Confesión: me gusta escuchar versiones aceleradas de algunas de mis canciones favoritas. Cuando digo aceleradas, me refiero a que suenen como si procedieran de la banda sonora de Los Pitufos Makineros. Una favorita personal es ‘Trip to Your Heart‘ de Britney Spears, que ya tiene un punto trance precisamente cuando este tipo de versiones ultra-vitaminadas las popularizó, allá por 2001, un grupo noruego llamado Nightcore que se dedicaba a producir versiones aceleradas de canciones asociadas a este estilo de música electrónica.
De hecho, la idea de Nightcore sido tan influyente que el «nightcore» es un subgénero musical en sí mismo. Consiste, sí, en subir el bpm y el pitch a las canciones para hacerlas sonar «ardillescas», por decirlo de alguna manera. Músicos asociados a la PC Music han reconocido su admiración por este sonido, sin que a nadie pueda sorprenderle lo más mínimo.
Las versiones «sped up» son una sensación en TikTok. Ha conseguido, por ejemplo, resucitar del más absoluto del olvido un antiguo hit de R&B de los 90. Y ahora las grandes multinacionales quieren su trozo del pastel: en los últimos días han ido llegando a Spotify versiones aceleradas oficiales de éxitos de Demi Lovato, Sam Smith, Ellie Goulding, t.A.T.u. o Nelly Furtado. Su valor artístico es nulo, pero es innegable que este tipo de sonidos gusta a mucha gente. La versión acelerada de ‘Cool for the Summer’ lleva 30 millones de reproducciones.
El «nightcore» se asocia visualmente al anime. Busca en Youtube la versión acelerada o «sped-up» de cualquier canción que se te ocurra y lo más probable es que el acompañamiento visual proceda de una serie de animación japonesa. Es música basura de Youtube pero, como es habitual en esta plataforma, ha sido capaz de crear una comunidad en torno a ella.
¿Qué tienen de atractivo las versiones aceleradas? Me aventuro a afirmar que la gratificación melódica y rítmica se produce más rápido. La música pop es, en sí, una droga capaz de crear adicción. Las canciones pop están diseñadas para enganchar, sobre todo, si siguen fórmulas matemáticas como las que escribe y produce Max Martin; y el efecto de las versiones «sped-up» llega más rápido al cerebro. Y, quizá de manera secundaria, consigue que escuches canciones que ya tienes quemadas como si fuera la primera vez. No extraña que algunos llamen a este sonido «happy hardcore». Más PC Music, imposible.
En el lado opuesto, las versiones ralentizadas o «slowed and reverb» de canciones de pop o de rock también están a la orden del día en la plataforma. «‘i love you’ de billie eilish pero es la 1 y media de la madrugada y está lloviendo» es uno de los títulos que pueden aparecer en tu feed de Youtube si el algoritmo así lo decide. El efecto es el contrario que el del «nightcore»: la versión ralentizada no adelanta la llegada de una sensación de felicidad al cerebro, sino que potencia el componente triste y melancólico de la canción elegida. Hace que nos regodeemos en la miseria.
Como el «vaporwave» en su momento, aunque sin las complejas lecturas políticas que asociamos a este sonido, las versiones aceleradas y/o ralentizadas de las canciones de pop son puramente un producto de internet. Sin embargo, como tantos subgéneros nacidos (y también fenecidos) en la red, los ritmos «sped up» o «slowed and reverbed» parecen hablarnos de necesidades humanas, y también del poder de la música para reconfortarnos.
En 2019, el cómico canadiense Nathan Fielder -conocido por el docu-reality paródico ‘Nathan For You’ (estrenado sin pena ni gloria en España como ‘Nathan al rescate’)- firmó un acuerdo con HBO para producir dos series. La primera fue la fabulosa ‘How To with John Wilson’, producida por él y dirigida por John Wilson. La segunda es ‘Los ensayos’ (HBO Max), creada, dirigida y protagonizada por el propio Fielder.
La serie parte de una idea enormemente sugestiva: ¿y si pudiéramos participar en un experimento donde una compañía realizara simulacros sobre situaciones que nos angustia afrontar, ensayos de momentos cruciales –una confesión delicada a una amiga, una charla sobre un tema conflictivo con un hermano, tomar la decisión de ser madre- para minimizar los riesgos y que todo salga como queremos? Algo así como ensayar una entrevista de trabajo en el Sepe pero a lo grande: con actores “del método” a lo Daniel Day-Lewis, decorados con réplicas exactas a lo ‘Synecdoche, New York’ y un creador-dios a lo ‘El show de Truman’.
Esta idea tan kaufmaniana (de Charlie Kaufman) -¡ensayar la vida!- está desarrollada por Fielder de manera brillante y enormemente ambiciosa. Lo fácil hubiera sido hacer los seis episodios como el primero, explotar la premisa inicial a través de seis ensayos diferentes con distintas variaciones. Pero no. Fielder decide tirar por el camino más complicado, retorcer y estrujar la idea de partida hasta extraer todo su potencial cómico, dramático, filosófico y metalingüístico. Ensayos, ensayos de ensayos, ensayos de los preparativos de los ensayos, reensayos, autoensayos…
El resultado es fascinante. Una mezcla de reality, comedia dramática y estudio autoficcional tan lograda que muchas veces no sabemos si lo que ocurre es real o ficticio, si son actores o no. A través de un constante y brillante juego narrativo, Fielder consigue sorprendernos en cada capítulo, divertirnos, emocionarnos e invitarnos a reflexionar sobre cuestiones como el temor a lo inesperado, la forma en que nos relacionamos, las mentiras que (nos) contamos para conectar con los demás y ahuyentar nuestra angustia social, la capacidad para afrontar las incertidumbres de la vida o la incesante búsqueda humana por controlar la realidad.
El siguiente proyecto de Fielder, en esta ocasión para el canal Showtime y la productora A24, no puede ser más prometedor: ‘The Curse’, una serie cómica realizada junto a Ben Safdie (director junto a su hermano Joshua de las magníficas ‘Diamantes en bruto’ o ‘Good Time’) y protagonizada por Emma Stone, que mezcla maldiciones ancestrales y telerrealidad. Cuento las horas…
No todos los anuncios de Instagram adivinan tus pensamientos. Algunos se adelantan a recomendar tu próxima canción favorita. Es el caso de ‘Wild Heart’, el nuevo single de CATT, artista alemana con dos álbumes publicados que acaba de lanzar un nuevo single pletórico. Es la Canción Del Día de hoy.
CATT es una cantante, compositora y pianista alemana que publicó su EP de debut en 2018, y que desde entonces ha lanzado otros dos discos, ‘Moon’ (2019) y ‘Why, Why’ (2020). Entre sus temas más escuchados se encuentra ‘Surface’, que combina bellamente pianos y vientos; o ‘Again’, que ya introduce un beat electrónico. ‘Curve a Line’ es una de sus baladas más afinadas y, entre sus singles primigenios, destaca el sonido soul de ‘Motion’.
Criada en un pequeño pueblo situado en un bosque del norte de Alemania, CATT creció rodeada de naturaleza en una casa donde no paraba de sonar música clásica. Pronto empezó a tocar el piano y el trombón y en 2014 se mudó a Berlín -donde hoy reside- para componer y estudiar producción musical. En los años siguientes publicó las mencionadas referencias, y estos días ha lanzado ‘Wild Heart’, canción en la que sus mayores inspiraciones -la naturaleza y el piano- vuelven a estar presentes.
Un insistente piano que podemos emparentar con la mejor Regina Spektor, palmas, vientos metales a lo Beirut y un ritmo trotón que nos lleva a un ambiente salvaje, son los ingredientes principales que conforman la canción más pop jamás publicada por CATT. Por su lado, de la cálida voz de CATT extraemos un mensaje de esperanza que nos invita a cuidar nuestro «salvaje corazón».
Cuenta CATT que ‘Wild Heart’ habla sobre «quererte a ti mismo a través del dolor» y sobre «ser valiente, ser quien eres, decir lo que sientes y hacer lo que quieres». La artista considera que «en este mundo tan extraño y complejo debemos ser todo lo alegres y abrir nuestro corazón todo lo que podamos». CATT busca transmitir esperanza con ‘Wild Heart’ y, sin duda, lo consigue.
‘Hold Me Closer’ de Elton John y Britney Spears se mantiene como lo más votado de JENESAISPOP por segunda semana consecutiva. La entrada más fuerte viene de mano de Arctic Monkeys, mientras Shygirl logra llegar igualmente al top 10 con una de sus canciones más potentes, ‘Firefly’.
Entran al top 40 Steve Lacy, Ezra Furman, Hope Tala y Silvana Estrada.
Las noticias sobre la muerte de Isabel II han ocupado todos los titulares de las últimas horas y han conmocionado al mundo. Todo Reino Unido está de luto en estos momentos y prueba de ello son los numerosos eventos que se han cancelado o aplazado como consecuencia. Entre estos está el Mercury Prize, que estaba previsto para celebrarse anoche y que todavía no ha recibido una fecha nueva.
Por supuesto, las redes han explotado con la muerte de la reina y numerosas celebridades y artistas han llevado a estas plataformas sus pensamientos sobre el suceso, siendo la mayoría mensajes recordando la grandeza de Isabel II. Paul McCartney y Ringo Starr, ambos poseedores del título de Caballero del Imperio Británico, han expresado sus condolencias con un «Dios bendiga a la reina» que no ha sorprendido a nadie. Elton John ha admitido que la echará de menos. Harry Styles ha hecho que todo el Madison Square Garden aplaudiese por sus 70 años de reinado, e incluso los Sex Pistols, que fueron en su época todo un símbolo anti-monárquico, han posteado mensajes deseando a Isabel II un descanso en paz.
Todas estas celebridades, y muchas más, han despedido a la reina de forma complaciente. Pero no es el caso de Phoebe Bridgers. La artista de ‘Punisher’ ha reposteado en sus historias de Instagram una publicación de @riseindigenous en la que se lee: «Hoy lloramos por todas las vidas robadas, violadas y traumatizadas que se han visto afectadas y destruidas durante el reinado de Isabel II. Hoy es un brutal recordatorio de que los criminales de guerra serán respetados mientras poblaciones y sociedades enteras cargan con las heridas de guerra de la violencia genocida colonial, las invasiones, las persecuciones religiosas y la supremacía blanca».
Bridgers ya tenía una reputación por pronunciarse sobre asuntos políticos, como ya hizo previamente este año al conocerse la anulación de la sentencia «Roe vs. Wade», que hacía el aborto legal a nivel federal en Estados Unidos. En esa ocasión, Bridgers reveló en sus stories que se había sometido a un aborto en octubre del año pasado.
Corría el año 1999 cuando un grupo de indie-pop francés que respondía al nombre de Tahiti 80 publicó un disco llamado ‘Puzzle‘ que llegó a vender 200.000 copias a nivel mundial. Fue gracias a la pegada del single ‘Heartbeat’, pero también a un sonido muy agradable que bebía tanto de los Cardigans como de Belle and Sebastian. Phoenix, un grupo que suena muy parecido a Tahiti 80, se hizo muy famoso poco después. A Tahiti 80 ahora hay que considerarlo un grupo infravalorado, pero no es casualidad que haya conseguido llegar a su noveno disco en los primeros meses de 2022.
El secreto de la longevidad de Tahiti 80 es que el grupo formado por Xavier Boyer, Médéric Gontier, Pedro Resende, Raphaël Léger y Hadrien Grange no ha dejado de crear, en todos estos años, canciones excelentes. ‘Hurts’, de 2018, ‘Crush!’, de 2014, o ‘Easy’, de 2011, se cuentan entre sus mejores singles junto con ‘Heartbeat’, ‘Big Day’ o ‘100 Times’, publicados entre 1999 y 2005, y ‘Here with You’, su nuevo álbum, suma unos cuantos aciertos a su repertorio.
El primero de ellos, ‘Hot‘ habla de una relación tóxica, y el estribillo «dices que lo tienes todo bajo control, pero a mí me parece que estás jugando con mi alma» es adictivo como el crack. También es elegante, y si hay algo que Tahiti 80 se niega a abandonar es la elegancia. De ahí que sea capaz de colar un estribillo monótono en ‘Lost in the Sound‘ y que quieras escucharlo una y otra vez, o que ‘Cameo’ sea ahora mismo su canción más escuchada en Spotify, gracias a su sonido de pop ligerito, en la onda de Metronomy.
En ‘Here with You’, Tahiti 80 entrega un álbum fácil de escuchar, agradable pero sofisticado, que tantea con el sunshine pop en ‘Vintage Creem’, con el yacht-rock en ‘Telling Myself‘ o, de nuevo, con el sonido de Belle and Sebastian en ‘Zoo’. A veces las canciones conmueven como lo hace ‘UFO’, donde Xavier pide a su amante que no se vaya «como un ovni», y otras simplemente buscan ser tan bobas como ‘Wicked Wicked’, llena de palabras como «tutti frutti» o «cheeky cheeky» que subrayan el deliberado componente infantil de la pieza. Todos los registros, Tahiti 80 los hacen bien.
Publicado, efectivamente, la pasada primavera, ‘Here with You’ se deja degustar muy bien en estos últimos días de verano y su calidad y consistencia significa que alberga el potencial de abrir a Tahiti 80 a nuevas generaciones. Xavier sigue siendo un letrista comprometido en relatar sus relaciones amorosas con honestidad y cierto sentido del humor, y el sonido clásico del grupo sigue presente pese a que, en ‘Here with You’, suena claramente evolucionado. Desde luego no merecía pasar tan desapercibido.
«Destrózame
y hierve mis huesos
No descansaré
hasta que ella pierda el trono
Mi objetivo es cierto
Mi mensaje, claro
Te llegó la hora,
mi querida Elizabeth».
Esa era la letra completa de ‘Elizabeth My Dear’, el tema más breve de ‘Stone Roses’ (1989). El debut del grupo británico, uno de los mejores discos de los años 80 con clásicos como ‘I Wanna Be Adored’ y ‘She Bangs the Drums’, traía esta canción que reflejaba el espíritu de una era. En concreto, la de Margaret Thatcher, que gobernó en Reino Unido entre 1979 y 1990, batiendo un récord de odio hacia las instituciones entre el pueblo y la música popular de la época.
Margaret Thatcher maltrató a la clase obrera, teniendo que enfrentarse en consecuencia a letras críticas de gente tan dispar como Morrissey y Sinéad O’Connor, como Hefner y Elvis Costello. Hasta el pop más mainstream, por ejemplo de un grupo tan superventas como Communards, podía ser profundamente crítico con la primera ministra. ‘Breadline Britain’ advertía de que «privatizan hasta a tu madre», de que «la libertad y la democracia eran una tierra demasiado lejana».
En plena desconfianza hacia el gobierno a mediados de los 80, la monarquía también recibía lo suyo, por mucho que las relaciones entre primera ministra y monarca fueran tensas. A finales de los 60 ‘Her Majesty’ de los Beatles no había pasado de ser una travesura de 25 segundos incluida en ‘Abbey Road‘. En el texto Paul McCartney aseguraba que su Majestad «no tenía mucho que decir». Después declararía que el tema era un poco irreverente, pero se fotografiaría con ella reconocido como Sir y hoy está en primera fila entre quienes lamentan su muerte.
Las cosas cambiaron con la revolución punk de Sex Pistols. ‘God Save the Queen’ (1977), que hablaba de «régimen fascista», de adoctrinamiento contra tus verdaderos deseos y de la inexistencia de futuro («¿cómo puede haber pecado cuando no existe el futuro?»), fue top 2 en Reino Unido pese a la censura de las radios. Luego siguió circulando como la pólvora durante décadas y el disco ‘Nevermind the Bollocks’ fue recurrente en las series medias convertido en un clásico del pop ya solo por su icónica portada. Hubo reediciones en los 90, en 2007, en 2012, en 2015 y las que quedan.
Aún muy popular en bares underground de los 80, los 90, los 2000, aun hoy, ‘God Save the Queen’ inspiró a toda una generación de músicos que en los 80 querían expresar su malestar contra monarquía y/o gobierno. Entre ellos estuvieron los mencionados Stone Roses y también su banda prima hermana Primal Scream: Bobby Gillespie declaró hace no mucho que «de pequeño puto odiaba a la familia real y todavía lo hago». Los politizados Housemartins, inspiración para artistas tan combativos como Nacho Vegas, apelaron a la Reina por «llenarse los bolsillos» en ‘Flag Day’. Y ni que decir tiene que el mejor disco de 1986, y uno de los mejores de los 80, recibía el título de ‘The Queen Is Dead’.
Las citas antimonarquía de Morrissey son numerosas. Una de las más populares llegó a la muerte de Prince, a quien consideraba «verdadera realeza» y no a Isabel II «porque nunca le han preguntado a la gente si la quiere o no la quiere». La más certera es: «La monarquía es ante todo un negocio, y es importante para ellos que el público británico continúe financiando los estilos de vida excesivamente lujosos de la ahora enorme, derrochadora e inútil familia «real»». Pero nada, por supuesto, como encabezar un disco histórico de los Smiths con una canción de 6 minutos también llamada ‘The Queen Is Dead’, de vigoroso ritmo que incita a quemar contenedores. La larga letra, llena de humor y anécdotas, apela al famoso día en que un hombre se coló en Buckingham Palace y, entre otras cosas, plantea hablar con la destinataria «de pobreza, de amor y de leyes», cuando a ella solo le preocupa «la lluvia que le aplasta el pelo».
Aun así, las vibraciones tras la muerte de Isabel II son muy distintas a las del día de la muerte de Margaret Thatcher. Las canciones anti-monárquicas se fueron diluyendo, pasaron a ser más dulces, costumbristas o anecdóticas, como ‘Dreaming of the Queen‘ de Pet Shop Boys (1993), que retrata una ceremonia del té entre Neil Tennat, la Reina y Lady Di, a duras penas violentada por un desnudo.
Billy Bragg pasó de hacer canciones cínicas y críticas hacia las instituciones a cantar en 1997 ‘Rule Nor Reason’, en la que retrata a la Reina como una persona solitaria «que mira a través de la ventana y llora». O pasaron a ser ultra esporádicas, a diferencia de lo que sucedía en 1986. Hay que viajar muchos años -décadas- para llegar a 2019 y escuchar un insulto hacia la Reina en una canción relevante. slowthai, que declaraba en The Guardian que para él la única Reina era su madre, terminaba ‘Nothing Great About Britain‘ así: «Te respetaré solo si me respetas un poquito, Elizabeth, zorra» («cunt»).
Pero en general, los contenedores habían dejado de arder, al modo en que lo habían hecho durante los años 80. Hasta Johnny Rotten de Sex Pistols se había amansado, dejando declaraciones este año como «no tengo nada en contra de ella, sino de la institución. Tiene mucho mérito lo que ha trabajado». ¿Cómo negar su valor a una persona que llega a los 96 años haciendo lo suyo? Como dando la razón a aquella letra en la que Rotten afirmaba que «te convertirán en un imbécil», como dando la razón a quienes explican que nos hacemos más conservadores con la edad, poco a poco el desprecio se fue transformando en cariño. Y seguro que la durabilidad de los retratos de Andy Warhol, el posado para Annie Leibovitz o incluso la representación de Banksy al modo David Bowie tuvieron mucho que ver para establecer a Isabel II como icono pop.
Películas como ‘The Queen‘ y por supuesto las diversas temporadas de ‘The Crown‘, de lo mejor visto en televisión en los últimos años, han contribuido. En principio tuve mis reservas con esta serie. ¿Habría que ser monárquico para disfrutarla? ¿Te curaría de tu republicanismo con toda su propaganda? ¿Sería un interminable soap opera? Algo de eso había, pero también el retrato de una superviviente, que ha reinado en una considerable equidistancia durante 70 años, sobreviviendo a 15 primeros ministros -muchos muy ineptos- y sorteando todo tipo de vicisitudes, recurriendo a estrategias tan peregrinas como el arte de la danza. Por no hablar de la comicidad de sus «eye rollings» ante los desvaríos más «hooligan» de su propia familia.
La serie le hace un gran favor, hasta el punto de que desde Casa Real han reconocido su existencia, pero también ha mostrado algunos de sus errores, su insensibilidad grotesca, su incapacidad para llorar… lo que aunque sea paradójico, la humaniza a su vez. Referencia al sexo oral incluida, en el capítulo en que su esposo el Duque de Edimburgo -interpretado por tremendo galán, Matt Smith- se resiste en principio a inclinarse ante ella como manda el protocolo. Los Windsor dando para paja, quién lo diría.
Hoy Elton John, Mick Jagger, Ozzy Osbourne, Duffy… son muchos los artistas que lloran a Isabel II. Ya nadie se acuerda de cuando Ian Brown presentó ‘Elizabeth My Dear’ en un concierto hablando de «60 años de tiranía». Sólo hace 10 años. La bilis que soltaron Sex Pistols presentando ‘God Save the Queen’ en el Thames coincidiendo con los 25 años de reinado de Queen Elizabeth en 1977 se ha convertido en ternura, haciendo de unos y de otra algo entrañable más que polarizante. ¿Y sabéis lo peor? Creo que la idea me reconforta en estos tiempos tan crispados.
Hay algo cómico en que los medios traten de cazar lo que opina Johnny Rotten sobre Isabel II en 2022, como también de alguna manera tiene sentido que Pegasus la retrate como pin up aseverando que «la reina mola». Esto último quedó muy claro cuando en la Ceremonia de Apertura de los Juegos Olímpicos de Londres, aquella en que intervinieron lo mismo Pet Shop Boys, que Spice Girls, que Fuck Buttons, ella se prestó a un gag histórico. La organización quiso reírse de la idea de que su osadía y viveza la llevaran también a tirarse en paracaídas acompañada de Daniel Craig en modo James Bond, a los 86 años. Allí estaba ella entre el público con ese mismísimo traje. La tontería lleva 57 millones de visitas.
‘Il Buco’, la nueva película de Michelangelo Frammartino, con la que obtuvo el año pasado el Premio Especial del Jurado en el Festival de Venecia, es una obra de otro tiempo. Entrar en ella es como transportarse a un lugar totalmente alejado de lo que la mayoría acostumbramos, lejos del ruido, del tumulto, del constante ajetreo de las ciudades donde el tiempo se agota si no vamos corriendo de un lado a otro.
En ‘Il Buco’, basada en hechos reales y ambientada en los años 60 en algún lugar de Calabria, unos espeleólogos encuentran una cueva de gran profundidad. Este hallazgo es la excusa con la que Frammartino elabora una oda a la voluntad de exploración, al sentimiento primitivo de aventuras tan característico de las películas clásicas. La diferencia frente a aquellas es que la cinta no está tan preocupada por su estructura narrativa sino en ofrecer una experiencia sensorial y de inmersión completa, donde los sonidos del sobrecogedor paisaje cobran una importancia crucial.
Prácticamente despojada de todo diálogo, plantea un ejercicio de resistencia cinematográfico, apostándolo todo a la fuerza pictórica de sus imágenes. Sus planos bellamente compuestos capturan sus espectaculares escenarios naturales con un detallismo meticuloso, creando la sensación de estar suspendidos en el tiempo.
Su rigor y valentía a la hora de afrontar una propuesta de una naturaleza tan radical como esta es -como en todo riesgo- tanto su mayor virtud, como quizá lo más discutible. Si bien es cierto que ‘Il Buco’ logra embaucar con su impresionante envoltorio formal, su narración puede ser excesivamente fría e intelectual para conseguir un conjunto total. Queda, por supuesto, la indiscutible labor de dirección, un espléndido despliegue de imaginación con pocos medios que impulsa la carrera de su autor y lo sitúa como una voz refrescante y poderosa en el nuevo cine de festivales.
‘Il Buco’ es una película atrevida y singular, que reproduce el pasado con tal autenticidad que parece que estemos atendiendo a imágenes de archivo de 1961. Su impactante apartado visual no busca epatar al espectador pese a lo que pueda parecer, sino que más bien se siente como la manera orgánica con la que el director debe exponer sus ideas. Es un trabajo de enorme minuciosidad, de vocación documentalista, con el que no siempre es fácil conectar, pero simplemente presenciar algunos de sus pasajes resulta como un oasis en medio del desierto. ‘Il Buco’ está llena de contradicciones: es tan difícil como simple, tan grandiosa como austera, tan agotadora a veces como relajante otras.
Dragonette, el proyecto de electro-pop de Martina Sorbara que lo petó hace una década con ‘Hello’ junto a Martin Solveig, tras lo cual editó álbumes como ‘Bodyparts‘, está de regreso. Su primer disco desde 2015 se titula ‘Twennies’, cuenta con 10 nuevas pistas y verá la luz el 28 de octubre.
Entre esas nuevas canciones se encuentra ‘New Suit’, que se conocía hace un mes, y también la titular, que se suma al centenar de novedades que encontrarás en la playlist «Ready for the Weekend». Si ‘New Suit’ presentaba un sonido alegre tipo «animadoras de instituto», ‘Twennies’ apuesta por uno más disco-house y electrónico, y es la Canción Del Día de hoy.
‘Twennies’ habla sobre el rechazo a la atención mediática. «Me llevas a 2014», canta Martina, pero no lo dice para bien. Para ella, «toda esa atención es una distorsión» y concluye con que «cuanto más la recibo, menos la quiero». Martina acepta que nunca volverá a vivir la fama de antaño, pero es lo que desea: «nunca lo lograremos, soy demasiado cool para esforzarme».
Martina parece confirmar la interpretación de ‘Twennies’ en sus declaraciones. «La canción va sobre el tira y afloja entre la evolución y la nostalgia, la cual está muy presente en la instrumentación: es una pieza de house y contiene un solo de batería acústica».
Efectivamente, ‘Twennies’ mezcla una producción electrónica y contundente, a medio camino entre el electro, el disco y el house, a cargo de Dan Farber, con un arreglo de batería. El resultado es tan «cool» como canta Martina en la letra. Otro rompepistas de Dragonette, grupo que este año ha vuelto a enamorarnos gracias a su colaboración con The Knocks.
01. Seasick
02. Hysteria
03. New Suit
04. Twennies
05. T-Shirt
06. Winning
07. Stormy
08. This Is All You Get
09. Good Intentions
10. Outie
Roger Waters ha anunciado gira de despedida para 2023. En ella, el fundador de Pink Floyd presentará su espectáculo ‘This is Not a Drill’ a lo largo de 41 conciertos en Europa, dos de los cuales tendrán lugar en España. Las citas son el 21 de marzo en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 23 y 24 de marzo en el WiZink Center de Madrid. Las entradas salen a la venta el 16 de septiembre a las 10.00, y la preventa el día 14 a la misma hora.
‘This is Not a Drill’ es en gran medida un macroconcierto de Pink Floyd, pues su repertorio se compone de muchos de los grandes clásicos de la banda británica. Se trata de un espectáculo de rock and roll cinematográfico que funciona como «impresionante denuncia de la distopía corporativa en la que todos luchamos por sobrevivir», y también como «llamada a la acción para AMAR, PROTEGER y COMPARTIR nuestro precioso y precario planeta y hogar».
En el concierto, Waters se encarga de la voz principal, las guitarras, el bajo y el piano, y estará acompañado en el escenario por Jonathan Wilson, en las guitarras y la voz; Dave Kilminster, en las guitarras y la voz; Jon Carin, en los teclados, la guitarra y la voz; Gus Seyffert, en el bajo y la voz; Robert Walter, en los teclados; Joey Waronker, en la batería; Shanay Johnson, en la voz; Amanda Belair, en la voz, y Seamus Blake, en el saxofón.
Como cada semana comentamos los lanzamientos del viernes. Hoy 9 de septiembre sale un número considerable de álbumes, entre ellos la versión deluxe de ‘MOTOMAMI’ de Rosalía y el Disco de la Semana en estas páginas, el debut de Oliver Sim de The xx.
Además, ven la luz nuevos trabajos largos de Santigold, Benjamin Biolay, la revelación Jockstrap, Sudan Archives, The Afghan Whigs, Camilo, Totally Enormous Extinct Dinosaurs, Greentea Peg, Preoccupations, Marlon Williams, John Legend, Built to Spill, Sampa the Great, Beacon, Ari Lennox…
‘CHIRI’ de Rosalía abre la playlist, pero hoy también lanza single su rival del verano, Quevedo, además en solitario. Alizzz, por su parte, publica su primer tema cantado en catalán, con menciones a la propia Rosalía, a Estopa y a la alcaldesa de Barcelona, y Lewis Capaldi publica su primer single en tres largos años.
Por otro lado, hay novedades de rusowsky, Juliette Armanet, Meghan Trainor (en plan doo wop), Röyksopp, SIMONA con Six Sex, Julieta Venegas, Dragonette, Clean Bandit, Zahara y su revisión de ‘MERICHANE’, Hyd (asociade a PC Music), WILLOW, Alex G, Ginebras, Biig Piig, Dry Cleaning, Bonobo, Labrinth, Asake… Entre los nuevos singles en castellano que comentamos en Sesión de control, los de Cabiria, mariagrep…
Entre las novedades que hemos comentado en portada a lo largo de los últimos días, por supuesto se encuentra la de Björk, pero también hay que destacar el regreso esperado de Blood Orange, la colaboración de Phoenix y Ezra Koenig de Vampire Weekend, y la odisea de 10 minutos de King Gizzard & the Lizard Wizard.
Vic Mirallas practica un R&B sofisticado embadurnado de electrónica, flamenquito, soul… Entre sus mayores éxitos encontramos sus colaboraciones con Camilo, Juancho Marqués o la fresquísima ‘Todo cambia’ con Don Patricio. En solitario y tras haber sido músico de Alejandro Sanz, hace unos años nos conquistaba con su vibrante tema ‘Circular’ (2019), incluido en un EP.
Tras ‘Aquí y así’ (2017), ‘CRUCIDRAMAS’ fue su álbum de 2021 y su último trabajo es un ‘Directo en Apolo’ en el que es evidente que pone en valor a los músicos que tocan con él hasta el punto de que le acompañan en la portada del álbum. Ese valor que otorga a los músicos de directo explica muchas de las respuestas que nos da en esta entrevista Tipo Test en la que habla de su música favorita… y no tan favorita.
Sucediendo a singles recientes como ‘Negro o blanco’ o ‘RQR’, Vic Mirallas es una de las apuestas de Girando por Salas. Hoy 8 de septiembre actúa en Valencia, este viernes 9 de septiembre en Madrid, el 29 de septiembre en Vigo, el día 30 en A Coruña, el 1 de octubre en Boiro (A Coruña), el 28 de octubre en Pamplona y el 29 de octubre en Zaragoza. Detalles del tour, aquí. Como sabéis, Girando por Salas invita a los artistas a actuar en provincias ajenas a la propia y hay abierta una nueva convocatoria para otros nuevos artistas justo esta quincena.
¿Qué disco marcó tu adolescencia?
‘Room on the 3rd Floor’ de McFly, un grupo muy de adolescentes, cuatro chicos que cantaban muy bien, guapos además, con estética surfer, skater… eran mis referencias de adolescente. Aparte de estudiar música clásica, escuchaba esto que era totalmente diferente.
¿Tienes canción favorita de todos los tiempos o alguna que nunca jamás te haya dejado de acompañar?
‘You’ve Got A Friend’ de Carole King, es un temazo. Mi madre me la ha cantado desde pequeña, y me sale mucho cantarla y tocarla con la guitarra. Me da mucho placer interpretarla.
¿Qué disco es el que más has escuchado últimamente?
Hace una semana o dos Maro sacó un disco, ‘Can You See Me’. Es una amiga que conocí en Berkley y tengo su disco en repeat muy fuerte. También he ido escuchando mucho el disco de Smino, un disco de hace un par de años que he revisitado.
¿Hay algún disco o canción que crees que vayas a asociar a la pandemia o ya la has dejado atrás?
La he dejado bastante atrás. Mis amigos Stay Homas hicieron muchas canciones y cada día esperaba a ver qué habían hecho. Además, les iba tan bien que me daba mucha felicidad. Me ayudó mucho ver cada día lo que hacían. Me gustaba mucho levantarme con ellos. He tenido mucho tiempo para estudiar, para hacer mi disco, pero no asocio nada a la pandemia a nivel sónico.
¿Alguna canción que odies con toda tu alma?
¡Uf, muchas! No puedo decir nombres porque son contemporáneas a mí. Pero muchas canciones de las que salen ahora, desde hace tiempo: las que tienen acordes predecibles, melodías ya muy sobadas… Parece que está de moda hacer lo mismo exactamente que hace 30 años, la gente lo hace a nivel copia y el público se lo traga: eso es lo peor. Si te tuviera que decir alguna, ‘Chicken Teriyaki’ no me gusta nada. No digo que no me guste Rosalía, ¿eh? Pero ‘Chicken Teriyaki’ no me gusta nada.
«Parece que está de moda hacer lo mismo exactamente que hace 30 años, la gente lo hace a nivel copia y el público se lo traga: eso es lo peor»
¿Alguna actuación vocal en particular que no te guste?
Últimamente estoy viendo en festivales artistas que van con DJ, se ponen todo el Autotune del mundo y encima cantan encima de su pista grabada. Esto lo he visto mucho este verano, por ejemplo, y me da un poco de reparo. Dónde estamos llegando y cómo es que el público lo aclama. Yo me mato a ensayar con mi banda, y hay muchos grupos que conozco que ensayan… y de repente algo así… Y el público reacciona de tal forma…
O la canción de «Quédate» de Quevedo y Bizarrap: ni la melodía ni la armonía me parecen originales, ni la letra tampoco. Y con la gente tiene una química que para ellos es un himno, se siente muy identificada, hace un equipo con el público. Yo lo entiendo, me parece bonito el fenómeno pero ni la produ ni la voz del chico tienen nada de especial. Estoy un poco en modo hater musical, de la gente que no se lo curra, que va al business solo.
«Estoy viendo en festivales artistas que van con DJ, se ponen todo el Autotune del mundo y encima cantan encima de su pista grabada. Me da un poco de reparo dónde estamos llegando y cómo es que el público lo aclama»
¿Tienes algún guilty pleasure o no existe tal cosa?
Me gusta la música comercial pero bien hecha. Bad Bunny era una persona que su voz me daba rabia. Pero veo la producción y las letras -aunque algunas letras son bastante chungas- pero hay un equipo de producción muy bueno y se nota mucho en sus discos y en sus temas. Rosalía me gusta mucho según qué cosas. Diría que mi guilty pleasure es Bad Bunny.
¿Algún remix favorito de todos los tiempos?
No he seguido ningún remix como fan… No sé muy bien qué onda.
¿Y videoclip?
Me acuerdo de mirar uno de Papa Roach, ‘Last Resort’, un vídeo que era muy oscuro. Me lo ponía mucho de adolescente, me sabía todos los planos.
¿Algún concierto que recuerdes con especial cariño?
Jacob Collier. Fue justo después de que un amigo muriera por cáncer. Me pareció una experiencia súper reveladora. Estuve todo el concierto llorando. Tengo el recuerdo de este concierto como qué tracción de experiencias de repente…
¿Sigues comprando discos en formato físico? En caso afirmativo, ¿cuál fue tu última compra y en qué formato?
Lastimosamente no. Va a sonar muy mal, pero el último fue uno mío, ‘CRUCIDRAMAS’, por la ilusión de tenerlo y de comprarlo en una tienda.
¿Alguna plataforma favorita para escuchar música? ¿Eres de los que ya se ponen un disco entero en youtube?
Spotify y Tidal. Tidal se escucha mejor, pero Spotify está más accesible y hay más conexión con otros dispositivos y tal. Youtube lo uso para singles concretos, para ver cómo han hecho lyric videos…. Pero discos enteros no.
¿Qué canción de tu repertorio te gustaría ver interpretada por otro artista?
Escribí ‘Mi condena’ pensando en Shakira y Alejandro Sanz. Al final no se hizo pero era la idea. Me acuerdo de imitar la voz de Alejandro cuando estaba haciendo la maqueta. Y al final la canté con Maro.
Magdalena Bay han anunciado estos días la reedición de su excelente debut ‘Mercurial World‘, que saldrá el 23 de septiembre en plataformas digitales y el 20 de enero en físico. El disco intercalará pistas nuevas entre las 14 ya conocidas, llegando a las 25, y entre de las cuales se encuentra ‘All You Do’, un nuevo single que ya se puede contar entre lo mejor de su discografía.
La música de Magdalena Bay se caracteriza por equilibrar ritmos de synth-pop, paisajes sonoros ácidos y psicodélicos y melodías ultra pop y chicle. Éxitos como ‘Chaeri’, ‘Hysterical Us’ o ‘Secrets (Your Fire)’ son muestras alucinantes de su propuesta, y grupos como MGMT, Chairlift o incluso Saint Etienne vienen a la mente al escuchar el álbum. ‘All You Do’ prueba algo distinto.
En esta nueva canción, Mica Tenenbaum y Matthew Lewin se visten de cantautores y entregan probablemente su canción más pastoral. Un medio tiempo que remite a la época de la canción orquestal de los años 60 y 70, solo que pasado por el filtro de Magdalena Bay. En ‘All You Do’, el dúo se acompaña de guitarras acústicas y cuerdas y arma una composición a la par bucólica y espectacular, que poco a poco va dejándonos cada vez más arriba, hasta llegar al cielo.
Quizá, de manera pertinente, ‘All You Do’ no es otra cosa que una canción de amor de las clásicas. Mica necesita que su amante le abrace y no se vaya nunca, le «promete que podríamos completarnos el uno al otro» y canta que se siente sola entre la muchedumbre, pero no al lado de su persona querida. En el momento más tierno de la canción, Mica y su amante se intercambian sus canciones favoritas.
‘All You Do’ ha llegado acompañada de un videoclip de muy buena factura, que muestra a Magdalena Bay en un set surrealista, entre el árbol de la manzana de Adán y Eva y la belleza de la luz de la luna.
La ceremonia del Mercury Prize se celebraba esta noche de jueves en Reino Unido, pero ha sido aplazada debido a la muerte de la Reina Isabel II. Así lo ha comunicado la organización a través de las redes sociales, indicando que el país estaba de luto. De momento, no se ha dado una nueva fecha para el evento: «Haremos un anuncio sobre el futuro en cuanto podamos».
El que se ha convertido en el galardón más prestigioso de Reino Unido y toda Europa ha premiado en el pasado álbumes como ‘Dummy’ de Portishead, ‘Let England Shake’ de PJ Harvey, ’Screamadelica’ de Primal Scream o ‘I Am a Bird Now’ de Antony & The Johnsons (ANOHNI). Casi todos han terminado convertidos en clásicos.
El ganador de esta edición según las casas de apuestas está entre Little Simz, Self Esteem y Wet Leg, en ese orden, pero cualquier cosa podría pasar porque no siempre ha ganado el disco favorito. Depende del jurado de cada año, que además es rotativo entre diferentes personalidades de la industria.
Nos haría especialmente felices que Little Simz ganara con ‘Sometimes I Might Be Introvert’, pues nuestra crítica de aquel álbum terminaba precisamente diciendo que el disco era un serio candidato a ganar el Mercury 2022 pese a que lo reseñamos hace hoy justo 1 año. Pero quizá Self Esteem necesite más la exposición (como Gwenno, ex Pipettes), mientras Wet Leg serían la apuesta segura, pues han sido número 1 en Reino Unido con su debut homónimo, y disco de plata.
Más raro sería, dado el carácter underground de la ceremonia, que el elegido fuera el álbum de Harry Styles, pero no va último en las apuestas. Más o menos a su altura o incluso por debajo encontramos los trabajos de Kojey Radical, Sam Fender, Jessie Buckley con Bernard Butler, Joy Crookes y Fergus McCreadie.
Devonté Hynes, más conocido como Blood Orange, ha anunciado su regreso con un nuevo EP de cuatro canciones titulado ‘Four Songs’. El próximo EP de Blood Orange saldrá el 16 de septiembre y ya ha adelantado el primer track de esta pequeña colección de temas, ‘Jesus Freak Lighter’.
Hynes ha escrito, producido y mezclado todos los cortes de ‘Four Songs’, junto con las colaboraciones vocales de Ian Isaiah, Eva Tolkin, y Erika de Casier. Además, el artista británico toca todos los instrumentos del proyecto. ‘Jesus Freak Lighter’, tan reminiscente del sonido de New Order, dará comienzo a ‘Four Songs’, el primer proyecto de Blood Orange desde su ‘Angel’s Pulse’ de 2019.
Desde entonces, Hynes ha trabajado en la música de la miniserie ‘We Are Who We Are’ de Luca Guadagnino, en la de la película de Gia Coppola ‘Mainstream’ y en demás proyectos audiovisuales. Además, Hynes ha estado ocupado como telonero de Harry Styles en los 15 conciertos que ha celebrado en el Madison Square Garden de Nueva York.
Nacho Cano presentaba ayer en IFEMA su musical, basado en la historia de amor entre La Malinche y Hernán Cortés durante la conquista de América, que se estrenará el próximo 15 de septiembre y que no tendrá entre su elenco a Chanel, como bien se sabe. Cano recalcó que ‘Malinche’ «no es un proyecto fácil por el tema del que se trata», el cual es ni más ni menos que el “nacimiento del mestizaje”.
El exmiembro de Mecano ha sido hoy trending topic en Twitter debido a unas declaraciones realizadas durante la presentación de su musical en las que se veía envuelta la presidenta de la Comunidad de Madrid, Isabel Díaz Ayuso. En dichas declaraciones, que algunos han calificado como «incongruentes», Cano agradecía a Ayuso que mantuviese abiertos los teatros durante la pandemia: «Yo no tengo ninguna significación política por nadie, pero quiero agradecer también a la presidenta de la Comunidad de Madrid que mantuvo abiertos los teatros». Al final de estas declaraciones, Cano hacía un breve apunte: «Quiero deciros que Madrid está que se sale».
El artista dice sentirse «atacado» debido a su relación con el Gobierno de Madrid, pero también reconoce tener experiencia en la materia: “A nadie le gusta que se le dispare pero yo llevo 42 años dedicándome a esto profesionalmente y, quizá, es que me pone cachondo que me ataquen”. Acto seguido, Cano intentó justificar su relación con la presidenta madrileña: “Yo apoyé a Isabel Díaz Ayuso porque ella y Marta Rivera de la Cruz mantuvieron los teatros abiertos en la pandemia, un acto muy valiente que no ocurrió ni en Estados Unidos ni en Australia, y gracias a eso pudimos seguir pagando a la gente.»
En otra serie de preguntas, centradas entorno a si ‘Malinche’ cubre las consecuencias políticas de la relación entre Hernán Cortés y La Malinche, Cano respondió que «la labor de los artistas es hacer belleza de lo peor» y que para ellos «todos son buenos y la historia ha juzgado malamente a unos y a otros». Pese a todo, Nacho Cano parece estar bastante acostumbrado a las críticas, las cuales él mismo sabe que va a recibir: «Vamos a recibir críticas porque es un tema que genera opinión, como probablemente las recibió ‘Jesucristo Superstar’ o ‘Evita’ pero lo importante es que la gente lo vea porque pasaron cosas ahí que han marcado el mundo tal y como es».
Nacho Cano: “Quiero agradecer a la presidenta de la Comunidad de Madrid @IdiazAyuso que mantuviera abiertos los teatros. Sin eso los inversores no hubieran seguido pagando los sueldos. Es una verdad aunque a algunos les moleste”.
Quedan menos horas para el lanzamiento de ‘MOTOMAMI Deluxe’ y poco a poco se van sabiendo más detalles sobre el proyecto. Esta tarde se ha dado a conocer la portada del disco, muy similar a la del ‘MOTOMAMI’ original, pero reemplazando el fondo blanco por uno rojo y con el casco motero de Rosalía mostrando un «+» pintado en el cristal. Además, se ha confirmado la tracklist, que incluirá siete canciones nuevas sin contar ‘DESPECHÁ’: ‘Thank Yu :)’, ‘CANDY – Remix’, ‘LA FAMA – Live en el Palau Sant Jordi’, ‘AISLAMIENTO’, ‘LA KILIÉ’, ‘LAX’ y ‘CHIRI’.
Con estos cambios, el ‘MOTOMAMI’ de Rosalía pasa de tener 16 temas a 24. Las mayores sorpresas son ‘Thank Yu :)’ y ‘LA KILIÉ’, para las cuales tendremos que esperar al lanzamiento del álbum si queremos descubrir cómo suenan. Por otro lado, ‘AISLAMIENTO’, ‘LAX’ y ‘CHIRI'(también conocida como ‘DINERO Y LIBERTAD’) han sonado en todos los conciertos de la gira MOTOMAMI, y por fin recibirán un lanzamiento oficial.
Tracklist:
1. SAOKO
2. CANDY
3. LA FAMA (ft. The Weeknd)
4. BULERÍAS
5. CHICKEN TERIYAKI
6. HENTAI
7. BIZCOCHITO
8. G3 N15
9. MOTOMAMI
10. DIABLO
11. DELIRIO DE GRANDEZA
12. CUUUUuuuuuute
13. COMO UN G
14. Abcdefg
15. LA COMBI VERSACE (ft. Tokischa)
16. Thank Yu :)
17. DESPECHÁ
18. CANDY – Remix (ft. Chencho Corleone)
19. LA FAMA – Live en el Palau Sant Jordi
20. AISLAMIENTO
21. LA KILIÉ
22. LAX
23. CHIRI
24. SAKURA
La vergüenza de ser uno mismo, el miedo a recibir y aceptar el amor de los demás, el corazón que se marchita por la soledad, la tristeza disimulada con una sonrisa de oreja a oreja fingida que, en realidad, duele como un puñal… Muchos hemos pasado nuestra vida interpretando un papel que nos alejaba cada vez más de quiénes somos en realidad. Oliver Sim, cantante y bajista de The xx, ha escrito sobre estas experiencias en su primer disco en solitario. Y él avisa: los sentimientos que antes tanto le atormentaban no se han ido necesariamente para siempre. Su residuo sigue estando ahí. Pero, por fin, se siente más libre para abrirse en canal y contarnos su historia.
‘Hideous‘ abre el álbum desde la oscuridad. Oliver se esconde, no sale de casa, se mira en el espejo y ve a un monstruo. Vive en un ostracismo autoimpuesto porque se odia a sí mismo. Pero entonces llega la luz representada por las esplendorosas cuerdas sampleadas de ‘Your Sweet Love’ de Lee Hazlewood y, sobre todo, por la aparición angelical de Jimmy Somerville. Con una voz capaz de abrir los cielos, el cantante de Bronski Beat aparece en escena para emitir ese consejo que Oliver siempre quiso escuchar: «Escucha tu propia voz, abre tu corazón al amor de los demás». Es entonces cuando Oliver revela que vive con VIH desde los 17 años. Pero aquello que le hacía esconderse, por fin le libera. Musicalmente, la canción representa este viaje de manera preciosa y escalofriante, dándonos una de las grandes obras maestras de 2022.
La épica emocional de ‘Hideous’ no vuelve a repetirse en la totalidad de este trabajo producido con Jamie xx que explora lugares más distantes emocionalmente, pero no por ello menos interesantes a nivel musical. A Oliver le han inspirado tanto las películas de terror que veía de adolescente, como ‘El silencio de los corderos’ o ‘American Psycho’, como las armonías de los grupos corales de los años 50, y la producción de ‘Hideous Bastard’ logra sonar tan colorida y caleidoscópica como cruda. La mano de Jamie xx se nota, por ejemplo, en el principio de ‘Run the Credits’, pero la aridez de álbum nunca la encontraríamos en uno de The xx o de Jamie en solitario. ‘Hideous Bastard’ representa esa roca a la que Oliver llama corazón y que, pronto a pronto, se va abriendo a las emociones, al amor.
‘Romance with a Memory‘ da buena cuenta de lo diferente que es ‘Hideous Bastard’ de su tema inicial. Aquí es donde se expone de verdad la paleta sonora del disco: es una producción árida, medio funky y juguetona, que explora ese momento en que te enamoras de la idea de una persona porque tu autoestima lo necesita. «Solo quería sentirme guapo», canta el hombre más guapo del pop actual. Las voces monstruosas representan ese equilibrio entre terror y humor del que Oliver ha hablado en las entrevistas y las volvemos a encontrar en ‘Confident Man’, una producción que apela a lo espiritual mediante un riego de sonoridades chamánicas que, sin embargo, convence menos a nivel compositivo.
‘Hideous Bastard’ es un álbum que sumerge al oyente en su propio mundo sonoro. ‘Sensitive Child’, una de las pistas destacadas, alterna un estribillo hipnótico y tribal, cantado a coro, con guitarras surferas, un beat de trip-hop y otros detalles que crean espacio y recovecos dentro de la grabación, y todo parece sonar dentro de una cueva. Termina abruptamente porque Oliver quería mantener su frescura, al ser una de las canciones del disco que más rápido escribió. La mano mágica de Jamie xx se nota también en la producción de la preciosa ‘GMT’, una canción clásica sobre echar de menos a alguien que, curiosamente, es superada por el remix del susodicho.
Mientras el peso emocional de ‘Hideous’ persiste en ‘Hideous Bastard’, al disco hacia la mitad le cuesta mantener el ritmo. ‘Unreliable Narrator’ podría ser esencial en el álbum dado que nos habla sobre la idea de performar una autotencidad fingida, pero su atmósfera de indietrónica se esfuma en dos minutos que pasan desapercibidos. Y ‘Saccharine’ podría ser el segundo ‘Hideous’ del álbum, al reflexionar sobre esa incapacidad de aceptar el amor de los demás que tanto atormenta a la comunidad LGBT. Oliver encierra su corazón con llave, pero también lo hace en una canción que no se compromete emocionalmente y que resulta demasiado distante.
‘Hideous Bastard’ remonta hacia le final con ‘Fruit’, el segundo single, dotado de un estribillo cantado como sin aliento que resulta extrañamente adictivo, y en el que Oliver recuerda aquella época en que se sentía demasiado femenino para integrarse en una sociedad «llena de rocas». Con menciones a los ojos de su padre y a la sonrisa de su madre, es una composición tan tierna como emotiva. ‘Run the Credits’, la pista final, cierra entre más referencias al terror, pero no pasa de simpática. Así, a Oliver le queda un debut lleno de momentos emotivos y episodios interesantes a nivel de producción. Sin embargo, es la revelación de ‘Hideous’ (en su totalidad) la que seguimos recordando cuando el disco ha terminado.
Hace tres años, una discusión de pareja dejó a medio mundo con el corazón en un puño: la pelea de diez minutos entre Adam Driver y Scarlett Johansson en ‘Historia de un matrimonio’.
Esta memorable bronca se ha ganado un lugar al lado de clásicos del enfado matrimonial como el de Elizabeth Taylor y Richard Burton escupiendo bilis y alientazo a alcohol en ‘¿Quién teme a Virginia Woolf?’, Julianne Moore pegándole gritos a Matthew Modine con la castaña al aire en ‘Vidas cruzadas’ o Al Pacino aplicando “métodos mafiosos” en su discusión con Diane Keaton en ‘El padrino II’.
Kendrick Lamar (caracterizado con uniforme proletario) y la actriz Taylour Paige (conocida por ‘Zola’ o ‘La madre del blues’) han hecho su particular contribución a la tradición de las riñas domésticas en la pantalla. En ‘We Cry Together’ tienen una pelotera mañanera más áspera y cruda que una pelea de gallos clandestina. Cinco minutos de agresiones verbales filmados en un único plano secuencia, con unos desplazamientos de cámara suaves y fluidos que contrastan con la violencia de la situación (lo fácil hubiera sido utilizar la cámara en mano con movimientos rápidos e inestables).
Insultos, reproches, alusiones a Trump, Harvey Weinstein, al cantante R. Kelly… Marrullería dialéctica que se podría leer también en clave de batalla hip hopera (hay momentos en que los dos rapean levemente), y que finaliza con una reconciliación tan seca y áspera como la propia pelea. El videoclip termina con la cámara alejándose discretamente de la pareja hasta desvelar toda la tramoya de la escena, como si fuera un episodio de la serie ‘Los ensayos’.
Ava Max sigue su propio camino. Su recuperación del sonido eurodance de finales de los 90 y principios de los 2000, así como del pop de los 2010 en un momento en que parecía demasiado temprano para reivindicar a Katy Perry y a Lady Gaga, la han convertido en una especie de pionera. Desde su debut con ‘Sweet but Psycho’ no ha dejado de acumular hits y, para colmo, su debut ‘Heaven & Hell‘ era mucho más disfrutable y entretenido de lo que nadie podría haber imaginado.
El siguiente paso de Ava será publicar un nuevo álbum, ‘Diamonds & Dancefloors‘, que verá la luz el 27 de enero de 2023. Esta vez, sin embargo, la música convence un poco menos. El primer single, ‘Maybe You’re the Problem’, era otro reducto de ‘Blinding Lights’, y el segundo, ‘Million Dollar Baby’, sigue la misma fórmula de basarse en una «interpolación» de manera descarada.
‘Million Dollar Baby’ se basa en la melodía de ‘Can’t Fight the Moonlight’, el éxito de 2003 de LeAnn Rimes que cerraba la película ‘Coyote Ugly’. Sobre el papel, la idea debería funcionar: la melodía es pegadiza, familiar, pero no es exactamente la misma que la de Rimes, sino que muestra una variación; la base eurodance vuelve a ser tan machacona como esperas, y Ava no deja de colar sus ya habituales «ma ma ma ma» inspiradísimos en los tartamudeos de la primera Lady Gaga.
Sin embargo, ‘Million Dollar Baby’ resulta un pastiche extraño. Una canción con apariencia de «bop» pero que, por culpa de sus diferentes elementos extraídos de otros lugares, crea cierta repulsión. Quizás sea intencionado. Quizá no. Está claro que ‘Million Dollar Baby’ no es una mala canción en absoluto, pero probablemente convenza más si no habías escuchado ‘Can’t Fight the Moonlight’ ya unos cuantos millones de veces durante tu infancia o pre-adolescencia.
Por supuesto, ‘Million Dollar Baby’ no es ni la primera, ni la segunda, ni la tercera vez que Ava Max fusila una melodía ajena debidamente acreditada o disimulada en una canción. ‘My Head & My Heart’, su éxito de 2020, se basaba en la melodía de ‘Around the World (La La La La La)’ de ATC, y ‘Torn’ reproducía las cuerdas de ‘Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)’ de ABBA sin necesidad de licenciar un sample. Puede que, en ‘Million Dollar Baby’, la fórmula se esté agotando un poco, pues con la canción no está pasando gran cosa…
King Gizzard & the Lizard Wizard ha superado incluso sus proyecciones más ambiciosas y ha anunciado el próximo lanzamiento de TRES nuevos discos de estudio, que se irán publicando a lo largo del mes de octubre a través de su sello KGLW.
Abrirá la veda ‘Ice, Death, Planets, Lungs, Mushrooms and Lava’, que saldrá el 7 de octubre y, aparentemente, llegará con temática fungal, como el próximo disco de Björk. En la línea de King Gizzard, las iniciales del título IDPLMAL hacen referencia a cada uno de los siete modos musicales clásicos.
A continuación, el 12 de octubre, verá la luz ‘Laminated Denim’ el 12 de octubre. Este álbum se compondrá de dos pistas de 15 minutos de duración cada una. Su título es un anagrama de la frase «Made in Timeland».
Finalmente, el 28 de octubre llegará ‘Changes’, su quinto disco del año. Un trabajo gestado a lo largo de los últimos cinco años en el que «cada canción se basa en una progresión de acordes y presenta una especie de variación sobre un concepto».
Para ir abriendo boca, el grupo con el mejor nombre de nuestro tiempo ha compartido el vídeo de una de las canciones del primer álbum del triunvirato, titulado ‘Ice V’. Se trata de una «jam» rock de 10 minutos marca de la casa.
Uno no puede ser un punk todo el día, ver solo cine independiente e ir únicamente al Madrid Popfest y al Canela Party. Ese es el gran puntazo del disco que el dúo Malamute, formado por Diego Jiménez e Irene Gutiérrez, ha publicado este año. Que el álbum es punk-pop pero viene presentado por un hit certero que decide llamarse ‘La Oreja de Van Gogh’, según sus propias palabras «porque ‘El Viaje de Copperpot‘ es el mejor disco del pop español».
En este corte se declaran punks, pero también reclaman su derecho a regodearse en una canción triste en un momento de debilidad. Dicen por un lado que «les gustan las canciones de quemar contenedores», y por otro: «pero a veces me apetece meterme en la cama, y ponerme el pijama, y escuchar canciones tristes y olvidarme de que existes y llorar y llorar y llorar y al día siguiente mejorar». Por si no ha quedado lo suficientemente claro, explican: «por muy punki que seas, hay días que solo te apetece encerrarte en tu habitación y hacerte un maratón de películas y canciones moñas».
Se presentaba el álbum como una cosa «para cantar enfadado, pero que en realidad fuera muy catártico» y lo cierto es que lo consigue. Con cierto apego por la tradición Elefant, de TCR a Cola Jet Set y de Cola Jet Set a Cariño, y también por la tradición Spicnic, pues a Los Vegetales recuerdan en ‘Tu signo del zodíaco’, Malamute apuestan por las guitarras punk, los tempos calmados y el uso predominante de los teclados. ‘Pesadillas’ y ‘Monopolio de la tristeza’ serían sendos ejemplos. Está tan claro que «te gustará si te gustan Los Punsetes» que Ariadna aparece en ‘Una casa en el Sardinero’.
Esta canción es un anhelo de un hogar mejor («tengo que salir de aquí, mi vida es un desastre, es un sin vivir»), lo cual casa con la temática de un largo titulado ‘Una gran decepción’. El álbum acaba con el tema así llamado, hablando de «angustia existencial» y de una generación que no tiene «ganas de hacer nada». «No sé qué hacer con mi vida (…) Me paso el día aquí tumbada y llevo así 2 o 3 semanas», indica de manera cristalina.
Son las canciones de Malamute tan directas y concretas que el interés que despertarán en ti es directamente proporcional a lo que te identifiquen sus historias. Algo que pasa con todos los discos pero más con los autores de ‘Sólo confío en mi perro’, aquella canción que recordarás mucho más si de hecho tienes perro. Así, personalmente me parecen particularmente un hallazgo ‘Almas gemelas’, la decepción de que compartir gustos con un gilipollas no hará a ese gilipollas menos gilipollas; y ‘Absolutamente nada’, un intento de recuperar la autoestima dirigida a tu yo pasado: «Antes no eras tan idiota, tan idiota / Y no rendías pleitesía / a gente a la que no le importas». Lo mismo me tatúo esto.
Actuación que terminaba, momento en el que se recordaba a todos los asistentes del Coca Cola Music Experience de Madrid cuál era el plato fuerte de la noche. Desde su triunfo en Eurovisión con ‘ZITTI E BUONI’ en 2021, Måneskin han tendido puentes entre generaciones y conquistado tanto a los más ‘old-heads’ como a los más jóvenes con su moderna visión del rock ‘n’ roll de los años 70.
Damiano (voz), Victoria (bajo), Ethan (batería) y Thomas (guitarra) dieron un eléctrico concierto que fue capaz de borrar todas las dudas respecto a la autenticidad rocanrolera de esta banda italiana. Los hits como ‘Beggin», ‘SUPERMODEL’ o ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’ fueron despachados rápidamente, por lo que se quitaron de encima las expectativas desde el primer minuto y se centraron completamente en pasarlo bien. Demostraron su gran habilidad a la hora de realizar versiones con una chulesca cover de ‘La camisa negra’ de Juanes, otra de ‘Womanizer’ que puso a todo el recinto a cantar aquello de «boy don’t try to front, I-I» y otra más, la hermana espiritual de ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’, la clásica ‘I Wanna Be Your Dog’ de los Stooges.
El sábado pasado, JENESAISPOP tuvo la oportunidad de entrevistar a una de las bandas más grandes del momento pocas horas antes de su show. Tal y como afirma Damiano en dicha entrevista, respecto a la polémica en los VMAs, «nosotros simplemente hicimos una actuación normal, no hicimos nada diferente de lo que hacemos en nuestros propios conciertos». El público del Coca Cola Music fue testigo de cómo se cumplía la palabra del italiano cuando Victoria se quitó una pezonera en mitad del concierto. Esta vez, sin censura que valga.
Lo primero que me llamó la atención al ver a Måneskin fue la vestimenta protesta de Damiano y Victoria. Ambos con camisetas cortadas a la misma altura por encima de los pezones, pero solo una persona con pezoneras. Adivinad quién. Lo segundo en lo que me fijé fue en la actitud del frontman en las entrevistas, pendiente siempre de las preguntas pero con la cabeza puesta en lo que estaba ocurriendo en el escenario del festival. Prueba de ello eran sus manos, imitando el ritmo de la canción que estuviese sonando en ese momento.
Al contrario de lo que pueda parecer, me encontré un grupo de personas carismáticas, enrolladas y muy profesionales en sus respuestas, siempre con las ideas muy claras. Su paso por Eurovisión seguramente tenga mucho que ver en esto último. Damiano y Victoria llevan la voz cantante, repartiéndose las respuestas a partes iguales. Ethan y Thomas, en cambio, deciden adoptar un papel más secundario, pero siempre presente. Hablamos con Måneskin sobre su imprevisto éxito, la censura en los VMAs y los artistas a los que admiran.
Ha pasado mucho tiempo desde la era dorada del rock ‘n’ roll, ¿por qué creéis que tenéis tanto éxito siendo una banda tan influenciada por el rock clásico y el rock de los 70?
Victoria: «Creo que la gente suele disfrutar cuando algo es un poco diferente de la norma. Hace años que no tenemos nuevas bandas de rock o grupos que toquen instrumentos analógicos y la gente lo aprecia porque lo ven como algo diferente, especialmente en Eurovisión, donde hay sobre todo actuaciones de pop. Ver a cuatro personas en el escenario tocando instrumentos reales no es nada nuevo para la gente mayor, pero para la gente joven es algo que nunca han visto porque últimamente no hay muchas bandas jóvenes».
¿Parecía que después de vuestro éxito aparecerían más bandas de rock, pero, de momento, es solo Måneskin no?
V: «Esperamos que otras bandas puedan llegar a donde estamos. Eso puede cambiar».
¿Tenéis algún rasgo distintivo o algo especial que deis a la gente?
Damiano: «Somos guapos, somos muy guapos, estamos en buena forma… (Vic se ríe de fondo). No… No sé, creo que nosotros somos la clave, desde cierto de punto de vista, porque es algo que faltaba en el mercado musical. Nosotros llenamos un hueco vacío, pero creemos que es más grande que nosotros y esperamos que muchos otros grupos lleguen incluso más lejos que nosotros».
¿Queréis comenzar una moda, o una ola?
D: «Sí, no es nuestro objetivo principal, pero esperamos que sí, aunque realmente no hay nada que podamos hacer aparte de ser nosotros».
¿Os consideráis una banda retro?
D: «Tenemos algunas vibras e influencias retro, pero creo que funciona porque suena moderno».
Ver a cuatro personas en el escenario tocando instrumentos reales no es nada nuevo para la gente mayor, pero para la gente joven es algo que nunca han visto
¿Planeáis probar sonidos nuevos?
V: «Por supuesto, estamos experimentando constantemente. Como músicos, somos muy jóvenes y tenemos que estudiar mucho más, así que cada vez que experimentamos con nuevos pedales, nuevos sonidos y nuevas maneras de escribir música crecemos y nos mantiene interesados».
¿De qué manera soléis escribir música?
V: «No tenemos una manera, cambiamos muy a menudo. Depende mucho. Si uno de nosotros tiene una idea, la seguimos. A veces empezamos por la letra o por una melodía vocal. Otras veces puede ser un riff de bajo, de guitarra o un ritmo de batería. Realmente cambia todas las veces».
¿Podéis contarnos algo sobre vuestro próximo disco?
D: «Va a salir, seguro. Eso ya es algo (Victoria se ríe de fondo). Tenemos nueva música y planeamos sacarla pronto, así que no tienes que escribir mucho (se ríen)».
Cambiando de tema, ¿por qué censuraron vuestra actuación en los VMAs?
D: «Los pezones de Vic son demasiado buenos (de fondo Victoria, mientras se ríe: “Demasiado sexy para la televisión”). Los míos estaban OK, aceptables… No eran tan sexys, pero en cuanto salió una teta no pudieron soportarlo, fue demasiado para el tío de la cámara. En resumen, demasiado buenos».
¿Qué pensáis sobre el hecho de que los pezones femeninos estén prohibidos en televisión, al contrario que los pezones y el culo de un hombre?
D: «Es una genialidad, por supuesto (bromea). No, es muy estúpido».
V: «Hoy en día hay muchísima diferencia entre los cuerpos de las mujeres y los de los hombres y en la forma en la que son percibidos y sexualizados de diferentes maneras. Es estúpido porque todo el mundo nace de esta manera, no es algo que elijas. No debería haber ninguna diferencia ni ninguna construcción que limitara que las mujeres sean tan libres como los hombres. Cuando lo hace una chica es visto como algo que intenta crear drama o atención, mientras que cuando lo hace un chico es completamente normal y nadie se lo pregunta, y es muy estúpido».
D: «Intentamos ir contra ellos, pero perdimos, de momento. Lo volveremos a intentar (se ríe)».
¿Creéis que esta polémica es buena para la banda?
(Todos a la vez niegan que sea bueno) D: «No creo que sea polémica. Nosotros simplemente hicimos una actuación normal, no hicimos nada diferente de lo que hacemos en nuestros propios conciertos. Así que, el problema es suyo. Por supuesto, no fue a propósito, no estaba previsto que su vestido se cayese, pero creo que podrían haberlo manejado mejor. No queremos crear discusión, sabemos que es lo que es, pero intentaremos cambiarlo».
¿Algún artista contemporáneo al que admiréis?
V: «Para mí, Arctic Monkeys».
D: «Creo que Rosalía, no en la música porque es muy diferente, pero en la valentía que tiene, en cómo crea música y su estética. Creo que es muy creativa y valiente».
Thomas: «Yo diría Fontaines D.C.»
Ethan: «Para mí Jack White».
¿Cuál es vuestra canción favorita de Måneskin?
V: «Para mí, ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’. Depende, porque ‘I WANNA BE YOUR SLAVE’ creo que es perfecta, pero para tocar me encanta ‘FOR YOUR LOVE’.
D: «La próxima que saquemos (con una sonrisilla)».
T: «Para mí también ‘FOR YOUR LOVE'».
E: «‘ZITTI E BUONI’, porque es en italiano, pero es internacional».
¿Qué discos estáis escuchando más ahora? Ya sea para inspiración o por diversión.
V: «Llevo como un año obsesionada con ‘Ultra Mono’ de Idles».
D: «No recuerdo el título, lo siento… Este chaval… Este chaval de aquí… (repitiendo lo que dice Tony Aguilar de fondo, que está en el escenario presentando el festival). ‘La Cantera’».
¿De Guitarricadelafuente? Eso no me lo esperaba.
D: «Sí (risas), es inesperado».
T: «Yo también estoy obsesionado con ‘Songs for the Deaf’, un disco de Queens of the Stone Age».
E: «Lo diré porque estamos en España, ‘Entre dos aguas’ de Paco de Lucía».
Phoenix han detallado su nuevo disco, ‘Alpha Zulu’, que saldrá a la venta el 4 de noviembre. Su primer disco en 5 años abrirá con el single titular, compartido hace semanas, y cerrará con ‘Identical’, que se conoce desde 2020. Phoenix ha producido el álbum en un estudio montado en el Museo de las Artes Decorativas de París, situado en el interior del Louvre.
El nuevo single de ‘Alpha Zulu’ se llama ‘Tonight’, ya puede escucharse y llega con la particularidad de contar con un artista invitado por primera vez en la carrera de Phoenix. Ese no es otro que Ezra Koenig, vocalista de Vampire Weekend.
El tema, en la línea más animada y popi de Phoenix, llega acompañado de un videoclip rodado entre París y Tokio, que muestra a Phoenix y a Koenig en pantallas separadas, cada uno en una ciudad, viviendo su vida, o grabando en el estudio.
Phoenix cuenta que grabó ‘Alpha Zulu’ prácticamente en los primeros 10 días de sesión, porque «no podíamos dejar de producir música», y que en parte está inspirado en la muerte de su amigo y colaborador Philippe Zdar, integrante de Cassius, que falleció en 2019. Cuenta que, durante la grabación del álbum, «tuvimos momentos en que sentíamos sus ideas».
El último álbum de Phoenix, ‘Ti amo‘, salió en 2017, incluyendo singles como ‘J-boy’ o el titular ‘Ti amo’.
Cargando ...
Pero en general, los contenedores habían dejado de arder, al modo en que lo habían hecho durante los años 80. Hasta Johnny Rotten de Sex Pistols se había amansado, dejando declaraciones este año como «no tengo nada en contra de ella, sino de la institución. Tiene mucho mérito lo que ha trabajado». ¿Cómo negar su valor a una persona que llega a los 96 años haciendo lo suyo? Como dando la razón a aquella letra en la que Rotten afirmaba que «te convertirán en un imbécil», como dando la razón a quienes explican que 
