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Christina Aguilera publica este jueves nueva música… ¿un single co-producido por Kanye West?

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Christina Aguilera ha confirmado vía Instagram Stories que este jueves publica nueva música. No ha aclarado de qué se trata exactamente, si de un single o un disco, pero sí que llega a las 8 de la mañana hora de Nueva York (14.00 hora española). Un single es la opción más factible y en las redes sociales se rumorea que Christina está a punto de lanzar una canción titulada ‘Accelerate’ junto a 2 Chainz y Ty Dolla $ign. En su “story”, Christina susurra la frase “aumenta la velocidad”.

Pero quizá lo que nadie esperaba es que en esta supuesta canción haya participado nada menos que Kanye West, que se encuentra en medio de una tormenta mediática actualmente tras su afiliación a Donald Trump y a declaraciones de lo más bizarras sobre la esclavitud o la libertad de expresión. Hace dos días, PageSix publicaba en exclusiva que Aguilera sacaría un nuevo single “esta semana” producido por el rapero “y otros”, y que el tema tendrá un sonido “tribal” con “ritmos muy pesados”. La descripción del sonido “tribal” encaja con el último “teaser” publicado por Christina en Instagram, en el que aparece lamiendo leche de un vaso.

Eso sí, según confirman fuentes cercanas a la artista a PageSix, el supuesto ‘Accelerate’ no será el primer single oficial del disco, que será un “gran dueto”. ¿El filtrado ‘Fall in Line’ con la colaboración rumoreada de Demi Lovato?

Según PageSix, el álbum de Aguilera, que se titularía ‘Liberation’, saldrá “a principios del verano”, y que Aguilera lo anunciará próximamente junto a una gira. Os dejamos con algunos de los “teasers” que ha compartido Aguilera en Instagram en los últimos días, y que ha llevado a sus fans a especular la cantante podría haber creado un álbum visual.

Róisín Murphy estrena sus bailables y extraños nuevos singles, ‘All My Dreams’ e ‘Innocence’

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Este jueves 3 de mayo llega oficialmente a las plataformas de streaming ‘All My Dreams’ e ‘Innocence’, el primer par de singles que Roisín Murphy planea lanzar este verano, todos ellos producidos por Maurice Falton y conformando ocho en total. Murphy los presentará en junio en el festival Paraíso de Madrid. Sin embargo, el primero de ellos, ‘All My Dreams’, se ha estrenado este mediodía en la radio británica, por lo que ya puede escucharse mediante podcast, a partir del minuto 1.09.15.

Como se esperaba, ‘All My Dreams’ es muy bailable, pero sigue sin ser el single bailable tipo ‘Overpowered’ que algunos fans de Murphy siguen esperando 11 años después de aquel álbum, pese a que, tras los resultados súper experimentales de ‘Hairless Toys‘ y ‘Take Her Up to Monto‘, se ha consolidado como la mayor rareza de su discografía y la de Moloko.

‘All My Dreams’ es, has adivinado, tan bailable como experimental, un poco ‘Evil Eyes’, y sujeta en un muscular bajo ultra funky, la canción da rienda suelta a unos ritmos electrónicos bastante caóticos que van cobrando sentido con las escuchas; unos ritmos envueltos en una atmósfera intrigante a través de los que Murphy susurra o canta cosas como “eres ridículamente sexy”.

El 12″ de ‘All My Dreams/Innocence’ ya está disponible en pre-venta en la web de Phonica Records a un precio de 20 libras. Puedes comentar ‘All My Dreams’ en nuestros foros.

Actualización: ‘All My Dreams’ e ‘Innocence’ ya están disponibles.

David Byrne reivindica el pop con una playlist que incluye a Bieber, Camila, Post Malone, Britney… y ‘Bad Liar’

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David Byrne, que acaba de lanzar un interesante disco titulado ‘American Utopia‘, publica una playlist mensual en su página web, y la lista de mayo la dedica a la música pop. Su intención es resaltar que detrás de la mercadotecnia que mueve la creación de esta música existe una labor artística que merece ser reconocida.

En el texto que acompaña a su playlist, Byrne escribe: “en mi mundo, algunas personas ven con desprecio la música pop. A mi parecer, la consideran falsa, complaciente, manufacturada y carente de toda intención más allá de ser un hit. Todo esto es verdad en gran parte, pero también hay excepciones, muchas grandes canciones que hablan de su tiempo y también se convierten en éxitos”. El ex Talking Heads habla sobre las “complicadas colaboraciones” que se llevan a cabo actualmente para la composición de estas canciones, y sobre la verdadera implicación de los intérpretes en su creación, que especula ha de conllevar un acuerdo entre artista y discográfica.

Sobre su selección, Byrne añade: “la mayoría de estas canciones son, para mí, totalmente irresistibles. No todas son actuales, las he ido acumulando a lo largo del tiempo, pero percibo que todas tienen algo en común. Aunque los sonidos y estilos varían, uno ha de admirar la habilidad y el arte que se necesitan para la creación de estos ganchos, el goteo constante de pequeñas sorpresas [que presentan las canciones] y una producción que mantiene tu atención”.

La pregunta del millón: ¿está en la playlist ‘Bad Liar’, la canción de Selena Gomez que sampleaba Talking Heads? La respuesta es sí, y también está ‘Hands to Myself’ (Byrne ya afirmó en su momento gustarle la canción, y de hecho llegó a aprobarla a los compositores antes de su lanzamiento). Por otro lado, aparecen varios temas de Justin Bieber, Carly Rae Jepsen, Post Malone, Camila Cabello, Britney Spears, Sam Smith, SOPHIE, Grimes, Róisín Murphy, Pixies (?), MGMT y The Weeknd, entre otros.

I Fall Apart by Post Malone
Where Are Ü Now (with Justin Bieber) by Skrillex and Diplo
Flesh Without Blood by Grimes
Venus Fly by Grimes feat. Janelle Monáe
Stay With Me feat. Mary J. Blige by Sam Smith
If We’re In Love by Róisín Murphy
Just Like We Never Said Goodbye by Sophie
Born Again Teen by Lucius
Hands To Myself by Selena Gomez
Sorry by Justin Beiber
Hotline Bling by Drake
Chandelier by Sia
Kamikaze by MØ
The Mother We Share by Chvrches
Take Me to Church by Hozier
How I Roll by Britney Spears
Here Comes Your Man by Pixies
Party Monster by The Weeknd
Girls Like (feat. Zara Larsson) by Tinie Tempah
Call Me Maybe by Carly Rae Jepsen
Classic Man by Jidenna feat. Roman GianArthur
Bad At Love by Halsey
Havana by Camila Cabello feat. Young Thug
Redbone by Childish Gambino
TShirt by Migos
Bad Liar by Selena Gomez
Can’t Feel My Face by The Weeknd
Blessings by Chance The Rapper
FourFiveSeconds by Rihanna & Kanye West & Paul McCartney
Lemonade by Sophie
Electric Feel by MGMT

Sleeper vuelven 22 años después con un disco que saldrá en 2019

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Vuelven Sleeper. La formación británica liderada por Louise Wener ha anunciado que su nuevo disco, el primero en 22 años, saldrá en 2019 a través de un crowdfunding en PledgeMusic. Han escrito: “Han pasado muchas cosas. Muchas cosas sobre las que escribir. No podríamos estar más emocionados con el material nuevo. Estamos encantados de haber colaborado con PledgeMusic y no podemos esperar a compartir nuestro nuevo álbum con vosotros y a dejaros ser parte de su creación. Enormes gracias a todas las personas que nos han apoyado este año. No podríamos hacerlo sin vosotros”.

Sleeper fueron una de las bandas de britpop más importantes de los 90 gracias a éxitos como ‘Inbetweeners’ o ‘Sale of the Century’. Si bien nunca alcanzaron la popularidad de Oasis o Blur, los tres discos de estudios publicados por la banda, ‘Smart’ (1995), ‘The It Girl’ (1996) y ‘Pleased to Meet You’ (1997), alcanzaron el top 10 de la lista de ventas británica (los dos primeros fueron top 5) y 8 de sus singles lograron irrumpir en el top 40 oficial, entre ellos, por supuesto, el tema que cedieron a la banda sonora de ‘Trainspotting’, ‘Statuesque’. Su versión de ‘Atomic’ de Blonde también formó parte de la BSO y es de hecho la canción de Sleeper más escuchada en streaming.

Te invitamos a comentar el regreso de Sleeper en nuestros foros.

Beach House buscan adentrarse en entornos fríos “como tumbas” en la sorprendente ‘Black Car’

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El 11 de mayo se publica ‘7’, el nuevo disco de Beach House, del que ya se conocen los singles ‘Lemon Glow’, ‘Dive’ y ‘Dark Spring’. Si eres asiduo de foros de música o directamente fan de Beach House, posiblemente sepas que el disco se filtró hace unos días. En nuestros foros puedes leer a varios usuarios comentando el álbum, y las reacciones son mayoritariamente positivas.

Entre los temas favoritos del disco parece que se encuentra ‘Black Car’, que el grupo acaba de estrenar mediante un vídeo animado dirigido por San Charoenchai, y que destaca por la presencia de unos dulces sintetizadores, a los que pronto se añaden los órganos y atmósferas tenebrosas propias del grupo. Esta vez, Victoria Legrand y Alex Scally cantan sobre entornos fríos “como tumbas” a los que quieren adentrarse, rocas que caen “al vacío” y paseos por la noche en una canción que dicen, es una especie de “tira y afloja” entre ambos intérpretes: “una gran parte de la canción no representa una única persona. Fusión es una buena palabra para ello. Está por todo el disco”. Eso sí, no hay mención alguna a un “coche negro” en la séptima pista de ‘7’, lo cual no hace sino añadir más misterio a esa evocadora canción.

Miriam y Roi de OT2017, Brisa Fenoy y Conchita, en el jurado español de Eurovisión 2018

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RTVE ha revelado los profesionales de la música que asumirán el papel de jurado para la candidatura española en la próxima edición de Eurovisión, que se celebra el 12 de mayo en Lisboa. Estos son Miriam Rodríguez y Roi de Operación Triunfo 2017, Brisa Fenoy (autora de ‘Lo malo’ de Aitana War), Conchita y el locutor Rafa Cano. De reserva queda el compositor y productor Pablo Pinilla. El jurado votará en la semifinal del día 8 y en la final del día 12.

La decisión de RTVE de contar en el jurado de Eurovisión para España con dos concursantes de Operación Triunfo prácticamente recién salidos de la Academia no ha gustado a todo el mundo. Hay quien resalta que Miriam y Roi no son exactamente “profesionales” de la música y mucho menos expertos en Eurovisión, aunque también quien arguye que su joven edad puede aportar una visión fresca a las decisiones tomadas por el tribunal, al margen de los profesionales veteranos “de siempre”.

Todo sobre Eurovisión, en nuestros foros.

La canción del día: ‘Talking Straight’, el espaldarazo definitivo para el pop de guitarras de Rolling Blackouts Coastal Fever

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Resulta tranquilizador que sigan emergiendo jóvenes bandas de guitarras –como Anteros, Snail Mail o Wallows, por citar algunas de las últimas que hemos destacado en nuestro site– que logren arrojar excitación al pop rock. Incluso a pesar de que sus patrones musicales no disten mucho de los mismos que triunfan desde los años 70. Es el caso del quinteto australiano Rolling Blackouts Coastal Fever (a menudo se les cita como Rolling Blackouts, por razones evidentes), cuyas canciones se nutren de influencias tan variopintas como Velvet Underground, The Soft Boys, The Fall (en su vena más pop), The Feelies o el jangle pop de Aztec Camera, lo cual les hermana con bandas como Real Estate o los grupos de Captured Tracks.

Formados en Melbourne en 2013, hasta la fecha han publicado apenas dos EPs: ‘Talk Tight’ (2016), en el sello indie Ivy League, y, ya en el poderoso Sub Pop, ‘The French Press’ (2017), que logró grandes críticas y ha visto como su tema titular se convertía en un pequeño hit (la vibrante ‘Julie’s Place’ le va a la zaga). Pero su gran salto llegará dentro de muy poco con ‘Hope Downs’, el álbum debut que en breve, el 15 de junio, publicará el ya mítico sello norteamericano.

Y podría hacerlo si nos fiamos de los dos adelantos del disco presentados hasta el momento, la indie-rockera ‘Mainland’ –que confirma que sus juegos de guitarras son una de sus grandes bazas– y, sobre todo, la que hoy etiquetamos como nuestra Canción del día, ‘Talking Straight’. Y es que esta última tiene ese encanto especial que nos hizo comenzar a adorar en su día a grupos como The Drums, si bien su estilo vocal tiene como referentes más próximo a Lou Reed que a Morrissey, y su letra no parece, desde luego, un tontorrón himno playero que invita a surfear. Al contrario, su letra parece algo sombría, invitando a pensar que habla sobre la depresión. Cualquiera lo pensaría a priori, con esa melodía tan pegadiza y luminosa.

Kimbra / Primal Heart

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Superado el éxito de aquel ‘Somebody That I Used To Know’ que le puso en el mapa junto a Gotye en 2011, nadie puede discutir que Kimbra en solitario es de por sí una artista de lo más interesante que, de momento, no ha pinchado en ningún de sus álbumes. Bien es cierto que su anterior ‘The Golden Echo’ (encabezado por aquella locura titulada ‘90s Music’) podía pecar de ecléctico y sin una dirección del todo definida pese a las interesantes canciones que contenía. No obstante, a la tercera va la vencida y en ‘Primal Heart’ nos trae su trabajo sonoramente más coherente hasta la fecha, pese a la variedad de estilos que se manifiestan a lo largo de sus doce temas.

Producido casi en su totalidad por John Congleton, ‘Primal Heart’ es un álbum que deambula tanto por el pop como por el R&B o el hip hop y que afianza la versatilidad de una artista que se mueve grácilmente entre los márgenes de lo mainstream y lo alternativo. Según ella misma ha contado, con tal de encontrarse a sí misma artísticamente hablando, decidió mudarse de Los Ángeles a Nueva York, donde acabó construyendo un pequeño estudio casero. Y la mudanza la verdad es que le ha sentado más que bien, ya que en el álbum hay algunos de los mejores temas que hasta ahora nos ha traído.

Top of the World’, co-producida por su amigo Skrillex, es todo un grower que se crece a lo grande con las escuchas. Influenciada por el hip hop y aderezada asimismo de guirnaldas africanistas, es uno de los números más oscuros sonoramente junto a la inicial ‘The Good War’ o la primera mitad de una ‘Like They Do on the TV’ que bien podría colar como el comeback de Robyn. En la primera parte del álbum también encontramos la resultona ‘Everybody Knows’, un tema que parece de los primeros Niki & The Dove y que ella misma en su Tumblr ha afirmado que nació tras el movimiento #MeToo, la muy Jessie J ‘Recovery’ o la R&B ‘Human’, donde nos deja una de sus mejores interpretaciones vocales.

En la segunda mitad hay números algo menos memorables como esa ‘Real Life’ en la que se cree Bon Iver con el auto-tune, pero quitando ese momento concreto cabe destacar la electropop ‘Lightyears’, que pide a gritos un dueto con Carly Rae Jepsen, los bonitos medios tiempos ‘Black Sky’ y ‘Right Direction’ –con esos arreglos de cuerda que explotan en su final– y, sobre todo, esa ‘Past Love’ con la que Kimbra se adentra con nota por vez primera en el pop de herencia sesentas y el legado de la Motown. Variado, entretenido de principio a fin y sin ningún momento que reduzca drásticamente su calidad, ‘Primal Heart’ bien podría ser el disco que la consolide en la industria. Para muchos ella sigue siendo una total desconocida, pero si el mundo fuese realmente justo su suerte debería cambiar gracias a una colección de canciones tan apañada como esta.

Calificación: 7,4/10

Lo mejor: ’Top of the World’, ‘Everybody Knows’, ‘Like They Do on the TV’, ‘Past Love’

Te gustará si te gusta: los discos variados y las artistas que no quieren atarse a un estilo concreto
Escúchalo: Spotify

Ariana Grande detalla su nuevo álbum mientras reinterpreta a Kendrick Lamar al estilo Evanescence

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La pasada noche Ariana Grande apareció en el conocido late-night de Jimmy Fallon. La noticia es que en él, además de participar en un sketch con el presentador, reveló varios detalles sobre su esperado nuevo álbum, de inminente publicación. Grande, que dijo estar deseando contarlo todo ya, adelantó que se publicará este próximo verano y que su título será ‘Sweetener’, un título más amargo (¡ejem!) de lo que parece, puesto que habla sobre alguien que “te mientan, o mentir a alguien, para endulzar tus problemas”.

Además de confirmar que ha trabajado en él con Pharrell, Savan Kotecha y Max Martin, avanzó algunos títulos de sus canciones como la que lo abrirá, ‘Raindrop’ (una intro que está basada en una canción de los 60 llamada ‘Angel Cried’), ‘The Light Is Coming’ o ‘God As a Woman’. También citó ‘R.E.M.’, una canción que se rumoreaba podría ser su próximo single, después de que –como reconoce en la entrevista– “fuera una bocazas en Twitter” y desvelara el título y parte de su letra. También avanzó que estará actuando el 20 de mayo en los premios Billboard y, por supuesto, interpretó durante el programa su flamante nuevo single, ‘No Tears Left To Cry’, que está siendo un considerable éxito.

No fue lo único que cantó durante el show: en un juego ya habitual en el programa de Fallon, ambos tenían que cantar éxitos conocidos pero en un estilo totalmente alejado del original que interpreta el grupo The Roots. Mientras Jimmy cantaba ‘Shape of You’ en versión ska, Ariana tenía que hacer ‘HUMBLE.’ de Kendrick Lamar en estilo “goth rock”. Con su ya conocido talento para imitar voces, clavó la imitación de Amy Lee de Evanescence para cantar los primeros compases del single del reciente premio Pulitzer ‘DAMN.’. Más tarde, hizo lo mismo al interpretar ‘God’s Plan’ de Drake al estilo diva de los 90.

Madonna busca «Mambo» y «Magia» vestida de novia en un rodaje con Steven Klein

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Madonna ha anunciado nueva música para 2018, pero todavía se desconocen los detalles al respecto, más allá de que el productor Billboard (‘Ghosttown’), la artista novel Starrah y posiblemente el productor de ‘Music’ Mirwais están implicados.

No obstante, un single podría ser más inminente de lo que parece… o no. Como adivinamos a finales de 2017, la cantante ha continuado utilizando Instagram para dar pistas de lo que está haciendo en cada momento, pero sin revelar nada concreto. Durante los últimos días ha usado esta red social para felicitar el cumpleaños a su fotógrafo habitual Steven Klein, mostrando una foto en la que ella aparece vestida de novia. En las últimas horas ha añadido dos fotos más en las que parece claro que están rodando un videoclip o como mínimo realizando una portada, una sesión fotográfica o un spot publicitario. Además, hace unos días Madonna comentaba una foto de Diplo en la que este pedía recuperar su «energía de dragón». «M» -como la llaman sus amigos- le indicaba que «tendría que esperar hasta el 8 de mayo».

Se desconoce si Madonna se referirá a algún asunto espiritual o religioso, pero el 8 de mayo, martes, no es día de lanzamientos musicales. Eso sí, es el día que empieza Eurovisión y hay quien fantasea con la idea de que Madonna, que vive en Lisboa, se pase por el festival para presentar tema, como hiciera Justin Timberlake con ‘CAN’T STOP THE FEELING!’. Madonna ha usado de manera recurrente en los últimos tiempos los hashtags «Mambo» y «Magic», haciendo pensar que son títulos de sus canciones, como anticipara en la era ‘Rebel Heart’.

Claro que también hay quien recuerda que en mayo de 2014 hay quien daba por hecho que Madonna iba a sacar un single llamado ‘Unapologetic Bitch’ con Katy Perry, aquello quedó en una sesión de fotos para una revista y no hubo nueva música de Madonna hasta 6 meses después. Lo único claro en este momento por tanto es que la cantante, a sus 60 años, seguirá posando en paños menores en su conocida lucha contra el «ageism», pues a juzgar por la última foto, su traje de novia será bastante particular.

Trying to find my dragon energy

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Post Malone arrasa con ‘beerbongs & bentleys’ y bate récord de streaming

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Como era de esperar, los streamings de ‘beerbongs & bentleys’, el segundo disco de Post Malone, son mastodónticos. De hecho, los 400 millones de streamings previstos para la primera semana superarán el récord de los 385 conseguidos por ‘More Life’ de Drake el año pasado. Está claro que el largo tracklist de ambos discos ha sido decisivo en esta batalla aunque hay que decir que el disco de Post Malone tiene 4 pistas menos.

Este álbum de Post Malone va a vender unas 160.000 copias durante la primera semana solo en Estados Unidos, pero los puntos de streaming alzarán ‘beerbongs & bentleys’ hasta lo equivalente a 450.000 unidades, según Hits Daily Double. Ni que decir tiene que estas cifras bastarán al artista para ser top 1 en este país.

Sin embargo, lo tendrá más complicado en Reino Unido. ‘beerbongs & bentleys’ es número 1 en las midweeks británicas de este martes, con lo equivalente a 23.000 unidades, 5.000 más que la banda sonora de ‘The Greatest Showman’. El disco de Post Malone ha logrado ampliar su ventaja respecto al top 2 en las últimas 24 horas, pero no es una diferencia lo suficientemente abultada como para garantizarse la primera plaza oficial el viernes, pues ‘The Greatest Showman’ es el gran bestseller del año en las islas y suele ver aumentados sus puntos a medida que avanza la semana.

En el global de Spotify, se observa que 12 de las 18 pistas del disco de Post Malone están en el top 20 de lo más oído en el mundo, con cifras multimillonarias. Las canciones que más han calado son, aparte de los singles ‘Psycho’ y ‘rockstar’, ‘Better Now’ y ‘Paranoid’.

Favoritos para ganar Eurovisión 2018

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Una nueva edición del Festival de Eurovisión está a la vuelta de la esquina. Los próximos días 8, 10 y 12 de mayo tendrán lugar en el Altice Arena de Lisboa las semifinales y la final respectivamente del festival musical televisivo más importante del continente europeo para alegría de eurofans y no tan eurofans que lo siguen igual de religiosamente. Tópicos aparte, el Festival de Eurovisión 2018 se presenta interesante ya que, tras toda una temporada de preselecciones (y unos días de ensayos), tenemos favoritas, decepciones, posibles sorpresas, cantantes convalecientes y a Amaia y Alfred, representantes españoles que juegan cerquita de casa, con una polémica absurda sobre el título de un libro. En esta primera parte de nuestro especial sobre Eurovisión 2018 nos centraremos en los países que pueden llevarse el triunfo a casa. Y sí, entre ellos también se encuentra España.

Israel

La principal favorita de la edición desde que fuera presentada, líder en las casas de apuestas y, seamos sinceros, una de las canciones más pegadizas que se recuerdan por el festival en los últimos años. Netta presenta ‘Toy’, un tema muy pop con algún toque oriental y una letra feminista que más de uno cantará este verano en las discotecas: “Wonder Woman, no lo olvides / Eres divina y él está a punto de arrepentirse (…) No soy tu juguete / Chico estúpido”. Pero como todos sabemos, ser favorito en el festival puede jugar en tu contra (como ya le pasó a Italia el pasado año) y los primeros ensayos de la delegación israelí han dejado un ambiente bastante tibio entre los expertos. ¿Será top o habrá flop?

Francia

El guante de Israel lo está cogiendo Francia, quien sube en las casas de apuestas como un pepino. Lo cierto es que la canción lo tiene todo: excelente calidad musical, suena actual, mensaje comprometido, apoyo fuera de sus fronteras… Madame Monsieur, el dúo tras ‘Mercy’, podría coronarse como ganador de Eurovisión 2018, algo que Francia lleva más de cuarenta años sin conseguir. Para ello deben convencer tanto a jurado (algo que parece fácil) como al público, algo más difícil teniendo en cuenta que no toda Europa se muestra a favor o incluso tiene constancia sobre el tema de los refugiados del que habla la canción. De hecho, hay quien señala el tema como aburrido, tal y como pasó en su día con el portugués Salvador Sobral antes de alzarse con el triunfo el pasado año. En cualquier caso, Francia vuelve a demostrar un año más que cambiar de delegación en su televisión le ha venido muy bien.

República Checa

El checo Mikolas Josef lleva un auténtico temazo al escenario de Lisboa con un estribillo que ya quisieran algunos artistas con millones de reproducciones en Spotify. ‘Lie to Me’ desprende rollazo, ganas de bailar, de pedirse otra copa en la barra y sobre todo mucha vitalidad, algo que el propio Josef logrará transmitir con sus piruetas (y una mochila a hombros, no sabemos por qué) en el escenario de Lisboa y que ya le han costado lesiones de cierta gravedad en los primeros ensayos. A pesar de ello, es bastante probable que este joven de 22 años (si estás leyendo esto y tienes más de 25 años es muy probable que le estés odiando en estos momentos) consiga el mejor puesto de su país hasta el momento, si es que se recupera a tiempo.

Australia

Al parecer Australia es ese país que lleve lo que lleve es favorito porque bueno, es Australia, está ahí abajo, les dejamos participar, qué gracia, etc. En algunas ocasiones hay un motivo de peso detrás como es la calidad de la canción. Este año no es el caso. ‘We Got Love’ de Jessica Mauboy es una canción simple que no destaca por absolutamente nada y que lo más lejos que puede llegar es a aparecer en una cortinilla de Divinity. A pesar de todo se encuentra en tercer lugar en las casas de apuestas en el momento de redacción de este artículo. Europa, ¿te encuentras bien?

Bulgaria

Bulgaria es, junto a Francia y Bélgica, uno de los países que ha mejorado notablemente su papel en Eurovisión. Tras el cuarto puesto de Poli Genova en Estocolmo 2016 y el segundo de Kristian Kostov en Kiev 2017, el grupo Equinox busca repetir la racha de buenos resultados. ‘Bones’ es una propuesta muy interesante con un toque pop/rock que se encuentra entre las favoritas pero que puede resultar algo inaccesible para el público mayoritario de Eurovisión. Quizás este no sea su año, pero Bulgaria no parará hasta conseguir ganar el certamen.

Estonia

La soprano Elina Nechayeva representa al país báltico con ‘La Forza’, un tema en italiano que tiene muchas posibilidades de llevarse el micrófono de cristal a casa si consigue convencer a público y a jurado por igual, algo que no parece difícil (Italia ha sido top 10 cinco de siete veces desde su regreso). La delegación estonia confía en su propuesta y la puesta en escena no va a variar apenas un milímetro de la que realizó en su preselección nacional, con proyecciones sobre un largo vestido, una idea que ya ha aparecido por Eurovisión más de una vez.

Suecia

Si te gusta el hilo musical del H&M, te flipará la propuesta de Suecia. Es broma. O no, porque la canción de Benjamin Ingrosso es lo más 2018 que se podrá escuchar en el escenario de Lisboa, algo que a veces se agradece. ‘Dance You Off’ no requiere de una gran voz, no tiene subidones y no necesita fuegos artificiales; de hecho es una canción muy lineal que precisamente destaca por eso y que podría fascinar a gran parte del público. Pero Eurovisión no sería Eurovisión sin polémicas e Ingrosso ha protagonizado la última de esta edición al valorar los temas de algunos compañeros con bastante poco atino, llegando a decir que la canción de Macedonia sonaba “a pedo”, por ejemplo. El vídeo en el que opinaba sobre las canciones, por supuesto, ha sido borrado.

Noruega

Alexander Rybak, que ya ganó el concurso en 2009 con una orgía de violines llamada ‘Fairytale’, vuelve al Festival de Eurovisión con ‘This Is How You Write a Song’. La canción cumple lo que promete, pues son 3 minutos puramente didácticos en los que el noruego te explica cómo tienes que escribir un tema mediante lecciones y pasos. Para ello se sirve de una melodía muy pegadiza y del mismo carisma arrollador que le permitieron triunfar hace casi una década. Sería una auténtica sorpresa no ver a Rybak en la final.

España

¿Quién nos iba a decir en plena fiebre de ‘Lo Malo’ que la balada de Amaia & Alfred iba a estar entre las favoritas de Eurovisión? A estas alturas poco se puede decir de una pareja a la que hemos visto casi las 24 horas del día durante 3 meses, pero si tenemos que destacar algo es que transmiten la pasión necesaria para ‘Tu canción’ como la primera vez. Sí, el tema puede emocionar, ¿pero nos emociona porque es bonita o porque vemos a Amaia & Alfred cantarlo? ¿Sentirá lo mismo que nosotros una abuelita bielorrusa que no tiene ni idea de quiénes son los chicos que están apareciendo en televisión? Después del annus horribilis que España sufrió en 2017, cualquier cosa nos vale.

Chipre

Aquí llega Eleni Foureira, a quienes algunos ya han apodado la Beyoncé del Mediterráneo y con razón. Coreografía al milímetro, presencia escénica arrolladora, actúa última en su semifinal (o sea, llegará a la final sí o sí) y ‘Fuego’, el tema que defenderá, es serio candidato a sonar y mucho este verano. Curiosamente, Chipre ha pasado totalmente desapercibida durante los últimos meses y no ha sido hasta la primera semana de ensayos cuando la gente ha empezado a verla como seria candidata a llegar a ganar el certamen. Ojo, que ‘Fuego’ puede dar la sorpresa.

Italia

Francia no es el único país que lleva a Eurovisión un mensaje de concienciación política. El tema que defienden Ermal Meta y Fabrizio Moro, ‘Non mi avete fatto niente’ fue escrito tras el atentado de Manchester y habla sobre las guerras o el terrorismo. Italia tratará de conseguir otro buen puesto tras los cosechados en los últimos años con Il Volo (2015) o Francesco Gabbani (2017), aunque con tantos rivales su éxito pinta bastante difícil.

Dinamarca

‘Higher Ground’ es el tema que Rasmussen interpreta por Dinamarca, una canción que podría servir como banda sonora de la próxima temporada de ‘Game of Thrones’ perfectamente. Tiene estética vikinga, ambiente frío y un estribillo épico hacia el final, por lo que solamente le hace falta meter un dragón para llamar más la atención. Le auguramos un bonito número 1 en el iTunes de Invernalia.

Finlandia

Saara Aalto defenderá ‘Monsters’ por Finlandia, un tema puramente pop enfocado al colectivo LGTB pero con un futuro bastante impredecible. La canción suena típica, incluso casposa para algunos y por eso mismo nos flipa. Ahora bien, según se ha podido ver en sus ensayos, la delegación finesa ha llenado el escenario de un montón de elementos y su puesta en escena promete ser un poco cuadro barroco, por lo que el público puede quedar más distraído de lo normal. A ver qué pasa.

Grecia

Gianna Terzi y su canción ‘Oniro Mou’ eran literalmente la única opción que podía representar a Grecia en Eurovisión. La televisión griega escogió a cinco candidatos para el festival pero descubrió que cuatro de ellos no cumplían las normas, por lo que el elegido fue el tema que podremos escuchar en el escenario del Altice Arena en Lisboa. El país heleno vuelve a cantar en su idioma por primera vez desde 2010 gracias a este tema de toque folk, y podría volver al top 10 sin problema, algo que no consigue desde hace cinco años.

Bélgica

El ascenso de calidad de Bélgica en Eurovisión es imparable. Tras traernos a Loïc Nottet, Laura Tesoro o Blanche, el país belga nos presenta a Laura Groeseneken, más conocida como Sennek. Esta joven flamenca, que ya ha colaborado con Hooverphonic, compagina su trabajo en IKEA con la creación de su álbum debut y defenderá en esta edición ‘A Matter of Time’, un medio tiempo soul de muy buena calidad que puede enamorar a los jurados europeos.

«En 1990, lo que sonaba en una discoteca de pueblo de España no era muy diferente a lo que sonaba en un club cool de una capital europea»

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‘San Junipero’ es el nombre de uno de los capítulos más emocionantes de ‘Black Mirror‘ y su salto en el tiempo ha sido adaptado por los componentes del colectivo El Cuerpo del Disco para hacer fiestas temáticas inspiradas en la música de un solo año. Si en su sesión de 1999 en la Sala El Sol sonó sólo música de aquel año (de Bis a Chico y Chica pasando por Baxendale, Britney, Blur y al final incluso Magnetic Fields), en la de 1990 que se celebra esta noche, 1 de mayo, en la citada sala madrileña, solo pincharán canciones de 1990.

Pasamos a Vicente Bustillo «Vigente» y Eloi Vázquez, los dos componentes del colectivo El Cuerpo del Disco, (junto a Yayo V) que organizan esta nueva fiesta San Junipero, un «Tipo Test» especial inspirado únicamente en 1990. Al final de la entrevista podéis encontrar la playlist oficial de esta fiesta, a la que os podéis apuntar en Facebook. Ambos contestan de manera colaborativa vía mail, excepto cuando se indica. Foto: Razzmatazz.

¿Por qué habéis escogido 1990 como año para la nueva fiesta después de la de 1999? ¿Ha sido por el principio y fin de década o por las canciones concretas de ese año?
No hay un orden lógico en los años que escogemos. Simplemente vamos escogiendo nuestros años favoritos de la música con la condición de que consideremos que puede tener tirón entre nuestro público y sea un gran año para la música de baile (al fin y al cabo es una sesión en una discoteca). A 1990 le teníamos especiales ganas porque excepto Yayo, que es más joven, lo vivimos intensamente de niños. Pero sobre todo porque es una época en la que la música de baile se hizo realmente mainstream y hay infinidad de hits sublimes. Nos gusta mucho que, entonces, lo que sonaba en una discoteca de pueblo de España no era muy diferente a lo que podía sonar en un club cool de una capital europea. Es una gran época para el house, el culmen del hip-house y todavía para el acid. Fue el año en el que el gran público se acostumbró a escuchar rap (aún se llamaba así). También un gran año para el techno europeo, en Bélgica y también en Valencia, y el gran año de The KLF. El año de Technotronic, Black Box y Snap!, New Kids on the Block y los últimos coletazos de la etapa dorada de Stock, Aitken & Waterman. También para el indie pop es una gran época, con The Field Mice y Another Sunny Day y Sarah Records en general en buena forma. Es el año de ‘Violator’, ‘Behaviour’ y ‘Rhythm Nation’, que es de 1989 pero tuvo varios singles en 1990. Y es el año de ‘Bandido’, somos fans de Raúl Orellana; ‘Salto mortal’ de Fangoria, el debut de Los Sencillos y ‘Pulseras’ de Lions in Love.

¿Tenéis canción favorita personal de 1990? Podéis nombrar varias…
Eloi: «‘Only Love Can Break Your Heart’ de Saint Etienne. ‘Being Boring’ de Pet Shop Boys. ‘Tom’s Diner’ de DNA feat. Suzanne Vega».
Vicente: «‘Groove is In the Heart’, de Deee Lite.

¿Cuál creéis que ha sido, dejando al margen gustos personales, la más influyente?
‘Enjoy the Silence’ de Depeche Mode, o ‘Loaded’ de Primal Scream.

¿Qué canción-capricho de este año pincharíais para empezar, en un local vacío, cuando aún no ha llegado la gente?
Eloi: «‘Time After Time’, de The Beloved».
Vicente: «‘Rendido a tus pies’, de Carlos Berlanga».

¿Qué canción de este año odiáis con toda vuestra alma?
Eloi: «Es difícil porque nos gusta hasta ‘Mi abuela’ de Wilfred y La Ganga y las de Phil Collins. Alguna basura del revival de los 50 que había entonces, tipo Jive Bunny. Alguna del disco de Los Simpson tampoco era muy buena. Seguridad Social sacaron un disco, seguro que alguna de ahí. Ah no, ‘Cuando brille el sol’ de La Guardia, sin duda».
Vicente: «Justo iba a decir ‘Chiquilla’ (que es la canción más detestable de la historia) pero he visto que es de 1991. Seguro que ya la tocaban por pueblos en aquella época dorada de las fiestas patronales para los grupos de rock españoles. Suerte que llegó Operación Triunfo y la Panorama para poner orden y salvarnos de aquello».

¿Alguna actuación vocal de 1990 que adores particularmente?
Eloi: «Los coros gregorianos de ‘Sadness Pt. I’ de Enigma, aunque mucha producción de Cretu había ahí…»
Vicente: «¡Bueno! Lonnie Gordon gritando como si lo fuesen a prohibir en ‘Happenin’ All Over Again'».

«Intentaremos meter el ‘Twin Peaks Theme’ o a Julee Cruise por alguna parte»

¿Alguna canción de 1990 que os encante pero por el contexto de las fiestas El Cuerpo del Disco no se pueda pinchar por ser muy lenta o porque no pega?
En las fiestas El cuerpo del Disco nos ponemos más exquisitos y hacemos sesiones más homogéneas disco y house más bien underground, pero en las roller y las ediciones de San Junipero cabe absolutamente todo. De eso se trata, de reunir en una misma noche toda la música favorita de un año en particular, que probablemente jamás haya sonado toda junta en una discoteca. Intentaremos meter el ‘Twin Peaks Theme’ o a Julee Cruise por alguna parte.

¿Algún momento musical exacto y concreto que estéis deseando pinchar?
Eloi: «‘In Private’ de Dusty Springfield».
Vicente: «‘Justify My Love’ de Madonna».

«El disco de Lisa Stansfield me parecía un coñazo. Ahora me gusta bastante y estoy deseando pinchar ‘This Is the Right Time'»

¿Alguna canción de 1990 que aborrecierais o simplemente no apreciarais en su momento y ahora os encante?
Eloi: «En 1990 no conocía ‘Little Fluffy Clouds’ de The Orb, pero no creo que estuviésemos preparados para ello. Ahora me FLIPA».
Vicente: «Yo no entendí en su momento el disco de Lisa Stansfield. Me parecía un coñazo. Ahora me gusta bastante y estoy deseando pinchar ‘This Is the Right Time’, que por cierto está de rabiosa actualidad por la serie de ‘American Crime: Versace’. De hecho, queremos que la noche sea un poco como las escenas de discoteca de la serie».

¿Cuál es vuestro disco favorito de aquel año y cuál creéis que ha sido el más influyente a largo plazo?
Eloi: «‘Violator’ de Depeche Mode. El ‘Screamadelica’ es de 1991, por poco».
Vicente: «Influyente, seguro que no, pero a mí me encanta ‘Rhythm of Love’, de Kylie. Todavía creo que es uno de sus tres mejores discos».

De nuevo: ¿algún disco completo de aquel año que os encante pero no tenga ningún single que se pueda pinchar?
‘De placer!’ de Los Sencillos, aún no habían entrado a «Encasadenadie».

¿Alguna obra maestra como single pero que estuviera incluida en un disco realmente desastroso de aquel año?
Nunca hemos escuchado el álbum de Vanilla Ice, sinceramente. ¿Es bueno?. Si no, ‘Ice, Ice, Baby’.

De hecho, ¿cuál sería el one-hit-wonder imprescindible de aquel año?
‘Ritmo de la noche’, de Mystic. Lo de «one hit wonder» siempre es relativo, y sobre todo para Nick Kamen que tiene ‘Not the Only One’, pero ‘I Promised Myself’ creo que se puede considerar one-hit-wonder. E imprescindible, desde luego.

Remix favorito de 1990.
Pet Shop Boys – So hard (Extended Dance Remix)

El médico que operó a la madre de Kanye pide no salir en la portada de su disco, y West responde

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Además de lanzar dos canciones breves que sí, han llegado a Spotify aunque de manera tardía, Kanye West ha jugado en los últimos días con la idea de utilizar una foto del doctor que operó a su madre como portada de su próximo disco. Como todos sus seguidores recuerdan, pues ha inspirado parte de su carrera, especialmente el álbum ‘808’s and Heartbreak’, la madre de Kanye, Donda West, falleció en 2007 como consecuencia de problemas surgidos tras someterse a una operación de cirugía estética.

Tras indicarle a su colega Wes -quizá Wes Lang o Sheck Wes, como apunta NME– a través de Twitter que estaba pensando en usar una foto del citado médico, Jan Adams, como portada, este ha escrito una carta a The Blast pidiendo que no lo haga y refiriéndose a una llamada “al amor” que hacía en el mismo mensaje Kanye. Adams utiliza palabras amables, pero su carta también contiene la expresión «cease and desist», un aviso legal para advertirle que puede tomar acciones judiciales, pues a todas luces West no tiene los derechos para utilizar su imagen.

Jan Adams le da las gracias por querer usar su imagen en una portada de disco, puesto que es algo que nunca le ha pasado, pero indica: «te pido que dejes de usar mi foto o imagen mía alguna para promocionar tu álbum o cualquiera de tus trabajos. No quiero sonar desagradecido, simplemente pienso de hecho que si esta conversión al amor es honesta por tu parte, es inapropiado traer de vuelta la negatividad del pasado».

También recuerda en su largo texto que la muerte de la madre de Kanye, según el forense, se debió a un ataque al corazón sufrido a consecuencia de otras dolencias. Según el forense de Los Ángeles, no hubo negligencia.

Kanye ha respondido en Twitter: «Una carta de Jan Adams. Esto es increíble. Gracias por esta toma de contacto, hermano. No puedo esperar para sentarme contigo y empezar a superarlo». Su nuevo disco sale el 1 de junio, seguido de otro álbum junto a Kid Cudi el 8 de junio.

Por otro lado, hoy sale a la luz una entrevista de vídeo con Kanye West grabada a mediados de marzo, en la que habla sobre su salud mental, refiriéndose al episodio que le llevó a cancelar la gira de presentación de ‘The Life of Pablo’. En ella dice: “creo que estoy en un lugar más fuerte que nunca, después de la crisis nerviosa, o me gustaría decir más bien después de haberme abierto camino” (hace un juego de palabras entre “breakdown” y “breakthrough”). Además, cree que la crisis la produjo “el miedo, el estrés, el control, el ser controlado, la manipulación, el ser como un peón en el ajedrez de la vida”.

Los Planetas y La Bien Querida se suman a Spring Festival

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Los Planetas y La Bien Querida son las nuevas confirmaciones de hoy para el Spring Festival, que celebra su 10ª edición los días 25 y 26 de mayo en Alicante. Antes se habían desvelado nombres como Izal, Dorian (ese fin de semana tendrán nuevo disco), Crookers, Alex Metric, L.A., WAS, Varry Brava presentando ‘Furor‘, Los Punsetes y Beauty Brain. En los próximos días habrá más nombres, pero los abonos subirán de precio durante la noche de hoy, del 1 al 2 de mayo. De momento valen 25 euros en Ticketea.

La confirmación de Los Planetas y La Bien Querida tiene gracia por las múltiples colaboraciones que se han marcado ambos desde los tiempos de ‘No sé cómo te atreves’ y ‘La veleta’, siendo las últimas el single ‘Recompensarte’ para ‘Fuego‘, el último disco de La Bien Querida, y muy especialmente ‘Vivir en paz’.

La cara B del nuevo single de Los Planetas, ‘Hierro y níquel’, extraído de ‘Zona temporalmente autónoma‘ en una nueva versión, ha sido escrita en solitario por Ana Fernández-Villaverde. Y no, no es tan habitual escuchar a Jota cantar algo que no haya co-escrito él ni adaptado de la canción popular. Además, Ana NO hace coros en esta composición lanzada con motivo del reciente Record Store Day.

La Canción del Día: Los Hermanos Cubero saben «dibujar la tristeza» por el cónyuge fallecido en ‘Tenerte a mi lado’

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Poco podíamos adivinar cuando escuchábamos el folky, reivindicativo, pero también divertido ‘Arte y orgullo‘, que el siguiente disco de Los Hermanos Cubero sería tan triste. El dúo manchego ha dedicado dos años después su nuevo álbum ‘Quique dibuja la tristeza’ a la muerte de la mujer de Enrique, Olga, que ha fallecido a consecuencia de un cáncer. Ha salido a la venta esta semana.

La totalidad de este álbum está dedicado a este tema, dejando títulos tan explícitos como ‘El tiempo pasó’, ‘No nos despedimos’, ‘Quisiera poder rezar’, ’Tu recuerdo es mi consuelo’, ‘Qué haré el resto de mi vida’, ‘Me quedo con lo bueno’ y canciones tan desgarradoras como ‘Un suspiro y un beso’. En la secuencia, destaca la belleza de ‘Tenerte a mi lado’, con un texto que alterna pasado y presente, resultando los dos igual de dolorosos. El ayer es un recuerdo de «la foto que tomamos en París» en la que ella le agarraba «como temiendo que fuera a huir». El presente está anclado al pasado («antes de acostarme, miro tu retrato y te hablo como si estuvieras aquí»), mientras la hija de la pareja sirve para mantener con vida a Enrique, si bien también con la marca de la pena más absoluta («Hoy en el colegio dibujaron la tristeza y nuestra hija te ha pintado a ti») y la conciencia de que algún día, la niña crecerá y ya «nada necesitará de mí». Una canción que se sirve del sentimiento de la música tradicional para terminar de hacer pupa, en un disco que desde El Segell vinculan con otros lanzamientos recientes marcados por la muerte de un familiar, como ‘Carrie & Lowell’ de Sufjan Stevens, ‘Skeleton Tree’ de Nick Cave o ‘A Crow Looked At Me’ de Mount Eerie.

El álbum ‘Quique dibuja la tristeza’, escrito 3 meses después de la muerte de Olga, ha sido grabado en directo el pasado mes de diciembre con Oriol Aguilar al contrabajo y Jaime del Blanco al violín, en las Bodegas LaVeguilla de Olivares de Duero de Valladolid. El grupo tendrá fuerza para presentarlo en vivo el 8 de junio en Zaragoza, el 9 de junio en Madrid (entradas en Ticketea) y el 16 de junio en Barcelona. Podéis recordar nuestra entrevista a Los Hermanos Cubero de 2016 aquí.

Delaporte vuelven a ‘Fama A Bailar’ en el vídeo de ‘Un jardín’

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El paso del dúo hispano-italiano Delaporte ha sido uno de los momentazos de la actual edición de ‘Fama A Bailar’. Tras sonar en el programa, en concreto en la primera coreografía grupal y también mediante una actuación en vivo, Delaporte, hasta entonces casi desconocidos, se viralizaban, ocupando durante varios días el número 1 de los virales de Spotify, donde ‘Un jardín’ ya ha superado el millón de reproducciones, sumando además con la coreografía grupal otro millón de visualizaciones en Youtube.

Ahora que llegaba la hora de editar un videoclip para el tema, una de las mejores canciones del momento para nuestra redacción, parece que Delaporte han decidido devolver el favor al programa, pues en lugar de apostar por otra estética y pasar página, han vuelto a contar para el desarrollo del mismo con los bailarines de ‘Fama A Bailar’, respetando la estética urban del vídeo que conocimos el pasado mes de marzo. Aunque el grupo considera esta oportunidad un «regalo» de cadena y productora, pues en su muro de Facebook se ha vuelto a mostrar agradecido con el programa: «Gracias a FAMA a bailar #0 por este pedazo de regalo».

Tras haber teloneado a Giorgio Moroder el verano pasado, Delaporte tendrán una oportunidad de oro para destacar en directo en la primera edición de Paraíso Festival. El festival madrileño organizado por uno de los hermanos Morán (responsable de las primeras ediciones del FIB), cuenta con actuaciones del nivel de Floating Points, Róisín Murphy, tune-yards, Ibeyi, Kiasmos, Hot Chip Megamix, Apparat DJ Set, Kelly Lee Owens, etcétera. Paraíso Festival se celebra los días 8 y 9 de junio en el Campus de la Universidad Complutense de Madrid. Los abonos valen 79 euros tras haberse agotado los de 49 y 69 euros. Detalles, aquí.


Janelle Monáe / Dirty Computer

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Janelle Monáe comenzó hace más de una década en ‘Metropolis: Suite I (The Chase)’ a elaborar una trayectoria musical que ha hecho girar en torno a una especie de novela futurista inexistente, una distopía en la que una oligarquía robótica recluye a los androides de aspecto humano en una orbe en la que el amor y la libertad han sido erradicados, cuya última esperanza es una heroica androide llamada Cindy Mayweather que, dicen, escapó del desensamblaje y volverá un día para salvarles. Ese trasfondo se consolidó en el sobresaliente ‘The ArchAndroid’ y fue llevado más allá en ‘The Electric Lady’, álbum que supuso la consagración musical y comercial de la artista de Atlanta. Sin embargo, no deja de ser chocante cómo la realidad puede ir incluso más allá que la fantasía y ese argumento es cada vez menos literario y más literal, propiciando la alegoría que Monáe plantea como coartada argumental de su nuevo disco, ‘Dirty Computer’.

Si aquellos álbumes se llenaban de interludios que trazaban una línea argumental pseudo-cinematográfica, esta vez Monáe los ha evitado haciendo, directamente, una película (una “emotion picture”, al estilo ‘Lemonade’) protagonizada por ella misma, una actriz ya profesional tras sus papeles en ‘Moonlight’ y ‘Figuras ocultas’, junto a Tessa Thompson –‘Westworld’, para desarrollar el concepto del álbum. En ella retrata otro futuro, aún más próximo, en el que los humanos cuya manera de pensar, aspecto físico, raza o condición sexual difieren de lo que una élite considera la norma, son etiquetados como “Ordenadores sucios”, como CPUs que tienen un bug o un virus y deben ser reseteados, transformados para conseguir que encajen en la sociedad (como plantea el corte con coros de Brian Wilson que da título al álbum). Son perseguidos y sus recuerdos, su memoria, es eliminada en la Casa del Nuevo Amanecer. Obviamente, esa película alberga los videoclips de los adelantos que hemos visto, pero ayuda a hacernos partícipes del mensaje que quiere hacer llegar Monáe en su nueva obra.

Un mensaje directo, sin alegorías, sobre una realidad en la que cada vez somos menos libres (aunque también más conscientes), contagiado por la Marcha de las Mujeres, por la brecha racial y económica en Estados Unidos (y en todo el mundo, por extensión) y por la lucha de clases. Un mensaje en el que reivindica el imprescindible papel de las mujeres fuertes, imaginativas, creativas, luchadoras para transformar este mundo. La bíblica Eva, Peccola Breedlove (protagonista de ‘Ojos azules’ de Toni Morrison), las Dora Milaje de ‘Black Panther’ o la mitología en torno a la figura femenina (las sheela na gig, la diosa Isis, Atena..) son citadas como inspiración en varias de las canciones más poderosas, tanto musical como líricamente, del álbum: si ‘PYNK’, con coros de Grimes, reclama el protagonismo y el respeto que el coño, como icono, merece, ‘Django Jane’ es un apabullante alegato rapeado (su flow está a la altura de las mejores) sobre una nueva etapa que se abre en nuestra sociedad y que reclama un “monólogo de la vagina” tras milenios de falocentrismo.

Por supuesto, como ella misma ha dejado claro en sus manifestaciones, la sexualidad es otro de los ejes de ‘Dirty Computer’: autodeclarada pansexual, tanto en la espectacular ‘Crazy. Classic. Life’ como en la seductora (y grower) ‘I Like That’ reclama libertad para vivir el sexo (y la vida) como le plazca sin ser juzgada, adoctrinada o guiada por convenciones ni creencias, como ya hiciera en el single ‘Make Me Feel’, con aquel vídeo que se esmeraba en restar trascendencia al género de la persona que la pueda atraer. No teme, en todo caso, mostrarse como una mujer sensible y frágil, como manifiesta en la conmovedora ‘Don’t Judge Me’, donde reclama ser amada como ser humano, no como un icono o un personaje. Un temor que refrenda en la aún más emotiva ‘So Afraid’, donde expresa su miedo a amar y fracasar.

Feminismo y sexualidad no dejan de ser también políticos, y de hecho se funden constantemente con referencias a la “triste mañana del 9 de noviembre de 2016” (el día después de la victoria electoral de Trump, aludido en ese “If you try to grab my pussy, this pussy grabs you back” de ‘I Got The Juice’), que inspira otro de los momentos culminantes del álbum: la festiva ‘Screwed’, que responde al presente político con hedonismo, transformando el sentido negativo de la expresión “estamos jodidos” en positivo, animando a follar, a ser feliz, como forma de protesta. Pero, en todo caso, Monáe no rehúye su posicionamiento pro-Obama, y reclama una América en la que las personas no mueran por su raza, pero tampoco por su clase social, su condición sexual o su género, en la emotiva e inspiradora ‘Americans’, que evoca sin rubor a ‘Let’s Go Crazy’ de Prince.

Y es que, aunque otros referentes también citados como inspiración (‘Stevie’s Dream’ está basada en sus conversaciones con Stevie Wonder) tienen una importancia manifiesta, es patente que la muerte de Nelson, amigo y mentor de la artista que en el momento de su muerte colaboraba con Janelle en la creación de este disco, ha marcado drásticamente su vida y esta obra, que funciona a menudo como un homenaje a su figura. Más allá de esa ‘Kiss 2.0’ que es ‘Make Me Feel’ (curiosamente, es de los pocos temas que no produce Janelle con sus colaboradores más íntimos, el dúo Deep Cotton, sino con los suecos Mattman & Robin), la influencia del llorado genio de Paisley Park se filtra en prácticamente todo el álbum, incluso en los pasajes más acústicos (‘Dirty Computer’), reposados (‘Don’t Judge Me’) y psicodélicos (‘So Afraid’). Sin embargo, no sería justo menospreciar por eso la personalidad interpretativa de Monáe, que la sitúa sin peros entre los grandes nombres del R&B contemporáneo. Con un acabado técnico y una riqueza artística magníficas, en los que se han involucrado músicos de la talla de Thundercat o Jon Brion, sin duda la estrella que más brilla es ella.

Debido a su arduo trabajo de estudio y a la desnudez emocional que, pese a la coartada conceptual, presenta, estamos claramente ante el álbum más personal y por ello más poderoso de Janelle Monáe. Un discurso tan potente y la riqueza de sus letras (en las que merece la pena bucear, entre referencias literarias y culturales, guiños a su propia carrera…) dejan –al menos en un principio– un poco atrás el plano musical del álbum, sin canciones que parezcan potenciales hits (pese a que los destacados como single van desplegando su influjo lentamente). Pero ‘Dirty Computer’ va revelando poco a poco sus destellos, una compacta obra de R&B atemporal –suena contemporáneo, pero también reminiscente del pop de los 80– que se escucha como un todo, que va cautivando con su inicio, su nudo (la poderosa secuencia desde ‘Screwed’ –con un verso de Zoë, la hija de Lenny Kravitz– hasta ‘Make Me Feel’) y su melodramático desenlace, que remonta en los “títulos de crédito” (‘Americans’). Una medida pero sustanciosa pieza de poco más de 45 minutos en la que sólo cabe poner en duda la necesidad de ‘I Got The Juice’, la flojilla colaboración con Pharrell Williams. Pero incluso esta parece una mácula necesaria para manifestar el adiós a aquel personaje robótico, Cindy Mayweather, y poner por delante la imperfección humana de Janelle Monáe Robinson y su discurso inspirador y poderoso, heredera directa de una manera de entender la música, el arte, como vehículo de expresión cultural y sociopolítica.

Calificación: 8,4/10
Lo mejor: la secuencia central que enlaza ‘Screwed’, ‘Django Jane’, ‘Make Me Feel’ y ‘PYNK’.
Te gustará si te gusta: Prince, Solange, Erykah Badu, la primera Madonna.
Escúchalo: Spotify

El Hematocrítico: «Me parece un poco artificial toda esta nostalgia de los 80»

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La amistad del periodista Noel Ceballos (Madrid, 1985) y Miguel López, más conocido en Twitter como El Hematocrítico (A Coruña, 1976) no ha dejado de dar sus frutos desde que se lanzaran a navegar las ondas sonoras con aquel «Los Hermanos Podcast». Ahora, el resultado de la conjugación de dos de las voces más ácidas del nuevo periodismo pop puede leerse en formato de novela con ‘Los Cinco Superdetectives. Aquí no bebíamos cerveza de jengibre’ (Ed. Martinez Roca). Un relato acerca de la infancia, la nostalgia, la depresión y, cómo no, la cultura popular.

Ceballos: «La depresión y los problemas existenciales o la infelicidad en la infancia no existen, por eso la recordamos como una etapa mejor que el presente»

A priori, a la hora de construir un relato sobre la infancia, parece que Hematocrítico podría haberlo tenido más fácil, dado que es profesor y tiene hijos… le toca de cerca.
Hematocrítico: «Mi experiencia como profesor me ha hecho entender que la nostalgia de la infancia es un poco engaño, porque mucha gente recuerda la infancia como “buah, la infancia, cómo molaban aquellos juguetes”, etc. Pero yo veo a los niños todos los días, llevo 16 años trabajando con ellos, y veo que siempre es guay, con las tablets o con los juguetes. La infancia siempre es especial y siempre es guay. No creo en eso de que antes molaba más ser niño que ahora».
Ceballos: «La nostalgia funciona así, tiendes a minimizar lo malo, maximizar los recuerdos buenos y a pensar que tu tiempo pasado fue mejor que el de los niños de ahora. Por eso en nuestros capítulos relacionados con la infancia ocurren cosas mágicas: los niños detienen a mafiosos y descubren tesoros… Y los capítulos del presente son como nuestra vida de verdad: nos despiden, son infelices y no saben por qué, tienen hijos de ex parejas… La depresión y los problemas existenciales o la infelicidad en la infancia no existe, por eso la recordamos como una etapa mejor que el presente».

Te veo más enfocado a ti en la edad adulta y a Hematocrítico en la infancia.
Ceballos: (risas) «Puede ser… no, en realidad lo que hicimos fue una escaleta. Como vivimos en ciudades separadas…»
Hematocrítico: «Esto es muy importante: es que Noel es guionista».
Ceballos: «En este caso era fundamental. En cuanto al estilo no hubo ningún problema, porque lo que queríamos era copiar el estilo de las novelas infantiles. Lo que hicimos fue tratar la novela como si fuera un guión audiovisual. Teníamos una escaleta de muchas páginas, una biblia donde cada capítulo estaba muy bien descrito…»
Hematocrítico: «Teníamos una página o dos páginas y media de cada capítulo, con todas las escenas».

Parece todo súper esquemático para ser una novela que habla sobre la infancia. Está escrita de una manera muy adulta.
Hematocrítico: «Al hacerla entre dos personas que viven en ciudades diferentes… había que buscar una manera, y no había otra».

Hematocrítico: «(El libro) surgió hablando de un tema que a mí me apasiona, que son los grupos de whatsapp de las cenas de Navidad»

¿Fue un encargo, o nació de vosotros?
Ceballos: «Nació de nosotros».
Hematocrítico: «De hecho, surgió al dar un paseo por Madrid hablando de un tema que a mí me apasiona, que son los grupos de whatsapp de las cenas de Navidad. Pasamos por una librería y vimos las nuevas ediciones de los libros de Los Cinco y empezamos a hablar de cómo sería un grupo de whatsapp de Los Cinco ahora, de adultos, y fue cuando surgió la chispa».
Ceballos: «Nos llamó la atención porque en las nuevas ediciones salen chavales de ahora con tablets, con móviles, vestidos de ahora… pero luego, el texto es el de Enid Blyton. Han quitado cosas igual más racistas y clasistas que ahora tienen que quitar, pero… las aventuras siguen siendo las mismas. Y eran niños muy de su época. Y pensamos cómo a los niños de ahora les podría chocar muchísimo. Y por eso dijimos: “ojalá hicieran los libros de Los Cinco, pero de Los Cinco ahora, con cuarenta”».
Hematocrítico: «También nos gustaba que la historia estuviera ambientada en España, en Madrid. Son una versión de Los Cinco, que se llaman Los Cinco Superdetectives, que trabajaban en verano, cuando iban a Guadarrama. Y había contrabandistas y falsificadores que operaban en la sierra».
Ceballos: «Y nos hacía más gracia, porque en Inglaterra, pues claro que hay contrabandistas. ¿Pero en la sierra de Madrid? Entonces hay un momento en el que, en la novela, alguien se hace esa pregunta: “¿pero qué contrabando hacen aquí en la sierra?”».

Hematocrítico: «En el libro también hablamos mucho de la moda de la nostalgia de los 80. Y yo tengo claro que fue una época mucho peor que ahora»

Supongo que, al igual que en el libro, vosotros también habréis ido eliminando los temas racistas, clasistas o machistas de vuestra propia vida.
Hematocrítico: «En el libro también hablamos mucho de la moda de la nostalgia de los 80. Y yo tengo claro que fue una época mucho peor que ahora. Para mí, mi infancia en los 80, era bajar a la calle y que me robaran. Llevaba una moneda en un calcetín, otra moneda en otro, otra en un bolsillo… Porque, si me venía un kinki a dar el palo, le decías: “mira, aquí tengo una moneda, no tengo más…” Y yo recuerdo auténtica ansiedad y angustia. Que no era todo tan guay. Recuerdo, sí, ver el ‘1, 2, 3’ con mi familia… pero no era tan maravilloso. No era como para ahora ver la Ruperta y decir: “qué guay el ‘1,2,3’, ¿te acuerdas del ‘1,2,3’?” Me parecía un poco artificial toda esta nostalgia, y queríamos hablar también de eso».

Y, además, si eras como Tom (el personaje más ambiguo de Los Cinco), puede que la ansiedad fuera aún peor…
Ceballos: «Sí, una cosa que hemos hablado mucho es cómo el cine comercial de aquella época era muy problemático. En ‘Loca Academia de Policía’ hacían chistes como que, si te ibas a La Ostra Azul, que era un local gay, te violan. Y eso lo veíamos de pequeños y nos parecía normal. Ahora lo vemos y decimos: “wow”. Creemos que toda esta gente que dice “la dictadura de la corrección política, antes las cosas eran mejor”, en realidad son nostálgicos. Recuerdan que “antes veíamos esas películas y no pasaba nada”, ya, pero… antes la gente también tenía esclavos y tampoco pasaba nada».

Ceballos: «El cine comercial de aquella época era muy problemático. En ‘Loca Academia de Policía’ hacían chistes como que, si te ibas a La Ostra Azul, que era un local gay, te violan. Y eso lo veíamos de pequeños y nos parecía normal»

De hecho, vosotros os lleváis 10 años de diferencia. Realmente, no hubierais podido ser amigos como los personajes de vuestra novela.
Ceballos: «No, él me pegaría. Me robaría el bocata».
Hematocrítico: «Seguro que Noel fue de chaval a ver las pelis de Harry Potter».
Ceballos: «Era teenager ya».

En lugar de cerveza de jengibre, era cerveza de mantequilla.
Ceballos: «¡Sí, sí! En mi generación, la nostalgia es Harry Potter. En unos años, Harry Potter será como Verano Azul para los de mi generación».
Hematocrítico: «Pero sí tenemos muchos intereses comunes».

De hecho, ya antes habíais desarrollado juntos Los Hermanos Podcast.
Ceballos: «El otro día lo hablábamos, que Los Hermanos Podcast son el barco con el que vamos navegando. Primero fue ese barco y luego ya vinieron bolos juntos, actuaciones, la novela… pero todo surgió gracias a Los Hermanos Podcast».
Hematocrítico: «La idea de eso es publicar nuestras conversaciones, de estilo libre».

Hematocrítico: «No quiero criticar los nuevos fenómenos adolescentes, ni el reggaetón, ni el trap… Siempre procuro estar atento y buscar las cosas interesantes que salen de ahí. No menospreciar a los demás»

De hecho, el otro día pensé… con lo guays que son estos dos, Noel escribiendo en GQ, Hematocrítico con tropecientos mil seguidores… y van y escriben una novela sobre la infancia, la nostalgia y la depresión. No es muy guay que digamos…
Hematocrítico: «De hecho es algo crítico sobre eso. Me gusta pensar que, aunque tengo 41 años, soy una persona de mi tiempo. Entonces, por lo general, no quiero criticar los nuevos fenómenos adolescentes, ni el reggaetón, ni el trap… Siempre procuro estar atento y buscar las cosas interesantes que salen de ahí. No menospreciar a los demás. Queríamos hablar de eso».

¿Visteis OT?
Ceballos: «Lo seguía sin verlo. Estuve al día de todo sin necesidad de verlo. Mi problema es que antes había Cárdenas y me quedaba dormido a los dos minutos. No lo podía aguantar».
Hematocrítico: «A mí lo que me pasa es que no tengo mucho tiempo para ver cosas, tengo dos niñas y tal. Pero sigo en redes a la gente de OT y estoy atento a todo lo que pasó. Y me parecen personas maravillosas, me parecen gente muy guay».

Ceballos: «Mi problema con OT es que antes había Cárdenas y me quedaba dormido a los dos minutos»

¿Qué música escuchaban Los Cinco?
Ceballos: «Es que justo estuvimos hablando el otro día de hacer una lista de Spotify con la cinta que se llevó Alex al último verano de Los Cinco juntos. Como Alex es el personaje más “guay” culturalmente de todos, pues vamos a poner música guay: The Cure, los Smiths… Richie escucharía más Los Chichos».
Hematocrítico: «Luego hay una escena de fiesta en el libro en el que la música es muy importante. Está dividida en copas: primera copa, segunda copa, tercera copa… y es una fiesta de los 80».
Ceballos: «Creo que la primera vez que yo entré en contacto con el poder de la nostalgia fue cuando estaba en la universidad, en un local de fiesta y ya estaban cerrando. Y ya la última canción que puso el DJ como apoteosis final fue la sintonía de Oliver y Benji. Y la gente estaba cantando TRANSTORNADA. Hubo un momento de comunión entre todos. Es el pegamento generacional: esa canción. Y por eso sale en la novela».

¿Cuál sería vuestro pegamento generacional?
Hematocrítico: «Para mí, el fenómeno generacional más intenso que viví de niño fue V. Cuando ponían V en la tele, los niños no bajaban a jugar a la calle».
Ceballos: «Para mí fue Chiquito. Chiquito fue un meme pre-internet. Si decías “te das cuen” o “cómooorr”, todo el mundo sabía de lo que estabas hablando. Ahora es muy fácil ser meme. Pero Chiquito, en ese momento, salía incluso en las bolsas de patatas».

Ceballos: «Chiquito fue un meme pre-internet (…) Ahora es muy fácil ser meme»

¿Creéis que se darán esos hitos generacionales en el futuro?
Hematocrítico: «Claro, es que, cuando yo era niño, había una cultura común. Yo llegaba al patio y decíamos “ayer David el Gnomo, joe…”. Y los 45 niños que había en clase, todos habíamos visto David el Gnomo. Ahora…»
Ceballos: «Yo creo que Marvel y OT es lo único que consigue eso ahora».
Hematocrítico: «Ahora unos ven Hora de Aventuras, otros ven tal… no hay ese pegamento».

De hecho, OT es un poco Los Cinco: todos tienen sus personajes, sus arquetipos…
Ceballos: «Eso es lo que me fascina de este OT, que ha sido el fandom el que ha ido creando buenos y malos. Y eso me fascina. Porque hay que darle una narrativa a todo, y que los personajes entren en la narrativa me fascina. Y también es algo de lo que habla la novela: de la necesidad de narrativa en nuestras vidas. De la necesidad del conflicto. Y, al final, es el fandom el que crea ese conflicto. Y aquí son unos chicos que de pequeños vivían esa ficción mágica e idealizada y que de mayores sienten esa falta de conflicto: Agus, que es al que mejor le va, no deja de pensar en el pasado. Y el resto necesita que esa magia de la ficción vuelva a sus vidas para volver a sentirse vivos».

Ahora parece que somos todos más abiertos, ¿creéis que hemos llegado a un punto de no retorno o que vamos a retroceder y volver a los 80?
Hematocrítico: «Hay un punto de no retorno. Hay ciertos sectores que se resisten, los últimos cambios siempre son duros. Y hay gente que lucha contra ellos. Pero ahora, hasta mi madre ha oído hablar del #MeToo».

El representante en Eurovisión de República Checa, en estado grave tras una caída en su primer ensayo

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Este fin de semana han comenzado en Lisboa los primeros ensayos generales para Eurovisión 2018, y no lo han hecho con buenas noticias. Mikolas Josef, representante de la República Checa en el concurso de la canción sufrió una caída durante su primer ensayo en el escenario del Altice Arena que, inesperadamente, ha sido mucho peor de lo que se imaginaba.

La coreografía que el joven cantante checo incluía en su presentación del tema R&B ‘Lie To Me’ incluía un mortal que no salió bien y el artista cayó al suelo dañándose la espalda. El perfil oficial de Eurovisión en Youtube ha subido un pequeño fragmento de ese ensayo, que no recoge la caída. En principio no aparentaba mucha gravedad y, tras ser revisado en un hospital y asegurar que «no podía ni andar», confiaba en recuperarse enseguida para poder participar. «Actuaré pase lo que pase» han sido sus palabras en Instagram. Algunas imágenes del chico inmovilizado con un collarín en una camilla han trascendido en medios como Fórmula TV.

Sin embargo, las noticias sobre su estado fueron empeorando a lo largo de la noche y lo que se conoce ahora mismo es que, tras acudir a un nuevo centro hospitalario, quedó ingresado en estado grave por una lesión cervical y peligra su participación en el festival. Así lo ha afirmado el mánager del joven, Kryštof Šamal, según la cuenta de Twitter Eurofestivales. El tema de Josef estaba en el Top 5 de los favoritos a ganar el certamen según las casas de apuestas.

‘LP’ de Los Punsetes, un desfibrilador que dio latido al underground madrileño

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Este mes se cumplen 10 años desde que se publicara ‘LP’, el debut largo de un grupo llamado Los Punsetes que llevaba un par de años agitando la contracultura madrileña con sus primeras demos y singles. No voy a entonar el irritante “yo lo vi primero”, porque mentiría: como ya reconocí en la crítica que dediqué entonces al álbum, no había escuchado nada de ellos antes, ni les había visto en directo. Pero recuerdo vivamente cómo, en el Primavera Sound de aquel año, pude hacerme con uno de los promo-CDs en cartoncillo que regalaban en el stand de su feria que albergaba a Gramaciones Grabofónicas, y también rememorar la excitación que sentí al escuchar aquellas 12 canciones descaradas y oscuras, humorísticas pero capaces de dejarte helado con una frase, que sonaban tanto a Los Nikis como a Nirvana (“me gusta tanto esa frase”).

Mucho ha cambiado, y para bien, el quinteto madrileño desde entonces. Ni siquiera se puede aseverar que aquel sea su mejor disco, porque la concreción de su estilo, aunque estaba ya en ciernes (las guitarras abrasivas luego llevadas al extremo con ayuda de El Guincho, las letras mordaces, la voz monocorde de Ariadna), quedaba aún lejos (en ese sentido, diría que ‘LP2’ es más preciso); y porque técnicamente era, obviamente, mejorable. El tiempo y sus obras posteriores nos han mostrado a unos Punsetes cada vez mejores. Sin embargo, es innegable que aquella chispa iniciática, ese aura de que ahí había un algo muy especial, sigue vigente. De hecho, ‘Fondo de armario’, ‘Maricas’ y ‘Dos policías’ siguen siendo habituales en sus directos, y ‘Lo natural’, ‘Pinta de tarao’ o ‘Accidentes’ podrían serlo.

Independientemente de que la nostalgia (consciente o no) haga su trabajo implacable, ‘LP’ ha resistido el paso del tiempo y escucharlo ahora, en la reedición conmemorativa que el grupo ha lanzado en doble vinilo (el segundo incluye maquetas y singles ya inencontrables), con una nueva masterización, sigue siendo una gozada o incluso más. Estoy convencido de que un chaval que lo escuche ahora por primera vez lo recibirá con el mismo entusiasmo que lo hicimos entonces algunos (no he podido evitar emocionarme al leer un comentario en nuestro artículo por parte del añorado Pedro San Martín, de La Buena Vida, clamando que aquello era “lo mejor del 2008”).

Si bien la mayor prueba de lo bien que estos temas han resistido el paso del tiempo es la catarsis que organiza Joe Crepúsculo en sus conciertos con su versión tecno de ‘Maricas’, cabe destacar cómo, en 10 años, la deriva autoritaria contra la vida nocturna de la ciudad aplicada por el gobierno municipal de Alberto Ruiz-Gallardón denunciada en ‘Dos policías’ se ha trasladado a un ámbito nacional; cómo hoy se reconoce mucho mejor el acoso sexual aparentemente normalizado de ‘Pinta de tarao’; o cómo hoy jóvenes como Putochinomaricón siguen señalando el cuñadismo que ya se advertía en ‘Fondo de armario’. El “ya lo predijeron Los Punsetes” es el nuevo “ya lo predijeron Los Simpsons”.

Esta reedición también invita a ponerlo en perspectiva: si no es el mejor disco de Los Punsetes, ¿realmente es tan importante como para reeditarlo? Sí. Porque, al margen del fetichismo por los vinilos de los tardotreintañeros, fue una obra importante. Una obra que amplificó un underground madrileño de aparente capa caída, aparentemente agarrotado tras la resaca del indie noventero y la (in)digestión del electroclash. Curiosamente, con la rica escena barcelonesa yendo a lo suyo con Hidrogenesse, Miqui Puig, Extraperlo y la feliz irrupción de Joe Crepúsculo, Triángulo de Amor Bizarro sacudían la escena desde Galicia y Klaus&Kinski nos revolucionaban las emociones desde Murcia con su atractiva y ecléctica visión del pop. ¿Y qué pasaba en Madrid?

En Madrid, como en “la calle” de ‘Entre tinieblas’, no pasaba nada. O eso parecía: al efímero calor de Myspace, un batallón de bandas con tantas ganas como espíritu amateur se reunían alrededor del club Nasti y el fanzine online Aplasta tus gafas de pasta, y nombres –o su germen– hoy vigentes, como Alborotador Gomasio, Hazte Lapón o Cosmen Adelaida, ya pululaban por ahí. Pero ninguno parecía irradiar la convicción que albergaban Ariadna, Gonzalo (más tarde sustituido por Luis Fernández), Chema, Jorge y Manu (Anntona) en este ‘LP’.

Así que diría que este disco ejerció como un amplificador para esa mini-escena, un desfibrilador que le dio latido, que hizo ver que había otro camino que no era el del olvido, el de tocar para 30 amigos. No voy a decir que aquello fuera (aunque la conexión con Pegamoides en este disco también es evidente) una especie de neo-Movida, ni que fuera disco que diera el primer paso hacia el indiemainstream –mucho menos cuando ‘Un día en el mundo’ de Vetusta Morla se publicaba también por entonces–. Pero sí que logró, junto a ‘Sintética’ de nudozurdo –igualmente editado aquel año y con los que compartieron escenario–, dar foco a ese underground que podía pugnar por públicos mucho mayores y que, de hecho, se ha consolidado como medio de vida para muchos más músicos de los que cabría imaginar entonces. Y eso es digno de una celebración menos discreta que el de la mera reedición.

Florence + the Machine anuncia que su nuevo single, ‘Hunger’, sale el jueves

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El jueves 3 de mayo será el día en que podrá escucharse ‘Hunger’, el nuevo single de Florence + the Machine, como ha anunciado la artista en sus redes sociales. ‘Hunger’ será el sencillo principal de un disco que, se espera, incluya también ‘Sky Full of Song’, la balada que Florence Welch estrenaba recientemente para el Record Store Day mediante un videoclip dirigido por A.G. Rojas, quien también se encargará del vídeo de ‘hunger’, como se desprende del tuit de la artista.

Tanto ‘Sky Full of Song’ como ‘Hunger’ están presentes en un tracklist no oficial del disco que se filtró hace unas semanas en Twitter, y que parece confirmar también el título del álbum, ‘High as Hope’, que ya se rumoreaba antes del lanzamiento de ‘Sky Full of Song’. Parece, por tanto, que la secuencia filtrada (también con la duración de cada canción) es real, aunque habrá que esperar a que Florence anuncie oficialmente el álbum para comprobarlo. Os dejamos con el supuesto tracklist y con el tuit de Florence que anuncia ‘Hunger’, con una misteriosa imagen de ella junto a lo que parece un maniquí.

100 Years
Grace
South London Forever
Hunger
No Choir
June
Big God
The End of Love
Sky Full of Song
Patricia

El éxito de Tom Walker: más cantautores se asoman a las pistas tras «Ibiza» y ‘Shape of You’

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Algunos recordaréis a Tom Walker porque su nombre apareció en la prestigiosa lista de posibles revelaciones para 2018 de la BBC, el llamado «BBC Sound of». El single ‘Leave A Light On’, que ha co-escrito junto a Steve Mac, ha cosechado un enorme éxito internacional que de hecho ha trascendido las islas británicas. Mientras en Reino Unido ha quedado en el puesto 41 de las listas, ha sido platino en Francia y oro en Alemania, sumando más de 100 millones de reproducciones en todo el mundo.

Y es que si en su EP ‘Blessings’ apuntaba a ser un cantautor con un timbre parecido a Chris Martin de Coldplay (‘Just You and I’), eso sí, con cierta querencia por la música jamaicana (el ritmillo de ‘Blessings’ y el de ‘Play Dead’) , las posibilidades de esta canción en la pista de baile eran mayores que las de la versión original de ‘I Took A Pill In Ibiza’. No en vano, se han lanzado varias remezclas, entre las que destaca la de «High Contrast» en clave drum&bass, como producida por los primeros Rudimental, o la de AlunaGeorge. Y es que parece claro, tras el exitazo de ‘Shape of You’, de ‘Something Just Like This’ o del propio Avicii, que el sonido cantautor, de una guitarra o un piano, no está reñido con la música de baile.

Tom Walker además es uno de los valientes artistas británicos que se atreven a visitar España de gira pese a no contar aún aquí con una base de fans tan extensa como la que tiene en Reino Unido. Tom visitará nuestro país por primera vez el 11 de diciembre, cuando actuará en la Sala Bikini de Barcelona, y un día después lo hará en la Sala Caracol de Madrid. Las entradas están a la venta en Ticketmaster.


Post Malone / ​beerbongs & bentleys

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Sin que la prensa ni lo huela, Post Malone se ha transformado en una de las voces más importantes de su generación. Es normal que los medios no le hayamos hecho tanto caso: su música se parece demasiado a lo que hacía en sus inicios el también canadiense The Weeknd, sus letras dan vueltas también sin descanso al amor, al sexo, a las drogas y luego al lujo y a la fama, y esos textos, por supuesto desprovistos del interés sociopolítico de otros artistas norteamericanos, tampoco son los más imaginativos del mercado.

Y sin embargo, esta versión blanquita de The Weeknd ha calado. Tras el éxito multitudinario de singles de su debut ‘stoney‘, como ‘Congratulations’ y ‘I Fall Apart’, el año pasado terminaba de arrasar su tema sobre la fama ‘rockstar’, una colaboración con 21 Savage que contenía referencias a Jim Morrison, a aquella «tradición» de lanzar televisiones por la ventana de los hoteles que por suerte ya parece historia o a la cocaína que cabe en su mesita. ‘beerbongs & bentleys’ es al fin el disco que contiene este primer single lanzado a finales del verano pasado, y ya lo dice todo desde su título, aludiendo a un plasticucho que se usa para beber cerveza en cantidades industriales y a una marca de coches. Un avance de lo que encontramos en el disco, que contiene una pista llamada «Tomando chupitos» -con PartyNextDoor- y otras dos con más referencias al mundo automovilístico ya desde sus nombres: ‘Sugar Wraith’ se inspira en un Rolls Royce Wraith y ’92 Explorer’ en un Ford.

30 años después de que Prefab Sprout bromearan sobre «coches y chicas«, parece que nada ha cambiado en el mundo. Y por supuesto, ninguna de las dos cosas ha dado la felicidad a Post Malone, que ha tenido a bien titular otra de las pistas de su nuevo álbum «Rico y triste». Porque seguramente sea como se siente detrás de su melena, todos esos tatuajes y grillz que le caben en el cuerpo. Así, en las letras de ‘beerbongs & bentleys’ habla largo y tendido de la infelicidad que da la fama. En la inicial ‘Paranoid’ asegura: «me despierto cada día con ansiedad (…) a veces siento que no tengo amigos (…) un paranoico hace planes paranoicos, haré lo que pueda pero no está en mis manos». En la ya apuntada ‘Rich and Sad’ añade: «dispongo de cien sitios enormes, y todavía me siento solo», y además en esta pista se da cuenta de que el dinero no le aporta la felicidad: «todavía deseo que mi dinero te convenciera de quedarte conmigo». De manera significativa, en un momento del tracklist, esa «paranoia», esa «psicosis», le lleva a hablar del suicidio colectivo de Jonestown en un sombrío interludio así llamado.

Por supuesto, las penas de Austin Richard Post -nombre verdadero del artista- dan para más de una hora de música, que se esperaba algo más variada y rica. Hay alguna pequeña sorpresa, como esos momentos que, sin desmelenar guitarras eléctricas, podrían captar a seguidores de Imagine Dragons o Linkin Park, como ‘Over Now’ y ‘Otherside’ (la coincidencia en título con Red Hot Chili Peppers no puede ser casualidad), pero lo que predomina aquí son los cajas de ritmos sencillas, las melodías vocales monocordes, el Autotune, el ritmo anteriormente conocido como trap, el R&B y el post-trip hop. Atmósferas opresoras que van muy bien para hablar de la depresión, el desamor, los celos o incluso la muerte, pero que a lo largo de 18 pistas ya no logran agobiar lo mismo.

Entre las canciones diferentes hay que destacar el caso de ‘Stay’, una balada acústica de corte más inglés que podemos emparentar con artistas de las islas británicas como Coldplay, Travis, Embrace o Ed Sheeran. Para cuando llega ese momento, uno supone que el disco está al acabar. Pero no, quedan 6 pistas más tras ‘Stay’ y, aunque ‘Candy Paint’ y la tropical ’92 Explorer’ se agradecen como contrapuntos luminosos, ‘Blame It On Me’ y ‘Sugar Wraith’, de nuevo ultra The Weeknd, podrán ser hitazos o no, pero desde el punto de vista artístico, no cuentan nada nuevo a esas alturas de la secuencia.

Después de un año de retrasos en torno a este segundo disco, se habría agradecido que Post Malone trabajara ritmos algo más distintos o utilizara su posición de privilegio en la industria musical para mejorar sus letras y ofrecer producciones más nuevas y arriesgadas, como también esperamos de su amigo Justin Bieber. Pero no: sus textos son del nivel de hacer juegos de palabras entre la serie de Disney ‘Zack and Cody’ y «Zack and Codeine», entre ser «cristiano» y «Christian Dior» («Ain’t religious, only Christian when it’s Dior») o a decir cosas como «no le he visto la cara, pero bonitas tetitas» (‘Spoil My Night’). Post Malone se queja de encontrarse a las mismas «bitches» (‘Same Bitches’) en una ciudad con millones de habitantes allá donde va, pero a menudo él resulta igual de cansino que ellas y ellos.

Luego está, claro, la larga lista de hits que puede contener el disco, entre las canciones que no veremos venir, las que ya han sido hits decisivos de la última generación (‘rockstar’, ‘Psycho’) y las que parece claro ya que van a serlo. ‘Better Now’, una de las que versa sobre los celos, reúne no en vano a Frank Dukes con el productor principal del álbum, Louis Bell. Ambos han coincidido recientemente en los créditos de nada menos que ‘Havana’ y gran parte del disco de Cabello, ‘Camila‘, y Dukes viene además de co-producir ‘Melodrama’ de Lorde. Ya es el «no single» preferido del público y es con motivo. No tan alto, pero también despunta a continuación la aparición de Nicki Minaj en ‘Ball for Me’, con una producción un peldaño por encima de la media gracias a sus sensuales teclados.

‘beerbongs & bentleys’ es un disco que habría tenido mucho más sentido el año pasado, cuando se anunció, como continuación precipitada e inmediata de ‘stoney’, porque se suponía que estaba terminado. Pero no por las expectativas que ha generado en estos meses se puede negar que trae bajo el brazo una nueva larga lista de singles que van a continuar marcando a una generación. Aquí se han metido 18 pistas para petarlo entre ese público, no para convencer a la crítica ni para elaborar un complejo discurso que no existe.

Calificación: 6,3/10
Lo mejor: ‘Better Now’, ‘rockstar’, ‘Psycho’, ‘Stay’, ‘Ball for Me’
Te gustará si te gusta: el anterior, el primer The Weeknd, Imagine Dragons
Escúchalo: Spotify