En 2023 vuelven los Premios MIN, los Mercury Prize españoles que, desde 15 años, reconocen a los artistas y profesionales de la industria musical independiente de nuestro país. Por primera vez, la gala de este año se celebrará en Palma de Mallorca: será el 17 de mayo, y las inscripciones se abrieron el pasado 8 de febrero. JENESAISPOP es medio oficial.
La dinámica para inscribirse se puede consultar en la página web de los premios. Todos aquellos artistas y sellos independientes que hayan publicado álbumes, EPs o singles durante el año 2022 puedan optar a su nominación dentro de las 21 categorías elegibles de los Premios MIN. Para entrar en las nominaciones, los artistas y/o sellos participantes deberán registrarse primero, buscar la categoría correspondiente e inscribirse en ella.
Tras esta primera etapa que se cierra el 22 de febrero (por lo que tenéis hasta el miércoles que viene para inscribiros), se celebrará una votación popular donde el público votará y elegirá los 15 semifinalistas de cada categoría. Posteriormente, el jurado profesional escogerá a 5 nominados de entre los 15 elegidos por el público y el resultado se comunicará en una lectura pública.
Entre los artistas premiados por Premios MIN, en los últimos años se encuentran Rigoberta Bandini, Kiko Veneno, Zahara, Kase.O, Christina Rosenvinge, Cariño o Morgan. Y son varios los artistas que, además, han actuado, como es el caso de Baiuca, Rosario La Tremendita, Ginebras, Rodrigo Cuevas o Eva Amaral.
Rihanna está en el centro del spotlight después de su actuación en la Super Bowl tras siete años sin subirse a un escenario, y después de que se revelase en el mismo segmento que la cantante está embarazada por segunda vez. Lo único que queda es que por fin lance nueva música original.
La superestrella ha hablado con Vogue sobre las posibilidades de lanzar su noveno disco en 2023, asegurando que «sería ridículo si no sale este año»: «Quiero que sea este año, pero solo quiero divertirme, quiero hacer música y vídeos», aseguraba RiRi. Sin embargo, las emocionantes declaraciones deben tomarse con precaución, ya que esta no era consciente de su embarazo en el momento de la entrevista. Aun así, es una buena señal.
Además, también se ha sabido que ni siquiera los bailarines del show sabían que Rihanna estaba embarazada hasta que la vieron enseñando la barriga: «No creo que nadie supiese que estaba embarazada», contaba la bailarina Laila Hayes a Entertainment Tonight. «Llevó el mismo atuendo durante uno de los ensayos pero estaba cerrada la cremallera», aseguraba Hayes.
Sobre el porqué de esta larga espera para nueva música, Rihanna lo achacaba a su último lanzamiento, ‘ANTI’ (2016), el cual considera su disco «más brillante»: «Me he puesto una presión a mí misma. Si lo nuevo no es mejor que eso entonces no merece la pena. No es la manera correcta de mirar la música porque la música es un medio y un espacio para crear, y puedes crear lo que sea. No tiene que atenerse a ninguna escala», afirmaba la de Barbados.
La banda Hoobastank, conocida por el hit ‘The Reason’ de 2003, también aprovechaba el boom de Rihanna para hacer saber a sus fans que rechazaron una colaboración con la cantante de 34 años, allá por 2005: «Cuando estábamos grabando nuestro tercer disco alguien de nuestro sello vino a hablarnos sobre una potencial colaboración con una «nueva artista» en una de las canciones», contaba el vocalista Doug Robb para Consequence. «Esto pasa todo el tiempo, así que dijimos «claro, ¿quién tienes en mente?», y era Rihanna. Ni yo, ni nadie de la banda habíamos oído hablar de ella», concluyó.
Bruce Willis, protagonista de películas tan icónicas como ‘El sexto sentido’ o ‘Jungla de cristal’, padece demencia frontotemporal, tal y como ha confirmado su hija, Rumer Glenn Willis, a través de un comunicado en Instagram. El actor de 67 años se encontraba retirado de la interpretación tras un primer diagnóstico de afasia en 2022, que resultaba ser un síntoma inicial de la enfermedad ahora detectada.
Willis se encuentra actualmente bajo el cuidado de sus seres queridos, ya que ha ido perdiendo progresivamente sus capacidades. El comunicado de la hija de Willis llegaba acompañado de una simpática fotografía, en la que podemos ver al actor en la playa luciendo una amplia sonrisa: «Queríamos daros una actualización sobre nuestro querido marido, padre y amigo ya que ahora entendemos más profundamente lo que está experimentando», comenzaba el texto.
En este también aclaraban que «las dificultades con la comunicación son solamente un síntoma de la enfermedad» y admiten que «aunque es doloroso, es un alivio tener finalmente un diagnóstico definitivo». La familia también ha publicado un comunicado más extenso en el que dan visibilidad a la enfermedad, la cual aseguran que «es la forma más común de demencia para gente menor de 60 años». Además, apuntan que la FTD es una afección que puede tardar «años» en diagnosticarse y para la que no existe ningún tratamiento actualmente.
«Vuestra continua compasión, comprensión y respeto nos permitirá ayudar a Bruce para que viva una vida al máximo», concluía la familia Willis. Con más de 120 películas a sus espaldas, Bruce Willis figura como uno de los actores más importantes de las últimas décadas, desenvolviéndose tanto en roles dramáticos como de comedia y acción, tras el comienzo de su carrera en la década de los 80.
El asesino en serie apodado “Babysitter” actuó durante 1976 y 77 en el condado de Oakland, al norte de Detroit. Secuestró, torturó y mató a cuatro niños, cuyos cuerpos, cuidadosamente vestidos con ropa recién lavada y planchada, dejaba colocados sobre mantas junto a una carretera. Nunca fue capturado. Joyce Carol Oates, de 84 años, vivía en Detroit cuando ocurrieron los hechos. Fue testigo del ambiente de miedo y paranoia que se vivió en la región, intensificada por la tensión racial que, tras los gravísimos disturbios de 1967 (recreados en el filme ‘Detroit’), seguía muy presente en el estado de Michigan.
En ese contexto histórico y emocional se sitúa la historia de ‘Babysitter’. La nueva novela de Oates es un thriller psicológico, con toques de erotismo y true crime, protagonizado por una elegante mujer de la alta sociedad de Detroit, madre de dos hijos y casada con un exitoso empresario, que verá como su aburrida y rutinaria existencia dará un vuelco cuando se cite en una habitación de hotel con un enigmático hombre de negocios al que ha conocido en una fiesta y del que se siente perdidamente atraída. En paralelo, el asesino de niños seguirá sumando víctimas y provocando el terror en la comunidad donde reside la protagonista.
Racismo, clasismo, violencia sexual, misoginia, homofobia, pederastia, control de armas… Todos estos temas aparecen en la novela perfectamente integrados en la trama. A través del extraordinario dibujo psicológico de su protagonista (una mujer víctima de la violencia y el poder masculino que la emparenta con la Marilyn de ‘Blonde’), Oates compone un retrato feroz de la sociedad estadounidense de los 70. Una visión que resulta todavía más terrible si tenemos en cuenta que, 50 años después, muchos de esos problemas aún siguen vigentes y sin visos de resolverse.
En ‘Babysitter’, Oates demuestra un control absoluto del tiempo narrativo. Manipula la línea temporal, dilatándola de tal manera que la acción se transforma en pensamiento. Puede dedicar cinco o seis páginas a lo que pueden ser dos o tres minutos de experiencia real. Eso le da a la prosa una densidad hipnótica, de una subjetividad casi onírica, pesadillesca. Y funciona de maravilla. Nunca pierde al lector por el camino. Al contrario. El relato, algo tópico, se transforma en una exploración psicológica tan subyugante -al estilo de la reciente ‘La señora March’- que da gusto dejarse arrastrar por sus páginas.
Lori Meyers ha anunciado recientemente uno de sus conciertos más multitudinarios, que tendrá lugar el próximo 30 de diciembre en el WiZink Center de Madrid. Será la segunda vez que los autores de ‘Espacios infinitos‘ actúen en este recinto, la primera en cinco años.
Sin embargo, la noticia del concierto de Lori Meyers ha traído cola por la venta de entradas Golden Y VIP a cientos de euros, que ha indignado a sus seguidores. «Cuando toquéis que sepáis que delante no estarán los que más bailen, sino los que más dinero han pagado. No os pega para nada» es uno de los mensajes que el grupo ha recibido en los últimos días.
Hay quienes han decidido «bajarse del barco» de Lori por haber lanzado entradas a precios, por muchos, inasumibles: «Hace 5 años no había ni Golden ni VIP ni cosas así. Y poco a poco los fans se van cayendo», «¿VIP Gold? No gracias. Y yo que pensaba que el indie era otra cosa… ¡Enhorabuena eres el que tiene más!», «Con VIP, Golden…me bajo de este barco por mucho que me apetezca. Creo que esta no es la dirección que debe tomar la música en directo», «Es deprimente en lo que se está convirtiendo la música en directo», «Pista Gold es una absoluta vergüenza. Queréis cerca a pijos con Instagram en lugar de fans dispuestos a hacer horas de cola. El cariño del público se pierde por cosas así».
Ante las críticas, Lori Meyers ha decidido actuar y ha retirado de la venta las entradas Golden y VIP. En un mensaje subido en sus redes, el grupo ha informado: «A la mierda las zonas Golden y VIP. Toda la pista a 35 euros. A los que habéis comprado esas entradas muchísimas gracias, se os devolverá el importe completo o la parte correspondiente si pasáis a pista u otra localidad. Nos vemos el 30 de diciembre en el WiZink».
Tras el anuncio de Lori Meyers, los muros de la banda en redes se han llenado de mensajes celebrando su decisión por suponer un ejemplo de cara a otros artistas, y por escuchar a sus fans. Sr. Chinarro y Guille Mostaza se encuentran entre las personas que han alabado la decisión de Lori Meyers.
Sen Senra ha vuelto. Eso sí, invitado por otro artista. Alvaro Díaz, el cantante y compositor portorriqueño conocido por el éxito ‘Problemón’, con Rauw Alejandro, prepara el lanzamiento de ‘SAYONARA’, su nuevo disco, y el single actual cuenta con la colaboración de Christian Senra.
‘1000CANCIONES’, la Canción Del Día para este viernes, muestra a Senra como pez en el agua subido a un beat de reggaetón. La canción, producida por Haze, se alarga hasta los cuatro minutos, algo que hoy parece ser noticia, y supera ya los 2 millones de streamings: puede dar a Senra su primera entrada en la lista de Singles España. Hasta ahora solo había entrado en la de discos.
El reggaetón de ‘1000CANCIONES’ es comercialote, melódico, y sus ganchos van del estribillo a las onomatopeyas de Senra, autor de ‘Wu Wu’. Se podría decir que ‘1000CANCIONES’ suena a la música de Bad Bunny o Karol G: ellos podrían haberla grabado y hecho suya. Y eso es exactamente lo que hace Senra, pues su peculiar y preciosa voz no suena a nadie más que a él.
Diaz y el autor de ‘Corazón cromado‘ se conocieron en Ciudad de México y conectaron. Sin embargo, la canción se grabó en Madrid. El propio Diaz, fan de Senra, recuerda: “Honestamente puedo decir que esto fue una de las mejores experiencias. Es bien raro que Sen o yo hagamos un tema de reggaeton y por eso está canción es tan especial».
El videoclip de ‘1000CANCIONES’ lo ha dirigido Juanchi González bajo la producción de Haze (Jhayco, Myke Towers, Anuel). Un viaje a medio camino entre la fantasía y la realidad, situado en una fiesta casera, donde Diaz y Senra acaban locos por una chica… que resulta ser su doctora.
Conocimos a _juno, el proyecto paralelo de Zahara y Martí Perarnau IV, como un dúo de electrónica minimalista, que nacía en una habitación de hotel de Barcelona. Su segundo disco también parte de la misma ciudad; solo que el mundo ha cambiado. La portada de ‘_BCN747’ vuelve a mostrarnos a los artistas en la intimidad de su cama, casi en cueros en la contra, pero el relato ya no es tanto marital como sociopolítico.
Inspirado por diversos viajes por el mundo de los dos artistas, este segundo disco de _juno retrata el fin del mundo, si acaso los restos que nos ha dejado el capitalismo, siendo abiertamente crítico con este sistema económico. Lo cual no implica que ellos mismos no se incluyan como parte del problema. Una de las canciones más ilustrativas al respecto es ‘_anikillación’, que canaliza su ira a través de un lenguaje violento: «dicen que has violado las reglas de la industria / pero sigues tragando hasta la última gota / el sistema siempre se corre en tu boca».
Los «zombies» de esta canción tienen continuidad con las «plagas invasoras» y «edificios que caen como libros abatidos» en la siguiente canción, ‘_La Biblioteca Nacional’. ‘_SCLHR’ retrata las barricadas ardientes de las revueltas de Santiago de Chile, mientras ‘_Los Feliz’ se sitúa en Hollywood y ‘_Cuando llegué yo ya estaba aquí’ empieza preguntando «¿ya estamos muertos, Martí? (…) ¿Es este nuestro limbo?». El penúltimo tema del álbum sitúa a Zahara y a Martí en una «rave infinita siempre a punto de amanecer», pero en la que nunca amanece por completo. Se sitúa en Londres y de ahí el nombre del último tema, LHR, las siglas del aeropuerto de Heathrow.
Musicalmente, _juno han canalizado sus vivencias con una música desolada y tranquila, que en el último tema del álbum recuerda mucho a Radiohead tanto en su primera como en su segunda parte, pero en realidad se han inspirado más en la técnica «sidechain», que tanto caracterizó a los Low de ‘Double Negative’. De un lado, en cada canción han procesado un único elemento en lugar de añadir capas (bien haya sido una guitarra, bien haya sido un Prophet). De otro, han jugado con el «negativo», lo que no oímos. Tanto Low como The Smile, Four Tet y Dixon (‘_Steffen Berkhahn’) aparecen en los agradecimientos del disco.
Es esa técnica lo que unifica unas canciones en realidad bastante diversas. Es una sorpresa que ‘_BCN747’ se abra con guitarras y distorsiones. La mayoría del álbum -6 canciones- ha sido compuesta a piano con los dos autores tocando a la vez -les ha inspirado ver a los Beatles en ‘Get Back’ crear a la vez para hacerlo ellos también-, si bien paradójicamente son las producciones que más se alejan del piano, las que resultan más memorables. Explica el disco y el porqué de la ausencia de singles promocionales hasta antes de ayer ese verso de ‘_SCLHR’ que dice «¿quién es mi dueño hoy? Dime a quién pertenezco / Si les doy mi canción, cuánto de mí conservo»; pero no será esta canción la más recordada de este álbum.
Tal mérito se encuentra entre ‘_anikillación’, agresiva, de alguna manera una especie de ‘MERICHANE‘ anticapitalista; ‘_La canción que no vas a hacer hoy’, una letra en negativo bastante imaginativa, una narración de cosas que NO han pasado; y un divertimento 80’s llamado ‘_Por algo será’, inspirado en un sample de un tema de Rufus T. Firefly que reprodujeron a la velocidad incorrecta. Su estribillo «quiéreme, dices / Amén, repites / Escúchame, suplicas / Perdón, pides» es directo como los singles de la etapa industrial de Depeche Mode.
Toda esta paranoia e ida de olla de disco se enriquece, como todo lo que toca Zahara, con un cuidado extremo por el producto físico que enriquece el conjunto: la galleta del vinilo muestra una foto de Martí en la cara A y una foto de Z en la cara B, el LP incluye un libro con un texto en el que explican qué libros han inspirado ‘_La Biblioteca Nacional’ y un montón de fotos con imágenes realizadas en los viajes con cámaras analógicas. Y si les pides una instantánea para Instagram al entrevistarles, te entregan una de esas cámaras para que la foto que uses de ellos siga el mismo patrón estético. Los títulos aparecen al revés en la edición física seguramente en relación a su huida de los estándares de la industria y a la citada influencia de Low.
Canela Party, el festival al que has de asistir disfrazado, seas artista o público, vuelve los días 23, 24, 25 y 26 de agosto. El Recinto Ferial de Torremolinos de Málaga volverá a acoger el evento, que contará con una programación, de nuevo, centrada en underground nacional e internacional, y que acaba de sumar sus nombres definitivos.
El de King Gizzard & the Lizard Wizard es el primer gran nombre confirmado, muy esperado pues la edición pasada hubo de cancelar su presentación por problemas de salud de uno de sus integrantes. El grupo, prolífico como pocos, publicó tres discos en 2022. Snail Mail, autora de uno de los mejores discos de 2021, se suma también a la programación.
Las confirmaciones continúan con Squid. La banda de post-punk, una de las prestigiosas de nuestro tiempo, visitará Málaga para presentar nuevo disco. La veterana banda Cave In, que se dio a conocer entre finales de los 90 y principios de los 2000, se incorpora también al cartel, mientras La Trinidad supone la última confirmación nacional.
Festival entregado al rock pero también diverso, Canela Party ya había confirmado en su próxima edición la presencia de black midi, Dry Cleaning, Mujeres, Nick Waterhouse, Las Ligas Menores, Panda Bear & Sonic Boom, Nilüfer Yanya, shame, Sorry, Rocío Márquez y BRONQUIO, Porridge Radio, Noga Erez, Biznaga, y muchos más.
Próximamente, Canela Party lanzará entradas de día y anunciará la distribución de su cartel por días. El miércoles es la jornada gratuita.
En la semana que Caroline Polachek ha decidido publicar su esperado nuevo álbum, en el día de San Valentín, otros artistas entregan el suyo. En estos días ha llegado el debut de shego, y hoy viernes presentan nuevo disco P!nk, Skrillex, Avey Tare, TINI, _juno, Sebastián Cortés o CECILIO G. Este último incluye una colaboración con Mala Rodríguez.
Han sido días cargados de singles, como el que presenta el nuevo trabajo de Niall Horan o el que marca el regreso de serpentwithfeet, y hasta Janelle Monáe vuelve con nueva música, con el tema ‘Float’. Además, Alison Goldfrapp prosigue con su carrera en solitario con ‘Fever’, The Blessed Madonna nos sigue haciendo bailar con ‘We Still Believe’, y Pipiolas vuelven con ‘Romancero propio’.
The Blaze se encuentran entre los artistas que siguen avanzando su próximo largo, así como Rhye, La Plazuela, Deerhoof, Cala Vento, The Lemon Twigs, FIDLAR, socunbohemio o Jason Mraz. Por su parte, Dry Cleaning adelantan nuevo EP.
Esta semana, claro, hemos escuchado también un nuevo single de Lana Del Rey, y Feist ha estrenado las primeras tres canciones de su nuevo álbum. De Caroline hemos destacado su colaboración con Grimes y Dido, y también hemos asistido a nuevos lanzamientos de beabadoobee, The New Pornographers, Sabela, Tei Shi, Icona Pop, dEUS, Men I Trust…
Entre los artistas que entregan música del horno se encuentran también Rema, Anaju, Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs Pigs (no se nos ha encallado el teclado, se llaman así), Bebe Rexham, L’haine, Omar Apollo, Anna of the North, Blas Cantó…
Bad Gyal se encuentra en el mejor momento de su carrera. El fin de semana pasado actuó por primera vez en el Palau Sant Jordi de Barcelona, y el que viene repetirá jugada en Madrid. Todo sin que la catalana haya publicado oficialmente un disco en el mercado.
Entre las mixtapes ‘Slow Wine Mixtape‘ (2016), ‘Worldwide Angel‘ (2018) y ‘WARM UP‘ (2021) sumamos unos cuantos hitazos de Bad Gyal, pero el debut de Alba Farelo tiene que salir este año. ‘La joia’ es el título confirmado y también el nombre de la gira, que está sirviendo a la artista para presentar unos cuantos temas nuevos en directo, algunos inéditos y otros no.
‘Chulo’ es el último que ha llegado a las plataformas, un reggaetón hecho para los clubs que dura 2 minutos contados. Los suficientes para dejar el reguero de ganchos típico de la artista: «Chulo / tiene cara que en la cama te da duro» vuelve a ser una de sus rimas canónicas.
Después son varios los temas inéditos que Farelo ha presentado en concierto. Bad Gyal Updates da varios títulos, algunos de ellos sugeridos por los fans: ‘Do You Mind’, ‘Perdió este culo’, ‘Movimientos’, ‘Cachonda’ y una posible colaboración con Nicki Nicole que los fans han titulado ‘Enamórate’, son temas que Bad Gyal ha estrenado ya en directo, pero cuyos títulos oficiales se desconocen.
Es de esperar que ‘LA JOIA’ sí traiga muchos de los singles que Bad Gyal ha venido publicando últimamente: ‘Sin carné’, ‘La prendo’, ‘Real G’ con Quevedo, ‘Sexy’ y ‘Tremendo culón’ formarán parte del álbum… salvo sorpresa de última hora.
Por otro lado, Bad Gyal aparecerá en el nuevo disco de Karol G, en un tema llamado ‘KÁRMIKA’, junto al rey del dancehall, Sean Paul. ‘Mañana será bonito’ sale el 24 de febrero, es decir, el viernes que viene.
Ahora que Jeanette ha vuelto a estar de actualidad debido a la muerte de Carlos Saura, no me resisto a recomendar al dúo Isaac et Nora. Aunque ellos no lo imaginen en absoluto, «Jeanette» fue lo primero que me vino a la cabeza cuando los escuché. Pero comencemos por el principio.
Isaac et Nora tienen 13 y 9 años, pero lejos de las voces estridentes y el drama de Eurovision Junior o La Voz Junior, se miran en la música del pasado. Su padre el guitarrista Nicolás, nacido en Corea del Sur, y su madre Catherina, que es francesa, les han inculcado su amor por la música latina; dejando un acento difícil de ubicar que precisamente por eso y por su tono dulce, aniñado y naíf, casa con la intérprete de ‘Porque te vas’.
Sus versiones de ‘Veinte años’ o ‘Hasta la raíz’ han sumado millones de reproducciones en las redes, lo cual tiene bastante guasa si atendemos a esta frase de su biografía oficial: «Hay niños que juegan con la consola o al Fortnite; otros que no paran de hacer challenges vía TikTok; otros que están enganchados a las vídeo-reacciones de su youtuber favorito… y luego están los hermanos franceses Isaac & Nora, que, a sus 13 y 9 años, respectivamente, han decidido recuperar el legado del cancionero popular latinoamericano con una transparencia, una dulzura y una capacidad artística prodigiosa, y sin salir del salón de su casa».
Claro que eso de no salir del salón de su casa es algo que ha quedado viejo. Esta primavera les espera una gira por Latinoamérica que les va a llevar a Santiago de Chile, Buenos Aires, Río de Janeiro, Lima, Medellín y Bogotá, entre otros muchos espacios. Estarán presentando su disco compuesto de composiciones originales, ‘Premiéres Chansons’, que sale el 3 de marzo y del que se conocen dos sencillos: ‘Qué me habrán hecho’ y ‘No digas nada’. Esta última es nuestra «Canción del Día» hoy.
Se presenta oficialmente así: «‘No Digas Nada’ es la canción favorita de Isaac y Nora de este nuevo álbum. Es un poco diferente de lo que hemos tocado hasta ahora, porque no es una canción de un género de música latina, tiene un toque pop-rock de los 70’s y nos encanta. Es una canción de amor, con una letra alegre que habla de tranquilizar al ser querido, sin tener que decirlo. Sentimos que líricamente es un poco el contrario a ‘Veinte Años’. ¡Afortunadamente, a veces el amor puede ser feliz!».
Isaac et Nora recuerdan efectivamente al citado pop-rock de los 70 (también parece a veces un medio tiempo de ska), mientras el mensaje de la canción es el reverso positivo de ‘Don’t Speak’. Si el clásico de No Doubt nos hablaba de que es mejor no hablar para no afrontar una ruptura, esta canción es más bien «nos queremos tanto que no hace falta hablar».
«No necesito palabras de amor / Porque al mirarte tus ojos divinos / Dicen que tú sientes lo mismo que yo» son las palabras que entona Nora, entre bonitos arreglos de cuerda y viento, pero sin perder el característico ritmo de la grabación a cargo de Diego Galaz y Sebastian Schon, conocido por su trabajo con Julieta Venegas o Soda Stereo.
‘Solar Power‘ de Lorde fue uno de los discos más anticipados de 2021. También fue una de las mayores decepciones a nivel comercial y, sobre todo, de crítica. El disco recibió algún elogio, pero el consenso fue negativo: nada que ver con la recepción que obtuvieron ‘Pure Heroine‘ (2013) y ‘Melodrama‘ (2017), el segundo, uno de los mejores discos de la pasada década.
Pero Lorde ya piensa en el siguiente. En una entrevista con el medio neozelandés Ensemble, la cantante confirma que ha empezado a trabajar en su cuarto álbum. En concreto, dice haberse tomado su tiempo para investigar y anotar ideas, pero que ese trabajo ya estaría finiquitado. Falta empezar a escribir el disco y ella espera poder sacarlo más pronto que tarde.
En sus palabras: «Estoy emocionada con lo que viene. Siempre tengo la intención de moverme todo lo rápido posible pero, después, (la obra) va tomando diferentes formas. Con este, realmente lo estoy intentando. No quiero esperar. Estas palabras, tómatelas como quieras». Lorde, que ha solido sacar disco cada cuatro años, no descarta que el cuarto pueda salir en 2023.
En cualquier caso, Lorde no es de esas artistas que echan pestes de su trabajo pasado. Ella sigue hablando con orgullo de ‘Solar Power’ porque, dice, es un disco que necesitaba hacer. «El tercer disco siempre es un punto de inflexión: ya no eres un artista nuevo, quieres probar otras cosas… En ‘Solar Power’ necesitaba hacer ciertas cosas, y me siento más tranquila después de haberlas hecho». Yelich-O’Connor explica que, después de la intensa etapa de ‘Melodrama’, ‘Solar Power’ le permitió dar un paso al lado, labrarse un camino diferente, más allá de expectativas, y esquivar el encasillamiento.
Parece que Lorde ha superado la reacción «desconcertante y dolorosa» que provocó ‘Solar Power’, un disco, en sus propias palabras, «de transición». Esperemos que este punto y aparte creativo nos dirija hacia otra obra brillante de Lorde, como ella las ha sabido hacer.
Crecida por la repercusión que lograba su lista de mejores cantantes de todos los tiempos, que provocaba la ira de los fans de Céline Dion porque la canadiense no aparecía en ninguno de sus 200 puestos, Rolling Stone dobla apuesta.
Esta vez, la revista norteamericana ha decidido hacer un ránking de los 50 peores discos publicados por artistas brillantes. Son álbumes «genuinamente horribles» que fueron «producto de haber consumido demasiada cocaína» (Elton John), cuando no resultado de un cambio de formación dramático, o tan hijos de su tiempo como muchos discos de los 80.
‘ye‘ de Kanye ocupa el primer lugar. ¿Tan malo era? ¿Está castigando Rolling Stone a Kanye por sus comentarios nazis y antisemitas? Según la publicación, ‘ye’ «marca el principio del colapso artístico y personal más desastroso de la historia de la música popular». En el 2 aparece ‘Squeeze’ de Velvet Underground y en el 3 ‘Union’ de Yes, y el top 10 no se aleja de la línea editorial de la revista: también genios como Bob Dylan, Black Sabbath o Yoko Ono y John Lennon hicieron discos espantosos.
En la lista encontramos títulos más o menos esperados. ‘Around the Sun’ siempre fue el peor álbum de R.E.M. y saluda desde el puesto 44, la revista recupera ese disco que Fleetwood Mac sacaron sin Stevie Nicks ni Lindsey Buckingham en la formación (‘Time’, puesto 37), que Bowie no solo publicó obras maestras lo demuestra ‘Never Let Me Down’ (17) según la publicación, y tampoco podía faltar aquel fallido disco comercial de Liz Phair que Pitchfork puntuó con un 0: el texto de Rolling Stone simplemente revisita aquella crítica.
Entre las curiosidades podemos comentar la presencia, en el puesto 26, de ‘American Life‘ de Madonna, un disco de culto para muchos de sus fans; o de ‘Rebirth’ de Lil Wayne en el 24. ¿No se adelantó este álbum, por bastantes años, a la moda emo rock de XXXTENTACION, Lil Pump, etc? La lista sirve también para recordar que Carole King publicó un disco llamado ‘Speeding Time’ que nadie recuerda, seguramente para mejor.
También vale la pena destacar alguna ausencia, como la de ‘Lulu’ de Lou Reed y Metallica, un disco conocido por las funestas críticas que recibió (Jezebel lo nombró el peor disco hecho por hombres de la historia), y que no aparece en lista… al contrario que cada uno de sus autores por separado: Lou Reed con ‘Mistrial’ en el 19, Metallica con ‘St. Anger’ en el 43. De U2 no incluyen ningún disco: les gustan todos.
Azkena Rock Festival sigue sumando nombres a su edición número 21, que se celebra los días 15, 16 y 17 de junio en el recinto de Mendizabala, de Vitoria-Gasteiz. Ya estaban confirmados Iggy Pop, Pretenders, Lucinda Williams, Incubus o El Drogas, a los que se incorpora una nueva tanda.
El legendario Billy Childish es uno de los primeros grandes nombres que conocemos hoy. Eso sí, el también poeta y pintor actuará con banda, Wild Billy Childish & CTMF. The Kaisers, una banda mítica de los 90 difícil de ver en directo, también se une a la programación, así como Steel Beans y The Reverend Peyton’s Big Damn Band.
Aunque la confirmación destacada es la de The Soundtrack of Our Lives: la banda de Gotemburgo, que llegara a ver su música utilizada en la banda sonora de ‘Californication’ o ‘A dos metros bajo tierra‘, se ha reunido para dar sus primeros conciertos en una década, y la de Azkena es su única cita española.
Cordovas, Amanda Shires, King Salami And The Cumberland Three, Hola Ghost, la banda catalana Los Tiki Phantoms y el joven Nestter Donuts se encuentran entre los artistas que engrosan también el cartel de Azkena Rock Festival. Chuck Prophet & The Mission Express actuarán en la Plaza de la Virgen Blanca, gratis, a la hora del vermú. La programación dividida por días ya está disponible:
Jueves 15
RANCID
EL DROGAS (BARRICADA – 40º) – STEVE EARLE
LIHER – LYDIA LUNCH RETROVIRUS
MONSTER MAGNET – OS MUTANTES
Trashville: THE KAISERS – NESTTER DONUTS
Viernes 16
THE PRETENDERS – INCUBUS
BONES OF MINERVA – CALEXICO – CORDOVAS
EARTHLESS – THE GUAPOS – GWAR
MATCHBOX – PASADENA – S8NT ELEKTRIC
THE SOUNDTRACK OF OUR LIVES
THE UNDERTONES
Trashville: HOLA GHOST – THE REVEREND PEYTON’S BIG DAMN BAND – LOS TIKI PHANTOMS
Sábado 17
IGGY POP – LUCINDA WILLIAMS
ALTER BRIDGE – THE BEVIS FROND
BRIGADE LOCO – EZPALAK
JIM JONES ALL STARS – LUCERO
MELVINS – THE NUDE PARTY
ANA POPOVIC – AMANDA SHIRES
NAT SIMONS & CHERIE CURRIE
Trashville: WILD BILLY CHILDISH & CTMF – KING SALAMI AND THE CUMBERLAND THREE – STEEL BEANS
Virgen Blanca: CHUCK PROPHET & THE MISSION EXPRESS
La espera por el segundo disco de Caroline Polachek ha sido una de las más excitantes que nos ha regalado el pop reciente. ¿Cuántos singles excelentes pueden presentar un disco en 2022 o 2023? A Polachek se le caían de las manos. Cuando escuchamos la pizpireta ‘Bunny is a Rider‘ en el verano de 2021, parecíamos estar ante su mejor canción. Un año después, la balada ‘Billions‘ nos convenció de que Polachek es la Kate Bush de nuestro tiempo, por mucho que ella se oponga a la comparación (los artistas, siempre tan celosos de su arte). No tardó en llegar ‘Sunset‘, la 10ª mejor canción de 2022 para Jenesaispop. Podría haberlo sido la anterior, pero esta, en su inspiración latina, se prestaba especialmente a la escucha en bucle.
Deparaban más sorpresas. ‘Welcome to My Island’ era el homenaje más evidente que Polachek jamás ha hecho al pop comercial de los 80, su ‘Welcome to New York’ particular, lo cual tiene sentido pues la estadounidense ha sido telonera de Dua Lipa. A continuación, ‘Blood and Butter’ nos acercaba al lanzamiento del disco -que se ha producido en San Valentín- con otra maravillosa composición que nos trasladaba al pop de los 2000 tipo William Orbit… para después colarnos un solo de gaita sublime que hasta cuesta asimilar: no es que este instrumento abunde en el pop, precisamente.
Ante semejante arsenal de canciones, ¿qué encontramos en la obra total de ‘Desire, I Want to Turn Into You’? La ex integrante de Chairlift ha buscado crear un disco «maximalista, «uptempo» y lleno de «energía y movimiento» que reflejara el «caos» que ha sido su vida durante y después de la pandemia, periodo en que escribió gran parte del álbum. Las influencias van del pop italiano a Massive Attack (en quienes se inspiran las cuerdas de ‘Pretty in Possible’), del flamenco al downtempo de los 90, del drum ‘n bass al ‘Ray of Light‘ de Madonna… Hasta una colaboración de Dido cabe por aquí. Las efervescentes canciones de Polachek, su voz líquida y operística, luminosa como el sol, capaz de atraer a los gansos; y su obsesión con la intertextualidad (en el disco se repiten o reflejan melodías, las referencias a volcanes van de las letras a la misma portada, etc.) dan unidad a «Desire» en su conjunto.
Las nuevas canciones de Polachek nacen de la adrenalina que produce un nuevo amor, de salir del cascarón después de pasar tiempo encerrados, y hablan de los pequeños pero sublimes momentos que nos regala la vida. ‘Billions’ busca capturar «ese momento en que vas en coche en la playa y, por primera vez, emerge el paisaje del mar desde la ventana» y, entre referencias a sonetos, pintores y ostras, no cuenta absolutamente nada, en palabras de su autora. Prefiere ceder toda la magia a la música y a la presencia de un coro infantil que pone los pelos de punta. ‘Butterfly Net’ habla de la efimeridad de las cosas que damos por sentadas en la vida. Y ‘Sunset’ reflexiona sobre la desilusión y las «promesas no cumplidas», sin renunciar a la luz de esa guitarra española rasgada por Marc López, colaborador de María José Llergo.
Con Danny L. Harle de nuevo participando en la producción, junto a otros nombres como Daniel Nigro, quien ya había colaborado con Polachek antes de conocer a una tal Olivia Rodrigo, ‘Desire, I Want to Turn Into You’ es mejor disco que ‘Pang‘ pero menos consistente, y no solo porque la producción de ‘Bunny is a Rider’ y la de ‘Welcome to My Island’ -por poner dos ejemplos- ni siquiera parezcan del mismo disco. Las canciones pueden ser tan sólidas como ‘Pretty in Possible’, un paseíto por la ciudad al son de ‘Tom’s Diner’ de Suzanne Vega, graciosa en su composición deliberadamente «libre» y sin estribillo; pero también desdibujarse un poco, como la ambiental ‘Hopedrunk Everasking’ (dilo con un polvorón en la boca). ‘Smoke’ es uno de los temas más pop, pero no iguala la fortaleza de singles previos.
El disco deja varias curiosidades. ‘I Believe’ es una incursión en el bubblegum-pop pasado por el filtro de PC Music que Polachek dedica a SOPHIE: «no lo sé, pero creo que aún nos queda otro día por pasar juntas» es una línea especialmente conmovedora. Sin embargo, a la producción le falta algo de fuerza. La reflexiva ‘Crude Drawing of an Angel’ (otra referencia de la portada) aporta un necesario momento de respiro en el álbum, y ‘Butterfly Net’ enriquece el conjunto con sus sonidos de guitarras y órganos.
Pero la joy inesperada es ‘Fly to You‘, que sale airosa del reto de unir tres voces tan diferentes como las de Grimes, Dido y la propia Polachek, en una canción que es más que la suma de sus partes. Dedicada a la adrenalina que produce reunirse con alguien después de mucho tiempo, ‘Fly to You’ necesita poco más que una telaraña de beat de drum ‘n bass para que las tres cantantes hagan magia con su diálogo vocal (originalmente era PinkPantheress la artista invitada). ‘Fly to You’ es prueba de que la innovación de la música de Polachek pasa por muchos y muy diversos caminos, y su nuevo disco lo demuestra con creces.
Sam Smith ha promocionado su nuevo disco ‘Gloria’ dando más cancha a su single ‘Unholy’, número 1 global, junto a Kim Petras. Lo ha presentado en los Grammy y en los BRITS y sobre todo la primera actuación fue polémica por lo que algunos han considerado un «ritual satánico», en particular políticos de derechas.
El vídeo que podéis ver bajo estas líneas no ha tenido lugar en un pueblo perdido de Texas ni de Ohio, sino en el mismísimo Nueva York. Sam Smith camina por un parque en un día soleado cuando una mujer le increpa para llamarlo «enfermo», «bastardo», «demoníaco» y «pedófilo», entre muchas otras cosas. También le advierte de que «arderá en el infierno» y le exige que «deje a los niños en paz».
La mujer no se achanta pese a que varios móviles están grabando, muy crecida por la aceptación de los discursos del odio de la ultraderecha, en la que puede ser la mejor promoción hasta la fecha que ha recibido ‘Unholy’. Todos aquellos a los que no nos gustaba la canción vamos a terminar por cogerle cariño. Y es que cuando Madonna presentó este show como «transgresor», algunos desconfiamos todo, y al final vamos a tener que asentir. En esas seguimos.
Sam Smith gets harassed by an elderly woman in New York City, being called a “demonic, twisted, sick bastard.” pic.twitter.com/2pGFPgktr8
We've all seen the Satanic-Themed Sam Smith performance at the Grammys, but let's take a look at some other hidden aspects that depicts much more elaborate planning in all this. pic.twitter.com/V8kBm6CfAa
Hoy da cierto pudor recordar que hubo un día en que consideramos que «Amaia recomendando a La La Love You» era una noticia que ofrecer. 4 años después, ‘El fin del mundo’ ha sido triple platino en España y suma 80 millones de reproducciones a nivel global solo en Spotify, más del doble, casi el triple, que el tema más escuchado de Romero. «Y yo bailando, bailando» ha sido uno de los estribillos más reproducidos en los últimos años en clubs de pop y festivales, y ya va siendo hora de que La La Love You publiquen un nuevo disco.
Tal cosa sucederá el próximo 5 de mayo. El álbum se llama ‘Blockbuster’ y su carrera comercial no ha podido arrancar con mejor pie. El primer single del disco se llama ‘El principio de algo’ y es una colaboración con Samuraï, a su vez en un momento estupendo dada la aceptación de sus temas ‘De charco en charco’ con Belén Aguilera y ‘Tirando balas’.
‘El principio de algo’ ha logrado entrar en el top 100 español, todo un milagro para un corte de tipo pop-rock, y además después no ha caído demasiado (ahora mismo es top 118 en Spotify España), por lo que no sería ningún milagro que el tema subsistiera en Promusicae una segunda semana. Ha gustado. Si no es un «Blockbuster», se le parece un poco, y desde Subterfuge aseguran que La La Love You tienen su agenda casi repleta de fechas en 2023… y también en 2024.
‘El principio de algo’ es una canción de pop -solo medio- punkie en la onda de Blink 182 o Pignoise, por lo que no es tan sorprendente que haya triunfado en los tiempos de Aitana y Olivia Rodrigo. La letra es una sencillísima declaración de amor de cierto tinte «loser» o «emo». Él, en principio, no se atreve a confesar. Pero a medida que la canción va ganando forma, mejoran los ánimos y la composición termina viniéndose totalmente arriba, quizá demasiado, en un plot twist final realmente osado: «que no me encantas, te quiero» suena en el último segundo.
Si ‘El fin del mundo’ contaba con la tímida participación de Axolotes Mexicanos, esta vez Samuraï se queda la segunda estrofa y un gran protagonismo en la grabación, resultando a todas luces un feliz dúo. Se ha tagueado, de hecho, donde Axolotes decidieron no hacerlo, y ya es la canción más escuchada para ella en Spotify.
También se ha pasado por el simpático vídeo, que comienza como una conversación telefónica entre David Merino y la artista que después los reúne en diferentes espacios, como una tienda de discos, pero sobre todo en el escenario. Para el momento del cambio melódico en el último estribillo, cumbre de la composición, aquello se ha convertido en una celebración del amor, con momento LGTB+. Entre esas fechas que esperan a La La Love You están el Oh See! de Málaga, el FIB y el Sonorama, entre muchos otros festivales.
A principios de este año, León Benavente actuaban en el Teatro Real de Madrid. Sus colegas de Dorian han anunciado ahora un concierto especial similar, nada menos que en el Gran Teatre del Liceu de Barcelona. Será el próximo 15 de junio. Las entradas saldrán a la venta este viernes 17 de febrero por la mañana.
La nota de prensa recuerda las canciones que han marcado su trayectoria, como ‘Cualquier otra parte’, ‘La tormenta de arena’ o ‘Los amigos que perdí’ y añade la importancia de canciones tan hermosas como ‘El temblor’, ‘Duele’, ‘Dos vidas’ o ‘Arrecife’. Se especifica que «todas ellas y muchas más no faltarán en un espectáculo que incluirá la presencia de hasta cinco músicos de apoyo (cuerdas, percusión, piano, etc.) además de ilustres invitados pertenecientes a la escena musical del país».
Es decir, Belly, Marc, Bart y Lisandro «reinventarán su repertorio sobre uno de los escenarios más prestigiosos del mundo, en un concierto único e irrepetible», incluyendo en este espacio temas que no suenan tantísimo en sus conciertos habituales o en festivales, como es el caso de la preciosa ‘El temblor’.
Raquel Welch ha fallecido a los 82 años según ha confirmado su agente a AFP. TMZ ha sabido por personas de su familia que la causa de la muerte ha sido una “breve enfermedad”. Conocida con el sobrenombre de «El Cuerpo» y uno de los grandes mitos sexuales del siglo XX, Raquel Welch rodó más de 30 películas y medio centenar de shows televisivos. Entre ellos se encontraban ‘Hace un millón de años’, rodada en 1966, y desde la cual se convertiría en chica pinup.
Tras realizar un pequeño papel en ‘Roustabout’ con Elvis Presley (1964), Welch apareció en ‘Viaje alucinante’ (1966), ‘Dispara fuerte, más fuerte, no lo entiendo’ con Marcello Mastroianni (1966) y ‘La mujer de cemento’ con Frank Sinatra (1968). También en Westerns como ‘Bandolero!’ y ‘100 Rifles’.
En 1973 obtuvo un Globo de Oro con ‘Los tres mosqueteros’. En ‘Myra Breckinridge’ interpretó a una persona transgénero, nada menos que en 1970 y en la España de los 80 es muy recordado su anuncio de Freixenet.
Amiga del yoga y de la vida sana, en una conocida entrevista de Los Angeles Times relativamente reciente, terminó diciendo que la condición de sex symbol no la representaba del todo: “No soy tonta. Me di cuenta de que no era a Meryl Streep a quien habían puesto en bikini. Fui alguien a quien lanzaron como un cohete al estrellato de la noche al día. Sabía que esto me iba a dar una oportunidad e intenté sacar el máximo provecho de aquello”.
‘De todas las flores‘ fue uno de los Mejores Discos de 2022. Aunque editado a finales de octubre, tuvo tiempo de colarse en un puñado de listas recopilatorias con lo mejor del año para la prensa musical. Ahora Natalia Lafourcade está en España para conceder una serie de entrevistas a los periodistas del país, tras un paso por los Goya en homenaje a Carlos Saura, en cierta medida controvertido.
Le pregunto sobre ello en las descomunales oficinas de Sony del Paseo de la Castellana, en un set preparado ad hoc en el que contrastan la imagen del disco -más tradicional y artística- y la que da en persona -más moderna-. Pero sobre todo charlamos sobre tan formidable trabajo, próximo al jazz pero no ajeno a la música tradicional latinoamericana. Tildado en principio como disco de ruptura, ha mostrado después una mayor complejidad en todos los aspectos. Natalia me atiende aún ilusionada con el proyecto, nada parca en palabras, con muchas ganas de charlar. Le entrego un ejemplar del Anuario de JENESAISPOP en que aparece por partida doble (Discos y Canciones) y asegura que le encanta. Ni después de 3 Grammys y una docena de Grammys Latinos, parece darle igual este humilde reconocimiento.
El single ‘De todas las flores’ habla de Madrid, ¿qué significa para ti estar aquí?
Amo esta ciudad, amo venir. Son pocas las ciudades donde podría vivir, pero aquí podría estar un ratito muy alegre. Las calles, la comida, la gente… la disfruto mucho. Tengo muchas memorias. «En las calles de Madrid borrachos fuimos sin un rumbo fijo»…
¿A qué calles concretas te refieres en esa letra?
Las calles no te las puedo decir porque las veía dobles (risas) He pasado momentos importantes en esta ciudad. Mucha amistad, mucha música, mucha creatividad. Cuando hice ‘Mujer Divina’, el homenaje a Agustín Lara, estuve trabajando en un sitio que tiene Jorge Drexler en Chueca. Era el Orgullo y fue increíble, como una película. Tratamos de encontrar el universo Agustín Lara dentro de nuestra propia música. Recuerdo salir, nuestros respiros, el Retiro… También en mis inicios de la música vine mucho yo sola con la guitarra, tocando en el Café Berlín… ‘De todas las flores’ es de las canciones más viejas del disco. Es una película, relata una historia de amor. La canción lleva toda la agonía del momento de la fractura, digamos que borroso, nocturno. Ese instante. Le tengo cariño, está llena de cariño. Las metáforas dicen muchas cosas escondidas. Se puede entender que habla de mi ser y otra persona, pero también se puede ver de fuera como una película. Me gustó mucho el resultado.
Para nosotros es una bossa, por lo cual es curioso que hable de Madrid. En Madrid oímos una bossa y pensamos en Brasil. ¿Este es un disco muy «viajado»?
Yo la asocio a mi mundo interior. Al todo de este disco le digo «Diario musical». Volver a mi jardín interior. Es revisitar mis propias herramientas. Mi forma de trabajar con la música ni yo misma la entiendo. Teóricamente no te puedo decir qué hago, por qué le pongo una nota al acorde. Hay acordes que suenan más alegres y hay que buscarles algo para que tengan esa tinta melancólica. El compás al final de ‘De todas las flores’ es irregular y eso tiene que ver con la agonía del amor. Quería probar y no tener miedo. No ser condescendiente con lo que era obvio de hacer, o con la inercia de lo que en mi carrera venía sucediendo. Mi productor Adán Jodorowsky me pidió playlists de referencias y le dije que no tenía. Quería ver qué emergía de las propias canciones, no aferrarnos a una referencia ya puesta. Está la música brasileña, el jazz, la música tradicional con el bolero…
Quizá de tanto oír reggaetón, trap, drum&bass… cada vez te entiendo más como una artista de jazz. Además, grabando en directo, usando una toma… ¿Tú lo entiendes también así?
No sé si de jazz, pero es un género que amo. Hay discos de jazz que amo, que me acompañaron mucho en el proceso. ‘Kind of Blue’, John Coltrane… Llegué a vivir a Veracruz hace 3 años, cerca de Xalapa. Yo no sabía que, al haber escuelas, hay mucha comunidad de jazz, de son jarocho. Es rarísimo que hubiera un buen nivel de jazz en mi pueblo, y encontrar eso fue maravilloso. Cuando la pandemia empezó a bajar, empecé a encontrarme gente tocando a Charlie Parker, unos compañeros trajeron ‘A Love Supreme’ a mi casa, muy buenos músicos. Fue una fuerte influencia en «Todas las Flores». Me hizo querer probar cosas que pasan en esos discos, ‘Kind of Blue’, discos de Nina Simone… y me he aventado a hacerlo. Todos los músicos tocando al mismo tiempo, el reto de tocar sin haber ensayado tanto, sin tener un clic, sin saber dónde nos va a llevar la canción… El disco tiene estructura muy marcada pero hubo partes de improvisación. Por eso son tan largas las canciones, porque hay algo de «quién va a acabar la canción» (risas).
¿Ha sido difícil estructurarlo? Porque todas las canciones me parecen bien como para cerrar, como ‘Pajarito Colibrí’, pero claro, no todas las canciones pueden cerrar. Igual es porque no tengo ni idea de jazz.
No te preocupes, ¡yo no entiendo ni un carajo! (risas) En este disco probé a hacer una cosa que nunca había hecho: grabar un disco en el orden en el que va a quedar. Traté de hacer un mapa de los tiempos en que fui componiendo. Las canciones las fui haciendo desde 2018 hasta recientemente. Es un diario que tiene una línea y que va marcando ciertos momentos. «Pajarito», «Lugar correcto»… se hicieron en otro momento en que yo estaba mucho más entera. Quise que el disco fuera un mapa redondo donde en las canciones se siente una fractura, una muerte, se va a un espacio muy oscuro y después se va encontrando la luz. La grabación era cavar ese túnel ya con los músicos.
Eso nos ayudó a entender que el disco no podía empezar muy arriba. ‘De todas las flores’ podía haber sido más uptempo, incluso una salsa, pero la queríamos dejar abajo, en un lugar de estar triste. Luego se construye el humor, como en «Lugar Correcto», que es justo después de ‘Llévame viento’, un tema en que no se sabe dónde cae uno… Pero todo va tomando forma, hasta que llega ‘Canta la arena’, que es una gozadera tropical veracruzana, que le compuse a mi mar, donde me sentía muy plena, y muestra todas las etapas.
Al principio leí que era un disco post-ruptura. Ahora mismo suena un poco reduccionista. Es más complejo, por lo que dices, y tiene un orden.
Sí, tiene un orden y un desorden, que era importante plantear. Hay una deconstrucción con Adán, quisimos hacer una catarsis. Primero grabamos la base, luego metimos los músicos en otro track para que hicieran los coros. Y luego lo mandamos todo al carajo. Nos pusimos todo a gritar. Hay un encuentro entre los vientos. Creamos una jungla musical donde hay un desorden absoluto. Quería desgarrar la música, no quería que los tracks quedaran muy bonitos. Eso pasa en el jazz, en el free jazz, se permiten esas cosas.
He escuchado el podcast que has hecho sobre el disco. Bueno, parte de él, porque son como 4 horas…
¡6 horas! Quedan capítulos por salir. Son 12 en total.
«No quiero volver a hacer un podcast, prefiero la música, pero qué bueno que lo hice»
Después de 6 horas de podcast, ¿no te has cansado de hablar de este disco?
La verdad, sí (risas) Pero yo no sabía lo que iba a implicar hacer el podcast. Lo que quería era encontrar mi propia forma de contar la historia, contestar las preguntas que yo quería contestar, no para los demás, sino para mí misma. Algo de mí misma necesitaba entender de mis propios procesos, a tal grado de decir: «ya no necesito más explicaciones». Pasaron tantos años para hacer un disco propio y luego fue tan difícil revisitar esos espacios, que yo decía: «¿cómo voy a explicar esto?». Ni yo misma me entendía. Pero gracias al podcast y preguntando a otras personas que aparecen, como Leiva, Sílvia Pérez Cruz, Silvana Estrada, mi madre, mi pareja… Hubo tantas charlas existencialistas, que tienen que ver con mi mundo… La verdad, no sabía lo denso que se iba a poner, pero ya que estaba metida, tenía que terminar los 12 capítulos (risas) Le entregamos mucho tiempo. No quiero volver a hacerlo, prefiero la música, pero qué bueno que lo hice porque así tengo un mapa de mis propios procesos. Me puedo recordar ciertas cosas que me va a venir bien no olvidarlas.
Una de las cosas que cuentas en el podcast y que repites en las entrevistas es que fue un amigo quien te dijo que tenías que hacer ya un disco de composiciones propias. ¿De verdad no sale de ti hacer un disco escrito por ti en tantísimos años?
Tuvo que venir un amigo, y no cualquiera, porque a este le admiro muchísimo. Qué proactividad, qué padres sus películas… Y que te diga «a mí no me da nada lo que me estás enseñando, tú deberías volver a lo tuyo». Pero agradezco esa honestidad, luego me di cuenta de que muchos a mi alrededor veían eso, pero no me lo habían dicho.
¿Para ti es igual de importante un disco de versiones que uno propio?
Es que yo estaba muy feliz haciéndolo, y cuando Alonso me hizo este comentario, me hizo generar este silencio. Además fue un mensaje de voz, ni me llamó, qué flojera: «enséñame tu música, qué tienes para decir». Pisó el botón rojo. Me dejó 3 semanas pensando y vino un momento de reflexión de «¿cuántos años han pasado?». Yo no tenía presente tener canciones, creía que tenía 1 o 2. Pero hice un mapa, volví atrás en mi vida, y encontré encapsuladas canciones de la gira, del backstage… algunas ni me acordaba de que las había hecho.
En uno de los nuevos temas cantas «No me importa si eres hombre o si eres mujer». ¿Estás concienciada con el no binarismo, a la androginia…?
¡Sí! Este momento que atravesamos como humanidad, qué interesante… me pregunto cómo será en 30 años. Espero estar viva y poderlo ver. Estamos en una época muy interesante. En mi caso conecto mucho con la parte del alma, de que estamos aquí experimentando la vida. Que la gente haga lo que quiera. Ponte un disfraz. Píntate. Hazte, deshazte. Sé. Explora. Sé lo que quieres ser. Por eso ‘Pajarito Colibrí’ habla de eso y es tan sencilla y profunda. ¡Que tu alma salga de la jaula! Permítete liberarte y ser feliz. Ojalá como humanidad, en unos añitos, podamos vernos reflejados en esa libertad y respetar la libertad del otro, mientras no hagas tanto daño a otras personas.
¿Por qué este tema es tan importante para ti? No lo había entendido como algo esencial en el disco.
Tampoco es que ponga el dedo en ese tema. Es que no es un tema para mí. Que cada quien sea lo que tenga que ser. Creo que fue muy interesante ver cómo llegó al disco esta canción. ‘Mi manera de querer’ es muy sencilla, no tiene filtro, no tiene maquillaje, no tiene demasiado más. «Yo te voy a querer así». En este tiempo me he preocupado de conectar con otros seres humanos. Hoy en día es muy difícil lograr esa conexión, pero tampoco es imposible. En mi caso fue conectar con muchos tipos de personas diferentes. Esta canción me vino a enseñar lo simple del amor. En esa canción entrevistamos a muchas personas acerca del amor. Preguntábamos qué es el amor, cómo te gusta que te quieran…. a niños, a mayores, hay de todo. Escuchar las respuestas es muy hermoso. Hay desde el entendimiento del amor como una pareja, o el amor expandido en los dulces, en jugar, en los amigos, en los días alegres… Mil cantidades de formas de amor. Eso es lo que la canción me vino a enseñar a mí. El amor es muy simple, no debería costar tanto.
«No conocía el trabajo de Carlos Saura, pero esto me ha hecho acercarme a su mundo. Ha sido un regalo»
¿Ha sido una buena experiencia actuar en los Goya?
Feliz de que me inviten. Cuando hablamos de Carlos Saura, y de ‘Porque te vas’, las posibilidades eran tantas… y me invitaron a mí, una mexciana que vengo de otra cultura. La Academia nos ha tratado con tanto amor, con tanto cariño. Me sentí muy bien recibida y muy afortunada. Carlos Saura es un hombre al que admiro mucho. Yo no conocía su trabajo, soy muy despistada, vivo dentro de un árbol, tengo mala memoria. Y esto me hizo acercarme a su mundo. Me hizo ver películas, documentales, entender el personaje. Ha sido un regalo no solo estar en los Goya, sino poder conocer su arte.
A Jeanette le ha dado rabia no cantar ella.
Claro, es que por supuesto. Debería ser la misma Jeanette, yo misma lo pensaba. Así que me sentí muy afortunada.
A quien sí conoces es a Almodóvar, que aparece en tu podcast como una influencia en tu música. Yo descubrí a La Lupe por sus películas, pero supongo que para ti es otra cosa. ¿Qué te aporta?
Es muy español, tiene un humor muy español. Eso es maravilloso. Me gustan muchas cosas que hace, pero si pudiera decir una, sería la parte humana. Lo entrañable de los personajes, de sus diálogos, la construcción de las historias. Su cadencia, ritmo, sensibilidad. Esa es la parte que más me gusta.
¿Alguna película en particular de Saura o Almodóvar que te haya gustado?
Ha sido muy bonito con Carlos Saura, en ‘Cría cuervos’ descubrir la sutileza, la profundidad, qué se dice, que no se dice. ‘Flamenco’, ‘Carmen’… se me hace una belleza. Cómo utiliza la música… De ver sus películas entiendo tantas otras cosas que he visto después… Estaba ahí marcando una línea. ‘Bodas de sangre’. Maravilloso, junta fotografía, expresión corporal…
Respecto a Almodóvar, ¿eres más de comedia ochentera o de ‘Volver’?
‘Volver’ me encanta, ‘Hable con ella’, el corto con Tilda Swinton. Hay muchas. ‘Todo sobre mi madre’… Se me hace una belleza. De conocer a Carlos me pasó que dije «cómo lo conocí tan tarde, ¡me hubiera encantado trabajar con ese señor!».
Estás a tiempo de hacer algo con Almodóvar.
Pues ojalá me agarre. ¡Si ya agarró a Chavelita, que me agarre a mí!
PinkPantheress ya ha conseguido oficialmente su primer hit internacional, gracias a su colaboración con Ice Spice en ‘Boy’s a liar Pt.2’. Esta semana, la cantante británica de 22 años realizaba su debut en el Billboard Hot 100 con este nuevo tema, concretamente en el puesto 14. Además, ha ascendido hasta el número 4 en el Top Global de Spotify, por detrás de Shakira, SZA y Miley Cyrus, en este orden.
Producida por Mura Masa, quien también ha aparecido en el Hot 100 por primera vez, ‘Boy’s a liar Pt.2’ es el remix del tema del mismo nombre lanzado el pasado noviembre. TikTok ha tenido una gran importancia en el auge de la pegadiza canción, con una parte de esta siendo usada en más de 760.000 vídeos hasta la fecha, y subiendo. Pink ya había aparecido en las listas de Billboard en 2021 con el single ‘Break It Off’, que debutó en el puesto 43 de la lista de Rock y Música Alternativa. Por otro lado, su primera mixtape entró en el Billboard 200 en el número 73.
Ice Spice conseguía su primera entrada en el Hot 100 a mediados de enero, gracias al tema ‘Gangsta Boo’, con Lil Tjay, que entró en el número 82 del ranking. En estos momentos, la rapera estadounidense tiene tres canciones en la lista de éxitos de Billboard, siendo ‘In Ha Mood’ la más reciente con un debut en la posición 85.
Congrats, @pinkpantheress2! 🎉 This week, she debuts on the #Hot100 for the first time as her Ice Spice collab "Boy's a Liar, Pt. 2," lands at No. 14. 🔥
Los premios Billboard Women in Music vuelven el 1 de marzo y Rosalía será la primera persona en recibir el premio a ‘Productora del Año’, un galardón que no estaba presente en las anteriores ediciones. La catalana ha sido elegida gracias a su trabajo como coproductora en ‘MOTOMAMI’ junto a nombres como El Guincho, Noah Goldstein, Pharrell Williams o Sky Rompiendo, entre otros.
«Hay muchos productores talentosos como Rosalía ahí fuera, buscando su gran oportunidad, y estamos emocionados por proporcionar a estas mujeres y creadores no binarios apoyo y una necesaria plataforma», comentaba la directora editorial de Billboard, Hannah Karp, en un comunicado. Recientemente, Rosalía también se llevaba el premio a ‘Mejor disco latino de rock o alternativo’ en los Grammys.
Los premios Women in Music de este año serán presentados por Quinta Brunson. SZA se llevará el mayor honor de la noche, al ser elegida como ‘Mujer del Año’. Por otro lado, Lana Del Rey será premiada por su talento ‘Visionario’, Becky G recibirá el premio ‘Impacto’, Doechii el premio ‘Estrella en auge’ e Ivy Queen el premio ‘Icono’, mientras que Kim Petras recogerá el galardón ‘Chartbreaker’, seguramente por haber irrumpido en las listas de manera histórica gracias a ‘Unholy’. Además, Latto será distinguida por su ‘Poderío’, Lainey Wilson por «romper las reglas» y TWICE por ser una de las bandas ‘Revelación’ del momento.
Blanca Paloma ha visitado El Hormiguero, tras haberse proclamado ganadora de Benidorm Fest y, por tanto, futura representante de España en el festival de Eurovisión gracias a la canción ‘EAEA’. Paloma ha conversado con Pablo Motos sobre el significado de ‘EAEA’ y sus tintes flamencos, sobre convertirse en una «bicimami» tras su victoria en Benidorm y sobre la presión de cantar en Eurovisión tras la gran actuación de Chanel el año pasado.
Pablo Motos comenzaba la entrevista expresando su «respeto» por «el flamenco y la gente que baila bien y canta bien flamenco», mientras que Paloma intentaba no encasillarse, asegurando que «yo soy muchas cosas aparte de flamenca». Esta procedió a arrojar un poco de luz sobre el trasfondo de su canción, ‘EAEA’: «El ‘EAEA’ puede ser el de acunar o el de dar guerra y jaleo». Además, Motos y Paloma conversaron sobre si la canción se consideraría «nuevo flamenco» y sobre si se enfadarían los más conservadores del género: «Yo prefiero decir que es un tema a lo Blanca Paloma y José Pablo Polo», concluía la cantante.
Paloma también hablaba sobre cuánto ha cambiado su vida tras la victoria en Benidorm, contando que le reconocen por la calle, que ya no puede coger el metro… De hecho, ha afirmado que ahora va en bici siempre y se ha apodado a sí misma como «la bicimami», ante los aplausos del público. Motos aprovechaba esto para preguntarle sobre el éxito de Rosalía, y si esto también puede ser beneficioso para su actuación en Liverpool: «El trabajo que hace Rosalía, como tantos otros artistas que han llevado el flamenco a la escena internacional, hace que Europa y el mundo entero tengan el oído hecho y creo que puede tener buena cogida el ‘EAEA'», declaraba Paloma.
Al abordar el tema de Eurovisión y la posible presión tras la gran actuación de Chanel el año pasado, Blanca Paloma se siente con confianza: «Está puesto el ojo en España después de lo que hizo Chanel y yo, al menos, estoy muy satisfecha con el espectáculo que traemos», aseguraba la alicantina. Motos sacó el tema de Remedios Amaya, quien no recibió ningún punto al presentarse a Eurovisión en 1983 con el tema de flamenco ‘¿Quién maneja mi barca?’. Paloma calificó a Amaya como «una adelantada a su tiempo», apuntando que «Europa no estaba preparada por aquel entonces».
Motos terminaba la entrevista preguntando sobre la cara económica del festival europeo: «¿Existe la posibilidad de que ir a Eurovisión te cueste dinero?». «Espero que no», respondía Paloma, argumentando que ya ha «invertido mucho» en su carrera y se toma Eurovisión como un premio en su trayectoria. Además, también deja claro que «el objetivo siempre es a largo plazo» y revela que tiene algunas canciones guardadas y «unas ganas de que salgan que no me aguanto».
Una de las mejores cosas que ha dejado la actuación en el intermedio de la Super Bowl de Rihanna es la recuperación de una vieja entrevista de Kelela en la que la autora de ‘LMK’, emocionada y sin poder contener las lágrimas, explica la importancia que Rihanna ha ejercido en su vida. Kelela da las gracias a la barbadense por servir de referente para la gente negra, por representar una imagen de confianza y poder que «de manera muy directa, salva vidas». Y concluye: «Es muy importante saber que tú también puedes hacerlo».
Hace rato que Kelela también es un referente para muchas personas, entre ellas Solange, que ha colaborado con ella, y para la modernidad en general: su mixtape, ‘CUT 4 ME‘, sigue sonando avanzado a su tiempo, mientras el debut oficial de la artista, ‘Take Me Apart‘, apostaba por un futurismo elegante y refinado. Mizanekristos, además, ha sido una pionera en recuperar el concepto de disco de remixes, que para ella conforman un espacio de inclusión y celebración, en el que dar voz a artistas negros y queer marginados por el mainstream. Su obra contiene, por tanto, una faceta política que leer entre líneas, mientras sus canciones nos hacen bailar o nos hablan de amor y sexo.
Esa resistencia al mainstream se traduce en los tiempos que trabaja Kelela. Ella da la espalda a las ritmos de la industria y saca música cuando tiene algo que decir. Cuando fichó por Fade to Mind tardó cuatro años en lanzar ‘CUT 4 ME’. Después pasaron otros cuatro hasta que llegó al mercado ‘Take Me Apart’. Cuando parecía que Kelela podía vislumbrar algo parecido al estrellato, desapareció seis largos años, y es ahora cuando ‘Raven’ ve la luz.
Desde el ensayo ‘Assembling a Black Counter Culture‘ de DeForrest Brown, Jr, hasta ‘RENAISSANCE‘ de Beyoncé, son varios las figuras culturales que, en los últimos tiempos, nos han querido recordar que el house y el tecno son géneros musicales negros en su génesis. ‘Raven’ llega con la misma intención pero, al contrario que el disco de Knowles, no se apoya en un trabajo hercúleo de arqueología sonora, ni sus créditos de composición están más llenos de gente que el Berghain un sábado por la noche. Kelela entrega una obra que es una burbuja en sí misma, un mundo envolvente e intimista, en el que incluso pistas bailables como ‘Happy Ending‘, que remite a la Björk de ‘Post‘ en su combinación de breakbeats de rave y sintes soft, nos hablan de bailar en el club desde la propia subjetividad. ‘Contact’ es explicita en ese sentido, pues, con su elegante beat de garage house, nos traslada a una fiesta petada de gente. Kelela canta que está «flotando» y, de repente, parece no haber nada más a su alrededor que ella y la música.
Está cuidada la atmósfera de ‘Raven’, excelentemente representada en la portada del disco: el sonido es oscuro, pero no tenebroso, y los beats, a cargo de nombres como LSDXOXO, Bambii, Asmara o Khalí Carela, presentan una calidad acuática, reconfortante. Cuando las canciones visitan la pista de baile también: la transición entre el dancehall minimalista de ‘On the Run’ y ‘Missed Call’, una excelente producción que se sitúa a medio camino entre el 2step y la bossa nova, está marcada por el timbre de un teléfono que empieza a sonar pero que, después, desaparece en el éter.
Tiene sentido que Kelela pise el club a lo largo de ‘Raven’ porque el álbum nace de una necesidad por parte de la artista de convencer a sus colegas negros de que ellos también pertenecen al mundo del house. También porque, en estas canciones, busca evadirse de una relación que no funciona. En ‘On the Run’ se dirige a una persona que está «demasiado ocupada haciéndose la dura», y su incapacidad para llegar al corazón de esa persona le hace escribir una canción tan sentida como ‘Let it Go’ en la que expresa: «intento llegar ahí, pero no te abres». En esa tensión, en ese punto intermedio entre la frustración y la liberación emocional, ‘Raven’ florece, guiado por la preciosa voz de Kelela, llena de sentimiento.
Pero la gran diferencia de ‘Raven’ con el disco de Beyoncé es que el de Kelela huye de la pista de baile en muchas ocasiones. El noir jazz de ‘Let it Go’ (con letra co-escrita por Junglepussy) es de una elegancia suprema, pero no todas las pistas ambientales producen el mismo impacto. ‘Washed Away’ funciona dentro del contexto del álbum, más en la apertura que en el cierre. El tramo medio de ‘Raven’ se zambulle en aguas igualmente profundas: ‘Sorbet’ es una quiet storm preciosa que habría funcionado mejor sin la presencia de cortes tan desdibujados como ‘Fooley’, o del experimento de ‘Bruises’, un extraño deep-house que acelera y ralentiza el ritmo a su antojo, sin decidir qué hacer.
Pero ‘Raven’ recupera el ritmo poco a poco: sorprende el giro deep-house del corte titular, y ‘Enough for Love’ vuelve a la pista de baile y es espectacular, un single evidente que Kelela ha escogido para promocionar el disco en el prime time estadounidense, y que, con esos efectos de gatillos y disparos, suena exactamente a lo que imaginábamos que traería el pop del futuro.
Cuenta Kelela que el título de ‘Raven’ esconde una intención de cambiar la concepción de lo que se considera bueno o malo, porque «siempre pensamos que los pájaros blancos son los buenos, y que los negros son los malos». Huyendo del cliché del «ave fénix que renace», el «cuervo» es un ave solitaria que aún busca crear una comunidad, y que representa el modus operandi de Kelela, una artista que solo creará en sus propios términos. Así que esos seis últimos años han cundido, y ‘Raven’ vuelve a ser una lección magistral en «world building» y elegancia. ¿Cuándo salía el disco de remixes?
