Hoy se publica la reedición de ‘Canciones para robots románticos’, el álbum que publicaron el año pasado Fangoria, y que ha vuelto a ser un éxito de ventas recuperando, además, el apoyo de emisoras radiofónicas como Los40 o Cadena Dial. Esa nueva edición se titula ‘Miscelánea de canciones para robótica avanzada’ (les ha faltado un “de todos los santos”) e incluye el álbum original y un disco extra con seis cortes inéditos, entre los que destacaron como adelanto ‘Espectacular’, producida por Guille Milkyway, habitual ya en sus grabaciones.
Las nuevas canciones presentadas incluyen temas que tienen toda la pinta de ser descartes del álbum como ‘El día a día de mi psicopatía’ o ‘Lo peor es lo mejor’, una ‘¿Qué quiere usted de mí?’ con arreglos exóticos que recuerdan a ‘Una temporada en el infierno’ y un punto bakala de ‘Arquitectura efímera’ y un mash-up de ‘Disco Sally’ y ‘Fiesta en el infierno’ llamado ingeniosamente (#no) ‘Disco Sally baila en una fiesta en el infierno’.
Pero lo más sorprendente llega en ‘Canciones que hablan sobre bailar’, un popurrí de toda la vida, un poco Década Prodigiosa, que si bien decepciona al comenzar con un ‘Bailando’ de su anterior grupo, Alaska y Los Pegamoides, que ya han sobado hasta la saciedad, remonta a lo grande mezclándola con ‘Bailando’ de Paradisio (no en la versión de Astrud, sino en la original), ‘Yo quiero bailar’ de Sonia & Selena, la estratosférica ‘Estoy bailando’ de Las hermanas Goggi y, sorpresón, ‘Toro’ de El Columpio Asesino, un hit underground desde que apareció en su álbum ‘Diamantes‘ (2011). 11 minutos de pura diversión. Así sí, Nacho y Olvido.
En un par de semanas, Fangoria celebran la salida de esta reedición con los conciertos especiales «Pianíssimo». Aún hay entradas disponibles.
Walter Morrison, conocido como Junie, miembro de Ohio Players, ha fallecido a los 62 años, ha confirmado el grupo en su página de Facebook. En su comunicado, James «Diamond» Williams recuerda que Junie llegó a estar casado con su hermana y que era una «persona con un talento increíble».
Formado a finales de los 50, por Ohio Players pasaron más de una veintena de músicos, pero Junie fue uno de sus integrantes destacados por su talento vocal y a los teclados así como por su sensibilidad para la composición y producción. Junie llegó a Ohio Players en los 70 y abandonó la formación en 1972 para trabajar junto a George Clinton en Parliament.
En los últimos tiempos, Solange ha dedicado una canción al fallecido músico en su último disco, ‘A Seat at the Table’. Se titulaba, precisamente, ‘Junie’ y era una colaboración con André 3000 de Outkast. Eso sí, no llegó a colaborar con él como sí consiguió Dâm-Funk en su disco de 2015, ‘Invite the Light’, donde Morrison aparece en dos interludios.
De Ohio Players, que editó 16 discos de estudio entre 1969 y 1988, es obligatorio destacar ‘Fire’, ‘Love Rollercoaster’, ‘I Want to be Free’ o ‘Funky Worm’, tres clásicos indispensables en cualquier playlist de funk que se precie.
Hoy Los Punsetes han adelantado otra nueva canción, que no el single principal, de ‘¡Viva!’, el quinto álbum largo de la banda madrileña. Se trata de uno de los nombres a priori más llamativos del tracklist de este disco y, desde luego, su letra no decepciona. “Un ensayo nuclear en el Pacífico”, “un baboso que no mide las distancias”, “poesía de 3º de EGB” o “la flema que proyecto cuando escupo” es lo que la voz de Ariadna nos explica, detalladamente, que opinan de tu grupo, seas quien seas.
Musicalmente, esta canción comienza como un aparente medio tiempo, pero poco a poco las guitarras de Anntona y Jorge se van inflamando hasta quemar, como suelen. Este es el segundo tema que conocemos de este disco tras ‘Mabuse’, un buzz-single que en pocas semanas ha alcanzado una cantidad muy importante de reproducciones en plataformas de streaming, aunque aún lejos de las más de 800.000 que acumula, por ejemplo, ‘Tus amigos’ en Spotify.
‘¡Viva!’ se publica a través del sello Mushroom Pillow el próximo día 10 de marzo, y lo presentarán profusamente en salas y festivales de todo el país. Cabe destacar su reciente incorporación al cartel de Vida Festival, además de Bilbao BBK Live, Sunshine Suances, Tomavistas o Low Festival.
El pasado 12 de febrero, Cee Lo Green acudió a la ceremonia de los premios Grammy disfrazado de villano dorado ciberespecial… o algo así. Internet lo comparó con un bombón Ferrero Rocher, con un villano de ‘Bola de dragón’ o con un enviado de Beyoncé -que actuó de dorado- para vengarla en su nombre. No está claro qué era pero sí que llamó la atención.
Tampoco se pone de acuerdo el mundo en si Green dio un espectáculo maravilloso o bochornoso en los Grammy acudiendo de tal guisa, pero el presentador de los premios, James Corden, lo definió como un «grito de ayuda» y esa probablemente la descripción más acertada de todas: desde que Green asegurara que la violación no era tal si la víctima no está consciente, el músico no ha levantado cabeza. Esto parece un nuevo intento porque el público que compró masivamente su disco ‘The Lady Killer’ (ejem) le perdone.
Ahora, en unas declaraciones a TMZ, Green ha continuado con la fantasía de los Grammy y ha asegurado que el personaje dorado que visitó los premios no era él sino otra persona. «He oído a hablar de ese tío y de todos los problemas que está causando», ha dicho. «Me estoy haciendo fan, aunque creo que no el gusto». ¿Nos está queriendo decir que el villano dorado es su yo maligno y que no tiene nada que ver con él?
En los últimos días, Cee Lo ha estrenado un tema titulado ‘Jay Z’s Girl’ a través de su alias Gnarly Davidson en el que expresa su deseo por encontrar a una mujer como «la chica de Jay Z». Es una lectura nueva de ‘Jessie’s Girl’ de Rick Springfield, tan inapropiada como parece para su causa, cuando convierte a Beyoncé en una posesión intercambiable entre amigos.
El 3 de marzo sale el nuevo disco de Ed Sheeran, ‘Divide’, del que ya conocemos los singles ‘Shape of You’, vídeo feminista incluido, y ‘Castle on the Hill’. Hoy, el cantante británico estrena un tercer tema, ‘How Would You Feel (Paean)’, que no es single pero, como ha comentado en Twitter, sí una de sus «favoritas».
Lejos de los experimentos pop y rock de los anteriores sencillos, ‘How Would You Feel (Paean)’ es una sencilla balada de amor marca de la casa, ahora con un punto country que llega a su auge hacia la mitad, cuando emerge un bonito solo de guitarra eléctrica. La canción es tan clásica que lleva el término «paean» («himno de alegría») en su título y parece diseñada para los mismos bailes nupciales en los que ‘Thinking Out Loud’ del mismo Sheeran sonó sin parar durante 2016. ¿Ha hallado Sheeran su nuevo clásico nupcial?
La letra, tan ñoña como cabría esperar: «eres la única chica y sabes que es verdad / me siento más joven cada vez que estoy solo contigo / nos sentamos en un coche aparcado, robándonos besos en el jardín / ¿qué sentirías si te dijera que te amo? / es algo que quiero hacer / tomarme mi tiempo, pasando mi vida enamorándome más y más de ti / así que dime que tú también me amas». La de lágrimas que caerán en sus conciertos en Madrid y Barcelona en abril…
Hace unos días charlábamos por teléfono con Jens Lekman sobre el nuevo disco que publica esta semana, ‘Life Will See You Now‘, un álbum que tras el taciturno ‘I Know What Love Isn’t’, regresa al sonido exuberante y brillante del enorme ‘Night Falls Over Kortedala’. Desde su casa en su Gotemburgo natal, parecía algo distraído y parco al principio, si bien poco a poco se fue soltando en sus respuestas, ofreciendo detalles y sensaciones sobre los cinco años transcurridos desde su anterior álbum, la gestación de sus nuevas canciones, la producción a cargo de Ewan Pearson, su nueva colaboración con Tracey Thorn (Everything But The Girl) o su trabajo como cantante de bodas.
Han pasado 5 años desde que publicaste ‘I Know What Love Isn’t’, y aunque no has parado en este tiempo, parece que te ha llevado bastante darle continuidad. ¿Por qué ha sido así?
Porque tuve muchas dudas sobre qué hacer a continuación. Aquel disco no funcionó muy bien, perdí mucho dinero y eso, en cierto modo, mató totalmente mi seguridad en mí mismo. Tuve que reconstruir esa confianza y bueno, eso es lo que he estado haciendo. Para eso hice los proyectos ‘Postcards’ y ‘Ghostwriting’, para salir de ese agujero.
Pero, precisamente, lo que no perdiste fue la habilidad para escribir canciones, como demostraste en esos proyectos [Ndr: ‘Postcards’ consistía en publicar una canción cada semana de 2015]. ¿Qué fue lo más difícil a la hora de crear ‘Life Will See You Now’? ¿La composición o los arreglos, la producción…?
Es difícil de decir, porque la composición ha llegado en un plazo corto de gran inspiración. Pero, a la vez, me costó mucho reunir 10 canciones que encajaran juntas, que hubiera una temática común. Cuando empecé mezclaba muchas ideas y temas, no sé… pero sobre todo intenté borrarme a mí mismo de mis canciones, escribir de otras personas. Un tiempo después un amigo escuchó las canciones y me dijo: “hay un tema central en todo esto, que es la duda, los miedos y en ponerles fin”. Y ahí fue cuando me di cuenta que estas canciones reflejaban el momento de mi vida en el que estaba.
«Es algo que subyace en todo el álbum, siempre hay dos formas de ver las cosas: puedes observar todas las posibles opciones y entrar en pánico, o puedes disfrutar de la enorme libertad que eso supone»
Es curioso, porque al escucharlo deja una fuerte impresión de luminosidad, de brillo, en contraste con tu anterior disco, que sonaba más tristón. En cambio, al escucharte hablar, no parece tan feliz como suena, ¿no?
Trato de afrontar asuntos difíciles, eso es seguro, pero creo que tiene que ver con una cita de Kierkegaard sobre la que canto en ‘Wedding in Finistère’. Dice “Si te casas lo lamentarás. Si no te casas, también lo lamentarás”. Es algo que subyace en todo el álbum, siempre hay dos formas de ver las cosas: puedes observar todas las posibles opciones y entrar en pánico, o puedes disfrutar de la enorme libertad que eso supone. Es un disco sobre elecciones, sobre las dos lecturas de cada ocasión en la vida. Por ejemplo, ‘How We Met The Long Version’ es una mirada optimista y feliz a tomar decisiones, cómo eso define quién eres en la vida, sobre vencer a tus miedos. En el fondo, es un disco feliz.
Bueno, el título en sí parece muy positivo, ¿no? “La vida va a verte ahora”…
Es interesante, porque la gente lo está interpretando de muchas maneras diferentes. Hay quien ve tristeza en él, como en esa frase de ‘Evening Prayer’ en que Babak imprime en una impresora 3D una reproducción del tumor que le han quitado de la espalda. Se asume que ese ‘Life Will See You Now’ es que son malas noticias. Y hay otros que lo ven como un nuevo comienzo, la belleza de ese momento en el que llegan las cosas que estabas esperando. Hay también quien ve una conexión con esa mujer en la portada, que desafía… “La vida va a verme ahora”… Su actitud es como “venga, puta vida, voy a poder contigo”, con confianza. No lo veo así exactamente, pero me gusta también.
Quería preguntarte sobre ‘To Know Your Mission’, la canción que abre el disco. Parece que contrapones cosas futiles, como pensamientos sobre comida o listas de éxito, con reflexiones más profundas sobre el sentido de la vida. Cuéntanos más sobre ella…
Sí, fue algo deliberado cuando escribí la canción, contraponer la muerte de la Princesa Diana con algo más banal como las canciones que eran top 10 en la radio aquel día. De hecho, aunque no lo creas, esto me llevó una ardua labor de investigación, lo preparé concienzudamente para que cada detalle fuera fiel a la realidad. En realidad es una de las pocas canciones del disco que cuentan una historia real, tal cual ocurrió. Cuando era adolescente solía haber muchos misioneros mormones por Gotemburgo, y uno de ellos se me acercó una vez y, en un sueco muy trabado, me dijo “hey, ¿puedo hablarte de este libro?”. Me sorprendió que, pese a que apenas tenía un par de años más que yo, él sabía exactamente cuál era su misión en el mundo, mientras que yo vivía en una confusión total. ¿Cómo era posible?
Revisando antiguos artículos sobre ti, me he dado cuenta de que ‘What’s That Perfume That You Wear’, el single del álbum, aparecía en una especie de mixtape que subiste a Soundcloud en 2014, con un sonido muy parecido al que tiene ahora. ¿Por qué decidiste recuperarla? ¿Qué significa esta canción para ti?
Es porque sirve como puente entre mis dos últimos discos. ‘I Know What Love Isn’t’ trataba de una ruptura sentimental y mis emociones tras ella, y esta canción trata de ese momento en que aceptas el dolor que has sufrido y lo ves casi con orgullo, como una experiencia que te ha hecho mejor persona. Es una especie de esos resúmenes que ponen al principio del nuevo capítulo de tu serie favorita, un “anteriormente en…”, ¿sabes? [Risas] También por eso la elegí como primer single. Creo que esta etapa necesitaba comenzar con una canción así, de venirse arriba.
Me encanta la canción, y también su vídeo, que creo que es fantástico. ¿De dónde surgió la idea sobre él?
Fue de Christopher Bridge, el director. Llamó al sello y dijo “tengo una idea para el vídeo de esta canción”. Casualmente yo estaba en Estados Unidos, de donde es él, y quedamos para hacerlo en Nueva York. Lo que más me gusta de él es que tiene un aire onírico, me gusta la idea, que coincide con la canción, de un sentido despertando reacciones en los otros sentidos. Cómo un aroma se convierte en la puerta de acceso a un espacio físico donde viven unos recuerdos. No literalmente, pero refleja muy bien el sentido de la canción. Lo que más me gusta es que tiene poesía, no conecta con situaciones sino con emociones.
Sí que has recuperado también una canción de tu proyecto ‘Postcards’, concretamente ‘Postcard #17’. ¿Por qué esta canción?
En realidad hay dos canciones de ‘Postcards’, porque ‘How We Met, The Long Version’ es otra de ellas, creo recordar que era ‘Postcard #29’. Las tomé porque sentía que eran dos aproximaciones distintas al tema central del álbum. ‘How We Met…’ habla sobre los beneficios de tomar decisiones por uno mismo y ‘Postcard #17’ habla sobre afrontar los miedos, acecharlos hasta encontrar la manera de manejarlos. Creo que ambas las escribí cuando empecé a ir a terapia, y se nota. [Risas]
Respecto a las canciones de ‘Postcards’ y esa mixtape que decías… Al principio tenía una especie de pensamiento indie, y pensaba que nada debía ser publicado dos veces. Pero me ponía triste que estas canciones desaparecieran. El nuevo disco, como los últimos, lo he afrontado como un recopilatorio de lo que he estado haciendo en los últimos 3 o 5 años. Por eso era importante para mí que estas estuvieran en el disco.
De hecho, quería preguntarte si no te da pena que esas 52 canciones que creaste, una por cada semana del año 2015, para ese proyecto se queden solo ahí, en tu Soundcloud. ¿No te has planteado recopilarlas en una edición física?
Es curioso, porque esto es algo que solo me están preguntando periodistas españoles… [Risas]
La naturaleza de ese proyecto era que quería hacer algo fácil, quería componer pensando que solo estaría en Soundcloud y nunca sería editado. Porque sé que de otro modo habría estado muy tenso en cuanto a la grabación y el resultado final, y no hubiera salido nada bueno de ello. Sin embargo ahora ya no lo veo así, pero aún no sé bien qué hacer. Sería bonito publicarlo en una edición limitada en 6 o 7 discos de 7”. Aún no lo he decidido, pero tampoco creo que pudiera tener una edición oficial, en plataformas de streaming y demás, porque hay muchos samples en él.
«[‘Dandelion Seed’] la escribí después de una conversación con mi vieja amiga Lisa. Ella es (…) como mi propio «Major Tom». De vez en cuando recurro a ella para saber dónde estoy en mi vida»
Dado que ‘Life Will See You Now’ es una mezcla de canciones recuperadas y otras nuevas, ¿cuál ha sido la última que escribiste?
Mmmm… Creo que fue ‘Dandelion Seed’. La escribí después de una conversación con mi vieja amiga Lisa, la misma de ‘Happy Birthday, Dear Friend Lisa’ y ‘Sipping on the Sweet Nectar’… Ella es mi amiga más antigua, como mi propio «Major Tom». De vez en cuando recurro a ella para saber dónde estoy en mi vida. La llamo, nos contamos cómo nos va y luego escribo, es como si me diera un reflejo de mí. Ella tiene una vida muy diferente a la mía. Tuvo un hijo cuando tenía 26 y vive una vida tranquila en Estocolmo, mientras yo estoy viajando por el mundo, tocando. Pero cada vez que hablamos, ella me conecta con quien fui.
¿Y cuál fue la más difícil de escribir para ti?
[Piensa un buen rato…]
O a lo mejor todas salieron muy fácilmente…
La verdad es que todas surgieron en momentos de pura inspiración. Incluso aunque me haya llevado mucho tiempo hacer este disco, cada canción surgió de un momento preciso, instantáneo. Como te decía antes, me ha llevado más tiempo saber cómo encajarlas en conjunto. Algunas fueron más difíciles de terminar, musicalmente. ‘Evening Prayer’ fue particularmente difícil, por ejemplo, porque no daba con el tempo adecuado.
La producción ha estado a cargo de Ewan Pearson, que es un productor de música electrónica y DJ, ¿verdad?
Sí, bueno, también ha trabajado en los últimos discos de Tracey Thorn.
«[Ewan Pearson, su productor] venía y decía “voy a poner un trombón aquí”, y yo pensaba “¡no pongas un trombón!”. Pero al final me mordía la lengua y decía “¡Buena idea! ¡Pon ese trombón!”»
Sí, cierto. ¿Por qué pensaste en él para producirlo, y en Berlín, particularmente?
Empecé a trabajar con cajas de ritmo, sintetizadores, samplers… Para mí era muy difícil y lento, porque no tenía mucha experiencia con este tipo de instrumentos, así que sabía que necesitaba a alguien que dominara los ritmos y los instrumentos electrónicos, programación. Y sabía que estaba haciendo el típico disco de madurez, mi álbum de música-disco-de-crisis-de-los-30. [Risas] Entonces me acordé de Ewan, con el que había trabajado en el disco de Tracey ‘Love and Its Opposite’, y me di cuenta de que él sería perfecto. Alguna vez había comenzado a trabajar con otros productores, pero siempre acabó mal porque soy un “control freak”. Pero Ewan sabía siempre lo que estaba buscando y sabía que podía confiar en él. Tuve que inventarme muchos rituales para mantenerme apartado de su trabajo. Ewan venía y decía “voy a poner un trombón aquí”, y yo pensaba “¡no pongas un trombón!”. Pero al final me mordía la lengua y decía “¡Buena idea! ¡Pon ese trombón!”. [Risas]
Ciertamente, esa mezcla define el sonido del álbum, cajas de ritmo y sonidos muy orgánicos. ¿Eso era exactamente lo que buscabas, entonces?
Sí, totalmente. Quería un sonido cálido, que lo proporcionan los instrumentos acústicos, equilibran la parte electrónica. En realidad es algo que siempre he tenido presente en mi obra. Y es una mezcla que también funciona muy bien en directo. Mi banda actual está compuesta con esa idea: hay alguien que maneja los samples, pero también tengo un batería fantástico.
Antes citabas a Tracey Thorn, que vuelve a colaborar contigo en este disco, en la canción ‘Hotwire The Ferris Wheel’. Al final ya se ha convertido en una tradición, que uno aparezca en un disco del otro, ¿no?
¡Sí! ¡Me debía un favor! [Risas] Nuestra música funciona como un diálogo, tanto en ‘Oh! The Divorces’, como en ‘Become Someone Else’s’. Es como comunicarse desde distintos puntos de la vida. No sé qué edad tiene ahora, cuarenta y tantos creo, y es como si me escribiera una carta desde ese momento de su vida hacia mis trenta y tantos. Ella me dice “así es como van las cosas por aquí” y yo respondo “guay. Pues así es como van por aquí”.
En realidad no me planteaba volver a tener a Tracey en este disco, pero Ewan y yo hablamos sobre incluir unos coros femeninos de fondo, de alguna cantante de estudio. Y él dijo “vamos a pedírselo a Tracey”. “¿Estás de coña? ¿Cómo le vas a pedir eso a Tracey?”. O sea, ¡es como derramar por el suelo una botella de champán! Así que le envié ‘Hotwire The Ferris Wheel’, le pregunté si querría hacer algo en ella y enseguida vio el diálogo en ella, que yo ni me había planteado. Escribió su parte de la letra y al final se convirtió en un dueto. Ella le dio la vuelta y creo que funciona muy bien.
Es muy bonita, la verdad, y siempre es un placer volver a escuchar a Tracey.
Te diré que esa canción ya estaba inspirada musicalmente en una canción de Everything But The Girl, ‘The Heart Remains a Child’, en el tipo de programaciones. Creo que por eso pensé en ella cuando escribía esa canción, inconscientemente.
«Hay algo realmente hermoso en esas combinaciones de números y canciones, una canción por año, una canción a la semana, o 69 canciones de amor»
Uno de los trabajos conjuntos que hicisteis hace tiempo fue una versión de The Magnetic Fields que, curiosamente, publican álbum casi a la vez que tú. ¿Te emociona un poco?
Pues la verdad es que nunca he sido un gran fan. O sea, sé que me comparan con ellos a menudo, y me gustan mucho, Stephin Merritt es un gran compositor, son una gran banda… Creo que el nuevo disco tendrá 50 canciones, una por cada año de su vida, ¿no? Eso es algo que me une con él, la calidad a través de la cantidad. [Risas] El pop es una pequeña forma de arte, y creo que un buen disco de pop no debería tener más de 10 de unos 3 minutos. Pero hay algo realmente hermoso en esas combinaciones de números y canciones, una canción por año, una canción a la semana, o 69 canciones de amor. Pienso que alcanzas algo precioso cuando haces tanto de algo, se convierte en una entidad cohesiva.
Escuchando ‘Wedding in Finistère’ recordé un vídeo en el que dabas una sorpresa a unos novios, que eran muy fans tuyos, cantando un par de canciones en una boda, creo que en Australia, en 2012. ¿Esta canción está inspirada en aquel bonito episodio?
No, en realidad no. Es que hace 10 o 12 años yo me ganaba la vida cantando en bodas, cuando no podía vivir de la música.
¿En serio? No tenía ni idea…
Hacía unas 10 bodas al año y me sostenían financieramente. Es como los fotógrafos. Todos los fotógrafos tienen su lado artístico, pero tienen que hacer books de bodas para ganarse la vida. Aquella boda en Australia fue una de cientos de bodas, y ‘Wedding in Finistère’ también habla de una de ellas. En esta la novia tuvo dudas de última hora, y creí que encajaba muy bien en la temática del disco.
¿Está basada en hechos reales, entonces?
Sí, la de cantante de bodas es como una carrera alternativa, y me encanta. Es el mejor trabajo que he tenido, porque me siento como una matrona o algo así, dando a luz a estas personas a otro lado de su existencia. Es un sentimiento muy bonito. Y además he tenido el privilegio de poder hacer esto exclusivamente para gente que conoce mi música y tienen una relación con ella. Me ahorra tener que enfrentarme con el pariente borracho al que le molesta que no toque tal o cual canción. [Risas] Estar ahí, cantando mis propias canciones y ver lo que significan para alguien, para sus relaciones, es ya un gran pago como compositor. Por otra parte, paso muchos nervios, por la responsabilidad. ¡No la puedes cagar en un momento tan importante para ellos! Suelo llorar a lo bestia antes de salir a cantar.
Supongo que estás planificando un tour para presentar el nuevo álbum. ¿Te veremos por España?
Sí, estamos pensando en ello ahora mismo. Es un poco complicado cuadrar las agendas de todos los músicos, la logística. Habrá aún más conciertos después del pequeño tour que comenzamos ahora, así que espero estar por allí pronto.
Desde que en 2008 editara ‘Escuela de Zebras‘ y ‘Supercrepus‘ Joe Crepúsculo no ha parado quieto. ‘Disco Duro’ supone su octavo álbum (en 9 años) y, a diferencia de su previo ‘Nuevos Misterios‘, la influencia latino-aflamencada ha mermado considerablemente a pesar de contener una canción como ‘Un Demonio con Piel de Cordero’ en la que vuelve a hacer acto de presencia en los coros su amiga Soledad Vélez entre teclados gameboyistas y guitarras españolas.
Para ‘Disco Duro’ el Crepus ha querido rebajar las revoluciones, centrando su atención en los pequeños detalles y obviando su yo más makinero. Sigue firmando números de lo más bailable, por supuesto, como el infeccioso ‘Música Para Adultos‘ (entre Franco Battiato y Baxendale) o ese ‘Pisciburguer’ tan rematadamente ochentas en el que el catalán anhela esas tardes de verano al borde de la piscina aderezadas de cerveza y grasas saturadas. Pero uno de los puntos fuertes del disco está, sin duda, en los diversos medios tiempos y en el papel protagonista de unas letras igual de inspiradas que pesimistas.
Sin ir más lejos, ‘Rosas en el Mar’ (escrita por su músico Aaron Rux), con esos vientos que tan bien le quedan en los minutos finales, nos muestra al Joe más vulnerable y sensible que recordamos en mucho tiempo. El desamor, por consiguiente, se postula como uno de los pilares de este disco, ya que en ‘Las Alas del Adiós’ se atreve incluso a firmar una torch song crepuscular con una producción que renuncia a los sintes analógicos que, de siempre, han sido una de sus más características señas de identidad.
Aparte de esos mal de amores hechos canción, parece que ‘Disco Duro’ se vale en su temática de conflictos cotidianos de toda índole: desde la amenaza en la calle de alguien que quiere arrebatarte la cartera como si de una escena del cine quinqui de los ochentas se tratara (‘Te Voy a Pinchar’); pasando por cómo nos afecta el paso del tiempo y nuestras prioridades (esa ‘Familia y Cigarros’ con las justas dosis de tropicalismo contemporáneo), o las ansias que algunos tienen de refugiarse en las montañas para escapar de una sociedad que sólo vive por y para la tecnología o el postureo (‘Vamos al Bosque’).
Joe Crepúsculo puede ser muchas cosas, pero nadie puede discutir que es uno de los artistas más eclécticos y personales que hemos tenido en muchos años. Puede ir de profundo cuando le apetece, sí, pero siempre es capaz de sorprenderte para bien reivindicando a Fleetwood Mac en ‘Esto Es Lo que Hay’ (que no hubiera desentonado para nada en ‘Chill Out‘) o marcarse todo un trabalenguas sonoro de lo más divertido en ‘El Dicho’, recuperando el espíritu irónico de sus dos primeros álbumes. ‘Disco Duro’ funciona estupendamente como compendio de los mejores Joe Crepúsculo que hemos conocido a lo largo de estos nueve años. No sabemos cómo lo hace, pero aún no ha firmado ningún largo inferior.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Un demonio con piel de cordero’, ‘Música Para Adultos’, ‘Pisciburguer’, ‘Rosas en el Mar’, Te gustará si te gustan: el Crepus bailable y el más refinado, por igual Escúchalo: Spotify
Las Bistecs, que vieron su carrera despegar tras aparecer en el extinto programa de Alaska y Segura de TVE, han vuelto a la tele para interpretar otra de las canciones de su debut ‘Oferta‘, uno de los mejores álbumes de 2016. En el ‘Late Motiv’ de Buenafuente no se han decantado por ninguno de los temas para los que han realizado vídeo ni para el que intuíamos su próximo single, ‘DJ Bicha’, sino por la contestataria ‘Problemas’, la que critica a Laurent Garnier por pinchar durante 7 horas la misma pista en el Sónar y dice: «En España ya no hay nada, ni movimiento ni cemento, ni ladrillos ni listillos / Hipotecada / Y los euros con la cara de Juan Carlos aplastada ya no sirven para nada / Hipotecada / Y Letizia mientras tanto en el palacio descansando ¿Siempre está tan mareada? No me come nada».
El dúo ha acompañado su presentación de un ABC customizado y posteriormente ha vuelto a elogiar la labor de los haters en Facebook, refiriéndose a los comentarios surgidos por su actuación en Youtube. Algunos de esos comentarios son: «esto qué mierda es», “qué coño mierda es esto joderr dios nooo”, “ha llegado el final señores”, “Electrodisgusting es meter la lengua en un enchufe mientras escuchas esto” y “he visto mejores musicales en el colegio y más trabajados, un poco de vergüenza ajena”.
Las Bistecs actúan el 17 de febrero en Valencia, el 25 de febrero en Córdoba, el 27 de febrero en Sevilla, el 9 de marzo en Barcelona, el 27 de marzo en Vigo, el 5 de mayo en Madrid, el 13 de mayo en Mallorca, el 23 de junio en Donosti, el 24 de junio en Bilbao, el 2 de agosto en Castellón y el 24 de agosto en Logroño. Desde hace unas semanas, el grupo forma parte del roster de El Segell de Primavera Sound.
Cuando hace un par de años se anunció que el chileno Pablo Larraín (‘No‘, ‘El club‘) iba a dar el salto a Hollywood con un biopic sobre Jacqueline Kennedy protagonizado por Natalie Portman, solté un «NO» más grande que el del título de la película protagonizada por Gael García Bernal. De repente se me aparecieron Meryl Streep (‘La dama de hierro’), Nicole Kidman (‘Grace de Mónaco’) y Naomi Watts (‘Diana’) para recordarme lo que me esperaba.
Afortunadamente, no ha sido así. Por mucho que la Portman esté (merecidamente) nominada como actriz principal, ‘Jackie’ no es el biopic con lujuria por el Oscar que se podía esperar. Larraín ha conservado su personalidad y, como en la reciente ‘Neruda’, ha realizado una película biográfica poco convencional. ‘Jackie’ está articulada por medio de la entrevista que la ex primera dama concedió a la revista Life una semana después del asesinato de su marido. A través de continuos saltos temporales y acompañado por la turbadora música de Mica Levi (también nominada), el director narra los hechos que acontecieron en los días posteriores al magnicidio.
Larraín se pone un Chanel rosa y, como él mismo dice, nos ofrece un acercamiento a la viuda de Kennedy «desde la intimidad de lo privado». Por un lado, reconstruye de forma brillante la realidad documentada (el célebre tour por la Casa Blanca, la película de Zapruder, las imágenes del funeral) y, por otro, imagina lo que ocurrió de puertas para adentro. Este contraste entre realidad y ficción le sirve al director como metáfora de la propia imagen de Jacqueline, de la creación de su mito, y como vehículo para reflexionar sobre la (re)(de)construcción de los relatos históricos.
En este sentido, ‘Jackie’ es como un retrato cubista de la ex primera dama; el reflejo fragmentado de un icono que, tras vivir un enorme trauma, se encuentra tan desorientado ante el futuro como, en algunos momentos, el propio espectador ante lo que está viendo. Esa es la paradoja de este biopic: cuanto más se acerca el director a la persona (hay una abundancia de primeros planos de la actriz) más lejos se queda el espectador de ella. La distancia emocional que impone es tan grande como la que hay entre la imagen mítica y la real de la viuda de Kennedy. Como dice ella misma mientras da una calada a un cigarrillo: «yo no fumo». 6,9.
Rusos Blancos publicaban hace unos meses su disco ‘Museo del Romanticismo‘, para nuestra redacción uno de los mejores álbumes de 2016. El día de rodaje del divertido vídeo que acaban de estrenar para ‘Insuficiente’, charlamos con ellos aprovechando que no participaban en él, pues como ellos mismos indicaban, el vídeo «es una pareja follando». Manu y Javi (también conocido como Betacam por su proyecto en solitario y como miembro de Templeton) nos hablan sobre la importancia de sus letras cotidianas, en contraste con las de otros grupos; el trauma (o no) de no salir en Rockdelux ni tocar en el Primavera Sound o la esclavitud de las modas. No, no son nada fans del trap.
Rusos Blancos presentan ‘Museo del Romanticismo’ por toda España durante los próximos meses. Actúan este mismo viernes 17 de febrero en Madrid, el sábado 18 de febrero en Barcelona, el 10 de marzo en Granada, el 23 de marzo en Zaragoza, el 1 de abril en Valladolid, el 28 de abril en Donosti, el 29 de abril en Oviedo, el 5 de mayo en Murcia y el 19 de mayo en Segovia. Después, les esperan festivales como Low, Contempopránea y Sonorama. Las entradas para Madrid, Barcelona y Murcia están disponibles en Ticketea.
¿Qué valoración hacéis de la recepción inicial que ha tenido el disco?
Manu: «Bastante positiva. Es la primera vez que realmente se valora como disco, incluso en JENESAISPOP, siempre decíais «los autores de canciones como», y en este disco sí se ha percibido una obra más unitaria. Está teniendo más repercusión a nivel conciertos».
¿Cómo va la gira?
Manu: «De momento hemos cancelado un 66% de las fechas (risas), la presentación por apendicitis y Murcia porque las carreteras estaban hechas drama».
Betacam: «El mánager nos mandó unas fotos y aquello era Laponia. Hemos hecho la presentación de Sonorama. La idea era llegar a El Sol rodados y vamos a ir a cancelación quitada».
«En un concierto, Max (Intromúsica) conoció a mi novia y le dijo: «vaya letras, estarás contenta, vaya pájaro tiene que ser»»
Antes de este disco pusisteis en Facebook que os ibais a separar.
Betacam: «Lo pensamos pero no lo pusimos, ¿no? (risas)».
Manu: «Lo que sí es cierto es que antes de sacar el disco, antes de que se interesara Intromúsica, dijimos «sacamos este disco y nos vamos como Dios manda». Lo que le pasa a todos los grupos. Teniendo treinta y tantos años y un grupo a veces te sientes un poco ridículo. La gente en tu trabajo piensa en ti como los tíos del garaje de ‘California Dreams’. ¿Dónde van estos tíos con treinta y tantos años haciendo el canelo por ahí? Le tienes que decir a tu novia que entre semana tienes que trabajar y que luego, durante un año, no vas a coincidir ningún fin de semana porque vas a estar tocando».
Con las letras que tenéis, eso es casi lo mejor que le vas a decir a tu novia, ¿no?
Manu: «Igual no ayuda (se ríe). No, el disco es de una etapa anterior. Pero en un concierto, Max (Intromúsica) conoció a mi novia y le dijo: «vaya letra, estarás contenta, vaya pájaro tiene que ser». Y yo: «Max, vas a terminar con mi matrimonio»».
¿Tienes un poco el síndrome de Taylor Swift, Adele…? En plan, da miedo enrollarse contigo porque luego vas a escribirlo y contarlo todo.
Manu: «Escribir de algo cercano a mí lo veo un elemento distintivo. Me voy a mostrar tal cual soy, con lo chungo y lo bueno, y eso hace que conectemos con nuestro público».
Betacam: «También me lo dice mi novia: «no te puedo decir nada, luego lo cascas».
«Nuestras letras contrastan con otras letras de épica grandilocuente, que por lo menos yo, no sé de qué están hablando»
Tampoco tantos grupos están retratando a la Generación Tinder, Adopta un tío…
Betacam: «Nosotros nos encontramos cómodos, no nos entra en la cabeza hablar de otra cosa».
Manu: «Reproducimos lo que hablamos con amigos, nuestras novias. Se hace hincapié en ellas porque yo creo que contrasta con otras letras de épica grandilocuente, que por lo menos yo, no sé de qué están hablando. Pienso: «¿Vosotros con vuestros amigos habláis de eso o habláis de con quién os habéis enrollado?». Hablamos de temas que son comunes».
¿Os habéis arrepentido de alguna canción por mostrar demasiado, ser un poco patética quizá?
Manu: «Es cierto que hay quien cada vez que me veía, me decía que me veía más delgado, cuando no era el caso precisamente. La única que me da rabia es ‘Supermodelo’ (NdE: salió en ‘Física o química’)».
Betacam: «Ha hecho 40 mejores que esa».
Manu: «No tanto por la canción, no me parece muy mala canción, no estoy avergonzado, tenía su gracia, y su gancho. Pero sí nos ha penalizado para que nos tomen en serio. Pienso en otros grupos que sí salen en medios donde nosotros no salimos, y no es que nosotros nos arriesguemos menos. No es que estemos tirando del noise de los 90 sin más. Pero luego la tocas, gusta y la gente la canta».
¿La seguís tocando?
Manu: «Hasta ahora sí. En la presentación de ‘Crocanti’ hicimos una versión medio acid, bastante divertida, tipo la Ruta del Bakalao».
Cuando haces un disco esperas críticas de 2 o 3 medios, la vuestra, Mondosonoro, y cuando has salido en esos medios porque en Rockdelux no salimos, es como «¿qué hago? ¿hago el siguiente disco?».
¿En qué medios no salís?
Manu: «En Rockdelux, aunque estrenaron una canción nuestra de un EP. No digo que me pongan bien o me pongan mal, pero nunca nos han sacado».
Betacam: «En la Metal Hammer tampoco nos han reseñado (risas). En Rockdelux dicen «¡Fulano!». Y tú dices: ¿por qué ellos sí y yo no? No es envidia, pero solo quiero que me expliques…»
Manu: «A nivel medios, no hay tantos tan relevantes como antes, la figura del prescriptor ha desaparecido, esperas críticas de 2 o 3 medios, la vuestra, Mondosonoro, y cuando has salido en esos 3 porque en Rockdelux no sales es como «¿qué hago? ¿hago el siguiente disco?». El País ya casi no saca críticas, no hay medios musicales que digas «a ver qué se dice».
Aunque ahora tenéis esas playlists de indie de Spotify que tienen 100.000 followers, que igual es mejor que salir en los medios.
Betacam: «Nos pasó con ‘A otra con esas’, mirando la barrita de popularidad. Yo sigo la lista de descubrimiento semanal, pero pensé que esas listas no las oía nadie y de repente una canción tiene 200.000 escuchas».
Lo he observado pero me preguntaba si tiene un efecto real en vuestros conciertos o es como salir en Los 40, que a Sidonie no les ha servido de tanto y han vendido de este disco lo mismo que del anterior.
Betacam: «Yo creo que es más marginal en el caso de un grande como Sidonie. A Sidonie no le va a aportar tanto porque tienen su ciclo. Nosotros estamos aquí (apunta con la mano muy abajo), cualquier movida nos va a suponer «¡¡BUAH!!»».
Manu: «Hay grupos grandes que van a estar en esa lista sí o sí. Los grupos pequeños nos colamos ahí, y luego tienes una repercusión o no. Te tienes que ir a la segunda, a la tercera canción más escuchadas. Hay grupos que tienen 40.000 streamings de una y de otra 2.000: a este no le ha servido de nada».
Vuestras letras tienen partes como para empatizar con la gente. ¿Os ha sorprendido el alcance de alguna?
Manu: «‘Define serio’, la letra no me gustaba mucho pero ha llegado a la gente porque tiene cosas que han empatizado. Lo de citar los chupitos de Jäger».
Izal, Supersubmarina… este tipo de grupos suelen tener frases también muy llamativas que se quedan a la primera.
Betacam: «Se ha hecho toda la vida, es un modo de escribir».
Manu: «Que alguien se sienta reflejado es lo fundamental, es el motivo por el que escribo canciones, yo que soy muy sieso: quieres conectar con quien tiene algo en común contigo. En estos grupos que dices, es como que esa frase va a justificar el resto».
Max de Intromúsica nos presentó ‘Más difícil todavía’ como muy planetera. No sé si estáis de acuerdo.
Manu: «Max la vio muy planetera, yo no del todo. Tiene un puntito por el tipo de sinte».
Betacam: «Yo lo puedo ver. Máximo suelta cosas y si a él le sale, no va a ser al único. Yo le dije a Joaquín (Pascual, productor) que quería un rollo Mercromina».
Manu: «También tiene la perspectiva castigadora que llevaba Jota antes».
¿En cuanto a producción, qué ha añadido Joaquín?
Manu: «La visión general del disco, ha entendido la sensación de «todo» y creo que es la primera vez que la hemos conseguido. También mucho trabajo en la pre-producción. El ver hacia qué camino queríamos tirar».
Betacam: «Joaquín decía cosas como: «¿por qué no metemos el bajo desplazado en lugar de donde se mete siempre?». Pasa en ‘Cada vez más cadáver’. Dentro de que son canciones pop, estándares casi, aportó otras cosas».
El vinilo suena un poco lo-fi, bajo, no sé si es buscado para huir de la «loudness war», pero no es tan nítido como algunas canciones, muy pop, piden.
Manu: «Está buscado un poco así. Él quería hacer un rollo Ariel Pink, oscurete, no queríamos un disco brillante. El rollo tan extremo me gusta».
Betacam: «Para mí iba a ser limpio, muy Prefab Sprout, y cuando llegué, me quedé… «pero si suena mal», y ellos «¡sí!».
¿Sonar mal es bueno para vosotros?
Manu: «Es una respuesta a lo predominante, a ese sonido épico. Como decía Erik de Los Planetas «estamos todos que nos vamos al mainstream», que no deja de estar bien, pero es normal que surja una reacción a la contra. Igual montamos todo esto para otra cosa, no para que todo suene a radiofórmula noventera, y algo de eso hay. Aunque es más adecuado para unas canciones y menos para otras. ‘Insuficiente’ debería haber sonado más brillante, más Prefab Sprout, yo mismo se lo dije a Javi».
«Me parece que la gente no se para a pensar. Hace 2 años te gustaba el weird folk y ahora te gusta el trap. Igual no somos tan distintos de la gente que escucha «x» en Los 40 y se lo traga, y somos uno más del rebaño»
¿Qué opináis de la nueva generación trap? ¿Os afecta en algo? ¿Os es ajena total?
Manu: «Yo lo que he escuchado de joven era rap, y precisamente el trap no me gusta nada, pero me parece guay, cada generación tiene lo suyo. Me gusta el rap clásico, el sonido 90’s de Nueva York. Cada generación tiene sus movimientos. Lo que me parece un poco triste es tener 30 o 40 años y subirse a cada carro. Igual hay un artista que te gusta, pero me parece que la gente no se para a pensar. Hace 2 años te gustaba el weird folk y ahora te gusta el trap. Igual no somos tan distintos de la gente que escucha «x» en Los 40 y se lo traga, y somos uno más del rebaño».
Betacam: «Escucho poco rap, pero cuando lo escucho, lo veo súper válido. Con el trap me creo al 5% solo, musicalmente me parece pobre y líricamente, no se le echa en cara todo lo que se nos ha echado en cara al indie, al underground, y esta gente está cometiendo las mismas mierdas que nosotros. Sí, es envidia generacional».
Los medios han pasado bastante del trap para los streamings que tiene.
Betacam: «Pero se están subiendo al carro que no veas. El sistema va a empezar a aupar gente que no da más de sí».
Manu: «Yo no me he enterado, es como si todo el mundo estuviera hablando de trap. Yuyi nosecuántos ha dicho nosequé. Me parece muy raro».
«Veo triste, con 30 o 40 años, querer cazar cada tendencia»
No sé si es peor dejar de escuchar música, como decía aquel estudio sobre que la gente, a los 33 años, deja de interesarse por la música y solo escucha lo que escuchaba antes.
Manu: «Hay que buscar un equilibrio igual. Si con 30 o 40 años quieres cazar cada tendencia, yo lo veo triste, creo que lo reflejaba ‘Mientras seamos jóvenes‘. Igual hay cosas que te gustan y cosas que no. Es como la moda, yo voy a vestir así el resto de mi vida. No comparto que «todo lo nuevo es maravilloso».
Betacam: «Es como «a mí me gusta todo tipo de música». No, hay que filtrar».
¿Cómo habéis terminado metiendo un rap en el disco, tipo Single?
Betacam: «Desde el mismo momento en que me dijo que había escuchado tanto rap, le dije: «no sé a qué estamos esperando para hacer una canción de rap»».
Manu: «Mezclar rap con indie me parecía un sacrilegio, lo respetaba mucho como para hacer el canelo de esa manera. Pero teníamos el boceto de la primera parte y con el resto no sabíamos qué hacer. La canción lo pedía porque era un beef, hay 20 versiones distintas del rap. La primera vez tenía 0 confianza».
Betacam: «Parecía el rap de Antonio Resines en los Goya».
Mejor no te pregunto por el apropiacionismo, ¿no?
Betacam: «¡Los blancos no la saben meter!».
Aunque Betacam no sea de Madrid, ¿os veis un grupo como muy de Madrid?
Manu: «El único de Madrid soy yo. Pero excepto los grupos que son por ejemplo de Granada y en Granada es donde más se les escucha, donde más público suele tener la gente es en Madrid».
«Ya no es Getafe o Leganés, montar un concierto en Moby Dick es como «uuuuy, qué lejos».
Cataluña tiene una relación más íntima con la cultura y en particular con sus grupos»
Os lo pregunto porque incluso Miss Caffeina nos contaron que tuvieron dificultades para que les fuese bien en Barcelona.
Betacam: «Barcelona es una escena muy propia. Hay tanto, tan bueno y tan bien apoyado. Puedes hacer una gira por Vic, Sant Cugat… Tengo amigos de grupos catalanes y me lo cuentan. Mishima son enormes y viven así. Nosotros vamos a tocar a Getafe y no viene ni Cristo».
Manu: «Ya no es Getafe o Leganés, montar un concierto en Moby es como «uuuuy, qué lejos». Cataluña tiene una relación más íntima con la cultura y en particular con sus grupos. Luego sí se nos escucha en provincias. Nunca me he considerado un grupo underground, las canciones son comerciales y de repente nos dicen «en Salamanca os están pinchando», y de repente tocas en Salamanca, Zaragoza y la peña se sabe las canciones. Estamos cuartos en el cartel y cantan más con nosotros que con otros grupos. El haber llegado está, pero fuera de Madrid no hemos tenido tanta repercusión a nivel aparecer en los medios».
Betacam: «Como persona de provincias, te digo que en Madrid se pone una muralla entre Plaza Castilla y Atocha. Yo veo a Kokoshca y pienso que son más pamplonicas que la Plaza del Castillo. Tienen una relación muy guay con su entorno. Yo no sé si somos de Madrid, no sé si caemos bien».
Manu: «Hay grupos que salieron a la vez que nosotros, Alborotador Gomasio, Hazte Lapón… en otra ciudad se hubiera dicho «la escena», se hubiera hecho un especial en Rockdelux».
Betacam: «Sí que se habló de ello. Ahora Hazte Lapón son más catalanes que la Sagrada Familia y les veo más arropados, más considerados».
El cambio del EP que salió antes de este disco es considerable. ¿Quizá alguien esperaba algo más electrónico por él?
Betacam: «El EP era conscientemente una rareza, nos gusta el formato EP para eso, para hacer una locurilla».
Manu: «Era un ejercicio de estilo puro y duro. El EP lo grabamos Javi y yo y la sensación de grupo se perdió un poco. Molaría sacar un disco electrónico algún día, pero también se perdería un poco la sensación de lo que es el grupo».
Javi, todo el mundo asume que esa faceta más electrónica de Rusos Blancos es más tuya, e igual no…
En ese momento le di 5 o 6 bases deslavazadas y ya me quedé a gusto. También me gusta el pop de ABC, venimos de ahí y es lo que nos gusta. Lo otro son como especias, un aliño.
Estéticamente el grupo no es el típico grupo, las fotos son bastante peculiares.
Manu: «Puede ser. Viniendo hacia acá, estaba pensando en el vídeo de un grupo, que no voy a decir cuál es, y se me ha ocurrido que igual es hora de hablar del pop cipotudo. A Javi y a mí nos preguntan mucho si somos gays, supongo que por no exponer esa masculinidad dominante».
«Maldita Nerea, La Sonrisa de Julia… si llegan a salir 5 años después, se habrían hinchado a festivales»
Y para vosotros es haceros de menos…
Manu: «Veo guay no dar esa sensación…»
Betacam: «…de macho rock».
Manu: «De Dios, qué tíos somos. Estamos tocando y estamos muy enfadados. Ese rollo no me gusta».
También está el hecho de que hubiera 1 o 2 chicas en el grupo, parece algo excepcional si pensamos en Supersubmarina, Vetusta…
Manu: «Para nosotros es muy normal. Ya no se dice, pero nos decían mucho «qué guay que hay una bajista y una batería». Pues «ni guay ni no guay». Podría ser la guitarrista o yo qué sé. Nunca le hemos dado importancia».
Betacam: «Yo nunca había estado en un grupo con chicas, lo pensé al llegar, pero es lo más normal del mundo».
Manu: «Igual nuestra foto es coger a un grupo de amigos, random, a las 8 de la tarde».
Betacam: «No sabemos ponernos guapos».
Manu: «Hace 10 años la foto de cualquier grupo indie sería esa. Un amigo nos decía que en el Contempopránea, al acabar, iban a un bar y estaban poniendo (grupos típicos de los primeros Contempopráneas) Los Planetas, La Buena Vida, Astrud, y alguien dijo al DJ: «oye, ¿por qué no pinchas canciones del Contempopránea, pon Supersubmarina, pon Izal».
Betacam: «Es que está el indie y el INDIE. En medio se ha creado un indiemainstream, y hay una especie de purgatorio».
Manu: «Grupos que hace unos años estaban en Los 40 ahora, Maldita Nerea, La Sonrisa de Julia… si llegan a salir 5 años después, se habrían hinchado a festivales».
«Entiendo que no toquemos en el Primavera porque no somos un grupo cool, aunque el mismo grupo, siendo catalanes, tocaríamos, yo creo»
Nunca vais a tocar en Primavera Sound, ¿verdad?
Betacam: «Déjate».
Manu: «Yo creo que no. Entiendo que no toquemos en el Primavera porque no somos un grupo cool. El mismo grupo, siendo catalanes, tocaríamos, yo creo. Josiño (Carballo) de nuestro sello anterior (Ernie Producciones), nos decía, de todas formas, que el único festival en que vendía más discos nuestros era el Primavera. Claro que la gente del Primavera nos va a comprar más a nosotros que a Niños Mutantes».
Betacam: «Está el grupo de los pardillos y el de los guays. Es como cuando pensabas en el cole: «No voy a estar nunca con esa tía que está tan buena». Y luego te la encuentras y te dice: «Jo, qué majo eras». «¿Ahora me lo dices, ¿hija de puta?».
También todo esto os pega mucho como grupo con esas letras.
Manu: «Tampoco son… las letras de Anntona, por poner un ejemplo. Son sinceras, pero me recuerda a Larry David, el tío que hacía ‘Seinfeld’. El personaje estaba inspirado en él, y le dicen siempre: «qué perdedor era». Y él contesta: «¡me cago en tu puta madre, pero si soy yo!».
L kan dicen que cuando hablas de sexo, eso anula el resto de canciones. ¿Os pasa a vosotros, por ejemplo, con lo de los ansiolíticos y los lubricantes?
Manu: «Sí, pero quién cojones no ha utilizado lubricantes. Es como «Nos enamoramos en la clínica de venéreas», en nuestra generación, ¿quién no ha estado ahí? Nos gusta retratar lo que no se ve».
¿Alguna canción infravalorada por no tener una frase tan llamativa?
Betacam: «Yo creo que ‘Ansiolíticos'».
Manu: «Sí que gusta, no es un single, pero sí gusta. Igual ‘Cada vez más cadáver’. Nos flipó componerla y grabarla pero luego…».
Betacam: «O la última, que siempre guardamos que sea un cañón, o que deje algo especial. ‘Nostalgia del cuerpo a cuerpo’ no es tan estándar, son 3 mini canciones unidas, la letra está muy guay y después de un disco de jijijaja, te deja un poco planchado, y como ya nadie escucha el disco entero, sino que se pone sus favoritas, pues nadie llegará».
Si fuiste un adolescente en los primeros años del nuevo milenio es muy probable que crecieras escuchando a Linkin Park o que conocieras a alguien que los escuchara o incluso que fuera fan a muerte. La banda de California llegó a obsesionar a toda una generación de adolescentes, sobre todo entre 2000 y 2004, gracias a discos como ‘Hybrid Theory’ o ‘Meteora’ que fusionaban metal, hardcore y hip-hop y que produjeron clásicos como ‘In the End’, ‘Numb’ o ‘Faint’. El grupo siguió produciendo éxitos y vendiendo discos bien en la siguiente década.
Si a sus fans les venía oliendo mal desde hace tiempo lo comercialoide que se había vuelto el sonido de Linkin Park hasta 2012, en 2014 el grupo publicaba un disco puramente rock, ‘The Hunting Party’, como crítica a bandas similares que no arriesgan y que incluía colaboraciones de miembros de System of a Down y Rage Against the Machine.
Linkin Park vuelve este año y el single que presenta hoy no tiene absolutamente nada que ver con su anterior disco. ‘Heaven’ evoluciona hacia el rock, sí, pero empieza como una canción entre el pop y el R&B alternativo -de hecho, su dramático estribillo podría dar el pego- y presenta arreglos marcadamente electrónicos. La guinda del pastel la pone su colaboradora, la prometedora Kiiara, autora de la infecciosa ‘Gold’.
El nuevo disco de Linkin Park, ‘One More Light’, sale el 19 de mayo.
Blonde Redhead, la banda americana formada por la cantante Kazu Makino y los hermanos Amedeo y Simone Pace, conocida por su dream pop experimental y sombrío, perfeccionado en discos como ‘Misery is a Butterfly’ o ‘23‘, está de gira por Europa estos meses de febrero y marzo para presentar sus nuevas versiones de ‘Misery is a Butterfly’.
Hoy, el grupo ha estrenado el primer adelanto de este EP, el tema que lo titula, y es una nueva maravilla marca de la casa, una canción clara como el día, dotada de varios arreglos instrumentales orgánicos y electrónicos, que pone la sensibilidad melódica de Kazu Makino, siempre llena de una extraña melancolía, al servicio de un intrigante y destacado arreglo orquestal casi «jamesbondiano».
Sobre ‘3 O’Clock’, Makino explica: “a las tres de la tarde pasan muchas cosas. ¿Cuántas veces planeamos alguna cita a esa hora? En Japón es una hora sagrada, la hora del té. Obviamente puedes pensar en las tres de la madrugada, pero escribí la canción pensando en cuál es una hora significante para mí a diario, una especie de punto de inflexión, metafóricamente el comienzo de un nuevo capítulo para Blonde Redhead.”
La gira de Blonde Redhead pasa por España: el 25 de febrero está en Razzmatazz 2 de Barcelona y el 26 de febrero en la sala Joy Eslava de Madrid. Las entradas para ambos conciertos están a la venta a un precio de 20 euros.
El nuevo EP de Blonde Redhead sale el 3 de marzo. Sucede a último disco, ‘Barragán’, que lo volvió a mostrar en plena forma gracias a temas tan memorables como ‘Dripping’ o ‘Cat on Tin Roof’, dos de sus canciones más escuchadas en Spotify.
‘3 O’Clock’:
1. 3 O’Clock
2. Golden Light
3. Where Your Mind Wants To Go
4. Give Give
Sabíamos que la cuarta edición del Vida Festival, que tendrá lugar en Vilanova y la Geltrú del 29 al 2 de julio, contaría con la presencia de nombres de la música tan destacados como Fleet Foxes, Phoenix o The Flaming Lips, así como La Casa Azul, entre otros. Hoy, el festival cierra su cartel de este año sumando nuevos nombres, algunos de ellos muy apetecibles.
En primer lugar encontramos a Devendra Banhart, icono del nuevo folk americano, aunque desde hace tiempo pendiente de otros sonidos, como demuestra en su recomendable último disco, ‘Ape in Pink Marble’, publicado el año pasado. Destaca también la presencia de Chico y Chica, que tocarán sus grandes éxitos, y Las Bistecs, a las que acabamos de ver presentando su «electrodisgusting» en la tele.
El resto de confirmaciones son Alien Tango, Anímic, Bigott, Elena Setién Favx, Fumaça Preta, Gener, Jagwar Ma, John Talabot (Dj set), Kelly Kapowsky, King Cayman, La Iaia, Les Sueques, Lídia Damunt, Los Punsetes, Mishima, My Expansive Awareness, Pau Vallvé, Pavvla, Senior i El Cor Lomax, Rusos Blancos, The Magician, The Secret Society, Tórtel, Tversky, Warhaus y Zulu Zulu.
En nota de prensa, Vida defiende que el festival «volverá a ser un clamor a la buena música, a la posibilidad de disfrutar de los mejores artistas del momento en unas condiciones inmejorables de sonido y comodidad en cuanto al servicio y por el entorno magnífico que nos ofrece la Masía d’en Cabanyes».
Siguiendo a la polémica por el número escaso de bandas con artistas femeninas que actuarán este año en Azkena, The Niftys han estado rápidos y hábiles en ofrecerse a tocar en el festival de Vitoria. La banda, además de estar liderada por la poderosa cantante femenina Anita (Toño, Fer y Ángel también se nos presentan sin apellidos), se dedica al rock’n roll de corte garajero y clásico, por lo que sería perfecta para el festival vasco, que lamentablemente tiene el cartel cerrado pero no sabemos si moverá ficha al respecto, aunque sea tirando de algún grupo novel.
The Niftys están empezando. Acaban de publicar su primer disco, ‘Stoke the Fire’, con 6 temas que acaban de subir a las redes de streaming. Su single principal recibe el nombre de ‘Doom and Gloom’, y en él se notan perfectamente esas influencias que citan, «desde Wanda Jackson, Chuckberry o Nikki Hill hasta Led Zeppelin o ZZ Top». El mismo espíritu prevalece en el resto, como en la inicial ‘Little Louie’, en la retro ‘My Day’ o en la trepidante ‘The Road’.
Tras formarse en 2015, durante 2016 daban varios conciertos, llevándoles a la grabación de este disco en Reno Estudios de la mano del productor Karim Burkhalter y masterizado en Kadifornia por Mario G.Alberni. Os dejamos con las fechas ya cerradas de su gira, a la que, quién sabe, quizá pueda sumarse Azkena este año o el que viene… porque admitámoslo, ¿puede sonar más a Azkena todo esto?
24 – Febrero- sala La edad de oro (Valencia)
4 – Marzo – Concurso bandas emergentes ciudad de Porcuna (Porcuna, Jaén)
17 – Marzo Toledo – sala los clasicos
24 – Marzo -sala La lata de bombillas (Zaragoza)
22 – Abril – Teatro Circo Albacete
28 Abril- sala Revolver (Murcia)
5 – Mayo – sala Four Seasons (Castellón)
6 – Mayo – sala Trashcan (Madrid)
16- Junio – Festival de los Sentidos (La Roda, Albacete)
29- Julio- Rockossa Festival (ossa de montiel, Albacete)
@AzkenaRockFest En vistas al revuelo creado por la poca representación femenina… nos ofrecemos como banda con frontwoman!! 😜😎🙋🏻
La pasada noche, Mariah Carey acudió a la televisión americana para presentar su nuevo single, ‘I Don’t’ con YG, que no ha logrado una gran acogida en listas (ha sido top 89 en Estados Unidos) pero sí parece haber gustado a crítica y fans por igual, posiblemente en parte gracias a su generoso sample de ‘Where I Wanna Be’ de Donnell Jones, que constituye su melodía principal. Su videoclip también era para verlo.
Carey tenía otra misión anoche, la de resarcirse de su bochornosa actuación en Times Square la pasada Nochevieja, donde los fallos de sonido y el «playback» confabularon para que la autora de ‘All I Want for Christmas is You’ viviera una de las peores experiencias de su carrera profesional precisamente en Navidad.
Quizá con esto en mente, Carey estuvo mayormente estática durante su actuación, visiblemente incómoda y atenta como siempre a sus tapones para que no se le fuera una sola nota. Por supuesto en la actuación se usaron pregrabados, bastante evidentes por momentos, y a menudo no está tan claro qué es directo y qué no, hasta el punto que lo que ocurre en ese escenario parece un ensayo… y no uno prometedor. Eso sí, YG parece estar en su salsa.
‘Frenética’ de El Lado Oscuro de la Broca era uno de los dos enormes pepinazos incluidos en su último disco ‘Poderosa‘ y hoy tenemos el gusto de estrenar su videoclip, en el que aparecen en forma de cameo su productor Carlos Hernández, Gustavo Iglesias de Radio 3 o Joan y Rafa de su sello El Genio Equivocado. Esta es la nota facilitada sobre el vídeo realizado por la ilustradora Rut Mayo con sus recortes y Rubén Casas (guitarrista del grupo) al montaje:
«El ritmo tiene que estar acorde con la canción y su título, intentando plasmar la historia del disco, desde su gestación en las navidades del 2015, grabación y repercusión, hasta la fecha. Narración visual de un viaje por la provincia de Zamora y Trás-os-montes con el que se ponen las bases e ideas de lo que tiene que ser el concepto de las nuevas canciones y sobre todo la filosofía de grupo. El poeta y amigo David Refoyo que les acompañó plasmó con varios artículos lo que fue este viaje (1, 2, 3). Road movie repleta de referencias a las mascaradas, tradiciones ancestrales como las Kalendas, la matanza, bailes, el agua como fuerza que mueve la rueda del amor, leyendas de Zamora, etc».
También se indica que los cameos «se entrelazan con expresiones, símbolos del propio grupo y su universo lebrel: denominaciones a su sonido, fragmentos de letras de otras canciones de Poderosa, el ampli de Spinal Tap, los Sheriff sin camisa, muerto en la bañera, el seguimiento obsesivo tipo Arya Stark de nuestro batería por ciertos grupos de la escena nacional, maxpowell, etc».
Esta semana, Kanye West ha presentado su nueva línea de ropa en Nueva York, donde ha vuelto a presumir su peinado rubio y se ha dejado ver notablemente mejorado tras sus recientes problemas de salud (el rapero hubo de ser hospitalizado tras sufrir una psicosis temporal en diciembre del año pasado).
La inauguración de West en la Gran Manzana ha contado con la presencia de su esposa, Kim Kardashian, y de la directora de ‘Vogue’ Anna Wintour, además de otros personajes de la élite de Hollywood, pero no con la de su amiga y colaboradora Sia, que además de estar ocupada con sus propios asuntos, por ejemplo, con su nuevo single, ‘Move Your Body’, no es nada pero nada fan de la moda de West por un motivo: su uso de pieles animales.
Para Sia, que es vegana desde 2014, el uso de pieles en la línea de Kanye no ha pasado desapercibida y la cantante australiana ha acudido a Twitter en las últimas horas para pedir al músico directamente que considere dejar de usarlas: «querido Kanye West, ¿considerarías dejar de usar piel animal? Esta es la realidad del uso de piel para la moda, es muy triste», ha escrito, tras lo que ha enlazado un documental sobre la producción de ropa de piel de Stop Animal Cruelty.
Sia no es la única estrella del pop vegana, también las dietas de Stevie Wonder, Miley Cyrus, Ellie Goulding y Ariana Grande son puramente verdes. Curiosamente, Morrissey, gran defensor de los derechos de los animales, vegetariano de toda la vida, se pasó al veganismo hace tan poco como en 2015.
Quien no sabemos si es vegano o vegetariano, pero sí que esta afiliado a Kanye West, es Dave Longstreth de Dirty Projectors, que co-escribió ‘FourFiveSeconds’ de West con Paul McCartney y Rihanna y ha concedido una entrevista ahora a The New York Times donde ha desvelado que el rapero, el Beatle y él trabajaron en otra canción inédita junto a Ezra Koenig de Vampire Weekend que Longstreth espera vea la luz algún día. ¡Nosotros también!
El Último Vecino, que publicaba uno de los mejores discos de 2016, ‘Voces‘, vuelve con un single que es una versión, pero no es una versión cualquiera. Gerard Alegre Dòria ha escogido uno de los hits en Youtube de La Zowi, una de los mayores exponentes de La Vendición Records, la plataforma en que Khaled, Kaydy Cain y Yung Beef de PXXR GVNG ahora continuarán su carrera como Los Santos (el 7 de abril se presentan con un concierto en Barcelona).
El Último Vecino explica por qué le ha llegado tanto esta canción de melodía tristona que, no obstante, espeta «como te pases te rajo la cara». Estas son sus declaraciones sobre la adaptación ‘Mi chulo’: «La canción más triste que he escuchado últimamente se me plantó delante mío en uno de los peores momentos de mi vida；sin novia y sin mi mejor amigo». Su versión intercala fragmentos de un tema propio y de otro de los Smiths, ‘Some Girls Are Bigger than Others’. La original tiene casi 300.000 reproducciones en Youtube.
El Último Vecino actúa el 11 de marzo en Espai Vapor y el 15 de marzo en Let’s Festival. También estará en Perú en Nebula Club los primeros días de junio y anuncia que se avecinan conciertos en Madrid, Valencia y Barcelona, así como más fechas en Latinoamérica.
Ya me olía que Rag’n’Bone Man, el alias tras el que se oculta el británico Rory Graham, tenía muchos números para arrasar; ‘Human’, el primer single de este álbum, es una intensa canción de soul épico, con toques electrónicos y estribillo incontestable, conducida por una voz de blues, poderosa y versátil. Me lo recomendó entusiasmada mi colega anti-todo y al poco lo vi aparecer en el número 1 de Los 40 Principales. Música comercial de calidad, capaz de aplacar a los oídos más exigentes y agradar al oyente casual que no está para tonterías. Si eso no es generar consenso…
Las cualidades que brillan en el ‘Human’ single son las mismas que se encuentran en el ‘Human’ álbum. Este es uno de esos discos de debut tan sólidamente construidos, cuyas canciones suenan tan familiares, que parece mentira que sean de debut. Un compendio de soul, hip hop y blues bañado por la electrónica y con afilado instinto pop. Como un Hozier menos orgánico, un John Newman sin histeria, con el olfato de Sia o Adele para elaborar canciones. Claro que el chico ya llevaba varios tiros pegados: dos EP’s, colaboraciones con luminarias como Vince Staples o Kate Tempest y muchos años como cantante en jams de blues. Toda esta experiencia germina en un disco producido por Mark Crew (productor de Bastille), Two Inch Punch (Jessie Ware, Sam Smith) y Jonny Coffer (co-autor del ‘Freedom’ de Beyoncé), gente acostumbrada a pulir y dar esplendor a estrellas neosoul. Y se nota que aquí está todo perfectamente pensado y mimado.
Las canciones son robustas como templos, con la duración justa, el mejor toque posible según su carácter y astutamente colocadas para alternar trascendencia y sosiego. Las inflexiones de la voz de Graham se adaptan perfectamente, moviéndose del falsete al rugido telúrico con pasmosa facilidad. Tras el baño de ‘Human’, salta al soul más convencional en ‘Innocent Man’; de ahí a ‘Skin’, cuya cadencia de trip hop estalla en un estribillo grandioso. ‘Bitter End’ es al revés: puente épico que rebaja la intensidad en el primer estribillo para romper en el post-estribillo. Después toca coger aire con ‘Be the Man’, una pieza ligera y alegre gracias a esas notas de piano que se repiten. Luego el baladón ‘Love You Any Less’, desgarrado, confesional, conformado a base de piano y cuerdas… y así durante todo el minutaje. Cuesta destacar nada en concreto, ya que todas las canciones son relevantes. Pero podemos señalar el rap de ‘Ego’ (Graham también gasta un buen flow); ‘Arrow’, probablemente mi favorita, que pasa de un puente casi amenazante a un estribillo luminoso y el tema que cierra la edición normal, ‘Die Easy’, escalofriante canto a capella. La edición deluxe lleva el disco hasta las 19 pistas. Son las más abiertamente electrónicas, deudoras asimismo del hip hop y del blues. Algunas ya habían aparecido en sus anteriores EP’s: ‘Fade to Nothing’, pegadiza y alegre; ‘Lay my Body Down’, otra balada contundente; ‘Life in Her’, magnífica aun sin el concurso de Kate Tempest, que sí participaba en la versión original.
‘Human’ es un disco inteligentísimo; un prodigio de equilibrios: es personal y absolutamente comercial; suave pero no sedoso; recio pero tampoco áspero. Tiene la cantidad exacta de electrónica y la adecuada de instrumentación «real»; transita por el drama sin apabullar; está repleto de sentimiento pero no cae en el sentimentalismo; rompe cuando toca romper, se calma cuando hay que calmarse. Quizás, de tan bien colocado que está todo, alguien pueda acusarlo de calculado, incluso de timorato. Pero nada más lejos. Esto es mainstream del bueno.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Human’, ‘Skin’, ‘Bitter End’, ‘Love you any less’, ‘Arrow’ Te gustará si te gusta: Hozier, Sia, John Newman, Adele, Jessie Ware… Escúchalo: Spotify
The Weeknd sale con Selena Gomez, ex de Justin Bieber. Después de que este apareciera en TMZ diciendo, aparentemente medio en broma, que las canciones de The Weeknd le parecen «una mierda pésima» («shit wack»), otro vídeo de Bieber apareció en la red. En él le preguntaban cuál era su canción favorita del momento, y Bieber respondía que ‘Starboy’ antes de partirse de risa artificiosamente, durante segundos y segundos.
Abel Tesfaye ha contestado de manera bastante clara en una canción con el cantante NAV -su protegido, al que da la alternativa- llamada ‘Some Way’. Parte de la letra dice «creo que tu chica se ha enamorado de mí, dice que mi forma de follar y mi lengua la han curado».
El hecho de que Tesfaye crea que con el sexo pueda «dar un remedio» a los males psicológicos que ha sufrido Selena Gomez es digno de aparecer en un artículo sobre el machismo de sus letras, pero el caso es que después vuelve a aparecer lo que ha de ser una referencia a Bieber: «The brown boy and the Starboy on a track / Haters gonna say this shit is wack«.
Tras una serie de filtraciones de ultratumba, el tema ha sido oficialmente subido a Youtube.
Recientemente las debutantes Las Odio publicaban un single llamado ‘Indiespañol’ en el que criticaban la mayoría de presencia masculina en los festivales de música. En la línea, Azkena Rock Festival, que contará con John Fogerty, Chris Isaak y The Hellacopters, entre otros, ha sido duramente criticado en las últimas semanas en las redes sociales por contener en su cartel a una sola artista femenina, Sally Ann Evans, voz de Buck and Evans.
Según recoge El Correo, EH Bildu trasladó este asunto al Consistorio y la concejala de Cultura, Estíbaliz Canto, lo ha asumido. La edil del PSE ha recordado que la promotora del festival recibe 270.000 euros de las arcas municipales para su celebración, y que estos han recibido sin problemas la petición. El medio vasco incluye unas declaraciones del director de Azkena, Alfonso Santiago, quien ha indicado que se ha invitado al grupo Heart (!!), Joan Jett, Neko Case, Tori Amos y Patti Smith, pero que ellas no han podido asistir.
También ha advertido que «nadie puede garantizar que se cumpla» el objetivo de llevar más artistas femeninas en 2018. «Nosotros mostraremos sensibilidad, interés y «proactividad» absoluta, como siempre. Ojalá hubiese muchas más bandas femeninas, ya que trabajamos todos los días para aumentar su presencia». Respecto a los nombres señalados, apunta: «Lo hemos intentado con todas, pero no están disponibles porque no quieren o no pueden». También asegura que en el mundo del rock, «un 95% son hombres y el 5% restante son mujeres». «Si este fuese un festival de música pop sería bastante más sencillo. Pero, ¿qué podemos hacer nosotros? Mantenemos muchas negociaciones para actuaciones que luego no llegan a materializarse, aunque estemos a favor de que las mujeres tengan un papel relevante en esta materia», indica, recordando que «prácticamente todas las bandas de mujeres y las solistas más representativas han pasado por el escenario de Mendizabala», citando como ejemplo a Blondie, Juliette Lewis, Lucinda Williams e Imelda May.
También critica el revuelo surgido en las redes sociales sin que nadie les haya preguntado. «Es alarmante que primero se haya disparado y luego se haya preguntado. Todo el mundo banaliza y hace juicios de valor de este asunto sin saber cuál es el origen. Se están intentando buscar soluciones cuando ni siquiera se conocen los orígenes del problema».
Os dejamos con una de las canciones de Buck & Evans.
Joe Crepúsculo estrena vídeo para su canción ‘Música para adultos’, el que parece el single clave -ha habido otros adelantos– del nuevo disco que saca a la venta mañana 17 de febrero. El vídeo comienza tranquilo, incluso con aspecto de lyric video medio currado, hasta que enseguida te explotan en la cara sus múltiples recovecos.
Ni siquiera ese momento en que «una bomba atómica destruye Murcia», según la retransmisión de laSexta, ni la entrevista con Donald Trump son lo mejor de este vídeo que contiene también claras referencias a la sentencia reciente al líder de Def con Dos por tuits ofensivos («La Fiscalía pide 14 años para Crepus»). Detrás de esos errores de conexión, errores de disco duro y publicidad que supuestamente nos impiden ver el vídeo correctamente, se filtra un anuncio de Jesús Vázquez (también salen Matías Prats o Rajoy) y también otra serie formatos publicitarios.
Un juego «descubre qué es publicidad y qué no» con todo un concepto «meta» detrás, pues no te queda otra que ver el vídeo en Youtube. Una crítica o como mínimo una parodia de hasta dónde ha llegado la revolución audiovisual que ya se prometía en las facultades de comunicación hace unos años. Dirige Alberto González Vázquez, autor del cómic recomendado ‘Todos los hijos de puta del mundo‘ y guionista de ‘El Intermedio’.
El álbum de Joe Crepúsculo que sale mañana se llama precisamente ‘Disco duro’ y lo presentará el 18 de febrero en Barcelona (Festival Cara-B), el 10 de marzo en Zaragoza, el 25 de marzo en Miranda de Ebro, el 12 de abril en Palma, el 4 de mayo en Madrid (OchoyMedio, entradas aquí) y el 30 de junio en Sunshine Suances.
Como se rumoreaba desde hace unos días, hay nuevo single conjunto entre Kygo y Selena Gomez. ‘It Ain’t Me’ sigue apostando por el medio tiempo con guitarrita que tanto se ha llevado y por el tropical house, pero no de un modo ligeramente moderno (la vuelta que le han dado The xx), sino como si estuviéramos en 2015. Lo peor es que podría triunfar si echamos un ojo a las listas de éxitos y comprobamos el alcance, por ejemplo, de The Chainsmokers.
Se trata de la primera canción de Kygo desde su debut ‘Cloud Nine‘, que incluía algunos de sus hits. También puede ser un nuevo pelotazo para Selena Gomez tras su breve retirada por razones de salud. Además, a pesar de los resultados discretos inicialmente de su álbum ‘Revival’, finalmente sobrevivía en listas gracias al alto streaming de singles como ‘Good For You’, ‘Same Old Love’, ‘Hands to Myself’ y ‘Kill’Em With Kindness’, todos ellos en torno a los 200 y 300 millones de streamings en Spotify.
Con ‘It Ain’t Me’ el objetivo es claro: la consecución de un nuevo hit de cara al verano de 2017. ¿Lo lograrán juntos gracias a la enorme comercialidad de este tema de ritmos tropicales, voces tratadas y pre-estribillo coral o dirá el público «¡hasta aquí hemos llegado con este estilo musical!». Primeros resultados, desde mañana en plataformas de streaming.
La batalla entre Kesha y su ex autor y productor Dr Luke continúa dentro y fuera de los tribunales. La novedad de la semana son unos mails filtrados por Kesha en los que Dr Luke aparece criticando su peso en conversación con la mánager de la cantante Monica Cornia. En concreto se le atribuye un mail en el que dice: «varios autores y productores son reticentes a dar sus canciones a Kesha a causa de su peso» o «estamos discutiendo cómo podría ser más disciplinada con su dieta. Ha habido muchas veces en que hemos sido todos testigos de cómo se la ha saltado. Esta vez era Coca-Cola light, pavo y sobre todo zumo». También se debate sobre la letra de la canción ‘Crazy Kids’, que Kesha quiso cambiar de «You see us in the club sip sippin bub» a «You see us in the streets we da we da freaks» porque Kesha no sale por clubs. La respuesta de Luke habría sido «me importa una mierda lo que quieras, si eres lista, ve y cántalo».
Dr Luke ha emitido un comunicado que recoge Billboard en el que afirma que «Kesha y su equipo continúan confundiendo al rechazar revelar toda la verdad mostrando la mala fe de Kesha Sebert y sus representantes, lo cual es dañino para ellos mismos». El comunicado considera las palabras «sacadas de contexto» y recuerda que la letra de ‘Crazy Kids’ sí se cambió a petición de Kesha. «Cualquier sugerencia contraria a esto es engañar al público». También se indica que tres mails han sido publicados sin la aprobación del tribunal.
Después de que Kesha decidiera retirar su demanda para concentrarse en su disco, recientemente Dr Luke volvía a denunciar a Kesha por difamación. El litigio entre ambos ha incluido en los últimos años acusaciones incluso de abuso sexual, lo que ha sido negado tajantemente por el conocido productor, responsable de muchos de los éxitos de Katy Perry.
Hoy se publica la reedición de ‘Canciones para robots románticos’, el álbum que publicaron el año pasado Fangoria, y que ha vuelto a ser un éxito de ventas recuperando, además, el apoyo de emisoras radiofónicas como Los40 o Cadena Dial. Esa nueva edición se titula ‘Miscelánea de canciones para robótica avanzada’ (les ha faltado un “de todos los santos”) e incluye el álbum original y un disco extra con seis cortes inéditos, entre los que destacaron como adelanto ‘Espectacular’, producida por Guille Milkyway, habitual ya en sus grabaciones.
Walter Morrison, conocido como Junie, miembro de Ohio Players, ha fallecido a los 62 años, 
Hoy Los Punsetes han adelantado otra nueva canción, que no el single principal, de ‘
El pasado 12 de febrero, Cee Lo Green 
El 3 de marzo sale el nuevo disco de Ed Sheeran, ‘Divide’, del que ya conocemos los singles ‘Shape of You’, vídeo feminista 
Hace unos días charlábamos por teléfono con Jens Lekman sobre el nuevo disco que publica esta semana, ‘
Desde que en 2008 editara ‘
Las Bistecs, que vieron su carrera despegar tras aparecer en el extinto programa de Alaska y Segura de TVE, han vuelto a la tele para interpretar otra de las canciones de su debut ‘
Cuando hace un par de años se anunció que el chileno Pablo Larraín (‘
Rusos Blancos publicaban hace unos meses su disco ‘
Si fuiste un adolescente en los primeros años del nuevo milenio es muy probable que crecieras escuchando a Linkin Park o que conocieras a alguien que los escuchara o incluso que fuera fan a muerte. La banda de California llegó a obsesionar a toda una generación de adolescentes, sobre todo entre 2000 y 2004, gracias a discos como ‘Hybrid Theory’ o ‘Meteora’ que fusionaban metal, hardcore y hip-hop y que produjeron clásicos como ‘In the End’, ‘Numb’ o ‘Faint’. El grupo siguió produciendo éxitos y vendiendo discos bien en la siguiente década.
Blonde Redhead, la banda americana formada por la cantante Kazu Makino y los hermanos Amedeo y Simone Pace, conocida por su dream pop experimental y sombrío, perfeccionado en discos como ‘Misery is a Butterfly’ o ‘
Sabíamos que la cuarta edición del Vida Festival, que tendrá lugar en Vilanova y la Geltrú del 29 al 2 de julio, contaría con la presencia de nombres de la música tan destacados como Fleet Foxes, Phoenix o The Flaming Lips, así como La Casa Azul, entre otros. Hoy, el festival cierra su cartel de este año sumando nuevos nombres, algunos de ellos muy apetecibles.
Siguiendo a la 
La pasada noche, Mariah Carey acudió a la televisión americana para presentar su nuevo single, ‘I Don’t’ con YG, que no ha logrado una gran acogida en listas (ha sido top 89 en Estados Unidos) pero sí parece haber gustado a crítica y fans por igual, posiblemente en parte gracias a su generoso sample de ‘Where I Wanna Be’ de Donnell Jones, que constituye su melodía principal. Su videoclip también era 
‘Frenética’ de El Lado Oscuro de la Broca era uno de los dos enormes pepinazos incluidos en su último disco ‘
Esta semana, Kanye West ha presentado su nueva línea de ropa en Nueva York, donde ha vuelto a presumir su peinado rubio y se ha dejado ver notablemente mejorado tras sus recientes problemas de salud (el rapero hubo de ser 
El Último Vecino, que publicaba uno de 
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The Weeknd sale con Selena Gomez, ex de Justin Bieber. Después de que este apareciera en TMZ diciendo, aparentemente medio en broma, que las canciones de The Weeknd le parecen «una mierda pésima» («shit wack»), otro vídeo de Bieber apareció en la red. En él le preguntaban cuál era su canción favorita del momento, y Bieber respondía que ‘Starboy’ antes de partirse de risa artificiosamente, durante segundos y segundos.
Recientemente las debutantes 
Joe Crepúsculo estrena vídeo para su canción ‘Música para adultos’, el que parece el single clave -ha habido 
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La batalla entre Kesha y su ex autor y productor Dr Luke continúa dentro y fuera de los tribunales. La novedad de la semana son