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Sesión de Control: Elastic Band, Manu Chao & Ti.po.ta., Pional, Maka, The Yellow Melodies…

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Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de Elastic Band, Manu Chao & Ti.po.ta., Pional, Maka, The Yellow Melodies, Carlos Siles, Júlia, Fetus y los debutantes Serpiente y Oh! Ayatollah.

Elastic Band

Ya casi nos habíamos olvidado de ellos, pero por suerte Elastic Band no habían tirado la toalla. Quienes seguían nuestro site ya en nuestros inicios recordarán este grupo formado por el ex-Cecilia Ann Pablo Román y María Sánchez, que deslumbró con su debut ‘Boogie Beach Days’ (2008) y siguió cautivando con el más ochentosoMooD’ (2011), artefactos de pop ingenioso construidos con la audacia de unos Avalanches o unos of Montreal. 2018 será año de regreso para ellos y en sus primeros meses publicarán ‘Fun, fun, fun’, álbum del que, a modo de buzz-single, presentan ‘Barry W’, un explícito homenaje a Barry White al que “obligan” a bailar coreografías de películas musicales del Hollywood dorado. [Ndr: Como lamentablemente ‘Barry W’ no está en Spotify, para la playlist hemos recuperado su hit ‘Boogie Beach Boys’.]

The Yellow Melodies

En las últimas semanas de 2017 la banda del incombustible Rafa Skam (Vacaciones) ha presentado, tras un álbum de rarezas y remezclas, tres discos de versiones varias y un tributo a BMX Bandits, su primer disco con canciones inéditas desde que en 2010 publicaran ‘New Identities’. Pero los años no han pasado por ellos, que siguen en sus trece para felicidad de los fans –como ellos– del mejor twee-pop de escuela británica. ‘Life’ no les decepcionará lo más mínimo. Este viernes, 12 de enero, presentan ‘Life’ en la Sala Musik de Murcia.

Fetus

Aunque lo parezca por su nombre, no, no se trata de un nuevo grupo de death-metal. Joan Colomo (The Unfinished Sympathy) ha producido el debut de este trío de punk-ska garajero formado por Adrià Cortadellas, que fuera miembro de Sanjays. Las 11 canciones de ‘L’epicentre del fangar’ se presentan alejadas de poses forzadas que empaticen con tendencia alguna: rock’n’roll enérgico a lo The Who pero con historias de proximidad a lo Brighton 64.

Júlia

Júlia son un dúo femenino de Alcoi, pero ningun de ellas se llama así. Estela Tormo y Lídia Vila acaban de publicar ‘Pròxima B’, su segundo disco de estudio tras ‘Nuvolàstic’ (2015) que cuenta además con unas preciosas portadas hechas a mano. Un nuevo tratado de dreampop cantado en valencià que debería engatusar tanto a fans de Desert como de Beach House, aunque cuando se ponen en plan saltarín –como en este ‘Cap parat’– remiten al pop de Au Revoir Simone, por ejemplo. Este viernes, 12 de enero, presentan ese nuevo disco en la Sala Wah Wah de Valencia, junto al grupo Dual.

Serpiente

Resulta enormemente estimulante que cada vez más chicas, y cada vez más jóvenes, se lancen a formar grupos de rock. Serpiente son un trío bilbaíno que acaba de subir a Bandcamp y plataformas de streaming su primer EP, cinco canciones urgentes que se devanean con decisión entre el after-punk y el synth-pop más oscuro, en la escuela de Violeta Vil. Un nombre que podría dar mucho que hablar en el futuro.

Oh! Ayatollah

Galicia no deja de dar alegrías a los seguidores del pop de guitarras onda Novedades Carminha. Los próximos en la fila son Oh! Ayatollah –¿un homenaje a Siniestro Total, quizá?–, un grupo radicado en Santiago de Compostela por tres chicos y una chica de distintas ciudades gallegas que estudian allí. Después de un EP y un single presentados en 2016 repletos de candor amateur y cierta actitud punkpop –The Feelies parecen una influencia evidente–, en las últimas semanas de 2017 mostraron la canción que podría darles un espaldarazo definitivo: ‘Volve a canción protesta’, que además tiene un simpaticón vídeo con final siniestro, suena magnética y pulida. El día 2 de febrero en la Sala Capitol de Santiago mostrarán esta y otras nuevas canciones.

Manu Chao & Ti.po.ta.

2017 ha supuesto el regreso a la actividad musical del admirable Manu Chao. Que no a la actividad discográfica, ojo, porque lo que ha hecho ha sido sobre todo lanzar canciones sueltas, firmadas tanto con su nombre propio como con el proyecto Ti.po.ta., que mantiene con la actriz y cantante griega Klelia Renesi. En nuestra selección incluimos las últimas canciones subidas a Spotify de ambas facetas, la primera más puramente reggae –produce el barcelonés Chalart58–, y la segunda en el estilo más reconocible del francés, guiño a ‘Por qué te vas’ de Jeanette incluido.

Pional

Tras editar en 2016 su último EP, ‘When Love Hurts’ –con colaboración de la neoyorquina Empress Of incluida–, para Miguel Barros, Pional, el pasado 2017 fue un año para madurar proyectos que verán la luz muy pronto (recordemos que ha co-producido ‘Guerrera’, el single conjunto de Dellafuente y C. Tangana). Eso asegura el músico y productor madrileño en una entrevista en la que presenta además un tema inédito llamado ‘Old Days’ que, tras quedar descartado de esas nuevas referencias, ha ofrecido en libre descarga. Lo cierto es que si esto es un descarte, no podemos esperar a que lleguen más temas. [Ndr: dado que ‘Old Days’ no está en Spotify, nuestra playlist incluye el estupendo remix que ha hecho para ‘Å’, incluido en el último álbum del noruego Prins Thomas.]

Maka

Y ya que citamos a Dellafuente, vamos con uno de sus mejores socios artísticos. Maka posee un bagaje más dilatado que el de el propio Chino: en breve publicará ‘Dvende’, su sexta referencia –solo el año pasado lanzó dos: ‘Raíces’ y ‘Alma’– de la cual acaba de presentar el tercer avance. En ‘No te necesito’ muestra sus impresionantes skills, que le permiten ejercer de MC y cantaor con quejío sobre el mismo tema de base reggaetonera.

Carlos Siles

El cantautor granadino Carlos Siles ha hecho de su tercer disco, el primero que edita en el sello Meta Volante, un reto artístico distinto. Se trata de ‘Todos mis caminos han terminado contigo’, un «foto-disco» cuya parte gráfica –un libro de 50 páginas de 18×18 y tapa dura que complementa a la música– ha corrido a cargo de la fotógrafa Laura C. Vela y el diseñador Antonio Arias. Si en obras anteriores Siles había contado con las colaboraciones de Zahara, Alondra Bentley o Boza, esta vez ha sido Julio de la Rosa el que ha participado en una de sus canciones, ‘El gran boxeador’. Tras llenar la sala Galileo hace unas semanas, Carlos Siles volverá a Madrid para tocar estas nuevas canciones con su banda. Será el 2 de febrero en Contraclub.

Céline Dion se ocupa con sentido del humor de una mujer a la que invita a su escenario, sin saber que está ebria

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Céline Dion ha actuado recientemente en Las Vegas, donde ofrece una serie de conciertos fijos desde hace años. En uno de sus últimos espectáculos, Dion invitó al escenario a una mujer del público, sin saber que se encontraba en estado de embriaguez y que su propósito para subir al escenario no era acercarse a Dion, sino comunicar públicamente que su hijo acaba de recibir un trasplante de médula ósea, y expresar que todo el mundo debería hacerse donante.

Durante su diálogo con Dion, la mujer no para de abrazar a la cantante de manera agresiva, hasta el punto que la seguridad de Dion se ve obligada a acercarse, pero la cantante pide que se retire. Entonces, Dion expresa su admiración por la mujer: “ambas tenemos niños a los que amamos y por los que luchamos y ambas vamos vestidas de dorado, es una señal”.

Cuando por fin está sola, Dion da las gracias a la mujer por haberse acercado y al público por su paciencia: “algunas personas sufren, y necesitan hablar, y quiero daros las gracias a todos porque, por cinco minutos, le hemos dado a esta mujer un momento para hablar. Y la hemos escuchado”.

The Killers conmueven con el clip de ‘Rut’, que trata la depresión de la mujer de Brandon Flowers

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The Killers afrontan 2018 como un año para seguir presentando el álbum que editaron meses atrás, ‘Wonderful Wonderful’, que no solo es su disco más completo hasta la fecha sino que además les ha permitido alcanzar el número 1 de ventas en su país, Estados Unidos, por primera vez. Confirmados ya como el primer gran cabeza de cartel del FIB 2018, ahora el grupo de Las Vegas nos presenta el vídeo oficial para uno de los mejores temas de este disco, ‘Rut’.

Brandon Flowers explicó en Newsweek que ‘Rut’ era su tema favorito del álbum, y uno de los que más orgulloso estaba de toda su carrera. En él se pone en la piel de su esposa, Tana Mundkowsky, que sufre episodios de depresión derivados de un estrés post-traumático que sufre desde que era niña: “Es [una canción] muy emocional, y es la única en la que me he sentado con ella y se la he tocado al piano, solo para saber si estaba de acuerdo en que la tocáramos”.

El vídeo dirigido por Danny Drysdale para el tema encara de manera poco imaginativa pero conmovedora ese problema de salud de Tana, mostrando a una niña con evidente tristeza –especialmente impactante es el momento en que ella, junto con otras chicas, busca consuelo escondiéndose en un hueco en la pared– en los mismos escenarios en los que una mujer adulta permanece con idéntica aflicción. Sin embargo, aunque huye y parece no poder salir nunca de ese “bache” al que alude el título de la canción, el clip, como el estribillo de la canción (“No dejes de confiar en mí, solo estoy pasando un bache / Escalo los muros pero me quedo atascada”), deja espacio para la esperanza.

Tonya Harding no quiere tener nada que ver con la canción de Sufjan Stevens sobre ella

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Este mes de diciembre ha llegado a la cartelera estadounidense ‘I, Tonya’, un nuevo biopic sobre la ex patinadora de hielo Tonya Harding centrado en su indirecta conexión con el ataque a la patinadora Nancy Karrigan, en 1994 su competidora directa en la carrera a los Juegos Olímpicos. La vorágine mediática que sucedió a la controversia dañó enormemente la imagen pública de Harding, pero en los últimos tiempos la atención mediática hacia ella se ha tornado a su favor, entendido que la deportista sufrió pese a todo un acoso inmerecido.

Lo que nos lleva hasta nuestros días. Coincide que con el estreno de la película sobre Harding, otros celebran paralelamente la figura de la ex patinadora, como el cantautor Sufjan Stevens, quien recientemente le ha dedicado a Harding una canción. Pero Harding no quiere tener nada que ver con ella, como ha contado en una entrevista para T Magazine que recoge Stereogum. Parece que el acoso mediático ha pasado factura, porque Harding se niega a que los demás se lucren con su nombre, sea para bien o para mal.

El redactor Taffy Brodesser-Akner le cuenta a Harding sobre el revisionismo con el que se ha interpretado su figura en los últimos años, y escribe: “Pero ella no quiere oír nada de eso. ¿Qué sabemos sobre ella? Nunca le preguntamos. Ella no quiere tener nada que ver con la bonita canción sobre ella que ha hecho Sufjan Stevens. ¿Acaso la hemos llamado primero para hablar con ella? ¿Algunas de estas personas que escriben para defenderla la han llamado alguna vez y le han consultado si podían usar su nombre para ganar dinero?” Brodesser-Akner entonces cita a Harding, quien pregunta: “¿quién ha dado permiso a esta gente para usar mi nombre?”

“Todo cambia. Nada cambia”: Sala Apolo celebra su 75 aniversario a lo largo de 2018

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En 2018 será especialmente grato vivir en Barcelona, pues la renovada Sala Apolo cumple 75 años y lo celebrará a lo largo del año con una serie de fiestas, estrenos, exposiciones, conciertos, charlas y otras novedades que se inscriben en el lema “Todo cambia. Nada cambia”, un lema que refleja la realidad de una sala que siempre ha sido de baile -aunque ha sido, a su vez, otras cosas-, y que ha cambiado solo a medida que se han transformado las épocas. Porque en el espacio que hoy alberga Sala Apolo ha habido una pista de patinaje, un pequeño parque de atracciones e incluso un ring de boxeo, pero lo que siempre se ha mantenido es la pista de baile, desde la apertura de sus instalaciones en 1943.

Todo esto quedará registrado -e ilustrado- en ’75 años sin parar de bailar’, el nuevo libro de la historiadora y antropóloga Eva Espinet sobre la fascinante historia de Sala Apolo, que publica Comanegra el próximo mes de mayo. Se contará por ejemplo la llegada de la sexta flota americana a la sala durante los cincuenta, introduciendo el swing y el rock’n roll a las pistas españolas en pleno franquismo. La historia de Sala Apolo podrá verse también en forma de documental, ‘La juventud baila’, dirigido por Marc Crehuet y que se espera se estrene en el Festival In-Edit de Barcelona en octubre.

Entre fiestas, conciertos y charlas, podrán verse en las instalaciones de Apolo una serie de exposiciones fotográficas que documentarán varios aspectos de Sala Apolo como son la cartelería, los escenarios o el mismo público. Se recordará por supuesto la mítica Orquesta de Apolo, y con el propósito de revivirla, la sala prepara para invierno una fiesta swing en la que una “big band” interpretará en clave swing canciones actuales escogidas por el público.

La celebración del 75 aniversario de Sala Apolo culminará en diciembre con el concierto de una gran banda internacional cuya identidad la sala no ha querido desvelar por el momento. Durante el año, eso sí, se sucederán numerosos conciertos, por ejemplo una maratón dedicada a la escena underground barcelonesa, que durará todo el día. Más información al respecto, en la nueva web interactiva de Sala Apolo, Apolo75, que ya puede visitarse.

Noah Cyrus va directa a por el nicho pop que despreció Miley con un gran clip para ‘My Way’

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El año pasado descubrimos que Billy Ray y Miley no eran los únicos Cyrus que se labrarían una carrera en la música. Noah, la hermana pequeña de la familia, también tenía inquietudes artísticas y, al menos de momento, parece que alejadas del country del padre y del pop con ascendente rockero de buena parte de la de su hermana. Y es que, después de sorprender con el estupendo corte de pop electrónico ‘Make Me (Cry)’ (producido por el interesante Labrinth) que lanzó en 2016, en 2017 continuó dando pasos firmes para cubrir el nicho de cantante de pop contemporáneo que su hermana parece haber desechado para siempre tras la polémica etapa ‘Bangerz’.

Los dispares ‘Stay Together’, ‘I’m Stuck’, ‘Almost Famous’ y ‘Again’ (ft. XXXTENTACION) confirmaban que no estaba solo probando a-ver-qué-tal, que iba en serio. Además, se ha convertido en una voz femenina recurrente en featurings tanto para artistas de rock-soul como Jake Bugg (‘Waiting’, dueto incluido en el último disco del británico) como para productores del éxito de Marshmello (‘Chasing Colors’), Matoma (‘Slow’) o Alan Walker (‘All Falls Down’).

Pero Noah no le teme a tomar riesgos y también se ha acercado, en el tema que hoy nos ocupa, a productores menos populares (de momento) como el dúo británico One Bit. Estos firman la base de ‘My Way’ el último de la mareante cantidad de singles sueltos que Noah Cyrus publicó en 2017. Por el momento no alcanza las mareantes cifras de streaming de varios de los citados en el párrafo anterior, pero eso no ha impedido que protagonice un videoclip fantástico que da una nueva dimensión a este tema de disco pop ultrabailable que discute la preponderancia de Zara Larsson o Dua Lipa en el nicho de nueva-diva-pop-blanca. Una vibrante y colorida pieza dirigida por Watts que sitúa a Noah en un escenario bicolor en el que bailarines imponen ciertas disciplinas a la norteamericana, que quiere “hacer las cosas a su manera”. ¿Para cuándo ese álbum de debut, Noah?

El nuevo rap gana peso en el Festival Cara•B: Dellafuente y Pony Bravo, Mueveloreina y El Último Vecino…

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Festival Cara•B se ha consolidado como una de las propuestas indispensables en la temporada invernal barcelonesa. Tras tres ediciones en continuo crecimiento, acaban de presentar el cartel de esta edición confirmando que la música urban y los nuevos héroes del rap menos ortodoxo le está comiendo terreno poco a poco al underground tradicional.

Así, ante nombres interesantísimos como los de Pony Bravo (que no publican disco desde 2013, ‘De palmas y cacería’), El Último Vecino (que acababan 2017 presentando el atractivo nuevo single ‘Dónde estás ahora’), Hidrogenesse, Los Ganglios, Las Robertas y Esteban & Manuel, casi les superan en número las propuestas de artistas como Dellafuente (que acaba de presentar su primer dueto con C. Tangana, ‘Guerrera’), Ms Nina (icono del neo perreo), Steve Lean (productor de Pxxr Gvng, entre otros), Mueveloreina, Locoplaya (la crew en la que milita Bejo) o Damed Squad. Y aún se guardan un par de sorpresas más por anunciar.

Cara•B se celebra los días 16 y 17 de febrero en la Fabra i Coats de Barcelona. Tanto los abonos (30€ más gastos) como las entradas de día (16€ más gastos) pueden adquirirse a través de la web del festival. La programación musical se amplía y completa con proyecciones, un festival de videoclips, exposiciones y gastronomía.

Flamaradas / Flamaradas

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Aunque era su segundo disco, ‘Pasaje entre las cañas’ supuso el descubrimiento para muchos de nosotros de Daniel Magallón, el talento primordial detrás del nombre Flamaradas. El músico que expone su origen en el extrarradio barcelonés con orgullo y lo eleva a la categoría de arte alcanza en ‘Flamaradas’, su recién estrenado nuevo álbum, una nueva cota personal. Con una producción más cuidada y, sobre todo, un avance técnico notable de la mano del tándem –una garantía– Cristian Pallejà y Ferran Resines, Flamaradas deja atrás el halo de amateurismo –encantador, pero limitado en alcance– que le conectaba con el costumbrismo fantástico de los primeros discos de Sr. Chinarro, mostrando una candidatura seria a instalarse como una de las voces más personales del plano cantautoril en español.

Como en ‘Pasaje entre las cañas’, ‘Flamaradas’ está protagonizado por la singular manera de Magallón de aglutinar influencias tan diversas como la copla, el tango, el blues, el bolero (preciosa su apropiación de ‘Juramento’, del Trío Matamoros), la psicodelia (más Triana que 13th Floor Elevators) y la chanson y filtrarlas en canciones cautivadoras. Tanto como ‘Agitando los brazos’ –arrebatador single principal, y no por casualidad su canción más escuchada en Spotify–, ‘Cerca de aquí’, ‘La luna llena y el vendaval’, ‘El puente’ o la casi convencional ‘Regreso con los animales’, que además esta vez suenan bien arregladas, cuidadas, con el adecuado equilibrio de contundencia y delicadeza –el que ofrecen los ya consolidados coros de Eli Lloveras y Gloria Vilches–.

Con esa manera de entonar su voz tan particular, a medio camino de Will Oldham y Jacques Brel, la voz de Magallón se hace reconocible instantáneamente y sobresale por sí misma ante referentes evidentes, de Nick Cave a Tom Waits –referente ineludible tanto en ‘Juramento’ como en la pseudo-industrial ‘La Vía Láctea descansa’ que cierra el álbum. Tanto como sus letras, que de nuevo se instalan en esa minuciosa descripción de fantasías tan realistas que casi pueden palparse u olerse… o al revés, descripciones tan profundas que distorsionan los sentidos. Aunque cabría desear un punto más de inspiración que nos hubiera procurado más canciones del incuestionable magnetismo de la citada ‘Agitando los brazos’, tampoco hay dudas de que llegarán. ‘Flamaradas’ es un disco de consolidación que allana el camino en una carrera que promete aún mejores obras.

Flamaradas presentan ‘Flamaradas’ esta semana en Madrid, concretamente el sábado 13 de enero en la Sala Costello.

Calificación: 7,4/10

Lo mejor: ‘Agitando los brazos’, ‘El puente’, ‘Cerca de aquí’, ‘Juramento’

Te gustará si te gustan: Bonnie «Prince» Billie, Sr. Chinarro, Tom Waits

Escúchalo: Spotify, Bandcamp

Niño de Elche forzará las fronteras del género en ‘Antología del cante flamenco heterodoxo’

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Ahora que el flamenco se ha convertido en un género no tan ajeno e incluso atractivo para más gente gracias en parte al debut de Rosalía –mal que le pese a los puristas–, uno de sus principales renovadores y divulgadores para las nuevas generaciones, Niño de Elche, anuncia nuevo disco. Disco que, precisamente y no sin cierta sorna e ironía, se presenta con una portada que parece burlarse de la ortodoxia flamenca desde su título, ‘Antología del cante flamenco heterodoxo’.

Un título que, leído al completo en un vistazo atento de su cubierta –en la que el cantaor posa con la solemnidad que requiere el asunto–, revela esa sorna a la que me refería: «Gran magna antología, historia, memoria, rito y geografía del canto flamenco-andaluz, mundo y forma del cante gitano y archivo y tesoro del flamenco original, antiguo, jondo y heterodoxo», dice al completo. Por su envoltorio, en cambio, no se diría que los referentes manejados por Francisco Contreras en la creación de esta obra «van del cineasta Val del Omar, al escritor antiflamenquista Eugenio Noel, el performer Valcárcel Medina y cantantes como Tim Buckley o Mikel Laboa, pasando por la única e inclasificable Lola Flores o músicos contemporáneos como Shostakovich, Crumb o Manuel de Falla».

El disco, que publica Sony el día 23 de febrero en formato de doble CD y triple vinilo, consta de 27 temas creados con la dirección artística de Pedro G. Romero y producción de Raül Fernández Refree, tándem que ya colaboró en el enorme ‘Firmamento‘ que publicó Rocío Márquez el pasado año. El guitarrista Diego de Morón y el bailaor Israel Galván son algunos de los colaboradores ilustres de Contreras en la grabación de este disco, que presentará el día 24 de febrero en Torrevieja, Alicante, antes de hacer una minigira por Países Bajos tras la que actuará en la sala BARTS de Barcelona (9 de marzo), antes de actuar en Nueva York y Miami.

‘Antología del cante flamenco heterodoxo’ supone un nuevo disco de Niño de Elche tras el notable ‘Voces del extremo‘, aunque 2017 también fue un gran año para él, publicando su primer libro –’No comparto los postres’; Editorial BandaÀparte– y ‘Para quienes aún viven‘, primer disco de Exquirla, proyecto que le une a Toundra y que fue uno de los mejores discos nacionales publicados el pasado año.

James Franco afirma que las acusaciones de acoso sexual contra él son “inexactas”

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Poco le ha durado la alegría a James Franco después de ganar un Globo de Oro por ‘The Disaster Artist‘. Franco está en el ojo del huracán debido a en las últimas horas ha recibido varias acusaciones de acoso sexual contra él por parte de tres mujeres, Ally Sheedy, Violet Paley y Sarah Tither-Kaplan. Paley acusa a Franco de haberla forzado a realizarle una felación en un coche y de acosar a dos menores de 17 años, y las tres señalan la hipocresía del actor, quien durante la ceremonia de los Globo de Oro portó un pin de TIME’S UP, el movimiento que lucha por proteger a víctimas de acoso sexual.

Franco ha acudido esta noche al programa de Stephen Colbert para comentar su victoria en los Globos y no ha esquivado las preguntas sobre estas acusaciones. El actor ha dicho que no “sabe” qué ha hecho a Ally Sheedy -quien ha borrado sus tuits- y que las acusaciones contra él son “inexactas”. “Apoyo completamente a la gente que sale a la palestra [para denunciar el acoso sexual] porque ahora tiene una voz que durante mucho tiempo no tuvo, así que no quiero cerrarles esa puerta de ninguna manera”. Franco asegura que si ha hecho algo mal, lo “solucionará”. “En cuanto a cómo hacerlo, yo no tengo las respuestas. Creo que lo importante de este asunto es que escuchemos. Estoy aquí para esuchar y aprender y cambiar mi perspectiva si es que está mal. Estoy totalmente dispuesto a hacerlo”.

‘Wonderstruck. El museo de las maravillas’: Todd Haynes también sabe cómo contar un cuento

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Al contrario de lo que pudiera parecer por su temática infantil, ‘Wonderstruck. El museo de las maravillas’ no supone ninguna ruptura en la filmografía de Todd Haynes. Su preciosista adaptación de la novela de Brian Selznick, ‘Maravillas’ (Ediciones SM, 2012), no está tan alejada de otras películas suyas como ‘Lejos del cielo’ (2002), ‘Carol’ (2015) o la miniserie ‘Mildred Pierce’ (2011). El director californiano sigue dialogando con el melodrama clásico de Hollywood. Y esta vez lo hace llevando esta historia dickensiana de discapacidades y orfandades a su terreno: el de la estilización formal, la emoción contenida y el pasado del cine.

Haynes adapta la novela de Selznick (autor también de ‘La invención de Hugo Cabret’) respetando su estructura dramática (el guión es del propio escritor). Dos historias paralelas, que transcurren en épocas diferentes (1927 y 1977), y están conectadas de tres maneras: por medio de un fabuloso montaje lleno de ingeniosas rimas visuales y narrativas (obra de Affonso Gonçalves, montador también de ‘Carol’, ‘Mildred Pierce’ o ‘True Detective’), a través de una omnipresente y muy expresiva banda sonora compuesta por el gran Carter Burwell, el músico habitual de Haynes o los hermanos Coen (y uno de los favoritos a los próximos Oscar por ‘Tres anuncios en las afueras’), y con la presencia de una magnética Julianne Moore interpretando dos papeles diferentes.

En la primera de las historias, Haynes demuestra todo su talento. En el libro, la parte correspondiente a 1927 está contada solo con dibujos a carboncillo. Un relato sin palabras articulado como metáfora de la sordera de la niña protagonista. En la película, el director resuelve este desafío narrativo también sin palabras; imitando, como en ‘The Artist’, el lenguaje del cine silente. Una brillante opción estilística que funciona como poética equivalencia del original, virtuoso ejercicio de puesta en escena, y sentido homenaje a grandes autores del cine mudo como F. W. Murnau, King Vidor o Victor Sjöström.

En cuanto a la parte ambientada en los setenta, Haynes echa mano de las formas del Nuevo Hollywood, de la aspereza fotográfica y la violencia estilística (zooms, bruscos cortes de plano) de películas como ‘Cowboy de medianoche’ o ‘The French Connection’. Como el niño protagonista, el espectador contempla maravillado la exquisita recreación del Nueva York del verano del 77, el año del gran apagón. La ciudad se convierte en una protagonista más de la historia a través de la maqueta que hay en el museo de arte de Queens. Sobre ella, el director revela el misterio de la trama, a la vez que enlaza la narración -con figuras en miniatura- con su sorprendente debut: ‘Superstar: The Karen Carpenter Store’ (1987), el biopic sobre The Carpenters que realizó con muñecas Barbie. 8’5.

P!nk cantará el himno de Estados Unidos en la Super Bowl

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P!nk vive uno de los momentos más dulces de su carrera gracias a su último disco, ‘Beautiful Trauma‘, uno de los 10 más vendidos de 2017; y a esta buena racha se suma ahora la noticia de que la cantante interpretará el himno de Estados Unidos en la Super Bowl. Como ya se sabe, en el intermedio del evento actuará Justin Timberlake, que presenta disco.

Suele haber mucho revuelo entorno al artista que actúa en el intermedio de la Super Bowl, ya que se trata del evento musical televisado más importante de Estados Unidos y uno de los más comentados del mundo, pero también entorno a quien canta el “star-spangled banner”, ya que en el pasado este momento ha producido actuaciones míticas como la de Whitney Houston en 1991. En los últimos años hemos visto asumir esta responsabilidad a Idina Menzel (2015), Lady Gaga (2016) y Luke Bryan (2017).

En cuanto a ‘Beautiful Trauma’, nada ha pasado realmente con el último single del disco, el que lo titula, que apenas ha registrado una entrada tímida en UK (25) y por poco se ha quedado fuera de la tabla estadounidense (95). El tema está ausente de ambas listas en la actualidad, claro que los meses de Navidad suelen ser difíciles para cualquier artista. Tras la Super Bowl, la promoción de ‘Beautiful Trauma’ debería remontar, sin olvidar que la colaboraicón de P!nk con Eminem también tiene posibilidades.

G-Eazy también rompe con H&M por la polémica de su anuncio racista

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Tras la polémica de la imagen racista de H&M, que mostraba a un niño negro portando una sudadera con el eslogan “el mono más guay de la jungla”, un ¿desliz? inaceptable debido al pasado histórico racista de esta asociación, The Weeknd -quien colabora con H&M desde hace años- ha decidido romper con la marca, tras lo cual H&M ha pedido disculpas y ha retirado el anuncio y la prenda de las tiendas.

Sin embargo, Abel Tesfaye no es el único artista asociado a H&M que ha decidido romper con la marca tras la controvertida imagen. El rapero G-Eazy ha anunciado también que ya no va a volver a trabajar con H&M después de lo ocurrido, en un comunicado del que se desprende que su próxima colección con H&M ya no va a ver la luz. Este lee: “Tenía muchas ganas de lanzar mi próxima línea con H&M. Desafortunadamente, después de ver ayer aquella perturbadora imagen, mi emoción respecto a nuestra campaña global se ha evaporado rápidamente, así que he decidido que nuestra colaboración en este momento ha de terminar. Fuere un descuido inocente o no, es realmente triste y perturbador que, en 2018, algo tan insensible tanto racial como culturalmente pueda pasar por la revisión de tanta gente (estilistas, fotógrafos, creativos y equipos de márketing) y se considere aceptable. No puedo permitir que mi nombre y mi marca queden asociados a una empresa que ha dejado que esto ocurra. Espero que esta situación sirva de llamada de atención a H&M y otras compañías para espabilar y tomar más conciencia de los asuntos raciales y culturales, y a ser más diversos en todos los sentidos”.

Over the past months I was genuinely excited about launching my upcoming line and collaboration with @HM… Unfortunately, after seeing the disturbing image yesterday, my excitement over our global campaign quickly evaporated, and I've decided at this time our partnership needs to end. Whether an oblivious oversight or not, it's truly sad and disturbing that in 2018, something so racially and culturally insensitive could pass by the eyes of so many (stylist, photographer, creative and marketing teams) and be deemed acceptable. I can't allow for my name and brand to be associated with a company that could let this happen. I hope that this situation will serve as the wake up call that H&M and other companies need to get on track and become racially and culturally aware, as well as more diverse at every level.

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El Jueves retrata a los concursantes de Operación Triunfo para meter pulla a Rajoy

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Como cada miércoles, llega a los kioskos una nueva tirada de la revista satírica El Jueves, y la portada de esta nueva edición va a dar que hablar especialmente, pues hace una crítica de la corrupción en España mediante el fenómeno de Operación Triunfo. La ilustración es de Juanjo Cuerda e Igor Fernández.

El Jueves retrata así varios concursantes del programa -Agoney, Cepeda, Roi, Ana Guerra, Aitana, Nerea, Amaia y Alfred- junto a un excitado Mariano Rajoy, quien celebra que “por fin se habla de una «operación» que no es ni Lezo, ni Púnica, ni Gürtel». “Parecía imposible, pero Operación Triunfo vuelve a ser un fenómeno en toda España. Y su mayor fan es el mismo Rajoy”, escribe la revista.

La portada por supuesto ha dividido a quienes ven en ella un dibujo gracioso, sin más, y a quienes creen que los concursantes de Operación Triunfo son demasiado jóvenes todavía para verse caricaturizados en un medio, especialmente Nerea, quien debido a su dentadura ha afirmado haber sufrido acoso escolar.

El colosal espectáculo escénico-lumínico de alt-J

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Ola de frío en España y, cómo no, las compañías eléctricas suben el precio de la luz. Mal momento para organizar un concierto de alt-J. Los británicos, en tan solo hora y veinte minutos de actuación, encarecieron sustanciosamente la factura correspondiente del Sant Jordi Club al ofrecer un espectáculo escénico-lumínico colosal (tanto, que no cabe en las fotos), amén de un señor concierto. No hay unanimidad sobre lo acertados que han estado o no con ‘Relaxer’, su última entrega discográfica, pero su (a)puesta en escena es incuestionable. Categórica en lo que respecta a la plasmación de su universo sonoro en el directo, roza lo tajante en función del sistema de conexiones que establecen con el público, entre ellos mismos e incluso entre sus propias canciones, piezas todas ellas monumentalizadas sin contemplaciones. Calidad musical cortante.

Este fue, precisamente, uno de los peros que pudimos achacar a alt-J en sus visitas más recientes –Primavera Sound 2015 y el pasado Mad Cool–: cierta frialdad y distancia, posiblemente debidas al escaso espacio de tiempo en el que, en su día, se foguearon en salas pequeñas, chupando horas de furgoneta y ensuciándose las manos montando y desmontando su set (no uno tan grandilocuente, claro). Todo es limpio, magno y preciso. En el directo, más que en estudio, la producción y su efectismo se imponen al detallismo, aunque sin mermarlo demasiado. Es más, aparte de postularse como una de las grandes propuestas de pop-rock artístico surgidas en los últimos años, la banda de Leeds exhibe una envidiable y emocionante capacidad para combinar sutileza y contundencia, entendida ésta como auténtica grandiosidad.

Todo esto quedó claro en el segmento central de su actuación de anoche en Barcelona, cuando encadenaron una eléctrica ‘Every Other Freckle’, una pulsante y pasional (y casi sangrante) ‘Hunger Of The Pine’, una enriquecida y pedregosa ‘Bloodflood’ (con preciosos detalles de piano y guitarra) y una muy aplaudida ‘Matilda’, donde el poder y la importancia de la batería, como elemento más característico del sonido de los británicos junto a la voz de Joe Newman, quedaron de manifiesto. Una voz que, por cierto, en determinados (bastantes) momentos –‘Tessellate’, ‘Every Other Freckle’, ‘Bloodflood’, ‘Matilda’, ‘3WW’– parecía sufrir para mantener la afinación sostenida.

Y hasta aquí todo lo malo que puede decirse del paso de alt-J por Barcelona. El resto, más allá de una conexión medio fallida que no ha de confundirse con que el público disfrutara o no del concierto y de algún patinazo de Newman, fue delicioso. Desde el inicio musculado de ‘Deadcrush’ y ‘Fitzpleasure’ (convertida en clásico), pasando por la intensidad y la magia de ‘Nara’, ‘Something Good’ y ‘The Gospel of John Hurt’, por la vibración de ‘In Cold Blood’ (una de las cuatro únicas canciones que interpretaron de ‘Relaxer’) y ‘Tessellate’, por el tramo central ya mencionado y acabando con una última media hora inaugurada por una celestial y prístina ‘Pleader’, donde literalmente se hizo la luz, el concierto fluyó envuelto en un aura de asombro y fascinación, como si a cada instante se nos revelara una maravilloso secreto.

La guinda fue esa parte final con ‘Left Hand Free’, un pequeño himno en ciernes que, quizá por su morfología extrovertida, fue la pieza que lució con más fuerza, y ‘Taro’, que, en su nocturnidad, logró sacar partido a lo sutil, a lo exótico y a lo eléctrico que tanto la caracteriza. Después, ya en los bises, terminaron con la ‘Intro’ de ‘An Awesome Wave’, tenue y contundente a la vez, con ‘3WW’ y con ‘Breezeblocks’, protagonista indiscutible de un final festivo lleno de flow y de esos detallitos encantadores y coloridos que tanto nos gustan. Una canción cuya presencia, seguramente, marcó la diferencia entre que los asistentes se marcharan jodidos por la brevedad del concierto o que se fueran a casa plenamente satisfechos.

Porque a alt-J no se les puede pedir mucho más. Derrochan espectacularidad y evocan casi el 100% del encanto mágico de su universo sonoro y de su obra discográfica. Salvando la ausencia de temas nuevos (que, con excepción de ‘Adeline’, no se echaron de menos), en menos de hora y media reproducen lo más esencial de su cancionero conformando un recital redondo, espeso y con poco hueso: todo carne tierna. De consumo y digestión fáciles, pero no por ello simple o parca en condimentos. Probablemente seguirás sufriendo su pecado original: el de haber triunfado tan pronto –no olvidemos que se llevaron el Mercury Music Prize con su álbum de debut–, pero lo van compensando con el oficio y la experiencia que están ganando. Un concierto digno de escuchar. Y de ver. 9.

La canción del día: Fernando Alfaro vence a la muerte (y a la monotonía) en ‘Dominó’

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Fernando Alfaro, responsable de algunos de los mejores discos que se han hecho en el país durante los últimos 30 años, tanto al frente de Surfin’ Bichos como de Chucho como en solitario, tiene un nuevo largo preparado para publicar el próximo 23 de febrero, ‘Sangre en los surcos’. El primer single de este disco se llama ‘Dominó’ y fue un regalo para sus seguidores el pasado 5 de enero.

Este primer single desde luego no tiene nada que ver con ‘Velero’ ni con ‘Camisa hawaiana de fuerza’, y por el contrario muestra una faz mucho más áspera. La canción arranca, para empezar, casi a destiempo, con la voz de Alfaro entrando como una centésima de segundo tarde, reforzando la crudeza de la historia que narra. Como ya sucediera en ‘Extintor de infiernos’, el autor recuerda sus días de enfermedad, en los que pensaba que iba a morir, y cómo los afrontó retirándose al campo, recuperando dominó, perro y bastón familiares, pese a contar con tan solo 26 años. Su letra fue colgada hace un par de semanas.

La segunda estrofa revela cómo un viejo termina dando una paliza a sus atracadores («y además los atracó»), probablemente como metáfora de cómo Alfaro ha vencido a la muerte («ahora el tiempo ya pasó y aún estoy vivo, y mi perro ya murió y yo estoy vivo»), si bien la gran victoria de la canción es su capacidad para tocarnos la patata mucho más de lo que parecía en las primeras escuchas y sin los efectismos de canciones similares. Aquí los trucos son solo dos -dejando lo directo de la letra aparte-: el brillante cambio de acordes a la llegada del estribillo y ese arreglo de teclado tan sutil, emergiendo tan solo en el minuto final, en el segundo estribillo. Otra maravilla de Alfaro y van…

L’Impératrice pueden ser las nuevas estrellas francesas

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Francia lleva décadas alimentando la música popular, no siempre de una manera genuina y propia, pero sí inconfundible y muy influyente. Entre las numerosas nuevas propuestas que el panorama francés nos está deparando últimamente –Papooz, Agar Agar, Vendredi sur Mer, Polo & Pan…– hoy destacamos a L’Impératrice.

Este ambicioso nombre esconde en realidad a un grupo que comanda el músico Charles de Boisseguin y que lleva en activo desde 2012, cuando publicaron un primer EP homónimo en el que ya establecían sus pautas sonoras principales: música bailable pero elegante, arreglos exquisitos con querencia retro-funk y jazz y aspiraciones cinematográficas. Una propuesta que dejó atrás el rap esporádico y se adentraba en territorios propios de Air o los Daft Punk más paisajistas en ‘Sonate Pacifique’ (EP, 2014), con algún pasaje de pop folk a lo Kings of Convenience, si bien en ‘Vanille Fraise’, su canción más escuchada hasta la fecha (casi 5 millones de streamings en Spotify, más 3 de su cachondo vídeo en Youtube, son poca broma), adoptaban desde un prisma fresco la sampledelia de The Avalanches o Étienne De Crécy.

Ya en 2015 L’Impératrice ampliaban su formación con la presencia de Fleur, una vocalista proveniente de la escena parisina del jazz que ampliaba los registros en ‘Odysée’ (EP, 2015), como unos Yelle despojados de estridencia. Tras un par de años de singles esporádicos y de maduración, a finales de 2017 L’Impératrice anunciaban al fin la publicación de su primer álbum de estudio: ‘Matahari’, producido por Renaud Létang (Feist, Gonzales, Keren Ann, Mocky), verá la luz el próximo día 3 de marzo. Sus primeros adelantos, entre los toques jazz-funk del corte titular recién estrenado, la fascinación retro-electrónica de ‘Là-haut’ o el electropop con melodías 60s de ‘Erreur 404’, ya hacen vaticinar el posible nacimiento de unas nuevas estrellas del pop francés más exquisito.

La editora de Radiohead niega la demanda a Lana del Rey y la petición del 100% de ‘Get Free’

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El parecido entre ‘Get Free’, el tema que cierra el último disco de Lana del Rey, y ‘Creep’, de largo la canción más exitosa de Radiohead, parece no haber llegado a los tribunales al contrario de lo que leíamos este fin de semana. La noticia saltaba a través de un tabloide, pero era la misma Lana del Rey la que acudía a las redes sociales para asegurar que la denuncia existía y que el equipo de Radiohead la estaba atosigando para quedarse con el 100% de los derechos de ‘Get Free’, cuando ella había ofrecido una co-autoría del 40%. «Aunque sé que mi canción no se inspiró en ‘Creep’, Radiohead creen que sí y quieren el 100% de la publicación», aseguraba.

Ahora un representante de Warner/Chapell ha hablado como editora de Radiohead para negar que haya denuncia alguna. «Es verdad que estamos en conversaciones con los representantes de Lana del Rey desde agosto del pasado año. Está claro que las estrofas de ‘Get Free’ usan elementos musicales de las estrofas de ‘Creep’ y hemos pedido que esto se reconozca en favor de los autores de ‘Creep’. Para que quede claro, no hay demanda y Radiohead no han dicho que «solo aceptarán el 100%» de la publicación de ‘Get Free'».

¿Quién miente o manipula la información, pues? Radiohead no publicaron en Warner/Chapell como discográfica ‘Pablo Honey’, sino en Parlophone Records (parte de EMI). Recordando lo mal que acabaron con EMI y lo mal que acabó la propia EMI (se la compró Universal, pero Warner adquirió Parlophone), seguramente haya un grave problema de comunicación entre grupo, discográfica y editora encargada de gestionar los derechos de la canción (y también entre los responsables de Lana, muy poco hábiles consintiendo que el tema llegue, visiblemente manipulado, a Twitter).

Y es que solo hay que irse a octubre de 2015 para recordar que Radiohead denunciaron a su propio ex sello Parlophone por desajustes en los beneficios de las descargas de sus primeros trabajos. En 2016, el catálogo del grupo pudo pasar a manos de XL Recordings, su último y actual sello tras la autoedición de ‘In Rainbows’, si bien parece que los derechos como editora de las viejas canciones siguen perteneciendo a Warner como editora.

The Weeknd rompe con H&M tras un anuncio racista; la marca retira spot y prenda

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The Weeknd, que ha colaborado con H&M en el pasado, desfilando para ellos en 2017 o incluso contribuyendo a sus diseños bajo la marca XO, ha anunciado esta semana que no volverá a trabajar con la marca tras topar con un anuncio de la compañía en el que podía verse a un niño negro portando una sudadera en la que podía leerse el eslogan «Coolest Monkey in the Jungle» («el mono más guay de la jungla»). Esto escribía Abel Tesfaye: «Me he levantado esta mañana y he sentido mucha vergüenza y me ha impresionado esta foto. Me siento profundamente ofendido y no trabajaré más con H&M».

Tras la polémica generada, H&M ha emitido un comunicado: «Pedimos sinceras disculpas por ofender a la gente con esta imagen. Creemos en la diversidad e inclusión en todo lo que hacemos, por lo que revisaremos nuestra política interna para evitar que esto se repita en el futuro». Además, un representante ha respondido a Pitchfork yendo más allá: «Comprendemos que mucha gente esté molesta con esta imagen. Todos los que trabajamos en H&M solo podemos estar de acuerdo. Sentimos muchísimo que esta imagen se haya hecho, y también difundido. Por tanto, no solo vamos a retirar la imagen de todos los canales, sino también la prenda a nivel global. Es obvio que nuestras rutinas no se han seguido de manera apropiada. Sin duda. Vamos a investigar lo que ha pasado para impedir que este error vuelva a suceder».

Entre los artistas que se sumaban a las quejas de The Weeknd, estaba Questlove, que afirmaba estar seguro de que una disculpa se avecinaba, como así ha sido.

Jack Antonoff y Lena Dunham han roto

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Lena Dunham y Jack Antonoff, más conocido como Bleachers y también por ser parte de los más exitosos todavía fun., han roto. El nombre de Jack Antonoff es uno de los que más ha sonado en el mundo del pop en 2017 después de haber ejercido de co-autor y/o co-productor de discos tan importantes en críticas y ventas como ‘Melodrama’ de Lorde, ‘MASSEDUCTION’ de St Vincent y ‘reputation’ de Taylor Swift. Además, con su propio proyecto Bleachers alcanzaba una considerable relevancia. Para nuestra redacción, ‘Don’t Take the Money’ fue una de las mejores canciones de 2017.

Jack Antonoff había además hablado con naturalidad en las entrevistas promocionales de cómo él y Lena Dunham, que el año pasado presentaba el final de ‘Girls’, llevaban su relación en medio de la fama. En cierta ocasión ella escribió un artículo llamado «novio judío o perro» bromeando sobre su ascendencia y generando cierta polémica, algo que él excusaba asegurando que ambos se respetaban profundamente. “Los dos confiamos en el proceso creativo del otro, y nunca nos dejamos mal, a la vez que seguimos creyendo en la idea de que tenemos que escribir sobre lo que sentimos. Nunca le pediría no escribir algo, pero también confío totalmente en que nunca me deje en una posición rara. Escribamos canciones o guiones de televisión, hay una comprensión mutua”, decía en 2015.

Según una fuente ha indicado a E! News, la separación ha sido de mutuo acuerdo, pues ambos simplemente se han distanciado, y se desean lo mejor el uno al otro. Sus representantes han confirmado la ruptura, que se produce 5 años después, casi 6 como puede comprobarse en esta foto de Instagram, de que empezaran a salir.

5 years today ❤️ what a fucking glorious ride!

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Playlist semanal actualizada: Bowie, Breeders, Belle & Sebastian, David Byrne, Car Seat Headrest…

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Actualización 9 de enero: sumamos a nuestra playlist de novedades del viernes pasado una decena de canciones que se han editado desde entonces: el regreso de The Breeders, el de David Byrne extraído de su próximo disco, el tema que hoy han sacado Black Eyed Peas, un nuevo single de Franz Ferdinand, ‘Princesas’ de Ladilla Rusa, un tema del próximo EP de Belle & Sebastian, una nueva demo de Bowie coincidiendo con su cumpleaños, y los protagonistas de nuestro último Revelación o Timo, L’Impératrice. También el excelente ’Nervous Young Inhumans’, un atractivo rework del tema que Car Seat Headrest editaba en 2011.

Actualizamos nuestra playlist de novedades semanales «Ready for the Weekend», en la que sin duda el rey es Justin Timberlake, estrenando single justo la primera semana del año, intentando emular la estrategia (y el éxito) del año pasado Ed Sheeran con ‘Shape of You’, aunque evidentemente va a estar complicado siquiera acercarse.

También presentan canción de los discos que editarán este año Fernando Alfaro, MGMT, The Vaccines o The Go! Team. Además, incluimos nuevos singles de gente como Rae Morris, Rita Ora (ahora junto a Liam Payne), Joan As Police Woman, Mikel Erentxun, Fetty Wap, cupcakKe o Black Rebel Motorcycle Club. Hay una versión primigenia de esa obra maestra de Fleetwood Mac llamada ‘Landslide’, con motivo de la reedición de ‘Fleetwood Mac’. También hay nuevas versiones de temas de The Shins, Noah Cyrus o Pavvla, quien saca disco de demos.

En días pasados, los primeros de 2018, os hemos hablado de los sencillos nuevos de Superorganism, Charli XCX mezclando y cantando sobre Wolf Alice, Kendrick Lamar con SZA, Charlie Puth vs Boyz II Men, Bruno Mars vs Cardi B, Titus Andronicus o Børns con Lana del Rey. Naturalmente, todos están aquí. Entre las versiones, una de las que más ha dado que hablar esta semana, la de Amaia Romero de Florence and the Machine, y una de ‘Halo’ de Beyoncé de Jono McCleery.

The Breeders anuncian su primer disco en 10 años y estrenan single

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The Breeders actuaban recientemente en Madrid por sorpresa, y el grupo de Kim Deal vuelve a sorprender hoy también anunciando nuevo disco, su primero en 10 años. ‘All Nerve’ se publica el 2 de marzo a través de 4AD y se presenta ahora con el tema titular, un número de rock crudo que encantará a los fans de toda la vida. El disco incluye además otro single anterior, ‘Wait in the Car’.

‘All Nerve’ se ha grabado entre Dayton (Kentucky), Chicago y Dayton (Ohio) con la formación original de The Breeders y saldrá en CD, vinilo negro, en una edición limitada en vinilo naranja solo para tiendas de discos independientes, y en formato digital. 4AD ofrece a sus socios añadir a la compra de ‘All Nerve’ la nueva edición del 7″ de ‘Wait in the Car’, que viene con una versión de ‘Joanne’ de Mike Nesmith.

La colaboración estrella de ‘All Nerve’ es de Courtney Barnett, autora de uno de los mejores discos de 2015, que hace coros en la pista 7, ‘Howl at the Summit’.

‘All Nerve’:

01 Nervous Mary
02 Wait in the Car
03 All Nerve
04 MetaGoth
05 Spacewoman
06 Walking with the Killer
07 Howl at the Summit
08 Archangel’s Thunderbird
09 Dawn: Making an Effort
10 Skinhead #2
11 Blues at the Acropolis

Black Eyed Peas vuelven a sus inicios para rapear sobre racismo en ‘Street Livin’

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Black Eyed Peas han vuelto a sus inicios, tanto que ahora mismo son un trío, sin Fergie. Este regreso a las raíces se materializa hoy en un nuevo single de hip-hop clásico titulado ‘Street Livin’ que, lejos de los ritmos electro-pop de ‘I Gotta Feeling’, podría haber aparecido en el primer disco de Black Eyed Peas o, si usamos un ejemplo más reciente, en el último disco de Jay-Z.

‘Street Livin’ habla del racismo en Estados Unidos, de manera especialmente directa en frases como “hay más negros pudriéndose en las prisiones ahora mismo, de los que hubo recolectando algodón” o menciones al Ku Kux Klan. El grupo escribe: “El complejo industrial penitenciario. La inmigración. La violencia con armas. La brutalidad policial. Estos problemas son cruciales para nuestras familias, amigos, comunidades, y para el mundo”.

El vídeo de ‘Street Livin’ presenta a los integrantes de Black Eyed Peas -will.I.am., Taboo y apl.de.ap- “dando vida” a imágenes históricas del racismo en Estados Unidos. Vemos, por ejemplo, la cara de will.I.am. pegada a un retrato de Malcolm X o al cuerpo de un esclavo.

Black Eyed Peas publicaron su último disco en 2011, aunque en 2015 presentaron un single como trío titulado ‘Yesterday’ cuyo videoclip se parecía al actual. Esperemos que nadie les acuse de plagio esta vez.

Arranca la X Edición de los Premios MIN: descubre todas las fases

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Los Premios MIN, que a lo largo de los últimos 10 años (antes se conocían como UFI) se han celebrado premiando a los artistas que desarrollan sus carreras en la independencia al margen de las multinacionales, arrancan hoy su nueva edición. Los artistas y profesionales de la industria musical podrán presentar sus candidaturas del 9 al 19 de enero a través de la web www.premiosmin.com. JENESAISPOP forma parte de los medios colaboradores de esta edición, que culminará en una ceremonia el próximo 14 de marzo.

Los Premios MIN, en su momento creados como respuesta a los extintos Premios Amigo y a los Premios de la Academia de la Música, se han consolidado poco a poco como una de las citas imprescindibles de la música española, reconociendo la labor de artistas como Vetusta Morla, Triángulo de Amor Bizarro o Gata Cattana. Sus galas han sido presentadas por personajes tan variados como Zahara, Anne Igartiburu o el equipo de El Mundo Today.

¿Cuál es el proceso que nos espera este año? Desde hoy y hasta el 19 de enero se abre el proceso de inscripciones para los artistas. Podrán presentar su candidatura todos aquellos artistas con grabaciones (álbumes, EPs o singles) publicadas en 2017 a través de sellos independientes o autoeditadas. También se pueden presentar videoclips y directos realizados en 2017. El proceso de inscripción es gratuito y se realiza a través de la web www.premiosmin.com.

En esta décima edición se concederán premios a los mejores álbumes de pop, rock, músicas del mundo y fusión, jazz, hip hop y músicas urbanas, flamenco, electrónica y clásica. Los premios más destacados incluyen el mejor álbum del año, la mejor canción, el mejor directo, el mejor artista, el mejor artista emergente y el mejor artista internacional. No faltarán los mejores álbumes en catalán, euskera y gallego, ni los premios al videoclip, a la producción musical y al diseño. Se entregará también el premio honorífico Mario Pacheco que reconoce la contribución de una persona o institución a la música independiente.

El público podrá votar a partir del 29 de enero entre todo lo presentado, para seleccionar a 30 semifinalistas. Un jurado del que forma parte JENESAISPOP determinará 5 nominados. Los nombres de los ganadores se desvelarán en la ceremonia de entrega de premios que tendrá lugar el 14 de marzo en el Teatro Circo Price de Madrid.