A poco que hayas vivido en el mundo últimamente, habrás oído que una de las canciones de ‘Un verano sin ti‘, el último disco de Bad Bunny, está especialmente dedicada a Puerto Rico. ‘El apagón’ es ese tema que grita «¡Puerto Rico está bien cabrón!» y el que termina con una outro de Gabriela Berlingeri que decía:
«Yo no me quiero ir de aquí
Que se vayan ellos, que se vayan ellos».
Este fin de semana se ha estrenado el videoclip de la canción y viene con sorpresa. La primera parte ya promete: vemos el vídeo, una especie de rave con banderas LGTB+ y de Puerto Rico, presta para el vogueo, pero también una parte informativa en la que se nos habla del verdadero «Apagón». El de un hospital que estuvo 20 horas sin luz, dada la penosa situación del sistema eléctrico del país, especialmente desde que el gobierno le otorgara un contrato multimillonario a una compañía estadounidense llamada LUMA Energy.
Mientras la gente ha sufrido 7 aumentos consecutivos de la factura de la luz, los ejecutivos ganan más dinero que nunca, y el servicio es cada vez peor.
La segunda parte del vídeo va más allá. La reportera Bianca Graulai dirige este corto documental llamado ‘Aquí vive gente’ en el que se narra el éxodo forzado que está viviendo la propia población de Puerto Rico del lugar en el que se ha criado, en favor de los ricos que se acaban de mudar a la zona. La Ley 22 de Estados Unidos promueve que no pagarás impuestos si te mudas a Puerto Rico, lo que está propiciando que inversores se hayan instalado y tomado lugares como Puerta de Tierra.
La consecuencia es que se han cerrado escuelas, hay gente que está siendo expulsada de viviendas donde han pasado décadas porque no pueden pagar las nuevas rentas, y hay playas a las que solo se puede acceder… si previamente has comprado mansiones de lujo.
Graulai entrevista a varios afectados en un documental que ya podemos considerar histórico no porque sea el mejor o el más innovador o profundo en lo suyo, sino por el modo en que ha sido expuesto. En la cima del mundo, incluso de Estados Unidos, Bad Bunny pone en la primera plana, en la mesa del debate global, los problemas del lugar en que creció, llevándolos a oídos a los que de otra manera jamás habría llegado. Suma 3 millones de visualizaciones en un día y saluda desde lo más visto de Youtube: no querría ser una de esas personas que aparecen citadas al final de ‘El Apagón’.
Esta noche de sábado 16 de septiembre será el protagonista de la Sala 1 de Razzmatazz un artista tan interesante como French 79. Seguramente por sus canciones más populares o el modo en que le promociona la sala en su hipnotizante anuncio en Instagram imagines a un productor de synth-pop marcado por la historia de la música electrónica en Francia.
Y estás en lo cierto: cita sin rubor a Jean Michel Jarre y Daft Punk entre sus influencias, pero desde Marsella Simon Henner le ha dado su propio estilo al «French Touch» de varias maneras. En primer lugar, es desde pequeño un músico de conservatorio. En segundo, entre su imaginería él mismo asegura que pintan mucho las bandas sonoras de películas como ‘Blade Runner’ y ‘Encuentros en la Tercera Fase’. Y en tercero, últimamente sus pinitos están más cerca de la música clásica. Aunque seguro que de esto último no oímos nada esta noche en la sala barcelonesa, es bueno saber que su último proyecto es toda una curiosidad.
Antes de darse a conocer como French 79, Simon formó parte del grupo Nasser y también del proyecto de Kid Francescoli. Fue Kid quien le abrió los ojos al pop y al electro. Juntos escribieron el éxito ‘Moon (And It Went Like)’, una canción hipnotizante en sus “mmm-mmm”, “mmm-mmm” que se ha ido viralizando con el paso de los años y se acerca a los 100 millones de streamings. El típico tema que te aporta derechos de autor de por vida. Sobre todo si aparece en una serie de Netflix (‘Emily in Paris’).
El primer disco en solitario de French 79, ‘Olympic’ (2016), era el que incluía singles tan populares como ‘Diamond Veins’ o ‘Between the Buttons’. Tres años después llegaba un ‘Joshua’ en el que destacaba ‘Hometown’, pero también otros temas que destacaban la influencia de Tangerine Dream, Soft Machine o Moderat. Si French 79 tomaba su nombre de un cóctel neoyorquino, Simon tenía claro que no iba a dejar de buscar nuevos ingredientes.
En 2021 ‘The Unreal Story of Lou Reed’ era un proyecto entre el ambient y el spoken word junto a Fred Nevché. Y su último lanzamiento hasta ahora es un single de 3 canciones firmadas como SOFA. Se trata en este caso del proyecto ideado junto al pianista Benjamin Fagloire, en el que se introducen elementos electrónicos al modo de ‘Kid A’. Una carrera, pues, impredecible, si bien adivinamos que esta noche se centrará en sus beats más cósmicos…
«Forever can’t be too far away from never» es la primera frase de ‘The Forever Story’, el álbum con el que JID ha conseguido llevar su arte a un nivel que nunca antes había alcanzado. El disco que cierra el círculo comenzado en 2017 con ‘The Never Story’ no innova, pero lleva lo familiar a su máximo potencial y se desmarca de todo lo que pueda considerarse ordinario o perezoso. Es cohesivo, versátil, reflexivo, digital, analógico, profundamente inspirador y demuestra con creces que JID es uno de los mejores MC’s del momento.
JID no tiene miedo de plasmar abiertamente sus influencias, de las cuales encontramos pinceladas por aquí y por allá a lo largo de la tracklist. La habilidad de contar historias y la sensibilidad melódica de André 3000, las imposibles rimas con múltiples capas de Kendrick Lamar o Jay-Z y el explosivo sampling del Kanye West más vulnerable son rasgos que aparecen espolvoreados por todo el álbum. Hasta él mismo admite en ‘Stars’ que deseaba ser como todos los mencionados. Sin embargo, el estadounidense de 31 años no erra con copias baratas.
JID suena incluso más hambriento que antes de firmar con la discográfica de J. Cole y expone a su público sus refinadas habilidades en forma de storytelling, bangers y temas más calmados en los que sale de su zona de confort y se atreve a cantar. ‘Kody Blu 31’ es una de las canciones más sorprendentes del disco, precisamente por esto último, y uno de los puntos más altos de toda su discografía. Otro de los temas más melódicos es ‘Can’t Make U Change’, una infusión de R&B y soul con tintes modernos conducida por Ari Lennox que en su tema recuerda a la incómoda ‘We Cry Together’ de Kendrick Lamar, pero presentado de una forma mucho más sutil.
‘Crack Sandwich’, por otro lado, es un track de corte clásico con un beat que podría haber sido sacado del ‘Only Built For Cuban Linx’ de Raekwon y Ghostface Killah. El punto fuerte de este tema es el storytelling del tercer verso, el cual JID comienza con la enumeración de todos y cada uno de sus seis hermanos y hermanas, y lo desarrolla contando cómo acabaron en mitad de una pelea masiva que terminó con ellos en la parte de atrás de una furgoneta de policía («Somos como una banda, mamá y papá probablemente estén orgullosos y avergonzados»). En esta canción, la tercera del disco, se introduce uno de los temas clave de ‘The Forever Story’ junto a la superación personal: el amor a la familia, tanto de sangre como a la elegida. ‘Bruddanem’ y ‘Sistanem’ son dos canciones complementarias, pero muy diferentes, que salen seguidas en el tracklist y que apelan a estos dos subtemas dentro del ámbito «familiar». La segunda de estas, dedicada a la hermana de JID, además incluye una aparición sorpresa de James Blake.
La cuestión de la superación personal se entrevé en canciones como ‘Dance Now’ o ‘Money’, pero la que mejor lo refleja es un tema de más de 7 minutazos que no está en los servicios de streaming. Sin embargo, es la canción con la que JID siempre pretendía terminar el disco. Ha tardado más de dos años en terminarla y si no está en las plataformas es por problemas con los samples, que tiene unos cuantos. La canción en cuestión es ‘2007’ y el propio JID tuiteó que es esencial para «entender la historia al completo» (Nde: el tema ha terminado siendo añadido a las plataformas con un par de meses de retraso).
Básicamente, ‘2007’ es una historia de origen en la que JID repasa toda su vida. Abarca 10 años, desde 2007 hasta el lanzamiento de su primer disco, usando como marcadores temporales los primeros proyectos de J. Cole, y ni así se le acaban las barras. El propio Cole termina el disco con unas palabras sobre la vez que conoció a JID, y cómo se dio cuenta de que este «no solo lo quiere, sino que está dispuesto a hacer el trabajo que hace falta para conseguirlo».
Robbie Williams es el nuevo número 1 en Reino Unido con su álbum ‘XXV’, una regrabación con orquesta de viejos éxitos. De manera extraña, en dicho país estas cosas gustan mucho y entre esto y la fidelidad de su público, estamos ante el 14º número 1 del artista en su tierra.
Esto supone dejar atrás a Elvis -otro cuyo legado conoce muy bien lo de las versiones orquestadas-, que acumula 13 álbumes número 1. A Robbie Williams ya solo le queda superar a los Beatles para ser el rey total histórico en las islas británicas, pues los Beatles consiguieron 15 números 1.
Si contásemos Take That, Robbie Williams sumaría entre 17 y 19 números 1 -depende de si contamos esos recopilatorios en los que aparece en unos temas y en otros no-; pero en ese caso le ganaría aún Paul McCartney. Este, al sumar números 1 en solitario y con los Beatles, suma 23 números 1.
Es cuestión de tiempo que Robbie supere a los Beatles, pues seguirá sacando álbumes y el público ha demostrado ya de sobra su fidelidad al cantante, completamente al margen de la calidad de su obra.
‘XXV’ ha vendido 38.000 copias en su primera semana, la mayoría en CD, 28.000. Se han vendido más cintas (6.000) que vinilos (2.500), se produjeron 800 descargas y el streaming del álbum ya sí que es insignificante (381 unidades). Estas cifras son de las más altas del año, pero son de las más bajas de la historia de Robbie, que vendió animaladas como 374.000 copias en una semana (‘Intensive Care’ en 2005).
Todos los discos de Robbie Williams han sido número 1 en Reino Unido excepto ‘Reality Killed The Video Star’ que quedó el número 2 pese a vender 238.000 copias. Perdió contra JLS de ‘Factor X’.
En cualquier caso, todas estas cifras confirman a Robbie Williams como el artista más vendedor de Reino Unido durante este siglo, con casi 17 millones de unidades frente a las casi 15 de Coldplay. Adele tendrá que sacar muchísimos recopilatorios y discos con orquesta para llegar a ellos. A lanzamiento cada 6 años, ni modo.
Arctic Monkeys logran ascender al número 1 de JENESAISPOP con el acaramelado single que presenta su nuevo disco, ‘The Car’. En Reino Unido ha logrado arañar un puesto 26 en las listas oficiales. ‘There’d Better Be a Mirrorball’ es el primer top 1 de la historia del grupo en JENESAISPOP. Si os preguntáis qué votasteis cuando salió ‘Do I Wanna Know?’, por ejemplo, preferisteis otros temas de M.I.A., Kanye West y Robyn.
Es curioso que Arctic Monkeys justo sean top 1 esta semana porque intuíamos a nuestros usuarios más entregados a lo nuevo de Björk. ‘Atopos’ es número 3 por detrás de ‘Almas gemelas’ de Malamute, que han logrado movilizar a sus fans, y un puesto por delante de ‘No hay ley’ de Kali Uchis.
La llegada de fans de Malamute cambia radicalmente el target del votante habitual de la semana. Caen eliminadas canciones que llevaban meses con nosotros de Charli XCX (‘Used to Know Me’) y Florence (‘King’). Y se ve especialmente perjudicada la música negra: se desmoronan los singles de Nicki Minaj y Megan Thee Stallion, Lizzo ha sido eliminada y Kendrick Lamar ni siquiera logra entrar con su nuevo single. En cualquier caso es un buen momento para que conozcáis a Malamute a través de la playlist del top.
Otras entradas interesantes son las de Rema con Selena Gomez, Romeo Santos con Rosalía, Magdalena Bay y Ruth Radelet.
Doja Cat ha sido la protagonista de la última entrega de CR Fashion Book, la revista de la modelo Carine Roitfeld. Además de posar para prestigiosos fotógrafos y hablar sobre el mundo de la moda en relación con la música, Doja ha revelado algunos detalles sobre su próximo disco, como el de que tiene «vibes de rave alemana de los 90». Además, la artista estadounidense también matiza: «Rave, no house».
«Tenemos muchas ideas y ahora el verdadero desafío es hacer que esas ideas sean consistentes. No puedo decir mucho, solo sé que pasan muchas cosas», respondió la cantante de ‘Say So’ al ser preguntada por novedades sobre su música. Sin embargo, Doja finalmente regaló algunos detalles sustanciosos sobre su próximos lanzamientos: «Ahora mismo estoy muy puesta en unas vibes de rave alemana de los 90, y es muy divertido. Sé que es como la moda del momento pero de pequeña me encantaba todo eso y ahora que puedo expresarlo lo estoy recibiendo con los brazos abiertos. Esa es una pista del álbum. Rave, no house.»
A modo de apunte cómico, Doja Cat también mencionó que pese a encantarle la música rave de pequeña, la razón por la que ahora puede expresarlo y antes no es que «obviamente, de pequeña no podía raparme la cabeza ni ponerme un sujetador de pelo ni tener un piercing en el ombligo».
Doja Cat teases her next album will be inspired by “90s German rave.”
El programa satírico de TV3, ‘Polònia’, se ha atrevido a colocar a Laura Borràs, presidenta de Junts per Catalunya, en el papel de Rosalía. El equipo del programa ha intentado transmitir con una canción lo que sintió Borràs tras ser suspendida como diputada y presidenta del Parlamento de Cataluña y para ello han elegido ‘DESPECHÁ’.
Como ya hicieron hace unos meses con ‘Ay, Mamá’, transformada en ‘Ay, Papá’ de Rigoberto Borboni, el equipo de ‘Polònia’ ha vuelto a mezclar la música más popular con la política en la nueva parodia del gran éxito de Rosalía, ahora renombrado como ‘Despatxat’. El videoclip comienza con Laura Borrás yendo al Parlamento catalán con bigote y sombrero para intentar colarse, pero sin éxito. Aprovechando que esta ya no puede ejercer como presidenta del Parlamento, el nuevo estribillo dice así: «Y me ha despachado, pero no me he ido / Controlo el Parlamento desde el parque que hay al lado».
También le dan un giro a la palabra «MOTOMAMI» en el puente de la canción, que inevitablemente recuerda al «motomari» de Ana Blanco: «Mira, es fácil, no pienso obedecer / Desde aquí, dirigiendo / Mira, es fácil, lo escribo en un tuit / Y las motolauris te insultan en el hilo». Asimismo, la parte en la que Rosalía admite que «voy a 180 porque soy una racineta» es sustituida por un llamamiento a Pere Aragonès: «La legislatura ya empieza a estar obsoleta / Pere, ten cuidad o vendré con la Laurineta».
El comienzo de ‘Libélulas’ es desconcertante: los escenarios que aparecen no se corresponden con los que esperaríamos encontrar en una historia protagonizada por dos chicas madrileñas de extrarradio. Olivia Baglivi (‘Los héroes del mal’, ‘Rosalinda’) y Milena Smit (‘No Matarás’, ‘Madres paralelas’), las dos “libélulas” del título, curiosean en una tienda con letreros en inglés y una bandera de Estados Unidos colgada en la pared, juegan con un carrito en el aparcamiento desierto de un supermercado random, remolonean en una zona de casas prefabricadas rodeadas de vegetación… ¿Estamos en España o en el hogar de los Langmore en ‘Ozark’?
Esta indeterminación, esta tensión semántica entre las localizaciones y la dramaturgia, se puede leer como una metáfora del propio discurso de la película. ‘Libélulas’ (título ya de por sí alegórico, que relaciona la fragilidad del vuelo de estos insectos con el incierto “vuelo” que quieren emprender las frágiles protagonistas) narra la historia de dos amigas veinteañeras cuya máxima aspiración es largarse cuanto antes “volando” del barrio degradado en el que (mal)viven, una zona miserable de la rica sierra madrileña rodeada de “un verde que te engaña”.
Esos sueños de emancipación son los mismos que los del director. El debutante Luc Knowles, fogueado en el mundo de la publicidad y el videoclip (Fernandocosta, REYKO), no pretende ceñirse a los códigos genéricos del cine social español. Quiere escapar, como las protagonistas de su película, hacia otros territorios estilísticos: los de Sean Baker (la influencia de ‘The Florida Project’ es muy notable), Larry Clark, Harmony Korine, la serie ‘Euphoria’…
El resultado es una propuesta muy estimulante dentro del panorama actual del cine español. Aunque en ocasiones esos referentes no están bien digeridos del todo, proporcionando a la película un aire un poco impostado, lo cierto es que, en general, funcionan bastante bien como forma de transmitir un estado de ánimo, para capturar el zeitgeist de una parte de la juventud actual marcada por el desarraigo, la precariedad laboral y la falta de expectativas vitales.
En ese sentido, ‘Libélulas’ es más impresionista que realista. Dibuja poéticamente una realidad, a través de una puesta en escena muy estilizada y con mucha música urbana y tecno, más que profundizar en ella. No aspira a convertirse en un afilado retrato generacional sino en un bello y melancólico relato de amistad agujereado por la dureza del entorno social.
La película fue muy bien recibida en el Zonazine del festival de Málaga, la sección indie del certamen, donde ganó el premio del público y el de interpretación femenina para la dupla protagonista.
Melanie C ha revelado que sufrió una agresión sexual la noche antes de que Spice Girls dieran su primer concierto, en el año 1997. Ocurrió en un salón de masajes, cuando ella tenía 23 años, y la británica cuenta que ha vivido durante años con el recuerdo enterrado en su memoria.
En un podcast, ha recordado el incidente: «Me sentí violada. Me sentí vulnerable. Me sentí avergonzada. Y después me sentí insegura. Pensé, ¿estoy en lo cierto? Porque en el contexto en el que estaba te quitas la ropa delante de un profesional». Melanie cuenta que decidió ignorar el incidente porque no tenía tiempo de pensar en otra cosa que no fueran las Spice Girls, pero asegura que, durante años, el suceso le ha afectado, aunque lo tuviera «enterrado» en su mente.
Mel C cuenta que el recuerdo le surgió de nuevo mientras escribía su libro de memorias, titulado ‘Who I Am’, a la venta desde hoy viernes. «Me vino en un sueño o, más bien, me desperté y el recuerdo estaba en mi mente. No se me había ocurrido hablar de ello en el libro, pero después pensé que era importante para mí contarlo, y por fin procesar lo que pasó».
En todo caso, Melanie c aclara que vivió una versión «leve» de una agresión sexual, pero ha sido ahora cuando ha empezado a asimilar lo ocurrido.
‘Who I Am’ es el título de uno de los singles más recientes de Melanie, publicado en su álbum de 2020 ‘Melanie C‘. Sobre él tuvimos ocasión de hablar con ella en una entrevista.
Estos días, Spice Girls han celebrado el 25 aniversario de ‘Spiceworld’, su exitoso segundo álbum, con una reedición. Fue el último disco de la girl band que incluyó a Geri en la formación.
Vera Blue es una cantautora especialmente conocida en Australia, su país de origen, donde su discos ‘This Music’ (2013) y ‘Perennial’ (2017) han alcanzado buenas posiciones en las listas de éxitos. ‘Mercurial’, el tercer álbum de Vera Blue, sale el 28 de octubre.
La artista, conocida por sus éxitos ‘Regular Touch’ o ‘Hold’ y, muy especialmente, por ‘Rushing Back’, su colaboración con Flume, posee una voz preciosa, y sus baladas lo demuestran. ‘The Curse’ y ‘Mermaid Love’ son dos que aparecerán en su próximo trabajo.
Lejos queda, en estas dos composiciones, el sonido house-pop de ‘Regular Touch’ o de pop uptempo de ‘Temper’. ‘The Curse’ es una balada dramática con piano escrita para lucirse en lo vocal (Vera quedó tercera en la segunda temporada de La Voz Australia). ‘Mermaid Avenue’ es el single que ha publicado esta semana, y es la Canción Del Día del viernes.
Celia Pavey (este es el nombre real de Vera) entrega una balada pop que no habría desentonado en algún momento de la carrera de Lana Del Rey, pero que suena totalmente preparada para la radiofórmula, sin que eso sea algo malo: las armonías del estribillo son bonitas, la producción es cursi sin pasarse, y la canción está estupendamente escrita.
Todo el dramatismo de ‘Mermaid Love’ queda también reflejado en una letra que recuerda con añoranza un amor que no ha podido continuar. Vera canta: «pensé que llamaría a mis hijos con tu nombre, y que viviríamos en Mermaid Avenue, y que beberíamos champán y admiraríamos las vistas», pero añade después que todas las «promesas» que se dieron fueron «mentiras». El subidón de azúcar está garantizado, pero, una vez al año…
Lil Nas X ha anunciado que su nuevo single verá la luz el próximo viernes 23 de septiembre. ‘START WALKIN’ no marca el inicio de su nueva era discográfica, sino que pertenece a su colaboración con el videojuego League of Legends, LOL para los amigos.
En Instagram, Montero ha compartido un anuncio de tres minutos de su colaboración con ‘League of Legends’ en el que interpreta al nuevo CEO de la compañía, declarado por sí mismo de manera unilateral, y en el que cuenta que ‘START WALKIN’ será la mejor canción de la historia. Tanto que hará que la gente la escuche literalmente en todas partes, incluido el interior de un refrigerador.
Por lo que se puede escuchar en el anuncio, y también en otro avance en el que Lil Nas X ha declarado que prohibirá a los pasivos jugar a ‘League of Legends’, la canción traerá un sonido de pop épico con guitarras acústicas, en el estilo de Post Malone.
La colaboración de Lil Nas X con ‘League of Legends’ no se acabará ahí. El 5 de noviembre, el autor de ‘MONTERO‘ ofrecerá una actuación musical en la final del certamen League Of Legends Worlds Finals, que se celebra en San Francisco. Además, se ha diseñado un «skin» con la imagen de Montero que se podrá ir desbloqueando hasta el 14 de noviembre.
El próximo mes de noviembre, Montero también se embarcará en su primera gira mundial, que recaerá en Barcelona el día 17. ‘MONTERO’, su debut, fue uno de los discos más escuchados del año pasado, gracias al éxito de singles como ‘MONTERO (Call Me By Your Name)’ o ‘INDUSTRY BABY’.
Hoy vuelve a ser un día cargado de lanzamientos. Ve la luz el nuevo álbum de Suede, también el esperado segundo largo de BLACKPINK, y entre los estrenos destacados del día hay que comentar también los nuevos de Rina Sawayama, Mura Masa, Death Cab for Cutie, Marcus Mumford, The Mars Volta o los prometedores Amor Butano, cuyo álbum reseñamos ya en portada.
En esta segunda semana de septiembre editan álbum también Noah Cyrus, The Beths, Lissie, Whitney, Jessie Reyez, No Age, Djo, Jesca Hoop, Crack Cloud, FLETCHER, daniel sabater, ELIZA (antes Eliza Doolittle) o Daya. Además, Mariah Carey saca reedición de ‘Butterfly’ por su 25 aniversario. Esta semana, por otro lado, ha salido el disco de Feid después de filtrarse.
Los lanzamientos sueltos del día o la semana son tan dispares como lo nuevo de Madonna y Tokischa y el nuevo single de Björk. Por un lado, Weyes Blood es pura elegancia en su single de regreso. Por el otro, Ojete Calor.
Esta semana hemos conocido también el regreso de Kelela, aunque con un tema que, más que un single, es una intro a su nuevo universo. No obstante, es uno de los lanzamientos internacionales destacados de la semana, junto a las nuevas propuestas de Dylan, el rompepistas de Fred again, el nuevo single de Cate le Bon, o de promesas como Dora Jar, lilianne, JAWNY o Nana Lourdes.
Entre los estrenos nacionales se encuentran, entre otros, los nuevos sencillos de Carolina Durante con Orslok, Carlos Sadness, Second, St. Woods, Ptazeta, Dellafuente con RVFV, Aroa Ay, Joe Crepúsculo (de la reedición de ‘Trovador tecno‘), Franc o Hickeys.
Madonna ha estrenado ‘Hung Up on Tokischa’, la nueva versión de ‘Hung Up’ que ha grabado con la rapera dominicana y que ambas ya presentaron hace meses en directo en el Pride de Nueva York, donde Madonna y Tokischa -sí, ya lo sabes- se comieron los morros.
‘Hung Up on Tokischa’ hace una relectura latina del éxito de Madonna de 2005: deja el estribillo y algunas estrofas, elimina toda la base disco y la sustituye por un ritmo de dembow, sobre el cual la autora de ‘Desacato escolar’ suelta sus habituales barras sexuales y hedonistas. De «time goes by so slowly» pasamos a «el tiempo pasa lento y yo estoy rápida». Bingo.
Recientemente, Madonna y Tokischa han grabado el videoclip de ‘Hung Up on Tokischa’ en las calles de Nueva York. Sin embargo, el vídeo no se ha estrenado todavía.
Con ‘Hung Up on Tokischa’ se termina de materializar una colaboración que se empezaba a cocer el pasado mes de junio. Como ha contado Tokischa en una entrevista, fue Eartheater (que luego ha colaborado con Lola, hija de Madonna) quien comunicó a Tokischa que Madonna estaba interesada en colaborar con la autora de ‘Estilazo’. Poco después, Tokischa recibió un mensaje de audio de WhatSapp de Madonna, y ambas se reunieron en Nueva York para trabajar juntas.
A falta de confirmación, se especula que ‘Hung Up on Tokischa’ puede ser el primer adelanto de un nuevo disco de remixes que prepara Madonna y en el que aparecerían varios artistas invitados. El nombre de Katy Perry se baraja desde hace meses. Recientemente, Madonna y Beyoncé también han publicado un remix juntas, mezclando ‘Vogue’ y ‘BREAK MY SOUL’.
Pero el cartel de Primavera Weekender también cuenta con una interesantísima línea de artistas noveles o simplemente menos conocidos por el gran público que merecen ser comentados aparte. Recomendamos 10 joyas perdidas de Primavera Weekender:
TWIN
Tras su paso por el cuarteto Her Little Donkey, donde cantaba y tocaba el teclado, Ana López ha emprendido su carrera en solitario con el alias de TWIN y la inestimable colaboración de b1n0, el dúo de productores barcelonés formado por Emili Bosch y Malcus Codolà. Sus delicadas canciones de future-pop pueden evocar la fuerza de Flume (‘Escapar’) o la intimidad de James Blake (‘Instinto’) pero, ante todo, construyen un hermoso imaginario, al que acaba de sumarse ‘Benasque’.
Lynks
Lynks es uno de los secretos mejor guardados del underground londinense. Sus conciertos tienen fama de ser un salvajada de «exceso electro-punk», y no cuesta imaginar tal cosa al escuchar canciones de electro-clash tan macarras como ‘Silly Boy’ o ‘Str8 Acting’. Como Orville Peck, él también se esconde tras una «máscara drag», y lo que ofrece directamente es «puro caos gay» para la «distopía queer» que se esconde al otro lado de la realidad.
DADABE
Cualquiera podría confundir a DADABE con un grupo de indie-rock estadounidense, pero este trío procede de Getxo, Vizcaya. Su compromiso con el indie de finales de los 80 y 90 es tal que su nombre proviene de un tipo de afinación de guitarra típico de grupos como Pavement. Sus canciones, escritas en inglés, pueden tener tanta pegada como ‘Wake up’, y su EP de 2022 ha descubierto una promesa que seguir de cerca.
Sister Ray
‘Sister Ray’ es el título de una querida canción de Velvet Underground, y también es el alias de la cantautore de Edmonton Ella Coyes, que proviene de la etnia métis canadiense. Su disco ‘Communion’ ha salido este año. En sus canciones, Sister Ray explora sus traumas con honestidad y, en lo musical, bebe del indie-folk de Jeff Buckley o Big Thief, resultando dichas canciones enormemente emotivas.
BALONCESTO
Entre las propuestas más nostálgicas de Primavera Weekend se cuenta la de BALONCESTO, grupo de tres muchachos de Madrid con apenas un EP publicado. Su sonido está apegado a las guitarras eléctricas de los 90, tanto como para remitir a las radios de rock universitario de la época, pero también a cosas como los primeros The Cure. ‘Multicolor’ es el tema con que descubrirlos.
Carlota
Simplemente con su nombre se presenta al mundo Carlota, cantautora valenciana que ha publicado un álbum, ‘Regálame flores’. Su cuco indie-pop no puede sonar más genuino y personal, y especialmente hay que mencionar su single ‘Tobillos’. Publicado en 2019, el tema ha ido fascinando poco a poco al público gracias a su sonido Motown y ebrio organillo, hasta acumular medio millón de escuchas en Spotify.
Mainline Magic Orchestra
El proyecto del cuarteto catalán Mainline Magic Orchestra es una loca mezcla de diversión y vanguardia. Sus temazos de house, como ‘Xumba Xumba’ o ‘Baile’, capturan la magia de los mejores LCD Soundsystem, pero a veces las voces parecen las de Manos de Topo y, sobre todo, sus pintas en directo (o en todas partes) son simplemente inenarrables. Últimamente no paran de tocar y su directo es de los que nadie se puede perder.
Miso Extra
Esta joven promesa ha recibido críticas excelentes de medios como NME. Miso Extra es una cantante británico-japonesa, asentada en Londres, que factura canciones de pop inspiradas en el R&B experimental y el lo-fi hip-hop, y en las que canta indistintamente en inglés o japonés. Curiosamente ‘1013’, su canción más escuchada, usa de gancho la melodía de un acordeón.
Pip Blom
La holandesa Pip Blom empezó a subir sus canciones de indie-pop a internet allá por 2016, sin saber que pronto amasarían millones de reproducciones. El indie de los 90 más despreocupado viene a la mente al escuchar piezas como ‘Babies Are a Lie’ o ‘School’, y sus cifras (entre las dos superan los 5 millones de streamings) dan cuenta de su éxito. Hoy Pip Blom toca junto a su banda, que integra, entre otras personas, a su hermano Tender.
Trees Speak
Trees Speak es un dúo de Tucson, Arizona formado por Daniel Martin Diaz y Damian Diaz que ha publicado varios álbumes. Su sonido es una mezcla de krautrock y rock psicodélico y, entre sus influencias, se cuentan artistas o grupos como Can, Pere Ubu, John Cage, Tangerie Dream, Suicide, Neu!, Laurie Spiegel o Sun Ra, entre muchas otras cosas.
El primer segundo del disco de Amor Butano es de los que no dejan indiferente a nadie. El trío valenciano formado por Diego Ferrando, Raquel Goterris y Sara Alegre se había posicionado ya antes de este mini LP en Elefant como gran defensor de los sonidos synth-poperos más vintage. Ahora en el tema llamado ‘El poder de 3’ comienzan sampleando ‘Blue Monday’, el gran clásico de New Order dedicado al día más triste del año.
Las melodías de Amor Butano, a pesar de lo que pudiera parecer por su nombre, son también tristonas. Una de sus mejores composiciones, ya conocida y aquí presente, pues han recuperado algunas cosas lanzadas con anterioridad en singles o el EP ‘Benimaclet’, era ‘Alicia’. En la edición vinilo transparente de la colección New Adventures In Pop abre la cara B. La letra describe cómo en el reflejo de un espejo vemos una y otra vez «la puta mierda, la puta mierda». El final de la canción anima a cruzar ese espejo, a dar un salto en busca de la autoestima, pero la melodía tiene cierta melancolía.
Y en ese tipo de melodías reside el gran encanto de Amor Butano, infalibles tanto en la localización de estribillos que se peguen como de riffs de sintetizador que ídem. En este disco echamos muchísimo de menos ‘Tifón Salinas‘, aquella genialidad que citaba a Amaral en compañía de Leftee y Ciberchico, pero al menos tenemos otra colaboración con este.
Efectivamente, Ciberchico añade un punto «urbano» -por llamarlo de alguna forma- a su pequeño hit ‘Esta era’, en el que también colabora Valverdina. «Eres una flor que está dentro de mi ser, la riego con M y vuelve a florecer», dice él, lozano, aportando un color muy diferente a lo que parecieron un día grupo y sello.
‘Olimpiadas’ es el tema italo, mientras New Order aparte, no es que el grupo oculte sus influencias, a medio camino entre el synth-pop original de los 80 y su recreación de hoy por la vía de The Weeknd. Son totalmente honestos por el camino: ‘La plaza’ cita ‘Barco a Venus’ de Mecano y ‘Entropía’ parece su propia recreación de ‘Perdido en mi habitación’, por letra.
No son textos como «una gran molécula explotó y generó «mazo calor»» (sic) aptos para todos los públicos. Desconozco si el grupo puede tener muchísimo más recorrido que los también notables Nos Miran, pero hace tiempo que no escuchaba a un grupo de pop nacional haciendo synth-pop tan fresquito.
Al tiempo que Cabiria reedita el vinilo de ‘Ciudad de las lunas‘ porque se había agotado, presenta nuevo tema. De hecho, la reedición del LP incluye una tarjeta con código de descarga del álbum entero y de un nuevo single llamado ‘Una costumbre ancestral’. Todo ello sonará en el amplio tour dentro del marco Girando por Salas que recorre todo el país este otoño.
‘Una costumbre ancestral’ no es la canción más inmediata de Cabiria -mérito que seguiría en manos de ‘Vía Torino‘ o ‘DISCO-CAFÉ’. Lo que sí es es un camino para afianzar un estilo muy peculiar, que bebe de los 80 más sofisticados. El tema se presenta más bien como un «viaje por la música de baile de los años 70», pero es casi más llamativo ese momento flautas que nos hace pensar en referencias del folk de principios de aquella década (o finales de los 60).
La nueva canción tiene además una estructura muy particular: una estrofa y un estribillo se repiten enseguida tal cual, y después un nuevo texto que también se repite, antes de la coda final «una y otra vez». Cabiria repite tanto las cosas en la canción porque ciertamente está contando las cosas que hace muchas veces, algunas muy a su pesar: «manías, errores y sobre todo los papeles que vamos interpretando a lo largo de nuestra vida». Entre otras cosas habla de «cambiar los muebles de casa» o dudar ante «200 ventanas».
Mientras os recordamos que la iniciativa para nuevos artistas Girando Por Salas está captando suscriptores hasta el lunes 19 de septiembre, os dejamos con las fechas de la gira de Cabiria.
Sábado, 8 de octubre – SEVILLA – Sala Fanatic
Viernes, 21 de octubre – LA NUCIA (ALICANTE) – Sala Quinta Avenida
Sábado, 22 de octubre – ALBORAIA (VALENCIA) – Sala La Casa del Mar
Jueves, 27 de octubre – VALLADOLID – Sala Asklepios
Viernes, 11 de noviembre -BILBAO – Sala Cotton Club
Jueves, 17 de noviembre – MADRID – Sala Café La Palma
Viernes, 18 de noviembre – OVIEDO – Sala La Salvaje
Viernes, 25 de noviembre – MURCIA- Sala La Yesería
Sábado, 26 de noviembre – CIEZA (MURCIA) – Sala Atalaya Club
Hudson Mohawke acaba de publicar un disco, ‘Cry Sugar‘. En esa crítica ya comentábamos que en los últimos días se había viralizado su tema ‘Cbat’ y ahí sigue la noticia creciendo de forma exponencial.
El origen del asunto es un usuario de Reddit que hace un par de semanas decidía compartir por alguna razón que usar esta canción para follar le había ocasionado problemas con su novia. «Hay algunas canciones en mi playlist para tener sexo, pero hay una en particular, que resulta que es mi favorita, que mi novia odia y dice que le corta el rollo por completo».
El usuario se queja de que su novia le ha ocultado la aversión a esta canción durante 2 años, lo que ha mermado su confianza. «Dejarme pensar que nuestra vida sexual es excelente durante dos años, cuando a sus ojos se la ha arruinado mi música ha estropeado toda la situación y estoy molesto». Dado el ritmo y los sonidos extraños de la canción, los usuarios han elogiado a su novia más bien, por aguantar 2 años.
La canción y la situación se ha convertido en todo tipo de memes y burlas en TikTok, y los comentarios que encontramos tanto en Youtube como en Reddit son un cuadro. De “este tío ha follado a su chica con los sonidos de delfines robóticos” a “esto suena como un payaso de juguete hinchable cayendo por las escaleras”. Pasando por «Empujar pensando en la melodía te hace parecer un raro, empujar al ritmo de la canción te hace parecer un robot». También hay quien ha hecho un segundo a segundo del polvo tipo de la pareja, inspirándose en ‘Cbat’:
0:00 – 0:18 El desvestir glorioso
0:18 – 0:24 Los torpes preliminares
0:24 – 2:45 El bombeo poco ortodoxo
2:45 – 2:52 El clímax insatisfactorio/El reblandecimiento repentino
La situación ha terminado en drama. Según Insider, la pareja ha roto después de que la familia de la novia haya conocido la historia, aunque hay quien duda en general de la veracidad de todo.
Lo que es seguro es que Hudson Mohawke ha sabido capitalizar este «éxito». Ha resubido el tema, que ha llegado a ser número 1 de las listas electrónicas de Estados Unidos ahora, también ha coronado las listas virales de Spotify y suma 5 millones de streamings en Youtube y los mismos en Spotify.
Además, él mismo ha compartido algunos vídeos de TikTok en su muro de Insta. Y ha comentado en Insider que ‘Cbat’ «no pretendía ser una canción sexual», que el fenómeno le parece «divertido», pero que espera que «no eclipse su carrera»… y lo mejor. En el canal oficial del artista de Youtube leemos la siguiente frase: ‘Cry Sugar‘ -su nuevo disco- es «mejor para el sexo».
Después de los exitosos biopics de Freddy Mercury (‘Bohemian Rhapsody‘) y Elton John (‘Rocket Man‘), el mundo se prepara para la llegada de ‘I Wanna Dance with Somebody‘, el biopic de Whitney Houston que se estrenará en cines el próximo 21 de diciembre.
La actriz Naomi Ackie, conocida por sus papeles en la saga de Star Wars y en la miniserie de Netflix ‘The End of the F***ing World’, dará vida a Whitney Houston en la película, titulada como uno de los mayores éxitos de la cantante, perteneciente a ‘Whitney’, su álbum superventas de 1987.
El tráiler de ‘I Wanna Dance with Somebody’ se ha dado a conocer y repasa diversos momentos de la carrera de Whitney, desde que firma su contrato discográfico hasta que protagoniza en el ‘El guardaespaldas’, desde el videoclip de ‘It’s Not Right but It’s Okay’ hasta su icónica interpretación del himno de Estados Unidos en el intermedio de la Super Bowl.
Además de Ackie, el reparto de ‘I Wanna Dance with Somebody’ incluye a Ashton Sanders en el papel de Bobby Brown, Stanley Tucci en el de Clive Davis, Clarke Peters en el de John Houston, padre de Whitney; y Tamara Tunie en el de Cissy Houston, madre de la cantante.
El tráiler no hace demasiado hincapié en la vida personal de Whitney: apenas adelanta la escena de su boda con Bobby Brown. La cantante, cuyos problemas de adicción fueron conocidos, falleció en 2012 tras ahogarse en la bañera de una habitación de hotel.
Ojete Calor encara este año el concierto más importante de su carrera: el 12 de noviembre actúa en el WiZink Center de Madrid. En este contexto, el dúo formado por Carlos Areces y Aníbal Gómez, que tanto ha hecho reír al público en los últimos tiempos gracias a himnos como ‘Viejoven’ o ‘Moctriz’, publica su primer single en 2 años. El último salió durante la pandemia.
El nuevo single de Ojete Calor se titula ‘Extremismo mal’ y es una nueva sátira cantada a golpe de tecno, esta vez dedicada al arte de no mojarse en absolutamente nada. «Mantén la equidistancia / Para qué profundizar / Machismo y feminismo son igual» es una de sus rimas. Nazis y judíos, gays y homófobos, democracia y fascismo, Scorpions y David Bisbal, todo es lo mismo en el mundo de ‘Extremismo igual’ porque para qué «tomar partido / no te tienes que implicar / la vida es más sencilla sin pensar».
En el videoclip, Ana Morgade entrevista a Ojete Calor, que confirma que su nuevo disco está lejos de estar terminado porque «tenemos los singles, pero aún tenemos que escribir unas seis canciones de relleno, que estén peor, como hace el resto de grupos del pop español».
Ojete Calor explica, en nota de prensa, que «de todos los tipos de personas que hay en el mundo, los que más nos gustan son los que dicen «yo, ni machista ni feminista»». El grupo argumenta que «establecer como polos opuestos conceptos que no lo son y tratar de defender algo intermedio, algo ‘»no tan radical», es un arte que no se debe perder».
El texto añade: «Cuando equiparas un movimiento que busca la igualdad con una actitud reaccionaria del pleistoceno, ante ti se abre una puerta a la demagogia demasiado atractiva como para no cruzarla, así que ahí han ido de cabeza. Mojarse te crea enemigos. En cambio, estar en el medio te permite llevarte bien con todos: por ejemplo, con los judíos y con los nazis. Ni Holocausto ni derechos humanos; si ambos cedieran un poco, podríamos llegar a un término medio».
Finalmente, Ojete Calor concluye: «Si evitas posicionarte hasta en situaciones donde no caben las medias tintas, si ves posturas opuestas donde no las hay, si para ti los extremos son siempre malos y prefieres la neutralidad sin analizar, entonces te mereces que Ojete Calor te hagan una canción».
Pese a ser una de las mejores y más fascinantes series de la televisión actual, ‘Atlanta’ no tiene gran fama en España. Hoy, 15 de septiembre, se estrena en FX la última temporada de la serie de Donald Glover -más conocido como Childish Gambino-, y las expectativas no pueden ser más altas.
Hay varias razones por las que ‘Atlanta’, disponible en Disney+, no es tan conocida en nuestro país, pero la más importante es que está totalmente dirigida a una audiencia familiarizada con la cultura negra, la cultura del hip hop y, en general, con el clima sociopolítico de Estados Unidos, lo cual ya excluye a un considerable porcentaje de telespectadores. Para disfrutarla, es imprescindible verla en inglés -el doblaje es horrible, pero no hace falta sacarse una carrera. Si te interesa el hip hop estadounidense es directamente obligatoria, pero también la disfrutarás si te gusta el cine de Jordan Peele.
Seguramente lo que más atrae a la audiencia en nuestro país es que el creador de ‘Atlanta’ no es otro que Childish Gambino. Donald Glover también es coescritor y director ocasional de la serie y sus cinco Grammys, dos Emmy y dos Globos de Oro le certifican como una verdadera figura de espíritu renacentista. Desde sus primeras apariciones en televisión como parte del casting de ‘Community’, hasta el inolvidable videoclip de ‘This Is America’, pasando por el lanzamiento de ‘Redbone’, Childish Gambino siempre ha sido un innovador. Sin embargo, no es el único engranaje de la rueda ni la única razón por la que ‘Atlanta’ es una serie tan aclamada. Si el currículum de Donald Glover es una promesa de calidad, el resto del reparto principal cumple con creces.
Lakeith Stanfield (‘Sorry To Bother You’, ‘Puñales por la espalda’), Zazie Beetz (‘Joker’, ‘Deadpool 2’) y Brian Tyree Henry (‘Eternals’, ‘Bullet Train’) despliegan unas actuaciones tan extremadamente reales y sinceras que te resultará difícil no engancharte a sus personajes tras el primer episodio. En cuanto al equipo detrás de cámara, el show ostenta la distinción de ser la única serie de la televisión estadounidense con un equipo de escritores afroamericano en su totalidad.
Ahora bien, ¿de qué trata ‘Atlanta? ¿Es una comedia? ¿Es un drama? ¿Es una obra existencialista con toques afro-surrealistas? Un poco de todo. La respuesta de libro sería que ‘Atlanta’ es una comedia dramática que cuenta la historia de Earn Marks (Glover), un joven de esta ciudad que lucha diariamente por mantener el equilibrio entre su semi relación con Van (Beetz) y su semi carrera como mánager de su primo Alfred (Tyree Henry), alias Paper Boi, un rapero emergente en la escena musical de Atlanta.
La respuesta de alguien que ha visto y revisto todos los capítulos sería que ‘Atlanta’ es una serie capaz de reflejar a la perfección la realidad y construir alrededor, al mismo tiempo, un mundo surrealista, onírico e incluso pesadillesco. A través de las inusuales vivencias de Earn, Alfred y el hilarante Darius (Stanfield), la serie trata temas como el racismo, la fama o el significado de ser una persona negra o blanca en Estados Unidos, y lanza así comentarios envueltos en sátira aplicables al mundo real. Además, cada episodio funciona como una historia corta independiente, pese a existir una narrativa general de fondo que relata el ascenso a la fama de Paper Boi.
Como ya pasaba en ‘Breaking Bad’ o en ‘Better Call Saul’, ‘Atlanta’ se vuelve más y más oscura con el paso de las temporadas. La primera de estas (2016) tiene un tono más ligero y simpático que el resto y los episodios parecen guardar más coherencia entre ellos. Sin ir más lejos, aquella temporada tuvo el episodio más gracioso de toda la serie. Titulado ‘B.A.N.’ (Black American Network), el capítulo estaba construido como si fuera una programación televisiva real, mezclando anuncios ficticios con imágenes de una entrevista con Paper Boi. Sin duda, el highlight del episodio, que también dio lugar a un meme, es la sección en la que aparece un hombre que, pese a ser negro, se siente blanco. Incluso en su etapa menos extraña, la serie ya apuntaba maneras.
La segunda temporada (2018) recibe el antetítulo de Robbin’ Season («temporada de robos») y no es solo una decisión estética. Esta tanda de capítulos sitúa a los personajes en la época vacacional previa a la Navidad, por lo que la gente «tiene más regalos, más cosas y más dinero», en palabras del productor ejecutivo de ‘Atlanta’, Stephen Glover. ¿Qué significa esto? Que hay más robos. Incluso en la vida real, los meses previos a la Navidad en Atlanta son muy tensos y los delitos aumentan considerablemente. Los capítulos de esta temporada muestran situaciones mucho más peligrosas y amenazantes para los personajes, sin dejar el humor de lado, y realmente consiguen dejarte con esa sensación de «mal cuerpo» al terminarlos. Es en esta temporada donde la serie encuentra el balance perfecto entre surrealismo y realidad pura, con además el mejor episodio del show, o al menos el más valorado en IMDb, con un tremendo 9,7 sobre 10: ‘Teddy Perkins’. Un standalone marcado por la música de Stevie Wonder en el que Darius viaja a una gran mansión en la que le recibe a un extraño tipo llamado Teddy Perkins. Si hablo más, hago spoiler.
La tercera temporada se estrenó en marzo de este año y en ella los protagonistas cambian de escenario y se trasladan a Europa. Es una selección de capítulos muy diferente respecto a lo visto hasta ahora. La serie abraza lo abstracto completamente, en estructura y forma, hasta el punto de que la mitad de los capítulos son historias no relacionadas con los personajes principales. Es la temporada de «el fantasma blanco», es en la que más se adentran en las diferencias sociales entre la gente negra y blanca y es, irónicamente, la que más ha polarizado las opiniones del público. A veces es sutil y otras es completamente en tu cara.
Con todo, Glover demostró una gran valentía con el primer capítulo, titulado ‘Three Slaps’. El episodio salió cuatro años después del final de la segunda temporada y no muestra ni a Earn, ni a Alfred, ni a Darius, ni a nadie con quien el público haya compartido tiempo. Y a pesar de esto, ‘Atlanta’ siguió sorprendiendo con un brillante, original y escalofriante ejercicio de «historia real alternativa», similar en muchos aspectos a lo que hizo Tarantino con el final de ‘Érase una vez en Hollywood’. Cabe mencionar que esta temporada tiene uno de los cameos más improbables que se hayan visto en televisión.
En la última y cuarta temporada, los protagonistas volverán a su Atlanta natal, para despedir la serie en casa. Donald Glover habló sobre el porqué del fin de la serie y, aparte de quitarle la culpa a cualquier multinacional, dio una contundente respuesta: «La muerte es natural, creo que cuando las condiciones son buenas para que algo pase, pasa, y cuando las condiciones no son buenas, no pasa. La historia de ‘Atlanta’ siempre ha sido la que era, y la realidad es que la historia éramos nosotros. Todos en la sala de escritores, todos en el set, es por lo que hemos pasado y de lo que hemos hablado, y esa es la única forma en la que me gusta hacer las cosas. Creo que acaba perfectamente».
La 2ª edición de Festival Brillante se celebra este fin de semana en Chapinería, el sábado 17 y domingo 18 de septiembre, con entrada totalmente libre hasta completar aforo. Entre los artistas que visitarán la sierra oeste de Madrid se encuentran Amaia, Airbag, Alondra Bentley, Viva Belgrado, Nacho Vegas, Israel Fernández, Julieta Venegas y muchos más. JENESAISPOP es medio oficial de este evento.
Hace unos días se publicaron los horarios definitivos del festival, que se dividirán entre los cuatro escenarios disponibles: el escenario Vibra Mahou, el Jägermusic, el Plaza y el Palacio. Skaffolding inaugurará el Brillante el sábado a las 12 del mediodía en el escenario Plaza y Amaia, una de las artistas más esperadas del evento, actuará en el escenario Vibra Mahou a las 19.45 de la tarde. La velada del sábado será despedida por MMO a las 22.15 de la noche en el escenario Jägermusic.
El domingo, Nueve Desconocidos serán los encargados de retomar la fiesta en el escenario Plaza a las 12 del mediodía. El broche de oro y la última actuación del Brillante vendrá de la mano de Julieta Venegas, que despedirá los dos días de música a partir de las 20 de la tarde en el escenario de Mahou. Esta jornada ha sufrido un pequeño cambio de horario respecto a lo publicado en redes y es que la actuación de Estrella Fugaz se ha retrasado hasta las 15.45 y se ha cambiado del escenario Palacio al escenario Plaza. Al mismo tiempo, la actuación que tenía prevista rebe a las 12.30 se celebrará a las 14, en el escenario Palacio. El resto del horario sigue igual.
Para llegar a la localización del evento hay varias opciones. La propia organización del Brillante ha puesto a disposición de los asistentes una línea de lanzaderas propia que saldrán desde el centro de Madrid y llegarán a Chapinería en 40 minutos. Si te interesa, puedes reservarlo aquí, pero te avisamos de que ya se están agotando. Al igual, también se puede reservar uno de los VTC con precio cerrado que también venden desde la organización. Los precios varían según la lejanía respecto a la M-30 y se pueden consultar aquí.
Si quieres ir por tu cuenta, puedes coger un bus desde Madrid en la línea 551 (Príncipe Pío – San Martín de Valdeiglesias – El Tiemblo – Cebreros), que además se ha solicitado que se refuerce desde la organización del festival, o ir en coche por la carretera N-V, tomar la salida San José de Valderas y después coger la M-501 hasta Chapinería. De forma alternativa, la estación de tren más cercana está en Boadilla, a 37 kms. del festival, que serían unos 25 minutos en coche.
Nicki Minaj ha demandado a la bloguera Nosey Heaux, conocida por su canal de chismes de Youtube, después que esta haya llamado «farlopera» a la rapera durante un directo. Heaux también ha expresado comentarios hirientes contra el hijo de Nicki Minaj, de un año de edad.
El lunes, la bloguera, cuyo nombre real es Marley Green, transmitió un vídeo en directo donde realizó las siguientes declaraciones: «Minaj se mete toda esta cocaína por la nariz. Supuestamente. Gracias. Supuestamente, pero todos sabemos que es verdad». Green añadió: «Ni siquiera puedo decir «supuestamente» porque todos sabemos que es cierto. Nicki Minaj es una farlopera».
Sobre el hijo de Nicki, Heaux expresó que necesitaría terapia porque «va a ser un violador, también». Nicki comparte su hijo con Kenneth Petty, delincuente sexual convicto, que en 1994 entró en prisión por intentar violar a una chica de 16 años.
En la demanda de Nicki, su abogado señala que «Marley Green es una desgracia, una persona carente de toda dignidad humana que es capaz de publicar comentarios viles sobre el hijo de Nicki, que tiene 1 año de vida». El abogado explica que, cuando el caso se dé por terminado, Green ya no va a poder usar su alias ‘Nosey Heaux’ ni beneficiarse económicamente de él, ya que «cuando se quede sin dinero para pagar a sus abogados, le quitaremos la marca registrada».
Unas declaraciones parecidas a las que ha hecho Nicki en Twitter. La cantante ha amenazado con quedarse con todos los blogs o redes sociales que difundan mentiras sobre ella. «Cuando me quede con vuestros blogs, con vuestros programas y con vuestras páginas de Instagram, espero que las personas por las cuales estáis haciendo este trabajo sucio sean capaces de contratar a los mejores abogados y de pagar vuestras facturas, porque me voy a quedar con todos vuestros derechos».
Nicki está triunfando estos días en listas con su nuevo single ‘Super Freaky Girl‘, que le ha dado su primer número 1 de singles en Estados Unidos.
Michelle Branch ha hablado sobre su altercado con Patrick Carney de los Black Keys, su marido y padre de sus dos hijos, durante una entrevista. La autora de ‘Everywhere’ fue detenida recientemente por violencia doméstica, acusada de agredir a Carney en la casa que compartían, y poco después de revelar en Twitter que Carney le había sido infiel con otra mujer. Desde entonces se han retirado los cargos contra Branch, quien ha confirmado que efectivamente abofeteó al músico durante su altercado.
En la entrevista, la cantante ha explicado que «no apoya la violencia» y que su agresión a Carney fue el resultado de un cúmulo de eventos. Además, ha confirmado que vuelven a estar juntos y que están trabajando en su relación con la ayuda de terapia.
Ha explicado: «Aquí estoy, siete meses después de dar la luz, estoy estresada por no dormir, estoy estresada por la vida, por el matrimonio, por el trabajo. Además, esa noche habíamos acudido a un cumpleaños y bebí un poco. Todo pasó de manera que no tuve tiempo de pensar en lo que estaba haciendo». Branch reconoce que «no tendría que haber puesto esto en Twitter» y que «no debería haber permitido que la ira sacara lo peor de mí». Y señala: «Es desafortunado que haya tenido que pasar una cosa tan traumática para que mi marido y yo nos demos cuenta de que lo que pasaba era insostenible, pero quizá la terapia nos va a dar las herramientas para tener un matrimonio más fuerte que antes».
En otra parte de la entrevista, Branch ha reconocido que la controversia ha sido especialmente difícil de llevar para ella ya que se encuentra a punto de lanzar un nuevo álbum. ‘The Trouble with Fever’ sale este viernes 16 de septiembre.
Branch se dio a conocer a principios de siglo gracias a su disco ‘The Spirit Room’, publicado en 2001, que incluía los éxitos ‘Everywhere’ y ‘All You Wanted’, y después ‘Hotel Paper’ (2003) siguió dándole frutos como el éxito de ‘Breathe’. ‘The Game of Love’, su colaboración con Carlos Santana, fue un gran éxito en 2002.
Más de una década después de que conociéramos aquel bombazo llamado ‘Whip My Hair’ con el que Willow Smith parecía canalizar a su Beyoncé o a su Rihanna interior con tan solo 10 años de vida, la cantante de Los Ángeles puede presumir de haber construido una más que digna carrera discográfica compuesta por varios álbumes y singles tan exitosos como ‘Wait a Minute! ‘ o ‘Meet Me at Our Spot’, singles que, vistas sus astronómicas cifras de reproducción, han conquistado a una generación. Después, colaboraciones con gente tan dispar como Camila Cabello (‘Psychofreak‘), Machine Gun Kelly (‘Emo Girl’) o PinkPantheress (‘Where you are’) han demostrado su transversalidad.
Estos días, y después de haber coqueteado con diversos géneros musicales, del R&B experimental al bedroom-pop pasando por el pop-rock noventero de sus idolatradas Alanis Morissette y Tori Amos, Willow está claramente comprometida con el sonido pop-punk de su disco ‘lately i feel EVERYTHING’, lanzado en 2021, y su próximo lanzamiento, ‘COPINGMECHANISM’, sigue la misma dirección. Sale el 23 de septiembre y ha contado ya con tres adelantos.
Todos ellos son potentes. ‘hover like a GODDESS’ es el más animado y ska de todos, y remite a los temas más desbocados de Paramore. ‘curious/furious’, el más reciente, contiene guitarras eléctricas pero también palmas y un sonido popi. El mejor de todos, sin embargo, puede ser ‘maybe it’s my fault’, que hoy escogemos como Canción Del Día.
‘maybe it’s my fault’ es probablemente la canción más metalera jamás escrita por Willow. Empieza con unas guitarras muy Blink-182 pero, pronto, la influencia que va emergiendo es la de Deftones, especialmente en el peso monstruoso de las guitarras, que tanto llevan a la época post-hardcore o nu-metal de los primeros años 2000; y que se desahogan en un épico final. En contraste, el estribillo es melódico y casi chicle. La voz de Willow puede sonar rota y desgastada o completamente poderosa dependiendo de la ocasión, y ‘maybe it’s my fault’ le proporciona espacio para brillar en diferentes registros.
Todo el nervio de ‘maybe it’s my fault’, a la hija de Will Smith le sirve para expresar los remordimientos que siente tras un conflicto de pareja. Tiende a culpar a la otra persona por su dolor pero se da cuenta de que «quizá la culpa es mía». En un comunicado, Willow ha explicado que ‘maybe it’s my fault’ explora «lo que significa tomar responsabilidad de nuestro dolor, a la vez que nos permitimos ser humanos y procesar plenamente nuestros sentimientos sin avergonzarnos de ellos».
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