Depeche Mode presentarán su disco ‘Memento Mori’ en España

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4 octubre, 2022

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Coque Malla ha anunciado que se retira temporalmente de los escenarios para descansar. No obstante, el músico madrileño terminará la gira que le mantiene actualmente ocupado, ‘El viaje del astronauta gigante’, que aún debe pasar por cuatro últimas ciudades. Estas son las fechas:

– 12 de noviembre en A CORUÑA (Palacio de la ópera)
– 9 de diciembre en MÁLAGA (Sala París)
– 27 de diciembre en MADRID (Wizink Center)
– 29 de diciembre BARCELONA (Razzmatazz)

En una entrevista con La Razón, Malla explica que su parón será «indefinido» pero que se ceñirá a los escenarios y que seguirá trabajando de puertas adentro, pues prepara un nuevo disco que empezará a grabar el próximo mes de marzo.

El artista explica: «Necesito este parón. Han sido tres años sin descanso, el último muy intenso, y el cuerpo me lo pide. Hay proyectos ya bullendo en mi cabeza, planes paralelos, aunque hay que descansar, mirar hacia adelante y pensar ya en nuevas canciones. Así que el parón en realidad será más desde fuera, no tanto mío, que estaré en eso y en realidad no pararé. Es un descanso para el público, que necesita echar de menos, no uno necesario para mí, que no me canso del escenario. Me gusta mucho y lo disfruto, pero el público necesita descansar. Al fin y al cabo, el territorio es el que es y tres años con directos significa que hay sitios donde has estado varias veces en muy poco tiempo. Hay que parar».

El ex integrante de los Ronaldos, que, en los últimos tiempos, se ha crecido como autor en canciones tan excelentes como ‘Una sola vez‘, presentará por vez definitiva en directo su gira retrospectiva, basada en su disco ‘El astronauta gigante’, editado en 2021.

¿Reivindicando? a McNamara

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4 octubre, 2022

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En los últimos días de septiembre se ha publicado la ansiada reedición de ‘Rockstation’ de Fabio McNamara y Luis Miguélez a través de Subterfuge. Con esta excusa, repasamos la carrera de La Fanny hasta llegar a la que fue su obra maestra en 2001, un año de pop que nos entusiasmó entre la renovación comercial de Fangoria, la publicación de los mejores discos de Astrud, Ellos o incluso Tamara.

Dedicamos el nuevo episodio del podcast REVELACIÓN O TIMO a hablar de la biografía de Fabio contada por Mario Vaquerizo, su trabajo con Almodóvar tan traído y llevado por las televisiones, o la deriva católica y ultraderechista del artista durante los últimos años. ¿Es posible reivindicar su figura, con todo lo que significó para la pluma, el travestismo, la improvisación o el humor, sabiéndole ahora abiertamente homófobo con la que está cayendo en toda Europa en cuanto a libertades y derechos?

En cualquier caso, en este capítulo no dedicamos más que un par de minutos a hablar de sus opiniones políticas, centrándonos en su carrera musical y cinematográfica, lo que incluye clásicos como ‘Voy a ser mamá’, episodios más desconocidos como Fanny y los +, más de un disco junto a Luis Miguélez, quien por fin ha visto su nombre reconocido en la portada de ‘Rockstation’, o la última etapa de Sarassas Music. Aunque ni el propio Fabio parezca muy presente en esos últimos discos, que considera «garabatos», en ellos también había alguna cosa reivindicable.

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SZA dice que no tiene prisa por sacar su segundo disco

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4 octubre, 2022

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Cuando se habla de discos que son clásicos contemporáneos, muchas veces se tiene en cuenta más la calidad que las cifras. SZA puede decir que ‘Ctrl‘, su debut, publicado en 2017, cumple ambos factores: el disco recibió valoraciones excelentes a su lanzamiento y, mejor aún, como el primero de Lana Del Rey, la gente de Estados Unidos no se cansa de él: ‘Ctrl’ lleva CINCO años dentro de la lista de álbumes de Billboard, y nunca se ha apeado de ella. Esta semana ocupa el puesto 28, como si hubiera salido hace un mes, y no hace un lustro.

En todo este tiempo no nos hemos dejado de preguntar dónde exactamente está el segundo disco de SZA, pero con ‘Ctrl’ todavía en lo más alto de las listas, no extraña que la artista diga que no tiene «ninguna prisa» por sacarlo.

Sus declaraciones se han producido en Complex. Ha dicho que el disco saldrá cuando tenga que salir, que no está cumpliendo ninguna fecha límite, e incluso ha asegurado que no está «apegada» a su profesión y que se ve dedicándose a otra cosa en el futuro, que «ya verá» adónde le lleva su carrera.

De momento, el disco existe, se supone completado, y SZA ha descrito su sonido. O, al menos, lo ha intentado. El dispar sonido de singles como ‘Hit Different’ y ‘Good Days‘ sugería que Solana no sabía muy bien qué tipo de disco estaba haciendo, y la artista ha confirmado esta observación en la entrevista.

«No tengo ni idea de qué va el disco ni cómo suena» han sido sus palabras exactas, a las que ha añadido que el elepé «tiene de todo un poco», que es un «poco batiburrillo», y que «algunas partes son agresivas, otras suaves, algunas canciones son baladas». Este caos refleja el «corazón» de SZA en este momento y, por eso, la artista sigue su instinto y se queda con las canciones buenas, aunque no terminen de encauzar el disco hacia ninguna dirección concreta.

A espera de noticias acerca del segundo álbum de SZA, la artista ha triunfado recientemente con sus singles sueltos, muy especialmente con su colaboración con Doja Cat en ‘Kiss Me More’, pero también en solitario con ‘I Hate U‘ o, recientemente, con su dueto con Doechii en ‘Persuasive’.

‘Wolf’ debería ser el nuevo hitazo de Yeah Yeah Yeahs

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4 octubre, 2022

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Cuando ya no pensábamos que lo verían nuestros ojos, esta semana han vuelto Yeah Yeah Yeahs. ‘Cool It Down’ es su primer álbum en 9 años, el primero desde el incomprendido ‘Mosquito’.

El disco se ha presentado con un corte más ambiental y cinético de lo habitual, un dúo junto a Perfume Genius, un nombre no tan asociado a las pistas de baile rock e indie como los inicios de la banda de Karen O. Pero tras presentarse ‘Burning’, el largo -que es muy corto-, esconde más de una gema, entre la que destacamos el focus track ‘Wolf’, hoy la “Canción del Día” en nuestra web.

Si algunas grabaciones de Yeah Yeah Yeahs tenían un espíritu bailable aun siendo rock, ‘Wolf’ es una de sus canciones más sintéticas. La contundencia incluso hace pensar en los Pet Shop Boys más abrasivos. Su letra sobre un lobo hambriento, o mejor dicho, una loba como la de Shakira, versa sobre nuestra atracción por el mal. “Estoy perdida y sola, solo siento hambre por ti (…) perdí mi gusto en pos del infierno”.

Como es habitual, Karen O hace más atractivo el sencillo texto con una interpretación vocal llena de carisma, cuyo clímax se produce en el último minuto de este ‘Wolf’. Un tema que playlists como All New Indie ya están apoyando masivamente y que si hay justicia en el mundo debería dar el salto a las generalistas cual hit de Glass Animals.

Alba Reche, Zahara, Dorian… en la lista de discos española

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3 octubre, 2022

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El veraniego disco de Bad Bunny, el último de Feid y el ‘MOTOMAMI’ de Rosalía forman el Top 3 en la lista de discos más populares en España. Hoke y Louis Amoeba son desbancados del número 4 por ‘El Madrileño’ de C. Tangana, que ha subido desde el número 7, haciendo que ‘BBO’ ahora ocupe el 6º puesto de la lista.

El aumento más grande en popularidad lo ha experimentado el último proyecto de Daddy Yankee, ‘LEGENDADDY’, lo cual le ha ayudado a subir del puesto 32 al 29.

Alba Reche protagoniza la entrada más fuerte de la semana colocándose en el número 5 del ranking, gracias al lanzamiento de su nuevo EP, ‘honestamente triste’. Este proyecto llega un año después que ‘mi pequeña semilla’, el segundo álbum de Reche, que contenía colaboraciones con Fuel Fandango y Çantamarta.

A Zahara tampoco le ha ido mal, ya que ha debutado en 11ª posición con ‘REPUTA’, la reinterpretación del anterior ‘PUTA’. En los puestos 15 y 17, respectivamente, debutan 5 Seconds Of Summer con ‘5SOS5’ y Alice In Chains con ‘Dirt’. En el número 21, el mítico rapero SHO-HAI entra en el ranking con ‘Polvo’. La última entrada en esta mitad de lista es para ABBA, que ha debutado con otra edición de ‘Gold’ en el número 34.

Motörhead entra en la posición 58 con la edición 40 aniversario de ‘Iron Fist’, Dorian entra en el puesto 67 con ‘La Ciudad Subterránea’ y Mark Owen debuta en el 75 con su ‘Land Of Dreams’. Finalmente, la última entrada en lista es de Editors con ‘EBM’, en el puesto 83. A su vez, Ludovico Einaudi (‘Underwater’), Taylor Swift (‘Evermore’) y Arde Bogotá (‘La Noche’) regresan al ranking en los puestos 86, 91 y 100, respectivamente.

‘Moonage Daydream’, el caótico collage de David Bowie que vuela cabezas

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¿Cómo afrontar el documental sobre un artista con una carrera tan longeva como la de David Bowie? Las posibilidades son infinitas, las cumbres tantas como para llenar al menos medio docena de películas de Hollywood. Todo lo que rodeó al nacimiento y muerte de su alter ego Ziggy Stardust, la sucesión de obras maestras que publicó en los años 70 en forma de álbum, la época en la que huyó de las drogas hacia Berlín y publicó su trilogía mítica, el concierto interpretando ‘Heroes’ que simbolizó la reunificación alemana, el enorme comeback de Glastonbury en 2000, sus últimos años de nueva reconciliación con el público y finalmente la enfermedad y la muerte… He visto larguísimos documentales e intensísimas películas sobre artistas con mucho menos que contar.

Pues bien, ‘Moonage Daydream’ pasa por encima de casi todo esto, evitando el clímax a la americana en sintonía con un hombre entregado a su artisticidad. Y que nadie piense que este es el típico documento ideado para vanagloriar a una persona que ya no está entre nosotros, que también hay por supuesto algo de eso. Pero hay que reconocer que las dudas que genera entre su público más exigente la deriva comercial de ‘Let’s Dance’ (1983) y la decepción que entre algunos genera su éxito masivo -y por extensión sus erráticos años 80 y 90- también están reflejados en esta cinta.

Brett Morgen, responsable de cintas como ‘Kurt Cobain: Montage of Heck‘ (2015), mantiene su particular estilo. Tras contar con el apoyo de la familia de Bowie, ha pasado 4 años sumergiéndose en material no tan visto ni oído. El director se ha servido de grabaciones de giras y actuaciones de David Bowie durante los años 70, 80 y 90, así como de extractos de entrevistas y declaraciones usados a modo de narración para contarnos quién era el artista y cuáles eran sus inquietudes como conceptualista.

Las actuaciones y sus entrevistas conservan el magnetismo de siempre, mostrando a un hombre andrógino increíblemente adelantado a su tiempo, que tenía que explicar en la televisión de los primeros años 70 por qué le apetecía maquillarse o travestirse. «No son botas ni de hombre ni de mujer, son solo unas botas, tonto», respondió a un entrevistador hace medio siglo. Las performances en sí sacan nueva punta a canciones olvidadas como ‘Hallo Spaceboy’ así como a clásicos jamás olvidados como ‘Life on Mars?’ o ‘Changes’. Pero hay mucho más.

Morgen no se ha quedado ahí, sino que ha escarbado entre las palabras grabadas en distintos formatos por Bowie para tratar de trasladarnos su visión sobre conceptos como el tiempo, el caos, el amor, la religión o el conocimiento de uno mismo. Arranca el guión con un escrito suyo sobre Nietzsche y la muerte de Dios y escuchamos su visión sobre los ciclos de la vida política; todo ello sin lugar para las polémicas al respecto –que las hubo-, simplemente maravillándonos de aquellos tiempos en que era habitual escuchar a un artista hablar de arte, política o sociedad, mojándose sin miedo a perder audiencia o ser malinterpretado.

Más allá aún, ‘Moonage Daydream’, a diferencia de otros documentales sobre artistas de música pop, se complementa con todo un festival de ráfagas de obras pictóricas, cinematográficas y de otras disciplinas, en relación con la propia obra del artista. Hay momentos tan imaginativos y ricos que el histórico 8º capítulo de la 3ª temporada de ‘Twin Peaks’ viene a la cabeza en su búsqueda de respuestas (porque la «búsqueda» era un concepto esencial para David Bowie).

‘Nosferatu’, ‘Un perro andaluz’, ‘La naranja mecánica’, ‘Metrópolis’, ‘Fantasía’, ‘Barbarella’, obras de Picasso y Pollock son solo algunas de las decenas y decenas y decenas de obras avistadas durante un segundo que aparecen aquí porque le enriquecieron -como él mismo reconoce en un momento- y de las que en algunos casos participó. ‘En el laberinto’ o ‘Feliz Navidad, Mr Lawrence’ tampoco podían faltar. Y todo ello surtido con una banda sonora de directos, nuevas mezclas y rarezas orquestada por Tony Visconti. El collage es apabullante.

A medida que el documental avanza en sus 135 minutos, echa de menos algún tipo de punto de inflexión que por un momento parece que va a constituir Berlín, ‘Let’s Dance’ o su retiro. Pero tampoco era tan imprescindible. Es fascinante que se pueda hablar durante más de 2 horas del artista sin caer en terrenos comunes como su uso de las drogas, su primer matrimonio, su paternidad, sus problemas de salud, ni a duras penas lo que para él significó el amor.

Su matrimonio con Iman sí aparece como un elemento que le distancia de la carretera. En los últimos años, vemos fragmentos de videoclips de ‘The Next Day‘ o ‘Blackstar‘, a sabiendas de que ya no había directos ni entrevistas, por lo que el material disponible es más limitado. Pero no pasa nada: ‘Moonage Daydream’ deja por sí mismo suficiente material como para soportar un segundo, un tercer y un cuarto visionado. Brett Morgen dice que quien quiera saber de la vida de Bowie, se mire una biografía; que él ha preferido utilizar el lenguaje cinematográfico en todo su esplendor para transmitir otra cosa. Y vaya si lo ha conseguido.

Podcast: Los 10 discos de Bowie que debes escuchar

‘Unholy’ debuta en lista junto a Aitana, Rauw Alejandro…

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3 octubre, 2022

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‘Quédate’ está en el Top 1 de la lista de singles española una semana más. El resto del Top 5 es el mismo que la semana pasada, con Manuel Turizo y Rosalía en los puestos 3 y 4 y Quevedo ocupando las posiciones restantes, con ‘Vista Al Mar’ en el número 2 y ‘Sin Señal’ en el 5. David Guetta y Bebe Rexha protagonizan la subida más importante de la semana, gracias a la cual el improbable hit de ‘I’m Good (Blue)’ ha pasado del número 36 al 21.

La entrada más fuerte de la semana se la lleva ‘Otra Vez’ de Aitana que ha debutado en el puesto 40 de la lista de éxitos. Siguiéndole de cerca está el macro hit global de Sam Smith y Kim Petras, ‘Unholy’. Pese a posicionarse como número 1 en más de 10 países, ‘Unholy’ no lo ha pegado muy fuerte en España, debutando en el número 49. Pasando la mitad de ranking encontramos a Pablo Pesadilla, Polimá Westcoast, Nickoog Clk y Fran C entrando en el número 56 con ‘BABY OTAKU’. Un puesto más abajo se posiciona la colaboración de Rauw Alejandro y Baby Rasta, ‘PUNTO 40’.

En el puesto 95, Mora asiste a paopao en el remix de ‘algo así’. Un puesto más abajo, en el 96, entra el himno del Mundial de League of Legends de este año, ‘STAR WALKIN’, elaborado por Lil Nas X. Dani Fernández se coloca en la posición 98 con ‘Dile a los demás’ y Bad Bunny hace una reentrada justita con ‘Yonaguni’, que se ha posicionado en el número 100. El ultra exitoso single de Bad Bunny alcanzó su posición máxima en el número 2.

Beyoncé lanza mini vídeo de ‘SUMMER RENNAISANCE’ con Tiffany

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3 octubre, 2022

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Beyoncé ha lanzado, como parte de una campaña de Tiffany & Co., algo cercano a un vídeo musical de ‘RENNAISANCE’, sin olvidar el teaser de ‘I’M THAT GIRL’. La canción protagonista es ‘SUMMER RENNAISANCE’ y se reproduce complementando un vídeo de un minuto en blanco y negro con temática de club. El clip está dirigido por Mark Romanek, reputado director de películas y videoclips y ganador de tres Grammys al Mejor vídeo musical.

El vídeo es motivo de la campaña ‘Lose Yourself In Love’, de la marca de joyas Tiffany, y es descrito como «una película del himno de una campaña de marca». El clip comienza con un plano de Beyoncé andando de espaldas en un oscuro pasillo mientras se escucha la música del club de fondo, que naturalmente es ‘SUMMER RENNAISANCE’. Desde ahí, el vídeo se intercala con planos rápidos de los bailarines en la pista y los DJS, y con imágenes de la cantante atrayendo la mirada de todos los presentes.

En los últimos segundos del vídeo, Beyoncé se monta en el ya icónico caballo translúcido de la portada del disco y el tema cambia directamente a la parte en la que esta pide una «round of applause». El clip incluye 90 bailarines moviéndose alrededor de la cantante y a Beyoncé vistiendo con un diamante de más de 10 quilates en un anillo de platino.

Rigoberta Bandini revela el tracklist de ‘La Emperatriz’

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3 octubre, 2022

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A falta de días para que llegue su esperado disco de debut, pues ‘La emperatriz‘ se publica ya este mismo viernes 7 de octubre, Rigoberta Bandini ha concedido una entrevista a El País donde ha revelado algunos detalles más.

Hasta hace nada el tracklist de ‘La emperatriz’ seguía siendo un secreto muy bien guardado, pero gracias a un post de Instagram de la artista la lista de temas ya ha sido revelada. Con esto se confirma, tras lo publicado en la entrevista de El País, que las canciones ya conocidas son 8 y las nuevas 4. Entre las conocidas figuran sus primeros tracks, como ‘In Spain We Call It Soledad’, ‘Too Many Drugs’ y ‘Que Cristo Baje’, y los éxitos posteriores de Bandini, como ‘Ay Mamá’, ‘Perra’, ‘Julio Iglesias’, ‘A Todos Mis Amantes’ y ‘Así Bailaba’. Faltan ‘Fiesta’ y ‘A ver qué pasa’, esta última rondando el disco de platino.

Entre las nuevas, hay 2 dedicadas a su hijo, una de ellas titulada ‘Canciones de amor a ti’. Juzgando por el título, todo indica que la otra canción dedicada es ‘Tú Y Yo’. ‘Que Vivir Sea Un Jardín’ y ‘La Emperatriz’, en este orden, serán los dos últimos temas del disco debut de Rigoberta Bandini.

También ha desvelado en Instagram que hay un focus track para este viernes. Ha usado la frase «Me he olvidado de quién fui antes de subirme al toro», lo cual parece más un guiño a la letra o a un vídeo que un título de canción. Porque a su vez, El País desvelaba que ha entrevistado a Rigoberta Bandini en medio de un rodaje de un vídeo con C. Tangana que va a servir de promo a ‘La emperatriz’. No se indica que sea un dueto entre ambos, sino un vídeo de promo.

En otras partes de la entrevista, Rigoberta Bandini habla de su relación con Chanel y la rabia que le da que las hayan enfrentado al término de Benidorm Fest: «Chanel y yo no somos las mejores amigas, aunque le podría escribir para tomar una birra. Es una persona a la que tengo mucho cariño y una profesional como la copa de un pino. Somos, simplemente, diferentes tipos de artista. Pero nos utilizaron porque somos mujeres. Esta politización no suma mucho».

Y también desmiente ser del Opus y habla de los rumores sobre si es una pija de Barcelona, algo que ha rondado foros y redes sociales desde siempre: «Mi madre es profesora de música en un colegio y sigue allí; mi padre trabajaba en la empresa de mi abuelo, que luego cerró… No he vivido una sensación de “tengo la vida solucionada”. En absoluto. Llevo haciendo doblaje de películas desde los seis años y no he pedido un euro a mis padres nunca. Siempre me he mantenido. No he vivido en la precariedad, eso es verdad, y doy gracias. Pero de ahí a ser una marquesa, tampoco».

Tracklist:
1. In Spain We Call It Soledad
2. Ay Mamá
3. Perra
4. Canciones de Amor a Ti
5. Julio Iglesias (New Mix)
6. A Todos Mis Amantes
7. Así Bailaba feat. Amaia
8. Que Cristo Baje (New Mix)
9. Tú y Yo
10. Too Many Drugs
11. Que Vivir Sea un Jardín
12. La Emperatriz

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Podcast: el disco perfecto de Rigoberta Bandini

Bono presentará en Madrid su libro de memorias, ‘Surrender’

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3 octubre, 2022

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Bono de U2 ha anunciado una gira mundial para acompañar la salida de su primer libro de memorias, ‘Surrender: 40 Songs, One Story’, que saldrá a la venta en España el próximo 3 de noviembre a través de Reservoir Books. La gira llevará al frontman de U2 alrededor de 14 ciudades de todo el mundo, entre las cuales figura Madrid, la cual visitará el 28 de noviembre. En estos shows Bono llevará «en persona y en directo» las historias de su vida a la audiencia «en una tarde de palabras, música y alguna travesura».

‘Surrender: 40 Songs, One Story’ repasará la vida de Bono a través de 40 canciones que han marcado la trayectoria de U2 y el cantante irlandés lo presentará en el Teatro Coliseum de Madrid el 28 de noviembre. Las entradas saldrán a la venta el próximo viernes 7 de octubre a las 10 de la mañana y cada entrada incluirá un ejemplar del libro en castellano. Además, la obra incluirá ilustraciones originales dibujadas por el propio músico. Cada capítulo llevará el título de una canción de U2 y el primero se llama naturalmente ‘Out of Control’, el primer single de U2, que se editó en el año 1979.

Bono ha contado en un comunicado que echa de menos «estar en el escenario y la cercanía del público de U2». Además, ha avanzado cuál es su intención con las actuaciones de esta gira: «En estos shows tengo algunas historias que cantar y algunas canciones que contar. También quiero pasármelo bien presentando mis memorias, que es en realidad «nuestras» memorias si pienso en toda la gente que me ayudó a pasar de allí a aquí».

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Adé / Et alors?

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Jaime Cristóbal

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Adé (alias de la francesa Adélaïde Chabannes) no sale de la nada: antes de este disco de debut formó parte del grupo Thérapie TAXI, nacido en París en 2013, un trío que se convirtió en fulgurante fenómeno de masas por éxitos como ‘Hit Sale’ (junto al hermano de Angèle, Roméo Elvis), ‘Candide Crush’ o (mi favorita y más reciente) ‘Été 90’. Tras ocho años y dos álbumes se separaron el año pasado (Le Monde calificó su último concierto en el Zénith de “funeral grandioso”).

Pongamos la evidencia sobre la mesa nada más empezar: a pesar de la estética que rodea al disco (portada, fotos de promo, literatura que adorna las notas de prensa), ‘Et alors?’ no es un disco de country ni de americana. Desde la primera escucha es evidente que en lo musical el toque americano no va más allá del uso de guitarras pedal steel y banjos que aparecen en momentos instrumentales puntuales de casi todas las canciones. Por lo demás, en lo que a factura estilística se refiere, estamos ante un disco de pop. Incluso la única canción con ese deje algo más pronunciado (‘Si tu partais’) está cantada con un estilo totalmente enmarcado en el pop francés, y sería el único ejemplo de ese híbrido entre country y pop que Adé originalmente planteaba, inspirada en su obsesión preadolescente por ‘Come on Over’ de Shania Twain y la más reciente por el ‘Golden Hour’ de Kacey Musgraves. Quizá el otro mash-up conceptual que la artista ha citado (“conciliar la modernidad de Lorde y el clasicismo de Joni Mitchell”) tenga más sentido en algunos momentos, pero en el fondo, ¿qué necesidad hay de etiquetar?

Porque junto a esa evidencia se encuentra la otra, que en realidad es la importante: estamos ante un disco de pop sensacional. Los adelantos de ‘Si tu partais’, la preciosa ‘Sunset’, y sobre todo esa maravilla titulada ‘Tout Savoir’ eran muy prometedores, pero ¿cómo imaginar que prácticamente todo el disco iba a estar lleno de buenas canciones, con impecables estrofas y estribillos? Impresiona bastante que composiciones tan brillantes sean 100% Adélaïde Chabannes en estos tiempos de comités compositivos.

A lo largo de toda la primera cara las alegrías son múltiples: canciones como la aparentemente inofensiva ‘Side by Side’ resultan placenteramente pegadizas y ‘Q’, con su estribillo que reza “mêle toi de ton cul, ouais” (“ocúpate de tus putos asuntos”) está destinada a convertirse en un himno tremendamente coreable por los fans nostálgicos del antiguo grupo de Adé (es de hecho la canción elegida para su nuevo vídeo). La propia ‘Avec des si’ podría ser casi una canción de Therapie TAXI, porque es otro banger instantáneo, con un post-estribillo delicioso y trepidante. En temas como este destaca la gran labor de los coproductores Romain Descamps y Egil Franzen, del grupo belga Puggy, que han dado a la música un empaque contundente sin perder la dulzura inherente a las composiciones y la voz de Adé. Un equilibrio de ingredientes que integra a la perfección guitarras acústicas, sintetizadores, bajos pulsantes y beats pop.

En el apartado letras es donde la artista se aleja más de su antigua banda: donde antes había textos a menudo provocativos (casi siempre escritos por sus compañeros), ahora encontramos reflexiones acerca de desamores, y sobre ganas de arriesgarse y avanzar en la vida. Esto choca en algunos momentos con el propio planteamiento muy pop de las canciones, reduciendo a veces los versos a una cierta insustancialidad. Pero cuando da en la diana, la combinación resulta perfecta. Como en ‘Tout Savoir’, que aparte de ser ya una de las mejores canciones de 2022, brilla con esa letra de incertidumbre y deseo de ver la luz: “sueño con comprender las cosas, y saber por qué / querría saberlo todo, ver en la oscuridad”. O en la estampa romántica de ‘Solitude imprévue’ y su soledad imprevista bajo un paraguas un día lluvioso (menos cliché de lo que suena y envuelta en un exquisito armazón pop 90s que recuerda a los Cardigans). Incluso en el irresistible estribillo de aceptación y positividad de ‘Insomnies’ (“en la violencia, bailo / ante el sufrimiento, prudencia”), un tema en el que la interpretación vocal es particularmente bella.

Las dos últimas piezas brillan especialmente: el compás de 3/4 de ‘Berceuse’, sus armonías vocales con vocoder y esos arreglos que tan bien integran sintes y esas guitarra pedal steel grabadas especialmente en los estudios Sound Emporium de Nashville aúpan otra de las mejores melodías del álbum. Y el cierre con ‘Bonne année’ te deja preguntándote maravillado cómo esta artista es tan capaz de inyectar vida nueva melódica a secuencias de acordes tan transitadas tras décadas de música pop. No es un logro fácil, y Adé tiene ese toque mágico.

‘Et alors?’ es pues un brillante eslabón más en esa tradición pop francesa de los últimos veinte años, que une con un hilo invisible de melodías irresistibles y bonitas voces- cada cual en su estilo- a Autour de Lucie, Keren Ann, La Femme, Clara Luciani, Vendredi Sur Mer, Pomme, Pi Ja Ma, Requin Chagrin y un sinfín más. Lo verdaderamente raro es encontrar una colección de canciones que -salvo un par de piezas más discretas- es completamente redonda.

Brian Cross y Santaflow, en el festival de VOX del Espacio Mad Cool

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3 octubre, 2022

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Con VOX cayendo en las encuestas tras el decepcionante resultado andaluz y la crisis propiciada por la marcha y abortado regreso de Macarena Olona, el partido de ultraderecha volverá a tratar de utilizar la proximidad del 12 de Octubre a su favor.

Los días 8 y 9 de octubre han montado un festival en el Espacio Mad Cool de Madrid (Valdebebas), de carácter gratuito, pero al que el público se puede inscribir. 17.000 asistencias se han confirmado para el evento llamado Viva 22, según el partido de Santiago Abascal.

La derecha siempre ha tenido dificultades para sumar apoyos del mundo de la cultura para actos, actuaciones, conciertos o simplemente para poder pinchar música sin que el artista se queje o incluso denuncie; por lo que es noticiable qué ha conseguido la ultraderecha para su cartel, en lo que parece un «más difícil, todavía».

El DJ de house Brian Cross, que en el pasado ha colaborado con gente como Mónica Naranjo o Sophie Ellis-Bextor, es el gran cabeza de cartel. El resto se compone casi en su totalidad por artistas desconocidos. El “rap protesta” de G. Babe y P.Amdrey se mueve entre los 200 y los 2000 oyentes en Spotify, mientras Green Velvet es un grupo de rock con 1000 followers en Instagram.

Los Meconios tienen temas llamados ‘Somos españoles’, ‘El machista no soy yo’ y el paródico ‘Stop Fachas’, que han funcionado sobre todo en Youtube. En Spotify tienen solo 700 oyentes, pero algunos vídeos sí se han viralizado algo más en el visor de Google. ‘Somos españoles’ se acerca, por ejemplo, al medio millón de visitas.

La gran estrella del evento, aparte de Brian Cross, parece Santaflow, que sí cuenta con varios éxitos en las diversas plataformas de streaming tanto en solitario como colaborativos, como ‘Las cartas sobre la mesa’ o ‘La locura está en mí’ con Porta y Eneyser. Esta incluía los versos:
«Me he follado a tantas divas que no sé si tengo el sida
Daría mi coche por tirarme a Angelina Jolie
Y grabarla haciéndome un paja con los pies
Quiero pegar al mariconazo de Jorge Javier
Y que quede muda la burra de Belén Esteban»

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Kendrick Lamar y Sampha beben como machotes en la crítica ‘Father Time’

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3 octubre, 2022

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Kendrick Lamar ha acudido este fin de semana a Saturday Night Live para recordar que tiene un disco nuevo en la calle. ¿Ha pasado desapercibido «Mr Morale«? Sí más que otros discos del artista, pero tampoco podemos considerarlo un fracaso total: aún sobrevive en el top 25 de Estados Unidos y en el top 100 británico. Podría ser peor.

El artista ha reivindicado en SNL el que ha sido de momento el único pequeño hit del disco, ‘N95’, hace tiempo en cualquier caso desaparecido de las listas, junto a otros temas del álbum. En concreto ha retomado lo que era el tramo central del CD 1 de ‘Mr. Morale & the Big Steppers’. Primero ha unido ‘Rich Spirit’ a ‘N95’ en una minimalista actuación en la que la propia sombra de Kendrick Lamar se libera del rapero. Y después ha interpretado aparte ‘Father Time’, su colaboración con Sampha -con Sampha de cuerpo presente- que escogemos como «Canción del Día» hoy.

La canción arrancaba con unas cuerdas que nos hacían pensar en el Sampha más clásico, mientras escuchábamos a unas voces debatir si Kendrick necesitaba o no necesitaba terapia. Después, el tema se transformaba en un tema de neo-soul bastante clásico, en el que se produce una lucha de contrastes.

Por un lado, Kendrick Lamar habla de la masculinidad tóxica, de cómo a los hombres nos enseñan a esconder nuestras emociones (“Daddy issues, hid my emotions, never expressed myself”) y a ser competitivos (“Daddy issues kept me competitive, that’s a fact, nigga”). “Daddy Issues” podría ser el nombre de esta canción que también referencia los reiterados beefs de Kanye West con Drake. Más de lo mismo.

Por el contrario, Sampha entona el dulce estribillo, en el que no obstante las emociones continúan siendo crudas. El juego de palabras “neat, no chaser, neat, no chaser…” apela a la costumbre de tomar chupitos a palo seco, sin complementos que rebajen el alcohol. Un tema de mensaje relevante, por tanto, que merecía la pena rescatar del olvido.

Las mejores canciones del momento: septiembre 2022

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3 octubre, 2022

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Una vez finalizado el mes de septiembre con las ardientes novedades del pasado viernes, como los nuevos discos de Shygirl y Björk, recopilamos en una playlist las canciones que más han gustado en la redacción en los últimos tiempos. Han sido o serán, ambas «Disco de la Semana», al igual que lo fueron en semanas recientes Angel Olsen -con motivo de su gira por España- y Jockstrap. Recordamos temas favoritos, nuevos singles o bonus tracks de otros artistas o discos que también fueron «Álbum de la Semana», como ha sido el caso de Magdalena Bay, Fontaines D.C. y León Benavente.

Entre los artistas que más nos han entusiasmado con sus últimos singles están Jamie xx, Kali Uchis, ALMA o la colaboración con REMA y Selena Gómez. Anticipan sus nuevos álbumes gente tan querida como Arctic Monkeys, Weyes Blood, Natalia Lafourcade, Alvvays o La Bien Querida, pero tampoco perdemos la vista a artistas nuevos o simplemente más desconocidos, como aroa ay, CATT o Rachel Bobbitt.

Adé / Tout savoir
Shygirl / Firefly
Jamie xx / KILL DEM
Fred again.. / Danielle (smile on my face)
Kali Uchis / No hay ley
ALMA / Summer Really Hurt Us
Björk / Atopos
Rema, Selena Gomez / Calm Down
Jockstrap / Greatest Hits
Weyes Blood / It’s Not Just Me, It’s Everybody

Miya Folick / Bad Thing
Alizzz / Que pasa nen
aroa ay / Xqnoo:(
Romeo Santos, Rosalía / El Pañuelo
La Bien Querida, Santiago Motorizado / La cruz de Santiago
Natalia Lafourcade / De todas las flores
Bizarrap, Quevedo / Quevedo: Bzrp Music Sessions, Vol. 52
Khalid / Satellite
WILLOW / curious/furious
Alvvays / Easy on Your Own?
Magdalena Bay / All You Do

CATT / Wild Heart
Rachel Bobbitt / more
Angel Olsen / Big Time
Arctic Monkeys / Body Paint
Freddie Gibbs / Dark Hearted
Vera Blue / Mermaid Avenue
Björk, Kasimyn / Fossora
León Benavente / Mítico
Dragonette / Twennies
Fontaines D.C. / The Couple Across the Way

Avalanches cancelan su gira por enfermedad grave

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3 octubre, 2022

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The Avalanches no van a poder cumplir con sus compromisos contractuales en Norteamérica por razones de causa mayor. El grupo autor de uno de los mejores discos del siglo XXI, ‘Since I Left You’, y más recientemente de uno de los también mejores discos de 2020, ‘We Will Always Love You‘, ha tenido que cancelar por razones de salud.

Sin especificar ni el miembro de la banda que está enfermo, ni tampoco la enfermedad, The Avalanches indican que no podrán actuar durante el mes de octubre en Nueva York, Chicago, Boston, Filadelfia, Detroit, Chicago, Toronto o Montreal. Este fin de semana que acaba de terminar actuaban el sábado 1 en Chicago y el domingo 2 en Detroit.

Sí han especificado que la situación es complicada, que la cancelación «se debe a una enfermedad grave». Anteriormente, la gira había sido pospuesta desde febrero y marzo por «continuos problemas de salud».

Indican: «Lamentablemente, debido a una enfermedad grave, hemos tenido que tomar la dolorosa decisión de cancelar el resto de nuestros conciertos estadounidenses y canadienses para volver a casa. Gracias a todos los que habéis hecho esta gira tan divertida, y disculpas a todo el que tuviera entradas para los conciertos que quedan. Todos los que compraron entradas serán contactados con los detalles de la devolución».

Actualmente, Robbie Chater y Toni Di Blasi son los miembros fundadores que continúan en Avalanches, tras la marcha en 2006 de Darren Seltmann. No se espera que el dúo, siempre receloso de su intimidad, dé más detalles en días venideros.

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Confeti de Odio / Hijos del Divorcio

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«Lucas domina como pocos el recurso del patetismo». No me quito de la cabeza esta frase promocional del segundo disco de Confeti de Odio, ‘Hijos del divorcio’. El debut del artista se llamaba ‘Tragedia Española‘, resultando muy querido en el underground patrio: listas de los mejores discos de 2020, nominación al Premio Ruido… está claro que el indie siempre ha gozado un poquito de revolcarse en el fango y este álbum sigue por ese sendero.

‘Hijos del divorcio’ parte de la sencilla teoría de que la mala educación que recibimos de nuestros padres provoca que hagamos daño al prójimo. Que todo el daño que nos hacen nuestras parejas o amigos termina revertido malamente en otras personas. Las madres son «fábricas de traumas» para Confeti de Odio en el tema de apertura de este álbum; los padres, aún peor, «despreciable fauna». A continuación, ‘Llamamiento’ no tarda en justificarles: «aprendemos por las malas / copiamos a nuestros padres / pero igual ellos tenían las mismas dificultades».

Esta excusa medio conceptual sirve a Lucas de Laiglesia para camuflar también canciones de desamor o sobre la fama y las redes sociales. Todas elaboradas desde el prisma de un «loser». ‘¡Ya no puedo más!’ es la contemplación de unas fotos del pasado que te lleva a las lágrimas. ‘Ochentas y ojeras’ recuerda que «nunca he sido el más listo de la clase». La acústica ‘Ángel triste’ termina retratando: «míranos a los dos bailando colocados / no nos ganan a dar asco».

Todo este arsenal de emociones sin fortuna no siempre se corresponde con canciones tan arrebatadas. Es muy noticiable que ‘Llamamiento’ se haya dejado embadurnar por la locura ‘Bohemian Rhapsody’, como también ‘Sálvese quien quiera’. Otras, en cambio, resultan más planas, como esa ‘Solo y sin ganas’ que quiere alternar la clásica balada 50’s con el Autotune, quedando un poco en tierra de nadie.

Lo mejor de ‘Hijos del divorcio’ es su autoconciencia y su voluntad de no estancarse. Algo que se ve en lo creativo dado su acercamiento indistinto al rock (‘Déjales entrar’) y al synth pop (‘Estrella‘, ‘En la oscuridad’), pero sobre todo de nuevo en sus letras.

‘Sálvese quien quiera’, penúltima antes de la catastrofista ‘Mundo cruel’, es un divertido retrato del mundo actual a través de los ojos del Rubius o Ibai. Aparte de que plantea un «no voy a rendirme hoy», contiene una declaración de intenciones que copiar: «mientras siga vivo, voy a intentar dar más luz de la que quito». Y sobre todo, Confeti de Odio ha decidido abrir todo esto con una canción en la que un coro infantil, el Coro Las Veredas, aka Coro de los Hijos del Divorcio, parodia todo el disco antes de que lo escuches: «Lucas, deja de pensarlo / Nadie quiere hacerte daño / No eres el centro del mundo / es que no importas tanto».

Leire habla de Amaia Montero: «La admiro y respeto»

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2 octubre, 2022

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Leire Martínez, vocalista de La Oreja de Van Gogh, ha concedido una entrevista al programa Socialité de Telecinco donde ha hablado públicamente sobre su relación con Amaia Montero. La cantante original de La Oreja abandonó la formación en 2007 y la polémica por una supuesta rivalidad entre ambas nunca ha dejado de estar en al aire, a veces alimentada públicamente por la propia Amaia, por ejemplo, cuando, en 2020, criticó que Leire firmara a fans CDs de los primeros años de La Oreja, en los que la vocalista era Amaia, cosa que ella no haría «por pura honestidad y respeto».

En la entrevista, Leire aborda brevemente el asunto de los discos firmados. Dice que “el disco cuando se vende es propiedad del que lo compra y esa persona decide quién quiere que se lo firme», pero también apunta que «yo hay determinados discos que no firmo porque no quiero generar malos rollos, pero si el propietario insiste, adelante”.

Por otro lado, Leire explica por qué ha solido mantenerse al margen de la polémica. “No me gusta pronunciarme con temas sobre Amaia porque no me gusta generar fuegos. Todo lo que no es razonable y normal no es agradable, pero intento estar la margen porque no es mi guerra. Yo vengo a trabajar». Leire confirma que «se han dicho cosas que no me han gustado», pero que su relación con Amaia es «correcta», si bien «no hay una relación más allá», y explica que, por este motivo, no ve posible una colaboración entre ambas, cuando el entrevistador le plantea esta posibilidad.

Sin embargo, Leire sí empatiza con Amaia. «Hemos ocupado el mismo lugar en un grupo y empatizo con ella muchas veces. Ser la única mujer en un grupo de hombres, al ritmo al que se trabaja, tener que dar la cara en ciertos momentos… La admiro y la respeto profundamente». No obstante, la cantante asegura que le «hubiera gustado haberme sentado con ella a tomar un café y que me contara su experiencia», pero que no ha surgido.

Leire también ha recordado sus complicados inicios en La Oreja: «Pasar del anonimato a que la gente te conozca y opine de ti pues no agrada. Fue inevitable que mi círculo cercano leyera todo lo que se decía y les pedí que no miraran nada. Yo no es que no quisiera saber, quería protegerme. Siempre va a haber alguien que prefiera a Amaia, pero esto no es una competición. Ella es ella con todo su mérito y con todo lo que ella hizo, y yo soy yo. Miro hacia adelante. No voy a decir que no me planteara dejarlo, pero en firme nunca». Leire ha hablado sobre el parecido entre su voz y la de Amaia: «Mis compañeros estaban acostumbrados a un tipo de cantante y de voz y me pedían y buscaban eso en mí. Si de inicio yo hubiera aportado una personalidad distinta quizá la gente no lo hubiera aceptado”.

Por su parte, Amaia no se ha pronunciado sobre las palabras de Leire. En Instagram sí ha publicado un post con el audio de ‘Tan guapa’, bonus track incluido en el álbum de La Oreja de 2016 ‘El planeta imaginario‘, y ha dado las gracias a su ex compañero Xabi San Martín por «resumir en 3 minutos 25 años de una parte fundamental de nuestras vidas! Te quiero».

‘Easy On Your Own?’ de Alvvays es una conmovedora joya noise pop

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Fernando García

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2 octubre, 2022

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Estamos cada vez más cerca de ‘Blue Rev’, el esperado tercer disco de Alvvays, disponible el 7 de octubre. La banda canadiense, tras 5 años de silencio, regresó con fuerza con ‘Pharmacist’, y desde entonces ya ha mostrado cuatro adelantos, todos ellos excelentes, expandiendo su sonido twee pop a terrenos más shoegaze. Hoy elegimos como Canción del Día ‘Easy On Your Own?’, una melancólica y conmovedora joya noise pop.

Molly Rankin canta con desagarrada emoción al vacío que se siente cuando no sabes qué hacer con tu vida en ningún ámbito y, además, tienes que lidiar con una ruptura. Su voz transmite el dolor y la apatía que viene tras la ausencia de alguien a quien has amado. La labor de volver a encontrarse a uno mismo no es nada fácil. Tampoco lo es afrontar un futuro incierto.

La canción, guiada por una fuerte presencia de guitarras ruidosas está iluminada por una melodía onírica, reforzada, además, por la característica musicalidad de las letras. Evidencia de ello es el exquisito pre-estribillo: “Cause we’re always / crawling in monochromatic hallways / dream we pull a one-eighty someday” (Porque siempre estamos / arrastrándonos por pasillos monocromáticos / soñando con hacer un cambio de 180º algún día).

En el puente, Molly reconoce que ha perdido los mejores años de su vida esperando a su ex-amante y concluye con una pregunta desesperada que sobrecoge por su honestidad: “¿Se te hace fácil a ti estar solo?”. Qué lujo es tener por fin a Alvvays de vuelta.

‘Debut’ fue el reinicio perfecto de Björk

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«Debo de haber escuchado cada una de estas canciones más de 500 veces desde que empezamos. Las hemos terminado hace mucho, pero todavía escucho estas canciones cada día. Me pregunto si alguna vez podré parar». En toda mi discografía de CD’s, LP’s y libretos no recuerdo una nota tan entusiasta por parte de un productor. Nellee Hooper está preguntándose en 1993 si alguna vez será capaz de desengancharse de las grabaciones contenidas en ‘Debut’ de Björk Guðmundsdóttir y la respuesta es que no.

En 1992 la cantante islandesa no está a gusto con Sugarcubes. Considera que la música que hacen no la representa. Ella piensa más en Kate Bush y Brian Eno, en el acid, en la vanguardia electrónica del prestigioso sello Warp. El grupo se toma un descanso después de ‘Stick Around for Joy’ (1992) que realmente durará hasta hoy, con la excepción de una brevísima reunión en 2006 para un concierto. Björk graba una maqueta en la que ya aparecen ‘Aeroplane’ y ‘The Anchor Song’, y consigue un contrato discográfico. Y eso que aún no están incluidas las canciones que van a caracterizar su nuevo disco de «Debut».

Hay una intención simbólica en llamar así un disco que en realidad no es tu primero. Su álbum llamado ‘Björk’ cuando tenía 12 años había sido más comentado en los mentideros que escuchado, y titular ‘Debut’ este trabajo en solitario venía como a advertir del reinicio que iba a suponer, foto de Mondino incluida. Ese interés por la electrónica de moda está en estas canciones de manera sutil. Está ahí sin ser esclavo de ello, lo que ha beneficiado su atemporalidad. Es muy visible en ‘Violently Happy’, la única canción que podemos considerar abiertamente house, pero que se diferencia de otros hits coetáneos en sus arreglos.

Björk quiso grabar en directo ‘There’s More to Life Than This’, en concreto en un lugar de la escena que había en el Soho llamado Milk Bar, entregado a la escena emergente electrónica de principios de los 90. Björk se presentó a las 2 de la madrugada y grabó el tema yendo desde los baños a la calle. Su letra viene a decir «vámonos de esta fiesta, que se está poniendo aburrida, hay más vida que esto», por lo que la forma no podía tener más sentido. Hizo una grabación de estudio, pero no la usó, salvo en el CD single de ‘Venus as a Boy’ como cara B, donde aparece con el chanante subtítulo «NON TOILET».

En esa sensación de improvisación de ‘There’s More to Life Than This’ hay una influencia del jazz que fue muy importante en el desarrollo de ‘Debut’, esencial para comprender por qué el álbum es innovador en 1993 pero al mismo tiempo válido para ser disfrutado en 2007, 2022 o 2063. Björk había estado grabando versiones de estándares de jazz como ‘I Remember You‘ o ‘Life Is Just a Bowl of Cherries’, y para trabajar en este álbum contrató al saxofonista Oliver Lake y a la arpista Corky Hale. Están por ejemplo en ‘Like Someone In Love’, que entre sonidos de pájaros, niños riendo y oleaje, nos lleva al cine clásico de Hollywood, algo que volverá en ‘Post‘ con el vídeo de ‘It’s Oh… So Quiet’; y sobre todo en ‘The Anchor Song’.

Esta última, en su relato de fábula, es el momento más intimista y mágico de ‘Debut’. Cuando su voz se quiebra entre instrumentos de metal, Björk muestra su enorme talento como vocalista. En un mundo de voces perfectas pero tan aburridas como las de Mariahs y Whitneys, otras voces vehementes, apasionadas, libres, imprevisibles y enloquecidas como el amor son posibles. Y antes de llegar a ese ‘The Anchor Song’ tan apagado, su voz ha sido el vehículo idóneo para expresar diversas emociones.

Las letras de Björk son sencillas y es muy evidente, incluso a día de hoy, que el inglés no es su idioma materno, pero en su simplicidad es imposible no comulgar con ellas. Además, se llenan de magia a través de diversos trucos de producción. ‘Human Behaviour’, una melodía que escribió de pequeña pero desechó porque entonces estaba en «grupos de punk», habla de lo raras que somos las personas: «definitivamente no hay lógica en el comportamiento humano, pero aun así es irresistible». Esa relación con la infancia explica su vídeo con oso, bajo los mandos del gurú Michel Gondry. Cuando la canción ya es redonda con su sample de ‘Go Down Dying‘ de Antonio Carlos Jobim en la grabación de la Ray Brown Orchestra, suma unas cuerdas sintetizadas y, finalmente, explota.

‘Venus as a Boy’, sobre un sujeto cuya identidad nunca ha querido detallar, que ante todo «cree en la belleza», es sexual, sensible y sensual. El vídeo de Sophie Muller se inspira en ‘Historia del ojo’ de Georges Bataille, antes de que lo haga la obra maestra de of Montreal, mientras los arreglos orquestales del tema apuntan a Bombay. Aunque es más significativo el arreglo de sintetizador de Björk, que toca los teclados en todo el disco, llevándote a un universo paralelo de sonidos que jamás habías escuchado antes. Aquí el beat quería parecerse al sonido de una «botella rota».

‘Big Time Sensuality’, pese a lo que sugiere, habla de la pasión por el trabajo y está inspirada en su primer encuentro con Nellee Hooper, que no fue precisamente sexual, como poniendo en valor que el arte y su creación también puede ser excitante de mil explosivas maneras. Será ‘Violently Happy’ la canción que nos hable de un amor que no podemos contener. «Desde que te conocí, en esta pequeña ciudad no hay sitio para mis enormes sentimientos», comienza narrando antes de la catarsis del que fue el 5º single del disco, pero podría haber sido el 1º o el 9º.

¿Cuál es la canción floja entre toda esta salvajada de descomunales obras maestras? ¿’One Day’? ¿’Aeroplane’? La primera contribuye a la consecución del sonido del álbum, nocturno, misterioso, próximo al jazz aunque en la vanguardia electrónica. La segunda, todo eso y más, pudiendo presumir de haber pasado por el programa de Jools Holland. Y esta última sirve para encarrillar un final de disco de 20 sobre 10 que comienza con la escalofriante ‘Come to Me’, sigue con el hit ‘Violently Happy’ y termina con ‘The Anchor Song’.

Algunas ediciones incluyen también el bonus track ‘Play Dead’, lo que nos lleva a debatir la pertenencia del disco a la moda trip hop. En 1993 Portishead todavía no han publicado su propio «Debut», Massive Attack tan solo han sacado ‘Blue Lines’ y Björk, desde Islandia aunque entonces residente en Londres, no pertenece lógicamente a la escena de Bristol. Tampoco este disco que no se casa con ningún género y que solo se entrega a ese trip hop más orquestal en este tema realizado para la banda sonora de ‘The Young Americans’. Aparece entre sus créditos nada menos que Jah Wobble y David Arnold -curiosamente la dirección orquestal del disco es de nada menos que Talvin Singh- y lleva a Björk a su mejor resultado en la lista de singles británica, un top 12 (varios singles de ‘Post’ sí llegarán al top 10). Publicado en julio del 93, ‘Debut’ se reedita en noviembre con ‘Play Dead’ después de un elegante silencio que nos recuerda dónde acababa el disco original. Pero hay quien no lo considera parte del mismo, y mira que incluso narrativamente tiene su sentido. Diferentes versiones de ‘Debut’ con y sin ‘Play Dead’ circulan indistintamente por Spotify, Tidal o Apple: de manera random puedes disfrutar de esta grabación diferente pero relacionada o acabar en lo que eran las intenciones originales de Björk.

¿Soy yo o de repente parece que ‘Debut’ es la niña fea de Björk de los años 90, en comparación a ‘Post’ y ‘Homogenic’? En absoluto debería considerarse así. La base tribal de ‘Human Behaviour’ casa con el viraje musical que ha sido el siglo XXI, también los retazos psicodélicos de ‘Crying’ y sus acordes esquivos o la sensación de misterio de melodías y detalle. Cuenta Björk que con ‘Violently Happy’ quiso expresar lo que te lleva a hacer la ausencia de una persona deseada. «Corres por los tejados, te tomas 97 tequilas solo para sentir». ‘Debut’ capta a la perfección ese viaje. Nunca el camino de la felicidad a la locura, de la locura a la autodestrucción había sonado tan divertido.

María León niega «haber agredido a nadie» tras ser detenida

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1 octubre, 2022

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María León era detenida en la madrugada de este sábado por agredir a una agente de policía en Sevilla cuando se encontraba de fiesta con un grupo de amigos. La actriz se encontraba en la capital andaluza rodando ‘El hijo zurdo’, la nueva serie de Rafael Cobos.

Sin embargo, este lunes 3 de octubre, la actriz ha enviado un comunicado negando haber protagonizado ninguna agresión: “Quiero dar las gracias por las muestras de apoyo recibidas (…) Niego haber agredido a nadie. No es mi intención poner en entredicho (…) a los cuerpos y fuerzas de seguridad en nuestros días, pero sí debo denunciar que he sido víctima de un abuso policial por parte de unos agentes de la policía local de Sevilla. El caso está en manos de mis abogados y desde este momento pongo toda mi confianza en la justicia”.

Según fuentes policiales citadas por medios como El País o ABC Sevilla, todo empezó cuando la policía recibió el aviso sobre un ciclista que se encontraba pedaleando por la zona con una copa en la mano, por lo que fue detenido por resultar un peligro por la circulación.

El ciclista dio positivo en el test de alcoholemia y fue entonces cuando un grupo de personas, entre las cuales se encontraba María León, se acercó a los agentes de policía para recriminar su acción. En este momento, según fuentes policiales, León sacó su teléfono móvil y empezó a grabar a los agentes. Uno de ellos pidió documentación a León, pero ella no llevaba el DNI consigo y se le indicó que subiera al patrullero para acudir a comisaría e identificarse.

Las fuentes policiales narran que, en este momento, los amigos de León rodearon el vehículo de la policía mientras ella gritaba desde el interior del mismo. La actriz logró salir del coche y, cuando una agente intentó interceptarla, habría recibido la agresión de León, que le habría propinado un puñetazo en la cara y una patada en las piernas. La agente requirió asistencia médica.

En este momento, León fue detenida por un delito de atentado a agente de la autoridad y trasladada a comisaría, donde la actriz sufrió un ataque de ansiedad, por lo que requirió ser llevada a un centro hospitalario.

Danger Mouse & Black Thought / Cheat Codes

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El álbum colaborativo entre Danger Mouse y Black Thought lleva en proceso más de 15 años. Los dos artistas comenzaron a trabajar juntos en cuanto se conocieron, alrededor del año 2005. Entre 2017 y 2018 desecharon la mayoría del material original, reforzaron su amistad y conexión artística y completaron ‘Cheat Codes’ durante la pandemia de 2020, aunque en ese momento el proyecto fue anunciado con el título de ‘Dangerous Thoughts’.

‘Cheat Codes’ es un bocadito de 38 minutos de hip hop del más alto nivel: complejas rimas plagadas de dobles sentidos, un vocabulario al alcance de pocos y letras cargadas de mensajes sociales aderezadas con unos beats grandiosos basados en samples vintage de los 60 y los 70, exclusivamente. Si no es el mejor disco de rap del año es porque no es más que eso, un pequeño capricho que disfrutas durante poco más de media hora, pero que no apasiona. Es una buena colección de canciones, con una primera mitad superior a la segunda, de la cual elegir los 6 o 7 temas para tu playlist personal.

Partimos de que Black Thought es uno de los mejores y más prolíficos MCs que existen. Con más de 30 años de carrera a sus espaldas, Tariq Trotter (su nombre real) no tiene que demostrar nada porque todos sabemos de lo que es capaz. Por esto mismo, Trotter no trae nada nuevo a la mesa, pero naturalmente tampoco decepciona. El rap de Black Thought es consistente en todo ‘Cheat Codes’, pero es en canciones como ‘Aquamarine’, que incluye algunos de los versos que más temas abarcan del disco («Me tomo el día como una bendición y la noche como una lección»), o ‘Because’ donde Tariq brilla especialmente, y siempre por encima de sus invitados («¿Qué coño es el amor?/ No necesitamos una razón para morir, morimos porque sí»).

La producción de Danger Mouse se nutre de samples a lo largo de la totalidad del proyecto. En algunas ocasiones, como en ‘Belize’, se usan samples vocales, mientras que en canciones como ‘The Darkest Part’ tenemos a un artista invitado que se encarga de grabarlas, como es el caso de Kid Sister en la canción mencionada. Además, Danger Mouse propone una especie de filtro vintage de sonido por el que pasa todas las pistas vocales, equiparando las grabaciones con los samples. Esto es un acierto en el apartado estético. Sin embargo, parece que la propia voz de Tariq está pasada por el mismo filtro, haciendo que en ocasiones no se escuche del todo bien. Si lo juntas con un mix pobre, como en ‘The Darkest Part’, tenemos a un Black Thought que parece estar rapeando desde la habitación de al lado del estudio.

A pesar de esos detalles, la producción de ‘Cheat Codes’ es uno de los mayores atractivos del álbum. Tenemos tracks épicos que recuerdan a introducciones de películas western (‘Sometimes’), canciones de corte psicodélico que siguen el legado de la época que samplean (‘Cheat Codes’), beats que se acercan al funk y al jazz (‘No Gold Teeth’) y otros temas más sutiles como ‘Belize’ o ‘Saltwater’. En este último, a raíz de la colaboración de Conway the Machine, Danger Mouse intenta mezclar, sin mucho éxito, el estilo grandioso que ha desplegado a lo largo del disco con el minimalismo que caracteriza a Griselda, el colectivo de rap al que pertenece Conway y que ha ganado popularidad en los últimos años.

En palabras de Black Thought, en ‘Cheat Codes’ no hay ninguna «primera versión», ya que todas las canciones fueron refinadas y mejoradas en algún momento, incluso la respiración y el «pronunciamiento de sílabas concretas»: «La cantidad de atención al detalle en este disco es lo que le convierte en único». Al escuchar el disco, y teniendo en cuenta el mix de algunas canciones, este cuidado minucioso a los detalles no es que se note mucho. Al final, aunque disfrutable y ameno, ‘Cheat Codes’ tampoco es la obra maestra que podría.

LCD Soundsystem buscan en «cuerpo nuevo» en ‘new body rhumba’

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1 octubre, 2022

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Hace cinco años que vio al luz ‘american dream‘, el hasta ahora último álbum de estudio de LCD Soundsystem. El grupo de James Murphy no ha dejado de tocar en directo y, por ejemplo, este mismo año ha ofrecido otro de sus directos pletóricos en el festival Bilbao BBK Live. Después, ha seguido tocando por Estados Unidos.

Se echaba de menos nueva música de LCD Soundsystem, y el grupo autor de ‘Dance Yrslf Clean’ acaba de lanzar su primer single en un lustro. ‘new body rhumba’ es el tema principal de ‘White Noise’, la nueva película de Noah Baumbach, y es una digna adición al repertorio de la banda.

‘new body rhumba’ puede ser una de las composiciones más desenfadadas jamás publicadas por LCD Soundsystem, hasta el punto que parece coger el testigo de los B-52’s ahora que estos han anunciado su disolución, o de bandas hermanas como Devo o Talking Heads. De hecho, esas voces femeninas gritando «super, super, super» bien podrían ser las de Cindy Wilson y Kate Pierson; mientras los sintetizadores suenan tan caricaturescos como en el debut de la banda de Georgia. Eso sí, la maraña de riffs y, sobre todo, el in crescendo de ‘new body rhumba’, nos llevan a los apoteósicos directos de Murphy y compañía.

El éxtasis de ‘new body rhumba’, su voluntad de hacer sudar, como, por otro lado, consiguen siempre los conciertos de LCD Soundsystem, tiene un propósito. En la letra, Murphy efectivamente busca un «cuerpo nuevo». Canta que necesita «más forma y tono» y que, además, necesita dejar de «dormir solo» porque se siente «desplazado» y «extraviado como un perro que no puedes dejar en casa».

Según Filmaffinity, ‘White Noise’ narra la historia de Jack, un profesor universitario que «ha vivido rodeado del ruido blanco de la alta tecnología, las señales electromagnéticas y el consumismo» y que «se ve obligado a enfrentarse a su propia mortalidad» cuando «un accidente industrial causa un terrible incidente medioambiental en una bucólica ciudad del medio-Oeste americano, cubriéndola en una nube tóxica».

Sam Smith y Kim Petras montan un teatro en el vídeo de ‘Unholy’

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