Lori Meyers: «¡Es mentira que vuelva el cassette!»

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14 junio, 2017

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Como ya aventuraba su último tema, ‘Jacaranda’, Bad Gyal parecía preparada para dar un salto internacional. Y, a partir de ahí, no han cesado de sucederse noticias en torno a la artista barcelonesa y su dancehall: primero, siendo comentada por Pitchfork en su sección de crítica de canciones; luego, siendo incluida por el futbolista del Barça Neymar Jr en una mixtape para Nike; y, también, siendo señalada por el sello de Diplo, Mad Decent, en una playlist de Spotify.

Para no dejar caer esta inercia positiva, Bag Gyal presenta hoy un nuevo tema llamado ‘Nicest Cocky’, dedicado a “la mejor polla” que Alba Farelo «nunca haya conocido» –aunque en inglés “cocky” significa engreído, está claro por contexto y por la dicción inspirada en el slang jamaicano, que se refiere a un pene–. Cuenta con producción de Paul Marmota, chileno perteneciente al colectivo radicado en México NAAFI, y suena más oscuro y sofocante de lo que Farelo acostumbra (ella lo denomina como “sad dancehall”), aunque igual de adictivo.

Se presenta además con un vídeo de cuidada factura producido por CANADA y filmado por Roger Guàrdia (Battles, Delorean, Mourn), que aunque se centra en escenas urbanas de Bad Gyal haciendo botar su culo, incluye algunos planos estupendos y cargados de simbología, como ese en el que está sentada rodeada de manzanas mordidas.

Bad Gyal actúa este viernes en Sónar Festival y acaba de ser confirmada en FIB 2017.

Cigarettes After Sex / Cigarettes After Sex

Por

Pablo Tocino

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14 junio, 2017

Hace una semana me acordé de Cigarettes After Sex cuando lo que estaba sonando eran ‘Last Friday Night’, ‘Sax’ o ‘Cheap Thrills’: fui a una fiesta en una casa, y le preguntaron al anfitrión si había hecho una playlist para la ocasión, a lo que él respondió que no, que eran las recomendaciones personalizadas de YouTube. Me acordé del grupo porque debe estar agradeciendo la existencia de ese sistema (al cual le agradezco yo haber descubierto a Kiddy Smile), ya que, en gran parte debido a él, ha pasado de ser un pequeño grupo de Brooklyn a tocar en festivales internacionales, como contaba mi compañero Raúl Guillén, presentando en sus actuaciones tanto los temas sacados en estos años como los pertenecientes a su primer EP, titulado de forma homónima (al parecer, esta simplicidad es un intento de la banda para desnudar las ideas hasta capturar su esencia). Ya habían sacado un LP en 2012, pero ha sido en los dos últimos años cuando su popularidad ha crecido, de forma lenta pero constante, con millones de visitas a muchos de sus temas en YouTube, especialmente ‘Nothing’s Gonna Hurt You Baby’, que lleva casi 60 millones de reproducciones en dicha plataforma (!).

Ante este panorama, era esperable que la banda tomara cero riesgos en su debut frente al gran público y, sí, no hay apenas variaciones entre lo que encontrábamos en el EP o en ‘Affection’ y lo que encontramos en este ‘Cigarettes After Sex’. Greg González, líder del grupo, defiende que su intención con este disco no era ser ecléctico sino más bien refinar lo que considera su estilo actual, apuntando mejorar las letras como principal reto, y puede decirse que lo ha conseguido: lo que escribe contribuye a la creación de atmósferas tanto melódicamente como a nivel textos, personajes e ideas cargadas de belleza (el “said you wear a perfume for each city you visit / so you can always remember how it felt to be there” de ‘Truly’ sería una de ellas).

El disco se abre con la sugerente (realmente, ¿cuál no lo es?) ‘K.’, donde la andrógina voz de González se dedica a capturar el proceso por el que lo que en principio eran polvos esporádicos pasaron a ser algo más. Aquí, como en el resto del disco, González arrastra las palabras como quien cuenta un cuento, el cuento de cómo poco a poco fue siendo consciente de ese cambio (“and I’m kissing you lying in my room / holding you until you fall asleep / and it’s just as good as I knew it would be”, “think I like you best when you’re with me / and no one else…”); y, al igual que en el resto del disco, la temática es el romanticismo que existe tanto en una relación de pareja, como en un no strings attached, como en el sexo en sí, del que habla sin tapujos, a veces incluso con un toque de humor (ese “you’re the patron saint of sucking cock” en ‘Young and Dumb’). De hecho, una de las tesis del álbum parece ser cómo encuentros sexuales que en principio no tendrían que ser significativos sirven para conocer a la otra persona, para descubrirse también a uno mismo y para encontrar comodidad y conexión emocional con el otro… que, muchas veces, acaba llevando a más, como ejemplifica uno de los puntos fuertes, ‘Sweet’.

Dicho tema recuerda a lo que escondía el “me atrevo a contarte que yo no puedo ser tu amante” de ‘Emborracharme’, y no por incluir un vídeo (caliente) enviado por móvil, sino por describir ese momento en que el autor saca valentía de donde puede y admite que está pillado hasta las trancas, que le encanta su cuerpo pero más sus ojos, que le encanta que le envíe «nudes» pero más verle sonreír… para culminar con un precioso -o preocupante, según la forma de verlo- “and I will gladly break it / I will gladly break my heart for you”. También destacan sobre el conjunto de canciones la nostálgica ‘Sunsetz’ (con un comienzo parecido al de ‘Mad Sounds’), que explora relaciones pasadas como lo hace también el single ‘Each Time You Fall In Love’, la ya conocida ‘Apocalypse’ (rimar esta palabra con “lips” puede ser cómico o sexy, aquí es ciertamente lo segundo) o también ‘Opera House’, que por momentos recuerda a la versión que hicieron A Camp (el otro proyecto de Nina Persson de The Cardigans junto a su marido) de ‘The Bluest Eyes in Texas’, y su “si abandonase el amor sería un hombre sin sueños” se une a la romantización de la que hablamos en ‘Sweet’, y que convive en el álbum con el cinismo que hay también presente.

El dream pop que cubre todo el disco sigue la estela de Slowdive, Beach House, Mazzy Star e incluso, si me lo permitís, del trabajo de Lana y Dan Auerbach para ‘Ultraviolence’ (y no por el “got the music in you baby” de ‘Apocalypse’: ‘Flipside’ por ejemplo podría estar en este tracklist sin desentonar), contribuyendo a crear una atmósfera con bastante poder para atraparte durante lo que duran las diez canciones. Como decíamos al principio, es cierto que al disco se le puede reprochar su uniformidad; las canciones se parecen tanto que a veces da la sensación de estar ante una canción larguísima con diferentes partes. Pero yo no esperaba (ni deseaba especialmente) otra cosa en la que, si lo pensamos, es su carta de presentación oficial: ya habrá tiempo de experimentar en próximos discos. También hay quien, en un sentido parecido, cree que su tendencia al ambient es tan clara que te puedes dormir escuchándolo (supongo que es la versión extrema del “una atmósfera que te atrapa”). Pero González no ve esto como algo negativo; al contrario, aprecia que sus canciones puedan transmitir eso a quienes las escuchen: “nunca he tomado drogas para dormir, siempre he usado la música”. ¿Y qué más quiere transmitir? “Espero que se sientan entendidos. Espero que haya un sentimiento de empatía, lo cual es de las mejores cosas que la música puede propocionar. Un sentimiento de que no estás solo”. Nothing’s gonna hurt you, baby.

Calificación: 8,2/10
Lo mejor: Apocalypse, K, Sweet, Sunsetz
Te gustará si te gusta: Mazzy Star, Slowdive, la Lana de ‘Ultraviolence’, Beach House, Massive Attack, las atmósferas cuidadas en general, mirar por la ventana del bus en viajes nocturnos a otra ciudad, David Lynch, quedarte pensando en nada y en todo después de… jugar al parchís.
Escúchalo: Spotify

Camela / Me metí en tu corazón

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14 junio, 2017

Desde que Alaska se calzara aquella camiseta de Camela en unas fotos que salieron en el aB en los tiempos de «No sé qué me das que me hace volar», el otrora trío ha estado en el ojo de la modernidad. «Camela molan», «son lo más indie que hay», «se han hecho a sí mismos vendiendo cassettes en gasolineras»… Todo eso está muy bien, pero otra cosa es enfrentarse a cada uno de sus discos, uno detrás de otro. Nadie espera que Dioni y María Ángeles cambien a estas alturas, ¿pero ni siquiera para coquetear en una de sus canciones con los años 50 que venden en esta portada a lo ‘Grease’? Una reinvención, de cualquier tipo, como la que sus amigos de Fangoria han hecho virando hacia el sonido varietés asistidos por La Casa Azul y sin traicionarse a sí mismos no les vendría nada mal, pero Camela tienen un sonido tan propio y marcado que quizá no tiene sentido desviarse de él. Lo que sí vienen necesitando es un hit que renueve público como lo conseguía ‘Cuando zarpa el amor’ en 2004 y aquí hay varios temas que se quedan a medias. El estribillo de ‘¿Para qué?’ parece forzado y mal encajado, ‘Playa del amor’ combina de mala manera flamenco, latineo y sintes al no decidirse por ninguna de las tres cosas y ‘Ahora que tú estás aquí’ les acerca a los aburridos terrenos de Sergio Dalma y Malú. Por suerte, es la única balada de un álbum en el que al menos un par de temas despuntan por encima del poco llamativo single ‘No pongas riendas al corazón‘. ‘Dilo de una vez’ es un pequeño llenapistas fluido y natural y ‘Me metí en tu corazón’ cuenta con una intro oscura cuasi underground que después se transforma en una de esas trágicas e histriónicas melodías que tanto gustan a sus seguidores. «Si me metí en tu corazón, te aguantas». Eso sí que es un buen estribillo y no el que hemos llevado este año en Eurovisión.

Calificación: 5,5/10
Lo mejor: ‘Dilo de una vez’, ‘Me metí en tu corazón’, ‘Si quieres quédate’
Te gustará si te gusta: los Fangoria de ‘Absolutamente’ (la canción), los propios Camela, Los Chichos como producidos por OBK
Escúchalo: Spotify

¿Se ha hecho Bob Dylan un Melania Trump con su discurso del Nobel?

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14 junio, 2017

Si no fuera porque finalmente ha publicado un discurso grabado de 27 minutos sobre su carrera e influencias, cualquiera diría que a Bob Dylan le resbala eso de ser Nobel de Literatura. Para empezar tardó semanas en reconocer el galardón, luego ni siquiera se presentó en la ceremonia de entrega para recogerlo -Patti Smith fue en su lugar– y además esperó a la misma semana de vencimiento de entrega del discurso para entregarlo. El discurso, cabe decir, es el único requisito que exige la Academia a sus galardonados para transferirles los 800.000 euros del premio.

Pero parece que Dylan tampoco se habría esforzado demasiado en componer este discurso. Una periodista de Slate ha descubierto que el texto de Dylan, en el que el cantante habla sobre algunas de las obras literarias que más le han influido, entre ellas ‘Moby Dick’, contiene porciones sospechosamente parecidas a la guía de esta misma novela en SparkNotes, un popular sitio de guías literarias dedicado sobre todo a analizar obras de la literatura inglesa pero también a otras materias como matemáticas o biología.

En concreto, la periodista recalca que en su texto Dylan cita supuestos fragmentos de la novela de Herman Melville que no existen, pero que sí aparecen tal cual en las descripciones de SparkNotes. Por ejemplo la guía define a uno de los personajes como «alguien a quien las adversidades de la vida le han llevado a Dios en lugar de a la amargura». Dylan cita este texto en su discurso como si procediera del libro.

El artículo de Slate recopila más ejemplos en un croquis y el parecido entre el texto de Dylan y las descripciones de SparkNotes es tal que impresiona. Casi podría decirse que se ha hecho un Melania Trump copieteando el discurso de Michelle Obama. Seguramente a Dylan le haya dado tanta pereza escribir este discurso como a nosotros escuchar sus últimos discos de versiones, pero lo peor de este asunto es que copiando a SparkNotes parece que Dylan ni siquiera se ha leído ‘Moby Dick’. Será que se lo leyó hace años…

La música como terapia para cambiar el destino en ‘El Grande’ de Cómo vivir en el campo

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14 junio, 2017

El pasado año el trío madrileño Cómo vivir en el campo publicó ‘CVEEC 3’, su (habéis adivinado) tercer disco de estudio. Un álbum en el que la banda de Pedro Arranz, Carlos Barros y Miguel López (Alborotador Gomasio) plasmaba aún más su amplio espectro musical y lírico, ajeno a modas y que cita referentes tan poco usuales en el panorama independiente nacional como Buffalo Springfield, Leño, Los Pekenikes, Víctor Coyote, Albert Camus o The Clientele.

También Yo La Tengo, cuya influencia es especialmente ineludible en ‘El Grande’, la gran canción –en varios sentidos– que abre este disco y que ha sido objeto de un videoclip que hoy estrenamos en JENESAISPOP. Se trata de una pieza musical dirigida por Roberto López Carneiro, quien ya colaborara con ellos en ‘La Perla del Pacífico’, que nos introduce en las sesiones de un psicólogo muy particular. Esta es la filosófica explicación que ofrece el grupo sobre el vídeo de ‘El Grande’:

“En la letra de la canción se establece una dicotomía entre la aceptación de la inevitabilidad del destino y la rebelión ante lo que este nos depara. En este vídeo, CVEEC se agarra a lo segundo, a la capacidad que el ser humano tiene para cambiar su destino. Esto lo hace a través de las historias de unos personajes que, ayudados por la música y un peculiar psicoterapeuta, son capaces de superar sus problemas. En este vídeo CVEEC hace su particular homenaje a la música, convirtiéndola en protagonista a través de su poder rehabilitador y terapéutico. Como sus canciones, todo está lleno de pequeños detalles cargados de significado, de metáforas y de mensajes ocultos que amplifican el concepto [Ndr: buscad imágenes de Paco Loco o Rafa Piera, co-director de su sello]. Pitágoras hablaba de las cualidades curativas de la música y de los sonidos que producían los cuerpos celestiales en sus órbitas, sonidos que armonizaban entre sí creando “la música de las esferas”: es ‘El Grande’ una perfecta banda sonora para representar esta idea y para acompañarnos en este viaje a las esferas del destino”.

A finales de este mes de junio Cómo vivir en el campo publicarán un EP en El Genio Equivocado que tendrá como tema principal la canción ‘Corazón y bolsillo’. También actúan este verano en FIB 2017 y en la ya célebre Canela Party de Málaga.

Ariana Grande en Barcelona: una montaña rusa… entre la emoción y el tedio

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14 junio, 2017

Ariana Grande visitó anoche Barcelona para presentar su último disco, el exitoso ‘Dangerous Woman’. La del Palau Sant Jordi es una de las fechas de la gira europea de Grande que se han mantenido en agenda tras el atentado de Manchester del pasado 22 de mayo, que se produjo a la salida de su concierto en la ciudad y en el que murieron 22 personas. Por eso había ganas no solo de ver a una de las mayores estrellas del pop de la actualidad -y en su mejor momento de popularidad- en directo sino también de arroparla, de hacerle saber que estamos con ella. El mejor momento para hacerlo fue por supuesto su interpretación del clásico ‘Somewhere Over the Rainbow’, que Grande ha incorporado a su repertorio y cantará probablemente hasta que termine la gira, en honor a sus desaparecidos “ángeles”.

Más allá del recuerdo a sus fans, también presente en el merchandising, con camisetas “One Love Manchester” ocupando parte de la estantería, el espectáculo de Ariana Grande es tan variado como su discografía. La cantante abre set con una coqueta ‘Be Alright’ que solo necesita una coreografía de voguing para emocionar… y Grande “voguea” muy finamente, también hay que decirlo. Otros temas como ‘Dangerous Woman’, ‘One Last Time’ o ‘Moonlight’ solo la requieren a ella cantando en el escenario, entregando su voz a sus seguidores, sin mucho más ornamento. Luego en ‘Side to Side’ pone toda la carne en el asador y de repente se monta en el escenario un gimnasio como el de su videoclip y te preguntas si realmente llevas todo el rato en el mismo concierto.

A veces esta variedad roza la inconsistencia. Por supuesto la gira ‘Dangerous Woman’ se enfoca sobre todo en Ariana Grande y su prodigiosa voz, pero por eso la puesta en escena parece no algo secundario… sino algo secundario en según qué canciones y algo completamente esencial en otras. Es casi como si a Grande se le ocurriera qué hacer con ellas in situ. La puesta en escena de luces de ‘Problem’ es llamativa, como la de ‘Break Free’, luego para un espectáculo de canción como es ‘Into You’ no se hace absolutamente nada y para ‘Bang Bang’ y ‘Love Me Harder’ tampoco. Suerte que ponen a Nicki Minaj en pantalla durante su rap… porque a Iggy Azalea y a The Weeknd no.

Esta incoherencia se traduce naturalmente en el set de canciones de ‘Dangerous Woman’. Porque a pesar de que Grande es una estrella mundial, lo que trae es un concierto R&B, que es donde mejor se desenvuelve. De hecho es una pena que anoche no recuperara una sola canción de su primer disco, cuando ‘Baby I’, ‘Right There’ o ‘The Way’ son tres canciones sensacionales, pero otras como ‘Sometimes’, ‘I Don’t Care’ o ‘Leave Me Lonely’ rebajan mucho el entretenimiento del show frente a los hits, y no porque no sean rompepistas discotequeros sino porque no son tan buenas. Si por lo menos Grande hubiera hecho la celestial nota final de ‘Touch It’… pero tampoco. Un poco a medio gas todo.

‘Creature Comfort’, los cereales con droga de Arcade Fire

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14 junio, 2017

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Los privilegiados que tuviero (o tuvimos) la ocasión de ver a Arcade Fire en el concierto sorpresa que ofrecieron el jueves, 1 de junio, en Primavera Sound seguramente reconocerán enseguida ‘Creature Comfort’, la otra nueva canción que estrenaron en aquel set, al ver el siguiente vídeo. Presumiblemente será el segundo single de ‘Everything Now’, su nuevo álbum.

En la página que han creado en Facebook para promocionar este disco, donde con un “Corp” se disfrazan irónicamente de multinacional que ofrece una serie de productos (oh, WAIT!), Arcade Fire han subido un teaser de este single en forma de parodia de anuncio de cereales infantiles. Los cereales “Creature Confort” están hechos al “100% de marshmallows” (conocidos en Latinoamérica como malvaviscos y en España comúnmente como nubes de azúcar) y son “100% divertidos”. Lógico, porque contienen metilfenidato, que es un medicamento similar a la anfetamina que se usa “para el tratamiento del trastorno por déficit de atención con hiperactividad, el síndrome de taquicardia ortostática postural y la narcolepsia», según Wikipedia.

Un simpático fake que, en todo caso, nos lleva a pensar que quizá este próximo viernes llegue ese ‘Creature Comfort’ a nuestros oídos en versión de estudio. ‘Everything Now’ se publica el día 28 de julio y su primer single ha sido la canción que le da título, que ya ha dado mucho que hablar (y bailar).

Épico adelanto de ‘Electric Trim’, el álbum de Lee Ranaldo (Sonic Youth) producido por Refree

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14 junio, 2017

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El músico barcelonés Raül Fernández Miró, Refree, se ha ganado una notable reputación al margen de su propia carrera musical como productor de álbumes para artistas tan variopintos como Sílvia Pérez Cruz, Kiko Veneno, Christina Rosenvinge o Rosalía, más recientemente. Como ya sabíamos por declaraciones de ambos e imágenes en sus redes sociales, uno de sus últimos trabajos había sido el nuevo álbum de Lee Ranaldo, guitarrista principal de uno de los grupos más icónicos de las últimas décadas, Sonic Youth. Ambos se conocieron durante aquel experimento llamado Primavera Sound Touring Party, en el que compartieron gira por múltiples ciudades de la geografía española.

En aquellos días surgió amistad y sintonía artística entre ellos, derivando en la petición de Ranaldo a Refree para que produjera el próximo disco de su proyecto en solitario con la banda The Dust, tras ‘Last Night On Earth‘, de 2013. Y al fin ‘Electric Trim’ es una realidad que llegará a nosotros el próximo día 15 de septiembre. Bajo la batuta de Fernández, además de Ranaldo y su grupo (que incluye al ex-batería de Sonic Youth, Steve Shelley), han pasado por el estudio de grabación grandes nombres del rock norteamericano como Sharon Van Etten, Nels Cline (guitarrista de jazz, más conocido por su trabajo en Wilco) y el reputado baterista Kid Millions.

A todos ellos podemos escucharles en ‘Circular (Right As Rain)’, primer adelanto de ‘Electric Trim’. Se trata de una canción que condensa sonidos acústicos y eléctricos, pianos y percusiones, coros expansivos… que van derivando en un sonido épico. Podemos también verles en el vídeo oficial del tema, que contiene escenas de la grabación en estudio y forman parte de un documental que se lanzará junto al álbum, centrado en la gestación del disco.

Sufjan Stevens se ríe de las letras de Katy Perry (y también de sí mismo)

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14 junio, 2017

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‘Witness’ de Katy Perry no está siendo precisamente un éxito en las plataformas de streaming: es todo un fracaso para la artista que en la semana de salida de su disco, en su top 10 particular de Spotify no encontremos más que los singles del mismo. Nada que ver con el escenario que hemos visto en otros artistas como The Weeknd, Drake o Ed Sheeran.

Sin embargo, entre quienes sí se han molestado en escuchar el disco encontramos a Sufjan Stevens, que ha acudido a Tumblr para comentar una de las letras que más le han llamado la atención. Se trata de la de ‘Déjà vu’, uno de los posibles futuros singles.

La frase que le ha llamado la atención es “tus palabras son como una tortura de agua china” y a continuación el cantante ha escrito:
palabras
literales
del
nuevo
disco
de
Katy
Perry

Después ha añadido: “QUE CRISTO TENGA PIEDAD. Y todos vosotros pensasteis que era raro que yo escribiera “martes por la noche en el estudio de la Biblia” (NdE: se refiere a su canción ‘Casimir Pulaski Day’ de ‘Illinois’). Jesús… Katy Perry probablemente estuvo en el mismo estudio sobre la Biblia. Quizá rezamos la misma oración de palomitas juntos. Me encanta este mundo”.

Las letras del nuevo disco de Katy Perry muestran más que nunca sus debilidades y contradicciones, si bien es cierto que a menudo usan referencias de lo más kitsch por el camino, como sucedía en ‘Bon Appétit’. Como apuntaba cucu en nuestros foros, ¿qué hay de ese huevo Fabergé de ‘Hey Hey Hey’? Estamos deseando que Sufjan llegue a él.

Everything Everything se rebelan contra lo establecido en ‘Can’t Do’

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14 junio, 2017

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Everything Everything publicaban en 2015 un álbum tan complejo como ‘Get to Heaven‘, que pese a contener letras controvertidas que abrían debates sobre Siria, Ucrania, el nepotismo, los atentados de Londres del 7-J, largo etcétera, también tenía tiempo de incluir singles tan inmediatos como ‘Regret’ (su estribillo sigue siendo fabuloso) o ‘Distant Past’.

Dos años después el grupo tiene lista su continuación. El álbum ‘A Fever Dream’ se publicará el próximo 18 de agosto y viene presentado por un single llamado ‘Can’t Do’, un tema que redunda en su estética de falsetes y electrónica cuasi oscura que podríamos emparentar con el lado menos festivo de Hot Chip o el más luminoso de gente como GusGus o WhoMadeWho. El grupo ha explicado a la locutora de la BBC Annie Mac a qué se debe la repetición obsesiva (un tanto Radiohead) de esos «I can’t do the thing you want / Can’t do the thing you want / Can’t do the thing you want»: el tema habla sobre sentir que no encajas en el mundo, por lo que el estribillo es una rebelión contra eso.

La banda también ha desvelado el tracklist de su nuevo disco, que incluirá el sencillo ‘Can’t Do’ como pista 2, pero no el tema suelto que lanzaron el año pasado, ‘I Believe It Now’, con el que también os dejamos.

01 Night of the Long Knives
02 Can’t Do
03 Desire
04 Big Game
05 Good Shot, Good Soldier
06 Run the Numbers
07 Put Me Together
08 A Fever Dream
09 Ivory Tower
10 New Deep
11 White Whale

Por qué Donald Trump ha bloqueado a Stephen King en Twitter

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14 junio, 2017

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La cuenta de Twitter de Donald Trump continúa dando que hablar. La última idea del presidente de Estados Unidos ha sido bloquear a Stephen King por alguna razón no clarificada, aunque quizá tengan algo que ver sus controvertidas opiniones sobre el presidente. En los pasados meses ha escrito cosas como esta en Twitter: «Mi historia de terror más reciente: érase una vez un hombre llamado Donald Trump, que se postulaba para presidente. Algunas personas querían que ganara». Este tuit correspondía al mes de octubre, unos días antes de las elecciones.

Y ayer mismo King escribía que «el gabinete de Trump ofrece un cursillo nivel post-graduado en cómo besar el culo». Poco después añadía en su cuenta, de manera jocosa: “Trump me ha bloqueado y no puedo leer sus tuits. Podría suicidarme”. Su publicación provocaba el cachondeo público a través de memes y mensajes contra Trump, el apoyo de otras personas que han sido bloqueadas por este y también alguna de las que no, como J.K. Rowling, que se ha ofrecido a realizar labores de interlocutora. En un nuevo tuit King planteaba si la lista de bloqueados era una broma, pero finalmente confirmaba que sí había sido bloqueado por Trump.

Como informa El Periódico, pese a que hay quien opina que Trump puede hacer con su cuenta privada de Twitter lo que quiera, un tribunal ha establecido que, mientras esté en el cargo de presidente, su cuenta es oficial. Por lo tanto, no debería prohibir el acceso a ningún ciudadano de Estados Unidos, pues es una vía de comunicación entre él y los ciudadanos, tanto con los que le han votado como los que no.

No obstante, a nadie le sorprende esta reacción, ya existía una lista previa de bloqueados por Donald Trump y la lista de aquellos a los que ha atacado en Twitter el presidente incluye, por ejemplo a Arnold Schwarzenegger y a Meryl Streep.

My newest horror story: Once upon a time there was a man named Donald Trump, and he ran for president. Some people wanted him to win.

— Stephen King (@StephenKing) October 21, 2016

Trump's cabinet offers a postgraduate-level course in ass-kissing.

— Stephen King (@StephenKing) June 13, 2017

Trump has blocked me from reading his tweets. I may have to kill myself.

— Stephen King (@StephenKing) June 13, 2017

Blocked! Condemned to an existential wasteland of Trumplessness!

— Stephen King (@StephenKing) June 14, 2017

I still have access. I'll DM them to you. https://t.co/MhibEYDBTg

— J.K. Rowling (@jk_rowling) June 13, 2017

But… but… You'll float, too! YOU'LL FLOAT TOO! 🎈 pic.twitter.com/0MJ6ESMjjt

— GrEyToPiA (@Greytopia) June 13, 2017

And Boy Donnie! pic.twitter.com/ZA3qsKctGw

— Mike Denison (@mikd33) June 13, 2017

Chris Kaskie, presidente de Pitchfork: «Con la cantidad de mala música que se hace hoy en día, el periodismo musical es más importante que nunca»

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14 junio, 2017

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Esta edición de Primavera Pro, como parte de las actividades de Primavera Sound, se ha galardonado a Chris Kaskie, presidente de Pitchfork, con el premio Primavera Award, que en el pasado han recibido otras figuras de la cultura musical independiente como Christof Ellinghaus de City Slang y Barry Dickins de la agencia de booking ITB. Kaskie fue el primer empleado de Pitchfork en 2004 y ha sido esencial en su evolución en la última década, contribuyendo al desarrollo de Pitchfork Music Festival en Chicago y París, a la salida de The Pitchfork Review y también a la compra de la empresa por Condé Nast, la editorial tras publicaciones del tamaño de Vanity Fair o The New Yorker. Kaskie de hecho abandona Pitchfork este año para embarcarse en otros proyectos y aprovechamos su visita a Barcelona para charlar con él sobre Pitchfork, los dichosos Best New Music, la reticencia de la web a reseñar según qué artistas (hoy es el primer día que reseñan un disco o single de Katy Perry) o sobre la importancia del periodismo musical en la actualidad. Foto: Condé Nast

¿Por qué abandonas Pitchfork ahora que va tan bien?
Ese es el motivo. Pitchfork va muy bien. La empresa está en una buena posición, la marca es estable, los festivales tienen éxito y me parece un momento oportuno para retirarme y descubrir qué me depara el futuro. De momento lo único que sé es que me gusta construir cosas…

¿Quién será ahora presidente?
No lo sé. Hay un montón de gente cualificada en Pitchfork que cuida de diferentes aspectos de la empresa, gente que lleva muchísimo tiempo, que podría «presidir» Pitchfork, pero no tiene por qué haber uno concreto, no somos tradicionales en ese sentido. Así que igual no hay ninguno.

¿Qué ha cambiado editorialmente en Pitchfork desde la adquisición por parte de Condé Nast y qué ha cambiado respecto a sus lectores?
Los retos han sido positivos y negativos. Cuando adquirió la empresa, Condé Nast nos dijo que no quería, y cito directamente, «mandarlo todo a la mierda». Su objetivo siempre ha sido apoyarnos y ayudarnos a crecer. Cuando deseas ofrecer un servicio a tus lectores es importante no acomodarse y experimentar con nuevas formas de presentar tu producto. Nunca hemos querido evolucionar porque sí y de hecho nunca lo hemos hecho, nuestro trabajo siempre ha hablado por sí mismo. En cuanto a los lectores, el concepto de independencia y de la perspectiva propia está ahí, temes perder tu voz… pero Condé Nast no influye ni quiere influir en el trabajo de sus empresas.

El caso es que Condé Nast es una empresa independiente. La lleva una familia. Cuando eres independiente tienes una lista de cosas que quieres hacer y otra de cosas que debes hacer y por un tiempo esas cosas son diferentes, pero llega un momento en que se empiezan a fusionar y empiezas a no poder ocuparte de todo al mismo tiempo. Pitchfork representa el modo en que internet ha democratizado la distribución de música y la era de la imagen ha cambiado la música de manera increíble. En Pitchfork el objetivo nunca ha sido hablar sobre artistas grandes o pequeños sino valorar su calidad. Así que hablamos de Jay Z y también de Ty Segall y eso es lo que nos hizo destacar de otras publicaciones del momento.

¿Ha cambiado mucho desde 2004 el modo en que el público interactúa con Pitchfork? ¿Qué sigue igual?
Dos cosas siguen igual, el deseo de la gente de descubrir música nueva y su deseo de confiar en la opinión de alguien. Spotify ha construido una plataforma entera en base al concepto de descubrimiento musical. El objetivo de Pitchfork siempre ha sido el de descubrir música, lo que ha cambiado es que ahora es mucho más difícil y festivales como Primavera Sound o nuestros festivales en Chicago y París se diseñan con el objetivo de que la gente descubra música. Por otro lado, algo que en Pitchfork hemos hecho bien ha sido presentar opiniones que a la gente le puedan servir de referencia o que puedan citar a sus amigos. Ni siquiera tienen que estar de acuerdo con ella pero saben que es una opinión sólida. Sobre todo queremos que nuestros lectores escuchen música y que nuestra opinión les ayude a contextualizarla.

«No hay método en la decisión de los Best New Music, es sobre todo instintivo»

La categoría de Best New Music y Best New Tracks ha adquirido una extraña influencia…
Quizá no es extraña, ¡la gente confía en ellas porque tienen razón! [ríe] Cuando le dices a la gente que un disco de Elliot Smith mola, pero también uno de Kendrick Lamar, cuando valoras un disco de ambient surrealista de la misma manera que uno de hip-hop de Los Ángeles, la gente percibe que no estás forzando tu propia opinión sino presentando una panorámica musical y diciendo: esto es bueno. Y hoy en día no hay mucha gente diciendo “esto es bueno” sino más bien conformándose diciendo que algo “está bien”.

Puede que sea la presión social, las corrientes de opinión…
No lo entiendo. Es como comer o llevar zapatos: lo que quiere uno es comer la mejor comida y llevar los mejores zapatos, no los peores. ¿Por qué hay gente que malgasta su tiempo escuchando música como experiencia social? ¿Qué hay mejor que escuchar música? En las redes sociales se usa mucho la música como herramienta para construir una marca personal que en realidad no tiene nada que ver con la música.

¿Cómo se deciden los BNM? ¿Se consensúan las notas con varios periodistas?
Sobre todo es instintivo. No hay un método. Por ejemplo acabamos de sacar el disco de GAS como BNM. Cuando tratas de convencer a 10 millones de lectores de que escuchen un disco tan complicado como este, que es una obra de arte abstracta, y al día siguiente intentas lo mismo con Kendrick Lamar, no puede haber método alguno. Con Mark Richardson hablábamos sobre la nota que le pondríamos al nuevo disco de Fleet Foxes y al final te dejas llevar por lo que crees que es lo correcto.

De hecho vuestras notas son muy influyentes. ¿Hay presión en la redacción de Pitchfork por esta influencia? ¿Os da miedo poner según qué notas o decir según qué cosas por temor a que repercutan por ejemplo en las carreras de los artistas?
No hay una presión enorme. En Pitchfork lo que valoramos es que escribimos para muchísima gente, así que intentamos sobre todo no pasarnos de la raya cuando valoramos un disco si es para mal. Y si hay un grupo nuevo que está empezando y acaba de sacar un EP, y resulta que este EP es terrible, consideramos si de verdad vale la pena reseñarlo para 10 millones de personas.

«No haber reseñado a Taylor Swift sí ha sido un error por nuestra parte, pero Katy Perry… es más bien una artista de singles, no de discos»

¿Por qué no reseñáis a Katy Perry [NdE: esta entrevista se hizo hace 15 días, durante el Primavera Sound]?
La hemos reseñado, ¿no?

No, nunca [NdE: Pitchfork sí publicó una extraña crónica sobre la gira de ‘PRISM’ en 2014, y hoy publica por primera vez una reseña de ‘Witness’, puntuado con un 4,8 sobre 10].
Diría que no haber reseñado a Taylor Swift sí ha sido un error por nuestra parte, pero Katy Perry… es más bien una artista de singles, no de discos. Sí creo que hemos reseñado sus canciones [NdE: no lo han hecho]. En cualquier caso, cuando se cubre a un artista es importante asegurarse de que es por algo y de que hay un público para ello.

¿Hay público en Pitchfork para Lady Gaga pero no para Perry?
Totalmente. No sé por qué. Quizás es porque Lady Gaga tiene más talento. Artistas como Gaga son interesantes porque no hacen lo mismo de siempre. Lady Gaga hace lo que le da la gana y Katy Perry hace lo que su público quiere que haga y el público de Pitchfork percibe eso.

«Lady Gaga hace lo que le da la gana y Katy Perry hace lo que su público quiere que haga y el público de Pitchfork percibe eso»

A quien también reseñáis es a Justin Bieber.
Bieber tiene un buen gusto tremendo y no es idiota.

¿Y qué hay de Britney?
Hemos incluido canciones de Britney en algunas de nuestras listas. Lo que hace Bieber es rodearse de gente increíble. Es como ser político: igual no eres el político más capacitado pero tienes talento para seleccionar la gente con la que trabajar y formas un gabinete de gente con mucho talento. Y si no eres un gran músico, esta gente con talento te hace mejor.

¿Qué has aprendido sobre el concepto de periodismo musical en todo este tiempo que llevas en Pitchfork?
He aprendido que a la gente todavía le importa tu opinión. El arte de escribir sobre música se minusvalora. Pero si los músicos se esfuerzan en crear su arte, la manera con la que se aborda este arte en el periodismo tiene que ser igual de buena. Y con la cantidad de música que se hace hoy en día, concretamente con la cantidad de mala música que se hace hoy en día, el periodismo musical es más importante que nunca. De la misma manera que es más importante que nunca que haya gente que hable sobre música, que la procese y que ayude a contextualizarla de cara a un público.

«Con la cantidad de mala música que se hace hoy en día, el periodismo musical es más importante que nunca»

¿Beyoncé o Lemonade?
‘Lemonade’ porque captura todas las emociones. Cuando mi mujer se enfada conmigo me canta una canción del disco. A veces pone una canción de ‘Lemonade’ en casa, la escucho desde el piso de arriba y pienso: «mierda, ya la he cagado». No es que sea Jay Z, no soy un cabrón, pero ya me entiendes… Cuando piensas en lo que ha habido detrás del disco te das cuenta de que hacía tiempo que no salía un disco que conectase de manera tan visceral tanto con hombres como mujeres.

Miguel Bosé y Pablo Motos se cachondean de la última de Rajoy en ‘El Hormiguero’

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13 junio, 2017

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Miguel Bosé ha acudido en la noche de este martes a El Hormiguero para promocionar su nueva gira, por supuesto sin tratar cuestiones espinosas como la discriminación por edad en la radiofórmula, el origen de su paternidad o el excesivo recurrir a hits pasados en diferentes versiones para sostener su carrera, pero sí tratando en este caso algunos temas más espinosos.

Aunque el titular “no seré yo quien deje sola a Venezuela” parecía pactado o como mínimo demasiado meditado, Bosé ha criticado “la conciencia internacional” en cuanto a la “falta de democracia” de Venezuela, y después se ha sumado a la burla colectiva sobre la última tontería de Mariano Rajoy. Hoy, durante la moción de censura presentada por Unidos Podemos, el presidente del gobierno ha pronunciado una frase incomprensible dirigida a Pablo Iglesias que nadie del público de El Hormiguero presente en plató ha sido capaz de reproducir, ni siquiera por una recompensa de 200 euros. La frase de Rajoy ha sido “Cuanto peor mejor para todos, y cuanto peor para todos mejor. Mejor para mí el suyo, beneficio político” y Bosé la ha calificado como “insuperable”.

Miguel sí ha hablado de la educación que da a sus 4 hijos, que orquesta con 4 valores como son los deportes, las matemáticas, la música o el viajar, que considera representado por el hecho de que en su escuela haya “41 nacionalidades”, aunque ha recordado la sorpresa que le supuso ver por primera vez a una persona de otra raza. “¿Qué has comido?” fue su primer pensamiento. El artista ha recibido el disco de oro por su MTV Unplugged y ha tenido que adivinar qué hit suyo cantaba el público con las orejas tapadas, sólo a través de la gesticulación de los presentes.

Miguel Bosé en El Hormiguero: tan pocas novedades como en el repertorio de sus conciertos

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13 junio, 2017

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Miguel Bosé visita este martes el plató de El Hormiguero para presentar su extensa gira ‘Estaré’, que arranca el 23 de junio en Madrid, continúa con dos fechas consecutivas en el Auditori del Fòrum y después le llevará por prácticamente todo el país, antes de viajar en septiembre a Estados Unidos y México. Una gira con la que «presenta» las canciones de su último disco, que es algo tan resobado como un ‘MTV Unplugged’ que editó el pasado año con colaboraciones estelares de Pablo Alborán, Juanes, y artistas mexicanos como Sasha Sokol o Marco Antonio Solís, que han impulsado sus popularidad en el país norteamericano. No en vano, viene de actuar en el famoso Zócalo del DF antes nada menos que 110.000 personas, poca broma.

Sí: el artista que ha hecho ‘Papito’ y ‘Papitwo‘, con sus correspondientes ‘Papitours’, versionándose a sí mismo con artistas invitados, ha tenido la necesidad de volver a hacerlo, esta vez con la coartada acústica que ofrece el canal de televisión. Pero, eh, al menos ha tenido la decencia de incluir ‘Solo sí’, una canción de su último disco de estudio, ‘Amo‘ (2015). Desde luego, suponemos que sus fans no esperan menos de él que interprete por enésima vez las mismas canciones, pero tras eso subyace la escasa relevancia comercial de sus propios discos –excluyendo los greatest hits– desde los tiempos de ‘Sereno’ y ‘Morena mía’, en el albor del milenio.

Por tanto, ¿qué novedades podemos esperar que cuente a Pablo Motos en la entrevista que ofrece en El Hormiguero? Hablará de las ganas que tiene de esta gira, que incluye un novedoso (es ironía, obvio) set «unplugged» y redunda en los ‘Amante Bandido’s, ‘Como un lobo’s, ‘Bambú’s, ‘Nena’s y ‘Te amaré’s, y hablará, muy probablemente, de la triste pérdida de su sobrina Bimba y la aún más reciente del íntimo amigo de ambos, David Delfín, sobre las que ya se ha manifestado públicamente. Motos, muy posiblemente, también tratará de sacarle algo sobre sus cuatro hijos, y él medio esquivará la pregunta, porque no le gusta hablar del tema, pero al final dirá algo bonito de ello. En un alarde de riesgo, Motos quizá le haga una pregunta política, aprovechando la coyuntura del día, que él contestará.

Pero no hablará, en cambio, del ageism en el mundo del pop; de por qué es más difícil para él conseguir un nuevo éxito en estos días; de si él, que en su momento apostaba por tomar ciertos riesgos en las producciones de sus discos (remember ‘Velvetina’) no se plantea volver a hacerlo, qué pensaría si le dijeran que las estupendas y recargadas producciones de su debut ‘Miguel’ podrían ser reivindicadas por las nuevas generaciones, o si, ya puestos a hacer conciertos festivos, se plantearía entrar en el circuito de festivales alternativos como Dúo Dinámico o Los Del Río. Y será una pena.

The Horrors, entre Joy Division, Beck y Primal Scream, en ‘Machine’

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13 junio, 2017

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Poco después de haber actuado en Madrid, donde formaron parte de la última edición de Tomavistas, The Horrors tienen un nuevo single, probablemente extraído de ese disco en el que están trabajando sin prisa pero sin pausa, la continuación de ‘Luminous’.

La nueva canción, titulada ‘Machine’, tiene cierto regusto a Joy Division en bajos y ambientación -como tantos otros puntos de su carrera- y a los Primal Scream más densos, además de un punto en la voz a Beck que quizá haya siempre estado ahí pero por alguna razón ha pasado inadvertido para nuestros oídos.

De momento se desconocen más datos sobre la nueva música de The Horrors, pero sí sabemos que el grupo volverá a visitarnos el próximo mes como parte del cartel de PortAmérica, festival que se celebra el próximo mes en Cladas de Reis y que además de a la banda de Faris también incluirá a gente como Asian Dub Foundation. The Horrors tocan por allí el jueves 13 de julio, el mismo día que Iván Ferreiro, Niños Mutantes, Carlos Sadness y Triángulo de Amor Bizarro. El viernes 14 será el momento de los exitosos Novedades Carminha y Kase.O, entre muchos otros, y el sábado 15 el de Leiva, Depedro, Xoel López, Enric Montefusco, etcétera. Más info, aquí.

London Grammar, próximo número 1 en Reino Unido, versionan a Beyoncé

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13 junio, 2017

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London Grammar, inminente número 1 de las listas británicas con su segundo álbum, un ‘Truth Is A Beautiful Thing’ que reseñaremos en breve, han pasado por la BBC para versionar una canción de pop, como es habitual en el formato Live Lounge de la cadena pública.

El grupo autor de ‘If You Wait‘ se ha decantado por ‘All Night’, uno de los temas de ‘Lemonade’ de Beyoncé que la cantante terminó subiendo a Youtube (pero no a Spotify) meses después del lanzamiento del disco. En formato “4AD”, el punteo de las guitarras y las ambientaciones hacen la versión casi irreconocible en primera instancia, pero finalmente el flamante estribillo despunta.

London Grammar también han interpretado su single ‘Oh Woman Oh Man’ a su paso por este espacio. De los múltiples adelantos que han venido compartiendo con sus fans desde enero, se trata de la canción que finalmente ha sido adoptada para la playlist de hits de la radio más importante de la BBC y de todo Reino Unido: milagrosamente esto está en la “A list” de Radio One.

El single no ha entrado siquiera en el top 100 de singles británicos (‘Rooting for You‘ fue número 58), pero se espera que el grupo venda 50.000 álbumes durante esta primera semana de salida solo en las islas, el triple que ‘Witness’ de Katy Perry.

10 joyas ocultas del cartel de Sónar 2017 y 3 sesiones ineludibles

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Sr. John

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13 junio, 2017

Este fin de semana se celebra Sónar 2017, con nombres en la cabeza de cartel como Justice, Arca, De La Soul o C.Tangana, algunos de los cuales recordábamos en este artículo e incluíamos en nuestra playlist sobre el festival. En este otro repasamos una serie de nombres menos conocidos que también merece la pena rescatar.

Jacques

A Jacques Auberger se le compara con Herbert, más que por el sonido por la forma de componer, sobre todo porque es muy dado a incorporar en su música disparidad de elementos: desde voces y animales a timbres y martilleos, pasando por tic-tac de relojes o campanas, por trilladas que estén. Todo amasado en un crisol de estructuras melodiosas y bailables (más de lo que se imagina el más reticente a la experimentación). Ojito a su peinado: ha sido portada en numerosas revistas en Francia.

JLIN

La norteamericana nos presentará su recién publicado segundo trabajo, ‘Black Origami’, nueva competidor entre los ritmos más agitados del footwork. El coqueteo de Jerrilynn Patton con la ciencia ficción, la percusión y el baile hacen que su presentación en directo sea aún más excitante que su álbum. No sabemos por qué nos recomiendan desde la web oficial ver su actuación «desde el principio», pero nos imaginamos algo grande.

Bejo

El rapero canario Bejo arrasa en Youtube. En sus letras poco se habla de drogas, predominando en su lugar el humor gracias a sus expresiones en verso. En cuanto a estética reinventa y da la vuelta a cualquier tipo de vestuario. Actuará en uno de los nuevos escenarios de esta edición, denominado SónarXS, dedicado a las nuevas variantes del rap y el trap en España. Por este espacio podremos ver a Bad Gyal, Yung Beef y a Yves Tumor, entre otros. Tumor es un artista de género miembro del colectivo Dogfood Music Group (en el que también está Mykki Blanco). Su soul ambiental poco convencional puede ser el aperitivo perfecto antes de Arca.

Playback Maracas

Sónar 2017 seguirá apostando por el talento nacional emergente al margen de la música urban. De la misma manera que vuelven a invitar a Bflecha, aparecen en el cartel los inclasificables Playback Maracas. No les busques en Spotify, porque siguen sin aparecer en esta plataforma, pero a través de sus actuaciones en las inmediaciones de Barcelona (recientemente también han sido invitados al True Music Festival de Madrid), Eloi Martínez y Álex Pérez se están haciendo un nombre solo gracias al par de temas subidos a Youtube. Este es el último de ellos, ‘Moohn’, que aparecía esta misma semana.

Evian Christ

El británico dejó el listón muy alto aunando música, luces blancas y un sistema de humo -ideado por Emmanuel Biard- en la edición del 2015. Entonces dejó claro que arte y tecnología pueden ir de la mano más allá de una instalación en un museo. Su primer trabajo largo tras EP’s y mixtapes está a punto de publicarse en Warp, y estamos completamente seguros de que no faltarán beats futuristas, grime y r&b.

Kiddy Smile

El house voguing de Kiddy Smile puede ser sobre las tablas impactante, pero también un puñetazo de planteamientos ideológicos al combinar cultura, hip-hop y LGBT. Si eres blanco y heterosexual de pura cepa, y simpatizas con Le Pen, vas a estar fuera de juego: la rotura de estándares sociales por la minoría oprimida está asegurada.

Suzanne Ciani

A sus más de 70 años y con una carrera discográfica importante, cerca de una veintena de trabajos y cinco nominaciones a los Grammy, la italiana Ciani ofrecerá su personal homenaje al sintetizador con sabor a banda sonora. Un referente poco reivindicado, además con regusto a new age en la dosis justa, que nos recuerda que no todas las joyas perdidas tienen que ser jóvenes y emergentes.

AJ Tracey

El año pasado el también británico Skepta nos dejó atónitos con su fuerza ante el micro. No es un caso aislado en los últimos años: Reino Unido no está en horas bajas, todo lo contrario, a tenor de lo que nos llega ahora de mano del londinense AJ Tracey, que en tan solo un par de años ya empieza a jugar en primera división. Además, por partida doble, pues no duda en incluir el fútbol, una de sus grandes pasiones, en sus relatos.

D∆WN

No es sencillo ubicar a la norteamericana Dawn Richard: en un primer contacto con el público parecía orientada al mainstream con su R&B urbano. Más tarde daría un giro, incluso abreviando el nombre y sustituyendo la ‘A’ por un triángulo, encaminándose más hacia el neo-soul futurista en la órbita de FKA twigs. Gran curiosidad por contemplar sus poses al caer la tarde al aire libre este jueves, en el SonarVillage, escenario principal en Sónar de día.

Marie Davidson

La visita de la canadiense Marie Davidson vendrá como anillo al dedo a los amantes del synth-pop y la electrónica analógica. Ha preparado para la ocasión un show representado en diez actos que se llama Bullshit Threshold. Davidson quiere poner en escena humor, proyecciones y mucho teatro.

Sesión de Masters At Work

En SonarCar el pasado año las siete horas con Laurent Garnier dejaron el listón muy alto. Tenemos claro que el set de seis horas, en el mismo espacio, por Masters At Work, nos va a hacer olvidar de repente el buen sabor de boca que nos dejó el francés. Con pocos de los clásicos que han producido o han remezclado que caigan, tienen el éxito asegurado.

Sesión de Nina Kraviz

Este año las féminas plagan la programación, cada una con estilo y público propio, para nuestra desgracia solapándose en más de una ocasión. Nina Kraviz viene por segunda vez al festival, y no dudamos ni por un momento en sumergirnos en uno de los sets de techno introspectivo al que nos tiene acostumbrados.

Sesión de Daphni & Hunee

¿Un set a cuatro manos formado para la ocasión por Dan Snaith de Caribou y el reputado Dj Hunee, este último con un instinto animal para rastrear melodías in crescendo? ¿El último día y al amanecer? ¡No más preguntas!

Wild Honey busca respuestas en el tarot y sueña con la diosa Acuario en el vídeo de ‘Horóscopo’

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13 junio, 2017

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Este 28 de abril se ha publicado ‘Torres blancas’, el nuevo disco de Wild Honey, alias de Guillermo Farré, que se ha presentado con el fantástico single ‘Mapas de zonas desiertas’ y ha contado con las colaboraciones destacadas del productor Frank Maston y Sean O’Hagan de The High Llamas y Stereolab.

La promoción de ‘Torres blancas’ continúa con el vídeo de ‘Horóscopo’, que ha dirigido la artista visual Mar Ordonez y estrenamos en JENESAISPOP. Inspirado, en palabras de la propia Ordonez, en el surrealismo de cineastas como Maya Deren o Jean Cocteau, el vídeo de ‘Horóscopo’ traslada en imágenes la letra de una canción que nos habla sobre un hombre solitario que busca en el esoterismo las respuestas a su vida llena de incertidumbre. «Nunca te atreves a preguntar, cuando todo parece salir mal, suena el teléfono de madrugada, ¿qué dice el horóscopo de la semana?», canta Ferré.

Ordonez presenta en ‘Horóscopo’ a un «tranquilo y austero» (Wild Honey) que habla con una Pitonisa, tras lo cual experimenta sueños «entre la fantasía y la realidad». Los sueños parecen tener que ver con la figura idealizada de una mujer, que la artista de Palma ha buscado divinizar en lugar de sexualizar. Esa mujer aparece representada sobre todo a través de la diosa Acuario (Farré y Ordonez comparten este signo del zodiaco), que enlaza cada escena del vídeo gracias al agua de su ánfora.

10 obviedades que no puedes perderte en Sónar 2017, un bonus track y una playlist

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13 junio, 2017

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Este finde se celebra una nueva edición de Sónar, en la que podremos ver un sinfín de joyas perdidas además de a Eric Prydz (sí, el mismo del hitazo ‘Call On Me’) por primera vez en el festival, Jon Hopkins como DJ, Juana Molina con nuevo disco, Soulwax, Nicolas Jaar, DJ Shadow con ‘The Mountain Will Fall‘, Matmos, SOHN presentando ‘Rennen’, Joe Goddard haciendo lo propio con ‘Electric Lines‘, Vitalic, Seth Troxler y Tiga, Soulwax, Cashmere Cat con las canciones del interesante ‘9‘, Forest Swords, Matmos… y un largo etcétera que puedes consultar aquí. En este artículo nos centramos en 10 artistas que nadie ha de perderse, y acompañamos con una sorpresa y nuestra tradicional playlist.

Arca

Arca ha sido por supuesto un valor desarrollado por cuenta propia gracias sobre todo a sus 3 últimos discos y también a su trabajo con Björk, pero también se está convirtiendo en una insignia de Sónar. Tras actuar hace dos años acompañado de Jesse Kanda, este estará de nuevo con sus visuales en SonarHall el jueves 15 a las 21.00. Presentará su último álbum, homónimo y el más asequible de su carrera, que ha sido respaldado con unanimidad por la crítica.

Thundercat

Clave en las carreras de Kendrick Lamar, con quien trabajó en ‘To Pimp a Butterfly’, y Kamashi Washington, Thundercat llega a Sónar para presentar el disco que ha publicado este año y que también ha conquistado a toda la crítica, ‘Drunk‘. En él Stephen Bruner se confirmaba como un versátil cantante de soul, con un estupendo falsete, además de como un audaz productor capaz de combinar perfectamente la psicodelia con la vanguardia electrónica.

Moderat

Tras triunfar el año pasado con su tercer disco, que aparecía en nuestra lista de los mejores discos de 2016 y también en la lista de los discos favoritos de 2016 de nuestros lectores, Moderat vuelven a nuestro país. La presentación de sus últimos temas y éxitos anteriores el viernes a la 1 de la madrugada puede ser uno de los highlights del festival, si recordamos que recientemente hubo hostias por conseguir una entrada para un concierto suyo en Madrid, agotado con semanas de antelación. Hablamos con Moderat sobre ello durante una entrevista hace unos meses.

Carl Craig

Entre las leyendas que preparan algo especial para Sónar 2017, Carl Craig, que presenta ‘Versus Synthesizer Ensemble’, una idea que nació en el año 2008 en La Cité de la Musique y que ha ido rumiando poco a poco. El proyecto adapta los tracks techno de Craig a un lenguaje sinfónico con la ayuda de Francesco Tristano, quien ha orquestado todos sus temas desde el principio. Se ha editado un disco que Craig interpretará en SonarLab junto a cinco músicos (Tristano uno de ellos, al piano) tocando una amplísima colección de teclados y sintetizadores.

C. Tangana y otros traperos

El trap nacional tendrá un protagonismo especial en la nueva edición de Sónar 2017, que no ha dado precisamente la espalda a este género musical (recordemos que hace un par de años no se cortaron en invitar a PXXR GVNG). Pocos top 40 de la lista oficial española de singles vemos actuar en Sónar y C. Tangana va a ser una de esas curiosas excepciones. Le toca el sábado por la tarde, y antes, el viernes, podremos ver por un lado a Pimp Flaco y Kinder Malo y por otro a Bad Gyal. El jueves no faltarán las canciones «del Dellafuente» con Maka ni las de Yung Beef.

Andy Stott

Los tres últimos trabajos de Andy Stott, un ramillete de beats entre la contemplación y la suntuosidad, han consolidado al que es uno de los productores más relevantes de la electrónica internacional. El autor de álbumes como ‘Luxury Problems‘ y ‘Faith In Strangers‘ actuará en SonarComplex el jueves por la tarde presentando su obra de 2016, ‘Too Many Voices’.

De La Soul

Otros históricos que visitarán Sónar tras décadas de trayectoria, en su caso tres, son De La Soul, que acuden para presentar su último álbum, ‘… And the Anonymous Nobody’, publicado el año pasado con colaboraciones de Jill Scott, Snoop Dogg, David Byrne y Damon Albarn, entre otros, y financiado en cuestión de horas a través de una campaña de Kickstarter.

Anderson .Paak

La edición de ‘Malibu‘ y la nominación de Anderson .Paak para el BBC Sound of 2017 confirmaban a este artista como uno de los nombres más importantes para la música negra de los últimos tiempos. No viene solo sino acompañado de su banda en vivo, The Free Nationals, según la nota de prensa alternando «los sonidos orgánicos, los juegos de voces y la extraordinaria musicalidad del conjunto (soul, rap, beats, pop, funk)». Actúa este viernes a las 23.30.

Justice

‘Woman’ no ha devuelto a Justice a la primera línea de la electrónica internacional, pero tampoco estaba tan mal. Que el dúo francés actúe en Sónar tiene todo el sentido en cualquier caso porque su sencillo ‘Safe and Sound’ fue estrenado nada menos que en Sónar 2016 durante la sesión de Ed Banger, que abrió SonarVillage. Además, será la primera vez que pueda verse en nuestro país su nuevo espectáculo, que sí han llevado ya a lugares como Coachella.

Cerrone

Entre las leyendas que Sónar ha de reivindicar está Cerrone, que puede no haber contado con la gloria y la popularidad de un Moroder o un Nile Rodgers, pero sí con una historia tan chula que incluye discos perdidos, hits como ‘Supernature’ (una influencia ultra jevi en Daft Punk) y ‘Love In C Minor’, y un disco reciente en el que han colaborado Aloe Blacc y Alexis Taylor de Hot Chip. El artista presenta un show en directo en el que pincha, toca la batería, proyecta imágenes creadas por él mismo e incluso invita a subir a dos vocalistas sobre el escenario.

Björk

El bonus viene por supuesto protagonizado por Björk, que en el último minuto ha logrado convertirse en la gran protagonista de Sónar 2017. La islandesa anunciaba hace tan sólo un par de semanas que este miércoles 14 de junio realizará una sesión de bienvenida cuyas entradas se han vendido aparte del abono de Sónar. Ya están agotadas. Björk no tiene mucha experiencia como DJ y ha empezado a pinchar muy recientemente. Sin embargo, dada su experiencia como autora, productora y hacedora de beats, estamos seguros de que será interesante lo que ponga y cómo lo ponga. Os dejamos con su último vídeo, la versión «normal» (no de «realidad virtual») de ‘Notget’.

La playlist

Finalmente, os dejamos con nuestra tradicional playlist anual con algunas de las propuestas que podréis disfrutar en esta nueva edición de Sónar.

Nancys Rubias / Marcianos Ye Yés

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13 junio, 2017

La ventaja que tienen Nancys Rubias sobre Fangoria es que ellas nunca han pasado una etapa reflexiva, “cultureta” (palabra que Mario Vaquerizo emplea mucho en sus entrevistas) y sofisticada que sus seguidores puedan rememorar con nostalgia. Lo suyo ha sido hedonismo y cachondeo desde el principio y no ha variado ni un ápice su propuesta. Es algo de lo que sentirse orgullosas (sin ironía) y sobre ello han construido su carrera y la gente que las quiere lo hace por lo que son, no engañan. Lo peor que podría pasarles es que se volvieran previsibles y aburridas y Mario, listo como es, parece haber atisbado algo de eso en sus últimos discos y ha buscado salir de su zona de confort en ‘Marcianos Ye Yés’, su nuevo disco. Su llamativa portada, aparte de una buena foto y gracioso estilismo de Juan Gatti, muestra sus intenciones de abandonar los clichés de su chochi pop, que empezaban a estar gastados: rock ramoniano revestido de pirotecnia electro, cuero, glam y demás.

Para empezar, incluir a Guille Milkyway en la ecuación compositiva y de producción, junto con los habituales hermanos Canut, funciona bastante bien, como ya ocurriera en el proyecto de Nacho y Alaska. Su mano se intuye con claridad en el vitaminado single ‘Marcianos Ye Yés’, dando una vuelta de tuerca a su faceta pop punk con mano hábil; en la estupenda ‘Llámame poupée’ que parece mirarse en Yelle (para bien); y también en ‘Alfabeto Nancy’, en la que Guille va rindiendo sus propios homenajes a Giorgio Moroder, Jean-Michel Jarre y la música disco, mientras Mario hace lo propio recitando referentes de las Nancys y homenajeando a McNamara (y me refiero a la letra “Q”, no solo a la “F”).

Esa intención de cambiar de perspectiva parece haber tocado a su equipo habitual y se impregna también en la divertida melodía de ‘Son urracas’ y, sobre todo, en la cachonda ‘Trabajando en la sana’, donde Mario se traviste en heterazo para rendir doble homenaje a Motörhead y a ‘El astronauta’, parodia de la carrera espacial dirigida en 1970 por Javier Aguirre y protagonizada por Tony Leblanc. Esos aciertos se ven deslucidos, sin embargo, por temas muy predecibles como ‘A mí no me la das’ (un trasnochado ataque a “lo indie”, a estas alturas de la vida), ‘La filosofía pipa’ –un intento de ‘Me encanta’ de cosecha propia poco logrado– y ‘Submarinos y sirenas’, dos aparentes bromas privadas que, contadas así, no tienen gracia. La versión de la versión del mítico ‘Yes, Sir I Can Boogie’, pese a su letra remozada para la ocasión, también resulta prescindible. Asumiendo que estamos ante un divertimento intrascendente y que sus pretensiones no van más allá de agradar a su público, quizá si se hubieran quedado con lo mejor en un simpático EP en lugar de forzar un álbum completo, ahora nos tendrían dando palmas.

Nancys Rubias presentarán ‘Marcianos Ye Yés’ en Arenal Sound 2017.

Calificación: 5,7/10
Lo mejor: ‘Alfabeto Nancy’, ‘Llámame poupée’, ‘Marcianos Ye Yés’, ‘Son urracas’
Te gustará si te gusta: los últimos Fangoria, el universo Alaska & Mario.
Escúchalo: Spotify

Justin Bieber reconoce que no se sabe ‘Despacito’ en directo y un fan le tira una botella

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13 junio, 2017

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Este fin de semana Justin Bieber ha actuado en el festival Summerburst de Estocolmo y el concierto ha dejado una anécdota que conocemos hoy gracias a un vídeo recién subido a internet.

Es de conocimiento popular que Justin Bieber no se sabe la letra de ‘Despacito’, su actual número uno mundial junto a Luis Fonsi y Daddy Yankee, como demostró hace unas semanas durante un evento en Nueva York en el que pinchó la canción y además la cantó sustituyendo la letra por unos «bla bla bla bla» que como poco dejaron un regusto racista de lo más desagradable.

Como muestra el vídeo en cuestión, durante un punto del concierto en Estocolmo el cantante reconoce ante sus fans no saberse ‘Despacito’. «No me sé la letra de la canción, no puedo hacerlo». A continuación, cuando el canadiense procede a beber agua y a presentar un nuevo tema, una persona del público le lanza una botella de plástico a la cabeza que Bieber consigue esquivar por muy pocos centímetros. Por supuesto no se sabe si esta persona está cabreada (como tantos fans) por la actitud de Bieber, pero el ataque no parece totalmente random.

No es la primera vez que alguien lanza cosas a Bieber en un concierto, pero tampoco es la primera vez que Bieber muestra una actitud cuestionable ante su nuevo éxito en español, como cuando presentó ‘Despacito’ en directo mascando chicle y desapareció del escenario poco después. Él, eso sí, sigue siendo una máquina hits, como ha demostrado ‘I’m the One’ de DJ Khaled y podría demostrar su nuevo single con David Guetta.

Con ‘Despacito’ en lo más alto… ¿puede Jennifer Lopez triunfar a lo grande con ‘Ni tú ni yo’?

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13 junio, 2017

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Este lunes Jennifer Lopez ha grabado el videoclip de ‘Ni tú ni yo’, su nuevo single con Gente de Zona, que se publica «más o menos en dos semanas», según palabras de la propia Lopez (se entiende que este viernes no, el siguiente). ‘Ni tú ni yo’ es el primer adelanto oficial del nuevo disco de Lopez, que será completamente en español y del que la cantante estrenó otro tema en la pasada edición de los premios de los Billboard latinos, la pimpinelesca balada ‘Mírate’.

En una entrevista, Lopez ha asegurado no obstante que el álbum será sobre todo bailable y que fusionará sonidos caribeños, de reggaetón y salsa. No puede venirle mejor a Lopez sacar un disco de estas características ahora que ‘Despacito’ de Luis Fonsi y Daddy Yankee es número uno también en Estados Unidos y Reino Unido o después de que Shakira y Maluma hayan entrado en el Hot 100 cantando en castellano. Por no hablar de que el último hit de Lopez, ‘Ain’t Your Mama’, por el que pocos dimos un duro pero que va cerca de superar los 180 millones de streamings en Spotify, se basaba en un ritmo reggaetón no disimilar a los últimos éxitos de Rihanna y Drake.

Y ojo porque Lopez podría tener una canción buena de verdad entre manos. La cantante adelantó ‘Ni tú ni yo’ en Instagram a principios de mayo y no hay que darle muchas vueltas para darse cuenta de que el tema tiene pegada, una melodía potente y muchas posibilidades de conquistar al mismo público que ha llevado ‘Despacito’ a lo más alto. Eso sí, para ser número uno en Estados Unidos primero tendrá que serlo en Latinoamérica, donde por supuesto Lopez sigue siendo una absoluta estrella.

Por cierto, por si acaso, antes de que ‘Ni tú ni yo’ empiece a sonar en todas partes, cabe recordar que Gente de Zona es el mismo grupo de reggaetón y salsa cubano que triunfó brutalmente con ‘Bailando’ de Enrique Iglesias en 2014 y luego con ‘La gozadera’ junto a Marc Anthony en 2016. Así que recordad su nombre porque pinta a que lo vamos a tener hasta en la sopa. ¿Terminará el éxito de ‘Despacito’ arrastrando también ‘Ni tú ni yo’ a lo más alto de las listas anglosajonas? Nos vemos dentro de unos meses…

#NiTuNiYo con @gentedezona #neuvamusica #pronto #lifeiswhatyoumakeit

Una publicación compartida de Jennifer Lopez (@jlo) el 6 de May de 2017 a la(s) 11:59 PDT

Luis Fonsi se estrena en la tele estadounidense con ‘Despacito’

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13 junio, 2017