Emilia, la cantante argentina que se diera a conocer en su etapa de integrante de la banda uruguaya Rumbai, y que en solitario ha lanzado singles de escuchas millonarias como ‘cuatro veinte’ o ‘como si no importara’, sigue sumando éxitos. Su nuevo disco, de nostálgico concepto, ‘.mp3’ (atentos a la portada), está disponible desde hace unos días.
El disco incluye una colaboración -por alguna razón inédita- con Nathy Peluso, pero la noticia es que al menos dos de sus singles están siendo oficialmente un éxito en España. ‘La Original’, con Tini, ha subido al puesto 17 de Spotify, y ‘No se ve’ con LUDMILLA y Zecca aparece en el 39. En la lista de Promusicae, ‘No se ve’ se mantiene en el 39.
Merecería igual repercusión ‘La Original’, la Canción Del Día de hoy. En un disco que coquetea con diferentes estilos de pop comercial de los años 2000 (‘Facts’ suena a Justin Timberlake, ‘Jagger’ a Ciara, ‘Iconic’ a Ne-Yo, ‘GTA’ mira a los clubs, ‘Exclusive’ menciona a los Black Eyed Peas), ‘La Original’ apuesta por el house. No exactamente el que hacía «Madonna en los 90», pero casi.
El piano house más basicote y efectista es una influencia en ‘La Original’, un tema producido por Andrés Torres y Mauricio Rengifo, autores de ‘Los Ángeles’ y de otros temas de Aitana, y de ‘Despacito’. Aquí, Emilia, Tini y sus co-autores (entre ellos Duki) entregan un buen single que bailar en las discotecas.
En ‘La Original’, Emilia y Tini «apagan la TV» para «hacerlo profesional», sin que sea necesario explicar mucho más. Un «mua» cierra la grabación recordando a aquel single olvidado de Dua Lipa. «Siempre trato de mostrar todas las partes de mí misma, pero siento que con todas las críticas a las que a veces nos enfrentamos, nos escondemos y no queremos mostrar nuestra verdadera esencia», describe Emilia. «Esta canción habla sobre eso».
La portada del cuarto disco de Led Zeppelin, conocido popularmente con el título de ‘Led Zeppelin IV‘, y publicado en 1971, es una de las más icónicas de la historia, pero encerraba un misterio, pues la identidad del hombre que aparece en ella se desconocía.
Hasta ahora. 52 años después del lanzamiento de «Led Zeppelin IV», el investigador inglés Brian Edwards ha descubierto la fotografía original, tomada en la época victoriana a Lot Long, un pajarero de Wiltshire, por el fotógrafo Ernest Farmer.
El investigador de la Universidad de West England descubrió la instantánea, que reconoció al instante, rebuscando en un álbum de fotos que había encontrado en una casa de subastas, acorde con la información publicada por The New York Times.
El descubrimiento confirma que la imagen que aparece en la portada de «Led Zeppelin IV» no es una pintura, como se ha creído durante décadas, sino una fotografía. La instantánea original es en blanco y negro, pero la que lleva color aplicado -la que aparece en la portada- nunca se ha recobrado. Se dice que Robert Plant y Jimmy Page encontraron la fotografía inicialmente visitando un anticuario.
El hallazgo de la imagen de Lot Long ha arrojado más luz acerca de la identidad del hombre, que era viudo en el momento de la captura de la instantánea, y vivía en una cabaña situada en Shaftesbury Road. Long habría nacido en Mere en 1823 y fallecido en 1893.
Frank Ocean empieza a preparar su regreso… o eso parece. En los últimos días, Ocean se ha mostrado especialmente activo en redes sociales, a las cuales ha vuelto después de un largo periodo de silencio. En los stories de su perfil de Instagram, @blonded, Ocean ha estado publicando imágenes de él haciendo diversas actividades: en una foto ha aparecido cenando, en otra, entrenando en el gimnasio. Cualquiera diría que está intentando transmitir que está de vuelta, y esta vez en serio.
Como para confirmar las sospechas de sus seguidores, el siguiente movimiento de Ocean en redes ha sido la publicación del trozo de una canción nueva. Un minuto ha sido suficiente para levantar las alarmas de los fans, y eso que la canción o, al menos, el fragmento que Frank ha mostrado, no se aleja demasiado del sonido de ‘Blonde’. En el snippet, Frank canta acompañado de una melodía de teclado.
Este año, Frank Ocean ha regresado a los escenarios por primera vez después de seis años, en el festival Coachella, aunque dejando un sabor agridulce, pues el primer concierto confirmado ni se pudo retransmitir, ni se consideró una revelación a nivel artístico. El segundo de los conciertos anunciados debía ser cancelado debido a una lesión del artista.
Frank Ocean aún ha de publicar su tercer álbum de estudio, si es que existe. Desde ‘Blonde‘, un disco editado en el año 2016, Ocean ha lanzado varios singles sueltos, como ‘Chanel’ o ‘Biking’, pero su proyecto largo se está haciendo de rogar. Sus singles más recientes, ‘Cayendo’ y ‘Dear April’, datan de 2020. Al menos, no se puede decir que Ocean haya estado completamente callado en todo este tiempo.
Mujeres se encuentra en un momento especialmente dulce. ‘Desde flores y entrañas‘, su nuevo disco, puede ser el mejor de su carrera. Además, ha dado al trío de Barcelona su primera entrada en la lista de álbumes oficial de España, nada menos que en el puesto 18. El estupendo dato se debe, en gran parte, a la buena venta de la edición física. Y es que la edición de vinilo ha alcanzado el tercer puesto de los más vendidos en el país.
Cuando me reúno con Pol, Yago y Arnau en su local de ensayo, hace unas pocas semanas, ‘Desde flores y entrañas’ todavía ha de ver la luz. Los chicos, rodeados de instrumentos y cables, dan detalles de la creación del álbum y de su variedad de estilos, y explican los motivos por los que creen ha logrado mantener el proyecto en el tiempo, hasta llegar al lugar en que se encuentran hoy.
‘Desde flores y entrañas’, ¿de dónde viene el título?
Yago: Nosotros escribimos todos a la vez, hay un aire de collage en lo que hacemos, esa cosa de juntar conceptos contrarios o que se repiten, ‘Romance romántico’, ‘Sentimiento importante’… Para este disco hicimos una lista de cosas y, decidiendo las temáticas del disco, cuando sabíamos que iba a ser más introspectivo, de repente Arnau mencionó el título de ‘Potro de rabia y miel‘ de Camarón de la Isla.
Arnau: Empezamos a tirar por ahí, por la idea de las flores, de florecer, y lo combinamos con algo diferente que rompiera con ello. El disco es un arrojo de contar muchas cosas, se puede decir que el grupo se ha «vaciado» y que las canciones le han salido de las “entrañas”. Estas 17 canciones es todo lo que tenemos y son para vosotros.
¿Hasta qué punto fue un punto de inflexión vuestro single con Cariño? Es vuestra canción más escuchada. ¿Dijisteis, tenemos que ir por aquí, este es el camino?
Pol: Aunque empezamos siendo una banda de garaje, nunca hemos querido hacer canciones de género, siempre hemos intentado hacer una canción de pop y mirado mucho las melodías. Con Cariño la cosa rara fue la introducción del sintetizador, las voces femeninas, la estructura… Más que a la melodía, ‘Al final abrazos’ lo que hizo fue abrirnos al público de Cariño. Mujeres parece que es una banda de pogos, sudor y latas de cerveza, pero en realidad es una banda muy melódica.
Yoga: En este disco nos hemos atrevido a un montón de cosas, no solo por ‘Al final abrazos’, también pienso en ‘Algo memorable’, el tema final de ‘Siento muerte’.
El sonido del organillo de ‘Al final abrazos’ está presente en varias canciones del nuevo disco, como ‘Horizontal en llamas’ o ‘Si piensas en mí’.
Pol: Es un teclado (se levanta y toca el sintetizador).
Yoga: Somos fans del lo-fi, de los instrumentos que en principio no son estándar o que no suenan perfectamente afinados. Pensamos en comprar un teclado de los años 60, pero queríamos algo cacharrero, y en el disco hay canciones grabadas con un 4-pistas de cassette. Hay cosas que no cuidamos mucho y el teclado es un ejemplo.
(Pol toca la melodía de ‘Al final abrazos’): Este sintetizador lo encontró Yago por ahí.
Suena a Casiotone, como de juguete, pero hay canciones de Prince que tienen este sonido también.
Pol: Es una cosa de plástico, del cole, Yago lo trajo y me acordé de que mi hermano mayor tocaba este instrumento en el colegio. Es un Bontempi.
Yago: Compramos un segundo teclado por miedo a que se rompiera.
¿Qué temas del nuevo disco habéis grabado con un 4-pistas?
Yago: ‘Temporal sentimental’ y ‘Una pasión concreta’.
La mayoría de temas los habéis grabado en estudio. ¿Cómo le habéis dado unidad a todo?
Yago: Nuestra intención no era sacar un disco tan largo. Cuando estuvimos grabando el disco, queríamos planificar bien el repertorio, aprovechando que íbamos bien de tiempo. Algunas canciones las pensamos para que fueran caras b, para que salieran planchadas con los singles, y en algunos casos no teníamos ni intención de acabarlas. Eso de la unidad ha sido al azar, porque la idea no era que fuera todo un conjunto. Pero han terminado dando variedad al disco. Hay gente que graba con distintos productores. Se podría ser mucho más radical.
¿El disco se diferencia de los anteriores por ser más variado?
Yago: Sin duda.
Arnau: Aunque sea tópico, cada vez tenemos las ideas más claras, tocamos mejor y podemos llegar más allá, que en un grupo de nuestro estilo tampoco es tanto. En este disco, yo por lo menos, tanto en coros como en batería, he conseguido tocar y sonar exactamente como había buscado hacerlo en discos previos pero, por falta de talento o de tiempo, no había podido. Además, hemos tenido más tiempo para ensayar.
Yago: Hemos tenido más tiempo de currar los detalles y de pensar las canciones una por una.
Pol: El disco, en principio, eran 12 temas, y esos eran los que más habíamos preparado, y por otro lado habíamos planeado las caras b, pero al meterlas dentro del disco lo han hecho más variado.
Yago: Fue el sello que nos decía, lo meteríamos todo, lo meteríamos todo. Nos pareció de locos, nosotros los discos los solemos visualizar cortos, pero, en esta ocasión, se ha dado así.
Arnau: Mandamos todas y nos contestaron que les gustaban todas. Desde el sello nos decían que, al ser el sexto disco, era una buena manera de presentarnos de nuevo.
Pol: Es un regreso de la banda por todo lo alto, haciendo algo diferente.
Yago: Hay grupos que nos han dicho “pero si teníais para dos discos”.
Arnau: Creo que ha quedado mejor así que si lo hubiéramos partido en dos discos o en epés. El disco se pasa rápido, aunque sean 17 canciones.
Yago: Nunca nos hemos atascado con un disco, no he tenido la sensación de que tuviéramos que retener los temas.
¿Qué parte del disco estaba ya hecho cuando salió ‘Rock y amistad’?
Pol: Partes, estribillos, puentes, pero canciones enteras no había.
‘Cuando lágrimas arden’ tiene un punto hawaiano, pero cuando parece que va a empezar, se acaba. ¿Era una de las caras b?
Pol: Lo has percibido como un tema, pero realmente eran dos, y decidimos unirlos.
Yago: Aunque la idea de las caras b nos gusta, nos gusta sobre todo acumular un repertorio. Nos gusta escribir canciones que pueden ser “intermisiones”, que no terminan de ser canciones propiamente dichas, pero que nos flipan. Tony Molina lo hace mucho.
¿Os divierte especialmente esta fórmula de canción de empezar con armonías y después desahogaros en guitarras?
Pol: De hecho, cuando antes has hablado de ‘Al final abrazos’, que empieza un poco así, minimal, y luego revienta, eso lo empezamos realmente a hacer haciendo una versión de Grauzone, eso nos marcó el camino. Pero creo que tampoco lo hemos replicado tanto.
Yago: Ese rollo de sonar a los 60 y luego combinar eso con música más cañera nos encanta, pero nunca nos hemos parado a pensar en cómo empiezan o terminan las canciones. Ha sido más de ensayar. ‘Romance romántico’ fue determinante.
«Mujeres parece que es una banda de pogos, sudor y latas de cerveza, pero en realidad es una banda muy melódica»
‘Horizontal en llamas’ es excepcional en vuestra carrera, no tiene baterías.
Pol: Por eso ha sido el primer single, porque es muy diferente a todo lo que hacemos.
En el disco habláis de amores y desamores, también de fracasos personales, pero me da la sensación de que siempre mantenéis cierta ambigüedad, como que las letras nunca son del todo concretas.
Yago: Nos gusta la ambigüedad, nos gusta hacer frases directas pero que el fondo brille por su complejidad, o por su misterio, dejar las cosas abiertas. No querer responder siempre a todas las preguntas. Es cierto que en los discos abarcamos muchos temas, pero todos ya estaban en ‘Siento muerte’ o en otros discos.
¿De qué letra estáis más orgullosos o tenéis más ganas de cantar en directo?
Pol: Me gustan mucho las letras sencillas, las de ‘Horizontal en llamas’ o ‘Diciendo que me quieres’. O las que tienen un estribillo que es una frase que en directo la pueda cantar la gente con el puño al aire, como ‘Si piensas en mí’.
Arnau: Me viene a la cabeza una frase, “a veces hay que rendirse a la emoción y a los sentidos”, que entra al final de la canción, cuando cambia todo de ritmo, la voz parece de Juanita y los Feos y cambia a un rollo más de punk español. La frase me parece muy chula.
Yago: Me gusta mucho el texto de ‘Cuando lágrimas arden’, porque habla de la pérdida, y creo que ha quedado redonda.
«Con cada disco nos ha ido mejor, poco a poco. Sobre todo hemos seguido tocando, nos hemos mantenido con las guitarras, no hemos hecho reggaetón porque es la tendencia»
Da la sensación de que estáis emocionados por probar cosas nuevas.
Pol: Dentro de unos límites, somos una banda de rock.
Hay un tema en el álbum, ‘Diciendo que me quieres’, que es Phil Spector total.
Arnau: No me dejaron poner castañuelas, porque está muy escuchado.
Yago: Era ya demasiado.
Arnau: Era un poco caricatura.
Yago: Al final Mujeres es un grupo clásico, que experimenta, pero las canciones aún te llevan a lugares familiares.
Pol: Haces los singles y los 9 temas que te sobran, pueden ser más experimentales.
Yago: El objetivo de un álbum hoy en día no es que se escuche entero, creo, pero hay gente que le mola.
¿Cómo surge la idea de El Club de los Sentimientos, vuestro club de fans?
Pol: Queríamos hacer algo que acompañara el lanzamiento de los singles, y tener una línea directa con el público que es la newsletter. Esto viene de que somos un grupo que desde las redes y los conciertos tenemos contacto con nuestro público. Les contamos cosas del grupo, les hacemos regalos… Es un espacio abierto. En los shows habrá un diálogo con el público, y el material lo pillaremos de lo que ellos nos han enviado.
Vuestra carrera realmente ha sido de fondo. ¿Reflexionáis sobre esto? ¿Qué ha conectado con el público para que os mantengáis tantos años?
Yago: Hablamos mucho sobre ello, el disco también. Yo creo que hay varias razones: el grupo tiene un momento de cambio, a partir del tercer disco, en el paso de cuarteto a trío, y en el paso del inglés al español. Ya llevamos seis años de carrera en este camino y el grupo ha crecido desde ahí. Yo La Tengo, en los primeros 10 años, no se comieron un torrao, y fue con el cambio de bajista, con ‘Painful’, con Matador, que lo petan.
Pol: Nosotros no hemos tenido un gran momento de petarlo, pero con cada disco nos ha ido mejor, poco a poco. Sobre todo hemos seguido tocando, nos hemos mantenido con las guitarras, no hemos hecho reggaetón porque es la tendencia.
Arnau: La clave es que no hemos parado de tocar nunca. Se hace dura la conciliación familiar, ha habido fallecimientos de personas durante toda la época del grupo, y siempre hemos tenido el grupo como una cosa central en nuestras vidas. Todos hemos hecho esfuerzos para que todo siga. Siempre hemos tenido nuestros trabajos aparte del grupo, y eso nos ha hecho ponerle un esfuerzo extra. Ahora estamos más tranquilos.
Yoga: En 16 años recuerdo muy pocos conciertos que hayamos dicho que no a hacerlos.
Pol: Normalmente los grupos sacan disco, tocan y silencio. Nosotros siempre hemos estado en la carretera. Algún periodo de pausa hemos tenido, pero no hemos seguido las pautas de la industria.
De momento no tendrá su propia sección diaria en los periódicos de Estados Unidos, pero poco le falta: Taylor Swift ya cuenta con su primer periodista a tiempo completo. Después de varias semanas en las que la cadena de periódicos Gannett, una de las más grandes de EEUU, ofrecía el empleo de periodista swiftie, hoy esa búsqueda ha concluido.
El afortunado es Bryan West, que, a partir de ahora, trabajará en la redacción de USA Today para escribir única y exclusivamente sobre Taylor Swift. Cualquier otra noticia que no tenga que ver con la estadounidense no formará parte de su tarea. Y él ve esto completamente normal. En declaraciones para Variety, ha declarado que «este puesto no es diferente del de un periodista deportivo enfocado en su equipo local». «Soy fan de Taylor y la he seguido durante toda su carrera, pero también tengo experiencia periodística».
Michael Anastasi, vicepresidente de noticias locales de la cadena, ha hablado sobre cómo fue el proceso de selección: «Estábamos muy satisfechos con la calidad de los candidatos. Había de todo: desde reporteros veteranos, incluido al menos un reportero muy consolidado de la Casa Blanca, hasta swifties que tienen blogs y son personas influyentes. Y, por supuesto, había varios aficionados que simplemente seguían sus sueños y esperaban que les tocara la lotería. Pero al final nos quedamos con alguien que creo que tiene el equilibrio perfecto entre ser un periodista veterano con un gran talento informativo y alguien que lo entiende todo sobre el mundo de Taylor y el universo en el que está entrando».
Anastasi también ha aclarado que West estará en cualquier lado que involucre a Taylor Swift, ya sea interactuando con el fandom, en las alfombras rojas, en las paradas de su gira o en galas de premios. De hecho, estará en los Country Music Awards en Nashville como parte de su primera semana de trabajo. Pero lo cierto es que Swift no está nominada ni se prevé que asista. No ha querido confesar a Variety si su misión consistirá en preguntar a las estrellas asistentes cuál es su canción favorita del vault de ‘1989 (Taylor’s Version)’.
West ha querido aclarar que será crítico con Taylor Swift cuando sea necesario. ¿Cuál dice que es la prueba? Sabe mencionar sus canciones menos favoritas de la artista: ‘Stay Stay Stay’, ‘False God’ e ‘It’s Nice To Have A Friend’. También ha confesado sus favoritas: ‘All Too Well (10 Minute Version)’, ‘Long Live’, ‘I Did Something Bad’, ‘Death By A Thousand Cuts’ y ‘Wildest Dreams’.
En respuesta a las críticas que pueden surgir por quienes crean que es un insulto crear este tipo de trabajo mientras los puestos tradicionales se recortan a diestro y siniestro en la industria periodística, Michael Anastasi ha declarado que «esto forma parte de una estrategia de transformación muy deliberada para convertirnos en la empresa que necesitamos para crecer, prosperar y estar en condiciones de servir a todas nuestras comunidades locales de todo el país en el futuro».
Pocos artistas transmiten tanta ilusión por lo que hacen como María José Llergo. La complejidad de su música contrasta con la mirada y las maneras de niña con que te explica la importancia de que su nuevo disco ‘Ultrabelleza’ trate sobre la diversidad, sobre la libertad, sobre la importancia de valorar a las mujeres, al colectivo LGTB+ o a las personas racializadas. Alguien de su compañía te dice que es un gustazo trabajar con ella. Te lo crees en una industria saturada de lanzamientos, estrategias, featurings y también de comparaciones. Su inocencia -solo aparente, insisto, su producto está muy bien terminado- no es algo que se vea todos los días.
La artista que conocimos con un pequeño disco de 7 canciones llamado ‘Sanación‘ lanza ahora esta nueva obra con más cuerpo y consistencia. Llergo, que en uno de sus temas definitivos, ‘Superpoder’, cuenta que «aprendió a llorar cantando» y «aprendió a cantar llorando», no olvida los orígenes de su familia en Andalucía. La primera persona a la que escuchó cantar fue a su abuelo, que creaba sus propios cantares, cuando se peleaba con los vecinos, y de ahí y no de otro lado es que surgió la raíz flamenca de gran parte de su música. A la que añade otras cosas, de manera muy visible su conocida obsesión por Björk, muy perceptible en los beats del mismo tema, y que con la producción de Zahara y Martí Perarnau IV podríamos vincular a ‘PUTA’, pero sobre todo a ‘Homogenic’.
Decía que ‘Superpoder’ es una de las composiciones definitivas de María José Llergo, pues es en ella en la que habla de su versatilidad («años y milenios tardé en comprender que puedo ser torero, espada y toro a la vez») y de sus orígenes humildes («los ceros de mi cuenta no son heredaos, yo sola cantando los he ganao»). También relevante es el texto de ‘Ultrabelleza’, en el que se opone a que el color de piel o nuestra forma de amar nos diferencie. La misma temática que presenta el aflamencado ritmo de ‘Novix’, que presume de novio gitano y de novia gitana a la vez.
En ese punto y añadiendo la particular adaptación de ‘Sabor a mí’, más cerca de lo ambiental que del bolero, el álbum presenta un aire zen que no dista tanto de la new-age. María José Llergo quiere entregarnos un mensaje claramente positivo en un mundo en el que predomina el mal (o muchas veces lo parece), y de ahí el sentido de esa parte más luminosa. Después, es cierto que existen los contrastes: ‘Visión y reflejo’ es un tema mucho más oscuro -también con la firma de Zahara y Martí- y en el disco aparecen otras influencias como el hip hop (‘Juramento’) o el R&B.
Para cerrar ‘Ultrabelleza’, la artista ha escogido dos piezas muy relevantes, ambas co-producidas por artistas internacionales como George Moore y Knox Brown: ‘Lo que siento’ habla de su relación con el escenario, y ‘Lucha‘ de lo que es ser una mujer. «Corre como una niña, pelea como una chica», se burla de las burlas que sufren las mujeres desde pequeñas cuando son ellas quienes dan a luz, «la mayor prueba de fortaleza que hay», en sus palabras.
El disco de María José Llergo puede llegar en un momento en que en la yuxtaposición de flamenco y electrónica brumosa ya no es tan rompedora como hace un par de años. Sí puede vendernos en cambio autenticidad, mensajes bonitos más necesarios de lo que pensabas y una humildad plasmada en el primer tema del álbum después de la «Oración». ‘Aprendiendo a volar’ nos revela que esto es solo el principio del camino, cuando incluso se había dudado de él: «Veo todas las cimas, las cumbres, desde mi ventana. Tan lejos de mí que no he soñado con alcanzarlas», plantea en un primer momento, antes de presumir de que sí, de que el vuelo está, cuando menos, emprendido.
Lady Gaga es hoy un icono del pop indiscutible. Cantante y actriz multipremiada, ganadora de más de una decena de premios Grammy, de un Óscar, y de dos Globos de Oro, Gaga es una de las grandes estrellas del pop del siglo XXI. Cuesta imaginar un día en que Gaga era simplemente Stefani Germanotta, una aspirante a pop star que soñaba con ser la mayor estrella del mundo.
Que Lady Gaga protagonizara ‘Una estrella ha nacido‘ no pudo pillarle a nadie por sorpresa, pues ella siempre ha dicho que todos somos estrellas en el fondo, e incluso llegó a declarar una vez que se ha sentido «famosa toda la vida». Ella se creyó el papel desde el principio.
Así ha retratado a Lady Gaga, en una reciente entrevista, su ex compañera en la Universidad de Nueva York Carly Waddell. Waddell, conocida por su paso por ‘The Bachelor’, y Germanotta estudiaron artes juntas y ambas abandonaron la carrera casi al mismo tiempo.
En una charla con el podcast Trading Secrets, Waddell recuerda que Stefani solía dar la nota cantando por todos lados en la universidad, incluso en la hora del almuerzo. Sobre todo en la hora del almuerzo. «Stefani se sentaba al piano cada día y cantaba ‘Wicked’ a pleno pulmón todos los días», cuenta. «Los demás simplemente queríamos comernos nuestro bocadillo. Era la hora del descanso y de repente estábamos obligados a escucharla. Y sí, ¿era buena? ¡Claro! Era increíble, pero yo solo quería comerme mi bocadillo. Así que comía en los pasillos, porque me volvía loca. Era demasiado».
En la entrevista, Waddell asegura que Stefani no era necesariamente «la mejor» de su clase. «Era de las buenas, pero tampoco estaba súper encima de todo el mundo. Ahora sí lo está», dice entre risas. De Stefani destaca que, en ese momento, ya escribía sus propias canciones, y que ya entonces le parecía un «genio».
Parafraseando a Lady Gaga, puede que haya 100 personas almorzando en una habitación, pero solo una que da la nota y se convierte en el incordio de su clase, llega a lo más alto.
Lady Gaga’s former NYU classmate Carly Waddell says she wasn’t a fan of her because she was “too extra” and would belt songs from ‘Wicked’ during lunchtime:
“Gaga would sit at the piano every single day and just play and sing ‘Wicked’ at the top of her lungs every day. And we… pic.twitter.com/3cIp4DSHog
Slimane ha confirmado su participación en la próxima edición del Festival de Eurovisión. ‘Mon Amour’ es el título de la canción que presentará en Malmö el próximo mes de mayo, además de manera segura, pues, como es sabido, Francia es uno de los cinco países participantes en Eurovisión que pasan directamente a la final, junto a Alemania, Italia, España y Reino Unido.
Ganador de La Voz 2016, Slimane Nebchi es uno de las cantantes más populares de la actualidad en Francia. Sus cuatro discos, ‘À bout de rêves’ (2016), ‘Solune’ (2018), ‘VersuS’ con Vitaa (2019) y ‘Chroniques d’un Cupidon’ (2022), están certificados con al menos un Disco de Oro o un Disco de Platino. Además, las cifras de sus singles, como ‘Des milliers de je t’aime’, se cuentan por los cientos de millones. Slimane cuenta con al menos un single certificado con un Disco de Diamante, ‘Je te le donne’ (2018) con Vitaa, y con varios que han alcanzado el Oro, como el reciente ‘Chez moi’ (2023) con Claudio Capéo, o el Platino, como ‘La recette’ (2022), por mencionar un par.
La confirmación de Slimane en Eurovisión se desmarca de la tónica reciente, pues, en los últimos tiempos, han representado a Francia en Eurovisión talentos más o menos desconocidos, o jóvenes promesas, como ha sido el caso de Barbara Pravi en 2021, Alvan y Ahez en 2022, o La Zarra en 2023. Esta vez, Francia va a por todas enviando a un artista que suena en radios y llena estadios.
Por otro lado, Slimane es ya el cuarto artista confirmado en la próxima edición de Eurovisión. Por las semifinales tendrán que pasar Marina Statti, que representará a Grecia; Mustii, que actuará por Bélgica, y Silia Kapsis, que irá por Chipre.
Paula Koops es una de esas artistas que están devolviendo el sonido del pop-punk a la actualidad musical. Antes de que Aitana apostara por el house, antes de que Sonido Muchacho fichara a Pignoise, Paula Koops ya era abanderada de este estilo gracias a varios de sus éxitos, como ‘Línea 7‘, en el que citaba a C. Tangana sonando a Avril Lavigne, o a su EP ‘La novia del año’.
Avril Lavigne, una de las artistas más influyentes para toda una generación, vuelve a inspirar -o eso parece- el nuevo single de Paula Koops. Porque ‘b.o.b.o.’ recuerda mucho a ‘Girlfriend’, un tema que ya era bastante «bobo» a su vez. En el buen sentido.
Sumándose a la tradición de canciones de pop inspiradas en la cultura de las cheerleaders, ‘b.o.b.o.’ recuerda que lo de ‘Girlfriend’ venía de lejos, pues era un tema abiertamente inspirado en el famoso ‘Hey Mickey’ de Toni Basil… un tema recientemente sampleado en ‘Speed Drive‘ de Charli XCX, otra artista a la que ya hemos visto liándola en el instituto.
Con una base que mezcla las palmas de cheerleader de ‘Girlfriend’ con el sonido de baterías y guitarras típico del pop-punk, Koops entrega, en ‘b.o.b.o.’, una canción de ruptura, dedicada a esa persona que no ha sabido captar las señales. Ella se lo toma con humor: «Con la b, con la o, eres bobo, ¿qué hago yo?», canta Paula en el desenfadado estribillo.
Koops, que fue animadora durante su etapa de estudios en Inglaterra, se inspira en su propia vida en el videoclip de ‘b.o.b.o.’, todo un homenaje a los high schools americanos. Esto dice Koops sobre su nuevo single: “Estoy muy contenta de que al fin b.o.b.o vea la luz, llevo mucho tiempo queriendo contar esta historia y sobre todo que a través de todo el concepto la gente pueda conocerme mejor y ver lo que yo viví durante esos años. Ser animadora fue muy emocionante, pero sobre todo me sentí muy empoderada al estar rodeada de mujeres seguras de sí mismas y que siempre se ponían primero. Es todo lo que queremos transmitir con b.o.b.o”.
Pipiolas, uno de los grupos revelación surgidos del sello Elefant, ultima el lanzamiento de su primer disco, ‘No hay un Dios’, que sale este viernes. En el pasado, Pipiolas ha entregado himnos como ‘Narciso’ o ‘San Peter’, y su debut aún dará cabida a otros temas tan queridos de su repertorio como ‘Baby’, ‘Romancero propio’, ‘No soy un XoXo’ o ‘Pogo en casa’.
El dúo de Adriana y Paula estrena hoy el último de los singles extraídos del disco, y uno especialmente notable, en el que une fuerzas con Ginebras. Colaborando en ‘Todas las horas’, Pipiolas y Ginebras entregan hoy la Canción Del Día.
«Si tú no me quieres no voy a gritar que te jodan», seguido de un grito de «que te jodan», es uno de los buenos momentos que deja ‘Todas las horas’, un tema en el que Pipiolas y Ginebras, con melodías épicas y guitarras distorsionadas, esperan le llegada de un gran amor, mientras aprenden a pasar el rato de otra manera, a medir las horas «de forma muy distinta, a cuando me miras y dejas de hacerlo».
En esta canción de aires brit-pop, en la que las voces armonizadas de ambas bandas se complementan a la perfección, Pipiolas abogan por pasarlo bien. Para expresar este mensaje, Adriana y Paula no se cortan en utilizar una (meta)referencia a su banda amiga, cuando cantan que, mientras ese gran amor llega, «bebo ginebra a la salud de aquel que me quiera».
El mensaje de ‘Todas las horas’ adquiere una segunda lectura en el videoclip de la canción, en el que vemos a la protagonista en la piscina, sintiendo el paso de las horas, en pleno juego de miradas con una socorrista que no acaba de decidir si prestarle atención. Pipiolas y Ginebras son testigos de esa espera disfrutando de la compañía de unas amigas. El videoclip está dirigido por Andrea Casaseca, nominada al Goya a Mejor Cortometraje en 2015 con ‘Sinceridad’.
The Killers encara la época navideña con el lanzamiento de un nuevo recopilatorio de éxitos. ‘Rebel Diamonds’ sale el 8 de diciembre e incluye un tema inédito, ‘Spirit’, así como los singles recientemente publicados ‘Boy’ y ‘Your Side of Town’.
‘Rebel Diamonds’ recopila los singles de The Killers en orden cronológico, e incluye temas seleccionados de todos sus álbumes de estudio, desde ‘Hot Fuss‘ (2004) al recomendado ‘Pressure Machine‘ (2021) pasando por ‘Day & Age‘ (2008).
Recientemente, Brandon Flowers ha declarado que The Killers ha descartado todo el material de un nuevo disco que iba a tomar un camino más electrónico. Flowers no se siente identificado con este sonido y prefiere continuar por la senda guitarrera de los últimos trabajos del grupo.
Cabe recordar que ‘Rebel Diamonds’ no será el primer recopilatorio de éxitos publicado por The Killers. En 2013, ‘Direct Hits’ ya recopilaba 13 de sus singles y, por otro lado, incluía dos cortes hasta ese momento inéditos, ‘Shot at the Night’ y ‘Just Another Girl’.
Tracklist de ‘Rebel Diamonds’:
01 Jenny Was a Friend of Mine
02 Mr. Brightside
03 All These Things That I’ve Done
04 Somebody Told Me
05 When You Were Young
06 Read My Mind
07 Human
08 Spaceman
09 A Dustland Fairytale
10 Runaways
11 Be Still
12 The Man
13 Caution
14 My Own Soul’s Warning
15 Dying Breed
16 Pressure Machine
17 Quiet Town
18 Boy
19 Your Side of Town
20 Spirit
Se viven días de ‘Tension‘ en Madrid. El lunes y martes miles de manifestantes se han congregado frente a la sede del PSOE en la calle de Ferraz para protestar contra la amnistía y la investidura de Pedro Sánchez, y muchos de ellos han acabado a palos con la policía, en un escenario de disturbios que se ha extendido a los alrededores del Congreso de los Diputados.
En medio del caos vivido en suelo madrileño, una nueva revolución florece, capitaneada por los autoproclamados «putodefensores» de una España a punto de romperse para siempre.
Al mismo tiempo, aquello que parecía unir España en un todo inquebrantable se revela como una ilusión. Cantaba Madonna que la música «une al burgués y al rebelde». Pues no: la música divide, rompe, incluso más que la política. Si no, que se lo digan a Vicco, quien ha pasado de poner banda sonora a la gloria femenina en el fútbol español, a ser tildada de «fascista», de la noche a la mañana.
La «revelación» de Vicco no es la que premiaban Los40: resulta que la cantante de ‘Nochentera’ ha revelado, un poco sin querer, pero a la vez queriendo un poquito, que simpatiza a tope con Isabel Díaz Ayuso y que, por otro lado, Pedro Sánchez le cae mal. Vicco no ha expresado ninguna de estas palabras explícitamente, pero lo que ha dado a entender haría cosquillas a Pitingo, y ha sido suficiente para que parte de su base de fans le haya dado la espalda, llamándole cosas como «pepera» o «facha», o alentando su «cancelación». Ahora mismo, Vaquerizo, amordazado por la censura, se sube por las paredes.
La cosa es la siguiente: en una entrevista previa a la celebración de Los40 Music Awards, Vicco juega a un juego de hacer «match» o «next» a diferentes personalidades de la cultura o la política y, sin pensárselo dos veces, Victòria Riba Muns descarta a Pedro Sánchez con cierto desaire. Santiago Abascal is right there, pero Vicco prefiere no dedicarle ni un segundo de su atención. Será eso.
El gesto de Vicco ha devuelto a la luz un vídeo anterior, con el que la polémica se ha amplificado, en el que Vicco básicamente reconoce no tener nada malo que decir sobre Isabel Díaz Ayuso. En la entrevista, el periodista pregunta a Victoria si detecta algún defecto en la presidenta de la Comunidad de Madrid y Vicco responde que no y que «esto es muy difícil». Cuando el reportero bromea que titulará la noticia «la pepera Vicco», la cantante se parte de risa.
La polémica de Vicco demuestra -quién lo habría imaginado- que las palabras tienen poder. Hoy ‘Nochentera’ une menos a España que ayer. El país, roto, busca una salida. Por fortuna, quedan los memes de «Vicco manifestándose en Ferraz» o «cantando» ‘Cara al sol’ en Los40 Music Awards para reírnos un poco del asunto, mientras Vicco probablemente se encuentre urdiendo algún tipo de estrategia para que su single ‘Nunca volverás’ no se convierta en una premonición de su carrera.
‘El Camino‘ es finalmente el debut oficial de Adiós Amores, el grupo compuesto por Ana Valladares e Imán Amar, tras un par de años dando que hablar gracias a temas como ‘Doce navajas’ o ‘Noche Iluminada’. Temas que recopilaron el año pasado en forma de LP bajo el título de ‘Sus mejores canciones‘. Formado cuando rondaba los 25 años, el dúo se ha hecho ciertamente un «camino» a través de la reivindicación de referentes retro que se corresponden más con la generación de sus abuelos que la de sus padres. El «camino» de que nos habla el álbum en cambio es un paso de las emociones tristes a otras más alegres, como nos cuentan en esta charla en las oficinas de Sonido Muchacho.
Habéis hecho marca con un sonido muy identificable, ¿cómo creéis que se consigue algo así?
Ana: «Yo creo que las bandas que dejan mucha huella son las que se hacen de forma muy genuina. Es lo que te sale de dentro lo que consigue hacerte único».
¿Rechazáis colaboraciones, ahora que tanto se lleva colaborar? Por ejemplo, con Morreo pegáis, pero no sé si con muchísima más gente…
Imán: «Más que lo que pegue o no pegue con nuestra música, es que el artista nos guste. Nos gusta mucho lo que hacen Morreo, el carisma. Con ellos fue muy fácil. Nosotras no estamos en la misma ciudad y eso limita nuestras colaboraciones. Pero por ejemplo no querríamos colaborar con alguien a quien no escuchemos. Ese sería el baremo. De ahí se parte».
En el disco hay muchos estilos: cumbia, western… pero casi todo podría enmarcarse en los años 70. ¿Cómo llegáis al sonido de esta década?
Imán: «Y en los 60. Desde que nos conocimos compartíamos este tipo de música. Siempre estuvo ahí. Es verdad que también escuchamos mucha música actual. No nos quedamos en hacer una copia. Intentamos llevar lo que nos gusta al presente».
¿Cómo creéis que habéis actualizado sonidos pasados?
Ana: «Es música que estamos produciendo ahora».
Imán: «Y con el imaginario de ahora. De sonido puede ser un bajo de los 70, pero el imaginario es el de ahora».
Ana: «Metemos mucho sinte. ‘Humo negro’ es más electrónica, y luego hay canciones más clásicas, pero que al final se han hecho ahora».
¿Autotune en el disco hay?
Ambas: «No».
Mi sensación es que sois respetuosas con el espíritu original que os inspira. ¡Creo que sois un poco puretas!
Imán: «Yo no lo veo así, para nada. Si no hay Autotune no es porque seamos puretas, sino porque nos gusta más lo otro. Cuando te pones a componer o a producir, escoges lo que más te gusta. Pienso mucho en los bajos, me gustan mucho los de los 60 y los 70, pero no es que no me gusten los de ahora. Solo es una cuestión de preferencias. No me veo pureta, porque no me veo mejor que lo demás. No es que pensemos que los 60 sean mejores. No rechazamos para nada lo actual».
Imán: «No me veo pureta, porque no me veo mejor que lo demás»
¿A qué os referís con esos bajos? ¿Al funk, al disco?
Imán: «Al sonido. Ese tipo de bajos también se usa mucho en la música actual: bandas que hacen algo más analógico».
¿Los arreglos del disco son analógicos?
Ana: «Los vientos son reales, pero las cuerdas no. Lo íbamos a hacer todo midi, pero nos dimos cuenta de que había mucho protagonismo de los vientos. Pensamos que era buena idea invertir. Teníamos miedo de cómo quedara porque el midi lo controlamos nosotras, pero los vientos, no. Pero Raúl de la Mina se movió y encontró una gente».
Imán: «Siempre hemos grabado midi, tanto vientos como cuerdas, pero me acuerdo de pensar que era nuestro primer disco, y era el momento. Si fuera un single, quizá no lo hubiéramos hecho. Dijimos: «Vamos a hacerlo de verdad».
¿Creéis que es relevante? Ahora hay productores con Grammys que no tocan un instrumento.
Imán: «Yo no creo que sea muy relevante. Todo lo de Adiós Amores era midi y no me parecía que sonara peor».
Ana: «Fue como un capricho. Tampoco es algo que hubiéramos llevado mal. No somos tan exigentes en ese sentido.
¿A qué conciertos habéis ido hace poco o qué discos habéis comprado?
Imán: «Los últimos conciertos fueron Melenas y Ralphie Choo».
«Una característica de nuestra generación es que somos más amplios en muchos sentidos»
Dos artistas muy dispares. Uno os imaginaba perdidas entre discos de Françoise Hardy y Jeanette por vuestras notas de prensa…
Imán: «La gente piensa que ya sabe mucho de ti, por tu estilo. Una característica de nuestra generación es que somos más amplios en muchos sentidos. Con el acceso que tenemos a tanto tipo de música, y que no te da ni tiempo a escuchar, ¿por qué te vas a limitar a música de una época? Te acabas poniendo música diferente y que también te gusta.
¿Os imagináis firmar música muy diferente como Adiós Amores?
Ana: «Hacemos lo que nos sale de dentro. Es lo que nos define. Igual en dos años nos apetece hacer música urbana, con Autotune».
Imán: «Hablamos de cosas que compartimos las dos, pero no decimos «esto es nuestro estilo, esto es lo que hacemos, y ya está». Hemos hecho el disco en plan «vamos a ver lo que nos sale»».
Por otro lado es una pena, que para alguien retro que hay, renuncie a un estilo…
Imán: «No nos autolimitamos en ese sentido. Igual en dos años hacemos algo más electrónico… o igual hacemos retro toda nuestra vida. Hacemos lo que en el momento nos sale».
No sé si para mí esto es vuestro debut. ¡Llevamos escuchándoos mucho tiempo ya!
Imán: «Hay cosas de nuestra logística, de nuestro funcionamiento como grupo, que no se ven. Este es el debut porque es cuando hemos dicho «vamos a hacer un disco». Vamos fluyendo. Si tenemos dos canciones, las grabamos. Pero con este sí dijimos de hacer un disco, con un orden, una lógica. Lo otro fue compilar singles».
Ana: «Normalmente se hace un grupo, un debut, un segundo disco. Nosotras somos más desordenadas en ese sentido. Dijimos: «Vamos a hacer un debut como concepto de disco», pero es verdad que no es nuestra música debut, porque eso ya ha pasado».
Hay un factor un poco sangriento en vuestra música, desde ‘Doce navajas’. Pero también hay música alegre, como ‘Cumbia de la serpiente’, o el final de ‘Canción de Despedida’. ¿Cuánto hay de oscuridad y luz en este álbum?
Ana: «Es un «camino» que empieza desde emociones más oscuras, más tristes, con canciones como ‘Humo negro’, que habla de la soledad, de cosas más duras. Y luego es más optimista, con ‘Soleada’, «Serpiente»… Lo guay es que no te deja en una emoción. No es de sentirte siempre arriba. Hay momentos tristes y de bailar».
¿Os ha condicionado el directo para ir incluyendo temas alegres y de bailar?
Imán: «No. En los directos nos reímos un montón, hablamos, hay un contacto. Esa barrera se rompe».
Ana: «Cantamos ‘Doce Navajas’ pero con una sonrisa (risas)».
¡Eso da más miedo todavía!
Imán: «Yo creo que más que pensando en los directos, pensamos en la naturaleza del disco. Es un camino. Empiezas con dudas, estando peor, y luego va abriéndose un «camino» desde ahí. Al final vienen la alegría y la liberación, se transforma de forma alegre».
¿Usáis la música como terapia, como forma de expresar emociones? ¿U os interesa más la consecución de imágenes novelescas? A veces lo parece.
Ana: «En este disco hay muchas cosas personales. Las canciones de antes sí buscaban una imagen, una ilustración. Ahora hablamos de algo más íntimo, y nuestro, pero al expresarlo lo decoras».
¿Cuáles serían las canciones más personales?
Ana: «Humo negro».
Imán: «Ese lugar».
Ana: «Las dos súper tristes»
Imán: «Quizá las cosas tristes son más complicadas de expresar».
Pensé que era al revés, que era difícil hacer canciones alegres.
Ana: «Las cosas negativas te generan más creatividad, pero es exponerte muchísimo. El cliché del amor. Expongo que estoy enamorada. Para componer me sirven más las emociones negativas, que las positivas».
¿Cuán importante para vosotras es el componente visual?
Ana: «No es nada premeditado, pero a las dos nos gusta la estética de las cosas. Nos fijamos mucho en eso. Lo intentamos cuidar, pero no lo hemos buscado».
Tenéis un vídeo muy esotérico…
Ana: «Pues no es tan premeditado. No sabría definirlo. Pega con el imaginario de Adiós Amores y se empieza a construir desde ahí».
Imán: «Estéticamente hay cosas que te gustan, te llaman la atención y hay otras cosas que no harías. Si te encaja disfrazarte de bruja… pero no es lo que nos gusta desde siempre. De hecho, se va ampliando. En los primeros meses de banda, quizá no encajaba ser una bruja».
¿Habéis sufrido algún estigma como personas jóvenes? Por ejemplo, esta mañana se comentaba en una charla donde estaba, que no toda la gente joven usa TikTok. ¿A vosotras os gustan las redes?
Imán: «Sí. A nivel personal me entero de muchas cosas. Me inspira un montón. Todos decimos de vez en cuando «voy a estar sin redes tres días» y de repente no te enteras de muchas cosas, no me estoy inspirando. Lo uso. A mí me parece muy útil. Como todo, lo tienes que filtrar. Hay muchas cosas y tú las intentas filtrar».
Ana: «Yo tengo redes sociales, y las consumo, pero yo no subo cosas. Aplaudo a la gente que sabe usarlo, pero me da rabia no querer».
«Si nosotras hacemos música más retro, parece que no te correspondes con la gente joven»
Mucha gente cree que la gente joven solo escucha urban, trap, latino… y de repente sale un grupo como vosotras… Por otro lado, tampoco es que ya se use mucho la palabra indie…
Imán: «Nos pasa de los dos lados. Si nosotras hacemos música más retro, parece que no te correspondes con la gente joven. ¿Por qué cuando se habla de la música que hace una generación, parece que te sacan de ahí? Es muy interesante: hay un problema (risas).
¿Qué tipo de público tenéis?
Imán: «De todo. Joven y más puretilla (risas)»
Ana: «Hay un sector de gente de 40 años que le gusta mucho. Me gusta conectar con gente de diferentes edades. El otro día hablando con un chico que tiene una banda nos decía: «Mi grupo no conecta con la juventud, le gusta a la gente mayor».
Imán: «Está guay, aunque luego te sientes y no puedas hablar de nada (risas)».
¿Qué les parece el grupo a vuestros padres?
Ana: «Les encanta, pero si hiciéramos otra música, también les encantaría (risas)».
¿Ellos qué escuchaban?
Imán: «Mi padre no escuchaba mucha música, ponían la radio».
Ana: «Supertramp, Police…»
Vaya, que no descubristeis a Jeanette por ellos o vuestros abuelos…
Ana: «No, yo a Jeanette la descubrí por mí misma».
Imán: «Quizá por eso nos gusta».
No tenéis una nutrida colección de vinilos…
Imán: «Yo no tengo reproductor de vinilos. Estoy siendo totalmente sincera».
Quien se hubiese interesado en husmear los setlists del tramo veraniego de la gira de los Magnetic Fields por los EE.UU. comprobaría si asistió a alguno de sus recientes tres conciertos en España que el set interpretado era idéntico: 30 canciones escogidas de toda su discografía, tocadas en el mismo orden. 27 del tirón, falsa despedida, y tres bises.
Lo que podría parecer un spoiler resultaba ser en realidad todo lo contrario: el carácter teatral de buena parte de la música del grupo -emparentada tanto con el pop con la tradición del gran cancionero americano- otorgaba a esta previsibilidad una sensación parecida a la de ir a ver una ópera conociendo el libreto.
Así pues, un teatro ligeramente decadente reconvertido en sala de conciertos con un íntimo encanto (la sala Oasis de Zaragoza) resultó este domingo el emplazamiento idóneo para un concierto de este colectivo de nerds románticos comandados por Stephin Merritt. El planteamiento escénico, el previsible: músicos sentados, instrumentos mayormente acústicos, Merritt a la derecha, y todo con un volumen razonable pero nunca atronador, lo cual suponía una triple ventaja: no sobrecargar el dañado tímpano de Stephin, producir la música a un nivel perfecto para lograr la sutileza, y mantener a lxs fieles de la banda (de por sí ya volcadxs) con una atención y un civilizado silencio tan de agradecer.
El repertorio se desgranó a lo largo de una maravillosa hora y media como una cascada de magia y precisión. El hecho de que las piezas de los Magnetic Fields tiendan a la brevedad (especialmente las varias selecciones de ‘Quickies’) propició que por momentos los flashazos de belleza y genialidad fueran abrumantes secuencias de joya tras tesoro, sorpresa tras emoción, a menudo al borde de la risa y de la lágrima. Daba igual que fueran canciones bien conocidas o secretos “album tracks” que ya no recordabas de discos tan extensos como ‘50 Song Memoir’: la inmediatez de las tonadas de Merritt, su asombrosa facilidad para una nueva melodía simple y perfecta, podía conmoverte tanto como ese clásico que llevabas décadas esperando oír en directo… y cantar (pero bajito para no molestar).
Así pues, en esa ametralladora musical y emocional en cámara lenta hubo espacio (y perfecta coherencia) para selecciones históricas como la casi inicial ‘I Don’t Believe in the Sun’, o para joyas de los inicios como ‘Love Goes Home to Paris’, ambas canciones de amargo desencuentro amoroso. O para piezas más recientes que, interpretadas junto a las viejas, cobraban de repente sentido y sorprendente clasicismo: caso de la totalmente fascinante ‘Kraftwerk in a Blackout’ o la coreada ‘The Day the Politicians Died’ (“miles de millones rieron y nadie lloró / el día que los políticos murieron”). Incluso para clásicos que sonaban como los esperabas (la casi sagrada ‘Come Back from San Francisco’, cantada exquisita y emocionantemente por Shirley Simms, una de las mejores melodías del canon de Magnetic Fields), pero también para fascinantes variaciones.
Algunas de las numerosas selecciones del ‘69 Love Songs’ fueron las más cambiadas, posiblemente anticipo de la gira que se avecina en 2024 (re)interpretando el disco en su totalidad. Así, una espléndida ‘The Book of Love’ sólo con violoncello y voz resultó completamente bella e hipnótica, perfecta para entender cada palabra de su poesía emotiva y cómica (“el libro del amor es largo y aburrido / no hay quien lo pese, al maldito / Está lleno de estadísticas y datos y cifras / E instrucciones para bailar / Pero… me encanta cuando me lo lees”. ‘All My Little Words’ (celebradísima) sonó preciosa en la voz y ukelele de de Shirley, quien fue durante todo el concierto sostén y cómplice-con-la-mirada de un Merritt cuyo gesto de aparente confusión o tristeza contrastaba con el aplomo de sus interpretaciones, sosteniendo las canciones con su bajo vocal indestructible, entre emocionante y sardónico.
La presencia escénica de la banda ciertamente era singular: el semblante del líder (posiblemente producto de su síndrome de Asperger) y su curiosa postura interpretativa se reposaban en la mirada concentrada y voz jubilosa de Shirley, triangulando con la elegancia y compostura zen de Sam Davol al violoncello. Detrás, el más expresivo y sonriente Chris Ewen con el teclado y lanzando las nunca agresivas bases rítmicas, junto a la guitarra acústica de precisos y bellos arreglos a cargo de Tony Kaczynski. La compenetración de esta tropa tan aparentemente dispar fue otro de los milagros sencillos de la velada: todo sonaba en su sitio, preciso pero nunca mecánico, siempre emocionante. El público se mantenía con una sonrisa hipnotizada y con frecuencia descubrías aquí o allá a alguien echando una carcajada por un verso en particular, o cantando casi privadamente una favorita.
Los estímulos para gourmets de las melodías y la musicalidad fueron constantes: aquí el eco en la melodía de un musical de Stephen Sondheim, allá un destello de Abba. Más de una vez, un “twang” especial en la voz de Shirley que te recordaba que muchas de estas canciones podrían ser versionadas perfectamente por artistas de country.
Conforme la secuencia avanzaba hubo espacio también para que maravillas de su época tecno-pop mutasen en piezas casi totalmente acústicas, alejadas de su orígenes, y sin embargo totalmente deliciosas. Desprovisto de sintetizadores, en ‘Smoke and Mirrors’ Merritt ya no sonaba como el hermano depresivo de Phil Oakey, y la canción se amalgamaba más con el resto del repertorio, menos opresiva y más melancólica en su plasmación del desengaño (y del engaño) amoroso (“humo y espejos / efectos especiales / un poco de miedo, un poco de sexo / eso es el amor”). En ‘The Flowers She Sent’ casi se atisbaron ribetes de folk, otra de las esencias de mucha de la música de los Magnetic Fields una vez rascada la capa superficial de supuesto indie.
Personalmente me impactaron las tres piezas de ‘50 Song Memoir’ que interpretaron cerca del final. Stephin presentó ‘Have You Seen It In The Snow’ como “nuestra canción navideña”, y ciertamente sonó conmovedora en este noviembre. ‘Be True to Your Bar’ se tornó en un increíble himno. Pero el momento cumbre fue la despedida (entre comillas, como se encargó de gesticular Merritt con los dedos en un raro momento de complicidad) con ‘I Wish I Had Pictures’: una canción que tiene tan sólo cinco años pero que cobró el peso de un clásico, con una niebla de añoranza especialmente poética y sincera: “Ojalá conservase fotos / porque todos esos recuerdos se están desvaneciendo (…) Si fuera un artista / dibujaría cada uno de mis días (…) Pero sólo soy un cantante / Y esto es sólo una canción / Y las cosas que recuerdo seguramente no fueron así”. Fue un ejemplo sublime (otro) de la mina inagotable que es Merritt para engendrar nuevas melodías de oro puro con variaciones de los mismos tres o cuatro acordes. Brujería pura.
Tras ello, los tres bises esperados (excelente, festiva y coreada ‘Like a Chicken With Its Head Cut Off’, hermosísima ‘100,000 Fireflies’ conectando emotivamente con el comienzo de la banda en 1991, y la solemne ‘It’s Only Time’).
Cuando los Magnetic Fields anunciaron hace meses la corta serie americana de conciertos en 2024 interpretando la totalidad de ‘69 Love Songs’, un escalofrío de amargo FOMO recorrió las espinas dorsales de medio indie-verso. Incluso cuando posteriormente se anunció esta gira europea con canciones de todos los discos, parecía casi como un premio de consolación frente a ese acontecimiento previsiblemente histórico. Sin embargo, tras el concierto aquí descrito tengo claro que no lo cambiaría por aquello: por magno que sea el «69», poder escuchar un repaso tan ecléctico, caprichoso, sí (todos tenemos favoritas que no han sonado en esta gira), pero a la vez tan increíblemente hilado, esclarecedor del hilo de oro que entreteje el cancionero musical del genio Merritt, fue mucho más rico, y resultó deslumbrantemente bello. Inolvidable.
Sois muchos los que no leéis nuestro site, solo escucháis el podcast; sois muchos los que nos habéis pedido a través de nuestras redes sociales un podcast sobre el nuevo tour de Madonna. Y eso que no hemos publicado una crónica del show, sino dos. ‘Celebration Tour’ conmemora el 40º aniversario de la artista en la música pop. Ahora es curioso recordar cómo las notas de prensa de Live Nation y Madonna.com anunciaban una celebración de «4 décadas de mega hits», porque lo que nos hemos encontrado más bien es un recorrido narrativo por la carrera de la artista que deja de lado muchos de sus mayores «mega hits».
Solo aparece un tema de ‘Like a Prayer’, sólo uno de ‘Confessions’ y medio de ‘Like a Virgin’. Junto a éxitos de ‘True Blue’, ‘Ray of Light’ o el «First Album», llama mucho la atención que fracasos comerciales como ‘Erotica’, ‘Bedtime Stories’ y ‘American Life’ aparezcan reivindicados.
En este podcast, analizamos cuáles son los pros y los contras de este show. Entre lo primero, claramente la voz en directo de Madonna, ese sentido narrativo que ha dado a un concierto que se atreve a comenzar con ‘Nothing Really Matters’ y osa cerrar -más o menos- con un medley de ‘Bitch I’m Madonna’ y ‘Give Me All Your Luvin». Y entre los contras, algún pinchazo en el setlist, el sonido enlatado -muy mejorable en pista- y, para nuestro compañero Claudio M. de Prado, las pelucas. Con todo, una nueva resurrección para la artista, cuando muchos apostaron a que, entre lesiones de rodilla y cadera, sobredosis de filtros de TikTok y la hospitalización de este verano, esta gira no tendría lugar. Os dejamos también con otros episodios sobre Madonna.
Taylor Swift ha cumplido todas las predicciones y está arrasando con ‘1989 (Taylor’s Version)’. Su lucha por ser dueña de su música la está llevando a regrabar sus primeros seis discos, como ya hiciera con ‘Fearless (Taylor’s Version)’ o ‘Red (Taylor’s Version)’. Y esta vez era el turno de su álbum más exitoso hasta la fecha: ‘1989’.
Después de vender una barbaridad en Estados Unidos en su primera semana, logrando el mayor debut de su carrera y superando la primera semana de ventas del disco original, Taylor Swift ha repetido hazaña en España. Debuta en el número 1 y lo hace con el certificado de Disco de Oro, algo inusual que además lo convierte en su disco más vendido en la primera semana. En perspectiva con importantes lanzamientos recientes, tanto Aitana con ‘alpha’ como Bad Bunny con ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’ necesitaron dos semanas para la certificación.
Este es el tercer álbum consecutivo de la artista que se posiciona en el 1 de la lista oficial de ventas y el cuarto en total, sumado a ‘Lover’ (2019), ‘Midnights’ (2022) y ‘Speak Now (Taylor’s Version)’ (2023). En el resto del mundo también ha conseguido el número 1 en países como Reino Unido, Irlanda, Australia, Alemania, Francia o incluso Italia, donde ha relegado a Laura Pausini a la segunda posición.
Aunque aquí tampoco puede con Taylor Swift, Laura Pausini y su ‘Almas Paralelas’ se conforman con un top 5 bastante satisfactorio. Lo hacen por debajo de ‘Lugar Paraíso’ de Nil Moliner, que va directo a la cuarta posición con un álbum en el que invita a Álvaro de Luna, Dani Fernández o Marlena.
Rozando el top 10 se queda Sidonie con ‘Marc, Axel y Jes’, el disco pop del grupo que entra en el lugar 11. Le sigue Lorena Gómez y su ‘Me Vuelvo A La Vida’ en el 14, Abhir Hathi con ‘Brown Boy’ en la posición 17 gracias al buen debut de su colaboración con Quevedo, y Jay Wheeler y su ‘Trappii’ casi cerrando el top 20 en el puesto 18.
Las entradas continuan de la mano Miss Caffeina y su disco ‘Shanghái Baby’ en el puesto 24, Chayane con ‘Bailemos Otra Vez’ en el 26 y el nuevo disco de María José Llergo, ‘Ultrabelleza’, en la posición 31. En cuanto al resto de trabajos que debutan en el top 50, ‘El Regreso del Perro Andaluz’ de Albertucho en el 37, ‘Que Adoren Tus Huesos’ de Niña Polaca en el 39 y Nirvana con la edición 30 aniversario de ‘In Utero’.
Fuera ya de los cincuenta discos más vendidos de la semana encontramos a Duran Duran con su nuevo proyecto, ‘Danse Macabre’, en el que musicalmente se pueden encontrar similitudes con Måneskin o The Darkness. El álbum debuta en la posición 56. Por debajo, Seventeen y su ‘Seventeenth Heaven Caret’ en el 62, Simple Minds con la versión en directo de ‘New Gold Dream’ en el 73, Black Pumas y su ‘Chronicles of a Diamond’ en el puesto 79, y Prince con ‘Diamonds and Pearls’ en el 91.
Cerrando la lista encontramos a Barbra Streisand con ‘Evergreens Celebratin Six Decade’ justo en la posición 97, Siloé en el 99 con ‘Santa Trinidad’ y, en el último lugar, Mercedes Cañas con su álbum ‘Que Entren En Mi Cabeza’.
Bad Bunny publicó hace tan solo unas semanas su nuevo disco, ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’. El álbum está compuesto por un total de 22 canciones nuevas, incluyendo los singles ‘Where She Goes’ o ‘Un Preview’. Sin embargo, el tema que lo está petando ahora mismo no pertenece al disco ni al propio Bad Bunny, sino a la inteligencia artificial.
Si has escuchado recientemente la voz del puertorriqueño en un vídeo de TikTok, puede que no sea ‘Monaco’ o cualquiera de los temas de su recién salido álbum. De hecho, lo más probable es que se trate de ‘NostalgIA’, canción tendencia en la plataforma en la que cantan Bad Bunny, Daddy Yankee y Justin Bieber. Pero el tema no ha sido creado por ninguno de los tres artistas, sino que es obra de la inteligencia artificial y salió hace un mes de la mano de Flow GPT.
Aunque hasta ahora ninguno se había pronunciado al respecto, su cada vez mayor éxito en TikTok ha empujado a Bad Bunny a hablar de ello, que además estaba recibiendo comparaciones con su nueva música, donde algunos publicaban que «es hasta mejor». Lo ha hecho a través de su canal de WhatsApp, en el que se mantiene conectado con sus fans. «Hay gente con la que me entiendo y gente con la que no, hay gente con la que conecto y gente con la que no…», escribía crípticamente en dos mensajes.
Horas más tarde, el puertorriqueño fue más tajante: «Si a ustedes les gusta esa mierda de canción que está viral en TikTok, sálganse de este grupo ahora mismo. Ustedes no merecen ser mis amigos y por eso mismo hice el nuevo disco, para deshacerme de gente así. Así que fuera». A continuación dejó claro que «no los quiero en la gira tampoco».
Este caso se suma a los tantos otros que se han ido acumulando a lo largo del año en los que la industria musical tiene que hacer frente a la IA. Sin embargo, hay quienes las usan para su propio beneficio: la última canción de los Beatles, lanzada la semana pasada, fue grabada con ayuda de la inteligencia artificial.
Bad Bunny después de escuchar la canción que es viral en tiktok elaborada con Ai: pic.twitter.com/pvcEsQKWji
Jung Kook es el último integrante de BTS que publica disco en solitario (antes de irse a cumplir el servicio militar a Corea el Sur). El lanzamiento de ‘GOLDEN’ se ha quedado a poco de coincidir en el tiempo con el de ‘Layover’, el reciente EP de V, uno de sus compañeros de banda. En estilo, uno poco tiene que ver con el otro: si V se centra en un tipo de R&B bonito y plácido, Jung Kook va a por todas rodeándose con la élite del pop comercial.
Solo en ‘GOLDEN’ es posible escuchar al joven Jeon Jeongguk acompañado de Jack Harlow y Latto en dos de los singles, mientras en los créditos de producción asoma en cada canción una superestrella diferente: Major Lazer, Bloodpop, DJ Snake, Andrew Watt, Cirkut o hasta Lost Boy, productor de ‘Padam Padam’ de Kylie Minogue, aparecen por aquí.
‘GOLDEN’ es por supuesto el disco que incluye ‘Seven’, uno de los mayores éxitos de 2023. El pegadizo tema, inspirado en el garage británico, supera los mil millones de reproducciones en Spotify, y demuestra que una letra tontorrona que recita los días de la semana nunca deja de funcionar. Claro que, aquí, el mérito se lo queda también el gracioso verso de Latto y, sobre todo, una producción sobresaliente que sabe meter un riff de sintetizador sutil cuando más hace falta.
Los otros dos singles oficiales son igualmente apañados. ‘3D’ con Jack Harlow abre ‘GOLDEN’ recuperando el irresistible groove funky de ‘Blurred Lines’ pero sin que Pharrell ni mucho menos Robin Thicke hayan tenido nada que ver en él. Y ‘Standing Next to You’ es una estupenda actualización del sonido ‘Off the Wall’ de Michael Jackson, rebosante de melodía disco, que ya ocupa el primer puesto en el top 50 global de Spotify, merecidamente.
Después, ‘GOLDEN’ convence en partes. No es tan divertido como prometen los singles. De hecho, en demasiados casos, la balada más sentimental se impone, por ejemplo, en ‘Hate You’, que parece del peor Ed Sheeran, o en ‘Too Sad to Dance’, que se mira en el espejo de ‘Lose Yourself’ de Justin Bieber… una canción compuesta por Ed Sheeran, hace ya demasiados años.
2017 parece de hecho el año al que referencia ‘Please Don’t Change’: el pop tropical pasó de moda hace eones, pero parece que a DJ Snake le sigue sonando de fábula. Esto no sería un problema, evidentemente, si la canción fuera un poco más memorable, el cual no es el caso.
Desperdigados en la secuencia de ‘GOLDEN’ es posible encontrar algún que otro punto a destacar, como la producción afro-house de ‘Closer to You’, firmada por Diplo y compañía, o las vibras deep-house de ‘Somebody’, presentes en una composición que tampoco logra despuntar demasiado. No obstante, el R&B insulso de ‘Yes or No’ o ‘Shot Glass of Tears’ atascan el disco en el año 2006. Y eso que, más actual que un ídolo de k-pop arrasando a nivel mundial, no hay nada. Sus productores deberían saberlo.
Bruce Springsteen actuará una tercera vez en Madrid el año que viene. La gran demanda de entradas para los conciertos de Bruce Springsteen and The E Street Band en la ciudad, con cerca de 100.000 entradas vendidas en 1 hora, ha hecho que el artista confirme una tercera fecha.
Ya sabíamos que el artista visitaría el Estadio Cívitas Metropolitano los días 12 y 14 de junio, y ahora se suma una tercera fecha, el 17 de junio. Las entradas para el concierto del 17 de junio ya están a la venta a través de doctormusic.com y entradas.com.
El precio es de 65, 72, 82, 92, 108 y 128 Euros para las entradas de asiento reservado en grada y de 128 Euros para Pista Delantera y 88 Euros para Pista Trasera (IVA incluido, gastos de distribución no incluidos). De nuevo, se puede adquirir un máximo de 6 entradas por compra.
Las entradas para el concierto del 20 de junio en el Estadi Olímpic de Barcelona se pondrán a la venta el martes 14 de noviembre a partir de las 10:00h.
Tate McRae, autora de ‘greedy‘, uno de los mayores éxitos del momento, ha anunciado los dos conciertos que ofrecerá en España en 2024. Las fechas son el 20 de mayo en el Sant Jordi Club de Barcelona, y el 21 de mayo en el Palacio Vistalegre de Madrid.
Las entradas salen en prevente este jueves 9 de noviembre a partir de las 10.00 horas, mientras la venta general se abre el viernes 10 de noviembre, también a las 10.00 horas, en los puntos de venta habituales.
La gira, que comienza el miércoles 17 de abril en Dublín, Irlanda, pasará por Londres, Ámsterdam, Praga, París, San Francisco, Los Ángeles, Nashville, Nueva York o Melbourne, antes de concluir en Wellington, Nueva Zelanda el jueves 21 de noviembre. charlieonnafriday se unirá como telonero en todas las fechas en Europa, Reino Unido, Australia y Nueva Zelanda.
En esta recién anunciada gira compuesta por 53 fechas, Tate McRae estará presentando su segundo disco, ‘Think Later’, que sale el 8 de diciembre. Producido por Ryan Tedder (Taylor Swift, Beyoncé), ‘Think Later’ será el segundo álbum de estudio de McRae. El primero, ‘I Used to Think I Could Fly’, se puso a la venta en mayo de 2022. Después, McRae publicó singles sueltos, como ‘uh oh’ o su colaboración con Tiësto ’10:35′. ‘greedy’ es, de momento, su único single editado en 2023.
Tal y como hemos comentado, ‘greedy’ acaba de entrar en la lista de singles oficial de España, después de haberse convertido en un éxito global que ya suma cerca de 300 millones de streamings en Spotify desde su lanzamiento en septiembre. Esta semana, ‘Greedy’ ha subido del puesto 83 al 68 en la lista de Promusicae.
Robbie Williams considera que publicar el single ‘Rudebox’ es el mayor error que ha cometido en su carrera. Williams hace estas declaraciones en la revista DIY con motivo de la llegada del documental de Netflix ‘Robbie Williams: Feel’, que se estrena este miércoles 8 de noviembre.
En la entrevista, Williams explica por qué cree ‘Rudebox’ no debería haber sido el primer adelanto de su disco de 2006, igualmente titulado ‘Rudebox‘. «Si hubiera sido el tercer single habría explicado que la canción es estúpida», cuenta. «Porque sé que es estúpida: no estoy intentando ser un artista de grime».
‘Rudebox’, que parecía una parodia del hip-hop, pues incluía rimas ilustres como «Do the rudebox / Shake your rudebox” o «Pocket full of Durex / are we gonna have sex?», dividió a sus fans y a la crítica, pero aún logró alcanzar el número 1 de singles en Alemania, Suiza e Italia. En España, ‘Rudebox’ está certificado con un Disco de Oro.
Aún así, Williams reconoce que ‘Rudebox’ cambió su carrera en el peor sentido: «La parte que más vergüenza me da del documental es cuando explico al público que ‘Rudebox’ será mi single más importante desde ‘Angels’. Después hago otra reflexión: xreo que es mi single más importante desde ‘Angels’ porque ‘Angels’ me dio una carrera y ‘Rudebox’ marcó el fin de mi fase imperial», declara.
Efectivamente, ‘Rudebox’ sirvió de primer adelanto del disco homónimo de Williams de 2006, que recibió críticas mayoritariamente negativas. No obstante, el álbum cuenta con defensores que opinan que es la joya oculta de su discografía.
Ed Sheeran ha anunciado una única fecha en España para 2024, y será en Tenerife. El 29 de junio, Sheeran actuará por primera vez en el estadio Heliodoro Rodríguez López de Santa Cruz de Tenerife, dentro de su gira ‘Mathematics Tour’.
Las entradas saldrán a la venta el próximo viernes, 10 de noviembre, y podrán adquirirse a partir de las 10 horas (11.00 en el resto de España) en los puntos de venta habituales.
La última vez que Sheeran tocó en España fue en 2019. Ese año, el autor de ‘Shape of You’ ofreció sendos conciertos en Barcelona (crónica) y Madrid.
Curiosamente, Tenerife forma parte de la historia de Sheeran, pues el británico ha llegado a firmar un tema titulado ‘Tenerife Sea’, publicado en 2014, en su disco ‘x‘. En 2021, en el disco ‘=‘, Sheeran lanzó una colaboración con el rapero canario Quevedo, ‘2step’.
En su gira actual, Sheeran cuenta con mucha nueva música que presentar. Hace escasas semanas, el artista ha publicado el disco ‘Autumn Variations‘, su segundo trabajo de 2023. El primero, ‘–‘, se puso a la venta en mayo.
Slauson Malone 1 es el alias del artista Jasper Marsalis. Afincado en Los Ángeles, Marsalis se ha hecho un nombre en el mundo del arte y la performance y, con su proyecto musical, Marsalis busca explorar «la intersección entre la música popular y la performance».
Sus primeros discos, los experimentales ‘A Quiet Farwell, 2016-2018 (Crater Speak)’, de 2019, y ‘Vergangenheitsbewältigung (Crater Speak)’, de 2020, han allanado el camino para que el gigante Warp Records, sello de Aphex Twin u Oneohtrix Point Never, se haya fijado en él.
Este año, Warp ha publicado ‘EXCELSIOR‘. A lo largo de 18 cortes, Marsalis demuestra ser todo un culo inquieto incapaz de quedarse en un único estilo musical demasiado tiempo. Mezclando hip-hop experimental, surf-pop, lo-fi, rock psicodélico, música de cámara o free jazz, Marsalis emprende en ‘EXCELSIOR’ un camino de exploración constante.
El disco se ha presentado, inicialmente, con ‘Voyager’, que, con sus aires de jazz y noise experimental, ha invocado el sonido del grupo previo de Marsalis, Standing on the Corner. Después, las guitarras han ido asomando por la psicodélica ‘New Joy’, que empieza remitiendo al trabajo de Yves Tumor… para terminar recordando a los adorados Deerhunter.
En ‘Half-Life’, la Canción Del Día de hoy, Slauson ofrece la joya de la corona. En un disco que le da lo mismo al weird folk (‘Arms, Armor’) que a la música minimalista (‘Fission for Drums, Piano & Voice’), y que incluye una versión de ‘I Hear a New World‘ de Joe Meek, ‘Half-Life’ es la canción más pop y tradicional. En ‘Half-Life’, las cuerdas dan paso a una pieza de aires post-punk e indie-rock, que, como todo ‘EXCELSIOR’, tampoco es capaz de quedarse en un único camino ni siquiera dentro de sus cinco minutos de duración.
Bb trickz, la sensación viral de 2023, sigue presentando nueva música. Su nuevo single recibe el título de ‘Charlie Brown’, como el conocido dibujo animado, y ha salido en las últimas horas.
‘Charlie Brown’ es otra sobrada típica de Bb trickz e incluye frases que solo podrían haber salido de su pluma, como esa en la que ataca a una «hoe» («puta») porque «se folla a lateros», es decir, «los del Raval que venden cerveza a un euro». Así lo explica.
En ‘Charlie Brown’, a Belize Kazi le caben referencias a su propio contrato discográfico («un nuevo contrato por álbum, a vosotros os la metieron en el primer round»), a su vida, que se merece «unos cuantos Goya», o a la música «de mierda» que hacen sus rivales. Belize rapea sobre un atareado beat de Sylvan, que mezcla disparos láser con el sample de una voz femenina de soul.
‘Charlie Brown’ es el segundo single de Bb trickz en apenas unos días. El 1 de noviembre, día de la jura a la Corona de Leonor, Bb trickz decidió publicar el single ‘VIVA ESPAÑA !!!’, donde rapea que ella «es más Messi que el rey de España». El beat, con ecos del son cubano, lo firman Shah Major y Loudz. El videoclip es una «fiesta de Cayetanos», según la nota de prensa oficial.
La portada de ‘VIVA ESPAÑA !!!’ vuelve a usar la silueta del Toro de Osborne, una referencia a la cubierta de ‘Missionsuicida’, el single que ha puesto a Bb trickz en el mapa. Está incluido en su EP ‘Trickstar‘.
