«Siete meses sin sacar música», ha declarado Aitana recientemente en sus redes. Ese es efectivamente el tiempo que ha pasado desde que Aitana lanzara, el pasado mes de agosto, su último álbum, el bailable y hedonista ‘Alpha‘. Una eternidad en los tiempos de hoy.
Aitana seguirá presentando ‘Alpha’ por festivales este verano. Está confirmada, por ejemplo, en Mallorca Live. Sin embargo, la catalana enfila ya nueva música aprovechando que acaba de estrenarse en Netflix la película que protagoniza, ‘Pared con pared‘.
Pero hace unos días, Aitana compartió una fecha, el 26 de abril, y una coordenada que, introducida en el buscador de Google Maps, llevaba a un lugar recóndito de Islandia. La cantante visitó Islandia el año pasado para celebrar su cumpleaños, y volvió a visitar la isla el pasado mes de marzo. El resultado de las pistas es ‘Akureyri’, donde se despide de su relación con Sebastián Yatra acompañada de… Sebastián Yatra.
«Al final no fue culpa de nadie / Nunca es culpa de nadie / Pero te extrañaré», cantan Aitana y Yatra en una canción en la que se sinceran sobre el romance que vivieron juntos hace unos meses. Aunque nunca han querido abordar el tema públicamente, parece que sí han querido hacerlo a través de la música, lo que posiblemente los unió.
Esta no se trata de una versión de McEnroe, pero tampoco será la primera vez que Aitana dedique un tema a un país o ciudad que ha visitado: ya le cantó a ‘Berlín’ hace unos años. Por otro lado, el videoclip guarda una referencia a la película ‘Olvídate de mí’, donde los artistas aparecen tumbados encima de una placa de hielo. El filme también sirvió de inspiración recientemente para el disco de Ariana Grande ‘Eternal Sunshine’.
Después de haber apostado por la vía bailable de ‘Alpha’ en su anterior proyecto, la imagen que compartió Aitana de ella llorando mientras recuerda que hace tiempo que no saca música, apuntaba a que podría volver a la balada. Así ha sucedido, pero falta por ver si ‘Akureyri’ se trata de una excepción o de una premisa de lo que está por llegar.
Cala Mijas, el festival que ha traído a la Costa del Sol de Málaga a artistas de la talla de Arctic Monkeys, The Strokes o Florence + the Machine, ha comunicado su fin después de dos exitosas ediciones, las de 2022 y 2023, y su promotora, LAST TOUR, ha acusado al Ayuntamiento de Mijas de haber incurrido en un «grave impago» del «patrocinio» de la edición de 2023, entre otros «incumplimientos no menos graves». Ello, unido a la «desatención» y falta de «interés» del Ayuntamiento hacia el festival, ha llevado a Cala Mijas a «cesar en la organización y puesta en marcha de las próximas ediciones del festival». Todo esto se produce después de que el pasado mes de octubre se produjera un cambio de gobierno en Mijas, a través de una moción de censura que sacó al PSOE para que entraran PP, Vox, y un concejal no adscrito, ex de Cs, que tiene la llave del gobierno.
En un comunicado, LAST TOUR describe los «graves incumplimientos en los que ha incurrido el Ayuntamiento ante LAST TOUR, el más relevante de todos ellos consistente en el impago de las importantes sumas debidas en concepto de patrocinio con relación a la edición del festival de 2023; impago que ha persistido a pesar de los continuos requerimientos de pago formulados». Continúa: «A ellos se suman otros incumplimientos no menos graves, como la falta de acondicionamiento y dotación de instalaciones del recinto».
Cala Mijas razona que «es obvio que la injustificada desatención por el Ayuntamiento de sus compromisos contractuales impide la continuación de la colaboración pactada, pues, entre otras cuestiones, priva a LAST TOUR de un ingreso esencial para la promoción del festival en su edición de este y sucesivos años y, lo que es aún más lamentable, evidencia la falta de interés del ente municipal en el buen fin de la organización del festival». La promotora concluye por tanto que «LAST TOUR se ha visto forzada a tomar las decisiones de resolución del patrocinio y de cese en la organización del festival».
Miguel Figueras e Ignacio Alarcón dieron con un pequeño hit en pandemia. Sucedió cuando ‘si fueras lluvia’ empezó a sumar millones de streams, especialmente al ser incluida durante más de 2 años en la playlist de Spotify «Relax en casa». ‘sangre y sal’, su segundo disco, mantiene esa apuesta por la electrónica intimista, incluso podríamos hablar de cierta vinculación con la indietrónica de Postal Service en alguna ocasión. De vez en cuando le dan a sus temas un arrebato ligeramente rock y otras ligeramente rapero, pero quizá sea la etiqueta de bedroom pop la que mejor les encajaría en el hipotético caso de que fuera necesario elegir.
En un ataque de honestidad, vangoura citan entre sus influencias no solo nombres conocidos internacionales como Post Malone, artistas parecidos menos famosos como Gus Dapperton o Easy Life, sino también alguna estrella nacional de última hornada como Natalia Lacunza. Con ella comparten el interés por el desamor y el amor por uno mismo, la voz baja, el gusto por hacer las cosas deliberadamente en pequeño y el tipo de producción casera y local que dan a su obra. El dúo produce por sí mismo este trabajo, en compañía de Daniel Belenguer, que no es otro que Bearoid, y Teresa Gutiérrez, que no es otra que Ganges.
La voz de Miguel Figueras dota a las composiciones de vangoura de una adorable calidez, idónea para el mal de amores. ‘después de ti’ plantea después de su falso principio: «desde que te fuiste no he parado de preguntarme en qué la he cagado. De preguntarme qué hay después de ti». Incluso cuando parece que se adentra en la canción social, también nos están hablando de amor. Sucede en ‘números rojos’, la colaboración con Besmaya. El cantante va «con el agua al cuello» cuando solo es «día 10», no puede «pagar el alquiler» y se «cuela en el metro»… pero lo hace «solo por ver» a su chica, no para hacer la revolución. Eso sí, no descuida su salud mental. La bonita canción titular pasa de decir «debo alejarme para poderte ver de verdad» a concluir al final «debo alejarme para poderme ver de verdad».
La segunda parte de ‘08030’ sería una de esas pistas ligeramente más rockeras, de las que justifica esa mención a Cala Vento que encontramos en ‘cuando faltes’. Por su parte, los acordes de ‘sería perfecto’ son muy Coldplay, mientras ‘sobre el mar’ tiene la gracia de incorporar un minúsculo guiño bossa.
Entre canciones que a veces presentan alguna dificultad para diferenciarse entre sí, destaca el single ‘rachel y ross’. Composiciones que referencien a ‘Friends’ ya conocíamos (Astrud tenían una línea muy buena en ‘Minusvalía’), pero esta además tiene un estribillo muy bueno, cuando Miguel se cuelga «de una foto en la que salíamos mal».
vangoura actúan este viernes 26 de abril en Barcelona. Después aguardan citas como Mallorca Live Festival, Festival de los Sentidos y el Festival Gigante.
Hoy 26 de abril se ponen a la venta nuevos discos de Pet Shop Boys, St. Vincent, Justice, Anitta, Thom Yorke (la banda sonora de ‘Confidenza’), Perro, Jess Glynne, Rels B, Teddy Swims, SAIKO, Iron & Wine, Recycled J, Bullion, Delone, Cosmic Wacho, Hovvdy o Bala.
‘Contradicción‘, la colaboración de Love of Lesbian y Rigoberta Bandini, se encuentra entre los lanzamientos sueltos destacados de la jornada. Suenan las alarmas ante el estreno de un nuevo single de Normani. Su disco -el primero de su carrera- sale en junio después de miles de retrasos.
Christine and the Queens sorprende estrenando tema, el primero tras el lanzamiento de su ambicioso último álbum. Otro gran regreso es el de Nilüfer Yanya. Además, Aitana publica su balada dedicada a Islania, junto a Sebastián Yatra. Mientras, Twenty One Pilots, DIIV, Sega Bodega (en la foto) o Menta siguen avanzando sus próximos trabajos.
Hay plancha en la parte de música nacional. Nuevos temas de Babi, Ultralágrima, mariagrep, Queralt Lahoz, Axolotes Mexicanos con Aiko el grupo, nusar3000, Julieta, Perdón, Cometa, San Tosielo, Roko Banana, Amor Líquido o A Pedreira se suman hoy a la línea de lanzamientos.
A todos ellos se agregan también los estrenos de Lauv, Varry Brava, nuestros recomendados Softcult, Lara91k con Julieta Venegas, Ellis (te gustará si te gusta Ethel Cain), Laufey, Wallows, Tems, Cults…
Nilüfer Yanya está de regreso en el panorama musical tras dos años desde su último single. La artista, que publicó su segundo trabajo discográfico ‘Painless’ en 2022 (uno de los 50 mejores del año para JENESAISPOP), ha dado a conocer la carta de presentación de su tercer álbum de estudio. Se titula ‘Like I Say (I runaway)’ y, tal y como sugiere el nombre, no tiene tiempo que perder.
Apoyada por un rock bastante ágil que hace que el tema suceda casi volando, Nilüfer Yanya canta a un amor que se desmorona pese a sus esfuerzos por salvarlo. «Me estoy desgarrando por dentro», confiesa en el estribillo de la canción. Sin embargo, la artista sabe que no hay nada peor como estar en una relación en la que sientes que no estás aprovechando la vida. «Como digo, como digo, como digo / Huyo porque tengo un tiempo precioso / No puedo perder, es un estado mental», dice en una de las estrofas.
«Se trata de cómo eliges pasar tu tiempo. El tiempo, cada momento, es como una moneda. Nunca lo vas a recuperar. Es algo bastante abrumador de comprender», se sincera la artista al explicar el significado detrás del tema. Pero el single es incluso más desolador: «Dime que todo va a estar bien / Cuando me pierda de vista».
La cantante ficha a su hermana, Molly Daniel, para la grabación del videoclip de ‘Like I Say (I runaway)’, donde vemos a Nilüfer Yanya correr durante casi los tres minutos de duración. Dotando de humor el profundo mensaje de la canción, Yanya abandona al que iba a ser su futuro marido en pleno altar. Vestida de novia, tira al suelo el ramo de flores y huye sin mirar atrás. Quizás seguir adelante sea uno de los mayores logros del ser humano.
‘Like I Say (I runaway)’ es la primera música original que Nilüfer Yanya publica desde el lanzamiento de su último disco. Después la hemos escuchado colaborando con Liss (‘Boys in Movies’) o versionando a PJ Harvey (‘Rid of Me’).
Neil Tennant de Pet Shop Boys ha hablado sobre Taylor Swift en una entrevista con el periodista de The Guardian, Alex Petridis, realizada con motivo del lanzamiento de ‘Nonetheless’, el nuevo disco de Pet Shop Boys, que se pone a la venta hoy 26 de abril. Y su valoración de Taylor Swift no es exactamente positiva.
Tennant viene a decir que la música de Taylor Swift no le parece que esté a la altura del fenómeno. “He escuchado el disco de Taylor Swift”, comenta Tennant en referencia a ‘The Tortured Poets Department’. “Taylor me fascina como fenómeno porque es tremendamente popular y me hace gracia todo este asunto, pero cuando escucho las canciones, y tanto (Chris Lowe) como yo tenemos la misma sensación, cuando piensas en el fenómeno te preguntas, ¿dónde están las canciones famosas? ¿Dónde está el ‘Billie Jean’ de Taylor Swift?”
Cuando Tennant habla de música “a la altura”, se refiere a la complejidad de las composiciones. No le parece que ‘Billie Jean’ sea equiparable con ninguna canción de Taylor Swift. The Guardian sugiere que ‘Shake it Off’ puede ser igual de popular que el clásico de Michael Jackson, pero Tennant no está de acuerdo con la comparación. “No es ‘Billie Jean’. Ella tiene muy buena voz, y la producción es bonita, pero la melodía está cantada melodía para arriba, melodía para abajo”, expresa el músico británico.
Hablando del fenómeno que rodea a la autora de ‘Fearless’, The Guardian apunta que una de las razones de la popularidad de Swift es que sus seguidores -los swifites- disfrutan “teniendo una experiencia colectiva”. Tennant responde que “le gusta” que la música de Swift “una a tanta gente”, pero que precisamente la música le parece el componente “decepcionante” de todo el fenómeno. “Ni siquiera las letras, sino la música”, añade.
El tema de las letras de Taylor Swift es precisamente el que inicia la conversación sobre Swift entre Neil Tennant y The Guardian. Petridis asegura que las letras del pop de hoy están particularmente enfocadas en “el yo”, y Tennant concuerda: “Para tener una carrera de éxito en el pop hoy en día, tienes que haber mantenido una serie de relaciones amorosas increíbles, y después romper de manera trágica”.
Pedro Almodóvar firma una nueva columna en ElDiario.es, en la que reflexiona sobre los últimos acontecimientos relacionados con Pedro Sánchez y su posible renuncia a la presidencia del Gobierno, anunciada este miércoles 24 de abril. Sánchez ha publicado su ‘Carta a la ciudadanía’ a raíz de la sospechosa denuncia de Manos Limpias, un pseudosindicato ultraderechista, contra su esposa, Begoña Gómez, por dos supuestos delitos: tráfico de influencias y corrupción en los negocios. La denuncia, aunque ha sido admitida a trámite, hace aguas, pues se basa en recortes de periódicos, y Manos Limpias ha reconocido que puede estar basada en informaciones falsas.
La debilidad de la denuncia de Manos Limpias contra Begoña Gómez no ha impedido a la derecha y ultraderecha españolas movilizarse contra Pedro Sánchez apelando al «sentimentalismo» de su carta -en la que Sánchez reconoce estar «profundamente enamorado» de su esposa y, por contra, no tener ningún apego a su cargo- o a una supuesta «dejadez» de sus funciones. El próximo lunes 29 de abril, Sánchez comunicará su decisión de continuar o no en el Gobierno.
Almodóvar se ha topado con la ‘Carta de la ciudadanía’ en pleno rodaje de su próxima película y ha querido escribir un texto en el que muestra su comprensión por la decisión de Sánchez de tomarse un periodo de reflexión para decidir sobre su futuro profesional. Almodóvar reconoce que se enfrentó a la carta de Sánchez cansado después de un largo día de trabajo, y que, al leerla, rompió a llorar.
«Parece que a Pedro Sánchez no se le reconoce su humanidad, está obligado por su cargo a ser sobrehumano», señala el cineasta. Almodóvar escribe que «no existe ser humano que resista lo que el más resistente de nuestros presidentes ha estado sufriendo los últimos años, en una escalada que supera todo lo imaginable», y describe la «nueva técnica para derribar al adversario político» que se está empleando contra Sánchez para debilitarle. Una técnica que consiste en «acosarle mediática y judicialmente hasta quebrarle». Sánchez ya invoca esta técnica en su carta apelando al concepto de «La máquina del fango» de Umberto Eco. No sería una técnica tan «nueva» aunque Almodóvar así lo afirme.
En el texto, Almodóvar se muestra preocupado por el estado actual de la democracia, la cual percibe «exigua» y «mermada», y aprovecha sus palabras finales para pedir a la izquierda que se movilice para apoyar a Sánchez. Aunque Almodóvar no se encontrará en España el lunes, sino en Nueva York, rodando, pide a la izquierda que «despierte de su pesadilla y estupor» y organice «algún acto de apoyo a nuestro presidente (para) demostrarle a la otra España que somos muchos, tantos como ellos».
Love of Lesbian se preparan para el lanzamiento de un nuevo disco. El grupo, que hace poco tiempo celebró toda su discografía en un WiZink Center a reventar de gente, ha estado trabajando en nueva música (como allí mismo adelantaron) y están preparados para publicarla. El primer adelanto es ‘Contradicción’.
Se trata de un dueto con Rigoberta Bandini que toma la forma de canción-viaje típica de Love of Lesbian. Después de una intro que dura un minuto y medio (!!!), donde Santi Balmes y Rigoberta cantan acompañados de un órgano, ‘Contradicción’ echa el vuelo hacia la épica pop-rock del último disco de Love of Lesbian.
Las ‘Contradicciones’ de Santi Balmes y Paula Ribó están reflejadas en el estribillo de la canción, donde Santi y Paula cantan que «a veces el que pierde gana algo mejor», pero «quien se inventó la frase no te conoció». Miedo al compromiso, una relación complicada con la terapia y la autoayuda, y un dardo al turismo masivo apelando a unas Ramblas infestadas de «guiris», se van sucediendo en otra composición compleja de Santi Balmes que no renuncia al humor («llévame a la mierda, y si vamos de la mano mejor»).
«Huir de la contradicción sigue siendo una utopía para nosotros. Por eso, y porque aceptamos nuestras incoherencias, esta canción y adelanto de nuestro nuevo disco», ha comunicado el grupo en redes sociales. «Rigoberta Bandini elige salvarse de la ‘Contradicción’ y nos acompaña en la primera avanzadilla sónica de nuestro nuevo disco», continúa.
Aunque todavía no hay fecha de publicación ni título de su próximo álbum de estudio, que será el décimo de su catálogo, todo apunta a que podría llegar este mismo 2024. «Pasan los discos y la emoción es la misma», afirma Love of Lesbian. Supondrá la continuación de su ‘V.E.H.N. (Viaje épico hacia la nada)’, de 2021.
El Sonorama Ribera 2024 ha presentado su cartel definitivo. El festival, que celebra su 27 edición, tendrá lugar los próximos 7, 8, 9, 10 y 11 de agosto en Aranda de Duero (Burgos). Apostando sobre todo por el artistas del panorama nacional, ya se conocen todos los nombres que veremos encima del escenario.
Si bien la organización anunció a artistas como La Bien Querida, Mikel Izal, Juancho Marqués, Rayden, Travis Birds, Álvaro de Luna o El Kanka en la primera tanda de confirmaicones, hoy el cartel final presenta a muchos más cantantes y grupos, entre los que se encuentran Sen Senra, Paula Cendejas, Miriam Rodríguez, Hombres G, Marina Reche, Pol Granch, Los Planetas, Varry Brava, Valeria Castro o La Casa Azul. En el ámbito internacional destacan los argentinos Miranda!.
Como ya informó la organización hace unos meses, este año, y a diferencia de otras ediciones, el miércoles 7 el festival transcurrirá durante todo el día, mientras que el domingo 11 la programación será exclusivamente matinal y gratuita. «Nos moríamos de ganas de mostrar todo lo que viviremos en la cita más esperada del año que además une por fin a la familia Sonorama Ribera con Vibra Mahou. ¡Esto va a ser espectacular!», ha compartido la organización.
La venta de entradas y bonos ya está disponible en la página web del festival, sonoramaribera.com, donde además se puede encontrar toda la información relativa a la 27 edición. Aún quedan los últimos abonos vip.
El Último Vecino llega a su cuarto disco fiel a su estilo. Por un lado, sus mejores canciones siguen siendo incontestables. Y, a lo largo de una década, estas se han ido sucediendo sin cesar apareciendo en cada uno de sus trabajos. A ‘Tu casa nueva’ se han unido ‘Mi escriba’, ‘Antes de conocerme’, una versión inolvidable de La Zowi y, últimamente, ‘El desastre’ o ‘Ábreme la puerta‘.
De ‘RIQUI’ hay que subrayar al menos dos canciones redondas. El primer single, ‘Mi chaqueta gris’, es como una revisión de ‘Close to Me’ de The Cure -incluye hasta las palmas- pasado por el filtro de los primeros trabajos del grupo británico… y por la melodía de The Drums. Un saxo que emerge al final, sin avisar, luchando por hacerse oír, pone la guinda del pastel.
Aún mejor es el segundo single, ‘Cinta‘. Un tema que, por un lado, llega con las capas que permite su polisémico título, que habla de cintas que cubren heridas y de cintas que graban películas… y que, también, suena como el jangle-pop de las C-86 del NME. Un tema que, sobre todo, sobresale gracias a un estribillo redondo, de los mejores que Gerard Alegre Dòria ha firmado.
El Último Vecino no se ha comido la cabeza grabando un nuevo disco con InnerCut que vuelve a mezclar los punteos del jangle-pop con los ritmos del post-punk más crudo. Sus letras siguen hablando de desilusión («era de esperar que me ibas a olvidar»), de relaciones impenetrables («siempre tan oculta tras tu muralla») o son directamente emo («se cortó las venas, le afectaba demasiado la mirada de la gente»).
Pocos han visto venir que El Último Vecino desarrollaría una carrera, a la postre, más interesante y, a la larga, con una mayor proporción de buenas canciones, que sus contemporáneos The Drums. Sin embargo, en ‘RIQUI’ se hace difícil diferenciar su propuesta musical de las anteriores. En ‘RIQUI’ a duras penas las capas de guitarra eléctrica shoegaze de ‘El último día’ permiten hablar de una posible evolución. Pero los matices son casi imperceptibles.
Este escenario invita a centrarse en las melodías. Y Gerard sigue siendo un hacha escribiendo tonadas sentidas y maravillosamente melancólicas. ‘Era de esperar’ abre el disco y, aunque Gerard se describe en la letra «dueño de su habitación» e «hijo de un vampiro», la canción no se encierra en ningún castillo, sino que pletóricamente se abre al mundo. Tan buena es ‘Era de esperar’ que Gerard la recupera en la pista final, en una «segunda parte» casi instrumental, basada en una caja de ritmos.
Es una idea, la de ‘Era de esperar II’, interesante, pero no es el «reprise» más inspirado que se ha escuchado. Y, en demasiadas ocasiones, las canciones de El Último Vecino siguen redundando en la fórmula y no logran hacerse paso y rivalizar con las mejores. ‘Libreta de los recuerdos’ o ‘Tus oraciones’ vienen a decir lo mismo de siempre… pero, en el conjunto del disco, destacan menos.
Solo ‘Lo que tuvo que aguantar’ se desmarca añadiendo un punto de humor en la forma de un niño metido en una nevera que dice «hola». «Siempre a tu lado, pero bien ventilado» es la sonora rima que deja Gerard en la canción. Esta no la habíamos visto venir.
St. Vincent publica este viernes nuevo disco. ‘All Born Screaming‘ es un trabajo producido por la propia Annie Clark en el que vuelve la fiera guitarrista que conquistó al mundo en discos como ‘Strange Mercy‘ (2011) o ‘MASSEDUCTION‘ (2017). Esta vez, la paleta sonora acerca a St. Vincent al sonido de Nine Inch Nails y System of a Down, pero también al de Prince. Es decir, ‘All Born Screaming’ se encuentra, en sonido, en las antípodas del disco de St. Vincent anterior.
Cuando tengo ocasión de hablar con St. Vincent por Zoom hace unas semanas, le pregunto por ‘All Born Screaming’, por su labor de productora, por la coincidencia -en la misma semana- de la portada de su disco con la inmolación de Aaron Bushnell y, por supuesto, por el éxito de sus colaboraciones con Olivia Rodrigo y Taylor Swift. El tiempo apremia y se me quedan en el tintero preguntas sobre Dave Grohl (que colabora en el álbum) o sobre canciones concretas. Ella se disculpa por conectarse un poco más tarde de lo previsto y me sorprende revelando su curiosa rutina matinal.
La última vez que hablamos, hace 10 años, me comentabas tu amor por el café. Me decías que te daba ganas de vivir.
[se parte de risa] ¡Es lo más triste que he oído en mi vida!
Has dicho que has pasado millones de horas trabajando en tu nuevo disco en el estudio. ¿Cómo te has mantenido motivada?
Normalmente tengo no una, sino dos tazas de café delante de mí, un cortado y un café con hielo. ¿Pero sabes qué es lo que más me gusta hacer? Me encanta levantarme súper temprano, sobre la seis de la mañana, hacerme un café, verterle una pequeña microdosis de setas, y de ahí irme para el estudio y tocar durante horas.
¿Qué te aporta la microdosis?
Si llevo un rato intentando solucionar una canción o un problema, (la microdosis) me ayuda a mirarlo desde una perspectiva diferente, con mayor generosidad. Solo le echo un poco, pero es suficiente. Así que esa es mi rutina: me levanto a la seis de la mañana, cuando nadie está despierto ni me puede molestar, me tomo mi café con microdosis, me voy al estudio y, de ahí, me pongo a tocar.
¿Esta rutina te hace sentir más inspirada o simplemente más relajada?
Me hace sentirme libre. Cuando es tan temprano, es como que ganas tiempo. La vida no ha empezado todavía. Nadie ha empezado a mandarme correos electrónicos pidiéndome cosas. Tengo mi momento de paz.
Has dicho que no hay nada “cute” ni divertido en tu nuevo disco, ’All Born Screaming’. Pero tengo que decirte que el título sí me lo parece. Me viene la imagen de un bebé que “nace gritando”, como poniendo un primer pie en el infierno. Sabe que nacer es una condena.
[se ríe] Lo que pienses está bien, creo que el arte está sujeto a diferentes interpretaciones, y así debería ser, pero no era esa mi intención al escoger el título. Para mí el título de ‘All Born Screaming’ evoca una señal loca de la vida. Si el bebé nace gritando, es la mejor noticia posible, porque significa que el bebé está vivo. Lo primero que hace un bebé al nacer es gritar. Es una fuerza primordial. Pero, al mismo tiempo, significa que nacemos y ya estamos protestando. Para mí significa que estamos todos juntos en esto, que la condición humana, el sufrimiento, pero también la alegría, es un sentimiento profundamente universal, y eso me da esperanza.
¿Sería un error decir que este disco parte de una premisa catastrofista?
No creo que sea un punto de vista catastrofista. La catástrofe, es decir, perder a personas que queremos, la violencia del mundo, desafortunadamente, existe. La segunda parte del disco va de esto: la vida es brutal, perdemos a gente, no vivimos eternamente. Pero el mensaje que prevalece es que -de hecho- tenemos la oportunidad de vivir y de vivir nuestra vida plenamente. Que sea duro no significa que no valga la pena. Para mí, la urgencia de este disco tiene que ver con esto también. Quería que fuera crudo, solo conservar en él los elementos realmente importantes y vitales. Y hablar de las cosas que me han estado pasando. Perder a personas es una parte inevitable de la vida.
La portada es icónica. La coincidencia con la inmolación de Aaron Bushnell la ha hecho más poderosa incluso, diría yo. Hubo debate en foros en torno a si era apropiado o no sacar esa portada en ese momento. ¿Te planteaste cambiarla o en absoluto?
No fue una opción. Por muchas razones. En primer lugar, esta portada lleva hecha mucho tiempo antes de ese incidente. En segundo, soy artista. No es descabellado que intente retratar la violencia del mundo en que vivimos y transformarlo en arte. Por otro lado, está la cuestión del fuego. El fuego significa muchas cosas diferentes. El fuego puede quemar a la bruja, puede ver renacer al fénix, puede llevar, sí, a una inmolación. Pero la portada de ‘All Born Screaming’ no está directamente relacionada con ese incidente.
Por supuesto. ¿Te enteraste de este debate en absoluto?
Me llegaron algunas cosas. Estaba viajando. De la noticia del chico que se había prendido fuego me enteré un día antes de revelar la portada del disco. Pero la portada llevaba hecha meses. Es una de esas raras coincidencias.
«El mensaje del disco es que, aunque la vida puede ser dura, vale la pena vivirla»
¿Por qué el disco te lo has producido tú, esta vez?
Por las letras del disco había ciertos lugares (sonoros) a los que solo podía ir yo sola. En cada disco he intentando capturar el caos de la vida y convertirlo en algo que se acerque a tener un sentido. Con este álbum necesitaba yo sola encontrar la dirección del sonido, necesitaba que el sonido me indicara adonde ir. El sonido ha sido el origen de todo, es el que me ha llevado a las canciones. Y, después de darme a conocer como cantante, compositora y guitarrista, en mi fuero interno sabía que reafirmarme como productora era lo siguiente que necesitaba hacer.
Ya habías producido un disco de Sleater-Kinney. ¿Cómo ha sido producir tu propio disco en comparación?
Ha sido una experiencia muy diferente. Me encantó producir el disco de Sleater-Kinney, pero producir un trabajo propio es diferente porque te debates entre ser una performer, que es un trabajo de microscopio, y ser productora, donde tienes que aplicar, más bien, una vista de pájaro, como si volaras a miles de kilómetros de altura. A esto le añades que pasas todo el rato de una cosa a la otra de manera abrupta. Estoy segura de que hay una manera más fácil de hacer todo esto, pero mi cerebro no me permite hacer las cosas de manera lineal. Lo tengo que hacer todo al mismo tiempo (ríe). La parte difícil es separar a la persona del pensamiento global. La performer está pegada al ego. De ese ego sale la guitarrista que quiere meter guitarra en una canción, pero quizá esa canción no la necesita. Tienes que domar tus varios egos y trabajar para que la instrumentación realmente sirva a la canción.
¿Has pedido opinión de amigos o simplemente te has dado tiempo a ti misma de pensar bien las canciones teniendo clara la dirección?
Le enseñé las canciones a mi pareja. Ella no se dedica a la música, pero tiene muy buen gusto musical y, sobre todo, sabe detectar la morralla en una canción. Le enseñé algunas composiciones, ella entendía la energía que yo estaba intentando transmitir. También le enseñé cosas a mi amiga, Cate Le Bon (NdE: Le Bon colabora en el disco). Estaba con ella en el bosque. Le preguntaba, «¿estoy loca?» Y ella me contestaba: “Sí, estás loca. Pero no estás loca”. Me cogía la mano y me decía: pa’ lante.
Has co-escrito un tema nuevo de Olivia Rodrigo, ‘obsessed’, que está siendo un éxito. ¿Cómo ha surgido esta colaboración?
¡Es una locura! Conozco a Olivia desde hace tiempo, le tengo mucho cariño. Nos juntamos en el estudio y escribimos esa canción hace unos dos o tres años. Yo sabía que era ella fan de mi música porque cantó ‘Los Ageless’ en una de sus giras. Hemos conectado y nos hemos hecho amigas. Estoy muy contenta de su éxito.
También has co-escrito uno de los mayores éxitos de los últimos años, ‘Cruel Summer’ de Taylor Swift.
Es increíble. Los fans de Taylor Swift me tienen asombrada. ‘Cruel Summer’ era de un disco viejo de Taylor, no había sido single, pero a sus fans les gusta tanto que se han propuesto convertirla en un hit. Y lo han conseguido.
¿Cuál ha sido tu contribución exacta a ‘Cruel Summer’?
Es una canción que empecé a escribir con Jack Antonoff (NdE: productor de ‘MASSEDUCTION’). Después él la trabajó con Taylor y Taylor la terminó y la convirtió en ‘Cruel Summer’. Ese fue el proceso.
Vetusta Morla ha anunciado que su nuevo disco, ‘Figurantes’, sale el 31 de mayo. Además, el grupo ha revelado que se tomará un descanso de los escenarios hasta 2026 «si todo va bien». En 2024, Vetusta Morla realizará los directos que ya tenía programados en España entre mayo y septiembre. Salvo «algún detalle especial» que pueda surgir, después de estas presentaciones no habrá más fechas ni nacionales ni internacionales.
En un comunicado, Vetusta Morla da las razones de su parón. Cuenta que «llevamos muchos años seguidos a un ritmo vertiginoso, sosteniendo la presión», afrontando la «picadora humana que puede ser esta industria», y que sus integrantes necesitan parar y reponer fuerzas «por una cuestión de salud».
Vetusta Morla explica que, en medio de la decisión de su descanso, se encontró con que tenía un puñado de canciones grabadas que constituían un nuevo disco. «Al principio pensamos sacarlo de golpe y desaparecer», narra la banda madrileña. Sin embargo, el grupo ha tomado la decisión de dedicar 2024 a presentar ‘Figurantes’ solo en España y, una vez acabada la gira, retirarse de los escenarios de manera temporal.
Vetusta Morla concluye su carta explicando que hasta que llegue 2026 «veremos la acción desde otros lugares, empujaremos otros proyectos, dedicaremos el tiempo a disfrutar y cuidar de nuestra gente, a poner más lavadoras. En definitiva, a vivir y disfrutar».
De ‘Figurantes’ Vetusta Morla ha extraído ya tres adelantos, ‘Catedrales‘, ‘Puentes’ y ‘La sábana de mis fantasmas’.
Kim Petras ha comunicado que no podrá llevar a cabo los conciertos en festivales que tenía programados este verano por razones médicas. Primavera Sound es uno de los festivales afectados, pues Petras era uno de los grandes nombres confirmados el jueves 30 de mayo.
«Estoy devastada por tener que escribir esto pero estoy pasando por algunos problemas de salud y bajo recomendación médica he tenido que tomar la dura decisión de no actuar en festivales este verano», ha escrito Petras en Instagram. «Os quiero mucho y espero poder compensároslo pronto».
Esta es la segunda vez que Kim Petras es confirmada en Primavera Sound y después no puede actuar. Aunque la primera afectó a todo el cartel, en 2020, el año de la covid.
Kim Petras venía a Primavera Sound cargada con nuevo material, pues solo en 2023 publicó dos álbumes, estos son, ‘Feed the Beast‘ y el rescatado ‘Problématique‘; y, en 2024, ha lanzado la segunda parte de su serie de discos ‘Slut Pop‘, llamado ‘Slut Pop Miami’.
Últimamente, Kim Petras ha publicado ‘Ein Tausend Teile’, la versión en alemán de su canción ‘Thousand Pieces’. Entre sus éxitos comerciales recientes se cuenta su colaboración con David Guetta, ‘When We Were Young (The Logical Song)‘.
Primavera Sound se celebra del 29 de mayo al 2 de junio y, paralelamente, entre el 27 de mayo y el 2 de junio, tendrá lugar la programación de Primavera a la Ciutat, con The National entre los grupos confirmados. JENESAISPOP es medio oficial del evento un año más.
El Último Vecino acaba de publicar nuevo disco, ‘RIQUI’, el cuarto de su carrera. ‘RIQUI’ llega después de ‘Juro y prometo‘ y su líder y miembro único, Gerard Alegre Dòria, lo ha presentado antes de su lanzamiento con dos adelantos, ‘Mi chaqueta gris’ y ‘Cinta’. Dos singles previos a estos, ‘Demasiado’ y ‘Matadora’, no han sido incluidos en el repertorio.
Especialmente ‘Cinta’ puede contarse entre las mejores composiciones jamás firmadas por El Último Vecino. Escrita en el estilo del jangle-pop de los 80, ‘Cinta’ se corona con un estribillo redondo. Es la Canción Del Día para hoy jueves.
La desilusión de un amor inspira ‘Cinta’. La «»cinta» a la que alude Dòria es polisémica. Por un lado, Dòria busca «cinta» que cubra sus «heridas». Por otro lado, necesita más metros de «cinta» para seguir viviendo dentro de su propia «película». Añadiendo una tercera capa de significado, el sonido de ‘Cinta’ lleva a la época de las cintas de casete del NME, las C-86.
En ‘Cinta’, El Último Vecino describe un «ataque» de una persona que le ha dejado herido. Y, en la segunda estrofa, deja una de esas frases tan propias de él, tan coloquiales y sentidas al mismo tiempo: «Tú y tu mente criminal
mi corazón está fatal / Me lo has rajado de verdad».
Después, El Último Vecino se desahoga en un estribillo demoledor, lleno de desesperación. «Creí que pasaría algo especial / pero amanecerá sin pasar nada más / no volverás jamás», canta, desilusionado. Aunque la luz que arrojan esos acordes de guitarra, son cegadores.
Jungle está de enhorabuena porque ‘Back on 74’ acaba de sobrepasar las reproducciones de la que hasta ahora era su canción más escuchada. ‘Busy Earnin’ fue la canción que introdujo a Jungle al mundo, pero el lanzamiento de su cuarto disco, ‘Volcano’, ha revitalizado la carrera de dúo compuesto por los productores Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland, a los que se ha unido la vocalista Lydia Kitto en esta era, como pocos esperaban.
De las 159 millones de reproducciones de ‘Busy Earnin’ amasadas a lo largo de una década, Jungle pasa a 160 millones con ‘Back on 74’ en menos de un año. ‘Back on 74’, el cuarto single de adelanto de ‘Volcano’, publicado en agosto de 2023, en la misma semana de lanzamiento del disco, ya es el mayor éxito de la carrera de Jungle, una década después del debut del grupo.
El desempeño comercial de ‘Back on 74’ ha sido tremendamente estable en Reino Unido desde su lanzamiento el pasado verano. En la lista oficial de UK Singles Chart se mantiene en el puesto 20 todos estos meses después, y en la tabla de Spotify saluda desde el puesto 61. Su posición sería más alta si no fuera por el alud Taylor Swift.
A la buena aceptación de ‘Back on 74’ ha contribuido recientemente su histórica presentación en la gala de los premios BRIT del pasado mes de marzo, pensada para el lucimiento de los bailarines, que se comen el escenario reproduciendo la coreografía del videoclip original mientras Lydia Kitto canta y tanto Josh como Tom tocan alegremente al fondo.
En las últimas semanas, Jungle ha intentado animar las escuchas de ‘Back on 74’ lanzando su versión “sped up” y dos remixes de Full Crate y Joy Anonymous. Pero la gente sigue y seguirá prefiriendo la versión original. Ojalá el éxito de ‘Back on 74’ salga de las islas y pase a ser global: ¿no es una de las potenciales canciones del verano 2024?
Os recordamos que Jungle es uno de los grupos confirmados en el cartel de Bilbao BBK Live, que se celebra del 11 al 13 de julio.
Con la llegada a Spotify y plataformas varias de ‘ENLOKIÁ‘, el single de su ganadora Naiara, ‘OT 2023’ ha presentado ya las primeras canciones de todos sus concursantes. Empieza ahora la gira y, más importante, empieza ahora el verdadero «concurso» para los 18 participantes que pasaron el casting final. Alguno puede que despegue desde el principio, otros puede que peguen un pelotazo más adelante, otros se irán haciendo con un público a fuego lento, otros se transformarán en celebrities (de presentadores o influencers, a concursantes de otros talents o incluso realities), otros quizás sigan viviendo de algo relacionado con la música pero de forma más anónima… y otros acabarán trabajando en cualquier otro empleo.
En la Academia, donde los concursantes se reunían con los A&R y productores, se palpaba el poco interés de más de uno en ellos: sacar algo rapidito para cumplir parecía ser más el objetivo, y esos videoclips llamados “lyric video” suenan también a cuestión de presupuesto en el contrato. Entendiendo que los singles se han hecho en condiciones como éstas, y que no estamos hablando de 18 artistas con décadas de experiencia, a la hora de hacer un ranking hemos decidido ordenar solo al Top 10, aunque hagamos un comentario general de quienes se han quedado fuera.
Es ahí donde hay que irse para encontrar el single de la ganadora, porque ‘ENLOKIÁ’ no es una canción que haga justicia a lo que hemos visto de Naiara en esta edición. Por supuesto que estuvo genial haciendo ‘DESPECHÁ’ de Rosalía con ese final makinero del remix, y el guiño del título podría estar bien, pero esto es mucho más que un guiño. ‘ENLOKIÁ’ demuestra que, pese a lo que opinan quienes infravaloran el olfato de Rosalía, no es nada fácil crear canciones como ‘DESPECHÁ’. No se comprende cómo no le han dado más herramientas ni a ella ni a Ruslana con ‘Las chicas malas desafinan’: dos de las personas con más talento de esta edición tienen dos singles en el que éste se desaprovecha (y con vídeos así de cutres). Prácticamente todo el concurso de Ruslana ha sido estupendo (solo por su interpretación de ‘I Put a Spell on You’ ya merecía estar en la final), así que ese guiño a las últimas semanas en la letra no sé si es buena idea. Hay guiños, de hecho, en varios singles, y todos se sienten un poco forzados, más propios de un single de participante de ‘Drag Race’.
Decepcionante ha sido también el caso de ‘mala costumbre‘: Chiara Oliver tiene ojo para la composición, pero este tema desde luego no es un buen ejemplo. Fuera del top 10 encontramos también ‘El modo’ de Álex Márquez y ‘Más perdido que de viaje’ de Edu Izaña, dos temas que se habrían visto beneficiados de darles más vueltas, como les pasa a ‘LA MIRÁ’ de SALMA y ‘Lo que no ves de mí’ de Juanjo Bona, que resultan igualmente genéricos. En el caso de estos últimos, hay una similitud fuera del sonido: ambos tienen voces privilegiadas -como muestran sus pasos por distintos talents- pero eso no es suficiente para conseguir una buena canción.
10. ‘404’ de DENNA & ‘Tengo que parar’ de Omar Samba
Dos nombres por los que poca gente apostaba comparten puesto cuando entramos al Top 10. Las canciones de DENNA y de Omar Samba comparten además tener pocas pretensiones, y muy claros sus referentes, pero lo cierto es que son efectivas.
9. ‘KOMBOLEWA’ de Suzete
Igual que se habla de la “maldición del ganador”, también hay quien dice que ser la primera expulsada puede ser una especie de amuleto, como les sucedió a Lola Índigo, Nena Daconte o La Cruz. No sabemos qué ocurrirá con Suzete, pero su primer single, producido por KICKBOMBO, sí ha quedado en este top por encima de finalistas o incluso la ganadora. Sin ser nada del otro mundo, nos hace estar atentos a lo siguiente que haga.
8. ‘Corazones rotos’ de Lucas Curotto
Pese a que a algunos nos resultó uno de los nombres a tener en cuenta en la Gala 0, el jurado y el público no compartían a priori la pasión por Lucas. Pero su personalidad y su curro le fueron llevando hasta la final, y actuaciones como la de ‘One Way or Another’ o ‘Eye of the Tiger‘ nos dejaban claro que el rock le sentaba de maravilla. En cambio, ‘Corazones rotos’ apuesta por un registro bastante más soft, que destaca en versos como “me voy donde me lleve el alcohol / ya no tengo tus labios para curarme”; pero se habría beneficiado de algún giro en la producción para sacar más partido a lo que puede ofrecer Lucas.
7. ‘Mis Nenas’ de Álvaro Mayo
Un claro ejemplo de cómo el carisma de un artista y el cariño por su canción pueden levantarla. En la producción de ‘Mis Nenas’ hay buenos momentos, pero en general parece que se acumulan ideas sin apostar por ninguna en concreto. Lo bueno es que el replay value viene de lo bien que defiende Álvaro ese registro melancólico cercano al sad banger, y de cómo algo que en otro artista podría ser cringe, como el momento “ahora rapeo nombres de divas”, aquí es un acierto total. Eso significa que Álvaro va a darnos más adelante el temazo que esperamos de él. ¿Quizás lo adelante durante su actuación en el Brava?
6. ‘Remedio’ de CrisB
La portada de ‘Remedio’, obra de Stephen Please, es un ejemplo de algo que en general ocurre con todos estos singles: su artwork no tiene nada que ver con los de las ediciones anteriores (y no digamos ya la etapa Vale Music), y ayuda a “volver a presentar” a Cris, quien, pese a su prodigioso dominio vocal, pasó bastante desapercibido por el programa. Esto podría cambiar porque escuchando ‘Remedio’ (producida por Fresquito y Mango) ves que canciones así le sientan a su voz como un guante… y no son precisamente canciones de nicho. Puede irle bien a poco que saque temas así, pero algo más diferenciados de los referentes elegidos para crearlos, que es la principal pega de todos estos singles: esto es casi una IA mezclando ‘Tiroteo‘ con temazos de Rauw Alejandro.
5. ‘La Ventana Abierta’ de Lina de Sol
Lo de esta canción en este puesto es especialmente curioso por dos motivos. Por un lado, Lina de Sol fue una de las eliminadas en la Gala 0. Pero, además, la producción viene de Gèrard Rodríguez, concursante de OT 2020. Gèrard fue uno de los mejores concursantes (el mejor si atendemos solo a los hombres) de esa edición maldita, pero lleva sin sacar canciones desde 2022. Esperemos que tanto su suerte como la de Lina cambien un poco ahora, porque esto desde luego tiene mérito: con el 1% de promoción (y, suponemos, presupuesto) de sus compañeros, se las apañan para sacar un tema tan digno como ‘La Ventana Abierta’, compuesto en su totalidad por Lina. Nos vienen nombres de otras ediciones como Marilia Monzón (OT 2018).
4. ‘rompeolas’ de Martin Urrutia
El videoclip (perdón, lyric video) de ‘rompeolas’, con dirección de Joaquín Reixa dentro de omglobal -responsables de varios de esta edición y de otros para Rayden o Crystal Fighters-, es quizás el más espectacular de todos, y lo cierto es que va muy bien con las vibes de una canción producida por D3llano que resalta al mejor Martin, el que se ganó su pase directo defendiendo tan bien ‘Somewhere Only We Know’ en la Gala 0. No sabemos si tirará definitivamente por la interpretación o alternará con la música, pero ‘rompeolas’ es una buena idea para llamar la atención de aquellos a quienes no les convenciese el paso de Martin por el programa. Resta puntos, eso sí, tener tan encima nombres como Sen Senra o Guitarricadelafuente, y la duración y estructura, casi de interludio, algo que también comparte con nuestro siguiente puesto…
3. ‘el x venir’ de Violeta Hódar
Como venimos diciendo en muchos de estos primeros singles, ‘el x venir’ (con producción de Sr. Chen) intenta presentar a su artista dejando la canción muy pegada, demasiado, a los referentes para su creación. En este caso, podemos ver a María José Llergo y Judeline sobrevolando a Violeta, que, no obstante, sabe salir bien parada de esto. Sin la presión de tener que “presentarse”, podría sacar grandes canciones ayudada por su voz, su gusto musical y su interpretación. Esto último fue lo que falló en la mayor parte del programa, pero, cuando estuvo presente, como en ‘Crazy’ y ‘Blue Lights‘, nos hizo callarnos y mirar embobados a la pantalla.
2. ‘Sigo Aquí’ de Bea Fernández
Poseedora de la mejor voz de OT 2023, tanto en potencia como en garra (su versión de ‘Se Acabó’ es una prueba), que Bea Fernández no acabase en la final sería un misterio si no estuviésemos ya escarmentados con las ediciones anteriores (sin ir más lejos, Gèrard, a quien acabamos de mencionar). Por suerte, ‘Sigo Aquí’ es una buena carta de presentación para quienes se pudieran haber “olvidado” de ella, y para quienes no hayan visto el programa. Los guiños al propio paso por el programa en otros singles no terminan de funcionar por estar demasiado reciente, pero que el guiño sea a tu yo de 8 años es bien distinto, sobre todo cuando sabes darle la emoción que requiere algo así. Producida por d3llano y escrita por la propia Bea junto a Samuraï, D3llano y Delgao, ‘Sigo aquí’ podría ser el mejor single de esta edición de no ser por…
1. ‘DÓNDE’ de Paul Thin
No me voy a repetir sobre por qué considero que Paul Thin ha sido lo más interesante de esta edición, y quizás lo más interesante que ha pasado en ‘OT’ desde Amaia y Natalia Lacunza, porque ya lo expliqué en este artículo. Pero ojo, porque el granadino afronta ahora un proceso bastante complicado: estar a la altura en canciones propias de las expectativas que nos hemos creado viéndole interpretar las de otros artistas. Con una mezcla de ambición y olfato que recuerda a la de Lola Indigo, si Paul mantiene la cabeza fría y solo se flipa cuando deba hacerlo, le puede ir muy bien. De momento, ha sabido jugar bien sus cartas en la promoción de ‘DÓNDE’ y los easter eggs (como buen swiftie), y ha llevado la performance al videoclip (perdón, lyric video) y a la presentación del single en directo, añadiendo un mashup de sus temas pre-OT, y sin que se lo lleve por delante el entusiasmo ante algo bastante heavy: estar cantando los temas que sacaste cuando no eras nadie en el puto Wizink Center.
Hablábamos al principio de las reuniones con los AR y productores; en el caso de Paul, le insistían en que no había que darle tantas vueltas. Viendo el resultado, imaginamos que les tiene que haber desquiciado en el proceso: ‘DÓNDE’ tiene sus defectos, pero cuenta con la mejor producción que hemos visto en un primer single de ‘Operación Triunfo’, obra del propio Thin (que ya se atrevió a tocar -y mejorar- la sesión de Milo con Bizarrap) junto a Fresquito y Mango. No hay cosas metidas al tuntún, sino una estructura que funciona, y ése es su principal acierto: lejos de querer ser mil cosas para vender rápidamente al artista -y echarle la culpa si no funciona-, ‘DÓNDE’ tiene claro que es solo el primer paso de una carrera que, adivinamos, va a ser un gustazo ir siguiendo. Y además nos ha regalado un meme con el dedón de ‘Paquita Salas’, ¿cómo nos vamos a quejar?
Taylor Swift acaba de publicar nuevo disco, ‘The Tortured Poets Department‘, en una versión original y en otra expandida llamada ‘The Anthology’ que se alarga hasta las 31 pistas. El disco está volviendo a batir récords y sus cifras iniciales apuntan a los dos millones de «copias» vendidas en su primera semana de lanzamiento. Taylor está que lo tira.
Excepto porque, esta vez, no parece tener a la crítica tanto de su lado como antes. Las primeras reseñas de ‘The Tortured Poets Department’ han sido enormemente positivas y han planteado que el disco es un «clásico instantáneo» y una nueva «obra maestra» de Swift.
Después, el resto de medios ha ido empujando la opinión hacia el otro lado: NME ha dicho que ‘The Tortured Poets Department’ es un «raro traspiés» en su discografía; Pitchfork ha puntuado el álbum con un 6,6 y ‘The Anthology’ con un 6; Rolling Stone ha publicado una columna que desdice la crítica inicial; Stereogum lo ha valorado regular señalando que el «mito» de Taylor se está empezando a comer las «canciones»; The Needle Drop -el canal de Youtube de Anthony Fantano- ha publicado una reseña abiertamente negativa donde particularmente se ceba con la calidad de las letras.
En este escenario, Taylor Swift ha sorprendido al mundo compartiendo algunas críticas positivas de ‘The Tortured Poets Department’ en X. Y no ha olvidado citar a los autores de los textos. Swift ha retuiteado críticas de periódicos especializados en ofrecer información musical, como Billboard, también de otros que abarcan cultura en general, como Variety, o incluso de medios generalistas como The Times o The Independent que también han aplaudido el álbum. Hay quien sospecha que Swift ha compartido la crítica de Rolling Stone porque su autor, Rob Sheffield, y ella, son colegas, pero el periodista que ha firmado el texto de UPROXX ha declarado que el reconocimiento de Swift le ha «pillado por sorpresa». No se lo esperaba. Él ni siquiera tiene un «tick» azul en su perfil.
El motivo de Taylor Swift para compartir críticas positivas de su disco parece evidente: la cantante está intentando contrarrestar el aluvión de opiniones negativas sobre ‘The Tortured Poets Department’ que se han ido sucediendo en los últimos días. No parece casualidad que sus retuits coincidieran con la publicación de la reseña de Pitchfork, el medio musical especializado más influyente del mundo incluso a día de hoy, después del drama de hace unos meses. Ella no se contenta con tener al público mainstream de su parte, también quiere que el público indie la apoye.
Por un lado, resulta curioso que Swift busque -o eso parece- la aprobación de la prensa hacia un disco que se espera alcance los dos millones de unidades. Si alguien no depende de una crítica musical para ayudarle a vender una copia, es Taylor Swift. Desde otro punto de vista, es la propia Swift quien está validando la crítica musical compartiendo algunos de los textos que comentan positivamente su obra. Hay quien se preguntará si sería más honesto compartir también las reseñas negativas, ¿pero quién haría tal cosa? Y además, quizá Swift es consciente de que la fuerza «swiftie» se puede llevar a más de un periodista por delante.
Mucho se ha hablado del valor de la crítica musical después de la polémica de los despidos masivos de Pitchfork de hace unos meses. Algunos artistas han sido especialmente críticos con la crítica -valga la redundancia- cuestionando su valor. Últimamente, Charli XCX ha planteado dudas sobre la «necesidad» de que la crítica musical exista en absoluto, a raíz de un cambio de opinión de la periodista Laura Snapes acerca de su EP de 2017, ‘Vroom Vroom‘. Snapes decía «arrepentirse» de suspender el EP en Pitchfork asegurando que la perspectiva del tiempo le ha ayudado a entender la propuesta. «Las críticas son una tontería, en mi opinión», escribía Charli. «Si los movimientos en la cultura y la opinión popular son las dos cosas que hacen que un periodista haga retrospectiva y revalúe su opinión, ¿qué sentido tiene escribir críticas en primer lugar?»
Otros artistas han expresado opiniones parecidas a las de Charli en el pasado. Para Halsey y Ariana Grande los periodistas musicales solo son blogueros que siguen viviendo con sus padres. Lizzo ha planteado que una persona que no sabe tocar un instrumento no debería poder firmar una reseña musical. Charli ha llevado una camiseta con la frase «nadie le hace estatuas a los críticos». Todas ellas han validado inadvertidamente -o no- la función de la crítica musical poniéndola en su foco de atención. No se levantan estatuas de críticos, pero sí se llevan camisetas. Quiero pensar que estos artistas saben perfectamente que, al «picarse» con la prensa musical, le están dando un valor.
A Taylor Swift le interesa la crítica musical porque esta la ha ayudado a desarrollarse como artista. En 2015 declaró a la revista GQ que una crítica sobre la falta de cohesión en ‘Red’ la llevó a desarrollar ‘1989’ como un álbum completamente cohesivo. Cuando su discográfica intentó meter violines en ‘Shake It Off’ para acercarla a un público más clásico, se negó: «No lo vais a hacer. Vamos a elegir solo un camino». Explicó: «Leí una crítica sobre ‘Red’ que decía que no tenía coherencia musical, así que es lo que busqué con ‘1989’. Un paraguas que abarcase todas las canciones para que todas perteneciesen al mismo disco». Preguntada sobre el momento en que perdió el Grammy a Álbum del Año por ‘Red’, contra ‘Random Access Memories’ de Daft Punk, bromeó, en referencia a Kanye West: «Puedes subirte ahí y quitarle el micro al que ha ganado, o puedes pensar que quizá tengan razón, y no has hecho el disco de tu vida, porque no has hecho discos realmente cohesivos».
Así que estaría bien que Taylor respondiera a la pregunta planteada por Charli XCX más arriba. Como no está concediendo entrevistas toca volver a recordar que la crítica musical es un género del periodismo -no de la academia musical- que cumple con las funciones de informar y entretener, que no existe para hacer favores a los artistas, que ningún periodista debe una crítica positiva a un músico, y que, del otro lado, es el público que lee la prensa musical el que también le otorga un valor confiando en su criterio y en el añadido que aporta a sus vidas. Porque los lectores también quieren leer sus propias opiniones reflejadas en un texto bien escrito y argumentado. O, desde otro punto de vista, enfrentarse a reseñas que desafían su propio criterio y opinión y les hace replantearse cosas. Cambiar de opinión es sano, y más sano es aceptar que estos cambios se dan.
Si por mí fuera, respondería a Charlotte Aitchinson poniendo de ejemplo a Ed Sheeran, otro artista mainstream que ha cuestionado la valía de la crítica musical. Otro artista al que, por tanto, la crítica le importa aunque haga ver lo contrario. Si el mainstream dice que la música de Sheeran es la mejor que el pop puede ofrecer porque sus discos venden millones y millones de copias, mientras Sheeran se hace de oro firmando algunas de las rimas más sonrojantes que has leído en tu vida, estoy convencido de que, como mínimo, un periodista puede disputar esa tendencia y firmar una opinión contraria. Como mínimo, está en su derecho de demostrar que existe una opinión alternativa, igual de válida. ¿Se supone que nos tenemos que tragar que ‘Justice‘ de Justin Bieber es un buen disco porque ha vendido una millonada, y no podemos decir lo contrario? Del otro lado es normalmente la prensa musical la que expone a muchos artistas del underground a un público mayor, cumpliendo con la función de un medio de comunicación.
Y aun así la valoración de ‘Justice’ -Dios me libre, la verdad- o de los discos de Ed Sheeran, Ariana o Charli están sujetas a los cambios de tendencias o a los de los propios gustos subjetivos, porque por naturaleza las opiniones personales no son inamovibles ni invariables. Todo lo contrario. Ni exclusivas de Pitchfork, por cierto: Charli ha pasado por alto que las críticas de ‘Vroom Vroom’ fueron positivas -que no espectaculares- en general. De la variedad y diversidad de valoraciones que produce una obra, musical, cinematográfica, literaria o del género que sea, debe ser posible extraer una opinión «general» que tienda hacia un lado o hacia el otro. Es esta tendencia, y no el arrepentimiento de Laura Snapes, la que explica que el consenso en torno a ‘Vroom Vroom’ siga siendo positivo tantos años después. Que Snapes suspendiera el disco no invalida el resto de críticas que lo aplaudieron. En retrospectiva, Snapes ha entendido que estaba equivocada. Y, aun así, su opinión negativa inicial sería siendo válida si este arrepentimiento no se hubiera dado y ella siguiera suscribiendo esa opinión.
No hace falta recordar que también discos que hoy consideramos clásicos, como ‘Abbey Road‘ de los Beatles, afrontaron en un primer momento críticas variadas y desiguales, sujetas por supuesto a la opinión subjetiva de cada autor. ¡Si hasta las obras de Shakespeare recibían críticas negativas en su momento! Pero, como contestaba un usuario X a Charli: «Todos los que se regodean en el «mea culpa» de Laura Snapes sobre Charli no están teniendo en cuenta que el sentido último de la crítica es que inicia una conversación en la que (quien firma la crítica) se abre a la posibilidad de estar equivocado». En el futuro entenderemos si ‘The Tortured Poets Department’ merecía tantos palos o, al contrario, vender tantas copias. Como suele pasar, seguramente la «verdad» entre un 0 y un 10, se encuentre en medio.
Si querías ver a Future Islands en Madrid el próximo 12 de mayo, ya es demasiado tarde. Los estadounidenses acaban de hacer sold out en el concierto que tenían programado para entonces en La Riviera. Sin embargo, todavía siguen quedando entradas para su show en Barcelona justo el día siguiente, el 13 de mayo. El grupo tocará en la Sala Razzmatazz 1.
La gira de Future Islands los está llevando a promocionar su disco ‘People Who Aren’t There Anymore’, que salió el pasado 26 de enero. Sin embargo, no lo están haciendo solos. El grupo está acompañado por la maltesa Joon, que está siendo la telonera de sus conciertos. Previamente a los días de lanzamiento del disco, Future Islands ofreció una entrevista a JENESAISPOP para hablar sobre su proceso de creación y la situación actual de Estados Unidos.
Tras el lanzamiento de ‘The Tortured Poets Department’, tan solo faltan por salir dos discos para poner la guinda del pastel a una primera mitad del año cargada de publicaciones. Uno de ellos es el de Dua Lipa, ‘Radical Optimism’, que llega el 3 de mayo, y otro es el de Billie Eilish, ‘Hit Me Hard and Soft’, que llega el 17. Ha sido esta última, siendo portada del mes de Rolling Stone, la que ha desvelado más detalles acerca del que supondrá el tercer trabajo de su discografía.
Aunque Eilish todavía no ha desvelado cuál será la canción que mande a las radios el mismo día que se publique el álbum (puesto que no habrá ningún single previo), todo apunta a que el tema escogido es ‘Lunch’. Aparte de que aprovechó una de las fiestas del Coachella para enseñar un (no tan) breve fragmento, es del que más ha hablado en su entrevista con Rolling Stone. Siendo descrito por la revista como «un giro de 180 grados tanto en sonido como en contenido temático» con respecto a su aclamada ‘What Was I Made For?’, «es una canción sexy con muchos bajos en el que Eilish está tan fuertemente enamorada de una chica que compara tener sexo con ella con devorar una comida».
Finneas, con quien vuelve a colaborar la artista para este nuevo disco, ha comentado que ‘Skinny’, el tema de apertura de ‘Hit Me Hard and Soft’, puede recordar a ‘What Was I Made For?’ en lo que sería una premisa completamente falsa de lo que nos dará el resto del álbum. Lo realmente interesante aparece en ‘Lunch’, con mucha batería y presentando un sonido diferente de la cantante.
«Escribí parte de ‘Lunch’ antes incluso de hacer nada con una chica, y ya escribí el resto después. Me llevan gustando las chicas toda la vida, pero no lo entendía, hasta que el año pasado me di cuenta de que quería tener mi cara en una vagina. Nunca había pensado hablar de mi sexualidad, ni en un millón de años. Es realmente frustrante para mí que haya surgido», reconoce Billie Eilish sobre su sexualidad.
La artista también ha hablado de masturbación con tal de romper algunos «tabúes para las mujeres»: «La gente debería masturbarse, joder. No puedo enfatizarlo lo suficiente, como alguien que ha tenido problemas corporales extremos y dismorfia toda su vida». A la cantante le gusta masturbarse delante del espejo porque le «pone cachonda», pero también porque le hace «sentir una conexión cruda y profunda» consigo misma, además de «un amor» por su cuerpo que «nunca antes había sentido».
«Tengo que reconocer que mirarse al espejo y pensar ‘me veo genial ahora mismo’ es bastante útil. He aprendido que mirarme a mí misma y verme sentir placer ha sido una ayuda extrema para quererme y aceptarme, y sentirme empoderada y cómoda. Puedes crear una situación en la que te encuentres cómodo para asegurarte de que te ves bien y te gustas. Puedes hacer que la luz sea muy tenue, puedes llevar una ropa específica o estar en una posición específica que sea más favorecedora», añade. ‘Hit Me Hard and Soft’ saldrá a la venta el próximo 17 de mayo y será la continuación de ‘Happier Than Ever’.
I Hate Models es el alias del productor francés Guillaume Labadie, quien publica sus producciones enfocadas en el tecno desde 2016. Desde entonces se han sucedido tres álbumes de estudio de I Hate Models y multitud de singles que acumulan escuchas millonarias.
Es el caso de la colosal ‘Two Steps from Heaven’, nueve minutos de tecno duro que podría durar el doble. Es el caso, también, de la atmosférica ‘Daydream’. Publicada en el primer EP de I Hate Models, ‘Warehouse Memories’, suena a eso mismo, industrial y onírica al mismo tiempo.
Las producciones de I Hate Models, oscuras y fieras, han querido nutrirse de diferentes estilos con los años, como el EBM, el trance o el coldwave. Labadie reivindica un tecno primigenio, industrial, no comercializado, un sonido presente en ‘Werewolf Disco Club’, que incluye un recitado -susurrado- en francés a lo Vincent Price, o en la apabullante ‘Sorrows of the Moon’.
Tan excitante es el sonido de I Hate Models que El Columpio Asesino ha contado con él para uno de los remixes oficiales de ‘Toro’: no el que se viralizó, sino el que -en realidad- lleva más escuchas en Spotify, hasta 15 millones. No le saca tantas escuchas a la versión de ‘Toro’ original.
I Hate Models es uno de los próximos invitados a la fiesta Human de Razzmatazz. El martes 30 de abril estará ofreciendo un set junto con Drazzit, a partir de medianoche. Las entradas siguen disponibles en la web de la sala, a un precio de 28 euros el cuarto tramo, y 30 euros el tramo final.
‘Like I Used To‘ no es solo el nombre del temazo de Sharon Van Etten y Angel Olsen, también es el disco por el que conocimos a Lucy Rose hace una década. Después del más flojillo ‘Work it Out’ vendrían su salida de Sony, su gira autogestionada por Latinoamérica y la publicación dentro del sello independiente Communion de dos discos (‘Something’s Changing’ y ‘No Words Left’) justo antes de la pandemia y del suceso doble que cambiaría su vida por completo: su embarazo, sí, pero también la enfermedad rara que le acompaña desde entonces. Una forma de osteoporosis inducida por embarazo de la que hay pocos casos descritos pero que, desde luego, existe.
Poco después de dar a luz, a Rose empezó a dolerle muchísimo la espalda. Cuando iba al médico, le decían que era psicosomático y, cuando sugirió hacerse una resonancia, le dijeron que se calmase un poco. Meses después de un dolor intenso que no se iba (“me daba vergüenza no poder coger a mi hijo en brazos cuando lloraba, pero es que ni siquiera podía escupir la pasta de dientes”, cuenta) y harta de que, cuando comentaba que su fisio le sugería que podía haber una vértebra rota, rechazaran esa posibilidad sin hacer pruebas y trataran sus dolencias como una actitud histérica de madre primeriza, se acabó dejando el dinero en una resonancia pedida por ella misma… que reveló que tenía ocho vértebras rotas. A partir de ahí, la cantante afrontó una larga rehabilitación, se puso en contacto con asociaciones de personas afectadas por la misma patología, y, claro, no pudo sentarse al piano para escribir durante mucho tiempo. Muchas veces, de hecho, no podía levantarse de la cama.
Lucy ha insistido en la ayuda que recibió del rapero Logic, de Paul Weller y de Kwes. para retomar su carrera artística cuando empezó a sentirse mejor. Por limitaciones de presupuesto, solo hubo dos días de grabación en el estudio y, aún así, Lucy Rose se las ha apañado para dar a luz (jé) al que probablemente sea el mejor disco de su carrera. Lleno de referencias a todo este proceso que hemos comentado, hay algo curioso en ‘This Ain’t the Way You Go Out’. Pese a que su predecesor (‘No Words Left’) ya trataba su maltrecho estado mental previo a esta enfermedad, en esta ocasión hay un marcado carácter luminoso en el sonido, e incluso, a veces, en las letras.
“I blame myself for being so weak / but this brave body is still carrying me”, canta en el corte titular. En ‘Could You Help Me’, sobre su experiencia con los médicos, canta: “Could you help me? Well, I’m fighting my way through each day / Could you see me? Could you fit me in your busy day? / Seems like no one believes my mind”. ‘Whatever You Want’ es bastante clara respecto a la relación entre su enfermedad y su embarazo (“A miracle, a disaster, all in one foul swoop”); ‘Life’s Too Short’ y ‘No More’ tratan sobre el aislamiento y la decepción con algunas amistades que puede conllevar una enfermedad, y en ‘The Racket’ tira para adelante cantando “You can’t break me down, I won’t let you bring me down / take a deep breath / cause I’m still picking up the racket / and hit the ball”. Precisamente esta canción, encargada de cerrar el disco, es uno de los mejores ejemplos de lo que significa este disco en el sonido de Lucy Rose: empieza como una canción de Norah Jones y acaba como una de St. Vincent.
El piano es más protagonista que nunca en este disco, pero la unión entre Lucy y el productor Kwes. (a quien, aparte de por su carrera en solitario, se le conoce por su trabajo para Kelela, The xx o Solange) consigue que nunca se haga monótono: hay a lo largo del tracklist toques psicodélicos (como en ‘Whatever You Want’) o distorsión de guitarras (‘Could You Help Me’), ‘No More’ recuerda -salvando las distancias- a ‘Teardrop’ de Massive Attack, los arreglos de piano de ‘Dusty Frames’ son una preciosidad y, si te pones, incluso la percusión de ‘Sail Away’ está a un remix de ser jungle. Es para estar orgullosa del resultado, pero Lucy explica que, aunque lo está, todo el rato tenía una voz diciéndole que ya no era relevante, que nadie iba a querer escuchar el disco, y las frases de algunos amigos tipo “qué campeona, ¡vas a intentarlo pese a todo!”, en vez de ayudarle, le hacían sentir patética, como cuando le intentaban consolar diciendo que quizás tenía que pasar por esto para sacar arte de ahí: “¡Cómo me dolía oírlo! Por mucho que ame la música, te aseguro que si pudiese volver atrás y no pasar por todo esto, lo preferiría un millón de veces”.
Lucy también había asumido que no podría volver a ser madre. De hecho, estuvo a punto de tener confirmación absoluta: los medicamentos que le dieron para el dolor tenían ese efecto secundario y, de no ser por la información que le dieron en las asociaciones, y que le hicieron preguntar por una pastilla alternativa, ahora sería estéril. Afortunadamente, sus expectativas de hace un par de años no son las actuales: ha anunciado que está embarazada de su segundo hijo, ha sacado el mejor disco de su carrera, y está a punto de volver a dar conciertos cuando hace poco no podía ni levantarse de la cama. Como dice en una de las canciones de este disco, “it ain’t over till we say it’s over”.
Sofia Coll ha dado el salto a la primera línea este año gracias a su participación en la tercera edición de Benidorm Fest. ‘Here to Stay’ superaba la primera semifinal y pasaba a la final del 1 de febrero, donde quedaba en sexta posición.
‘Here to Stay’ lograba llegar a la final de Benidorm Fest con un sonido bailable y electrónico y una letra cantada en castellano, catalán e inglés, además de una llamativa puesta en escena. ‘Here to Stay’ era la apuesta de Sofia por convertirse en una diva pop.
Una apuesta que continúa en su nuevo single. ‘Q NO’ es el primer lanzamiento de Sofia Coll después de Benidorm Fest y sigue la senda sonora del anterior. Es una producción decididamente dance con ecos de trance que suena 100% diseñada para la pista de baile. Es la Canción Del Día de hoy.
‘Q NO’ habla de un amor fortuito («jugamos a vernos de escondidas como dos niños enamorados») al que Sofia Coll responde «que no». La producción de allnightproducer busca la catarsis, primero, a través de un melódico puente y, después, a través de un segmento instrumental que tira samples vocales en el estilo de ‘Break My Soul‘ de Beyoncé.
El sonido de ‘Q NO’ es parecido al de ‘Dreamer‘, el disco rompepistas de Soraya de 2010. Por cierto, Soraya dará los 12 puntos de España en la próxima edición del festival de Eurovisión.
Megan Thee Stallion ha negado la acusación de un operador de cámara que ha denunciado a la artista por acoso sexual y abusos. Megan -en nombre de su abogado- asegura que la demanda del cámara responde a un «reclamo laboral de dinero» y que no incluye una «demanda por acoso sexual» real, solo «acusaciones obscenas que intentan humillarla».
El operador de cámara, Emilio Garcia, trabajó con la rapera desde 2018 hasta 2023. Garcia asegura que Megan Thee Stallion le sometió durante su periodo laboral con la artista a un ambiente laboral hostil en el que hubo de enfrentar un «aluvión de comentarios degradantes y gordofóbicos» que le «hundieron en una profunda angustia emocional».
En concreto, Garcia describe un incidente ocurrido en Ibiza, en junio de 2022, en que supuestamente acabó encerrado dentro de un coche con Megan Thee Stallion y otras tres mujeres. Garcia asegura que Megan empezó a mantener sexo con una de las mujeres mientras él no podía abandonar el automóvil, y que esta le expresó: «ni se te ocurra hablar de lo que has visto».
García dice que después del viaje a Ibiza su estructura salarial cambió de repente y que empezó a recibir menos encargos de Megan hasta que en 2023 fue finalmente despedido. Garcia acusa a la artista de dejarle «sin cobertura de seguro básica» y de privarle de «atención médica esencial» y pide una compensación económica de seis cifras en concepto de impagos, intereses, horas extra impagos y otros beneficios.
Megan Thee Stallion ha logrado recientemente un single número 1 en Estados Unidos con ‘HISS‘, su «diss track» dirigido a Nicki Minaj, entre otros.
«And there’s no remedy for memory
Your face is like a melody
It won’t leave my head»
—Lana Del Rey, ‘Dark Paradise’ (2012)
Lana Del Rey acaba de darse uno de los mayores baños de masas de su carrera ofreciendo en Coachella dos icónicos shows que, conocidos ya por el nombre de Lanachella, sus fans seguirán recordando en el futuro. Su propio Beychella, pero hecho a medida, y organizado a última hora por ella y su equipo después de que su tour mánager de 15 años les dejara plantados.
Los dos shows de Lana Del Rey en Coachella han estado nutridos de éxitos, ha incluido pocas concesiones a su último disco, y han contado con las apariciones sorpresa de Billie Eilish en el primer fin de semana, y de Camila Cabello en el segundo.
Pero es digno de mención otro «invitado» sorpresa al show. Si Lana aparecía en Coachella subida a una moto mientras sonaba de fondo una canción de Neil Young, ‘My My, Hey Hey (Out of the Blue)’, la artista se despedía, de nuevo subida a la moto, con ‘It’s a Burning Memory’ de The Caretaker. Y de repente la unión entre estos dos artistas se hacía posible. The Caretaker fue una de las primeras personas que compartieron en Twitter-ahora-X el vídeo afirmando que no había estado en su «bingo card» de 2024 que Lana cerrase su concierto en Coachella con una canción de él. Tampoco en la nuestra.
The Caretaker es el proyecto de música experimental del compositor británico Leyland Kirby. Concebido como un homenaje a ‘El resplandor’ (1980) de Stanley Kubrick (basada en la novela de Stephen King), The Caretaker ha construido su propio universo sampleando canciones viejas de los años 20 y 30. Kirby las ralentiza y altera de manera que suenan tocadas por fantasmas. Es la música que supuestamente sonaría, sin parar, durante toda la eternidad, en el salón de baile del Hotel Overlook. Sin ir más lejos, ‘It’s a Burning Memory’ se basa en una canción de Sid Phillips & His Melodians y Al Bowlly, ‘Heartaches’. Al Bowlly es intérprete de la famosa canción que todos vinculamos a ‘El resplandor’, ‘Midnights, the Stars and You’.
Hasta ahora la conexión de Lana Del Rey con Stanley Kubrick empezaba en ‘Lolita’ y acababa en el título de su segundo disco, ‘Ultraviolence‘ (2014), sacado de la novela de Anthony Burgess ‘La naranja mecánica’ (1962), adaptada después, en 1971, por Kubrick a la gran pantalla. Pero el uso de la música de The Caretaker en un concierto de Lana Del Rey también tiene mucho sentido.
Que Lana Del Rey ha planteado su show en Coachella como un retorno de la Lana que enamoró al mundo en 2012 es evidente en el momento en que ha decidido llegar al concierto subida en una moto, melena al viento. Los ecos al videoclip de ‘Ride‘ saltan a la vista. Pero también su estilismo -vestidos y peluquería- ha realzado la elegancia clásica de esa Lana Del Rey que en ‘Born to Die‘ aún no había abrazado la «normalidad» de un pantalón tejano. El glamour decadente de Lana es lo primero que conocimos de ella en los videoclips de ‘Born to Die’ y ‘Blue Jeans’ y eso es exactamente lo que ha ofrecido The Caretaker en su discografía desde los noventa hasta hoy. Pero no solo eso.
A Lana Del Rey y The Caretaker les une sobre todo una cosa: su fascinación por la nostalgia. En los primeros años de carrera de Grant las referencias al Hollywood dorado eran indisociables de su figura. Incluso encarnó a Jacqueline Kennedy en el videoclip de ‘National Anthem’. Después, Lana siguió enriqueciendo su nostálgico discurso reivindicando la poesía Beat, la cultura hippy o, en ‘Honeymoon’, de nuevo, el glamour de los años 40 y 50. Una «nostalgia vintage» que Lana ha seguido abrazando hasta nuestros días.
Por su parte, la música de The Caretaker es nostálgica de partida al basarse en canciones publicadas durante los años 20, 30 y 40. Especialmente su disco de 2011 ‘An Empty Bliss Beyond this World’ ha llevado ese concepto a lugares sublimes en composiciones que, como las escalofriantes ‘Libets delay’ o ‘Camaraderie at arms length’, te hacen creer que el más allá existe y que es el lugar más feliz del mundo. Pero Kirby ha extendido su exploración de la nostalgia al extremo hasta el punto de basar otros de sus trabajos directamente en una exploración de la demencia, concretamente del Alzheimer y del deterioro de la memoria humana que esta enfermedad provoca en el cerebro. Su último álbum, ‘Everywhere at the End of Time’, se alarga hasta las seis «fases» cada una ofreciendo una versión más desgastada que la anterior.
Esa «decadencia» de la memoria es exactamente el hilo que une a Lana Del Rey y The Caretaker. Porque, si de algo ha cantado Lana Del Rey en su carrera -entre otras cosas- es de los recuerdos, de tiempos mejores, del ‘Summertime Sadness’, del ‘Old Money’, de la juventud que se va, de la belleza que en algún momento termina, y de la manera en que esas memorias permanecen, como mínimo, un largo tiempo después, aunque finalmente desaparezcan por completo, disueltas en el viento. ¿No viene a significar lo mismo «Nothing gold can stay», que «Fleeting dreams»?
Y, ojo, si la comparación entre Lana Del Rey y The Caretaker parece peregrina, en realidad no es nueva: Tiny Mix Tapes ya los enfrentó en 2012 a raíz el vínculo de ambos con la literatura, el de Lana con ‘Lolita’ y el de The Caretaker con la obra de S.W. Sebald. Otro autor, Sebald, que ha investigado el concepto de memoria, al que Lana -no tenemos duda- debe guardar también en su librería.
