El juicio por plagio contra Ed Sheeran ha continuado esta semana y el cantante británico ha realizado unas declaraciones que no han tardado en dar la vuelta en los medios: Sheeran ha dicho que si pierde el caso «dejará la música» porque considera «insultante dedicar mi vida entera a escribir canciones y tocar en directo y que alguien me haga de menos».
Al abogado de los demandantes, Sheeran ha expresado un mensaje parecido: «Intentas hacer de menos mi éxito. ‘Thinking Out Loud‘ es la canción que me dio mi primer Grammy».
Según los demandantes, el directo en el que Sheeran hace una transición entre ‘Thinking Out Loud’ y ‘Let’s Get it On’ de Marvin Gaye prueba que ha habido plagio. En juicio, Sheeran se ha opuesto a esta observación recordando que él ha mezclado otras veces ‘Thinking Out Loud’ con ‘Crazy in Love’ de Van Morrison o ‘I Will Always Love You’ de Dolly Parton, y ha recordado que otros artistas hacen mash-ups todo el rato: «puedes ir de ‘Let It Be’ a ‘No Woman No Cry’ y volver atrás».
Sheeran ha insistido: «Estoy seguro de que muchas de las canciones de pop que se escriben hoy en día están construidas sobre una bases que están al alcance de todos desde cientos de años».
El momento inenarrable del juicio ha llegado cuando un musicólogo contratado por el equipo de Marvin Gaye ha reproducido una versión de ‘Let’s Get it On’ producida con inteligencia artificial para demostrar que Sheeran ha copiado la canción en ‘Thinking Out Loud’. El robot cantando cosas como «vamos a por ello, cariño» o «vamos, vamos, vamos cariño» ha provocado risas entre los presentes.
En cuanto a las declaraciones de Sheeran, hay que cogerlas con pinzas: Sheeran publica disco esta semana, ‘Subtract’, ha dicho que ya piensa en sacar otra batería de álbumes titulados con símbolos, y ya está pensando hasta en escribir su disco póstumo.
En tantísimos festivales has podido ver a The Hives en los últimos tiempos que quizás no habías caído en que llevan una década sin sacar disco. Del Dcode al Low pasando por el BBK hace un par de años, The Hives se ha convertido en uno de los reclamos internacionales (casi) fijos del circuito festivalero español.
Ahora, por fin, The Hives podrán compaginar su excelente reputación en el directo -conocidos son los espectaculares y divertidos shows de rock’n’roll que se gastan- con la presentación de un nuevo disco. ‘The Death of Randy Fitzsimmons’ saldrá el 11 de agosto, más de 10 años después del que hasta ahora es su último álbum, ‘Lex Hives’, publicado en 2012.
El disco promete de todo menos madurez artística. El grupo declara: «No hay madurez ni nada de esa mierda, porque ¿quién coño quiere rock’n’roll maduro?» Creo que ahí es donde la gente se equivoca. Es como el rock’n’roll pero adultos, ¡nadie quiere eso! Eso es literalmente quitarle lo bueno. El rock’n’roll no puede crecer, es un adolescente perpetuo y este álbum se siente exactamente así, lo que se debe a nuestra excitación, y no puedes fingir esa mierda».
De momento toca comprobar si ese eterno adolescente del que hablan The Hives hace acto de presencia en el primer adelanto oficial del álbum, el electrizante ‘Bogus Operandi’.
1. Bogus Operandi
2. Trapdoor Solution
3. Countdown To Shutdown
4. Rigor Mortis Radio
5. Stick Up
6. Smoke & Mirrors
7. Crash Into The Weekend
8. Two Kinds Of Trouble
9. That’s The Way The Story Goes
10. The Bomb
11. What Did I Ever Do To You?
12. Step Out Of The Way
Me da un poco de vergüenza admitirlo, pero nunca había ido a ver Bruce Springsteen. Y no por falta de admiración o ganas, sino por una variada mezcla de factores: económicos la mayoría de las veces, cierto prejuicio en contra de los macroconciertos otras y, durante la última década, la desesperación de ver cómo volaban las entradas en segundos y te quedabas sin la posibilidad de ver a Bruce desde pista (¡me niego a verle en grada!).
Pero esta vez no. Gracias al cielo, para la segunda fecha de Springsteen en Barcelona conseguimos entradas de pista… trasera. Lo de pagar un plus por estar delante es algo que llevo francamente mal, yo que he crecido en la época de las colas y las carreras y el más fan era el que más esperaba, más corría y conseguía la primera fila. Llamadme nostálgica, pero que ahora las primeras filas sean para el que las pague, me enfada mucho. Que sí, que en los conciertos de Springsteen la puntualidad se sigue premiando… Pero previo desembolso. Maldita lógica capitalista.
Volvamos a lo importante: Bruce. Bruce es tan grande, que no sólo nos trae la música, sino que encima nos trajo la necesaria lluvia. El domingo nos calamos para llegar a l’Estadi Olímpic: los chubascos fueron nuestros compañeros durante todo el trayecto y un buen rato de la previa. No importaba. Éramos felices. Mojados, pero felices por estar allí. El arco iris apareció para certificarnos que sí, que esa iba a ser una noche especial. Springsteen está en un momento discográficamente dulce: ‘Letter to You’ y ‘Only the Strong Survive’ son obras muy notables. Se encuentra muy lejos de ser una vieja gloria viviendo de hits pretéritos. Al contrario, en su concierto hubo mucho presente.
Puntual como un reloj, emerge la E Street Band. Grandes ovaciones para Jake Clemons y Steve Vand Zandt. Pero, claro, l’Estadi se viene abajo cuando aparece Bruce, de negro, con camisa vaquera y su pose chulesca de siempre. Encima del escenario, Bruce no tiene edad. Está pletórico de voz y de actitud. Las enormes pantallas (quizás las mejores que he visto nunca en un evento) hacen que no pierdas comba de absolutamente nada, aunque desde la pista trasera se ve muy bien todo el global del enorme escenario a a doble altura. No hay más alharacas: sólo músicos, escenario y pantallas.
Bruce nos dedica sus clásicos “Hola, Barcelona! Hola, Catalunya!”, arranca la eufórica ‘My Love Will Not Let You Down’ y todo el mundo se viene arriba, aunque aún más arriba con ‘No Surrender’. Quizás ‘Ghosts’ y ‘Letter to You’, más recientes, no se reciben con tanta algarabía, pero Bruce las toca con la misma devoción. El sonido es fantástico. El público más aún. Me trago todos mis prejuicios sobre los asistentes a macroconciertos en general y los fans de Springsteen en particular. Hay un respeto absoluto. Nadie habla durante las canciones, nadie te importuna y el trasiego por cervezas es de lo más educado. Aquí solo hay devoción por Springsteen. Las pantallas van mostrando al público de la pista delantera. Sorprende ver a tantísimo menor de treinta años entre las primera filas, entregados y emocionados. O descubrir que entre los carteles que piden temas o aclaman al “Boss”, hay también vecinos reivindicando su pueblo, Peralejos de las Truchas (provincia de Guadalajara).
¿Momentos favoritos? Pues toda la jam desatada de soul y swing que se pegan en ‘Kitty’s Back’ con los metales en pleno delirio; cómo Bruce deja sola a la banda para que se luzca mientras él se pavonea para entusiasmo del personal. El momento soul dedicado a su último disco ‘Only the Strong Survive’ con el ‘Nightshift’ de los Commodores. Recuperar el ‘Johnny 99’ de ‘Nebraska’; el jolgorio de ‘The E Street Shuffle’ , con los metales luciéndose otra vez. Toda la emoción que desborda en acústico ‘Last Man Standing’: Bruce nos explica que la escribió tras ver morir al último miembro de su primer grupo, en el que entró con 15 años y cómo él, Bruce, era ahora el último superviviente. La melancolía se extiende a ‘Backstreets’, pero no mucho más, porque llega la mítica y súper tarareada ‘Because the Night’. Es un privilegio enorme siempre poder escucharla de boca de sus dos responsables, ya sea Patti Smith o Springsteen.
Aunque hay concesiones a sus últimos veinte años (unas estupendas ‘Wrecking Ball’ y ‘The Rising’), la emoción se desata ya en el tramo final, que arranca con ‘Badlands’ y ‘Thunder Road’. Bruce se mueve arriba y abajo, para que las primeras filas puedan disfrutar de tenerle cerca, hace el payaso con Steve, muestra su total complicidad con Jake… Todos esos gestos de gran frontman, todas esas muestras de su carisma que, por mucho que las repita, te ganan igual. A Bruce te lo crees. A la E Street Band te la crees. Son un montón de tipos y tipas felices de estar ahí y de tocar en la mejor banda la mejor música posible. Incluso Bruce tiene un momento de abrirse la camisa y mostrar el pecho en plan “Eh, que aún estoy en plena forma”.
Teóricamente hay bis… si es que se puede llamar “bis” a que la banda esté treinta segundos parada antes de entrar con ‘Born in the USA’: para mí, el más flojo de sus hits, pero la coreé como si no hubiera un mañana. Los “lololos” (¡esa plaga!) se comieron el brutal inicio de ‘Born to Run’, simplemente una de las canciones más emocionantes de la historia, pero los pelos como escarpias se me pusieron igual. Unos críos que estaban detrás de mí agitaron felices su pancarta de ‘Glory Days’ (destrozada por la lluvia) cuando finalmente la tocaron.
Aunque a mí si hay una canción que me lleva a las lágrimas es ‘Bobby Jean’, su exaltación, su piano, sus versos: “We liked the same music, we liked the same bands, We liked the same clothes…” con el toque del saxo de Jake… Imposible sustraerse. Y, ehem, ‘Dancing in the Dark’, que estará todo lo sobadísima que queráis, pero siempre es un subidón. La soulera ‘Tenth Avenue Freeze-Out’ sirve para presentar a “the legendary” E Street Band, mientras las pantallas pasan imágenes de los fallecidos Danny Federici y, claro, Clarence Clemons. Despedida, adiós. ¿Adiós? No. Cuando creíamos que ya había acabado todo, Bruce emergió de las sombras, con su armónica y guitarra, para ofrecernos, solo, una desnuda ‘I’ll See You in My Dreams’, aún más emotiva que la versión que aparece en ‘Letter to You’.
Tres horas de reencuentros, pero también de primeras veces, en mi caso y supongo que también en el de la cantidad de niños y niñas que vi acompañando a sus padres. Tres horas repletas de todo lo que esperas en un concierto de Bruce: rock, músicos entregados, carisma, canciones legendarias y definitivas, emoción y comunión. Sí, todo lo que esperas, pero que no puedes llegar a imaginar hasta que lo vives y lo sientes: la magia de Springsteen. La cuestión es que, después de este concierto, ya no piensas en que va a ser el último, sino en “¿cuándo nos volvemos a ver, Bruce?”.
El próximo 11 de mayo sale ‘AOVE’, el nuevo EP de Samantha Hudson, que la artista estará presentando por varias salas y festivales en los próximos meses: el 19 de mayo estará en Madrid, el 20 en el Mallorca Live, el 2 de junio en Tarragona, el 17 de junio en Sónar, el 1 de julio en el Vive Nigrán (Pontevedra) y el 8 de julio en el Festival Sónica (Cantabria).
‘Otra vez‘, el primer sencillo de ‘AOVE’, se entregaba al bakalao de la «Ruta Destroy» mientras Hudson buscaba un «puto taxi» para llegar a la fiesta. En ‘Adicta al sonido’, el capítulo siguiente de la aventura ravera de Hudson, la mallorquina está plenamente entregada a la música.
‘Adicta al sonido’ vuelve a ser una producción 100% ravera, producida por La Diega, y aceleradísima (como Hudson después de chutarse «un poquitito de rush» en el baño), pues es un evidente homenaje al hardcore tecno de los noventa. Claro que aquí también hay un poco de Danny L. Harle: esta puede ser la producción más refinada a la que se ha subido Hudson.
La Canción Del Día de hoy, ‘Adicta al sonido’ es la historia de aquellas personas que bailan solas delante del DJ porque son «esclavas del ritmo», como diría Grace Jones. El pulso acelerado a Hudson le esclaviza, pero la artista no puede evitar encontrarse con un dilema cuando liga en la pista de baile y ha de escoger entre el amor o la música. «Si no puedes evitar que mi compás te adelante / será porque el sonido es mi único amante», avanza, confirmando que se queda bailando sola.
Subterfuge lo explica mejor: «Con la Diega al cargo de la producción musical, “Adicta al Sonido” nos habla de la pasión por mover el esqueleto y relata una disyuntiva de proporciones discotequeras que obliga a nuestra Hudson a escoger entre un romance fortuito y su devoción por destrozarse el calzado haciéndole el amor a los estrobos».
El videoclip de ‘Changes’, una canción grabada por Frank Ocean y Rosalía, se ha filtrado y ya circula por la red. Supuestamente, la colaboración entre Frank y Rosalía tuvo lugar en 2020, pero el resultado se descartó por motivos desconocidos.
El audio filtrado de ‘Changes’ es de pésima calidad, pero deja escuchar la canción más o menos claramente y las voces de sus dos intérpretes. El videoclip se rodó en el interior de una mansión y también en un jardín, e incluye cameos de A$AP Rocky o slowthai.
La filtración de ‘Changes’ habría ido intencionada. Según una página de fans de Frank Ocean citada por la revista digital HipHopNMore, el director del videoclip Hidji Films -que trabaja con la agencia de A$AP Rocky- habría filtrado el vídeo después de venderlo.
Se desconoce si la filtración de ‘Changes’ afectará a algún plan discográfico de Frank Ocean. En Coachella, el autor de ‘Blonde’ confirmó que se encuentra trabajando en un nuevo disco, pero avisó que su lanzamiento no sería inminente.
Rosalía ha declarado siempre su admiración por Frank Ocean. En ‘SAOKO‘ le menciona. Y, hace 8 años, cuando no era conocida, Rosalía subió a su canal de Youtube una versión improvisada de ‘Thinking About You’, tocada en un teclado. «¿Es tuya»?, preguntaba su amigo. «Ojalá, es de Frank Ocean, es muy guay», contestaba ella.
Tras el desastre del segundo día provocado por el diluvio-tormenta, había dudas sobre si el WARM UP iba a poder cerrar la edición -que para más inri era el quinto aniversario- con al menos uno de los dos días grandes completos o, al menos, más de dos conciertos, que fue el caso del día anterior. Como ahora contaremos, la jornada empezó bien, luego hubo susto, pero la organización decidió esta vez no cancelar y esperar a ver qué ocurría, por si había milagro… y al final ese fue un poco el caso.
Las Cariño comenzaban la jornada, gozando de mayor suerte que Natalia Lacunza el día anterior: esta vez, no se empezó a acercar el desastre a medida que avanzaba el repertorio. María, Paola y Alicia presentaron su estupendo segundo álbum, recuperando también su primer hit (‘Bisexual’) y temas sueltos como ‘Te brillan’.
Es de celebrar que hayan pasado a un escenario más grande respecto a la edición de 2019, donde también las vimos, aunque el directo fue un tanto decepcionante, y no estuvo a la altura de temazos como ‘no me convengo’, ‘llorando en la acera’ o ‘tamagotchi’. No sabemos hasta qué punto por la acústica del escenario (a Dorian también los vimos más flojos de costumbre unas horas más tarde en el mismo suelo) o por la banda, un tanto errática incluso en sus interacciones con el público. Las autoras de ‘excusas’ fueron las primeras de muchas artistas que ese día harían referencia a lo ocurrido la jornada anterior, sustituyendo en su caso el “por ti me voy de la fiesta antes de que caiga el sol” de ‘si quieres’ por “antes que caiga el chaparrón”.
Cambio de tercio con Iván Ferreiro, que presentaba el reciente ‘Trinchera Pop‘. El artista era consciente de que tenía ante sí un público festivalero, así que no dudó en rescatar ‘Años 80’, ‘El equilibrio es imposible’ o ‘Turnedo’ (siempre emociona ver la respuesta del público ante esta canción), pero ofreciendo regalazos a los fans de siempre (por allí se pasó la desoladora ‘M’) y centrándose en dar su espacio a las nuevas canciones: ‘Miss Saigon’, ‘Pinball’, ‘La gran belleza y la juventud’, ‘La humanidad y la tierra’ y ‘En las trincheras de la cultura pop’ fueron solo algunas de las nuevas que sonaron. La sorpresa fue la compañía de un bajista de lujo, Leiva, con quien incluso llegó a interpretar ‘El pensamiento circular’, haciendo que muchos de los allí presentes entrasen en pánico fan.
Y con los carolinos llegaron los primeros contratiempos. Poco después de comenzar el bolo, con el que Carolina Durante presentaban el aclamado ‘Cuatro Chavales‘, empezaba a chispear, y poco a poco a llover cada vez más. Apenas pudimos escuchar ‘AAAAAA#$!&’, ‘Mi moreno de contrabando’ o ‘Cementerio (El último parque)’, de su debut largo, cuando tuvimos que imitar a la gente que había empezado a huir poco antes: no era una falsa alarma, y enseguida se desataría una tormenta que, si bien no fue tan bestia como la del día anterior, sí provocó que la gente saliera corriendo del recinto hacia las gasolineras, o se refugiara en el propio recinto bajo las mesas, bajo los escenarios y en los soportales de las oficinas que usaban organización y prensa. En mitad de los truenos, todo eran rumores sobre si los Carolina seguían tocando (así fue), si The Kooks habían ido ya adelantando el vuelo y, en definitiva, si la organización iba a desalojar el recinto y suspender la jornada otra vez.
Rafa Galán
El festival, por su parte, anunciaba en sus stories “en 15 minutos retomamos”, borrándola poco después, entendemos que al ver imposible lo de The Kooks. En un momento en que los truenos daban un poco de tregua -aunque la lluvia no paraba- nos acercamos como pudimos al escenario en el que Rocío Márquez y Bronquio iban a actuar, para comprobar si habían podido salir a hacerlo. Y allí nos encontramos a ambos, frente a un público bastante menor por motivos obvios: básicamente eran quienes llevaban chubasqueros, y algún que otro valiente que prefería el riesgo de resfriarse antes que perderse las interpretaciones de ‘Tercer Cielo‘. Como la de ‘De mí – Rumba’, donde el propio Santi/Bronquio se animó con unos versos. Quisimos comprobar qué había pasado con The Kooks, así que nos acercamos al escenario principal (el dúo y la banda se solapaban) y finalmente se dio ese concierto por perdido, en teoría por “problemas técnicos” cuando Carlos Sadness apareció en el Escenario Polo Club.
En ese momento, los rumores de cancelación estaban a tope, así que la organización decidió transmitir los primeros minutos del concierto en un directo de Instagram, con la gente dejando una batería de comentarios que no tenían precio: “pero enfocad al público, a ver si hay gente”, “¿se puede entrar en piragua?” e incluso uno que gritaba cual Paquita Salas “¡devuélveme mi dinero, devuélveme lo mío!”. Pero el truco funcionó, y los que aguardaban fuera empezaron a entrar viendo que ya apenas llovía. Dentro, Sadness tiraba de hits clásicos para que la gente se olvidase de lo ocurrido, como una ‘Te quiero un poco’ que dedicó a una fan que se iba a casar.
En ese mismo escenario pero más tarde, Dorian recurrieron también a clásicos para contentar al público, encadenando ‘Paraísos artificiales’, ‘A cualquier otra parte’ y ‘La tormenta de arena’, pero también dieron su lugar a su último disco, un ‘Ritual‘ que, siendo inferior a ‘Justicia universal‘, está mejor de lo que parece, sobre todo por temas como ‘Universal’ (cuya outro usaron para abrir y cerrar), ‘Dos vidas’ o ‘Energía rara’, en la que confiaron tanto como para incluso mezclarla con ‘La tormenta de arena’ despidiéndose del público. Antes, grandes momentos como la dedicatoria de ‘Verte amanecer’ a Viva Suecia y Second, a quienes el diluvio impidió actuar, habiendo podido ser para ambos un concierto histórico (Viva Suecia por el momento tan dulce que viven, Second por ser su gira de despedida, y encima ambos murcianos), o la promesa de que en breve habrá “noticias musicales” de los catalanes.
Para los noctámbulos hubo una oferta muy distinta e igual de estupenda para cerrar. Después de Dorian salieron Alexis y compañía al Escenario Estrella Levante: Hot Chip, que precisamente se encuentran presentado un disco en el que celebran lo terapéutico de la experiencia colectiva del baile como contraataque a la represión que supuso la pandemia, venían a seguir levantando el ánimo del lugar. Se centraron en ‘Freakout / Release‘, y de hecho abrieron con uno de los temas de este último disco, ‘Down’, pero no faltaron clásicos como ‘One Life Stand’ del disco homónimo o ‘Ready for the Floor’, intercalados por algún que otro “gracias”.
Y no hubo respiro para recibir en casa luego a otros héroes murcianos que llevan el hedonismo musical por bandera: Varry Brava, que no han publicado disco desde 2020 pero llevan encadenados un puñado de buenos temas (siendo ‘Bajo la luz perfecta’ mi favorito), salieron dispuestos a conseguir que el público tuviese los pies en el suelo el menor tiempo posible, y se puede decir que lo consiguieron, derrochando energía.
Rafa Galán
Pero, si de energía se trata, hay que hablar del plato fuerte. El mejor concierto de la jornada, tanto por la entrega de su vocalista como por el simbolismo por lo ocurrido el día anterior (y ese mismo día), fue el de Vetusta Morla. Uno va predispuesto a no destacar en el titular a Vetusta Morla porque, a ver, son Vetusta Morla, no lo necesitan, ya todo el mundo los ha visto… pero es que lo ponen muy difícil. Quienes son probablemente EL tótem del indie nacional hoy día presentaban ‘Cable a Tierra‘, pero hicieron también un recorrido por sus trabajos anteriores; así, sonaron ‘Golpe maestro’ o ‘Cuarteles de invierno’ de ‘La Deriva‘, ‘Consejo de sabios’ o ‘Te lo digo a ti’ de ‘Mismo sitio, distinto lugar‘, ‘El hombre del saco’ y ‘Los días raros’ de ‘Mapas‘, y por supuesto ‘Copenhague’ y ‘Valiente’ de ‘Un día en el mundo‘, del que incluso rescataron ‘Saharabbey Road’, que alteraron añadiendo un “que llueva, que llueva, la Virgen de la Cueva, que sí, que no, que caiga un chaparrón”.
Con permiso del (excelente) trabajo de sus compañeros, Pucho (OG Pucho) es quien lo pone especialmente difícil. Como si le poseyese una persona llamada Bruce Springsteen que actuaba también este finde en nuestro país, Pucho no paró quieto en todo el concierto, encadenando temas con una energía y unos movimientos casi espamódicos ante los que era imposible que el público no se contagiase. En mitad de esto, daba igual que bromease sobre que “debería llover más” y justo después empezase a llover, aunque esta vez poquito: la gente seguía metida al 100%. Solo se escucharon unos abucheos cuando dijo “todos, todas y todes” (creo que incluso quienes no usamos el neutro nos asombramos ante su potencial para desatar furia y ofensas si, en teoría, tan chorrada es), el resto era miles y miles de personas entregadísimas a un espectáculo en el que incluso se pasó Rocío Márquez a cantar ‘Corazón de lava’, justo en el momento lluvia, y que dio grandes momentos como una reflexión de Pucho sobre la explotación a los trabajadores que se suele hacer en los festivales (denunciando la “inseguridad” y “caos” que hay detrás y que viven sobre todo los técnicos), los pelos de punta en esa ‘Copenhague’ casi cantada por el público, o el cierre.
Porque a la épica final con ‘Los días raros’ solo le faltaban fuegos artificiales… y, entonces, porque por qué no, comenzaron a dispararse fuegos artificiales desde una torreta tras el escenario. Imposible no destacar en el titular el concierto que, de principio a fin, fue el más especial de la jornada, y el más especial de esta accidentada edición del WARM UP, dando un simbolismo de esperanza que se abre a interpretaciones. “¿Qué pasa, Murcia?”, dijo Pucho poco después de salir, “¿Llueve o no llueve? ¡PUES A BAILAR!”. Pues eso.
El desfile de la MET Gala suele dejar momentos inenarrables y la gala celebrada esta noche no ha sido una excepción. Empezando por la alfombra «roja», que de roja no tenía nada, pues era completamente blanca y estaba decorada con rayas rojas y azules. Es decir, parecía «Forky» de ‘Toy Story’, aunque a algunos les ha recordado más bien al color de la pasta de dientes.
Por la alfombra «Forky» se dejó caer una invitada inesperada, una cucaracha que también vivió su momento de gloria «posando» para los fotógrafos… hasta que alguien la pisó y murió.
Lo de Doja Cat y Jared Leto ha dado de sí: ambos iban de gato, la mascota preferida de Karl Lagerfeld, solo que Jared iba directamente disfrazado y Doja… no. No esperábamos menos de ninguno de los dos.
emma chamberlain entrevistando a jennie en la met gala, mientras doja cat literalmente vestida de gato está vapeando. vivimos en una simulación pic.twitter.com/hRvakphY5K
La familia Kardashian no se pierde una MET Gala y también ha protagonizado memes: a Kylie Jenner la han comparado con Jesucristo. Y parece que Bad Bunny y Kendall Jenner (que están saliendo) han pactado un «look» de novio y novia.
Como siempre Kylie Jenner haciendo lo que se le raja el orto, es literalmente Jesús en la última cena ☠️#MetGalapic.twitter.com/fzJjubQpmN
Y aquí estamos nosotros, comentando la gala de la MET año tras año, vestidos con nuestras peores galas, soñando con ser una simple cucaracha que se cuela en la alfombra roja, o, en este caso, en la alfombra de pasta de dientes de la MET.
La MET Gala ha vuelto a celebrarse un año más, después de su regreso de 2022, como cada primer lunes de mayo, dejando -como suele ser habitual- un imponente desfile de celebridades que pasean sus «looks» más extravagantes, elegantes o ambas cosas a la vez por la alfombra «roja». Esta vez la temática se centraba en Karl Lagerfeld por sus «incomparables» contribuciones a la moda.
Como de costumbre, algunos han arriesgado más que otros. El look alienígena con pedrería de Lil Nas X ha sido para frotarse los ojos. Claro que luego ha aparecido Jared Leto, siempre «doing the most», disfrazado de gato gigante, y ha logrado dejar también con la boca abierta. Lizzo subía las escaleras expresando «yo no he visto ese gato, ha sido mi imaginación».
Otra felina de la alfombra ha sido Doja Cat, cuyo «look» era uno de los más esperados pues, de un tiempo a esta parte, se ha convertido en el maniquín más experimental del pop. Rihanna, la «reina de la MET», ha vuelto a asombrar con un atuendo floral blanco, acompañada de A$AP Rocky, aunque sin intención de acaparar todos los focos como en otros años.
Vestida de princesa, Dua Lipa también ha hecho acto de presencia en la MET Gala, y el suyo ha sido uno de los «looks» más clásicos. En comparación, Janelle Monáe se ha quedado con el «momento Gaga» de la gala, al pasear un atuendo sci-fi en tres capas. Espectacular.
Otros artistas musicales que se han dejado caer por la MET esta noche han sido Bad Bunny, que, vestido totalmente de blanco, no ha dado memes como el año pasado; Cardi B y Anitta en una faceta más sofisticada y clásica, Billie Eilish con una pinta más punk o, la sorpresa de la noche, el look con capa de Diddy. En honor a Lagerfeld, claro, ha abundado una paleta de negro y blanco.
Eurovisión 2023 ha «comenzado» oficialmente este fin de semana con los primeros ensayos realizados en el M&S Bank Arena de Liverpool y, como de costumbre, la cobertura de Eurovision-Spain es de lectura esencial. Entre los países favoritos de los primeros ensayos se encuentran Suecia, Finlandia y Portugal, y entre los que tendrían menos posibilidades hay que hablar de Rumanía, Croacia o Serbia.
El primer día de ensayos ha arrancado con el futurismo vikingo de Noruega, los diferentes escenarios de Malta, la cama con forma de flor de Serbia, la intimidad de Letonia, el cabaret con llamativo «look» de Portugal, el glam rock de Irlanda, la pirotecnia de Croacia, la atmósfera de Suiza, el ambiente étnico de Moldavia y la famosa «sandwichera» de Suecia.
El segundo día de ensayos ha contado con la caja de LEDs de Israel, la sorprendente sencillez de Azerbaiyán, el baile grupal de Chequia, el escenario rotativo de Países Bajos, la locura de Finlandia y su enorme caja gigante, la elegancia de Dinamarca y Armenia, la decepción de Rumanía, el voguing de Bélgica y los elementos naturales de Chipre.
🇸🇪 Sweden – First Rehearsal
"The light box is back, but it's a smaller version than the one we saw at Melodifestivalen. The stage and the LED screen is a sea of swirling smoke." (https://t.co/oO2LWXVR6u)#Eurovision
— ESCplus España 🇪🇸 | Noticias de Eurovisión (@escplus_es) May 1, 2023
🇮🇱 Israel – First Rehearsal
"Noa Kirel starts her performance in a huge box lit with LEDs, with some nice rotating camerawork and lots of strobe lighting. She's supported by five dancers" (https://t.co/oO2LWXVR6u)#Eurovision
Como de costumbre, también, los usuarios de nuestros foros empiezan a comentar lo que sucede en los primeros ensayos. marcecar10 califica efectivamente de «cuadro» la propuesta de Rumanía, pero señala que «aparentemente la televisora rumana ya dejó de dar un duro por su representante y él está haciendo todo el trabajo». Mejor parados salen el «columpio sexual» de Israel y las proyecciones feministas de Chequia. A GinTONICs la propuesta de Noruega no le convence, icanogar no entiende el «momento Freixenet» de Irlanda y comenta que lo de Loreen se parece a aquello de «como una loncha de queso en un sándwich preso», y Svampita apuesta por que Malta pase a la final.
En los últimos días, RTVE ha comunicado que como cada año emitirá las dos semifinales de Eurovisión en directo, pero que la primera podrá verse en La 2, y la segunda -en la que vota España- en La 1. El ensayo de Blanca Paloma tendrá lugar el 4 de mayo. Las semifinales del 9 y el 11 de mayo transcurrirán con las actuaciones en el siguiente orden, vía RTVE:
Primera Semifinal (9 de mayo)
Noruega con Alessandra
Malta con The Busker
Serbia con Luke Black
Letonia con Sudden Lights
Portugal con Mimicat
Irlanda con Wild Youth
Croacia con Let 3
Suiza con Remo Forrer
Israel con Noa Kirel
Moldavia con Pasha Parfeny
Suecia con Loreen
Azerbaiyán con TuralTuranX
Chequia con Vesna
Países Bajos con Mia Nicoali y Dion Cooper
Finlandia con Käärijä
Segunda Semifinal (11 de mayo)
Dinamarca con Reiley
Armenia con Brunette
Rumanía con Theodor Andrei
Estonia con Alika
Bélgica con Gustaph
Chipre con Andrew Lambrou
Islandia con Diljá
Grecia con Victor Vernicos
Polonia con Blanka
Eslovenia con Joker Out
Georgia con Iru
San Marino con Piqued Jacks
Austria con Teya & Salena
Albania con Albina & Familja Kelmendi
Lituania con Monika
Australia con Voyager
Joan Delgado y Aleix Turon se resisten a estancarse como «power duo». Si ‘Balanceo‘ les puso definitivamente en el mapa del rock de nuestro país, con referencias noventeras como Blink 182 o Green Day, en ‘Casa Linda’ tenían que ofrecer novedades. Para empezar, los dos amigos de l’Empordà ya no únicamente tocan la batería y la guitarra, y lo digo a distintos niveles. Porque ‘Conmigo’ es su primera grabación realizada solo a través de sintetizadores. Pero también porque han ejercido de albañiles en la construcción de su propio estudio, consultando tutoriales de Youtube, lo que han querido retratar a través de las percusiones de ‘Más que satisfechos’, una colaboración con Gospelians de Girona.
A través de su propio sello, siendo muy críticos con la obsesión con las redes sociales como ya lo fueron en el disco anterior (‘Tu lugar’ es su nuevo himno al respecto), con las posibilidades que el capitalismo ofrece a los más jóvenes (‘Teletecho’) y con el abandono de la España vaciada (’23 semanas’), Cala Vento suman y siguen en lo de convertirse en grupo generacional. Aunque sea un poco de manera involuntaria.
Lo que no quiere decir que se anden con chiquitas. ‘Casa Linda’ recupera su single con Amaral de 2021. ‘Teletecho’ es una de sus grabaciones mejor resueltas, y la voz de Eva, 100% cómoda con ellos, acentúa el buen gusto para las armonías vocales que siempre han tenido Cala Vento. Tanto una como otros cantan aquí con el puño en alto: «Todos sabemos que hay algo que ya no funciona, lo hemos visto tanto en Chile como en Barcelona. Distraídos todo el puto día trabajando para pagar el alquiler o el crédito del banco».
Tanto el buen gusto por las armonías, como el carácter contestario repiten en el ejercicio acústico de este disco, el tema titular, no tan lejos de Juan y Junior. Sólo que no está dedicado a una amante, sino quizá a un especulador inmobiliario: «Yo solo quería una casa linda, donde guardar mis cosas y no perderlas de vista, pero tú las has comprado todas, pendiente de las modas y de tu porvenir».
Igualmente es masculino, aunque en la otra cara de la moneda en cuanto a intenciones, el destinatario de ‘Equilibrio’, pues parece un canto a la amistad dentro del propio grupo, el retrato de un «bromance»: «La próxima vez que te vea dormido, voy a recordarte lo que hemos vivido». Cala Vento tuvieron el humor suficiente como para repostear en sus redes que este podía ser su «Walking On Sunshine» particular. Y es que rara vez han sonado tan saltarines, edificantes, felices. ¿Y es la noticia en ‘Conmigo’ el uso de sintetizadores o la verdadera novedad es cómo se transforma en una de esas canciones-silbidito para terminar el disco?
Después, hay caminos más enrevesados que además su estilo y su carácter underground agradecen. No todas las colaboraciones son como la de Amaral. Entre los productores del álbum figura esa leyenda llamada YOUTH (‘Ferrari); ‘Passar pantalla’ es un tema entonado en catalán y euskera con Gorka Urbizu de Berri Txarrak. Cala Vento presentan sus riesgos. ‘No hay manera’ es una producción mutante al modo en que lo fueron muchas de ‘In Rainbows’: empieza con un punteo crepuscular, luego se va enrabietando hasta que al final enloquece. Es lo mejor de Cala Vento, la base rítmica, la energía. Las letras son sencillas, no funcionan tanto de manera aislada, como que completan ese mensaje de ayuda que realmente está en sus instrumentos.
Aerosmith ha anunciado su gira final, la definitiva, que se compondrá de 40 fechas programadas en Estados Unidos y Canadá. La gira ‘Peace Out’ empezará el 2 de septiembre en Filadelfia y concluirá el 26 de enero en Montreal. Joey Kramer, batería fundador de Aerosmith, no participará en la gira y será reemplazado por John Douglas.
La gira ‘Peace Out’ no pasará por España, quizá porque Aerosmith ya desarrolló una «gira de despedida» en Europa en 2017, el ‘Aero-Vederci Tour‘. Antes, el grupo de Steven Tyler realizó una gran gira de conciertos en América del Sur.
La gira de Aerosmith llega poco después de que Steven Tyler haya recibido una demanda por abuso sexual, por parte de una mujer que asegura haber sido abusada sexualmente por el músico durante los años 70, cuando ella era menor. Tyler ha negado las acusaciones.
Ahí van las fechas de ‘Peace Out’:
09-02 Philadelphia, PA – Wells Fargo Center
09-06 Pittsburgh, PA – PPG Paints Arena
09-09 Elmont, NY – UBS Arena
09-12 Toronto, Ontario – Scotiabank Arena
09-15 Chicago, IL – United Center
09-18 Detroit, MI – Little Caesars Arena
09-21 Cleveland, OH – Rocket Mortgage FieldHouse
09-24 Raleigh, NC – PNC Arena
09-27 Washington, D.C. – Capital One Arena
10-11 Tampa, FL – Amalie Arena
10-14 Atlanta, GA – State Farm Arena
10-17 Charlotte, NC – Spectrum Center
10-20 Sunrise, FL – FLA Live Arena
10-23 Austin, TX – Moody Center
10-26 St. Louis, MO – Enterprise Center
10-29 Indianapolis, IN – Gainbridge Fieldhouse
11-01 San Antonio, TX – AT&T Arena
11-04 Tulsa, OK – BOK Center
11-07 Dallas, TX – American Airlines Center
11-10 Omaha, NE – CHI Health Center
11-13 Saint Paul, MN – Xcel Energy Center
11-16 Kansas City, MO – T-Mobile Center
11-19 Denver, CO – Ball Arena
11-22 Salt Lake City, UT – Vivint Arena
11-25 Portland, OR – Moda Center
11-28 Seattle, WA – Climate Pledge Arena
12-01 San Francisco, CA – Chase Center
12-04 San Jose, CA – SAP Center
12-07 Inglewood, CA – Kia Forum
12-10 Phoenix, AZ – Footprint Center
12-28 Newark, NJ – Prudential Center
12-31 Boston, MA – TD Garden
01-04 Cincinnati, OH – Heritage Bank Arena
01-07 Louisville, KY – KFC Yum! Center
01-10 Nashville, TN – Bridgestone Arena
01-13 Knoxville, TN – Thompson-Boling Arena
01-16Buffalo, NY – KeyBank Center
01-19 New York, NY – Madison Square Garden
01-23 Columbus, OH – Schottenstein Center
01-26 Montreal, Quebec – Bell Centre
El éxito de ‘Flowers’ de Miley Cyrus ha llevado a varios usuarios de nuestros foros ha debatir el impacto y longevidad de las «eras» musicales actuales. Antes, Katy Perry, Justin Timberlake o Nelly Furtado podían convertir un segundo, tercer o cuarto single en un «evento» tan grande o casi como el primero, pero esto parece no darse tanto hoy. Hay excepciones con Dua Lipa (los 4 singles de ‘Future Nostalgia’), Drake (‘God’s Plan’, ‘In My Feelings’) o Ariana Grande (‘thank you, next’, ‘7 rings’) pero los casos actuales de Harry Syles o Miley apuntan en otra dirección: por mucho que ellos intenten pasar página de un primer single, el público lo sigue oyendo como el primer día.
‘As it Was’, de Harry Styles
‘As it Was’ ha sido la canción más exitosa de todo 2022 y, más de un año después de su lanzamiento, vuelve a escalar al top 10 global de Spotify. El primer single de ‘Harry’ House‘ ha sido número 1 en 40 países y acumula decenas de Discos de Platino y varios de Diamante. A su lado, ‘Late Night Talking’ parece un «flop» cuando también ha sido macrohit, solo que a menor escala y sin el recorrido ni la longevidad de ‘As it Was’. ‘Music for a Sushi Restaurant’ ha contado con videoclip, pero su repercusión ha sido escasa. Harry se atreverá a lanzar cuarto single de ‘Harry’s House’, ‘Satellite’, pero es ‘As it Was’ el tema que seguirá vendiendo su disco. Aunque seguro que a él, ganador del Grammy a Álbum del año, nada de esto le quita el sueño.
‘Flowers’, de Miley Cyrus
Especialmente notorio es el caso de Miley Cyrus. ‘Flowers’ continúa entre las 5 canciones más populares en el mundo, también ha alcanzado el número 1 de 40 países y va camino de convertirse en el mayor éxito de todo 2023 (curiosamente, ‘Flowers’ y ‘As it Was’ están producidas por las mismas dos personas, Kid Harpoon y Tyler Johnson). Sin embargo, ni el éxito de ‘Flowers’ ha evitado que ‘Endless Summer Vacation‘ venda mucho menos de lo esperado («solo» ha sido top 3 en Estados Unidos); el segundo single oficial, ‘River’, ha fracasado y el tercero, ‘Jaded’, no está despegando. De hecho, a Miley le está yendo mejor con un single viejo del disco anterior.
‘Unholy’, de Sam Smith
Otro hit que supera los mil millones de streamings (‘Flowers’ está a punto de hacerlo), ‘Unholy’ ha supuesto un antes y un después en las carreras de Sam Smith y Kim Petras y en la visibilización de las personas trans y no binarias en el mundo del pop. Después, la cosa se ha complicado. ‘Gloria‘, el disco de Sam Smith, está ya fuera de todo el top 100 de álbumes de Reino Unido a pesar de que Smith se encuentra presentándolo en una gira por las islas, y ninguno de los dos sencillos lanzados a posteriori, ‘Gimme’ y ‘I’m Not Here to Make Friends’, ha funcionado. Mientras, ‘Unholy’ no abandona el top 50 global.
‘Anti-Hero’, de Taylor Swift
Acostumbrada a convertir en hit todo lo que toca, Taylor Swift puede decir que ha vendido 6 millones de copias de ‘Midnights‘, un hito hasta para ella misma, pues esa cifra supera (o está a punto de hacerlo) las de sus dos discos anteriores. Sin embargo, en materia de singles, a Taylor le está costando pasar página de ‘Anti-Hero’, que aún ronda las 20 canciones más escuchadas en el mundo. El segundo single oficial, ‘Lavender Haze’, ha funcionado bien, pero no tan bien, ni mucho menos tan bien como otro segundo single de Taylor, ‘Blank Space’, y ‘Bejeweled’ ha contado con videoclip pero no ha sido single. ‘Karma’, el tercer single oficial, ha vivido un pequeño viral, pero la gente sigue obsesionada con ‘Anti-Hero’.
‘Kill Bill’, de SZA
En Estados Unidos, SZA es la reina del pop, como Taylor Swift. Su disco, ‘SOS‘, sigue entre los 3 más vendidos en el país, ha estado pegado al número 1 durante semanas y semanas y sus cifras en las plataformas de streaming son estratosféricas. En el resto del mundo la cosa no es tan evidente: ‘Kill Bill’ la seguimos machacando y sigue entre las 10 canciones más escuchadas en Spotify Global, pero no nos acordamos de ‘Shirt’ y tampoco de ‘Nobody Gets Me’, que también han ejercido de sencillos oficiales. Solo ahora se ha empezado a mover ficha con ‘Snooze’, que ya estaba funcionando por su cuenta en Estados Unidos y Reino Unido, pero ninguno podrá igualar la repercusión global due ‘Kill Bill’.
‘Calm Down’, de Rema
‘Calm Down‘ ha sido uno de los grandes «sleepers» del último año. El tema se publicó en febrero de 2022, alcanzó un gran éxito a lo largo del año y continúa entre los 20 más populares a nivel global. El remix con Selena Gomez, estrenado en agosto de ese año, ha sido crucial, pues de hecho dobla las escuchas de la versión original. Tan popular es ‘Calm Down’ que tengo dudas de que la gente sepa que Rema tiene disco en el mercado: ‘FYN’, el tercer single, lanzado el 11 de marzo, ha pasado completamente desapercibido. Curiosamente, el disco, ‘Rave & Roses’, lleva 15 semanas en el top 100 de Billboard y no ha pasado del puesto 98.
‘First Class’, de Jack Harlow
El éxito de ‘First Class‘ de Jack Harlow ha sido internacional. Su impacto ha sido tal que nadie recuerda que ‘Nail Tech’ fue el primer single extraído del disco, ‘Come Home the Kids Miss You’. Pero lo peor es que después de ‘First Class’ no ha habido nada: este ha sido el segundo single del disco y también el último. Puede que a Harlow le afectaran las malas críticas obtenidas por el disco, porque acaba de sacar uno nuevo por sorpresa.
‘Escapism.’, de RAYE
Le ha costado, pero ‘Escapism.’ de RAYE se ha convertido en un éxito mundial y solo ahora está a punto de abandonar el top 50 global de Spotify, después de haberse pasado semanas instalada dentro del top 10. Sin embargo, el disco no se ha beneficiado de este éxito y ‘My 21st Century Blues‘ ha aguantado apenas unas pocas semanas dentro del top 100 británico. RAYE, que, cabe recordar, es una artista independiente, está consiguiendo un pequeño hit en las islas con ‘Flip a Switch.’, el sexto single en total, que acaba de irrumpir en el top 40 de singles gracias a un remix con Coi Leray, pero el impacto de ‘Escapism.’ será difícil de igualar.
‘La Bachata’, de Manuel Turizo
A Manuel Turizo el éxito de ‘La Bachata’ se le ha ido completamente de las manos. ¿Alguien sabe que tiene disco en la calle? Se llama ‘2000’ e incluye ‘La Bachata‘ aunque de manera bastante tramposa, pues el tema volaba solo a lo largo del año pasado sin que hubiera álbum anunciado. En comparación, los números de los cortes de ‘2000’ que no han sido single, como ‘Vacío,’ son desoladores: rondan el medio millón. A Turizo le está salvando la era ‘El Merengue‘, su hit con Marshmello, que está funcionando sobre todo en España, donde ya es top 5, pero no hay interés por el disco.
‘About Damn Time’, de Lizzo
Ni un divertido tema co-escrito por Max Martin, ‘2 Be Loved’, ni un remix de ‘Special’ con SZA, han conseguido que la gente haya escuchado últimamente otra cosa de Lizzo que no sea ‘About Damn Time’. Ella es la reina de los «sleeper hits»: hay que recordar que ‘About Damn Time’ fracasó en un primer momento. A toro pasado, es evidentemente el gran -y único- macrohit mundial que ha dejado su álbum ‘Special‘, que ha funcionado pero no de manera espectacular.
Bonus: ‘Easy on Me’, de Adele
Viajando más atrás en el tiempo, ‘Easy on Me’ volvía a comerse un disco de Adele como ya hiciera ‘Hello’ en la era anterior. Las ventas de ‘30‘ evidentemente han vuelto a ser la envidia del 99% de los artistas actuales, pero llama poderosamente la atención la pobre repercusión alcanzada por los dos singles posteriores, ‘Oh My God’ y ‘I Drink Wine’.
Paul Stanley, cantante y miembro fundador de KISS, ha decidido opinar en Twitter sobre la identidad de género de los niños, la niñez trans y sus padres. A Stanley le preocupa que los niños empiecen «jugando» con los pronombres y terminen en un quirófano. O algo así. Veamos qué ha dicho.
El mensaje de Stanley empieza diciendo que «hay una GRAN diferencia entre enseñar a ser tolerante y normalizar o incluso alentar a los niños a que participen en un estilo de vida que les confunde y les hace cuestionar su identificación (sic) sexual como si esta fuera un juego, y algunos padres lo permiten». Stanley afirma que «HAY personas que en la edad adulta deciden que necesitan someterse a una operación de reafirmación de género», pero se muestra en contra de «convertir esto en un juego, y de que los padres lo normalicen como si fuera una alternativa natural». Stanley señala que, solo porque «a un niño le guste ponerse vestidos o porque a una niña le guste ponerse la ropa de su hermano», sus padres no deberían «llevarles por un camino alejado de la inocencia de lo que están haciendo».
Stanley opina que «muchos niños que no tienen una noción real de la sexualidad ni experiencias sexuales suficientes se pierden en el «juego» de usar pronombres y declarar qué género les identifica», y asegura que «muchos padres confunden enseñar a ser tolerantes con normalizar una situación que ha sido un calvario para aquellos a quienes ha afectado de verdad, y la están convirtiendo en una moda triste y peligrosa».
En su mensaje, Stanley cae en el típico discurso tránsfobo disfrazado de preocupación por el bienestar de la infancia. La realidad trans no es un «estilo de vida» ni tampoco una «moda». La expresión de género no es un «estilo de vida» ni tampoco una «moda». Los niños trans no concluyen que lo son persuadidos por sus padres. Los niños trans, y no sus padres, son conscientes del género que les identifica. Además, Stanley confunde conceptos de identidad de género (sentirse hombre, mujer o no binario) y expresión de género (usar vestidos, probar pronombres) e insinúa que solo las personas trans que han pasado por un «calvario» médico y social pueden saber que son personas trans.
En un momento en que estados como Tennessee están aprobando leyes que atentan contra los derechos de las personas trans, Stanley se suma a la lista de celebridades -la cual incluye a su compañero de banda, Gene Simmons- que han decidido usar su plataforma para atacar o esparcir desinformación sobre las personas trans. Como las palabras de J.K. Rowling, las de Stanley parecen preocupadas, cariñosas e inofensivas, pero son ignorantes y tránsfobas. Con suerte, Stanley no convertirá su cruzada contra las personas trans en el propósito de su vida.
Arlo Parks, que tanto conquistó a los seguidores del pop independiente con su debut, ‘Collapsed in Sunbeams’, ganador del Mercury Prize, está de vuelta. Su segundo disco se llama ’My Soft Machine’ y sale el 26 de mayo. El primer single ‘Weightless’ ya fue “Canción del Día”, después conocimos ‘Impurities’, y el tercero ‘Blades’ vuelve a ser “Canción del Día” también. Os recordamos que Arlo Parks estará tanto en el Primavera Sound de Barcelona como en el de Madrid.
‘Blades’ es una de las producciones más disco de Arlo Parks dentro de su minimalismo. Paul Epworth está detrás de sus detalles últimos, siendo una de las 3 canciones que hicieron juntos a lo largo de 5 días. Lo llaman «semana mágica». Curiosamente, Arlo ha elogiado sobre el codiciado productor que tiene «el espíritu de niño que tanto le gusta», y lo ha llevado a la canción.
La inspiración de ‘Blades’ viene de los 70, los 80 y también de gente más actual. «Me inspiré en grupos como ESG, en artistas como Kaytranada y en el rock psicodélico zambiano de los años 70 que tanto me gusta”, cuenta Arlo Parks en nota de prensa. Añade: «quería hacer algo que pudiera bailar, finalmente, porque siento que mis canciones no tienen esa cualidad en general».
El tema se presenta con un videoclip onírico que aporta un toque de misterio a lo que es en verdad una composición de amor cristalina, basada en un estribillo “tan sólo quiero estar contigo”. Solo que no está dirigido a tu pareja. En verdad, se trata de recuperar una amistad que se ha perdido, al encontrarte con un/a amigo/a que ha desaparecido de tu vida en una fiesta.
Este será el tracklist del álbum:
1.Bruiseless
2.Impurities
3.Devotion
4.Blades
5.Purple Phase
6.Weightless
7.Pegasus ft. Phoebe Bridgers
8.Dog Rose
9.Puppy
10.I’m Sorry
11.Room (red wings)
12.Ghost
Desiigner, autor del macrohit ‘Panda‘, que suma más de mil millones de reproducciones en Spotify, ha recibido una demanda por exhibicionismo. El rapero fue visto supuestamente masturbándose en un avión el pasado 17 de abril, en un viaje de Tokio a Minneapolis, delante del personal de vuelo. De ser declarado culpable, Desiigner podría enfrentarse a noventa días de prisión.
El artista, cuyo nombre real es Sidney Royel Selby III, ha dado explicaciones en redes. «En los últimos meses no he estado bien mentalmente y he estado intentando asimilar lo que me está pasando. Cuando estaba en el extranjero para dar un concierto tuve que ser hospitalizado porque no estaba pensando con claridad. Me recetaron medicamento y me subí a un avión de vuelta a casa. Estoy avergonzando de lo que hice en ese avión».
En el mensaje, Desiigner cuenta que, después de aterrizar en Estados Unidos, ha decidido cancelar todos sus conciertos e ingresar por su propio pie en un centro. «La salud mental es real, chicos, por favor, orad por mí, y si no sentís que sois vosotros mismos, pedid ayuda».
En noviembre, Desiigner se mostró muy afectado por la muerte de Takeoff, llegando a anunciar su deseo de dejar el rap.
Desiigner ha sido uno de los raperos favoritos de los últimos años de los 2010s, pues también ‘Timmy Turner’ cuenta sus streamings por los cientos y cientos de millones, y el artista ha colaborado con Kanye West, Diplo o Silk City (el dúo de Diplo y Mark Ronson). Desiigner no publica disco de 2018, pero ha seguido sacando singles esporádicamente, el último de ellos, ‘PMR’ con A Boogie wit da Hoodie.
En medio del huracán mexicano, de ‘Flowers‘, de cualquier cosa de The Weeknd nueva o vieja, del k-pop, etc, parece que queda poco espacio para que triunfe alguna balada de las clásicas. La fórmula no está del todo perdida, y no solo gracias a Adele o Lewis Capaldi: recientemente, la balada doo-wop de Stephen Sanchez, ‘Glimpse of Us’ de Joji, ‘drivers license’ de Olivia Rodrigo o ‘Swallow’ de Lady Gaga han demostrado que una señora balada aún tiene cabida en las listas de éxitos.
Ahora hay que sumar a la lista ‘Daylight’ de David Kushner. Esta balada a piano ha conquistado las listas globales y actualmente es la octava canción más escuchada en el mundo. Su éxito se está haciendo notar especialmente en Reino Unido, donde el tema ya es top 2 solo por detrás de ‘Miracle‘, a pesar de que Kushner es estadounidense, en concreto, de Chicago. En el Billboard, ‘Daylight’ acaba de entrar en el puesto 48 y escalará posiciones en los próximos días.
‘Daylight’ es la típica balada basada en un amor al que nos sentimos irremediablemente atraídos a pesar de que no nos conviene. La melodía, aún influenciada por el folk-blues moderno de gente como Passenger o Mumford & Sons, es sentimental y melodramática hasta decir basta. Sin embargo, varios elementos juegan a su favor: la grave voz de Kushner sorprende a primera escucha y la producción admite pequeños matices de distorsión en la voz o en las guitarras eléctricas que contrarrestan la dosis de almíbar de la melodía. No extraña descubrir que detrás de la producción de ‘Daylight’ se encuentra Rob Kirwan, que ha trabajado con PJ Harvey, Hozier, Local Natives o hasta Depeche Mode.
El trasfondo de ‘Daylight’ es religioso, pues la letra está inspirada en la Biblia, en concreto en unos pasajes que a Kushner le inspiraron de niño. Kushner es cristiano y ‘Daylight’ lo exhibe abiertamente, en una letra en la que pide misericordia a Dios para que le libere de los «pecados» que el cantante -y su amante- esconden de la «luz del sol». Seguimos en 2023, conviene recordar.
Kushner no es exactamente un recién llegado. Aunque el suyo es uno de esos talentos curtidos en TikTok, Kushner ya tiene un disco en el mercado, ‘Footprints I Found’, y ‘Daylight’ no es su primer éxito: antes las virales ‘Mr. Forgettable’ y ‘Miserable Man’ -incluidas en dicho disco- lograban amasar cientos de millones de reproducciones en streaming. Sin embargo, ‘Daylight’ se convertirá pronto en el mayor éxito de su carrera.
Mientras se animan a revelar qué diantres han estado haciendo con Kanye West en el estudio -no, no se nos ha olvidado- Beach House han sacado un EP de descartes de ‘Once Twice Melody‘, su último álbum de estudio, y uno de los mejores discos de 2022. ‘Become’ ha estado disponible primero de manera exclusiva durante el Record Store Day y este viernes se ha subido a plataformas.
El término «descartes» puede llevar a engaño. En el caso de Beach House, las canciones de ‘Become’ simplemente no «encajaban» en el «universo» de ‘Once Twice Melody’, lo cual no significa que no valgan la pena. Y no es que Alex Scally y Victoria Legrand sean incapaces de escribir canción mala: simplemente son demasiado perfeccionistas como para aprobar la publicación de cinco canciones a menos que sean mínimamente buenas. Y estas lo son.
Es cierto que el contenido de ‘Become’ nunca alcanza la gloria de los mejores momentos de ‘Once Twice Melody’. Quizá, si hubiera sido el caso, habrían terminado añadiendo un quinto capítulo al disco, extendiéndolo hasta las dos horas de duración.
Pero también es verdad que hasta los «descartes» de Beach House, como ‘Chariot’, pueden ser sublimes, y los de ‘Become’ se quedan cerca. El noir-pop de ‘Devil’s Pool’ incluye guitarras acústicas y remite a Cigarettes After Sex como para recordarnos que Beach House llegaron antes. Su beat lo-fi recuerda al primer disco, sus sensuales cuerdas al último, y su belleza a todos. La influencia del country se hace patente en ‘Black Magic’, que sobrecoge sosteniéndose en una melodía de guitarra eléctrica a la que más tarde se agregan efecto de «pedal steel» y coros celestiales.
Las canciones de Beach House suelen estar habitadas por personas misteriosas que han desaparecido de la vida de sus integrantes, como sin dejar rastro, evaporadas. El EP se abre de hecho con una emocionante pista llamada ‘American Daughter’ cuya protagonista tenía a su intérprete con la «cabeza bajo el agua». ‘Devil’s Pool’ y ‘Black Magic’ también están protagonizadas por personajes misteriosos, adictos a las pastillas o simplemente «fascinantes», y solo ‘Holiday House’ propone otra cosa, un viaje de carretera nocturno hacia una «casa de verano» donde solía reinar el «amor. Casi puedes oler el césped mojado al escucharla.
Si las canciones de ‘Become’ conforman su «pequeño mundo» por méritos propios, uno decididamente más oscuro que el anterior, y también más «espiritual», la pista titular lleva esa oscuridad al siguiente nivel. Densa y pantanosa, ‘Become’ se «convierte» en luz a medida que la canción avanza guiada por guitarras shoegaze y un estribillo de «la la las». Como siempre, hay algo inocentemente perverso en las canciones de Beach House, solo que esta vez representan un lugar en el que ya «han estado» y no ninguno al que se dirijan. ‘Become’ es por tanto una propuesta familiar, pero también es más que un simple apéndice del disco anterior.
La del sábado fue una jornada histórica para el Warm Up, pero no por los motivos deseados, pues el cartel era probablemente el mejor de los tres días. Durante toda la semana, las predicciones meteorológicas hacían presagiar un bochorno importante durante el fin de semana, con temperaturas por encima de los 30ºC, y solo al acercarse la fecha aparecía una probabilidad de precipitación mínima. Pero hubo plot twist.
Natalia Lacunza dio a las seis de la tarde el pistoletazo de salida en cuanto a grandes reclamos, y anoche se repetía entre el público el gag de que el suyo fue el mejor concierto de la jornada… porque casi que fue el único, con permiso de Maestro Espada. Antes, los hermanos Alejandro y Víctor Hernández (AKA Álex Juárez y Rey Lobo), de los que os hablamos cuando sacaron su single debut con Raúl Refree, tocaron en el ENAE su fusión de electrónica y folklore murciano. Los hermanos están además en la banda de Guitarricadelafuente, que a priori también actuaba ese día, pero el valenciano no corrió la misma suerte. Porque ya con Lacunza se empezó a ver que algo raro pasaba.
De las dos concursantes de OT programadas ayer (Amaia tocaba a la noche), Natalia Lacunza fue la única que pudo actuar. Lacunza se centró en los temas del interesante ‘Tiene que ser para mí‘, aunque también hubo sitio para canciones anteriores, y, pese a la hora tan temprana y al calor (qué ingenuos éramos), consiguió reunir a un numeroso grupo de fans que coreaban sus canciones. La pamplonesa ha ido mejorando en sus directos, y ayer fue una prueba de que cada vez tiene más presencia escénica.
Pero eso fue todo: Temples, los siguientes en tocar, duraron escasos minutos en el escenario, porque alrededor de las 19h empezó a llover, primero en forma de goteo (ya chispeó mínimamente la noche anterior), luego en una lluvia que cada vez iba a más y que acabó convertida en una enorme tormenta acompañada de un viento bastante amenazante, que llevó a la decisión de desalojar el lugar.
Más de una hora de rayos y truenos, fuerte viento y objetos volando, litros de agua y gente corriendo a refugiarse donde podía: bajo sillas y mesas, bajo los escenarios, o incluso con los baños convertidos en las nuevas zonas VIP. Cuando la cosa se calmó mínimamente (seguía lloviendo, pero ya sin ser un videoclip para ‘El diluvio universal‘ de Zahara), fuimos comprobando cómo mucha gente había salido también del recinto y se había ido refugiando en gasolineras próximas, bajo los túneles de lavado (nuestro caso), o incluso apostando por secar su ropa en ellas, como muestran los fotos y vídeos que han ido apareciendo.
Quienes estaban en hoteles, apartamentos o casas de amigos fueron yendo a ellos completamente calados para ponerse ropa seca, y quienes habían venido a la aventura en coches donde luego dormir hicieron lo que pudieron, improvisándose botellones y maneras de estar de fiesta con buena música aunque fuese fuera del recinto (la organización ofrecería luego sus alternativas con el after en sala de Chico Blanco, por ejemplo). El buen humor o la resignación (o ambas) se unían al compañerismo con el que los festivaleros se ayudaban entre sí, prestándose ropa, toallas, comida, etcétera, y forjando nuevas amistades.
En principio, la agenda musical de hoy domingo sigue adelante con Vetusta Morla, The Kooks, Dorian, Cariño, Iván Ferreiro, Yo La Tengo, Cala Vento, Varry Brava, Hot Chip, Carolina Durante Trashi y Carlos Sadness entre los confirmados. Habrá que ver qué se ha hecho con la enorme cantidad de agua que cayó en el recinto ayer, y qué pasa con la probabilidad (pequeña, pero también era pequeña ayer) de tormenta que, según AEMET, hay para hoy. De momento, confiemos en que hoy se pueda disfrutar de lleno de los conciertos.
Cala Vento, esto es, Joan Delgado y Aleix Turon, han regresado con ‘Casa Linda’. Aunque ya han pasado cuatro años desde ‘Balanceo’, los fans no los han olvidado. Sólo basta ver la excelente recepción que está teniendo ‘Casa Linda’ entre público y crítica (¡esta vez el tópico es cierto!). Su fórmula de indie-rock musculoso a base de guitarra y batería se ha adentrado en terrenos más contestatarios, pero también más íntimos y acogedores. Y así, de paso, han conseguido su mejor disco.
Nos hemos citado en el bar del CCCB. La música suena a todo trapo (se cuela ‘To the End’ de Blur y ‘She Bangs the Drums’ de Stone Roses durante la entrevista), pero no parece distraerles: Joan y Aleix desgranan todo lo que ha supuesto tanto su regreso, como el parón que vivieron, forzado (claro) por la pandemia.
Lo primero que me llama más atención de ‘Casa Linda’ es el contenido. Tengo la sensación de que las letras tienen mucho más peso y os noto mucho más combativos. Líricamente, habéis pasado de lo personal a lo social. ¿Fue algo premeditado?
Joan: «¿Premeditado? Seguro que hay algo de premeditado».
Aleix: «Sí, porque ‘Balanceo’ hablaba mucho de nosotros, apelaba a ciertas cosas de la sociedad que no nos gustaban y lo hacíamos de forma muy directa. Y estábamos un poco cansados de hablar sólo de nosotros: nosotros-nosotros-nosotros. Creo que tanto en ‘Fruto panorama’, el segundo disco, como en ‘Balanceo’ había mucho de eso. Y para este fue más: «debemos buscar otras cosas de las que hablar, porque nos cansaremos de nosotros mismos al final”. Y tampoco tiene tanto interés nuestra vida. Hemos intentado hacer unas canciones que hablen de cosas con las que mucha gente puede sentirse identificada, que también nos hayan pasado a nosotros. Pero hacerlo desde una óptica más de tú a tú, reduciendo un poco la escala de la canción, restándole esa ambición que tenían las canciones de ‘Balanceo’ y hacerlo más pequeño. «A mí me está pasando esto, puede que a ti también te pase, pero suerte que nos tenemos”. Ha ido más por aquí».
En todas las canciones parece que os estáis dirigiendo a alguien. ¿A alguien en concreto? ¿O es un alguien más global? ¿Gente de vuestra generación? ¿Habéis querido hacerlo como si fuera una proclama social?
A: «No, yo creo que no hay un «alguien» definido. Se ha intentado en todo momento que quedara lo más confuso posible el a quién nos estábamos dirigiendo. Lo que queríamos era que la persona que estuviera escuchando la canción se sintiera interpelada en cierto modo. Y por eso se ha intentado que no quedara demasiado patente a quién nos estábamos dirigiendo… Aunque nosotros lo sabemos perfectamente».
Aparte de la temática, también me llama la atención el sonido. Me da la sensación de que es un disco menos emocore y menos punk que los anteriores, mucho más escorado al indie pop y más pausado. Pero luego, por ejemplo, leo en la crítica del MondoSonoro que habéis recuperado el sonido de vuestro primer álbum, tengo amigos que dicen que que es vuestro disco más guitarrero… Y me pregunto: ¿quién está equivocado?
J: «Todas las perspectivas son buenas. Pero también creemos que es nuestro disco más rock para todos los públicos. Es decir, es un disco muy guitarrero, con mala leche y mucha energía, pero es el más controlado también. Hemos intentado encontrar ese equilibrio. A nivel de sonido, creemos que los demás discos son más alocados, bastante más brutos, por decirlo de alguna manera. Pero en éste hemos conseguido controlarnos más sin perder el punch».
Publicasteis ‘Teletecho’ en 2021. En marzo de este año un EP donde viene el grueso de las canciones. Y después el disco. ¿Por qué motivo decidisteis sacarlo así?
J: «No: lo que hicimos fue ir sacando singles y que se fueran juntando en forma de EP. ‘Teletecho’ sí es verdad que salió hace mucho, pero también es una canción que no teníamos claro si entraría en el disco. Entonces empezamos a sacar adelantos. Empezamos con ‘Equilibrio’ y ‘Casa Linda’; luego ‘Ferrari’, ‘Conmigo’ y ’23 semanas’. Eso sí que quedó como un EP en las plataformas. A ‘Teletecho’ no lo consideramos como sencillo de adelanto, porque ya salió en vinilo. Pero la quisimos incluir en el disco porque creemos que no le habíamos dado suficiente importancia».
A: «Cuando se publicó no sabíamos que acabaría formando parte de un disco».
J: «Hicimos una prueba de cómo lanzar canciones. Al final, tenemos nuestro propio sello y tenemos libertad absoluta de hacerlo como nosotros queramos. Podemos hacer experimentos».
A: «Lo de la espera era básicamente una manera que teníamos de, cuando salía una canción nueva, recordarle a la gente que ya habíamos sacado una antes e irlas acumulando. Sí es verdad que ha generado algo de confusión (risas). La gente no sabía si estábamos sacando EP’s, si estábamos sacando canciones…»
El sábado estuve viendo a Gúdar y Tigres Leones en la sala Vol, que son grupos que cantan a la precariedad, la económica y la laboral pero, como vosotros, también ponen mucho énfasis en las relaciones personales como la base de la existencia. ¿Os consideráis compañeros de generación con estos grupos?
A: «Al final a nosotros nos ha tocado vivir en un tiempo en que se han puesto de manifiesto que muchas cosas no funcionan, aunque hay otras que funcionan muy bien. Tenemos un estado del bienestar que hace que tengamos mucho más tiempo para preocuparnos por otras tonterías que no sean sobrevivir. Quien más, quien menos se las apaña, problemas de vivienda y precariedad juvenil aparte. Pero al final nos ha tocado vivir esto, y nosotros no nos sentimos responsables, sino que somos víctimas. Pero a la vez se nos intenta responsabilizar siempre de muchas cosas y al final te cabreas un poco y tienes esa especie de impotencia. Porque se nos está cargando muchas cosas a nosotros que no hemos decidido, no hemos inventado, no hemos elegido este camino. Y supongo que por eso coincidimos con otras bandas que tienen más o menos la misma edad que nosotros».
«Nos ha tocado vivir en un tiempo en que se han puesto de manifiesto que muchas cosas no funcionan, aunque hay otras que funcionan muy bien»
El título, ‘Casa Linda’ es sarcástico, ¿no? Porque representa la aspiración de tener un sitio donde guardar tus cosas. Algo que hoy en día es casi una quimera.
A: «La canción es muy, muy literal. Habla básicamente de esto, del problema de la vivienda y del problema de no tener un sitio donde dejar tus cosas, que al final es algo que nos sirve para sentirnos humanos, básicamente. Pero el disco engloba muchas más cosas. La casa linda como disco sería un poco lo que hablaba antes: todo está bastante en la mierda, pero necesitamos un espacio, ya sea físico, de entorno, de amistades, o de familia, donde poder desconectar y donde poder ver las pequeñas cosas buenas que tenemos alrededor. No quedarnos solo con todo ese sentido de responsabilidad que nos han hecho creer que tenemos, e ir a buscar nuestra casa linda, nuestro lugar donde estar bien. El disco habla básicamente de esto».
En ’23 semanas’ me hace gracia que digáis de pasar esas 23 semanas “en el pueblo más pequeño de Aragón.”. ¿Es una canción sobre la España vaciada? ¿Y por qué Aragón?
A: «Es una canción que habla sobre la España vaciada cien por cien. Pasamos muy a menudo por Aragón porque nos viene de camino muchas veces y tiene un aspecto desolador. Y al mismo tiempo es una canción que también habla de huir. O sea, girar la tortilla y que esta España vacía sea una salvación en ciertos momentos de ofuscación, de tantas responsabilidades en la ciudad o en el mundo civilizado. Que quieras romper con todo y necesites desconectar y enviar a todo el mundo a tomar por el saco y empezar de nuevo. Aragón nos ayudaba a representar esta idea, porque es un sitio muy vacío, donde hay mucho espacio para poder construir cosas nuevas».
«Que la España vacía sea una salvación en ciertos momentos de ofuscación, de tantas responsabilidades en la ciudad o en el mundo civilizado»
¿Vosotros vivís ahora en Barcelona o…?
A: «No. Vivimos en el Empordà, por suerte. Pero en el Empordà también hay momentos que te gustaría marcharte. Sobre todo en verano, que nos sentimos completamente colonizados por tanta gente a la vez. Tampoco nos permite poder independizarnos, porque los precios están muy altos. Hay muchas segundas residencias que han hecho subir los precios».
Y aunque el disco va mucho sobre esa vida en precario leí, creo que también en MondoSonoro, que ya podíais vivir de la música.
J: «Sí. Después de ‘Balanceo’, una vez recuperamos la inversión que hizo Aleix, ya empezamos a poder dedicarnos exclusivamente a la música. Pero para eso tuvimos que hacer sacrificios: marcharnos de Barcelona, vivir en el Empordà, volver a vivir otra vez con nuestros padres… Sacrificar cosas para poder hacer el intento de vivir de la música. Hubo un momento en que se estabilizó un poco más. El disco funcionó muy bien y el grupo se profesionalizó. Y así seguimos».
A: «Podría decirse que que estamos sobreviviendo de esto, pero es complicado, porque cuando tenemos períodos de inactividad sin conciertos se hace duro, tienes que renunciar a muchas cosas».
«La gente siempre se ha comparado a lo largo de la historia, pero ahora lo estamos haciendo de una forma un poco enfermiza y obsesiva, porque todo es muy superficial»
Hay una canción que me llama mucho la atención, que es ‘Tu lugar’, donde decís «deja de compararte con la gente de las redes». Pregunto, otra vez, si va dirigido a alguien en concreto que conozcáis o es más bien una generalización sobre la gente que siempre está en redes, chequeando, comparándose, y diciendo todo el rato «mira qué bien me lo estoy pasando».
A: «Lo que está claro es que todos nos hemos comparado, la gente siempre se ha comparado a lo largo de la historia, pero ahora lo estamos haciendo de una forma un poco enfermiza y obsesiva, porque todo es muy superficial, todo tiene mucho que ver con la imagen, con una imagen que dista mucho de la realidad. Muchas veces ese mundo equivocado tiene incidencia directa en nuestras vidas. Y es una canción que quería poner un poco de manifiesto esto y decir que lo que somos en realidad, por mucho que parezca que somos «eso» [señala el móvil], por más que parezca que construimos nuestra identidad a través de eso, no somos eso. Porque esto puede desaparecer [señala el móvil otra vez], lo puedes perder y puedes dejar de utilizar Instagram. Pero tú seguirás existiendo».
Volviendo al tema del sonido. Hay dos momentos que me han llamado muchísimo la atención. El primero es la introducción de la primera canción, ‘Más que satisfechos’, que no sé si es la parte de los Gospelians de Girona, que suena como si fuerais Disco Inferno, muy atmosférico. Y de pronto cortáis y arranca la canción como tal.
J: «Está guay que nos lo preguntes, porque nadie nos había preguntado y es algo que tiene un significado. O sea, este disco lo hemos compuesto y creado en nuestro propio estudio, que hemos construido nosotros con nuestras propias manos. Después de la pandemia decidimos arreglar nuestro local de ensayo y lo hemos convertido en un estudio de grabación mediante tutoriales de Youtube: «cómo hacer el cemento» y todo lo que quieras. O sea, nos pusimos, estuvimos muchos meses. ¿Cuántos meses, Aleix?»
A: «Empezamos en agosto y terminamos en marzo».
J: «¡Imagínate! Y de 8 a 8, quiero decir, cada día estábamos allí haciendo de albañiles. De alguna manera en el disco queríamos representar algunos sonidos que nos recordaran toda la percusión de la obra. Entonces cogimos todos lo instrumentos percutivos que teníamos y empezamos a hacer un ritmo machacón que pareciera básicamente martillos y escarpas. El disco empieza por ahí y luego ya se olvida. Pero queríamos dejar huella de este momento en el disco».
«Hemos convertido nuestro local de ensayo en un estudio de grabación mediante tutoriales de Youtube, haciendo de albañiles»
Me habéis dejado un poco de piedra. Había leído que teníais un estudio. ¡Pero no que os lo habíais construido vosotros! O sea: ¿cómo decide uno que va a construirse un estudio él mismo?
J: «Un poco por necesidad y por otro por decir… «¿qué hacemos ahora que nos han cancelado 35 conciertos? Tenemos un año por delante sin ningún concierto. No tenemos canciones…”. Pues dijimos: «bien, nos arreglamos el estudio». O sea, arreglamos nuestro local. Lo limpiamos…»
A: «Tenía humedad. Había una necesidad real arquitectónica…»
J: «… de arreglarlo, y de limpiarlo y de hacer que allí se pudiera componer un disco con condiciones. El covid no se arreglaba, nos fuimos animando y terminamos haciendo un estudio de grabación. A tope».
¿Sin albañiles ni nada? ¿Vosotros dos solos?
J: «Sólo necesitamos los albañiles cuando nos tocó hacer el tejado, porque si hacíamos el tejado mal, todo el resto del trabajo no hubiera servido para nada».
La otra canción que me llama más la atención es la última, ‘Conmigo’, que es un cierre súper synthpop y bailable. ¿Os animaríais a transitar por esta senda más adelante o ha sido solo una anécdota?
J: «Lo pasamos muy bien haciéndola y nadie descarta que puedan haber más cosas como estas, seguro».
A: «Nos gustan demasiado las guitarras, por eso».
J: «Sí, pero también es un buen momento para poder descansar de los instrumentos en el escenario y poder hacer algo diferente. Yo creo que al igual que en ‘Balanceo’ estaba ‘La importancia de jugar al baloncesto’ y en este disco ‘Casa Linda’, que son dos canciones en acústico, nadie descarta que más adelante puedas haber más canciones en acústico o incluso en synth pop».
A: «Lo que ha habido aquí es un ejercicio de producción de la canción, porque nació con guitarra y voz. Quiero decir: que podríamos haberla grabado así y también funcionaría, pero como ya estaba ‘Casa Linda’, dijimos de hacer algo diferente».
¿Cómo fue que Gorka Urbizu de Berri Txarrak colaborara en ‘Passar pantalla’?
J: «Esta canción no iba a entrar en el disco, porque teníamos la base melódica hecha pero no encontrábamos ni una letra que nos convenciera ni una melodía de voz que nos gustara. Y en unas conversaciones con la persona que ha mezclado el disco nos dijo: «¿No haréis ninguna colaboración en este disco? Podríais hacer una con un Gorka». Es una persona a la que conocimos en la gira anterior. Nos caímos súper bien, nos entendimos mucho. «¿Por qué no le pasamos esa canción de la que no tenemos melodía ni voz y que la haga él?». Y se la enviamos con toda la jeta y nos dijo que no (risas). Que era mucha responsabilidad y mucho trabajo. Pero al cabo de tres semanas nos envió una nota de voz con la melodía hecha, y fue brutal. Y entonces nos llamamos, vino un día al estudio, nos fuimos pasando letras, nos pasó diferentes cosas y grabamos».
¿Y la decisión de cantar vuestro trozo en el catalán fue también sobre la marcha?
J: «Fue en una de estas que no nos salía la melodía y la letra. Dijimos «probemos en catalán, a ver si nos desencallamos». Y en catalán salió algo interesante y se lo pasamos a Gorka. Y recuperó un corte de melodía de lo que nosotros habíamos hecho y lo juntó con lo suyo. Y puesto que ya teníamos la melodía en catalán, pues lo dejamos en catalán».
Al final, ¿veis el disco como una especie de manual de autoayuda o de guía vital para los oyentes?
A: «Pues nos gustaría que no fuera así. Lo vemos más como una especie de refugio, no tanto como una libreta de consejos para cuando no estás bien, sino como que si necesitas algo de compañía en algún momento o te quieres sentir apoyado, ponte este disco».
J: «Si quieres desconectar de todos tus dolores de cabeza».
A: «Quizás la parte de autoayuda es que te intenta hacer ver que también hay cosas buenas a las que aferrarte».
J: «No caer en ser un grupo protesta… Pero sí quejarnos de alguna cosa que no nos gusta también».
En el MondoSonoro han calificado ‘Casa Linda’ con un 10. ¿Cómo os sentisteis? ¿Cómo os estáis sintiendo con el recibimiento del disco, en general?
J: «No nos lo esperábamos. Sí que había hablado con [Joan S.] Luna y me dijo que le había gustado mucho el disco y tal. Pero claro, fue como «¡buah!», porque ponen pocos dieces. La sensación que tenemos es que este disco… [pausa] Llevábamos cuatro años sin sacar un álbum, y este disco tiene una energía concreta. No sé decir cuál, pero la gente la está percibiendo. Nosotros teníamos muchas ganas de que esto saliera y de poder enseñar estas canciones. Y por lo que se ve, nuestros fans también. ¿Y el recibimiento? Por el momento no lo sé. Llevábamos un fin de semana con el disco fuera y hoy nos han pasado unos reportes y habíamos vendido más de 1.000 discos en un fin de semana, que es como increíble. Para nosotros es brutal».
«No tendemos a ser un grupo con una ambición desmedida y lo que intentamos siempre es pasárnoslo bien»
Muy buen feedback, ¿no? ¿No nos daba un poco de miedo a que después de la pausa de cuatro años la gente se olvidara un poco de vosotros, porque vivimos unos tiempos algo volátiles?
J: «Sí que es algo que nos hace sufrir, pero es algo con lo que hemos aprendido a convivir y a no hacerle caso. O sea, intentar remar en contra de las tendencias y de todo lo que se hace «porque se ha de hacer». «Se ha de sacar singles porque se han de sacar, porque ahora el mundo va así». Da igual cómo vaya el mundo: nosotros sacaremos la música como nosotros queramos y como nosotros creamos que es la mejor manera. Hemos aprendido incluso a ir aún más en contra de lo que se hace hoy en día. Somos personas bastante inconformistas: lo primero es estar bien nosotros y hacer lo que nosotros queremos. Las canciones las hacemos para nosotros y si luego a la otra gente le gusta, mejor, ¿no? Entonces, presión sentíamos… poca. Teníamos muchas ganas, muchas ansias de sacar este disco y que la gente lo escuchara. Pero presión y pensar «no irá bien», no. Aparte, también éramos conscientes de haber sacado el mejor disco que habíamos hecho (risas)».
A: «Y otra cosa importante: no tendemos a ser un grupo con una ambición desmedida y lo que intentamos siempre es pasárnoslo bien haciendo lo que hacemos. Todo el dinero que nos hemos gastado haciendo este disco no nos lo hemos gastado para poder hacer un disco que lo pete más o para crecer, sino que nos lo hemos gastado porque nos apetecía hacer estas cosas: grabar con distintos productores, en diferentes estudios… La inversión ya estaba justificada, independientemente de cuál fuera el resultado, porque el resultado principal era que nosotros nos divirtiéramos haciendo el disco y ya se había conseguido. El resto es un «a más a más»».
Entre las artistas que han sacado álbum estos días se encuentra Bebe Rexha. El tema promocional nuevo es un dueto con Dolly Parton que cierra el disco, ‘Seasons’, pero antes se pudo escuchar otro que cuenta con la colaboración -nada casual- de Snoop Dogg.
Publicado el 20 de abril, es decir, el 4/20, día del cannabis, ‘Satellite’ es el chute de euforia disco que lleva a Bebe y a Snoop al espacio exterior. En su caso porque se han fumado una buena pipa de marihuana. Las metáforas espaciales se suceden por tanto una tras otra en la letra, con Snoop al mando de la nave surcando la «estratosfera», y Bebe «volando» de Venus a la «Vía Láctea».
La influencia disco de ‘Satellite’ nos lleva por varias épocas de la historia del pop. Los punteos apuntan a Chic, la melodía a Gloria Gaynor, la producción a Daft Punk y el brillante acabado a algo que podría haber cantado Dua Lipa en ‘Future Nostalgia’, solo que ella no habría firmado una canción sobre las delicias de fumarse un porrito y «deshacerse» en el sofá.
En el camino, ‘Satellite’ deja dos grandes alicientes: por un lado, el rap de Snoop Dogg, esa persona que mejora cualquier canción en la que aparece (lo vimos muy especialmente en ‘California Gurls‘, cuyo rap nos sabíamos de memoria), y, por el otro, un estribillo glorioso que tiene mecha para durar más allá del verano.
Bebe ha contado que la colaboración con Snoop surgió por mensaje privado de Instagram. Bebe le propuso la idea y, a las siete de la mañana del día siguiente, Snoopy ya había mandado su verso escrito por e-mail. Juntos aparecen -aparentemente- fumados en el vídeo, que es animado en su mayor parte.
La preocupante sequía que ha asolado España en los últimos meses parece tomarse un respiro. En Murcia, una tromba de agua inesperada acompañada de fuertes vientos ha obligado a WARM UP Festival a primero desalojar el recinto de La Fica cuando acababa de arrancar su segunda jornada. Temples se encontraba actuando en el festival en torno a las siete de la tarde cuando ha empezado a diluviar.
Finalmente, WARM UP ha comunicado la cancelación de la segunda jornada de WARM UP: «Tras reunirnos con los responsables de protección civil, Policía Local y Concejalía de Seguridad Ciudadana se ha tomado la decisión, al no poder garantizar las condiciones de seguridad al 100% hasta comprobar que no hay peligro tanto para los asistentes como para los trabajadores, de cancelar el día de hoy».
El festival añade: «Aunque sabemos que a la Región de Murcia le hacía falta esta lluvia tan necesaria para paliar el impacto de la fuerte sequía que sufre la zona, en lo que al festival respecta estamos muy afectados por la situación, ya que han sido meses de trabajo muy duros y con mucha ilusión por celebrar este quinto aniversario con todos vosotros».
— WARM UP Estrella de Levante (@WARMupfestival) April 29, 2023
Quedan cancelados por tanto los conciertos de Franz Ferdinand, Moderat, Viva Suecia, Amaia o Guitarricadelafuente, entre otros.
En Twitter habían empezado a circular imágenes de los asistentes a WARM UP empapados por la lluvia y abandonando el recinto. Una imagen curiosa la comparte el periódico La Verdad, la de un grupo de festivaleros quedados en ropa interior que esperan en el interior de una lavandería a que se seque su ropa.
WARM UP ha arrancado este jueves y JENESAISPOP se encuentra entre los medios asistentes. Ojete Calor, Miss Caffeina y Kasabian han ofrecido los conciertos del día inaugural.
Rosalía ha ofrecido este viernes el último concierto de su gira en Latinoamérica, un concierto celebrado en Ciudad de México, anunciado por sorpresa y costeado por el gobierno que ha sido de acceso gratuito al público. Rosalía tampoco ha cobrado por actuar. La asistencia a este show del ‘Motomami Tour‘ se ha estimado en torno a las 160.000 personas.
El concierto gratuito de Rosalía en Ciudad de México ha levantado polémica por haber sido impulsado por la alcaldesa de la ciudad, Claudia Sheinbaum, a la que se ha acusado de utilizar dicho concierto con fines electorales, pues México celebra elecciones generales el próximo 2024 y Sheinbaum parte entre las favoritas a la presidencia.
Ajena a la polémica, Rosalía ha dado las gracias a su público mexicano por el apoyo que siempre le ha brindado y ha interpretado emocionada una versión de ‘La Llorona’, canción tradicional popularizada por Chavela Vargas, que ya cantó durante el confinamiento.
Rosalía, que, antes de personarse en México, ofreció un show multitudinario en el festival californiano de Coachella, no volverá a dar un concierto hasta el 3 de junio, fecha en la que se presentará en el Primavera Sound de Barcelona. El 10 de junio actuará en la edición madrileña del festival y no será hasta el 22 de julio cuando la gira concluya en París.
Más allá de la gira, Rosalía sigue triunfando en todo el mundo con ‘Beso’ con Rauw Alejandro y acaba de estrenar el videoclip de ‘Vampiros‘, rodado en Barcelona.
Rosalía interpretando a capella La llorona en el Zócalo CDMX.
Novedades Carminha parecían tener la vida medio resuelta. Generaban streamings. Llenaban Rivieras. Colaboraban con DELLAFUENTE. No tenían prejuicios. Les llamaban de festivales. Y una cosa rara: tanto Carlangas como Anxo daban buenas entrevistas. Sumando que habían logrado aparecer en ‘La Resistencia’, y que hay verdaderas hostias por salir de cualquier manera en lo de Broncano, las razones de su separación lucen incomprensibles. Como si no quisiera recordarlas, Carlangas se tapa la cara en la portada de su primer disco solo.
El caso es que el cantante retoma su carrera exactamente donde quedó la del grupo gallego. Si Novedades Carminha se revelaban como grandes seguidores del pop experimental de finales de los 70, pero sin cerrarse a nuevos ritmos y movimientos, en este debut sencillamente llamado ‘Carlangas’ cabe algo de eso y, después, absolutamente de todo.
‘Regalao’ sería la típica producción de Novedades Carminha, con cierto ritmo funk y después una maraña de guitarras en contraste, pero ‘Se acabó la broma‘ es una producción atrevida que permite el perreo y ‘Paseítos por Madrid’ -ácida en su retrato costumbrista- alterna las guitarras con el drum&bass. Es una buena noticia que él mismo afirme que ‘Los dineros’ es una pista del Carlangas del futuro, sencillamente porque es una de las mejor redondeadas entre su aire canallita, su ritmazo, su réplica de vientos y ese puente a la eléctrica tan españolete.
Entre canciones que despuntan sobre todo por su título (‘Que si quiero o que si tengo’) y un «Interludio» que no necesitaba un disco de 23 minutos, hay dos sorpresas muy gratas. Al final, una colaboración con Manu Chao: por fin alguien plantea un «featuring» diferente. El ex Mano Negra conviene pasarse por ‘Cae la noche’, que precisamente se pregunta cuál será el destino del ex Novedades Carminha.
Y hacia la mitad hay una espectacular colaboración llamada ‘O Día Que Volvín Nacer’, con grandes talentos como Grande Amore y Mundo Prestigio. Una aproximación al hip hop, solo que como producida por los mejores Avalanches. Es como un vuelo inexistente entre Australia y Atlanta con escala en Galicia.
Con todo lo que mola el sonido de ‘O Día Que Volvín Nacer’, no logra quitar a ‘Carlangas’ cierta sensación de mixtape. Estamos ya acostumbrados a que en un disco pueda caber de todo, pero hay que optimizar el modo en que ese todo queda desplegado. Hoy en día sí pueden caber en un mismo disco ideas, guitarras, coros y palmas de Dellafuente, Ortiga, Bronquio, Adrián Costa y músicos de Vera Fauna, Bifannah y La Trinidad, como aquí sucede. Sólo hay que sentarse al final de la jornada para orquestar los elementos de manera óptima.
En la penúltima fecha de su gira europea y la tercera en España tras Barcelona y Valencia, Big Thief pasaron por la capital española para presentar su último y excelente álbum ‘Dragon New Warm Mountain I Believe In You’. Un trabajo con el que han recibido las mejores críticas de su carrera y los ha impulsado, aun más si cabe, a la cabeza de la música alternativa contemporánea. El cuarteto de Brooklyn ya está más que consagrados como uno de los grupos más fascinantes del momento, y esa expectación se vivió en La Riviera, donde asistió un público variopinto con gente de todas las edades y donde se respiraba una clara energía melómana. Entre conversaciones escuchadas a los asistentes sobre el Primavera Sound o cuándo fue la última vez que vieron a los autores de ‘Mythological Beauty’ en directo, comenzaba su telonero Lutalo, en la que era su primera gira europea. Simplemente con una guitarra eléctrica y nadie más que él en el escenario -excepto en una canción-, el emergente cantautor americano mezcló canciones nuevas con otras más antiguas en un set agradable.
Sobre las 21:15, Big Thief aparecieron sobre el escenario y se hizo el silencio. Lenker, que llevaba un sombrero, se mostró agradecida de la acogida del público y saludó con un tímido “Hola” en español antes de empezar. Siempre es difícil anticipar cuál será su setlist, ya que lo van cambiando en cada concierto dentro de la misma gira. Esta vez sorprendieron inaugurándolo con una canción nueva, aún inédita: una balada llamada ‘Already Lost’ que recuerda al sonido de ‘U.F.O.F‘ -completamente olvidado en el concierto- y que sonó cautivadora gracias a la imponente dulzura de la voz de Adrianne Lenker. En segundo lugar, llegó otro tema que aún no está disponible en ningún sitio, ‘Happiness’, aunque llevan tocándolo desde 2020. No es habitual que un concierto empiece con dos canciones que la gran mayoría del público no conoce, pero es una muestra de la irreverencia de Big Thief. Ellos van a lo suyo, hacen lo que quieren y les funciona perfectamente. Ambas sirvieron como un sabroso aperitivo antes de dar pie a sus éxitos mayores. Aunque más adelante sonaron las también inéditas ‘Vampire Empire’ y ‘Born for Loving You’.
Alguien en el público suplicó que tocaran ‘Time Escaping’. No estaba en el setlist, pero Lenker la recitó como si fuese un poema, en lo que fue un momento tan desconcertante como divertido. La primera canción que realmente hizo que la gente cantara al unísono fue ‘Certainty’, una de las más escuchadas de su nuevo álbum, cuya versión en directo es aún mejor que la de estudio. Pese a su intimismo, resultó ser una canción hecha para corear en grupo a pleno pulmón. A lo largo de todo el concierto, Big Thief derrocharon la energía de una banda en la que todos los integrantes se entienden y se respetan profundamente entre ellos. Por eso su música es tan especial, a veces incluso de la manera más inexplicable: son pura química.
Otra muestra de ello es ‘Shark Smile’, que dedicaron a María, una fan que cumplía años ese mismo día, e hicieron que la felicitásemos todos cantándole “Cumpleaños Feliz” en español. En ella la banda se lució con el ruidoso pasaje instrumental -recortado en la versión editada- y recordaron con su contagiosa melodía por qué es una de sus canciones más populares. Tampoco faltó en el set ‘Simulation Swarm’, uno de los mejores cortes del último disco. Pero si hablamos de canciones importantes, ‘Not’, sacada de su cuarto álbum ‘Two Hands’, seguramente se lleva la palma. Fue el momento más bonito de la noche y de los más explosivos gracias a esa magnífica segunda parte instrumental protagonizada por sus grandiosos riffs.
Siguiendo esa línea de rock ruidoso, antes del bis llegaron ‘Flower of Blood’, con grito final de una expresiva Adrianne Lenker y una ‘Dragon New Warm Mountain I Believe in You’ ahora transformada en una suerte de pieza de rock progresivo en la que incluso el guitarrista Buck Meek se tiró al suelo mientras tocaba.
La banda no tardó en regresar al escenario para tocar ‘Spud Infinity’ concluyendo con alegría una gran noche. Noah Lenker, hermano de la cantante, fue invitado a tocar el arpa de boca que marca el característico ritmo de la canción. Todo el mundo cantaba y bailaba; una preciosa energía rebotaba entre el público y el escenario.
Culminaba así un espectáculo repleto de actuaciones técnicamente perfectas, donde Big Thief supo mantener sin problemas su prestigioso estatus.
