Entre los grandes regresos que deja la jornada de lanzamientos de hoy se encuentra el de girl in red. ‘I’m Doing it Again Baby!’ sale el 12 de abril, y el primer adelanto se puede escuchar desde esta noche.
En ‘Too Much’, Marie Ulven vuelve a demostrar por qué Taylor Swift se enganchó a su primer disco. El pop de los ochenta es una influencia en el sonido de ‘Too Much’, si bien pasado por el filtro del pop alternativo actual de Troye Sivan o Lorde. Todo al servicio de uno de los estribillos más inmediatos que ha escrito, en la clara Canción Del Día de hoy.
‘Too Much’ es el mensaje de girl in red a una pareja que le mina la moral. Ulven expresa su amor y solo recibe desprecios. Al final, pasa por el aro y se reprime emocionalmente para contentar a su pareja. «Me bajas el volumen, me quedo casi en silencio», canta.
El videoclip de ‘Too Much’ representa el mensaje de la letra de varias maneras. En una metafórica escena, Ulven protege a su pareja de la lluvia, y la chica no solo no comparte el paraguas, sino que se dedica a mirar el móvil, ajena al sufrimiento de la otra.
Pero girl in red finalmente se planta y, en el estribillo de ‘Too Much’, pone los puntos sobre las íes: «No digas que soy demasiado, que me paso de la raya, tú no me entiendes». Cuando Ulven canta «somos tan diferentes, tú estás en la Tierra y yo en Marte», parece tanto asumir una derrota, como comprender que se le abre un nuevo camino por delante.
Hoy 9 de febrero salen nuevos discos de Zara Larsson, Usher (a punto de actuar en el intermedio de la Super Bowl), Brittany Howard, Karmento, Declan McKenna, Chelsea Wolfe o la revelación Carlos Ares. También sale el Disco de la Semana, el de Helado Negro. Entre los epés que se editan hoy se encuentran los de Little Simz o Carmen Boza. No, el de Kanye West y Ty Dolla $ign todavía no ha salido, pero sí se puede escuchar un nuevo adelanto.
Esta semana ha sido generosa en grandes lanzamientos. Artistas como Beth Gibbons, Kacey Musgraves o Maggie Rogers han publicado los primeros adelantos de sus próximos discos. Lo mismo han hecho The Decemberists, Mount Kimbie, Iron and Wine, Les Savy Fav o Amen Dunes.
En materia de singles recomendamos las nuevas propuestas de girl in red, The Lemon Twigs o Madison Beer, no tanto el dueto de Sia y Kylie Minogue. Además, hay nuevos singles de Baiuca, Shygirl, Thomas Bangalter apelando a Dalí, Kate Nash, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba, Jennifer Lopez, Mannequin Pussy, Mahmood, Laetitia Sadier, Olof Dreijer o Denna. En JENESAISPOP hemos estrenado lo nuevo de Merina Gris.
Polònia ha emitido la que puede considerarse la primera parodia de ‘Zorra‘ de Nebulossa. Como ya hicieron en 2022 con ‘Ay mamá‘ de Rigoberta Bandini, el programa satírico catalán da una vuelta política a ‘Zorra’ involucrando no a la Casa Real, sino a tres figuras de la derecha española.
Isabel Díaz Ayuso no es ‘Zorra’ sino ‘Facha’ en la parodia de Polònia y, además, se acompaña a los coros de José María Aznar y de José Luis Martínez-Almeida. Estos aparecen en los «créditos» de ‘Facha’ como compositor y autor de los arreglos, respectivamente.
La actuación de ‘Facha’ imita fielmente la de Nebulossa en Benidorm Fest, lo que significa que verás a «Aznar» y a «Almeida» enseñando nalgas. «Si hago hospitales dicen facha, si no funcionan dicen facha, si digo con Vox sumaría, soy más facha todavía» es una de las rimas que deja la adaptación de ‘Zorra’ de Polònia, tan actualizada que incluye una referencia a las declaraciones de Ayuso sobre la sequía y la tauromaquia. Pero no os hacemos más spoilers.
Vampire Weekend tiene un nuevo álbum en camino. El grupo ya ultima los preparativos de ‘Only God Was Above Us’, el que supondrá su primer trabajo discográfico desde el lanzamiento de ‘Father of the Bride’ en 2019.
El quinto álbum de estudio de Vampire Weekend saldrá el 5 de abril y los dos primeros avances, ‘Capricorn’ y ‘Gen-X Cops’, estarán disponibles a partir del 16 de febrero. Son dos de los 10 temas que compondrán el disco.
Junto con el anuncio de ‘Only God Was Above Us’, Vampire Weekend han anunciado un concierto en el Moody Amphitheater de Austin con motivo del eclipse solar. El show tendrá lugar el lunes 8 de abril, y se rumorea que puedan adelantar alguna canción de este nuevo proyecto.
Este es el tracklist de ‘Only God Was Above Us’:
1. Ice Cream Piano
2. Classical
3. Capricorn
4. Connect
5. Prep-School Gangsters
6. The Surfer
7. Gen-X Cops
8. Mary Boone
9. Pravda
10. Hope
La Élite trae de vuelta su Apretaditos Tour y se subirá también al escenario en este 2024. De esta forma, regresará a sus orígenes y celebrará cuatro conciertos en salas de pequeño formato para 100 personas. Y mucho ojo porque lo hacen con las entradas a 1€, por lo que posiblemente ya estén agotadas cuando leas esta noticia.
El Apretaditos Tour es «un homenaje a toda la trayectoria de la banda y a los viejos amigos», además de suponer «un reconocimiento para las salas que se lo curran para sobrevivir día tras día luchando por mantener un trato cercano entre artista y público».
Pero la sorpresa que diferencia la gira de este año con la del pasado es precisamente el precio de las entradas. Con motivo del próximo single de La Élite junto a Jägermusic, ‘VIDA DE 1 EURO’, han querido tomarse al pie de la letra la canción y todas las entradas costarán 1€. Pretenden así reivindicar que todo el mundo pueda tener acceso a un concierto de la banda después de unos años repletos de baños de masas.
Como avanzábamos al principio, las entradas ya están a la venta, por lo que habrá que ser rápido para conseguirlas (si es que todavía quedan disponibles). Para lo que sí habrá que esperar unos días más será para escuchar ‘VIDA DE 1 EURO’, que sale el 21 de febrero.
Parece que no hay Benidorm Fest sin polémica. La nueva edición del certamen que elige al representante de España en Eurovisión ha dejado muchas reacciones desde su celebración la semana pasada. A las extrañas críticas que le están lloviendo a Nebulossa por su tema ‘ZORRA’, se suma ahora el sorprendente enfado de Jorge González con el jurado.
En una entrevista concedida a 20minutos.com, el cantante de ‘Caliente’ ha querido manifestar su enfado y molestia con el jurado y algunos seguidores del Benidorm Fest. Para poner en contexto la situación, Jorge González quedó en primera posición tanto en el voto demoscópico como en el televoto de su semifinal, pero el sexto puesto del jurado lo penalizó gravemente. Lo mismo sucedió en la final, donde logró la primera posición del voto demoscópico y la segunda del televoto, pero el quinto puesto del jurado lo hizo quedar en cuarto lugar.
«No me sentí del todo valorado porque hay que tener en cuenta que, con la suma del voto demoscópico y el del televoto, obtuvimos casi el 90% del total. Una puntuación que daba igual porque el jurado me dejó fuera de combate», ha confesado Jorge González. Además, señala directamente a Beatriz Luengo, la portavoz del jurado, quien «dijo que se iba a valorar el conjunto y no fue así». «Junto a mi equipo planeamos un show, un espectáculo que podía funcionar tanto aquí como en cualquier punto de Europa», asegura.
El artista, pese a afirmar que se encuentra feliz, también reconoce que siente pena porque tenía «mucha ilusión de vivir esta experiencia», así como «rabia porque de alguna manera, aun contando con mucho apoyo del público, el jurado no nos dejó seguir jugando en la final». Aun así, dice estar contento «por Nebulossa y su ‘ZORRA’ porque son estupendos», calificando el tema de «hit y supernecesario».
Asimismo, Jorge González desvela haber tenido que poner «alguna que otra denuncia por los ataques de odio y racismo tan graves» que ha recibido. «Me sorprende mucho, por ejemplo, que me hayan llamado ‘gitano maricón’ en tono despectivo y que muchas veces esas palabras hayan sido escritas por personas del mismo colectivo. No se puede entender que a estas alturas se utilice una condición sexual como ataque», comenta el participante del Benidorm Fest, certamen que le «ha dado mucho», pero del que se va con «esa espinita clavada».
El 2023 ha sido el mejor año de la carrera de Karol G. Desde el lanzamiento de ‘Mañana Será Bonito’, su victoria a Álbum del Año en los Latin Grammy o hasta los tres conciertos vendidos en el nuevo Bernabéu, ha logrado ser la mujer protagonista de la música en español. Tal es así que Billboard la ha nombrado Mujer del Año 2024 en su anual gala femenina, reconocimiento que han obtenido en el pasado artistas como SZA, Olivia Rodrigo, Billie Eilish, Ariana Grande, Selena Gomez, Madonna, Lady Gaga o Taylor Swift.
«Con su inmenso talento, Karol G ha creado un movimiento para las mujeres de todo el mundo debido a sus letras empoderadoras y su descarada confianza», ha comentado Hannah Karp, directora de Billboard. «El lanzamiento de su innovador álbum ‘Mañana Será Bonito’ ha demostrado que es una fuerza a tener en cuenta tanto en las listas de éxitos en inglés como en español. Estamos muy emocionados de honrarla como Mujer del Año».
Karol G hizo historia en el Billboard 200 al conseguir debutar con su último disco en la primera posición, siendo así la primera vez que una mujer se hace con el número 1 en la lista gracias a un álbum en español. Más tarde el éxito sería respaldado por la crítica, pues triunfó en los Latin Grammy al hacerse con el galardón a Álbum del Año, el premio más importante de la música latina. Este domingo, además, la colombiana ganó su primer Grammy tras la victoria de ‘Mañana Será Bonito’ al Mejor Álbum de Música Urbana.
Los Billboard Women in Music Awards, que honrarán a Karol G como la Mujer del Año, se celebrarán el 6 de marzo en el YouTube Theater de Los Ángeles. Otras galardonadas serán Kylie Minogue, que recibirá el Premio Icono; Maren Morris, que recibirá el Premio Visionario; Ice Spice, que recibirá el Premio Creadora de Hits; Charli XCX, que recibirá el Premio Powerhouse; o Victoria Monét, que recibirá el Premio Estrella Emergente.
Dos cosas caracterizan a un grupo del estilo de Las Odio: su querencia por el sonido garaje DIY y el retrato de la cotidianidad a través de unas letras costumbristas y directas, que no pueden andarse con circunloquio alguno, que tienen que entenderse a la primera. En eso se basa su gracia y su razón de ser, en su frescura, en el ingenio con que retraten el mundo que nos rodea. Su éxito es directamente proporcional al número de frases que nos hagan reír.
El sucesor de ‘Futuras esposas‘ (2017) y ‘Autoficción‘ (2019) es ‘Presente perfecto’. Un EP muy crítico con el mundo que nos rodea, con la necesidad de aprobación por parte de los demás. «Ya no sé si estoy viva, si no me validas», dice tristemente ‘Atrapada’, cuando parecía que iba a ser una canción de serie B de la escuela de Los Nikis.
El single principal y tema titular, sin ser la grabación más inmediata de Las Odio, sí es una de las más relevantes en el desarrollo de su carrera, en tanto que habla de sí mismas. «Yo no sé dónde estaré dentro de cinco años». «Ya sé que el futuro es incierto, pero hoy estamos juntas y tenemos concierto». «Creo que en la cuenta no tendré un duro, así que voy a hacer lo que me salga del culo».
Es esta una canción de guitarras sucias, bajos post-punk y voces electroclash, en lo que podemos considerar la norma general del grupo. La gran excepción sería ‘Expectativas’, que se basa en una tranquilidad jamaicana para hablar de aquel trabajo, aquella promesa, aquel plan que siempre nos decepciona. «Expectativas: me joden la vida las ajenas y las mías».
‘La fiesta del año’ habla también de decepciones, pero aun así funcionaría mejor -sería más divertida- sí desatara la locura. Si fuera una ídem, incluso hablando de una fiesta que es un «engaño» y a duras penas un «apaño». Por eso ‘Pesado’, el tema más uptempo, podría funcionar mejor en directo pese a que su título sea mucho menos apetecible.
La gran ganadora del EP es su mayor ocurrencia de esta era. ‘Autoexplotación’ es una crítica al modo en que parece que nos autoexigimos trabajar, tener un hobby que nos llene, salir, montar un colectivo y un fanzine, mientras pensamos ya en lo siguiente. «Mi cuerpo pide más», canta Paula Jiménez de manera absurda. «Puedo con esto y más», se reafirma en este momento de turbocapitalismo salvaje. La grabación se corona con un mensaje de WhatsApp, parodia de esa amiga que no tiene tiempo de quedar -pero sí de mandarte un audio- porque todo el mundo tiene mil mejores cosas que hacer que verse y contarse qué tal. «Un beso enorme», eso sí.
Denna, tercera expulsada de Operación Triunfo 2023, ha publicado su primer single, ‘404’. El tema está disponible desde hace días exclusivamente en Amazon Music, y lo estará en Spotify a partir de este viernes.
Denna va a por todas en ‘404’ entregando una cuidada producción de pop-house cien por cien entregada a la pista de baile. Tan cuidada, tan cuidada, que a los productores KICKBOMBO y LEX C se les va (un poco) la mano recargándola de efectos.
Pero ‘404’ funciona por dos razones. Por un lado, la melodía del pre-estribillo («hoy venimo’ a jugar») es excitante. Por otro, el estribillo («To’a’ mis shorties ‘tan puestas pa que suba») hace la vez de «drop» y cumple perfectamente su cometido. ‘404’ no anda demasiado lejos de lo que podrían firmar a día de hoy Ana Mena o Lola Indigo.
El universo choni, tan de moda, también está presente en ‘404’. En la letra, Denna y sus amigas, a las que cita por nombre, Sara, Lucía y Claudia, encarnan a las «Bratz». Y, el videoclip de ‘404’, que se estrena este viernes en Youtube, es poligonero.
Con todo, ‘404’ es, de momento, lo más parecido a un hit que ha salido de Operación Triunfo 2023. Puede que no sea «misión» de Denna sonar a la Katy B de ‘Katy on a Mission’, pero en el camino está. ‘404’ es un tema clubero y contundente y cumple con la idea que tenía la propia Denna de su propia carrera antes de salir de la Academia, dedicarse al house.
De esta manera, Denna ha seguido los pasos de Suzete, Salma y Álex Marquez. Pronto será Violeta quien publique su primer single.
Britney Spears sigue usando las redes para desvelar detalles de su pasado que por razones misteriosas no ha contado en su libro de memorias, ‘La mujer que soy‘.
En una publicación de Instagram, Spears ha subido una imagen de ella posando junto a Ben Affleck y Diane Warren, y la ha acompañado con un texto que ha llevado a frotarse las manos a las revistas del corazón. Spears ha revelado que, el día en que esa foto fue tomada, se besó con Affleck, y ha añadido que «antes pasó algo» que no puede contar. Spears asegura que se «había olvidado» de esta historia y la ha contado sin pensárselo dos veces. Y después se lo ha pensado, porque ha borrado la publicación.
A pocos se les ha escapado que, en el momento en que esta foto fue tomada, allá por 1999, parece que en julio, Spears tenía 17 años y por tanto era menor de edad, y Affleck 27.
El detalle curioso en todo esto es que Jennifer Lopez, actual esposa de Ben Affleck, acaba de sacar una canción que samplea ‘Cry Me a River‘ de Justin Timberlake en sus segundos finales. Sí, la canción que Timberlake dedicó a Spears tras su ruptura con ella. En ‘This Is Me… Now’, Lopez alude a su reencuentro con Affleck todos estos años después, cantando que ambos han «superado todos los desastres» que se han interpuesto en su camino, y que el «tiempo nos ha traído aquí».
Jennifer Lopez es una de las celebridades que aparecen en ‘La mujer que soy’. En el libro, Spears compara su relación con la fama con la de Lopez, destacando que la cantante de ‘If You Had My Love’ ha navegado la vida pública con mayor «dignidad» que ella.
La supuesta relación entre Spears y Affleck se rumorea desde el inicio de la carrera de Spears. En 2001, Eminem aludió al supuesto affair entre ambos en ‘It Ain’t Nuthin’ But Music’, una canción de su banda D12. La frase era explícita y describía un encuentro sexual entre Spears y Affleck: «This just in / Britney just dissed Justin / She just f–ked Ben / Got t-t f–ked and d–k-sucked him» («Britney ha dejado a Justin, se ha follado a Ben, le ha comido la polla»).
Unos años después, Britney apareció en el videoclip de ‘I Love Rock N’ Roll’ con el nombre de un tal Ben y su teléfono móvil pintadoS en la mano. Esto no tenía relación con Ben Affleck: el personaje de Anson Mount, el interés romántico de Lucy (Britney) en ‘Crossroads‘, se llama Ben, y ‘I Love Rock N’ Roll’ es una de las canciones incluidas en la banda sonora de esa película.
¿Y qué pinta Diane Warren, compositora de las estrellas, en todo esto? Spears y Warren han colaborado en el pasado. ‘When Your Eyes Say It’, una canción de Spears compuesta por Warren, aparece en el segundo disco de Spears, ‘Oops!…I Did it Again’, publicado en el año 2000.
Beth Gibbons no se ha prodigado demasiado ni siquiera fuera de Portishead, grupo que no publica disco desde el año 2008, al contrario que su compañero Geoff Barrow. Ella, por su cuenta, apenas ha publicado un disco junto a Rustin Man, en el lejano 2002, y después un directo sinfónico. Cuando su nombre aparecía en el último disco de Kendrick Lamar, era como ver un oasis.
Pero las cosas vuelven a ponerse en su sitio. Beth Gibbons ha anunciado el lanzamiento de un nuevo disco, firmado por ella completamente a solas, llamado ‘Lives Outgrown’, que editará el 17 de mayo el sello Domino. El primer single es un reptante tema fantasmagórico llamado ‘Floating On a Moment’.
En el disco, Gibbons reflexionará sobre los «nuevos horizontes que se abren cuando cumples 50 años» y, en este sentido más que en otro, sobre la muerte, un tema que, cuenta Gibbons, le ha quitado el sueño en los últimos tiempos. Precisamente, ‘Floating On a Moment’ habla de vivir el presente, de «flotar en el momento» porque nadie sabe «cuánto durará». Instrumentalmente, es una canción de folk pastoral, densa en arreglos de guitarra, vibráfono o dulcimer, a los que se agrega un coro en el tramo final que aligera peso. La voz de Gibbons suena tan bella y doliente como siempre. ‘Floating On a Moment’ suena a Portishead vestidos de folk, en el mejor de los sentidos.
«El disco de se llama ‘Lives Outgrown’ porque habla de las diferentes transiciones emocionales y físicas que pasamos en la vida, pero también de la cercanía con el momento en que abandonamos este planeta y nos aventuramos a lo desconocido», ha añadido Gibbons en un comunicado. «Es algo que me da miedo, pero intento celebrarlo a medida que se acerca, porque me regala la habilidad de crecer más allá de los límites del fundo físico».
Gibbons adelanta también el sonido de ‘Lives Outgrown’: «Ha sido un proceso en el que he explorado (nuevas) estructuras dentro de mis capacidades personales. He querido alejarme de los breakbeats y las cajas y centrarme en las texturas leñosas de los timbres, distanciarme de las altas frecuencias azucaradas que crean adicción y satisfacen como el azúcar y la sal».
Aunque Portishead no ha vuelto a publicar música, el trío de Bristol también compuesto por Adrian Utley sí se ha reunido de vez en cuando para tocar en directo. La ocasión más reciente se dio en 2022, en un concierto a favor de Ucrania y Yemen.
La participación de Israel en Eurovisión es una realidad a pesar del rechazo internacional por su devastadora respuesta militar en Gaza, que ha dejado cerca de 30.000 palestinos muertos, y que organizaciones internacionales como el Tribunal de La Haya o la ONU identifican como un posible genocidio. La cantante Eden Golan, de 20 años, representará a Israel en el Festival de la Canción el próximo mes de mayo, en Suecia, tras ganar este martes el concurso HaKokhav HaBa (La próxima estrella).
Golan se ha hecho la victoria tras cantar una versión de ‘I Have Nothing’ de Whitney Houston. Durante su actuación, Golan ha portado un pin amarillo en homenaje a los rehenes israelíes que continúan retenidos por Hamás. Golan ha parecido referirse al conflicto durante su discurso de agradecimiento afirmando que «este año, más que nunca, estoy emocionada por representar a mi país en el escenario más grande de Europa».
La elección de Godan se considera especialmente provocadora por parte de Israel debido a que la cantante, residente de Tel Aviv, vivió en Rusia durante trece años.
De momento, la canción que Godan llevará a Suecia no se ha dado a conocer. Saldrá «en las próximas semanas», ha confirmado la Unión Europea de Radiofusión (UER). La televisión pública israelí (KAN) ha adelantado que parte de la letra de la canción estará escrita en hebreo “a la luz del periodo complicado” que vive actualmente el país.
La noticia de la participación de Israel en Eurovisión se ha dado a conocer solo horas después de que un grupo de eurodiputados progresistas solicitara a la UER la exclusión de Israel del certamen, argumentando que su participación «blanquea a un régimen que está ejecutando una limpieza étnica en Palestina». La UER ha mantenido su posición en favor de la presencia de Israel en Eurovisión, alegando que en el certamen compiten «artistas y cadenas, no gobiernos».
Recientemente, más de 1.000 artistas suecos -entre ellos Robyn y Fever Ray- han firmado una carta pidiendo el boicot de Israel en Eurovisión, subrayando que aunque Eurovisión se autodenomina un evento apolítico, sí excluyó a Rusia del certamen en 2022 tras su invasión de Ucrania.
Meritxell Neddermann es una pianista, cantante, productora y compositora del Maresme que practica una pulcra mezcla de pop, jazz y electrónica. Neddermann ha publicado dos álbumes de estudio, ‘In the Backyard of the Castle’ (2020) y ‘Suelta’ (2023) y últimamente ha ejercido de pianista en la gira de Jorge Drexler y colaborado en el último disco de Xoel López.
Neddermann, que estudia música primero en Boston y después en Nueva York, deja que el pop estadounidense de tiempos pretéritos empape su música. El piano eléctrico es uno de sus instrumentos favoritos y el que suena en dos de sus mejores canciones. Por un lado, la pizpireta ‘Queda’t més’, una colaboración con su hermana, Judit Neddermann, se mira en el espejo de Steely Dann. Por otro, ‘Restaurante en el mar’ agrega a la misma fórmula unos simpáticos chasquidos de dedos.
Pero Neddermann también ha dado un importante paso adelante hacia la electrónica en su nuevo disco, ‘Suelta’. Si el primero no se «soltaba» del todo de sus raíces jazz, en ‘Suelta’ los cuidados arreglos vocales de ‘Suelta’ o ‘Déjame’ evocan los de Radiohead o Imogen Heap. Las canciones pueden ser tan experimentales como ‘Amiga’, pero, después, la base de jazz fusión vuelve a hacerse notar en otra de las mejores composiciones de Neddermann, ‘T’esperaré una mica més’.
Neddermann es una de las artistas seleccionadas en el ciclo actual de Girando por Salas. Actuará en la Sala Creedence de Zaragoza el 20 de abril (entradas), en la Sala Siroco de Madrid el 21 de abril (entradas), en el Café Cultural Aurense de Ourense el 26 de abril (entradas), en la Casa das Crechas de Santiago de Compostela el 27 de abril (entradas), en la sala Krazzy Kay de Cambados, Pontevedra, el 28 de abril (entradas), y en el Mister Witt Café de Cartagena el 9 de mayo (entradas).
A principios de noviembre, aprovechando su gira por salas en distintas partes de España, en JENESAISPOP tuvimos la oportunidad de hablar con Roberto Carlos Lange, más conocido bajo el seudónimo de Helado Negro. Autor de discos tan celebrados como ‘This Is How You Smile’ o ‘Far In’, el cantautor ecuatoriano-estadounidense nos habla sobre su nuevo álbum ‘Phasor’, que es nuestro Disco de la Semana. En aquel momento solo había salido el excelente single ‘LFO (Lupe Finds Oliveros)’, aunque sí habíamos tenido oportunidad de escuchar todo el largo.
Acabas de terminar tu gira por España con 8 fechas en distintas ciudades. No suele ser demasiado habitual que artistas internacionales hagan tours tan amplios por nuestro país, ¿cómo surgió esto? ¿cómo has notado al público?
Ha sido increíble. Creo que fue después de que tocara en Primavera [edición 2022] en Barcelona, creo que de ahí se animaron a armar una gira. Hice una gira el año pasado como de 5 shows y regresamos otra vez para hacer estos 8. El público ha sido tan, tan lindo… Tocando un domingo en Vigo y un lunes en Madrid, como que no sabía qué esperar y aun así la gente sí salió y fue increíble, la pasé muy bien.
Sobre ‘Phasor’, es un álbum mucho más corto que tu anterior, ‘Far In’, que supera la hora de duración. ¿Había una intención de hacer un álbum más conciso y más breve, desde el principio?
Yo creo que sí… Como que en ‘Far In’ quería hacer mucho, quería compartir muchas facetas sonoras, muchas ideas y como que cada canción era su propio mundo. En ‘Phasor’ quería hacer una conexión a ‘This Is How You Smile’ [su disco de 2019], que era como una paleta de ideas enfocadas pero que son como toditas una familia.
Sí, veo esa relación con ‘This Is How You Smile’ pero también la veo con ‘Far In’ en el sentido de que tanto este como ‘Phasor’ son discos sobre la conexión en cierta manera, aunque el acercamiento es distinto. En ‘Far In’ está muy presente la pandemia, el confinamiento y todo esto, y en ‘Phasor’ un poco menos. Me gustaría saber cuáles han sido las diferencias creativas entre ambos… Si no me equivoco, el primero lo grabaste en Texas y este último en Carolina del Norte.
Con ‘Far In’ lo que pasó fue que empecé a grabarlo a finales de 2019, apenitas empezando el 2020, y me fui a Texas el 4 de marzo. Todo cerró y me quedé ahí seis meses, así que durante ese tiempo estuve trabajando con mi pareja en un proyecto, y también empecé a grabar ‘Far In’. Luego regresé a Brooklyn y terminé, y después me mudé a Ashville en Carolina del Norte. Donde yo vivo hay mucho espacio, es como lo opuesto a la ciudad. Es pura naturaleza, en las montañas, y me dio como un tipo de calma para poder enfocarme en estas canciones. Trabajar de una manera que fue calmada, pero también super enfocada. Y no tener ese estrés de “tengo que terminar esto”, era como que, guau, me siento bien, siento que va bien fluido, como que todo se formó orgánicamente.
¿Dirías que a la hora de crear te influye mucho el paisaje donde te encuentras? Porque al final tus canciones son un poco como paisajes, como mundos a los que entras…
Sí, absolutamente. Yo creo que… ¿cómo no te puede pasar eso? Eso te afecta directamente: desde el clima hasta las personas que están ahí instalando la casa, hasta las cosas que están en tu pared. Todo eso para mí es importante.
Tú estás muy encima de tu música siempre. Además de cantautor, eres productor e ingeniero… lo haces prácticamente todo tú. ¿Cómo empieza tu proceso creativo y cómo se desarrolla? Tanto en ‘Phasor’ como en general.
Bueno, yo tengo como muchas semillas, muchas ideas… algunas tienen muchos años. Las revisito o hago cosas nuevas [con ellas], y de repente, ahí sale como una burbuja de ideas. Me gusta esta canción, esta idea de esta canción… y así me encuentro con dos o tres canciones que son como los pilares del concepto que quiero hacer. Para este álbum, con ‘Colores del mar’ y ‘Es una fantasía’ o también ‘Out There’ son canciones que tienen cosas que quería incluir pero también que se complementaran dentro del disco. Así es el proceso: busco y voy cambiando todo para ir formando una tela con el tejido que tengo.
Me interesa el bilingüismo en tu música. ¿Cuándo decides qué va a ir en inglés o en español? ¿o es una cosa más orgánica? ¿con qué idioma te sientes más cómodo escribiendo?
Es más orgánico. Y yo creo que la ventaja es que tengo palabras en español y en inglés que puedo utilizar para construir ideas, y eso es lo bonito de hacer lo que hacemos. Son increíbles las palabras, y también la idea de invención y de comunicar como expresión [artística]. Cuando estoy utilizando español o inglés, no es como que hay una estrategia detrás. Va todo al servicio de la canción. Me gusta una melodía e intento encontrar una palabra que vaya bien con ella, y a partir de ahí se desarrolla un tema y digo, vale, esta es la idea de lo que quiero escribir. No es tanto como narrativo lo que estoy escribiendo, pero en este álbum traté de hacer algo un poquito diferente. Quería empezar a experimentar con la idea de escribir ficción desde mis experiencias. En la última canción, que se llama ‘Es una fantasía’, me gustó esta idea de empezar a escribir sobre como, por ejemplo, si estás en el tren o el metro y de repente ves a alguien que dices «guau, es increíble esta persona», pero no la conoces. Y es una fantasía que, en ese momento, como que ves una vida con ella, una noche, un día o algo así. Me gustó esa idea de escribir una ficción así de alguien, pensando en esta fantasía.
Me había llamado la atención que abres y cierras el álbum con canciones en español, pero supongo que por lo que me has dicho, no fue intencionado…
Sabes, ni lo había pensado [risas].
Siguiendo este tema, ¿cómo decides la secuencia del disco?
Es muy difícil, y es parte de ese proceso que te dije antes, es como que [al principio] tienes los pilares del álbum… ya sabía cuáles eran las canciones que quería incluir, cuál era definitivamente el alma del disco, y luego es ir tratando de crear puentes entre esas canciones… Lo que hice un poquito más diferente en este álbum fue, que las primeras cuatro canciones cuando las hice ya tuve claro que iban a ser las primeritas, y también que iban a ser los primeros cuatro sencillos. ‘LFO’ el primero, ‘I Just Wanna Wake Up With You’ el segundo, ‘Best of You and Me’ el tercero y ‘Colores del Mar’ el cuarto. Me encantó esta idea de que la cara A fueran los singles y la cara B las otras.
Es curioso porque cuando escuché el disco por primera vez, pensé que ya sabía cuál iba a ser el próximo single y no es ninguna de esas cuatro.
¿No? ¡Qué bien!, ¿Cuál va a ser? Para cambiarlo ya… [risas]
La penúltima canción, que es más electrónica, ‘Wish You Could Be Here’.
Me encanta esta canción.
Sí, creo que es mi favorita del disco. Quería preguntarte por ella porque es un poco distinta al resto.
Sí, ¿sabes qué? Esta estaba ahí, ahí para ser un single, así que no ibas desencaminado. En las conversaciones fue como top 5. Esta canción tuvo como tres versiones y una versión que me gustó mucho, era bien triste, como demasiado triste, más down beat, más slow y no quería sentir eso. Quería ponerlo más uptempo y más movido, y para mí es como un guiño a mi vida y a mis influencias. Me crié en Miami escuchando música electrónica, iba a discotecas y raves cuando era joven en los 90. Todo eso es una parte de mí, así que quería reflejarlo un poquito en la música.
Me gusta ese contraste de la canción, porque la letra es bastante triste pero podrías escucharla en una discoteca.
Eso era lo que quería, sí.
Cuando compones, ¿sueles hacer muchas versiones de la misma canción? O en la creación de un disco, ¿haces muchas canciones y luego te quedas solo con unas pocas?
Sí tengo muchas y ahí es como que eliges cuáles están funcionando juntas. No es como hacer solamente un sencillo. Quiero que alguien escuche el álbum. Quiero que alguien se ponga el álbum y sea como “guau, me encantan todas las canciones, sé que no son todo como singles pero [me hacen] sentir algo”. Así que trato de sacar lo que siento que no es parte del álbum. Hay muchas versiones [de las canciones del disco], como en ‘Wish You Could Be Here’ que hay tres. Hay muchos cambios siempre, pero son importantes para tener lo que necesito.
«Siempre estamos midiendo (…) Estamos pendientes de todo a cada instante»
Sobre el título ‘Phasor’, hace referencia a una especie de gráficas o algo así, ¿no?… Explícame.
Es una definición técnica que tiene que ver con la electricidad de unas ondas. Es una manera de medir cuando se están cruzando. Eso es como una versión bien simple, me imagino que un técnico va a decir que está mal, pero lo que saqué de ahí fue como algo más poético. Es una manera de medir cuando las oscilaciones se van cruzando, y pensé en eso en mi mundo, en cuando estoy con gente. Siempre estamos midiendo, cuando visitas a alguien, cuando hiciste algo… Cuándo fue ese momento que cruzó estas ondas, esta energía, estas oscilaciones de tu vida… Me encantó eso, como que siempre estamos midiendo. Por ejemplo: ¿Cómo fue la última vez que viste a tu amigo? Y piensas, «ah sí, la onda sí fue bien, tengo un buen recuerdo». O al revés, no estuviste conectado. Siempre recuerdas algo y eso me encantó.
Esto que dices está un poco relacionado con lo que te dije antes de que para mí este disco trata sobre las conexiones humanas, ya sea con familiares, amigos o incluso uno mismo. Sobre los temas del álbum, ¿los tienes en mente al empezar el proyecto o van apareciendo?
Van surgiendo. No tengo un plan, el plan es que salga algo… No sabía el título hasta el final, como que tenía 300 notas de posibles títulos y una noche me salió este y me gustó bastante. Todo es un poco así.
Cuéntame un poco sobre ese vídeo psicodélico para el primer single ‘LFO (Lupe Finds Oliveros)’.
Fue algo que hice para disfrutarlo. Quería hacer algo sobre alguien que está entre todo y nada y como flotando. Siempre me ha gustado, no sé si lo tienen acá, pero en Estados Unidos hay muchos canales de televisión locales, en los que la gente puede ir a su a su pueblito y usar el estudio local para hacer su programa propio y tienen una pantalla verde y pueden poner lo que les gusta. He visto muchos de estos en mi vida y siempre hay como muchos errores, como que un brazo desaparece o cosas así. Y me gustó esa idea de alguien que está haciendo algo con mucha pasión, con mucha intención, pero también naíf de la tecnología. Eso quería comunicar, algo bien naíf pero hecho con mucho amor y pasión, flotando como en esta nada en la que estamos ahorita. Y lo de la barba [postiza] y el pelo largo, me gustó la idea, como el cuento este de ‘Rip Van Wrinkle’ de un tipo que se durmió y se despertó 100 años después. De pronto te despiertas y estás en otro mundo, me gustó eso. Y la canción habla de estar siempre “scrolling” en el teléfono, y es eso, como que estamos en el infinito, de nunca terminar de ver qué está pasando. Estamos pendiente de todo en cada instante…
‘Zorra’ de Nebulossa se ha convertido en la ganadora de la tercera edición de Benidorm Fest. Era la única canción que había llegado a las listas virales, pero no encabezaba las apuestas online, quizá por su carácter controvertido y la falta de experiencia de la banda valenciana sobre el escenario. Al final recibieron el apoyo de jurado y televoto.
Pero el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO de JENESAISPOP no es otro análisis de Benidorm Fest o Eurovisión. En un primer tercio del programa sí desgranamos los aciertos y desaciertos del programa -de la calidad de su final a la sosez de su guión o lo inadecuado de su horario-, y después pasamos a dos asuntos relacionados.
En el segundo tercio del podcast comentamos el edadismo que está sufriendo en estos días Nebulossa por parte de gente como Julián Ruiz y Manu Tenorio. El periodista musical ha recalcado en X que la cantante de Nebulossa tiene «57 años y no es nada bella» y ha criticado ‘Zorra’ por ser un supuesto plagio de Eurythmics. Por su parte, el ex concursante de Operación Triunfo ha contrapuesto esta canción «a lo poético» y ha mostrado su oposición contra lo «soez». Hablamos de la belleza, de lo que estas personas interpretan que es la misma, y de la concepción de lo hermoso y de lo sucio. ¿No es el sexo bello? Igualmente comentamos la relación de Nebulossa con la comunidad LGTB+ a partir de la reivindicación de figuras como Manuela Trasobares.
Hablamos también de edadismo, no solo de Madonna, Kylie o Robbie Williams, sino del debate surgido recientemente en el mundo del rap. Con motivo de las declaraciones de André 3000 en torno a su último disco (se ve muy mayor para rapear, no quiere rapear sobre «colonoscopias» o «ver cada vez peor»), Jordi Bardají realizó un reportaje en el que reflexionaba sobre algunas de estas cuestiones. Comentamos las declaraciones de Lil Wayne o Erik Urano.
En el último tercio del podcast hablamos de la supervivencia del synth-pop a lo largo de las décadas. Tras ser inventado y desarrollado por pioneros como Kraftwerk, Depeche Mode, New Order, OMD… después ha sido cíclicamente recuperado en revivals como el de los 2000 (electroclash, ‘Electrospain’) o recientemente artistas tan masivos como The Weeknd o Dua Lipa. Muchas canciones de Nebulossa te van a encantar si tienes en un pedestal ‘Blinding Lights’.
Pero en realidad es un género que siempre mantuvo un público (The Sound of Arrows, Hurts, Chromatics), si bien situamos a Nebulossa claramente hermanadas con la escena española de Las Vulpes, L kan, Las Bistecs, Ladilla Rusa u Ojete Calor. También todos los seguidores de los primeros Depeche Mode deberían darle una oportunidad a temas suyos como ‘Glam’, ‘Anoche’ o ‘Poliédrica’.
Kanye West saca disco este viernes. Después de largos retrasos y constantes cambios en la fecha de lanzamiento, todo pinta a que Kanye West finalmente publicará su disco ‘Vultures’ junto a Ty Dolla $ign. Y el rapero, además, parece que tiene un plan de promoción que pasa por irse de gira… incluyendo a España en ella.
La primera entrega del álbum colaborativo de Kanye West y Ty Dolla $ign, que se publicará en tres partes, llega este 9 de febrero (las demás lo harán el 8 de marzo y el 5 de abril). Y el autor de ‘DONDA’ ha revelado a través de Instagram un posible calendario de gira para el próximo verano. En una captura de pantalla no disponible ahora en su cuenta, podía encontrarse nuestro país entre los lugares que contempla Ye. De hecho, de acabar cumpliéndose ese calendario, el rapero daría dos conciertos en el Madrid Arena el 17 y 18 de agosto.
Al igual que las fechas de lanzamiento de sus discos, deberíamos tomar con recelo esta información. Sin embargo, la realidad es que el rapero ya tiene a España encima de su mesa. El resto de la gira pasaría por países como Estados Unidos, Reino Unido y Australia, entre otros. No obstante, su ambición es todavía mayor: en otra story ahora eliminada, Kanye West estudiará ofrecer conciertos en «lugares internacionales emblemáticos», como el cerro del Corcovado de Río de Janeiro (donde se encuentra la estatua del Cristo Redentor), la Gran Muralla China y las Pirámides de Giza.
A falta de un anuncio oficial de su próxima gira, Kanye West ha compartido en Instagram el videoclip de su nuevo tema ‘Talking/Once Again’, protagonizado por North West y perteneciente a su inminente nuevo disco junto a Ty Dolla $ign.
Sia ha puesto fecha al lanzamiento de ‘Reasonable Woman‘, su nuevo disco, que se pone a la venta el próximo 3 de mayo. El tracklist oficial ya se conoce, además, y revela colaboraciones no solo de Kylie Minogue, sino también de Chaka Khan (que aparecerá en el corte ‘Immortal Queen’ junto a otro artista invitado aún por descubrir), Paris Hilton y Tierra Whack, entre otros.
Rosalía se encuentra entre los «colaboradores» del disco de Sia, revela Billboard, aunque cuál ha sido su función se desconoce, pues el nombre de Vila Tobella no aparece en ninguno de los «featurings» del álbum. Podría haber ayudado en producción o composición.
La canción que une a Sia y a Kylie ya está disponible. ‘Dance Alone’ pone el pie directo en una carroza del Orgullo, pero lo hace valiéndose de la producción dance-pop más básica posible y de una melodía que huele a bonus track o a cara b por todos lados. Sia logra salir brevemente de su zona de confort en ‘Dance Again’, pero no tenía que llamar a Kylie, que acaba de ganar un Grammy por ‘Padam Padam‘, para ofrecerle una composición tan mundana. Y Kylie, que es una maestra del género, ha hecho colaboraciones muchísimo mejores.
‘Gimme Love’, el primer single oficial de ‘Reasonable Woman’, ha sido un pequeño éxito en algunos países de Europa, especialmente en Francia -donde está certificado con un Disco de Oro- o España, donde continúa entre las canciones más radiadas del país. Eso sí, el éxito masivo de ‘Chandelier’, ‘Cheap Thrills’ o la viral ‘Unstoppable’, de momento, queda demasiado lejos.
‘Reasonable Woman’:
Little Wing
Immortal Queen (featuring Chaka Khan and ???)
Dance Alone (Sia and Kylie Minogue)
I Had A Heart
Gimme Love
Nowhere To Be
Towards The Sun
Incredible (featuring Labrinth)
Champion (featuring Tierra Whack, Kaliii, and Jimmy Joliff)
I Forgive You
Wanna Be Known
One Night
Fame Won’t Love You (with Paris Hilton)
Go On
Rock And Balloon
Después de su ‘Love What Survives’ de 2017, Mount Kimbie tiene un nuevo disco en camino. El grupo británico ha anunciado que su cuarto trabajo discográfico se titulará ‘The Sunset Violent’ y verá la luz el próximo 5 de abril.
El álbum fue escrito en Yucca Valley, California, un pequeño pueblo del Oeste con una historia de supuestos avistamientos de ovnis, antes de ser terminado en Londres. Esto ha influido en su narrativa y sonido, pues el grupo asegura que «los tonos surrealistas del desierto, teñidos de castaño rojizo, y el disperso paisaje americano pueden escucharse en cada una de las nueve pistas».
Para acompañar el anuncio, Mount Kimbie ha publicado la canción ‘Fishbrain’, que ocupará la séptima posición en un tracklist de hasta nueve temas. En dos de ellos, además, participará King Krule: ‘Boxing’ y ‘Empty And Silent’.
Este es el tracklist de ‘The Sunset Violent’:
1. The Trail
2. Dumb Guitar
3. Shipwreck
4. Boxing (feat. King Krule)
5. Got Me
6. A Figure In The Surf
7. Fishbrain
8. Yukka Tree
9. Empty And Silent (feat. King Krule)
Tras 7 años desde su último trabajo discográfico, Iron & Wine está de vuelta con ‘Light Verse’, el que supondrá su séptimo álbum de estudio en solitario. Será la continuación de su ‘Beast Epic’, que publicó en 2017 y llegó a ser nominado a los Grammy.
El disco estará compuesto por un total de 10 canciones producidas por el propio Sam Beam, cuyas letras además serán basadas en una serie de ideas ficticias y personales. ‘Light Verse’ es definido como «el álbum más alegre» de Iron & Wine, y su título refleja cómo las canciones «nacieron con alegría» después de «la pesadez y ansiedad de la pandemia».
Para escuchar ‘Light Verse’ habrá que esperar hasta el 26 de abril; sin embargo, el artista ya ha publicado el que es su primer adelanto: ‘You Never Know’. Esta se trata de la canción que abre el álbum, en el que además trae a Fiona Apple como invitada en el tercer tema, ‘All in Good Time’.
Este es el tracklist de ‘Light Verse’:
1. You Never Know
2. Anyone’s Game
3. All in Good Time (feat. Fiona Apple)
4. Cutting It Close
5. Taken by Surprise
6. Yellow Jacket
7. Sweet Talk
8. Tears that Don’t Matter
9. Bag of Cats
10. Angels Go Home
El Primavera Pro 2024 ultima los preparativos de su próxima edición, que tendrá lugar en Barcelona del 29 de mayo al 2 de junio. Hoy mismo ha dado a conocer a sus primeros confirmados, donde destacan nombres como los Javis o Alizz entre más gente de prestigio.
Esta edición, además, será especial porque celebra su 15 aniversario, que va a ser acogida por el Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona (CCCB) y el Parc del Fòrum. En ella se hará una revisión de estos últimos 15 años, pero también se mostrarán las claves y herramientas para navegar en las siempre cambiantes aguas de la industria de la mano de los nombres más influyentes del sector, así como de las voces más diversas que aportan nuevas perspectivas.
Algunos de los temas que abordará el Primavera Pro 2024 serán la AI, el potencial de explotación de los catálogos musicales o la salud mental. Asimismo, se hablará sobre la relación entre el merchandising y la cultura fan de la mano de empresas y ponentes de primer nivel como Rachael Scarsbrook de BSI Merch o Caroline Westendorp de Within Temptation Entertainment. ¿Cómo construyen su audiencia artistas como Drake o Taylor Swift? Luna Cohen-Solal, experta en audiencias de Atlantic Records, tratará de responder la pregunta.
De hecho, uno de los fenómenos de los últimos meses, ‘La Mesías’, también será protagonista de esta edición. La serie, que nos muestra la vida y creación del grupo Stella Maris, será analizada en una conversación entre Hidrogenesse, responsables de las canciones de Stella Maris, y Javier Calvo y Javier Ambrossi, creadores de la serie.
Todavía nacen grupos surgidos “de la nada” (es una forma de hablar) que han dado sus primeros pasos tocando en bares hasta que el mánager afortunado les ha descubierto y fichado en una multinacional con la intención de desarrollar su talento. Es la historia de The Last Dinner Party. Este quinteto de Reino Unido publicó su primer single oficial, ‘Nothing Matters’, no hace ni un año. Pero ellos llevan tocando desde 2020, curtiéndose y construyendo un sonido propio que les ha llevado a ganar el BBC Sound of 2024, un sonido que suena totalmente decidido y construido, tan pronto como en su primer disco.
En ‘Prelude to Ecstasy’ convergen los diferentes intereses de The Last Dinner Party. Por un lado, el barroquismo de los arreglos. Por otro, el rock melódico de los 60 y 70, de Bowie a Queen. Por otro, las armonías a lo ABBA. Todos ellos empaquetados en un producto de amable pop. En ‘Prelude to Ectasy’ ninguno de estas ideas se lleva a su máximo nivel de ambición. Quizá era demasiado pronto. Quizá The Last Dinner Party todavía no está en ese lugar. Pero, ojo, las canciones prometen.
Están especialmente logrados -sorpresa- los singles. ‘Nothing Matters’ es el intento de Abigail Morris -vocalista y gran carisma de The Last Dinner Party- de escribir “la mejor canción de amor posible”, intento que desemboca en una historia más “perversa” de lo imaginado. Su ligero ritmo disco no es tan perverso, no obstante. Mejor es ‘Caesar on a TV Screen’, una reflexión sobre el poder y la masculinidad frágil que adopta una forma de ópera rock tan teatral como pide la propia voz de Morris.
Morris es una vocalista cuya presencia en las grabaciones de The Last Dinner Party se hace notar en el mejor de los sentidos. El drama de su voz, que tanto recuerda a la de Marina Diamandis o incluso Kate Bush, aporta enorme personalidad a las canciones, tanto a las mejores, como la sesentera ‘The Feminine Urge’, que explora el trauma generacional entre mujeres, o el baladón ‘On Your Side’, que evoca a Bowie, como las que se hacen notar menos dentro del repertorio.
Algunas canciones menos sólidas melódicamente de ‘Prelude to Ecstasy’ logran diferenciarse gracias a los temas que tratan sus letras. La balada barroca ‘Beautiful Boy’, por ejemplo, habla de la “envidia que sienten las mujeres hacia los hombres bellos”, esos que gracias a su belleza navegan la vida sin tropiezos. ‘Ghuja’ es esa canción en albanés que ni Dua Lipa ni Ava Max ni Bebe Rexha se han atrevido a cantar todavía: le pone voz Aurora Nishevci, tecladista de The Last Dinner Party. ‘My Lady of Mercy’ habla del despertar queer observando una imagen de Juana de Arco.
El disco se enmarca (como el cuadro que aparece en la portada del disco) con dos composiciones clásicas. ‘Prelude to Ecstasy’, la intro que da título al álbum, es una fantasía onírica que Debussy podría haber compuesto para una danza de Vaslav Nijinsky. Después, ‘Mirror’ es el final épico de una obra de teatro. The Last Dinner Party demuestra gran habilidad haciéndola pasar de sonar a una torch song de Nick Cave, a desembocar en un preciosa outro orquestal. Rematan el disco y lo atan con un lazo.
En ‘Burn Alive’, en realidad la primera canción del disco después de la intro, The Last Dinner Party cantan que harán “lo que sea para sobrevivir”. Se refieren a exponer sus miserias al mundo, a “convertir mi duelo en un producto”. ‘Burn Alive’, evocando a Cocteau Twins, es otro de su momentos más logrados. Ellos evidentemente se convirtieron en una “comodidad” desde el lanzamiento de su primer single. Pero su propuesta no es una más, en absoluto.
Helado Negro, autor de grandes obras del pop experimental de nuestro tiempo como ‘This is How You Smile‘ (2019), está a punto de publicar nuevo disco. ‘Phasor’ sale este viernes 9 de febrero. Es el Disco de la Semana en JENESAISPOP.
El génesis de ‘Phasor’ se encuentra en una visita de cinco horas que Lange realiza precisamente en 2019 a la Universidad de Illinois para ver en persona la máquina SAL-MAR de Salvatore Matirano, un instrumento de música electrónica cuya creación se remonta a finales de los años 60. SAL-MAR se considera la primera máquina capaz de componer música.
Lange ha dicho que aquella visita le otorgó «un mayor entendimiento de aquello que me estimula», esto es, «la búsqueda de una curiosidad constante y su resultado». Y esta curiosidad se extiende a las canciones individuales de ‘Phasor’.
En concreto, ‘LFO’ también echa la vista atrás en la historia. El título de ‘LFO’ se compone de las siglas de «Lupe Finds Oliveros». Lupe se refiere a Lupe Lopez, una mujer estadounidense de origen mexicano que construía amplificadores en los años 50. Y Oliveros es el apellido de Pauline Oliveros, prestigiosa músico experimental que promovió la «escucha profunda».
La Canción Del Día de hoy, ‘LFO’ habla del «estrés ambiental» y del «scrolling eterno», en frases que apelan a la adicción a los móviles como «dedo congelado en el cel, foto selfie otra vez». Aunque la letra, también, pasa de soslayo por el tema de la violencia racial. En el inicio, Lange canta: «Ayer fui a tu casa, me perdí en un jardín sin razón, un policía me pegó, me dejó por muerto». La normalización de este tipo de agresiones en Estados Unidos llega a un punto en que Lange continúa con su vida como si nada. Se queda embobado mirando el móvil hasta que «se va el sol».
Irónicamente, ‘LFO’ es una de las grabaciones más amenas y divertidas de Helado Negro. Valiéndose de baterías nerviosas y de las atmósferas brumosas por las que le conocemos, sería una canción menos atormentada de Yves Tumor o Broadcast. El «cuidado» en la producción sigue presente y Helado Negro le ha dado especial importancia porque Lupe Lopez construía amplificadores con ese mismo cuidado y tacto. El mismo que Helado Negro siempre ha aplicado a su música, como sabrá cualquier persona que le haya escuchado.
Gustavo Bueno fue el único filósofo español contemporáneo con su propio sistema filosófico, el orden categorial, y en 2000 puso su sabiduría al servicio de la nueva televisión. A Bueno le fascinaba Gran Hermano. De hecho acudió como invitado al plató en aquellas primeras semanas en las que a Mercedes Milá se le llenaba la boca repitiendo las palabras «experimento sociológico». El filósofo apoyaba la descripción de la presentadora: según Bueno, Gran Hermano condensaba las dinámicas sociales españolas al aislar dentro de una casa a un grupo de personas que representaban los perfiles prominentes de la sociedad. Había un médico (Nacho), un militar (Jorge), una madre (María José), un líder (Iván), una atleta (Vanesa), un intelectual (Koldo), etc.
Bueno señalaba, por ejemplo, que la estrategia de nominar a todos los concursantes cada semana mediante el denominado “pacto” respondía a la solidaridad católica española y rompía con la estrategia de las dos ediciones previas (la holandesa y la alemana), marcadas por una mentalidad individualista protestante. Bueno también señalaba que las audiencias millonarias de Gran Hermano, solo comparables a las del fútbol, no eran casualidad, porque el fútbol llevaba décadas funcionando como un método de regulación del orden social (ir cada domingo al fútbol era un ritual comunitario tan establecido como ir a misa) y Gran Hermano, como los equipos de fútbol, despertaba un sentimiento identitario: los espectadores apoyaban o al concursante que más se parecía a ellos o al que les gustaría parecerse.
Meses después, en 2001, Gustavo Bueno no disimuló su desdén por Operación Triunfo. Decía que era la adaptación televisiva del sistema de oposiciones porque promulgaba la idea de que todo el mundo tenía las mismas oportunidades de base y de que solo el esfuerzo les llevaría al éxito final. Y es cierto que esa era la mentalidad de aquella primera edición, ese era el mensaje que le inculcaban a los concursantes hasta el punto de que Mireia exclamó en un momento dado: “No entiendo por qué me nominan, ¡si me lo he currado un montón!”. Sería interesante saber la opinión de Gustavo Bueno respecto a OT 2023 (desde luego, sería interesante saber su opinión de Naiara), pero falleció en 2016. Quizá hoy Bueno se replantearía su desdén. Porque 22 años después, OT sigue evolucionando con la sensibilidad de la sociedad. Y si hay un programa identitario en la tele española ese es OT, que tiene una capacidad única para construir país y para construir generaciones. Y si no te lo crees, prueba a sacar el tema con un grupo de personas de entre 20 y 50 años.
El OT actual está muy lejos del sistema de oposiciones. Ya nadie habla de “currárselo mucho”, no se potencia la cultura del esfuerzo, ni se anima a los chavales a “poner toda la carne en el asador”. Sí se habla, en cambio, de “retos” y de “aprovechar las oportunidades”. El realismo de OT 2023 está muy lejos del optimismo de OT 2001 porque la España de 2023 está muy lejos de la España de 2001: ahora todo el mundo sabe que el sistema no es igualitario. Que no todos empiezan la maratón con las mismas oportunidades. La sociedad actual sabe que todos los sistemas están amañados por definición. Y esa certeza tiene dos posibles reacciones: o aprovechas las bolas que te vienen dadas (que es lo que hacen los concursantes) o te emparanoias acusando al programa de favoritismos y gritando “tongo” cuando le dan a Ruslana un 7,5 (que es lo que hacen sus fans).
La organización de OT nunca ha tenido favoritos, esa es una neurosis típica de los fans. De hecho la semana pasada Noemí Galera aseguró en Twitter que les da igual quién gane. Y es cierto. Lo que OT quiere es hacer buena televisión que involucre emocionalmente a la audiencia para que la gente regrese al año siguiente. Que ya es bastante difícil. No, definitivamente, hoy OT no es ese programa sobre el sistema de oposiciones que desdeñaba Gustavo Bueno. Es algo mucho más potente narrativamente: un programa en el que sus concursanes aprenden que el sistema es injusto por definición, aprovechan lo que te dan y se crecen ante la adversidad. Es decir, es un programa sobre hacerse mayor. ¿Cómo no vamos a involucrarnos emocionalmente?
Anoche Lucas se paseó por la escenografía más hortera de la historia de OT como si estuviera en su casa. Pero hortera bien. Hortera a propósito. Hortera con filtro difuminado. Él juega todo lo que le dan. Pero en este caso la puesta en escena le venía a favor, porque Lucas es un cursi y no se disculpa por ello. Por eso no le dio ningún pudor tener que cantarle la canción de ‘Armageddon’ a una mujer dormida (o muerta) sobre una cheslong. Era como un cuento de hadas, excepto porque Lucas no iba vestido como un príncipe sino como un camarero de La Posada de las Ánimas.
La imagen era ciertamente perturbadora tanto si la chica estaba dormida como si estaba muerta. Pero él tiró para adelante y se tomó su papel en serio, probablemente porque no es la primera vez que Lucas le canta una canción de amor a una mujer dormida. Ningún otro concursante habría sacado adelante una premisa tan delirante. Imaginaos a Juanjo cantándole a una muerta.
En un momento dado incluso se sentó en la cheslong y apoyó su mano sobre la pierna de la chica. Ella no pudo evitar moverse, o bien porque no se lo esperaba (tenía los ojos cerrados) o bien porque cómo no te vas a mover si te toca Lucas. ¿Qué sentirá la peluquera (o peluquero) de OT cada lunes cuando Lucas se sienta en su silla? ¿Se sentirá henchida de poder al saber que cuanto más corte más guapo va a estar y más lejos va a llegar en el concurso? ¿Dónde está el límite? ¿Llegará al final rapado al cero? Es una pena que OT ya no se haga en TVE porque como allí los sueldos son públicos sabríamos cuánto ha cobrado la chica, en lo que sin duda es el sueldo más cómodamente ganado de España. O sea, hay una mujer a la que le han dado dinero por tumbarse en una cheslong y que Lucas le toque la pierna.
Vocalmente sonó algo impersonal, pero se regodeó en unos falsetes que sonaron muy bonitos. Y eso que los falsetes siempre quedan muy repipis en las baladas. Pero claro, con toda la parafernalia que había en ese escenario hasta Bob Dylan habría aullado agudos. La canción terminó, la chica seguía ahí tumbada y la moraleja del cuento es que la única razón por la que una mujer no se abalanzaría sobre Lucas es porque está muerta.
Y hablando de cosas inertes, Chiara cantó ‘You Oughta Know’ en lo que sin duda fue La Decisión™ de esta gala. Ella insistió en que tenía muchas ganas de “volverse loca”, una expresión que en OT el 100% de las veces que se dice significa que no lo va a conseguir. O lo haces o no lo haces, pero no lo anuncies. A Chiara le gusta mucho la canción de Alanis Morissette, pero lo que te gusta y lo que te queda bien no tiene por qué coincidir. ‘You Oughta Know’ solo funciona cuando la canta Alanis porque ella la escribió desde las entrañas para vengarse de un exnovio (Dave Coulier, el tío Joey de ‘Padres forzosos’) y la cantó como una maniaca del averno que podría meter tu conejo en una olla express. Más que Alanis, Chiara parecía Hannah Montana en el capítulo en el que se hacía un smokey eye. Paradójicamente, a Chiara le jugó en contra justo lo que la ha llevado hasta la gala 10: que el público tiene muy presente lo dulce que es. Estamos hablando de una letra que dice “¿Es ella tan pervertida como yo? ¿Te la chuparía en un cine?” o “¿Sientes cómo clavo mis uñas en la espalda de otro?” y Chiara ni puede ni tiene por qué ser capaz de sentir esa rabia. De hecho, ojalá no tenga que sentirla nunca. Ojalá para lo único que tenga que clavar las uñas a alguien sea para rascarle la espalda mientras ven ‘Emily in Paris’.
Por otro lado, a veces hay que ponerse la ropa que te gusta incluso aunque no sea tu talla. Chiara se desahogó y se fue bien contenta del concurso. Apenas abrió los ojos en toda la actuación, ladeó mucho la cabeza y cantó en cursiva como siempre, pero es que ella es así y no hace falta que se convierta en otra cosa. Si ha conseguido generar la campaña de salvación más barroca de las doce ediciones de OT es porque ha conectado con miles de fans. Todos los aspirantes a estrellas del pop matarían por tener ese don. Algo bien habrá hecho Chiara. Así que lo único que tiene que hacer a partir de ahora es ser ella misma. La mayoría de la gente no consigue despertar semejantes pasiones en toda su vida. Chiara lo ha logrado con 19 años.
Naiara arrancó su actuación con una carcajada que anunciaba caos, anarquía y lo más cerca que ha estado OT de albergar un botellón. Era como si se hubiera fugado del psiquiátrico más sexy de toda Fuenlabrada. Llevaba un abrigo de peluche barato que en ella parecía valer un millón de dólares y que en ningún momento le cubrió los dos hombros a la vez. La responsable de vestuario le puso un top con doble refuerzo para evitar sustos porque España entera sabía que Naiara iba a poner el “pecha” en «Despechada». Pero nadie podía imaginar hasta qué punto.
La figura de la choni nació de forma abrupta y masiva en los extrarradios de las ciudades durante los 90. Era una criatura surgida de los barrios obreros masificados donde no había identidad porque las periferias urbanas eran, por definición, no-lugares. Kilómetros de hormigón donde solo se iba a dormir. Así que las chonis tuvieron que forjarse su identidad ellas solas, con la ventaja de que existían al margen del sistema: conceptos como “buen gusto”, “decoro” o “alta y baja cultura” no les afectaban porque la cultura las despreciaba. Consumían cultura pop con voracidad y sin prejuicios, desde el bakalao hasta el flamenco. No se veían representadas ni en el cine, ni en la televisión, ni en la música (hasta que llegó Mónica Naranjo y por eso se lió la que se lió) y crecían con la certeza de que el sistema las rechazaba. Así que ellas tomaron una postura desafiante contra él. Su ética y su estética eran pura reacción contra ese desprecio: cuanto más las acusaban de vulgares, histéricas o sexuales más vulgares, histéricas y sexuales se volvían. La choni, en realidad, sufría una versión magnificada de todo lo que la sociedad odiaba de las mujeres. No grites tanto, no seas tan dramática, no seas basta, siéntate con las piernas cerradas, no digas palabrotas, desmaquillada estás más guapa. Pero había algo con lo que la cultura elitista no contaba: las chonis eran muchas y, ante la adversidad, habían desarrollado una seguridad en sí mismas que nadie más tenía. Las chonis fueron un chiste nacional durante muchos años pero ellas siempre se tomaron muy en serio a sí mismas para equilibrar la balanza. Y al final asaltaron el mainstream. Porque tal y como ha demostrado Nebulossa este fin de semana, si aguantas con la cabeza alta el tiempo suficiente los insultos se acaban volviendo gritos de guerra.
Hoy las chonis dominan la conversación cultural. Hoy hasta una chica de buena familia como Bad Gyal se traviste de choni como expresión artística. Y anoche Naiara celebró ese triunfo. Cuando se subió en lo alto de un coche de choque (excelente escenografía, por cierto), con un pie en el asiento y otro en el volante, lo hizo con la seguridad de alguien que no es la primera vez que se pone de pie en un coche de choque. Porque puede que todas las chonis que vivieron antes que Naiara sufrieran discriminación de lunes a viernes, pero los fines de semana eran las putas reinas. En la feria eran las personas más importantes. Todo el mundo quería estar con ellas. Y para Naiara todos los días son sábado noche y todos los coches son coches de choque.
Ella se comió la canción a bocados y eso que estamos hartos de escucharla. Donde Rosalía canta con languidez, Naiara berreó como lo que es: la tía más chula de España. La cantó en un tono alto imposible, aunque habría dado igual que no cantase y solo botase de un lado a otro. Es que no hay dudas de que podría haber hecho la misma actuación con un cubata en la mano sin derramar ni una gota. Naiara da ganas de llamar a Prime Video y pedir que te suban la tarifa. La segunda mitad makinera de la canción fue uno de los momentos más inmediatamente icónicos de todo OT y cuando gritó “¡acelera!” (probablemente el título de su disco) y se tiró al público se proclamó la ganadora de la edición. Quede primera o no. Ella ha ganado todo esto. Durante su valoración, Pablo Rouss recordó que en la gala 0 le preguntó a Naiara qué podía hacer OT por ella. Diez semanas después, lo que realmente hay que analizar es todo lo que ha hecho Naiara por OT.
Y después de esta locura, justo lo que nos apetecía: Martin cantando una balada. ‘Ya no te hago falta’ era idónea para él, porque tiene una melodía en la que todos los versos acaban en puchero. Lo que hace que Sen Senra cautive cuando la canta es que performa de manera muy teatral. Y Martin… no. Su actuación fue bonita y cantó muy bien, pero ir entre Naiara y Paul diluyó el impacto sentimental de la canción. ¿Cómo iba a crearse atmósfera cuando el público todavía estaba sacándose de la boca el pelito del abrigo de Naiara?
Paul Thin debería ser descalificado porque está en otra liga. Hasta su puesta en escena alcanzó un nivel nunca visto en OT, con ese baile conceptual que evocaba surrealismo y psychothriller. Cris Regatero lo definió muy bien cuando dijo “Eres magnífico y a la vez creas duda”, porque Paul siempre da susti-gusti: no sabes si abrazarle o bloquearle en WhatsApp. Paul bordea la grima sin miedo, la atraviesa y sale por el otro lado convertido en una superestrella. Parecía que ‘Paenamorar’ era una canción suya. Su puesta en escena estuvo apoyada por un cuerpo de baile sensacional (imaginaos este número coreografiado por Poty) y recreó en imágenes expresionistas un dolor muy concreto: todo lo que ocurre dentro de la cabeza de un hombre que no puede culpar de su infelicidad a nadie más que a sí mismo. Paul despertó tanta compasión que daba ganas de perdonar a todos los tíos que te han hecho ghosting porque igual lo estaban pasando fatal los pobres.
Se ha hablado mucho del “estilo de Ruslana”. Que si es la nueva Aitana, que si es una rockera. Y resulta que su estilo era Pablo López. Su versión de ‘El mundo’ hizo que fuera más fácil entender por qué a la gente del mundo real le gusta tanto Pablo López. Resulta asombroso cómo logró ser tan expansiva sin apenas moverse, solo cantando desde el estómago (que es donde te duele cuando piensas en el mundo ahí fuera) con una visceralidad que no se veía en ese escenario desde Alba Reche. Ruslana cantó como si le hubieran roto el corazón seis veces. Y lo hizo sin inmutarse ante esos dos bailarines que se movían por espasmos como Nicki y Paolo cuando les envenenaba una tarántula en ‘Perdidos’. La realización estuvo a la altura (ayer fue realmente buena en todas las actuaciones) y Ruslana no tuvo miedo a estar sobreactuada, teatral y regia como una diva moderna. El espíritu de Rocío Jurado vive y se manifiesta donde menos te lo esperas. Y anoche Ruslana encontró de nuevo su voz cuando muchos, incluso ella misma, la habían dado por perdida. ¿Acaso eso no es madurar?
Juanjo cantó ‘Take On Me’ rodeado de figuras troqueladas a tamaño real de sí mismo. Tras diez galas, por fin actuó con su concursante favorito. Esa escenografía dejó escapar la oportunidad de poner todas las versiones de Juanjo: Juanjo de Jotalent, Juanjo de Masterchef Junior, Juanjo de Idol Kids, Juanjo de Vanity Farm, Juanjo de Aragón en abierto, etc. Él es el mejor vocalista de la edición y realmente dio gusto escuchar cómo llevaba los falsetes de ‘Take On Me’ a la estratosfera. Pero como de nuevo acertó Cris Regatero, no llega nunca a “ensuciarse”: se paseaba por el escenario sin rumbo fijo, sin ritmo y sin llenarlo en ningún momento (paradoja, porque estaba literalmente lleno de Juanjos). Esto se debe en parte a que, tal y como él mismo contó, después de dos días ensayando un recorrido con efectos visuales le dijeron que no habría efectos y que hiciera “lo que le diera la gana” con poca antelación.
Hay muchos motivos para ver OT. Muchísimos. Pero por encima de todos ellos está la posibilidad de que en cualquier momento pueda ocurrir algo como lo que hizo Bea anoche. Los arreglos a lo musical de Broadway que le hicieron a ‘Se acabó’ (muy ‘Defying Gravity’ de ‘Wicked’, muy ‘Let It Go’ de ‘Frozen’) construyeron una de las mejores versiones que se han hecho en OT. La canción adquirió una textura de himno: si la original venía del barro, esta se elevó a los cielos. Pero fue Bea quien la hizo volar. Los planos del público mostraban un montón de chavales en trance. Esta vez no coreaban la canción. ¿Cómo puede ser, si ‘Se acabó’ es una de las canciones más machacadas de la música española? Pues porque Bea consiguió que sintiéramos que la estábamos escuchando por primera vez.
Cantó con un gusto exquisito: cada giro, cada subida y cada quiebre de voz añadía capas emocionales a la letra. Bea transmitió todas las emociones humanas, desde el rencor hasta la frustración, la lástima o la alegría. Pero ‘Se acabó’ es una canción sobre la rabia y de eso Bea sabe mucho. La rabia que ha debido de sentir al saber que tenía todo eso dentro y no conseguía sacarlo, hasta el punto de dudar si realmente lo tenía. Eso sí que tiene que dar rabia. OT es el programa más disfrutable de la tele porque nunca se consume descontextualizado. Cuanto más lo ves, más lo ves. Es un formato en constante diálogo consigo mismo. Y la actuación de Bea es un ejemplo perfecto de ello: para cualquier espectador casual fue un espectáculo, pero para el que lleva once semanas viéndolo fue un triunfo épico que solo crecía y crecía con cada nueva estrofa precisamente porque era Bea quien lo cantaba tras varias semanas de sufrimiento. Solo OT es capaz de ofrecer recompensas emocionales de este calibre. Cuando Bea cantó el “mi mundo es otro” final y alcanzó una nota final que nos hizo creer en Dios, efectivamente su mundo ya era otro. Uno en el que, pase lo que pase con el resto de su carrera, ha hecho una actuación de la que los fans hablaremos durante años cuando nos digamos “el OT de antes sí que molaba”.
Chenoa les dijo a Lucas y a Chiara que “habéis ganado los dos”. Que a ver, no. Pero el optimismo de Chenoa está en sincronía con todo lo que representa OT. Y ella es, de los cinco presentadores que ha tenido el programa, la que lo ha vivido con más intensidad. Chenoa es una fan más. Proclamó la salvación de Lucas con un arrollador 67%, demostrando una vez más que Twitter no es el mundo real, y anunció que la gira va a tener “más fechas en más lugares”. Esto quiere decir que van a pasar cosas en sitios.
Y hablando de cosas que pasan en sitios, realmente Masi es una cosa que nos pasa a todos cada lunes. Chenoa la anunció diciendo que es “su momento favorito”. ¿De entre todo lo que ocurrió anoche ese es su momento favorito? Igual es su momento favorito porque puede aprovechar para pirarse a darle unas caladitas al IQOS, porque salió por patas antes de que Masi pudiera decir “la formación es muy importante”. Lo del público coreando “¡Tres mil euros!” con un entusiasmo que ni que se los fueran a dar a ellos queda como una rifa de pueblo glorificada, pero es un momento imprescindible para que Masi coja aire. Ella anunció que el favorito era Paul con un 42% y abandonó el plató mientras la audiencia se quedaba con esa sensación que provocan siempre las intervenciones de Masi: una sensación parecida a cuando te bajas de la elíptica y retomas tu vida normal pero extrañamente sientes que sigues en la elíptica. Una calma tensa. Y unas ganas inexplicables de volver a subirte a la elíptica el lunes que viene.
A continuación, el jurado puntuó a los concursantes en un segmento de 23 minutos. Veintitrés minutos.
Veintitrés.
Minutos.
La idea tenía potencial, pero las valoraciones eran tan largas y tan genéricas (excepto algunas de Cris Regatero) que el supuesto clímax de la noche fue, como diría Gustavo Bueno, un auténtico coñazo. Para empezar las notas eran altísimas, lo cual impedía cualquier perspectiva porque todos tenían casi la misma y los 8 se sentían un 4. Lejos quedan aquellas noches vibrantes en las que Javier Llanos le cascaba a Idaira un 5,5. Las valoraciones consistían en una ristra de palabras y un número al final que podía o no estar relacionado con las palabras. Por ejemplo, Pablo Rouss a Martin (“me pareces de los mejores”, un 8,5) o a Ruslana (“te auguro un futuro increíble”, un 8,5). O Cris Regatero a Martin (“me pareces un animal escénico”, un 8). Es curioso como, a pesar de ser un concurso, puntuarles con notas numéricas resulta tan impersonal, reduccionista y hasta cruel. Por otra parte, el criterio es aleatorio: de unos valoran la evolución, de otros la voz, de otros el trabajo, de otros la actitud. Al final los jueces lo que están haciendo con esas valoraciones abstractas es racionalizar algo tan irracional como “tú me gustas mucho” y “tú me gustas menos”. Pero queda poco televisivo y encima Pablo Rouss se lo tomó con tanta calma que al final Buika tenía que ir a toda hostia.
Naiara y Juanjo fueron los mejor puntuados, lo cual es consecuente porque nunca han estado nominados, y cuando se abrazaron en el escenario Chenoa gritó “¡Ay, que se le ve todo!”, como si Naiara no llevase así diez galas. Los profesores salvaron a Paul porque si te parece no le salvan. Martin y Ruslana quedaron últimos (cuando han hecho mejor concurso objetivamente que Lucas o Bea), pero quizá sufrieron haber sido favoritos prematuros y fueron adelantados por los marginados a los que nadie vio venir. Al público le sobran motivos para votar por los cuatro que se han quedado en vilo. A Martin porque con suerte le dan otro número de baile. A Bea porque los perfiles como el suyo (vocalista tradicional) suelen tocar techo en el concurso y lo tienen más difícil para abrirse camino en el mercado musical al salir. A Lucas porque queremos ver cómo le queda la cresta. Y a Ruslana porque por qué no íbamos a querer ver más actuaciones de Ruslana. Votad con el corazón. Al fin y al cabo, de eso va todo esto.
¿Has escuchado ‘yes, and?’? Si lo has hecho, confórmate con ello hasta el 8 de marzo, fecha de lanzamiento de ‘eternal sunshine’. Ariana Grande ha confirmado que no publicará nada más hasta que salga el disco, por lo que ese será el único avance.
«Quería decir que… por mucho que me cueste aguantar las ganas de compartir otra canción o single con todos vosotros cuanto antes, me encantaría que esta vez experimentarais el álbum al completo», ha escrito la artista en una story de Instagram. Al igual que sucedía con ‘positions’, esta será la segunda vez que publique un álbum habiendo lanzado una única canción antes (aunque, en el caso de ‘positions’, el tiempo de espera fue solo de una semana).
El single principal de ‘eternal sunshine’, ‘yes, and?’, fue publicado el pasado 12 de enero. La canción es una completa entrega a los ritmos del house-pop de finales de los 80 y principios de los 90. No obstante, de momento su éxito es bastante discreto. Pese a que debutó en el número 1 del Billboard Hot 100 de Estados Unidos, esta semana ya está fuera del top 15. Además, también ha bajado significativamente en Spotify USA (#41).
Aun así, esto no significa que la nueva era de Ariana Grande no vaya a tener más singles: «Por supuesto, habrá más singles de este proyecto cuando salga a la venta (y puede que estemos guardando alguna que otra sorpresa para entreteneros hasta entonces, no os preocupéis). Pero esperar un poco más para que podáis escucharlo por completo la primera vez es mi forma ideal de que todos experimentéis este trabajo». «Gracias por confiar en mi visión y mi plan», ha añadido la artista.
