críticas y los guetos musicales. En un momento se emociona hablando de su padre, pero en general se ve a una Bebe más contenta y emocionada con lo que está haciendo que nunca.
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