Una de las canciones más conocidas de las Spice Girls, ‘Spice Up Your Life’, está siendo censurada en numerosas estaciones de radio británicas a causa de la frase «hombre amarillo».
La canción, lanzada con el segundo disco del grupo, ya recibió controversia en 2019 a raíz de la gira de reunión de las Spice. Por aquel entonces, se consideró cambiar la palabra «amarillo» por «feliz», por miedo a acusaciones de racismo. Sin embargo, esto nunca se llevó a cabo. La frase original es: «Hombre amarillo en Tombuctú / Color para mí y para ti».
Ahora, la radio británica está reproduciendo la canción con la palabra «amarillo» eliminada. Según las declaraciones de un portavoz de BBC Radio 2 al tabloide The Sun, el cambio no fue realizado por ellos, sino que se trataría de una versión «enmendada» de la canción.
Bb trickz ha vuelto a subir música después de asegurar que lo dejaba con el lanzamiento de ‘I wonder’. Lo ha hecho sampleando una de las canciones más icónicas de Clairo, ‘Pretty Girl’, pero la cantautora está totalmente conforme con ello, apareciendo en los créditos del tema como coescritora y coproductora.
‘not a pretty girl’ utiliza la canción de Clairo casi de forma intacta, con percusión añadida, y centrándose en los acordes sintetizados del tema original. La estadounidense incluso ha posteado la canción en sus Stories de Instagram, así como el videoclip, en el cual Belize también toma prestado el estilo casero del original.
En otro orden de cosas, Bb trickz también ha sido noticia en los últimos días a raíz de un vídeo que grabó con el youtuber Nil Ojeda en el que aseguraba que ya se había gastado los 2 millones de euros derivados de su contrato de distribución con Sony. En un vídeo posterior, ha aclarado que no tiene una deuda monetaria con Sony, sino de «streams».
Kesha ha dado los detalles de su 6º disco, el primero tras ‘Gag Order‘ (2023). El álbum se titula con un punto, es decir, se llama ‘.’, y sale en un simbólico 4 de julio. Sus singles del año pasado, el desquiciado y desquiciante ‘Joyride‘ y la balada ‘Delusional’, están incluidos dentro del tracklist de 11 pistas.
Un tercer adelanto se ha lanzado hoy bajo el suculento nombre de ‘Yippee-Kay-Yay’. La portada o foto oficial con que se ha promocionado era también tan prometedora como veis. No tanto su «featuring».
‘Yippee-Kay-Yay’ es una colaboración con T-Pain, quien alcanzara su pico comercial gracias a sus colaboraciones con Pitbull o Akon entre 2007 y 2010. Eso sí, si no te apetece escuchar a T-Pain, se ha lanzado también una versión sin T-Pain, para desgracia de T-Pain.
El tema es un regreso al «recession pop» de la época de gloria de Kesha no solo a través de su lema «I’m drinking spirits, I’m spiritual», sino también a través de su sonido, un mejunje de beats arena rock, hip-hop, guitarras country y voces autotuneadas que solo Kesha podría haber creado. ‘Yippee-Kay-Yay’ es el corte 3 del álbum, cuya secuencia sigue de la siguiente manera:
01 Freedom.
02 Joyride.
03 Yippee-Kay-Yay.
04 Delusional.
05 Red Flag.
06 Love Forever.
07 The One.
08 Boy Crazy.
09 Glow.
10 Too Hard.
11 Cathedral.
Janet Jackson ha sido bendecida por el milagro de TikTok y su single de 2001 ‘Someone to Call My Lover’ se ha viralizado en la red social, disparando sus escuchas en Spotify. ‘Someone to Call My Lover’ se ha convertido en la canción más popular de Jackson en la plataforma, cuando antes no se encontraba ni entre las cinco más populares.
Una cronología publicada por Vulture detalla cada etapa del fenómeno viral de ‘Someone to Call My Lover’. El origen del viral parece ser un remix de ‘Someone to Call My Lover’ publicado en Soundcloud que empezó a circular en TikTok el pasado mes de diciembre. Una persona con el alias de @minga57 firmaba este remix hardcore y acelerado que dejaba la pieza original irreconocible.
Después, durante los meses de enero y febrero y, sobre todo, durante el actual mes de marzo a punto de acabar, el uso de la versión original de ‘Someone to Call My Lover’ se ha extendido. Por ejemplo, ‘Someone to Call My Lover’ ha sonado de fondo en vídeos de animales adorables y también en vídeos de mujeres afroamericanas que se han grabado bailando la canción y la han reivindicado por ser un «quirky black girl bop», identificándose con el peculiar sonido R&B de la canción, tan veraniego.
El viral de ‘Someone to Call My Lover’ se ha vuelto transversal y ha alcanzado la cifra de 70.000 vídeos en TikTok que utilizan la canción original de diversas maneras, a los que se suman otros 32.000 que emplean el remix. La rapera Doechii ha detectado el viral en X y ha acabado interactuando con la propia Janet Jackson intercambiando con ella capturas del videoclip. Según datos de Luminate, los streamings de ‘Someone to Call My Lover’ han aumentado en más de un 600% durante las últimas cuatro semanas.
Aunque el éxito de ‘Someone to Call My Lover’ todavía no ha traspasado a las listas oficiales, a la manera de ‘Murder on the Dancefloor‘ o ‘Bloody Mary‘, este viejo hit de Janet ya aparece en el puesto 21 de los temas más virales en Spotify USA y, sobre todo, es un éxito rotundo en TikTok que ha sido descubierto por una nueva generación y revitalizado.
‘Someone to Call My Lover’ fue el segundo single de ‘All for You’ (2001) y tenía la peculiaridad de samplear ‘Ventura Highway’ (1972) de America y de usar una interpolación de ‘Gymnopédie No. 1’ de Erik Satie. En Estados Unidos llegó al puesto 3 del Billboard Hot 100, en los dulces años previos a la hecatombe de la Super Bowl.
Tamino es una de esas estrellas musicales construidas en la imagen del cantautor de folk de épocas pasadas. A Tamino se le ha comparado mucho con Jeff Buckley o Nick Drake, pero él añade a su propuesta una influencia de la música árabe que ha escuchado toda su vida como persona de origen egipcio. En el canon de canciones llamadas ‘Habibi‘, la de Tamino es una de las más bonitas y emocionantes.
La impermanencia física, emocional y espiritual atraviesa las canciones del tercer álbum de Tamino. ‘Every Dawn’s a Mountain’ es un trabajo grabado en varios lugares, principalmente en una antigua iglesia de Nueva Orleans, después de que el cantautor belga se mudara a Manhattan, Nueva York, hace un par de años. Tamino-Amir Moharam Fouad siente que su vida, como artista que sale de gira, se ha «descentrado» y ha buscado transmitir ese sentimiento en el álbum.
‘Every Dawn’s a Mountain’ no es un álbum «descentrado» y la instrumentación, basada en la guitarra, el piano y las cuerdas, se enfoca en crear una atmósfera serena pero oscura y desolada, de paz después de la ruina. Mientras la voz de Tamino es un bálsamo, las cuerdas tensan el ambiente en ‘Babylon’ o ‘Amsterdam’. Como es evidente, el concepto de lugar está muy presente en el álbum. Aunque, a veces, esa desolación se vuelve impenetrable y emborrona el camino.
Tamino pasea en las canciones del sucesor de ‘Sahar‘ (2022). Detrás de un paisaje en ruinas, como el antiguo imperio de Babilonia, el artista medita sobre el amor, la vida o la pérdida. En ‘Sanctuary’, el emocionante dueto con Mitski, el amor se compara igualmente a un edificio caído. «Vivo en las ruinas de un santuario, donde un hombre admiró a una mujer, y ella le amó como si fuera un santo», canta ella. En ‘Dissolve’, los recuerdos se «disuelven» erosionados por el paso del tiempo.
La lírica de Tamino vuelve a ser una de sus mejores bazas. En la inicial ‘My Heroine’, un concepto tan manido como el amor obsesivo brilla en manos de Tamino. Y la poesía de Tamino vuelve a ser mejor cuanto más sencilla y asequible: en la pista titular, pasajes como «Every dawn’s a mountain, and I’m climbing them without you / All roads ahead, and I still hope to find you if ever they get me home» son claros y conmovedores. Joni Mitchell podría haber firmado este verso en ‘Hejira’.
‘Every Dawn’s a Mountain’ no deja de lado los experimentos con otros estilos y ‘Sanpaku’ anima el disco incorporando laúd y percusiones propias de la música andalusí (su título proviene del nombre de una superstición japonesa). ‘Raven’, por otro lado, es misteriosa como la música de los últimos Radiohead, a la que recuerda. Ambos muestran caminos -ya que hablamos de caminos- que Tamino podría haber explorado con mayor profundidad en el álbum.
A pesar de su mimo musical, ‘Every Dawn’a a Mountain’ termina absorbido por su propia oscuridad en su tramo final, como si se hubiera cansado de escalar esa montaña. En ‘Willow’ o ‘Elegy’, Tamino sigue indagando en la oscuridad de su corazón plasmando su hermosa poesía. La primera contiene una rima tan bonita como «Night falls within, it bleeds through the bark / Its shadow contains a piece of my heart». Sin embargo, las composiciones terminan hipnotizadas por su propia meditación y desdibujan las líneas del mapa en el final del trayecto.
En su tercer trabajo, Tamino entrega una colección de canciones íntimas y hermosas que plasman la complejidad de sus oscuros pensamientos, recurriendo a la poesía de trovador y al crescendo orquestal. Sin embargo, hacia el final, en su búsqueda de claridad, las canciones terminan irónicamente ennubiladas. ‘Every Dawn’a a Mountain’ es, por tanto, un disco de transición en más de un sentido, pero que ofrece un viaje en mayor parte grato y enriquecedor, por parte de unas las voces indispensables de la música popular internacional.
SanSan Festival ha revelado los horarios de su edición de 2025, que se celebra los días 17, 18 y 19 de abril en Benicàssim. Franz Ferdinand, Hombres G, Los Planetas, Zahara, Lori Meyers y Amaia son los grandes reclamos de la programación. JENESAISPOP es medio colaborador.
Los horarios del jueves 17 de abril ubican a Sen Senra a las 20.20, Ralphie Choo a las 21.30, Los Planetas a las 22.40, Carolina Durante a las 00.00, Alizzz a las 1.15 o Cariño a las 2.15. Antes se subirán al escenario Depresión Sonora o TRISTÁN.
El viernes 18 de abril transcurrirá con actuaciones de Zahara a a las 21.00, Hombres G a las 22.20, Dani Fernández a las 23.35, Dorian a las 00.55 o Niña Polaca a las 2.15. Nudozurdo, Maestro Espada o Siloé también tocan este día.
Franz Ferdinand, en principal cabeza de cartel internacional de esta edición de SanSan, está programado a las 21.00 horas el sábado 19 de abril. Un rato antes, Amaia tocará a las 19.50 y, un rato después, Lori Meyers lo hará a las 23.40 y Delaporte a las 2.15. Este será el día también de Sidonie o Carlos Ares.
Las entradas de día, los abonos, los alojamientos y los buses ya están a la venta en la web de SanSan Festival.
«Abracadabra, amor-oo-na-na, A-bra-ca-da-bra, morta-oo-ga-ga, Abracadabra, abra-oo-na-na» sonaba como un estribillo que solo Lady Gaga podía escribir, pero hay quien sostiene que no lo ha ideado Gaga. En concreto la cantante turca Atiye, que cuenta con 2 millones de oyentes musicales en Spotify, y hits como ‘Salla’ en la estela de Edurne, Roser o Soraya. Su nombre, de hecho, llegó a sonar para Eurovisión.
Ha indicado la artista sobre un tema también llamado ‘Abrakadabra’ que popularizó en Turquía en 2015: «Compuse esta canción hace años, y la letra se escribió para que encajara con la melodía. En aquel momento, era un tema muy innovador y con visión de futuro. Años después, me sorprendió enterarme de que partes de mi composición habían sido utilizadas por Lady Gaga sin permiso ni crédito. Mis abogados ya han enviado una carta formal a las organizaciones musicales y vamos a presentar una demanda en Estados Unidos contra Lady Gaga por la canción».
No es la única acusación de plagio que rodea este lanzamiento de Lady Gaga. La marca de surf Mayhem acusa a la artista de haber copiado su logo en su merchandising, como recoge el NME. La compañía opera desde 1986 en tablas de surf y accesorios con el nombre de «Mayhem» porque es el nick de su fundador Matt Biolos. En su caso, el parecido es más notable.
Nacho Serrano bromea en ABC sobre si la banda de black metal Mayhem también tomará cartas en el asunto.
Os recordamos que ‘Mayhem’, reciente número 1 en España -es el único disco que este año ha sido capaz de desbancar a Bad Bunny- será presentado en Barcelona en sendos conciertos el próximo mes de octubre. Las entradas salen a la venta a partir del 31 de marzo en Live Nation.
apparently the reason why lady gaga didn’t use the original mayhem font for the tour poster is bc of this lawsuit she’s currently battling
let this be a lesson to not be quick to judge, stop and think about all of the things that happen behind the scenes that we don’t know about pic.twitter.com/zxVbGnYZAE
FKA twigs ha tenido que posponer conciertos que tenía que realizar de manera inminente en América. Y no en estados perdidos en la «América profunda» que no supieras situar en un mapa. FKA twigs tenía que actuar anoche mismo en Chicago (así de inminente era), el domingo y el lunes en Toronto, y la semana que viene dos veces en Nueva York. Ni que decir tiene lo importante que son para ella estas fechas: ‘Eusexua‘ está siendo el mayor éxito de su carrera y tan solo ha sido número 24 en Estados Unidos.
Los shows de Chicago se han pasado a junio. Además, serán al aire libre y de pie, para indignación de algunos internautas que habían conseguido buenos asientos.
La razón de la búsqueda de nuevas fechas ha sido un tanto random: a alguien de su equipo se le ha olvidado rellenar adecuadamente las solicitudes de visados para entrar en Estados Unidos. Como Toronto estaba en la ruta, cae también. ¿Habrán rodado cabezas? No negamos que el país destino esté en su peor momento operativo a nivel burocrático y administrativo, ¿pero qué hay de los asesores de la que suponemos una de las mayores estrellas del mundo?
También se ha hablado de «ajustes de producción» en lo que está siendo el ‘Eusexua Tour’, la presentación de uno de los discos del año. Parece que hay que bajar a tierra algunas ideas demasiadas ambiciosas. Y ahí ya hay algo que empieza a sonar realmente mal en cuanto a razones para cancelar un concierto, por parte de FKA twigs.
En España recordamos que en 2024 faltó a Primavera Sound sin dar demasiadas explicaciones, simplemente confirmándose para 2025, suponemos que porque su disco no estaba acabado. ¿Más problemas de «timing», «deadlines» y «agenda»? ¿Como los que todos tenemos en nuestros trabajos? ¿Qué hay de no comprometer un tour que no podrás realizar para no perjudicar a tu público en cuanto a venta de entradas, reserva de hoteles y trenes o aviones?
El terror ya es máximo en México y los memes se están sucediendo sin descanso: FKA twigs canceló en 2020 por la pandemia, también canceló en 2024 y hay quien se pregunta si no cancelará también la semana que viene: tiene que actuar en el Festival Ceremonia el próximo 6 de abril. Después vendrá Coachella y en Barcelona la esperamos el 5 de junio en el Fórum. ¿Correcto, twigs?
La danesa Mø, muy recordada por ‘Lean On’, publica el próximo 16 de mayo su nuevo disco, ‘Plæygirl’. El título no es un homenaje al clásico de Ladytron, aunque a veces lo va a parecer. Quizá recuerdes que hace un par de meses ya recomendamos ‘Sweet’ con Biig Piig, ‘Who Said’ es la conversión en pop del sonido Fever Ray/The Knife, y también se conoce el tema que cerrará el álbum, ‘Wake Me Up’, que interpola el bellísimo hit de Avicci.
El pasado viernes conocimos en «Ready for the Weekend» un cuarto adelanto llamado ‘Keep Møving’ que seleccionamos como Canción del Día hoy.
Sin rodeos, esta producción de Nick Sylvester en la que también ha participado Harrison Smith de The Dare, apela a los instintos ochenteros más primarios. Se nota la presencia de The Dare y el amor por los 80 en general, pues todo el tema está empapado de clásicos como ‘Living on Video’ de Trans-X.
Mø ha explicado en Dork que con este tema ha querido reírse de su «infinita lista de cosas que hacer». Entre ellas, en la letra figuran «tener que ir demasiado lejos, tener que ser rica, y una estrella del rock, tener que tener hijos y un gran coche». A continuación, añade: «sigue tu corazón hacia la oscuridad».
En el camino de la radicalización, el estribillo es introducido por un grito muy Courtney Love que, de hecho, incluso suena como si Mø estuviera vomitando sobre dicha lista de obligaciones. Suena hasta 9 veces en la grabación si esperas hasta el último «fade out». El tema también habla de «matar a tus ídolos y estrellar el coche»: aun con todos esos sintetizadores, es uno de los temas más punk de Mø.
JADE es la integrante de Little Mix que está desarrollando, de momento, la carrera en solitario más interesante de todas las surgidas de aquella banda, una de las más exitosas de la historia de Reino Unido. ‘Angel of My Dreams’, una producción «loqui» como pocas, ha sido su gran debut, además de una de las Mejores Canciones de 2024. Su presentación en los BRIT, la mejor de la noche.
Otros sencillos como ‘Fantasy’ o el reciente ‘FUFN (Fuck You for Now)’ han seguido poniendo los dientes largos de cara al debut en solitario de Jade Thirlwall, que se anunciará muy pronto. JENESAISPOP ha charlado con JADE por Zoom -dónde si no- sobre el sonido de sus primeros singles, el contenido de su disco o sus ideas para mejorar la salud mental de la industria musical.
En tu actuación de los BRITs pasaban muchas cosas. ¿Cómo encajas dentro de ese caos el segmento de baile del final?
Mi actuación en los BRIT era mi gran momento televisivo. Sabía que disponía de cuatro minutos para demostrar a todo el mundo lo que soy capaz de hacer, así que metí un momento de baile mezclando ‘Angel of My Dreams’ con ‘It Girl‘, y encajé dentro de la actuación otros trucos y cambios de vestuario. Fue un reto porque, además, cantaba en directo. Quería demostrar al público que soy una artista versátil y del «cuanto más, mejor». Además, el escenario de los BRIT permite hacer estas locuras, y yo era consciente de que, si mi actuación era buena, como se subía a Youtube, podía circular alrededor del mundo.
No sé si mucha gente sabe que eres bailarina. Los fans de Little Mix seguro…
Lo que me gusta de mi carrera en solitario es que estoy ganando nuevos fans, gente que quizá conocía Little Mix pero que no sabían tanto de mí como artista.
‘FUFN (Fuck You for Now)’ la escribiste con RAYE hace dos años. ¿Cómo haces para acordarte de las canciones viejas que has escrito? ¿Y qué tiene que tener una canción para que decidas recuperarla?
He compuesto cientos de canciones para este álbum, empecé a escribirlo hace tres años. Es difícil escoger entre tantas, pero sabía que me iba a quedar con «FUFN» porque es una canción potente, me encanta el concepto y, si escribo una canción con RAYE, lo más seguro es que me la quede. En el disco RAYE ha escrito tres canciones. Con cada lanzamiento he sorprendido a la gente, ya sea musicalmente o con los visuales, y «FUFN» es una declaración en sí misma. Sabía que, dos años después, «FUFN» seguiría funcionando.
¿Has tenido que grabar una versión censurada para la radio?
Sí, ‘Forget You For Now’. Hasta yo las confundo (ríe) Me gusta tener una canción así porque con ella demuestro que he evolucionado y que puedo sorprender a la gente.
«Pasé dos años intentando escribir un primer single que fuera un hit. Y nadie sabe qué es un hit: un tema funciona o no»
‘Angel of My Dreams’ fue sorprendente, desde luego. Se echaba de menos que saliera una canción pop fresca e innovadora. ¿Qué tiene esta canción para ti?
Todo el proceso de composición fue muy liberador. Pasé dos años intentando escribir un primer single que fuera un hit. Cuando te metes en un estudio e intentas hacer eso por primera vez es muy duro porque nadie sabe qué es un hit, un tema funciona o no. ‘Angel of My Dreams’ es una canción que me representa, pero lo mejor es que la escribí con personas que pasaban de lo que fuera tendencia. Escribimos los acordes primero, al principio sonaba como una canción de amor, y después la metimos en el caos… Sabía que quería contar mi historia, la de una artista que lleva 10 años en la industria musical y que se siente atrapada en una especie de relación tóxica. Quería hacerlo de una forma divertida y caótica.
Hace 50 años la composición se basaba en escribir melodía y letra, ahora se basa en escribir «hook and track», tienes que dar gancho tras gancho. Tus singles nuevos presentan esta fórmula, ¿no? ¿No te sientes limitada a veces por ese formato?
Depende del compositor con el que escriba. Si compongo en Los Ángeles las sesiones tienen más esa estructura de buscar un hit y de componer para tiktok, y eso me hace sentir limitada porque, al fin y al cabo, yo solo quiero crear música y no quiero sentirme aprisionada por una fórmula. Sin embargo, es una forma de trabajar necesaria porque, al fin y al cabo, estoy fichada en una discográfica multinacional y tengo que sacar música que tenga éxito. Pero cuando compones pensando en buscar un hit, puede ser restrictivo. Yo trabajo mejor cuando no me siento encasillada en un formato de canción concreto.
«‘Angel of My Dreams’ la escribí con personas que pasaban de lo que fuera tendencia»
‘Fantasy’ es lo contrario, ¿no? Me recuerda a las viejas grabaciones de música disco. Es exuberante, no busca el gancho fácil.
En la música disco tienes esa libertad y fluidez, es todo «vibes». He sido afortunada de trabajar con Mike Sabbath, que toca casi todos los instrumentos. Cuando compusimos ‘Fantasy’ estábamos vibrando en el estudio y la canción surgió de manera natural simplemente mientras nos divertíamos en el estudio, sin fijarnos en una estructura concreta. Me inspiraba en las eras disco de Diana Ross y Donna Summer. Las canciones disco pueden ser todo lo largas que quieras, les puedes meter una intro y una sección instrumental en el medio; se prestan a estructuras más libres, y eso como artista me hace sentir liberada, también.
He leído que sueñas con que tu primer disco sea «aclamado por la crítica». ¿Por qué la crítica es importante para ti? ¿Lees prensa musical?
Que la crítica elogie mi disco significaría recibir validación por un trabajo que ha nacido de mi cerebro y de mi corazón. Mi objetivo, y el de mi equipo, es construir una carrera duradera sacando buena música, no solo hits. Y, sobre todo, buscamos tener la oportunidad de dar conciertos en sitios donde con Little Mix nunca pudimos tocar, como Glastonbury (nde: JADE está confirmada en el macrofestival británico). Cuando digo que quiero que mi disco sea bien recibido para la crítica me refiero a que deseo que se me abran nuevas oportunidades de este tipo. El éxito comercial de Little Mix fue enorme, hicimos cifras asombrosas, pero yo ya sé lo que es eso y ahora busco otro tipo de éxito.
«En ‘Fantasy’ me inspiré en las eras disco de Diana Ross y Donna Summer»
¿Qué álbumes de pop aclamados por la crítica tienes en el punto de mira?
(se lo piensa) ‘Confessions on a Dancefloor‘ (2005) de Madonna es increíble, fue un punto de inflexión y es uno de mis favoritos de ella, es atemporal. Todavía puedes escuchar canciones de ese disco y suenan actuales.
Reinventó la música disco.
Exacto.
«El éxito comercial de Little Mix fue enorme, hicimos cifras asombrosas, pero yo ya sé lo que es eso y ahora busco otro tipo de éxito»
Tu álbum será muy variado en estilos. Cuando hablé con Little Mix en 2021 promocionabais un recopilatorio de éxitos. ¿Planteas tu primer disco en el estilo de un recopilatorio?
El concepto de mi disco gira en torno a buscarme a mí misma en mis propios términos. Es honesto, también es un poco inconexo en estilos porque es una colección de canciones donde pruebo cosas diferentes. Solo puedo lanzar un primer disco una vez en la vida y me tomo la oportunidad que me brinda el momento para experimentar. En el futuro ya tendré tiempo de hacer un disco cohesionado, en este caso me apetece divertirme y probar cosas nuevas, y que el oyente escoja su pieza favorita.
¿El álbum está acabado?
Está a punto, estamos en la fase final de la mezcla y el master. Hoy apruebo la portada. Creo que anunciaré el disco esta semana o la que viene. Sobre todo quiero anunciar una fecha ya porque este año toco en varios festivales y tengo ganas de tener más canciones publicadas para incluirlas en el repertorio de directo.
«En el futuro ya tendré tiempo de hacer un disco cohesionado, en este caso me apetece divertirme y probar cosas nuevas»
A las canciones que has publicado les une el concepto de libertad. ¿Ahondas en él en el álbum?
En el disco se hace referencia constante a la libertad, a la libertad de la industria, a la libertad en la vida personal… El hilo conductor es el «show business»; las canciones exploran qué significa para mí trabajar en la industria y cómo esta realidad afecta a todos los aspectos de mi vida. También me gusta añadir a mi trabajo una dosis de humor, ya sea en los visuales o en la producción. Recorre la estética del proyecto un elemento de terror que representa la oscuridad de la industria musical que no se ve, pero que está ahí. Mi filosofía es «más es más», más teatro, más drama.
En tu entrevista con Rolling Stone UK de noviembre de 2024 revelabas que habías negociado con tu sello la posibilidad de destinar un porcentaje considerable de vuestros ingresos a la terapia. ¿Qué ideas tienes en mente?
Sería útil, como mínimo, ofrecer programas de tutoría dirigidos a nuevos artistas para que aprendan a leer contratos y a soportar la presión de las redes sociales, porque no es normal que los artistas estén expuestos de manera tan fuerte a las críticas. Por otro lado, sería aconsejable que se impartieran talleres para informar a los artistas de todo y reafirmarles que su bienestar es lo más importante. Por suerte, creo que las cosas están cambiando…
«No es normal que los artistas estén expuestos de manera tan fuerte a las críticas»
A Jeff Rabhan de Hollywood Reporter no le gustó nada el discurso de Chappell Roan sobre este asunto, decía que está demasiado verde para criticar el sistema actual.
Creo que es fácil decir eso cuando no lo has vivido. Chappell ha sido muy valiente simplemente poniendo el tema sobre la mesa. Estés de acuerdo con ella o no, ella ha usado su plataforma para denunciar un problema e iniciar un debate. Creo que sería más productivo, en lugar de criticar y criticar y decir solo lo malo, exponer los puntos en los que estás de acuerdo y también los puntos en los que no. Al fin y al cabo, Chappell no es la única artista que se siente de esta manera. Quizá es momento de escuchar y de pensar juntos soluciones para que las cosas progresen.
Pablo Alborán, que ya había hecho sus pinitos en la electrónica, presenta su nueva era con un nuevo single rupturista. Se llama ‘Clickbait’.
El tema es una declaración de intenciones desde la primera línea «muchos dicen que me conocen pero no tienen ni idea de quién soy» y pronto se adentra en beats más propios de Timbaland y cuerdas tipo trip-hop. Aunque la referencia más cercana es la de aquel Alejandro Sanz que a principios de los 2000 se hizo pasar por experimental. No duró mucho.
Todo ‘Clickbait’ es un canto contra «las fake news, los prejuicios y la obsesión por los likes». Contra aquellos a los que «provoca adrenalina» criticar. «La gente se ha vuelto loca, se cree psicólogo de turno» afirma también una letra cargadísima de dardos muy acertados, a la que no acompañan tanto ni melodía ni producción.
Parece difícil que guste al público generalista, pero más aún que capte nuevos fans. Si fuera un disco de Miguel Bosé, sería ‘Velvetina’. Si fuera uno de Paloma San Basilio, sería ‘AMOLAP’.
«Espero tus canciones románticas a las que nos tenes acostumbrados desde siempre» dice el comentario más votado de momento en Youtube. No sabemos si aguardará alguna: Alborán ha trabajado en su nueva música junto al productor portorriqueño Albert Hype, que ha colaborado con Bad Bunny, Kali Uchis o Shakira.
Mención aparte merece ese videoclip con una bailarina vestida del cuadro de Strozzi ‘La personificación de la fama’, en el que adivinamos referencias a George Michael en general, Katy Perry (‘Bon Appétit‘) y U2 (‘Numb’).
Valeria Castro ha sido la última invitada musical en ‘La Revuelta’, que en las últimas semanas ha bromeado sobre su pérdida de audiencia en favor de ‘El Hormiguero’ y los realities de Telecinco. Este año no está liderando el prime-time como sí consiguió en su primer cuatrimestre.
En cualquier caso, su apuesta musical sigue siendo exquisita. ‘el cuerpo después de todo‘ ha sido nuestro penúltimo «Disco de la Semana», ha entrado en el puesto 27 a la lista oficial española -mucho más alto que su debut- y Valeria Castro ha decidido apostar en el programa por ‘debe ser’.
El tema que en el disco la ayuda a entonar Sílvia Pérez Cruz es interpretado enteramente en acústico, solo con guitarra y sin featuring.
Como nos contó en una reciente entrevista reciente, Valeria Castro decidió añadir una coda final tipo mariachi, aprovechando que el disco fue grabado en parte en Ciudad de México. En esta grabación, no acompañan los mariachis pero los tarareos propios de la canción melódica clásica, brillan igual hacia el final. Incluso estéticamente, la actuación remite a los años 70 de Cecilia.
Valeria Castro tiene una gira de unas 50 fechas anunciada, desde Barcelona en breve a Madrid ya en 2026, pasando antes por toda Europa y parte de América. No dejéis de consultar su página web.
Rayden ha anunciado que vuelve a la música, pero ha aclarado que no tiene preparados ni nuevo single ni nuevo disco ni nueva gira. De momento, Rayden asegura que le apetece volver a realizar conciertos, recupera por tanto el alias por el que es conocido y, además, reivindica su derecho a «desdecirse si se da voz de verdad a uno».
En un breve comunicado publicado en Instagram, David Martínez Álvarez explica que se retiró de la música por motivos personales, en concreto por «pudor» a «ser mal padre por un trabajo que te ocupa tiempo», «mal pareja por el «amor de tu vida»» y «mal jefe si no respondo al ritmo de la industria». Durante un viaje a Nepal, Rayden se dio cuenta de que la música seguía siendo su ilusión.
Rayden profundiza en su regreso a la música en una entrevista con El País. El artista de Alcalá de Henares niega que su decisión responda al «márketing» y explica que «tomé esa decisión porque tenía miedo de que mi hijo se olvidase de mí al pasar tanto tiempo fuera de casa», y señala que «no quiero negar una cosa [la música] que me hace bien». Además, Rayden indica que tiene una canción escrita y que ha compuesto otras tres con Delaporte durante su viaje a Nepal, pero que de momento no va a publicar nada.
Rayden anunció su retirada de la música en 2023, en el mejor momento de su carrera; publicó un disco, ‘La victoria imposible’, que se suponía definitivo,y durante 2024 realizó una gira de despedida que acabó de mala manera por culpa de un gobierno de derechas. Rayden anunció que se dedicaría plenamente a su faceta de escritor, que ha continuado estos años, compaginadq con su papel de asesor en Benidorm Fest.
Sobre Benidorm Fest, Rayden explica también a El País por qué ha abandonado la asesoría del festival: «Cuando al sector eurofán no les gusta algo lo viven de manera nociva. Sentía que cada vez tenía menos mano y que mi idea de festival estaba sepultada por la de otras personas».
La película de Ronnie Spector ya es una realidad, prácticamente. Aunque existían rumores de que Zendaya iba a interpretar a la carismática cantante de The Ronettes, hoy Deadline ha confirmado que Barry Jenkins, director de la aclamada y premiada ‘Moonlight’, se encargará de la realización de la cinta.
Según la información del medio estadounidense, tanto Zendaya como Jenkins llevaban un tiempo queriendo trabajar juntos. En cuanto a la película, la historia estaría basada en las memorias de Spector, publicadas en 1990, y tratará de «sumergir a la audiencia en lo que pudo haber sido la vida de la cantante con el problemático productor Phil Spector», en contraposición a un «biopic tradicional».
Antes de fallecer en 2022 tras una breve batalla contra el cáncer, la vocalista había elegido personalmente a Zendaya para interpretarla en la gran pantalla. Dave Kajganich (‘Suspiria’, ‘Hasta los huesos’) se encargará del guion.
A todo el mundo le gusta escuchar música, pero no a todo el mundo le gusta pagar por ella. Y no pasa nada, las versiones gratuitas están ahí por algo y, si no te importa comerte anuncio tras anuncio, es la opción más recomendable para ti. Cada uno tiene su propia manera de consumir música, ¿no? Eso sí, para la miseria que paga Spotify a sus artistas, no vayas a piratear la aplicación. Sobre todo, si aprecias la privacidad de tus datos.
No es extraño que en un grupo de amigos haya más personas con la versión gratuita de la aplicación musical por excelencia, en este caso Spotify, que con la versión de pago. Si tomásemos como ejemplo las personas que comentan en una web como esta, el resultado sería totalmente al contrario, pero no es el mundo real. De hecho, lo normal es que quien no está dispuesto a pagar por escuchar música no se conforme con una simple versión capada, sino que intente tenerlo todo a cambio de nada.
Esto no es más que un reflejo a menor escala de las estadísticas globales de la aplicación, que a su vez arrojan luz sobre la forma de consumir música en 2025 (aunque los datos son de 2024). Aproximadamente, Spotify cuenta con 675 millones de usuarios activos mensuales, de los cuales 263 millones son suscriptores de pago. Es decir, más de la mitad de los usuarios de Spotify (61%) utilizan la versión gratuita de la app. ¿Cuántos de estos utilizan la APK? Imposible de saber, pero con ver los resultados sugeridos al escribir «Spotify» en Google ya se intuye que bastantes.
Las siglas APK significan «Android Package Kit» y esto no es más que un archivo que se utiliza para instalar aplicaciones en Android. En este caso, versiones que permiten acceder a los beneficios por suscripción a cero coste. Todo cambió hace dos semanas, cuando el paraíso de estos usuarios desapareció después del endurecimiento de las restricciones por parte de Spotify, dejando sin acceso a todos ellos. No tardaron en buscar alternativas.
Resulta que un reciente estudio ha descubierto que la más popular de las alternativas es un claro peligro para la seguridad de los dispositivos móviles. El equipo de Hybrid Analysis ha llevado a cabo la investigación, descubriendo que, aparte de permitirte explotar a tu artista favorito, la APK también puede grabar audio sin permiso y ejecutar instrucciones no autorizadas.
Básicamente, cuando te descargas el archivo y reinicias el móvil, el programa solicita permisos relacionados con la cámara, los contactos, la SIM, los mensajes y el calendario. Obviamente, ninguno de estos es necesario para reproducir música. Al provenir principalmente de fuentes no oficiales, cualquiera de estos archivos pueden ser alterados para contener un virus o cualquier elemento dañino para el sistema móvil, y así conseguir información de máxima privacidad.
¿Es posible que el miedo que provoque este artículo en esos usuarios sea más poderoso que la propia amenaza real? Es posible, pero si sirve para que al menos una persona se plantee pagar algo de dinero para contribuir (ligeramente) a dar de comer a sus artistas favoritxs, habrá merecido la pena.
Cientos de personalidades de la cultura y el activismo se han reunido esta mañana frente a las puertas del Congreso de los Diputados para realizar una lectura pública del manifiesto que critica la defensa de Pedro Sánchez de aumentar el gasto militar en Europa para hacer frente al contexto geopolítico actual.
Sánchez suscribe así el plan de la Unión Europea de «rearmar Europa», el cual implica movilizar el gasto militar europeo en hasta 800.000 millones de euros. El plan fue anunciado por la presidenta de la Comisión Europea, Ursula von der Leyen, el pasado 4 de marzo.
El manifiesto leído por los actores Carolina Yuste y Juan Diego Botto sostiene que “el rearme de Europa no traerá la paz, sino que nos acercará aún más a la guerra” y critica que el incremento del gasto en defensa y seguridad que se produzca en España merme derechos sociales. “No podemos ni queremos aceptar que el dinero de nuestros hospitales públicos, nuestras escuelas y nuestras universidades públicas, nuestro sistema de atención a la dependencia, nuestras políticas de protección y de cobertura social para los momentos de dificultad, de lucha contra el cambio climático, la violencia machista, el racismo o de protección frente a emergencias, de cooperación, vaya a ser destinado a comprar tanques, fusiles, cazas y misiles para la guerra”.
“¿Qué parte de esos miles de millones va destinada a mejorar la educación, la sanidad, la terrible situación de la vivienda, la precariedad en la cultura, la armonía medioambiental o la solidaridad internacional?», ha planteado el texto, suscrito también por personalidades como Rozalén, Javier Bardem o Aitana Sánchez-Gijón.
Sin embargo, Pedro Sánchez ha asegurado que el refuerzo militar de España no afectará a la política social, sino que la «protegerá». «El compromiso del Gobierno de España es indiscutible, firme y decisivo: no vamos a recortar ni un céntimo de euro en política social para hacer frente a este compromiso que tenemos con Europa, y también con nuestro país, en el ámbito de la seguridad y la defensa».
Pedro Sánchez ha reiterado su compromiso de que España incremente su gasto en defensa hasta alcanzar el 2% del PIB antes de 2029, en respuesta a las demandas de sus aliados en la Unión Europea y la OTAN. Sin embargo, el manifiesto defiende que existen caminos alternativos: “¿No sería necesario invertir en mayores esfuerzos políticos y diplomáticos que ante las amenazas de agresión busquen caminos de diálogo todavía no explorados?»
Rigoberta Bandini ha sido la invitada musical de esta noche en el Late Xou de Marc Giró, el programa de entrevistas que La 1 emite después de La Revuelta. Bandini se halla en plena promoción de su nuevo disco, el ambicioso ‘Jesucrista Superstar‘, el Disco de la Semana.
La actuación de Paula Ribó en Late Xou ha recordado a la de ‘Tengo un pensamiento‘ de Amaia por formato. Bandini ha presentado ‘Amore Amore Amore’ interrumpiendo la entrevista de Blanca Suárez, que en ese momento se encontraba sentada en el sofá charlando con Giró.
Bandini ha aparecido en el escenario de Late Xou pintada de azul y vestida como una azafata de vuelo de los años 60. Acompañada de tres bailarinas, ha servido Manhattans a los presentes. El vestuario de ‘Amore Amore Amore’ puede responder al estilo retro -casi doo-wop- de la canción. La piel azul, claramente, a que Bandini dobla a la Pitufina en la próxima película de Los Pitufos.
No es la primera vez que Rigoberta Bandini promociona ‘Jesucrista Superstar’ en el Late Xou de Marc Giró. Hace un par de meses, Bandini llevó ‘Pamela Anderson’ a ese mismo escenario. ‘Kaimán‘ sonó después en otro espacio, el de la final de Benidorm Fest.
En realidad, el nuevo single de ‘Jesucrista Superstar’ -si es que el concepto de single sigue teniendo algún sentido- es ‘Busco un centro de gravedad permanente’, que se ha promocionado con videoclip.
2021 fue un año importante para Michelle Zauner. ‘Crying in H Mart’, su conmovedor libro autobiográfico sobre la muerte de su madre, recibió excelentes críticas y se convirtió en un best seller; publicó la música para el videojuego ‘Sable’; y ‘Jubilee’, su tercer disco con su banda Japanese Breakfast, la llevó a conseguir varias nominaciones a los Grammy. Aquel álbum tenía un propósito disruptivo en la discografía de la artista, que tras dos trabajos que reflexionaban sobre el duelo, ofrecía un sonido explosivo centrado en la alegría.
Cuatro años más tarde, Zauner ha tenido que hacer frente a ese éxito que la llevó a girar por medio mundo y a actuar en programas como Saturday Night Live o el show de Jimmy Fallon. Con todo ello, vino un periodo complicado de introspección y de pausa. La artista se marchó a Corea durante un año, para escapar del estrés, aprender mejor el idioma, empaparse de la cultura de sus raíces (su madre era coreana) y escribir un nuevo libro. Dentro de este proceso, surgió ‘For Melancholy Brunettes (& sad women)’, un trabajo que en lugar de seguir surfeando la ola indie pop de ‘Jubilee’, ofrece un espacio lúgubre y meditativo donde las guitarras vuelven a cobrar el protagonismo de sus dos primeros discos.
Para conseguir este sonido melancólico, Japanese Breakfast se acercó a Blake Mills, cantautor y productor de Perfume Genius y Fiona Apple, para que produjera el álbum. Una elección muy acertada teniendo en cuenta la deslumbrante belleza instrumental conseguida desde la primera hasta la última pista. La delicada voz de Zauner se acomoda en estas composiciones con fuerza, sirviendo de narradora excepcional para esta serie de viñetas sobre situaciones sentimentales amargas. La tristeza es el denominador común de todas las canciones, pero no es desgarrada, sino más bien un sentimiento asimilado que acompaña a los personajes.
En la hipnótica ‘Here Is Someone’, Zauner quiere huir de la frenética vida que siempre ansió con tener, pero a la vez no quiere decepcionar a sus seguidores. Pese al anhelo por días más sencillos, el órgano y los sintetizadores espaciales otorgan una sensación onírica y esperanzadora. En el chamber pop de ‘Orlando In Love’, la cantante se inspira en ‘Orlando innamorato’, el poema inacabado de Matteo Maria Boiardo, para contar la historia de un hombre que es seducido por una sirena hasta terminar ahogado. Esto es un tema recurrente a lo largo de todo el disco: las consecuencias de los errores de los hombres.
En el shoegaze de ‘Honey Water’, una de las canciones más espectaculares que ha firmado Japanese Breakfast, la narradora se pregunta por qué su pareja no puede serle fiel. Ella aguanta en la relación por pura cobardía mientras ve como él vuelve a hacerle daño una y otra vez. Finalmente, la abandona: “In rapturous sweet temptation, you wade in past the edge and sink in/ Insatiable for a nectar, drinking ‘til your heart expires [En un arrebato de tentación dulce, cruzas el borde y te hundes/ insaciable de néctar, bebiendo hasta que tu corazón caduque”]. En ‘Mega Circuit’, Zauner retrata la violencia intrínseca a la educación patriarcal que convierte a muchos hombres en “eunucos incels” y a las mujeres en simples objetos de deseo. Mientras, ‘Men In Bars’, un improbable pero fantástico dueto country con Jeff Bridges, narra una relación que se ha roto.
‘Little Girl’ y ‘Leda’ son dos de los cortes que revelan más abiertamente las experiencias personales de Zauner. Ambas baladas tratan sobre la complicada relación con su padre a partir de que su madre muriera y él se mudara a Tailandia y empezara una relación con una mujer más joven. La primera está narrada desde su perspectiva, ansiando saber algo de su hija, arrepentido por sus errores. La segunda está basada en una llamada de teléfono tras mucho tiempo sin hablar, marcada por la desconfianza, pero también por una profunda intensidad emocional y la esperanza de reestablecer el vínculo.
Inspirada en la dinámica con su marido, ‘Picture Window’, un potentísimo número indie-rock con un estribillo perfecto, versa sobre la ansiedad constante de perder a seres queridos. Zauner muestra, con cierto humor, su frustración al ver que su pareja no se preocupa por una muerte inminente como ella lo hace (“Do you not conceive my death at every minute / while your life just passes you by? [¿No concibes mi muerte a cada minuto / mientras la vida te pasa por delante?]”). La artista defiende sus preocupaciones en el estribillo, ya que ha experimentado la muerte de cerca: “All my ghosts are real [Todos mis fantasmas son reales]”.
En ‘For Melancholy Brunettes (& sad women), Japanese Breakfast construye un universo literario y musicalmente rico, con pasajes de guitarra y piano emocionantes, mandolina, órgano y percusión de gamelán. El álbum entero se erige como un sólido tratado sobre la melancolía, sobre aceptar la tristeza como una parte inevitable de la experiencia humana.
Tomavistas 2025 suma a Romy, Kelly Lee Owens, Yard Act, Frente Abierto y Xenia y da por cerrado el cartel de su edición de 2025.
La programación de Tomavistas 2025 ya contaba con Amaia, Mala Rodríguez, Caribou, Mogwai, Bombay Bicycle Club, Judeline, Love of Lesbian o María José Llergo entre sus principales nombres.
El festival celebra su próxima edición los días 29, 30 y 31 de mayo en la Caja Mágica de Madrid. JENESAISPOP es por primera vez medio colaborador.
El jueves 29 de mayo inaugurará el festival Amaia, Mala Rodríguez (con el 25 aniversario de ‘Lujo Ibérico’), Judeline, María José Llergo, Barry B, Jimena Amarillo, pablopablo, trashi, Ganges y Xenia.
El día siguiente, viernes 30, será el turno de Caribou, Bombay Biclycle Club, Love of Lesbian, Doves, Carlos Ares, Maika Makovski, Karavana, Carlangas, Parquesvr, Viva Belgrado y Las Dianas.
Finalmente, la clausura del sábado 31 de mayo será de Romy, Mogwai, Kiasmos, Kelly Lee Owens, Yard Act, Depresión Sonora, Biznaga, La Élite, Camellos, Frente Abierto y La Milagrosa.
Las entradas de día, abonos de dos días y abonos completos ya están a la venta en la web de Tomavistas.
Panda Bear vive un momento dulce tras el lanzamiento de su último disco, ‘Sinister Grift‘. La crítica nunca le ha dado la espalda y ‘Panda Bear Meets the Grim Reaper‘, su disco de 2015, le ganó nuevos fans cuando parecía que nunca iba a superar el impacto de ‘Person Pitch‘ (2007), por cierto, uno de los poquísimos discos nuevos puntuados en JENESAISPOP con un 10 sobre 10. Sin embargo, ‘Sinister Grift’ parece haber abierto una nueva fase de popularidad para Noah Lennox.
A Lennox le ha sentado de lujo en los últimos años de su carrera mudarse a Portugal y trabajar con Sonic Boom. Si no fuera porque, desde este medio, hemos defendido ‘Isn’t It Now?‘ (2023), el último disco de Animal Collective, se podría decir que Panda Bear escribe actualmente mejores álbumes que la banda que le dio a conocer. Por supuesto, sus millonarias colabos con Daft Punk y Dean Blunt han contribuido a mantener su nombre en el candelero, a pesar de su evidente timidez.
Una timidez -aparente, al menos- que se hace evidente en directo. El artista, subido al escenario de la sala Paral·lel 62 de Barcelona, donde antes ha tocado Alien Tango de telonero, actúa vestido muy de andar por casa, con una sudadera, y solo se dirige al público para agradecer su asistencia al final del show. En concreto, antes del bis con los guitarrazos de ‘Praise’. Previamente, Lennox ha hecho volar al público con la épica psicodélica de ‘Take Pills’. De hecho, Lennox aparece sobre el escenario para arreglar algunos instrumentos antes de salir. No se da a sí mismo ningún misterio.
Y, sin embargo, la música de Panda Bear en vivo suena potente, colorida y rica en matices. Su voz, más feroz que nunca. Es efectivamente una expresión de su mundo interior, una visión narcotizada del pop surfero de los Beach Boys que, en ‘Sinister Grift’, vuelve a acercarse a la perfección.
No extraña que Lennox experimente con el dub en ’50gm’, y de su voz hay que decir que su vibrato aletargado y humeante es perfecto para la psicodelia. Acompañado de una banda de cuatro músicos, entre ellos un teclado y un sampler, Lennox desgrana el repertorio de ‘Sinister Grift’ creando verdaderas wall of sounds psicodélicas que ennubilan a la audiencia, especialmente cuando estos muros de sonido se desarrollan a través de jams instrumentales que podrían durar horas. Las armonías surferas y los teclados psicotrópicos de Panda Bear en algunos momentos consiguen que Lennox desaparezca detrás de la música, para bien.
Al show le cuesta arrancar irónicamente con ‘Ferry Lady’, una de las pistas destacas de su disco, que en vivo solo sirve para calentar motores; coge ritmo con ‘Ends Meet’ y asienta su energía definitivamente hacia el tramo medio con ‘Just as Well’ y sobre todo con la recuperación de ‘Last Night at the Jetty‘, una de las pocas concesiones del repertorio a los discos tempranos de Panda Bear. El momento álgido del show, también, antes del viaje nostálgico de ‘Take Pills’.
El concierto de Panda Bear funciona cuanto más funky y progresivo y cuando las capas sonoras construidas con los instrumentos inundan la sala por completo. Sin embargo, la energía del show se mantiene cohibida durante el recital, quizá porque la energía de Panda Bear se transmite al público y la energía del público se transmite a Panda Bear. No todos los conciertos de pop han de ser un subidón, no obstante. Basta con que el sonido sea excelente -que lo fue- y con que el público descubra que ‘Sinister Grift’ vuelve a ser un álbum de Panda Bear que vale la pena. Otro más.
Isabel Coixet ha revelado que sufrió un ictus en 2016. La directora de ‘Mi vida sin mí’ y ‘La vida secreta de las palabras’ ha narrado su historia durante una entrevista en el pódcast ‘Consulta Abierta’ de Podium Podcast, que se graba con la colaboración del Hospital Clínic de Barcelona. La entrevista de Coixet ha sido emitida este lunes en el programa de radio La Ventana de Cadena Ser.
En la entrevista, Coixet cuenta que sufrió un ictus mientras visitaba a su hija hospitalizada en el Clínic de Barcelona. Recuerda que, durante su visita, quedó paralizada durante un minuto mientras subía las escaleras hacia la habitación de su hija y que, cuando llegó y habló con los médicos, expresó palabras ininteligibles. A continuación, Coixet sintió una pérdida de sensibilidad en la mano derecha. Coixet acudió a Urgencias, donde le diagnosticaron un ictus.
Coixet detalla así su historia desde el principio: «Me acuerdo de que me llamaron para decirme que a mi hija la habían ingresado en el Hospital Clínico porque tenía algo en la vesícula y que le iban a operar. Y cuando subí las escaleras del hospital, me llamaron para decirme que un amigo mío estaba ingresado en otro lugar del mismo centro, con un ataque al corazón. Iba por el pasillo de abajo del Clínico y me quedé clavada. Ahí me quedé parada, no podía caminar. Sentí que mi cerebro daba órdenes a mis piernas y que estas no obedecían. Eso duró como un minuto. Entonces llegué a la habitación, donde estaban los médicos con Zoe, mi hija, y me doy cuenta que estoy haciéndoles preguntas a los médicos, pero que lo que digo no es inteligible. La tercera cosa es que cuando fui a lavarme las manos, me di cuenta que no tenía sensibilidad en la mano derecha, que no notaba si el agua estaba fría o estaba caliente. Y ahí ya pensé, esto es muy raro. Así que me fui a urgencias y allí ya vieron clarísimo que había tenido un ictus. Me llevaron a la unidad de ictus, conocí al doctor Chamorro que me explicó clarísimo todo lo que él creía que me había pasado».
Coixet, que en 2023 estrenó la película ‘Un amor‘, se encuentra rodando su nueva cinta, ‘Tre Ciotole’, una coproducción de Italia y España basada en la autobiografía póstuma de la activista italiana Michela Murgia.
Con Isabel Coixet, JENESAISPOP tuvo oportunidad de hablar en 2015. Podéis recordar aquella mina de titulares aquí.
David Archuleta es un cantante estadounidense que se dio a conocer en 2008 en la competición de la séptima temporada de American Idol. Archuleta, que entonces contaba 18 años, quedó segundo, por detrás de David Cook, e inició una carrera musical que a día de hoy abarca ocho álbumes. ‘Crush’, una cápsula del tiempo de 2009, es su mayor éxito.
Pasada su etapa de ídolo adolescente, Archuleta se encuentra desarrollando la segunda fase de su carrera. En los últimos tiempos, Archuleta ha sido noticia por salir del armario como persona queer y alejarse de la iglesia Mormona en la que creció y, también, por viralizar su directo sexy de ‘Espresso’ de Sabrina Carpenter. No extraña que haya grabado una versión de ‘Freedom’ de George Michael.
Aquel viral ha influido en el sonido del nuevo single de David Archuleta, ‘Crème Brulée’, un disco-pop dulce como la crema catalana y relajadito como ‘Espresso’. Relajado, en su salsa, se halla también Archuleta en la canción mientras seduce a un muchacho al que vuelve «loco, loco». El spanglish de ‘Crème Brulée’ se explica con que Archuleta es hondureño por parte de madre.
‘Crème Brulée’ se ha lanzado al mercado con un videoclip sencillo pero efectivo que muestra a Archuleta y sus bailarines ejecutando una graciosa coreografía que tiene más detalle del que parece.
¿Es David Archuleta el pop star masculino que necesitamos? Con Justin Bieber retirado, los Jonas Brothers de nuevo reunidos, Bruno Mars secuestrado en Las Vegas, Harry Styles siendo Harry Styles, Zayn siendo Zayn y Louis Tom… bueno, ya me entendéis; la propuesta de David Archuleta no viene nada mal.
Warm Up Estrella de Levante se celebra los días 2 y 3 de mayo en Murcia y la organización ya ha anunciado que los abonos VIP están agotados. Posteriormente se han agotado los abonos normales y ya solo quedan las últimas entradas de día.
Como es habitual, JENESAISPOP es medio oficial de «Warm Up» y por tanto compartimos nuestro listado de 10 imprescindibles que no puedes perderte. A ellos hay que sumar una cantera de artistas también recomendables que comentaremos en semanas venideras: Barry B, Julieta, Rufus T Firefly a punto de editar disco, etcétera.
Amaia
Amaia decía estar nerviosa antes de actuar en el Wizink Center de Madrid, ahora el Movistar Arena. Todos los que presenciamos este concierto coincidimos en que ha supuesto un antes y un después en su carrera, y ahora llega el momento de trasladar todos los encantos de ‘Si abro los ojos no es real‘ a los festivales. Un disco que habla de la muerte, pero que también tiene temas tan divertidos como ‘M.A.P.S.’, ‘Tocotó’ o ‘Nanai’.
M.I.A.
Hace justo 20 años que se publicaba ‘Arular’, el formidable debut de M.I.A., que de alguna manera cambiaba el mundo, con temas como ‘Bucky Done Gun’ o ‘Pull Up the People’. Su segunda entrega, ‘Kala‘ -la que contenía ‘Paper Planes’ y ‘Jimmy’- sería aún mejor. Álbumes como ‘Matangi’ sumaban a un repertorio que siempre se ha construido de beats y samples desquiciados. Con esta apuesta por M.I.A., Warm Up presume de «la edición más alternativa, urbana y arriesgada de la historia del festival».
Franz Ferdinand
Franz Ferdinand han ofrecido tradicionalmente los conciertos más divertidos y llenos de «hits» de cada festival que han pisado, y solo con los temas de sus dos primeros discos podrían repetirlo de por vida. Tal es la energía de ‘Take Me Out’ o ‘This Fire’, que recientemente ha estrenado nueva versión. Su disco de este año, ‘The Human Fear’, suma algunas de sus canciones más glam, como ‘Audacious’: pocas veces habían sonado tan David Bowie.
Zahara
Entre quienes también acuden esta temporada a festivales con nuevo disco bajo el brazo, Zahara, que estrena el show correspondiente a ‘Lento ternura’. En él ha anunciado que habrá muchas concesiones a su pasado, «más que nunca», pero también una «representación del disco nuevo potente» para que aquel que no lo haya escuchado aún, pueda entenderlo igual.
Alcalá Norte
Flamantes ganadores del Premio Ruido a Mejor Disco Nacional del Año, elegido por la prensa musical, Alcalá Norte pasearán por Murcia ya una auténtica retahíla de clásicos underground que se han transformado en favoritos populares, gracias al boca oreja. ‘La vida cañón’, ‘La calle Elfo’ o ‘420N’ son algunos de ellos.
Carolina Durante
Tras actuar en el Movistar Arena también para 15.000 personas -como Amaia-, Carolina Durante han dado un salto igual de grande. Si os fijáis en la lista de discos oficial española, veréis que su tercer álbum ‘Elige tu propia aventura‘ lleva 21 semanas dando vueltas por el top 25 aproximadamente. Es decir, ya es el más exitoso de su carrera.
Ralphie Choo
Dos años después de ‘SUPERNOVA‘, Ralphie Choo se ha asentado como uno de los productores más avanzados de nuestro país. El año pasado se codeaba con la mismísima Rosalía en un tema llamado nada menos que ‘Omega’, y últimamente ha entregado un tema con pablopablo y Carin Leon. No obstante, apostamos a que su repertorio se sigue componiendo principalmente de hits propios como ‘BULERÍAS DE UN CABALLO MALO’, ‘MÁQUINA CULONA’ o ‘GATA’. Imprescindibles.
Fangoria
Sin material nuevo por el momento, ni noticias sobre la existencia del mismo, Fangoria se lanzan a la carretera este año para ofrecer su típica colección de hits, infalible en espacios como Warm Up Festival. Desde la organización aseguran que «en Murcia bailaremos temas como ‘Dramas y comedias’, ‘A quién le importa’ o ‘Espectacular’», y nadie que conozca el recinto lo pondrá en duda.
Dorian
Quienes sí acuden con disco nuevo y además uno que está muy bien, ‘Futuros imposibles‘, son Dorian. Las colaboraciones con Santiago Motorizado y Viva Suecia suman ya un millón de streams, pero pronto lo conseguirá también su single sin featuring ‘Materia oscura’, y lo merecen otras canciones propias nuevas como ‘Por ti’, la que entona por primera vez Belly.
Polo&Pan
El «French touch» en Murcia lo pondrán Polo & Pan, que este mismo viernes 28 de marzo publican su nuevo álbum. De ’22:22′ han presentado de momento 3 singles, a cual de todos más bombástico. Uno de ellos cuenta con Metronomy. Otro, ‘The Mirror’, es el vivo retrato de Giorgio Moroder. Y el resplandeciente ‘Nenuphar’, de tintes disco, cuenta con las voces del grupo creado en Ciudad de México I.M YONI, y está en parte en castellano.
Bad Bunny vuelve estos días a ser número 1 en España con ‘Debí tirar más fotos‘. En total, son 10 las semanas que lleva en la cima de la lista de álbumes de nuestro país. Un doble platino que está a punto de ser triple, más los que vendrán en el que va ser -de nuevo- el gran año de Bad Bunny. Para algunos, es su disco definitivo, ¿pero no lo fueron antes también ‘YHLQMDLG’ o ‘Un verano sin ti’? ¿Es su dedicación a géneros más clásicos, como la salsa o la plena, lo que le ha dado una validación aún más grande de un público cada vez más transversal?
Analizamos todas estas cuestiones en un nuevo capítulo del podcast REVELACIÓN O TIMO. Para ayudarnos a comprender su figura en toda América, invitamos a la periodista Franchesca Guim, de Billboard Latin. Dominicana y experta en música latina tras haber entrevistado a personajes como Karol G, Luis Fonsi o Maluma, nos habla de cómo la música en español ha crecido en Estados Unidos en los últimos años, o de cómo ha permeado a un público cuya primera lengua es el inglés, a través de las redes sociales. «Mis sobrinas de Miami no hablan español y escuchan Bad Bunny. Y también a Quevedo», revela.
Tras una primera mitad dedicada a hablar del fenómeno Bad Bunny y de esta campaña de manera más genérica -la residencia, la influencia de Puerto Rico en el «disco más portorriqueño de Benito», el corto que ha introducido el álbum-, en la segunda mitad del podcast desgranamos el álbum «canción por canción». ¿Cuál será el tema que veremos en las listas de lo mejor del año o aspirar a los Grammy? TikTok al margen, apostamos por ‘Nuevayol’ o ‘Baile inolvidable’, aunque también señalamos otras favoritas como ‘KLOuFRENS’, ‘BOKeTE’ o ‘TURiSTA’. Supera todo esto, Rosalía…
