El Madrid Popfest vuelve a la capital tras estos dos años de pandemia. En 2020 la celebración de su 10º aniversario tuvo que ser cancelada apenas unos días antes de empezar, convirtiéndose en el primer festival cancelado por el covid-19.
Hoy, después de mucho esfuerzo, el festival anuncia los primeros confirmados para su edición de 2022, que se celebrará los días 25 y 26 de marzo en la sala Galileo Galilei y cuyas entradas ya están a la venta. Entre estas confirmaciones se encuentran los asturianos Autoescuela, que “hacen pop raro con déficit de atención”; Betacam; Cabiria, el proyecto de synth-pop lo-fi de Eva Valaera; Estrella Fugaz, que recientemente lanzaba su último sencillo; y Eterna Joventut, el cuarteto formado por Júlia, Sònia, Alicia y Asier que lanzaba a finales del año pasado su LP debut.
Esta edición también contará con la presencia de Jeanines, el dúo que “especializados en explosiones ultracortas de pop enérgico a la vez que melancólico en clave de indiepop”; la banda de post-punk e indie-pop Jetstream Pony; Malamute, grupo que empezó “de broma” y que están a punto de sacar su primer LP; The Proper Ornaments, la agrupación londinense de pop retro compuesta por un miembro de Veronica Falls y los escoceses U.S. Highball, que facturan un indie-pop próximo a Teenage Fanclub.
El manifiesto del Madrid Popfest indica que «el festival de indiepop se organiza gracias al esfuerzo participativo de muchas de las personas que forman la Asociación Popfest, siempre desde una total autonomía y autogestión, sin ánimo de lucro y sin patrocinadores, con el fin de garantizar su total independencia, aunque sin renunciar a colaboraciones puntuales con colectivos afines. Su objetivo es promover y acercar la cultura indiepop al mayor número de personas posible, por lo que apuestan por un cartel con diversidad de género que visibilice el talento creativo y artístico de segmentos de población a menudo silenciados».
Renovamos nuestra playlist “Sesión de Control” dedicada al pop en español y en castellano comenzando por el nuevo single de Carolina Durante, ‘Granja escuela’, adelanto del segundo disco del grupo, que sale este viernes y no va a decepcionar a nadie, os podemos avanzar. También hay hoy mismo nueva canción de Dorian, la primera que sacan en catalán, acompañados de la revelación Suuu.
En los últimos días hemos escuchado nuevas canciones de Biznaga, Estrella Fugaz, la revelación madrileña Chill Chicos o Soledad Vélez, que va por el 2º single de su disco ‘VISIONES’, disponible el 25 de marzo. Ya están en el mercado los discos de María Guadaña, León Benavente y Los Planetas, de los que hoy no escogemos el gran tema de 12 minutos en el que adaptan a Lorca, sino el que dura 3 y es una adaptación de Khaled.
Inspirándose en la música latina, atención a la bailable canción de Safree, y a su estilo la de JEDET, que primero parece una bossa para luego emprender cierto camino hacia el reggaetón, y anticipa un álbum que saldrá en primavera. Estilo este último al que también hace un acercamiento sui generis valverdina. Completamos la playlist con el silbidito Western de Roger Catlau, Yarea y xicu, el proyecto de Cesc Valverde fichado por Satélite K, que nos lleva directamente a los tiempos de la indietrónica.
Rauw Alejandro hace doblete esta semana en las listas españolas, ya que es número 1 tanto en la tabla de singles como en la de álbumes. ‘Catarsis’ de Edurne vuelve a entrar en lista directamente en el puesto 2 tras su reedición en vinilo y en el top 3 aparece el disco de Leiva.
‘HEX’, el nuevo álbum de Toundra con portada de lo más distópica, es la entrada más importante de la semana en la lista de álbumes, pues no solo debuta en el número 4 de la tabla general, sino que además es número 1 en la de vinilos. Su disco ‘IV’ ya fue número 2 en la antigua lista de ventas.
Otro regreso interesante a lista es el de ‘Polvo de Battiato’ de Ángel Stanich, que re-entra directo al 9 después también de haberse editado en vinilo, y de hecho en la respectiva lista es número 2 solo por detrás de Toundra y por delante de Edurne. El disco ya entró en el número 39 de la lista general el pasado mes de noviembre.
De regreso a la lista general, FKA twigs coloca su estupenda mixtape ‘CAPRISONGS’ en el número 64 sin apoyo de edición física. El dato es peor que el obtenido por ‘MAGDALENE’ en 2019, pues este disco entró en el número 39. ‘LP1’ jamás registró entrada alguna.
‘Covers’ de Cat Power también entra en la lista de álbumes española, y lo hace en el número 71, siendo la última entrada de la lista. El álbum ha registrado posiciones más altas en otros países europeos como Alemania, Francia o Suiza, como por otro lado ha venido siendo habitual en la carrera de Chan Marshall.
El resto de entradas las firman por un lado el portorriqueño Jay Wheeler con ‘De mí para ti’, que debuta en el número 68, y por otro los Lumineers con ‘Brightside’, que entra en el 69 tras haber sido top 18 en Reino Unido.
«El grupo de post-punk»… ¿Otro? ¿Pero cuántos van ya? ¿No tenemos suficiente con los 800 que salen cada año? Superada la sorpresa hay que decir que no, no tenemos suficiente, y ahí están Yard Act peleando esta semana con Years & Years por debutar en el número 1 de álbumes en Reino Unido con ‘The Overload’. El post-punk siempre será una herramienta eficaz para denunciar las penurias por las que pasa el mundo de una manera mordaz y divertida y Yard Act reúnen unas cuantas canciones en su debut que lo confirman.
¿Qué ofrecen Yard Act, pues, en un marcado en el que otras bandas como Fontaines D.C., IDLES, shame o Squid han encontrado su hueco con un discurso propio? El grupo de Leeds se reconoce influido no solo por la «no wave minimalista de los 70» sino también por «el hip-hop de la era MTV» y el «ingenioso indie británico» y lo que ofrece en ‘The Overload’ es una colección de canciones ligeras y divertidas que recuerdan a esas cosas, pero que sobre todo resultan muy entretenidas de escuchar por varios motivos.
‘The Overload’ es por supuesto un disco post-Brexit facturado en las islas, lo que significa que el vocalista y letrista James Smith tiene varias cosas que decir al respecto. En concreto, Reino Unido como país sale mal parado en ‘Dead Horse’, un «país de chiflados» que «antes era una gran nación» pero que ahora «se ha sentenciado a sí mismo a la muerte», en la que Smith denuncia el racismo o el maltrato a la música, que «no hemos nutrido, sino que hemos decidido ignorar». Y en ‘Land of the Blind’ vaticina que «estamos viviendo nuestros últimos días en la tierra de los ciegos».
La pluma de Smith es sardónica, y sus letras pueden ser auténticos monólogos plagados de personajes a través de los cuales el músico critica cosas como el capitalismo o las «fake news». En la minimalista ‘Rich’ es él mismo quien se ha convertido en una persona rica «casi por accidente, gracias a la continua compensación por mi hábil labor en el sector privado y a mi completa falta de interés en las cosas caras»; y en ‘Payday’ denuncia la «gentrificación y el fetichismo de clase» con referencias a «niños que comen manzanas de cera por Navidad pero que después están esnifando pegamento».
Más divertido que leer a Yard Act es escucharles. Sus denuncias a la clase política británica, a la ignorancia de las masas o al capitalismo en general, no son las más imaginativas ni las más esclarecedoras a estas alturas de la vida, pero la verborrea de Smith deja varias frases memorables a lo largo del disco, el músico divierte incluso cuando está enfadado, como en ‘Dead Horse’, y el grupo integrado también por Ryan Needham (bajo), Sam Shjipstone (guitarra) y Jay Russell (batería) se preocupa de componer canciones que resulten entretenidas y que son la antítesis de la densidad de grupos como Squid o black midi.
Las canciones de Yard Act poseen ese espíritu post-punk de los 70 que tan relevante sigue sonando a día de hoy pero contienen matices que recuerdan a los primeros Blur o a Franz Ferdinand y las canciones de ‘The Overload’ son políticas pero también buscan resultar divertidas y amenas. Lo consiguen los guitarrazos afilados de ‘The Overload’ y su festivo estribillo, la locura disco-punk de ‘Payday’ o la misma historia de ‘Rich’, a la que solo puedes atender sin despistarte un segundo.
Hay logrados ecos a Suicide en ‘Witness (Can I Get A)’ -reconocidos por la propia banda- y la sencillez de la instrumentación, entre guitarras, bajos y ocasionales incursiones en «grooves» disco y el sonido de las congas, saca a relucir composiciones tan simpáticas como las de ‘The Incident’ o la de ‘Tall Poppies’, que habla sobre un pobre muchacho que cambia el futbol por el sector inmobiliario, se casa, tiene un hijo, un perro… y termina con una casa de vacaciones en Costa del Sol.
El álbum se guarda dos sorpresas para el final. Por un lado, ‘Pour Another’ es la canción más festiva, tanto que suena como una reivindicación explícita de los B-52’s aunque Yard Act cuenten que busca ser algo así como una versión de ‘Tiny Dancer’ de Elton John, y ‘100% Endurance’ añade una dimensión melancólica al disco, con una melodía más bonita de lo que creías que Yard Act eran capaces de hacer, a la vez que nos animan a vivir en el momento y a ser nosotros mismos.
Tove Lo publicará en 2022 su nuevo álbum, que contendrá canciones «felices» inspiradas en su vida matrimonial, según la artista. A espera de conocer noticias concretas sobre el sucesor de ‘Sunshine Kitty‘ hoy llega a las plataformas un single nuevo de Tove Lo que formará parte de la banda sonora de ‘Euphoria’, una de las series del momento.
No es ninguna casualidad que Tove Lo haya sido una de las artistas elegidas para participar en la banda sonora de ‘Euphoria’, pues sus letras están repletas de referencias al sexo esporádico, a las drogas y al desamor salpicado de alcohol e infidelidades. Con solo leer los títulos de ‘Cool Girl’, ‘disco tits‘, ‘Are you gonna tell her?’, ‘Stay High (Habits)’, ‘True Disaster’, ‘Equally Lost’ o ‘WTF Love Is’ vienen a la mente numerosas escenas de la serie.
‘How Long’ precisamente habla de una infidelidad, y lo hace en el lenguaje de la música disco y el synth-pop, resultando otra de esas canciones hechas para «llorar bailando» que tanto se estilan en la actualidad. Tove se encuentra atormentada por el descubrimiento y se pregunta «¿cuánto tiempo llevas amando a otra persona mientras yo he estado soñando con nosotros juntos?» y reflexiona que «no hay nada que te prepare para un rechazo brutal y abrasador». Eso sí, canta que «parte de mí ya lo sabía».
Casi igual de atormentada es la melodía de ‘How Long’, 100% clásica en el sentido «disco» del término, y la producción de A Strut y TimFromTheHouse nos lleva a los tiempos de ‘blue lips‘, un álbum lleno de sintetizadores y ritmos oscuros, tan aptos para los que no contaban las letras de aquel largo y lo que nos cuenta esta entre referencias a «promesas de amor» y «mentiras».
‘How Long’ llega unos días después de que Lana Del Rey haya publicado su propia canción para la banda sonora de ‘Euphoria’. ‘Watercolor Eyes‘ era otra de sus hermosas y poéticas baladas.
Dice Damon Albarn que no es lo mismo escribir que co-escribir, abriendo toda una caja de Pandora por mucho que ahora se haya disculpado culpando a la prensa (¡JA!), al cuestionar la autoría de canciones de Taylor Swift. Ajeno al poder de los Swifties, como si no temiera nada desde los tiempos en que se veía a diario en la portada de los semanarios británicos dando y recibiendo -sobre todo recibiendo- de Oasis, el líder de Blur y Gorillaz ha hecho una diferencia espinosa. En una escuela ha situado a Billie Eilish porque escribe únicamente con su hermano; y en otra a Taylor Swift, situándola más bien en los campamentos de composición de una Beyoncé o un Bruno Mars.
La respuesta de Taylor Swift ha tardado apenas un par de horas en llegar, como era de esperar, pues su voz ha sido una de las más contundentes al elevarse contra el machismo en la asimilación de créditos en la industria musical. En una de sus citas más célebres, subrayaba que su talento fuera cuestionado por utilizar coautores y coautoras, cuando nadie cuestiona a su amigo Ed Sheeran por valerse también de exactamente lo mismo.
Damon Albarn podría tener su punto de razón en el sentido de que Taylor Swift, sobre todo desde su aproximación al pop en ‘Red’, ha dejado de ser vista como una cantautora para pasar a ser vista como una estrella del pop abierta a juntarse con gente tan calculadora como Max Martin. Billie Eilish no ha hecho todavía nada así, aunque el tiempo dirá lo que le traerá el futuro, cuando tenga que enfrentarse a un 8º álbum y las ideas no fluyan tan frescas como cuando se tiene 20 años. Sin embargo, hay un punto que Damon Albarn pasa por alto y que inclina la balanza hacia lo señoro de su planteamiento: la identificación del sonido Taylor Swift.
A diferencia de otros artistas que co-escriben, la música de Taylor Swift tiene una clarísima entidad melódica, un estilo propio, que está siendo una influencia para una generación. Como ella misma dice, no tiene que gustarte su música ni sus composiciones para reconocer que la personalidad de Taylor Swift reluce siempre o casi, por encima de la de sus colegas, haciendo bastante reconocible qué ha podido aportar ella y qué sus colaboradores en una grabación. Podemos asociar un piano a Aaron Dessner o un sonido más comercial a Max Martin, pero siempre ha permanecido un tipo de melodías y estructuras que nos hacen reconocer un «estilo Taylor Swift» que de hecho después hemos identificado en discos de gente joven que se ha declarado seguidora de Taylor, como Olivia Rodrigo, Troye Sivan o girl in red. Hasta el punto de que alguna «stan» ha llegado a afirmar hoy por hoy que «Taylor Swift es un género de música en sí mismo».
Con su punto desafortunado y su punto de incomodidad, la «hot take» de Damon Albarn, como la ha llamado Taylor, nos lleva a recapitular en este artículo qué ha escrito sola Taylor Swift y qué no a lo largo de su carrera, para tratar de poner luz en el origen de toda la confusión.
El primer álbum de Taylor Swift, homónimo (2006), vio la luz cuando la cantante tenía 17 años. La mayoría de los temas están escritos mano a mano entre Taylor Swift y Liz Rose, incluyendo el gran éxito de aquel álbum, ‘Teardrops on My Guitar’. En la etapa country en que estaba inmersa la cantante, Taylor escogía a la autora texana porque no obligaba a Swift a “amoldarse a los cánones de Nashville”. En cuanto a Liz Rose, se reconoce más como una “editora”, probablemente corrigiendo errores y tics, que como coautora de la Swift adolescente. “Básicamente, fui una editora. Taylor tenía una visión muy clara de lo que estaba intentando decir, y venía con los ganchos más increíbles”. Además, Taylor Swift escribe completamente en solitario 3 canciones de ese primer disco, incluyendo el segundo tema más popular del álbum, ‘Our Song’.
En el segundo disco de Taylor Swift, ‘Fearless’ (2008), Taylor Swift tiene un mayor protagonismo y escribe ya completamente en solitario hasta 7 canciones. Si nos ceñimos a las canciones de aquel disco que han pasado a la historia por sus voluminosas descargas y escuchas, Taylor sigue compartiendo con Liz Rose los créditos de ‘You Belong With Me’, pero escribe completamente en solitario la archiconocida ‘Love Story’.
‘Speak Now’ (2010) será un paso adelante para la artista, pues Liz Rose desaparece de los créditos y el disco está enteramente escrito por Taylor Swift 100% en solitario. Indicaba: “Solía tener las mejores ideas a las 3 de la madrugada en Arkansas, y no tenía a un/a coautor/a cerca, así que simplemente las terminaba. Eso me volvió a pasar en Nueva York, y en Boston y en Nashville”. De aquí salieron singles como ‘Mean’ y ‘Back to December’.
Con ‘Red’ (2012) vino el giro hacia la música pop, y con él la percepción de que Taylor Swift ya no es tanto una cantautora como una artista abierta a trabajar sus canciones con hacedores de hits tan artificiales como Max Martin. El productor de la primera Britney Spears está detrás de los singles más populares del álbum, ‘We Are Never Ever Getting Back Together’, ‘I Knew You Were Trouble’ y ’22’, como también Shellback. Taylor explicaba que después de hacer ‘Speak Now’ sola quería trabajar con gente que admiraba y recuerda la sesión de “We Are Never Ever” como muy divertida, después de que Max Martin y Shellback le preguntaran por esa relación amorosa suya que iba y venía.
Liz Rose reaparece para darle el acabado adecuado a ‘All Too Well’, últimamente el clásico del álbum, y Taylor Swift escribe sola 8 de las 16 grabaciones de la edición “estándar” de ‘Red’, eso sí, la mitad menos conocida del disco, si es que tal cosa existe. La más popular es la canción homónima, que se editó como 5º single.
El método de escritura se asienta en ‘1989’ (2014), con Max Martin y Shellback inundando grabaciones como ‘Shake It Off’, ‘Blank Space’, ‘Bad Blood’ e incluso la más sutil ’Style’; y Jack Antonoff apareciendo en la sofisticada ‘Out of the Woods’. Ryan Tedder se pasa por ‘Welcome to New York’ y ‘I Know Places’, y Taylor aparece sola completamente en ‘This Love’.
Jack Antonoff, al que Taylor Swift había conocido haciendo ‘Sweeter than Fiction’ para la banda sonora de ‘One Chance’, se convertirá en la mano derecha de la artista desde ese instante y tendrá más protagonismo en el disco siguiente, ‘Reputation’ (2017), donde aparece en ‘Look What You Made Me Do’, la estupenda ‘Getaway Car’, ‘Dress’ o incluso ‘New Year’s Day’, que parece una canción escrita en solitario por Taylor al piano, pero no. Max Martin y Shellback permanecen en singles como ‘… Ready for It?’, ‘End Game’ con Ed Sheeran y Future y el que será el “dark horse” del álbum, ‘Delicate’. Ningún tema es escrito en solitario por Swift en esta ocasión…
… Pero sí en ‘Lover’ (2019), en concreto la exitosa canción titular además de otras 2 más de las 18 que componen el disco, ninguna de las cuales es ‘The Man’, un tema en el que Taylor critica el machismo en la industria musical, y que creó en compañía de Joel Little, conocido entonces por ser el primer co-autor de Lorde. También Joel Little aparece como co-autor en los singles principales ‘Me!’ y ‘You Need to Calm Down’, si bien es Jack Antonoff quien recibe los créditos más abundantes en el grueso del disco.
Llegando a la nueva etapa folk indie de Taylor Swift, la última que conocemos, en ‘folklore’ la única canción que escribe sola es ‘My Tears Ricochet’, la primera que se completó para el álbum, dedicada a Scott Borchetta, fundador de su viejo sello y dueño de sus viejos masters, lo que ha traído a Taylor por la calle de la amargura, llevándola a regrabar su música. La mayoría de las canciones -hasta 9- están compuestas mano a mano con Aaron Dessner de The National (como el single ‘Cardigan’), 4 están hechas junto a Jack Antonoff (‘August’) y alguna otra está hecha junto a Justin Vernon “Bon Iver” (‘Exile’) y William Bowery (‘Betty’).
El disco se escribió en cuarentena mediante el intercambio de archivos online entre Taylor Swift y sus compañeros habituales (Antonoff) y los nuevos fichajes (Aaron, Justin). Taylor se había interesado por el método compositivo de The National porque le gustan mucho y había tenido ocasión de conocerles primero en un capítulo de Saturday Night Live en 2014 y luego en un concierto en 2019. Aaron le explica que suelen mandar pistas instrumentales a Matt Berninger, el cantante, y él las va completando. Método de composición que aparece en ‘folklore’ y en su posterior álbum hermano ‘evermore’, en el que los créditos son casi calcados: la mayoría de los temas están co-escritos por Aaron Dessner, hay alguna coautoría de Jack Antonoff y Justin Vernon, y Taylor escribe sola un único tema, ‘No Body, No Crime’, la colaboración con Haim. Una “murder ballad” en la que un hombre asesina a su mujer cuando esta descubre que le está siendo infiel.
En esta última canción el folk ñoño de los inicios de Taylor Swift se ha transformado en americana más indie y oscura: era fácil suponer que ninguno de sus nuevos amigos, como las mismas Haim, serían co-autores/as de la canción. Sin los créditos delante, es imposible dilucidar qué escribió Taylor sola y qué no, lo cual no es malo para ella porque nunca ha dejado de sonar a sí misma, aunque con matices. Hay algo en su música que siempre grita y gritará para siempre «TAYLOR SWIFT» nos guste o no lo que estamos escuchando.
Neil Young ha anunciado que retirará sus canciones de Spotify si la plataforma mantiene ‘The Joe Rogan Experience’, el podcast más popular de Estados Unidos. El presentador difunde en el programa información falsa sobre el covid y recomienda a la población joven no vacunarse.
«Quiero que hagáis saber inmediatamente hoy a Spotify que quiero toda mi música fuera de su plataforma. Pueden tener a Rogan o a Young. No a los dos. Spotify está difundiendo información falsa sobre las vacunas, lo que podría causar la muerte de aquellos que se lo creen», demanda el canadiense en una carta dirigida a su equipo de managers y a Warner, según informa Rolling Stone. Además, añade que Spotify «tiene la responsabilidad de mitigar la difusión de información falsa en su plataforma, a pesar de que la empresa actualmente no tiene una política de desinformación».
El podcast al que hace referencia es uno de los más escuchados en el país y en él han entrevistado a personajes como Elon Musk o Jack Dorsey, fundador y exCEO de Twitter. Su presentador, Joe Rogan, se declara abiertamente antivacunas y en varias ocasiones ha difundido teorías conspirativas desinformando sobre los efectos del covid.
A finales del año pasado Robert Malone, médico antivacunas, pasó por el programa declarando que los estadounidenses estaban siendo “hipnotizados” por las medidas contra el covid debido a “la psicosis de formación masiva”. Por ello YouTube eliminó este episodio por violar su política de desinformación sobre la covid y Malone fue expulsado de Twitter. Además, tras la emisión de este capítulo 270 médicos médicos, enfermeras, científicos y educadores firmaron una carta abierta pidiendo a Spotify que detenga la difusión de información errónea sobre el covid.
“They can have [Joe] Rogan or Young,” Neil Young wrote in a letter to his manager and label, “Not both." Young demands Spotify remove his music over "false information about vaccines" https://t.co/f1u4bDAu1L
En medio de su campaña de reclutamiento, el ejército de Estados Unidos ha compartido en su cuenta oficial de Twitter un anuncio que ha sido objeto de burlas en la red social. En un twit escribían la siguiente cita: “Ser valiente significa saber que cuando caes, no caes para siempre- Lana de Rey”, junto a la foto de una mujer soldado arrastrándose en la arena en medio de un simulacro.
La publicación, cuyo objetivo era el de inspirar a soldados actuales y animar a potenciales candidatos a alistarse en las filas del ejército, se convirtió en un twit viral del que muchos se mofaron. Como Lucy Dacus, que respondió con un: «Me gustaría agradecer a esta publicación por haberme convencido para hacerme una lobotomía». Otros usuarios escribían twits como «El ejército de EE. UU. recluta a fans de Lana porque saben que están deprimidos y no tienen nada que perder», «cuando caes en combate es como para siempre» o «Esto sería lo más divertido que he visto en toda mi vida si no fuera por la distopía en la que vivo».
Algunos restaron credibilidad al ejército por usar una cita que la cantante no ha dicho jamás, como esta cuenta fan que escribía: “Lana Del Rey no solo nunca dijo estas palabras, sino que también se negó a promover el reclutamiento militar y canceló un vídeo musical de alto presupuesto que se suponía que patrocinaríais. Alejaos de ella”.
Esto lo corroboró el director Dylan Park, quien explicó que hace años iba a dirigir un vídeo de Lana del Rey inspirado en las Fuerzas Armadas. Contó que el ejército de EEUU se involucró en la producción y hasta le prestó equipo. Aseguró que todo iba de acuerdo a lo planeado hasta que el ejército intentó usar el vídeo para sus propios fines y “LDR dijo “que les jodan”.
Hasta el momento, ni el ejército estadounidense ni Lana del Rey han dado declaraciones al respecto.
"Being brave means knowing that when you fail, you don’t fail forever." -Lana Del Rey
Lol years ago I was going to direct a LDR music video. The theme was WWII to present-day military Americana. Like some Marilyn Monroe USO shit. The Army was going to finance it. Tanks, helicopters, the works. But Army wanted to use the video for recruiting and LDR said fuck that. https://t.co/t61nPHY5CR
Río Babel ha revelado dos nuevos nombres en su cartel de 2022: Rayden y Tanxugueiras. El anuncio de su incorporación al festival coincide con la recta final del Benidorm Fest donde ambos artistas compiten por representar a España en Eurovisión y con el lanzamiento conjunto de ‘Averno’, colaboración dtanto de uno como de otras, que verá la luz el próximo 28 de enero.
Tanxugueiras tienen una larga trayectoria en escenarios y dos discos. En 2021 dieron el salto definitivo a abrazar sonoridades urbanas y modernas. Sus nuevas canciones, como ‘Terra’ cuentan con miles de reproducciones y el público de Eurovisión ha internacionalizado su propuesta, que no para de sumar seguidores.
Por su parte, Rayden, recientemente celebró 20 años y 100 canciones con gran éxito desde el WiZink Center de Madrid. Además, acaba de publicar el libro ‘Cantinela (100 canciones y 99 finales alternativos)’ y sigue sumando nuevos temas que abren el rap a otras sonoridades como ‘Calle de la llorería’, una de las canciones favoritas para representar a España en Eurovisión 2022. Ambos se unen a esta edición del Río Babel, que encabezan C.Tangana, Dani Martín y Residente y que se celebrará el próximo julio en Madrid. Entradas a la venta en su web.
La Policía Nacional ha detenido en Madrid y Barcelona a los siete integrantes de una red que falsificaba pasaportes covid y PCR a famosos y delincuentes, con 1.600 personas investigadas por recurrir a sus servicios, entre ellas Omar Montes, según han informado medios como El Mundo. Entre los detenidos se encuentra una enfermera de un hospital público de Madrid que entraba en el registro oficial de vacunación para dar de alta a los interesados que pagaban entre 200 y 1.000 euros por el «certificado Covid».
Omar Montes está siendo investigado por haber recurrido a esta red para obtener los certificados de vacunación. Junto a su nombre aparecen otros como el de Ana María Cameno, conocida como la reina de la coca en España y S.R.G., alias Moli, que ha sido detenido por colaborar con «aluniceros» como especialista en robar y reventar cajas fuertes. Este hombre cumplió condena por homicidio imprudente al atropellar a una persona, en el distrito madrileño de Arganzuela, que murió en el hospital.
Omar Montes, que se encuentra actualmente en Miami, se ha defendido de estas acusaciones en sus redes sociales asegurando que él está vacunado y «muy concienciado con el uso de las vacunas como parte de la solución de la pandemia». «No puedo controlar todo lo que se pueda decir de mí, pero sí puedo demostrar cuando sea necesario todas estas falsedades. Una mentira más. Sigo trabajando! Abrazos desde Miami!», finaliza su comunicado.
Con esta operación, la Policía Nacional ha desarticulado la rama española de la organización que también proporcionaba pasaportes covid falsos en diferentes países de la Unión Europea.
A nadie sorprende que Years & Years sea ya tan sólo el proyecto en solitario de Olly Alexander: desde el principio se intuyó que su ego -es actor- era demasiado grande para la sala. Mikey Goldsworthy y Emre Türkmen habían mantenido un perfil bajo (¿alguien se sabía sus nombres?), por lo que el mal parecía menor. Desgraciadamente, el protagonismo cada vez mayor de Olly Alexander no ha venido acompañado de una calidad superior en las melodías, ni tampoco de unas producciones más refinadas. El segundo disco de Years & Years, ‘Palo Santo‘, pese a tener sus defensores, no desarrollaba ninguna de las grandes ideas vistas en su debut: la espontaneidad de ‘King’, los intereses tropicales de ‘Desire’ y ‘Take Shelter’.
Olly sí se ha consolidado como una voz necesaria sobre la salud mental y sobre la visibilidad LGTB+, pero precisamente porque desarrolla su carrera en un entorno tan habituado a las divas, es raro que no esté familiarizado con términos como «genérico» y «desesperado». Este tercer disco de Years & Years adolece de las dos cosas. «Genérico» porque las producciones de ‘Night Call’, realizadas junto a su mano derecha Mark Ralph, redundan en una música dance que carece del alma de una Jessie Ware o una Róisín Murphy. Incluso se ha contado con gente tan horterilla como Galantis: ¿era necesario llevar ‘Sweet Talker‘ a los terrenos más sobados por Clean Bandit?
‘Sooner or Later’ suena como un intento de actualización de Chris Isaak, que es lo mismo que decir que parece una de esas remezclas que pululan por ahí de Lana del Rey. Apenas ‘See You Again’ -sobre la muerte de su abuela en 2020- y ‘Crave’ podrían estar entre las producciones más interesantes. Una pena que esta última no sea más que un remedo de la Britney Spears de ‘I’m a Slave 4 U’ y la de ‘Blackout’.
También parece un disco «desesperado» porque, como a sabiendas de que no hay gran cosa que rascar, ‘Night Call’ nos viene decorado con una colección de bonus tracks descarada: el remix de ‘Starstruck’ con Kylie, el tema con Kylie ‘A Second to Midnight’, y por si fuera poco un CD2 con los “greatest hits” del grupo. Están ‘King’, ‘Shine’, ‘If You’re Over Me’, ‘Desire’, ‘Santify’, ‘Play’ y hasta la versión de ‘It’s a Sin’ junto a Elton John para la también cuestionable serie. Con esta estrategia, está claro que Years & Years no pasa por su momento mejor.
Antes de ese CD2, misteriosamente suenan 3 bonus tracks que no pertenecen a la edición más estándar del álbum: la sugerente ‘Immaculate’, ‘Muscle’ -inspirada en la cultura de gimnasio de la cultura gay- y ‘Reflection’ -sobre cierta crisis de identidad vivida durante la pandemia- añaden cierto punto de misterio en el último minuto. Desde luego suenan menos forzadas que ‘Starstruck’ y ‘Consequences’, un «quiero y no puedo ser Stevie Wonder y Prince» que te hará suplicar que vuelvan Daft Punk. Algo falla cuando la línea que delimita lo que es un bonus track y un single es tan fina como en ‘Night Call’.
Gonzalo Hermida ha dado positivo en covid a dos días de su participación en la segunda semifinal de Benidorm Fest con la balada ‘Quién lo diría’, el próximo jueves 27 de enero. El gaditano, que hoy habría realizado el primer ensayo de su actuación, ya no podrá actuar en Benidorm Fest y RTVE ha confirmado que emitirá el videoclip de la canción en su lugar.
En redes, Hermida ha comunicado que esta mañana se ha levantado «con un poco de malestar, frío y vértigos» y que la prueba de antígenos ha confirmado el resultado. El cantante ha explicado que está «roto» a causa de la noticia y ha defendido que «estamos en medio de una pandemia, he intentado evitarlo y estoy con la conciencia tranquilísima porque he luchado por no cogerlo en estos dos meses, a muerte, no he salido de casa».
Hermida llegó a Benidorm el domingo y este lunes 24 participó en una rueda de prensa junto a los compañeros de la segunda semifinal, entre ellos Rigoberta Bandini, Rayden y Javiera Mena. Hoy trasciende una imagen en la que los participantes de la segunda semifinal aparecen posando muy juntos sin mascarilla para las cámaras de la televisión pública. La incertidumbre es máxima por tanto, ante la posibilidad de que el contagio se haya expandido al resto de participantes.
A causa del positivo de Hermida ha quedado suspendida la rueda de prensa que iba a tener lugar esta tarde y a la de mañana acudirán únicamente los presentadores, estos son, Inés Hernand, Alaska y Màxim Huerta, ha explicado hoy María Eizaguirre, directora de comunicación de TVE. La organización de Benidorm Fest ruega a los artistas que permanezcan encerrados lo máximo posible.
‘Ay mama’ de Rigoberta Bandini saltando al top 40 de Spotify España y Leticia Dolera cantándola al volante en un Stories, dos Tanxugueiras arrastrándose como pueden hasta Benidorm recuperándose de la covid-19, Rayden hypeando al máximo la realización de su puesta en escena pidiendo al jurado que la valoren porque está pensada para televisión y no para el plató… No se había hablado tanto del proceso de selección de la canción española para Eurovisión desde los tiempos de Rosa o ni eso (sorry, Chikilicuatre).
También ha contribuido la decisión de alguien que ya no sigue con nosotros en esta aventura, Luna Ki, que decidía abandonar su candidatura este domingo por la imposibilidad de incorporar el Auto-Tune a su canción. En su defensa, ha hablado de la Cher de 1998, que ya es tan remota como la mismísima victoria en el festival de Dana International, y ha defendido que el Auto-Tune es a su canción lo que una guitarra eléctrica para una canción de rock. Y en eso tiene toda la razón.
El Auto-Tune, como también el uso de otras herramientas similares como el vocoder o el Melodyne, sí es el sonido de una generación como indica Luna Ki. Discos enteros de Kanye West han pasado por ahí, como innumerables grabaciones de artistas de primera línea como Frank Ocean, Daft Punk o hasta puretas como Radiohead, que jugaron con él ya en ‘Amnesiac’ (2001). Ha sido utilizado incluso por quienes tienen las voces más solventes y preciosistas del mercado, como es el caso de Rosalía, una cantante capaz de enmudecer a un país a capella como logró en la gala de los Goya 2019, que después también recurre a todo tipo de efectos como recurso estilístico y estético, por voluntad propia, sin necesitarlos.
Ahora bien, es cierto que Rosalía nunca dejaría de aparecer en un evento porque una canción requiriera de Auto-Tune. Seguramente se las ingeniaría para hacer otra cosa. Luna Ki, que ha asegurado que de ganar el Benidorm Fest y representar a España en Turín, habría tenido 3 meses para adaptar la canción a las exigencias del festival, podía haber ido planeando durante estas semanas una manera de salir del paso en la primera semifinal de este miércoles. Ya muchos nos olíamos la tostada, y las normas incluyen varias posibilidades: coristas haciendo el trabajo sucio, una voz pregrabada que no tenga la función de sustituir la voz principal y hasta una performance en la que no cantara absolutamente nada como aquella de Lorde en los premios MTV (aunque ella sí pudo servirse de una pista pregrabada a su antojo). Pero nunca dejar tirados a quienes habíamos seguido a estx artistx desde hits como ‘Septiembre’ y ‘Putón’, y a RTVE, que se la había jugado con una opción totalmente 2022, asignando a dedo a Luna Ki nada menos que la apertura de la primera semifinal.
Luna Ki se defiende asegurando que tan sólo fue el pasado miércoles cuando a RTVE le dijeron «desde Europa» que el Auto-Tune no podía ser utilizado en su actuación. Tampoco había que ser un lince para darse cuenta de que igual no iba a poder ser. ¿De verdad a nadie se le había ocurrido? Los malpensados del lugar apuntan a una maniobra de márketing que ha salido muy bien: Luna Ki ha sido «trending topic» durante 2 días, ‘Voy a morir’ supera el millón de streamings en Spotify y todos veremos su vídeo a falta del montaje que tenía preparado para el directo dentro de un montón de chanantes cajas de cartón. El vídeo «desde 2034» en que lo explica, en toda su edición y post-producción, insinúa dos cosas: o bien que Luna Ki tenía todo esto orquestado, o bien que va a cuidar cada uno de sus pasos para mostrar al mundo que es unx artistx con entidad y discurso propios. Desde luego, no tiene ningún desperdicio.
Con todo lo decepcionante que es que mañana no veamos este show en primetime y en La 1, porque por supuesto RTVE no ha consentido que se programe fuera de concurso, pues bastante bobo ha de sentirse ya todo ese nuevo equipo que está o estaba rejuveneciendo el discurso; hay que reconocer a Luna Ki que posiblemente haya jugado un papel decisivo en la historia del festival, que ha ido modernizándose muy poco a poco, para bien o para mal.
Para mal porque era un espectáculo escuchar las orquestas en vivo, por ejemplo para España dirigidas por Manuel Alejandro y Juan Carlos Calderón durante los años 60 y 70. A veces el director salía con el intérprete y saludaba, como en 1966 Rafael Ibarbia acompañando a Raphael. Incluso cuando la música iba en playback, la orquesta pudo seguir siendo en directo durante unos años y ese es uno de los motivos por los que la actuación de ‘Bandido’ es tan espectacular. Sí, la base va pregrabada, como explica el director de orquesta Eduardo Leyva en el podcast Pasión Eurovisión bajo estas líneas (minuto 50), pero cuando entra la orquesta de un visiblemente disgustado Leyva en el minuto 3.24, aquello es un subidón. «Brown Sugar» -como las llama este locutor- quedaron en el 5º puesto.
7 años después de ‘Bandido’ se consintió que toda la música pudiera ser pregrabada y en 1999 Israel directamente no ofreció orquesta, obligando a todos los participantes a usar únicamente pistas de apoyo pregrabadas por primera vez. Ya no es una posibilidad tener instrumentación en vivo, para desesperación de amantes de lo puro como Salvador Sobral, Amaia y Alfred o Måneskin, a los que encantaría acariciar un piano o hacer rugir una guitarra allí mismo. Bajo el imperativo de «esto es tele y el escenario tiene que montarse y desmontarse no en cuestión de minutos sino de segundos», el festival ha perdido esa parte de autenticidad.
Para bien, el festival ha ido modernizándose obligado en parte por el público LGTB+, el que ha mantenido el festival en sus años bajos, y en general habituado a una buena performance sobre todas las cosas, y para muestra el éxito de formatos como RuPaul. Parece cuestión de tiempo que las normas se adapten a lo que las modas nos traigan.
24 años después de ‘Believe’, el Auto-tune está plenamente asentado en los conciertos que vemos a diario sobre todo entre los artistas antes llamados de música urbana. No parece tan mala idea que el público y el jurado decidan cuándo el recurso sirve para enriquecer una canción, como fue el caso de Cher; cuándo es el único recurso de la persona, como parece el caso de Luna Ki hasta que demuestre lo contrario; y cuándo es peor el remedio que la enfermedad. Hasta ahora Madonna es la única que ha utilizado el Auto-Tune sobre las tablas eurovisivas, especialmente durante su interpretación de ‘Future’, y no es que saliera muy bien parada: el público interpretó que lo había hecho tan mal que todo el mensaje político del tema, del conflicto palestino-israelí al cambio climático, pasó completamente desapercibido.
Si Eurovisión decide, algún día, ceder a los imperativos del siglo XXI, Luna Ki habrá tenido su pequeño lugar en la historia del festival. Y para aquellos que critican -criticamos- que tenía que haber preguntado si podía utilizar Auto-tune antes de presentarse, lo cierto es que no habría habido tal revuelo si ese hubiera sido el caso. Con esas alas de metal que se ha puesto en su videosaludo enviado «desde 2034», que quién sabe si será el año en que se aprueben las nuevas normas, parece querernos decir que confía en que la lucha más eficiente contra el sistema sea la que se hace desde dentro.
Podcast: pros y contras de los 14 temas de Benidorm Fest
Sónar se desdobla en Lisboa, como ya hiciera en Reykjavík. Sónar Lisboa transcurrirá los próximos 8, 9 y 10 de abril simultáneamente en el Pavilhão Carlos Lopes, el Coliseu dos Recreios y el Centro de Congressos de Lisboa, junto con el Hub Criativo do Beato para las actividades de Sónar+D.
Arca, Bicep, DJ Shadow, Partiboi69, Overmono, Dixon y Richie Hawtin son algunos de los nombres de alcance internacional destacados entre los más de 40 que se incorporan hoy a la programación de Sónar Lisboa 2022. Estos hacen tándem con los previamente anunciados, como The Blaze, Charlotte de Witte, Nina Kraviz, Floating Points, India Jordan, Honey Dijon, Héctor Oaks, Nicola Cruz o Thundercat, entre muchos otros.
Le escena portuguesa actual estará ampliamente representada con figuras como DJ Marfox, Shaka Lion, DJ Lycox o Nídia, a los que se suman hoy otros como BLEID, Acid Alice, Violet live, Helena Guedes o el aclamado live del angoleño-portugués Dj Nigga Fox.
Desde hoy están a la venta las entradas individuales para asistir a cada uno de los días y noches en cada uno de los espacios de Sónar Lisboa 2022, así como los Abonos VIP que dan acceso a toda la programación. Encontrarás más información en las webs de Sónar Lisboa y Sónar.
Como ha solido ser habitual, la edición original de Sónar se celebrará en junio en Barcelona, con un cartel que además de con Arca cuenta con los Chemical Brothers, Oneohtrix Point Never o C. Tangana, entre otros artistas.
Yard Act es un grupo de post-punk de Leeds que acaba de publicar su álbum debut, ‘The Overload’, a través de Island Records. La banda formada por James Smith (voz, letras), Ryan Needham (bajo), Sam Shjipstone (guitarra) y Jay Russell (batería) es una de las sensaciones del momento en Reino Unido a nivel crítico y comercial, pues no solo ha sido nominada al BBC Sound of 2022 (ganado por PinkPantheress) sino que, además, ‘The Overload’ se encuentra ahora mismo en el top 2 de las «midweeks» británicas. Solo Years & Years impide a la formación debutar en el número 1 este viernes.
¿Cuál es el secreto? Yard Act es otro grupo de post-punk que recuerda a mil cosas pero se diferencia de bandas contemporáneas como Fontaines D.C. o shame en que sus canciones son harto divertidas y desenfadadas. El cantante suena a veces como Mark E. Smith, pero muchas otras en realidad como Alex Kapranos, y letras como la de ‘Rich’ son deliberadamente cómicas.
‘The Overload’ es por tanto un disco muy ameno de escuchar, y la pista titular es hoy la Canción Del Día pues es una de las más divertidas. El estribillo coral es una fiesta a pesar de que habla de un sentimiento de hastío vital («la sobrecarga de descontento, el continuo peso de que todo tenga que tener sentido») y la letra está «cargada» de ironía.
Son tres los narradores que encontramos en ‘The Overload’. En primer lugar el protagonista es un joven que vive en la precariedad y nos cuenta que «lleva exhausto desde el 83» y que intenta sobrevivir en la «era de la salvaje gentrificación»; el segundo narrador es un anciano que se queja de que la gente joven se queje cuando «no ha visto un pulmón de acero» en su vida, y el tercero es el ejecutivo de una discográfica que trata de coartar la libertad creativa de la banda, con consejos como «toca solo versiones», «no te metas en política» o «hazme caso porque si no me retas en nada en realidad soy puto majísimo».
Las letras de Yard Act están llenas de personajes y sus videoclips necesariamente también. Así, el de ‘The Overload’ sitúa a la banda en un mercadillo lleno de personajes excéntricos que parecen salidos de una feria de «freaks».
‘Heat Waves’ de Glass Animals al fin alcanza el número 1 en el top 50 de canciones más escuchadas en Spotify a nivel global. El éxito de ‘Dreamland’ llevaba semanas atascado en el número 2, peleando por el puesto de honor contra ‘abcdefu’ de la artista revelación GAYLE, pero también llevaba más tiempo subiendo puestos poco a poco, sin prisa pero sin pausa.
La repercusión alcanzada por ‘Heat Waves’ ya merecía ser comentada en febrero de 2021, hace un año, cuando la canción «apenas» contaba 140 millones de reproducciones en la plataforma sueca. Hoy supera holgadamente los mil millones porque la gente no se cansa de ella pero también porque -cabe recordar- es una canción que sale en junio… de 2020. De hecho, su éxito es directamente asociable a la pandemia, época durante la cual ‘Heat Waves’ se convierte en un «enorme himno de resistencia al confinamiento», como comentamos ya entonces, pues su videoclip habla del aislamiento social.
‘Heat Waves’ debe su éxito inicial no solo a la pandemia, sino también a TikTok y también a un popular «fanfic» creado por dos Youtubers que juegan a Minecraft, pero es una de las pocas canciones que milagrosamente han conseguido trascender la plataforma para realmente llegar al mainstream: hoy acumula 7 discos de Platino en Australia, 3 en Estados Unidos, otro en Reino Unido y un Disco de Oro en España, entre otros países en los que también ha sido un enorme éxito traducido en varios Discos de Platino, como Canadá, Alemania, Italia, Dinamarca o Portugal. Todo esto sin que fuera número 1 global en Spotify todavía.
Hay quien dirá que Glass Animals lo tenían más o menos «fácil» para petarlo en algún momento porque están asociados a sellos como Capitol o Polydor que no son exactamente «indies» y todo el mundo sabe que un buen posicionamiento en la playlist de turno hace milagros, pero también es cierto que a Glass Animals el éxito de ‘Heat Waves’ se les ha ido totalmente de las manos, hasta el punto que corren el riesgo de ser considerados unos «one-hit-wonder» (o, de momento, Artista revelación en los Grammys) cuando llevan ya tresálbumes muy bien valorados y una carrera sólida a sus espaldas.
Mientras el éxito de ‘Heat Waves’ toca techo irónicamente en pleno invierno, y cuando aún queda por descubrir cuánta mecha le queda de cara al verano que se avecina, un nuevo single de Glass Animals está disponible desde el pasado mes de septiembre. Se trata de un tema simpático y bailongo llamado ‘I Don’t Wanna Talk (I Just Wanna Dance)’ que no igualará el éxito de ‘Heat Waves’… o sí. ¿Quién puede adivinar nada a estas alturas?
Damon Albarn carga contra Taylor Swift durante una entrevista para Los Angeles Times argumentando que “ella no escribe todas sus canciones” sino que las “co-escribe”, algo que choca con su visión “tradicionalista” sobre la composición.
En medio de la promoción de su nuevo disco ‘The Nearer The Fountain, More Pure The Stream Flows’ y su show en el Walt Disney Concert Hall, el cantante de Blur y Gorillaz contaba lo expuesto que le deja actuar solo con el piano, algo que es mucho más difícil que con una banda completa. “Aprendes si las canciones son buenas o si eran populares en ese momento debido al sonido y la actitud”, dijo.
El entrevistador le pregunta si cree que muchos artistas modernos se basan en «el sonido y la actitud» en lugar de la calidad atemporal de su música y él responde: “Dime alguien que no”. Aquí es cuando se le sugiere que Taylor Swift es “una excelente compositora”, a lo que Albarn responde contundente: “ella no escribe sus propias canciones”. El entrevistador menciona la validez de la co-escritura, pero no que Taylor Swift sí ha escrito sola muchas de sus canciones.
Albarn prosigue: “Eso no cuenta, sé lo que es co-escribir. La co-escritura es muy diferente a la escritura. No estoy lanzando odio a nadie, solo digo que hay una gran diferencia entre un compositor y un compositor que co-escribe. No significa que el resultado no pueda ser realmente bueno y salgan algunos de los mejores cantantes: Ella Fitzgerald nunca escribió una canción en su vida. Cuando canto, tengo que cerrar los ojos y simplemente estar ahí. Supongo que soy un tradicionalista en ese sentido. Unos compositores realmente interesantes son Billie Eilish y su hermano. Me atrae más eso que Taylor Swift. Es simplemente más oscuro, infinitamente menos optimista. Mucho menor y extraño. Creo que ella (Billie) es excepcional”. Tras estas declaraciones la entrevista siguió tratando temas como las fiestas de Boris Johnson durante el confinamiento, los 25 años que cumple Blur el mes que viene o el reciente documental de los Beatles.
Taylor Swift no ha tardado en responder a Damon Albarn, indicando que era fan de su trabajo, pero ya no, y recordando que sí escribe sus canciones: «Era una gran fan tuya hasta que he visto esto. Escribo TODAS mis canciones. Tu cita es falsa y MUY dañina. No te tienen que gustar mis canciones, pero es muy jodido que intentes desacreditar mi autoría. GUAY».
En defensa de Taylor han salido sus colaboradores Jack Antonoff y Aaron Dessner. El primero ha manifestado que «nunca he conocido a Damon Albarn y él jamás ha estado en mi estudio pero aparentemente él sabe más que el resto de nosotros acerca de las canciones que Taylor escribe y trae al estudio». A lo que ha añadido: «Si has estado ahí adelante, di lo que quieras… pero si no, ¿cállate la puta poca?» Por su parte, Dessner ha dicho: «No estoy muy seguro por qué Damon Albarn querría desacreditar el brillante talento para la composición de Taylor pero tus declaraciones no podrían estar más lejos de la verdad, y te lo digo como persona que ha estado prensando vinilos con ella. Obviamente no tienes ni la mejor idea de cuál es su proceso de composición».
En el mismo hilo de Twitter, Damon Albarn ha contestado a Swift y ha culpado a la prensa por sacar sus palabras de contexto: «Estoy totalmente de acuerdo contigo, tuve esta conversación sobre la escritura de canciones y lamentablemente ha sido reducida a clickbait. Me disculpo sin reservas ni condiciones. Lo último que querría es desacreditar tu talento para componer. Espero que lo entiendas».
@DamonAlbarn I was such a big fan of yours until I saw this. I write ALL of my own songs. Your hot take is completely false and SO damaging. You don’t have to like my songs but it’s really fucked up to try and discredit my writing. WOW. https://t.co/t6GyXBU2Jd
I totally agree with you. i had a conversation about songwriting and sadly it was reduced to clickbait. I apologise unreservedly and unconditionally. The last thing I would want to do is discredit your songwriting. I hope you understand. – Damon
Bad Bunny ha vuelto a manifestarse en Instagram tras borrar todas sus publicaciones de la red social y pasarse a TikTok, la app de moda. Ha regresado para anunciar su gira para 2022 con un clip en el que aparece su novia Gabriela Berlingeri, que le pide que no le deje sola, y Mario Casas, quien le servirá de compañía mientras el cantante esté fuera ofreciendo conciertos.
Bad Bunny se pone reflexivo y cuenta que “hay que empezar a preocuparnos menos y disfrutar más porque la vida va demasiado rápido, así que se vendieron las entradas para el último tour del mundo”. Y lanza una pregunta al aire: “Estaba pensando: ¿qué tal si anuncio mi siguiente gira? Así que en lo que yo trabajo en mi nuevo álbum que sale este año, ustedes pueden comprar los boletos para la siguiente gira». De esta forma, anuncia no solo gira para este año sino también el estreno de un nuevo disco.
‘World’s Hottest Tour’ es el nombre de esta nueva gira que por primera vez se realizará en estadios. Por el momento el puertorriqueño ha anunciado fechas solamente en Estados Unidos y Latinoamérica, algo que ya está preocupando a sus fans, que le preguntan por conciertos en Europa, concretamente en España.
León Benavente llegan a su cuarto disco convertidos en el mejor ejemplo de grupo collage. Y no lo digo de manera peyorativa: ellos mismos usan la palabra «collage» en la nota de prensa de presentación de ‘Era’, al tiempo que no ocultan en la misma sus muchísimas inspiraciones.
A menudo para el cuarteto el método compositivo es poner algo de música que les gusta… tan sólo para llevarlo al lugar más impensado. ‘Líbrame del mal‘, el single principal de ‘Era’, reúne una dedicatoria a Rafael Berrio con el tipo de narrador de Bob Dylan en ‘A Hard Rain’s Gonna Fall’, un libro de María Salgado y una frase de ‘Blade Runner’, todo ello sobre una base finalmente un tanto New Order circa ‘Temptation’. Maria Abramovic es una referencia en ‘La Gran Muralla’, como Pink Floyd lo son en ‘Canciones para no dormir’ y ‘Te comes mi corazón’ es una colaboración con Triángulo de Amor Bizarro en la que caben lo mismo Einstürzende Neubauten que James Baldwin y Leonard Cohen.
En su momento más crítico ‘Era’ es un amasijo de contradicciones, especialmente cuando el grupo trata de reírse de sí mismo en ‘Viejos rockeros viejos’, que invita a una retirada a tiempo («hay que saber irse de una fiesta antes de que se vayan los demás»), pretendiendo ser crítica con los «viejos rockeros» que se niegan a renovar su discurso. Algo raro cuando titulan un tema ‘Di no a la nostalgia’ dentro de un disco en el que caben muchísimas referencias a los años 70 y a los 80, y muy pocas al mundo actual (hasta el disco de Los Planetas reivindica a Khaled).
En su mejor momento, en cambio, ‘Era’ vuelve a ser otro discazo de León Benavente, lleno de hitazos creados como para darnos todo en los festivales aunque ellos digan que no, construcciones in crescendo y canciones-río fluyendo a toda pastilla hacia el mar.
Para no estancarse, el cuarteto ha forzado un cambio de roles, con Eduardo Baos más centrado en programaciones electrónicas, Luis Rodríguez cambiando la guitarra por el bajo, César Verdú usando la batería en lugar de las cajas de ritmos y Abraham Boba tocando por primera vez un piano acústico. Triángulo de Amor Bizarro se llevan totalmente a su terreno la agresiva e industrial ‘Te comes mi corazón’, pues no han seguido precisamente las indicaciones que les dieron León Benavente para completar el tema, sino más bien todo lo contrario; y también entre las novedades suculentas están las cuerdas aportadas por Philip Peterson (Lana del Rey, St Vincent, HAIM) en ‘La cámara de ecos’, que nos recuerda que una de las primeras voces con que quisieron colaborar León Benavente fue la de Iranzu Valencia de La Buena Vida.
Estamos hablando, eso sí, de las dos últimas canciones cuando en ‘Era’ lo que abunda es aún la imaginería kraut, synth-pop e industrial. Sea por el tipo de máquinas o por la marca de la casa, Kraftwerk, Throbbing Gristle y Depeche Mode continúan pareciendo la referencia en temas que pululan entre las pistas de baile de James Murphy y el existencialismo. Uno de los temas más emocionantes es ‘Persona’, que entre referencias a Bergman, versa sobre la ambición y la frustración («persona que lo hace mal (…) deseando ser otra persona»), consciente de la diferencia entre «lo que se imagina y lo que luego hay». Un malestar que aparece especialmente resumido en un verso de ‘La cámara de ecos’ que hace un paralelismo entre el vacío de acumular amantes y dinero («saltas de cama en cama / y ves parecidos entre esta actuación / y la acumulación de capital»).
Pese a la melancolía en algunos textos y melodías, León Benavente rehuyen la idea de hacer un disco triste, y el humor y la esperanza son también ingredientes imprescindibles de su receta. ‘Mítico’ es otro de los grandes posibles singles del álbum que todavía no han salido, pasado por un octavador con el que han tratado de «matar al cantante»: resulta casi tan divertido como la voz masculina de ‘Rufino’. Y ‘Todas las letras’ es un entretenimiento de abecedario junto a Miren Iza de Tulsa, inspirado por la exposición ‘The Atomic Alphabet’ de Chris Burden. H de «nuestra vida en HD», I de intenso, K de kraken, L de LCD y W de «algo en inglés» están entre sus ocurrencias, que nos sirven para continuar comprendiendo a León Benavente, hace ya mucho tiempo una de las bandas imprescindibles del pop nacional. La voz de una generación o dos, a medio camino entre la angustia y la lucha contra la misma.
Alison Moira Clarkson, más conocida como Betty Boo, ha regresado con su primer single en solitario después de 30 años. La británica samplea ‘Love Action’ de Human League en su nuevo tema pop ‘Get Me To The Weekend’, en el que no puede esperar a que llegue el fin de semana para volverse loca, escaparse, “olvidarse del trabajo y las facturas” y hacer de todo en las “minivacaciones” que son los días del finde.
Betty Boo cuenta en una entrevista para BBC Radio 2 el significado detrás de la canción: “Durante el confinamiento todos los días se fusionaron en uno solo. El fin de semana no parecía llegar nunca. Pensé que debía escribir una canción sobre eso. Pensar en salir y tener unas vacaciones”. ‘Get Me To The Weekend’ es el primer adelanto de su nuevo álbum que tiene previsto ver la luz a finales de este año.
Betty Boo se dio a conocer con el single junto a The Beatmasters ‘Hey DJ/I Can’t Dance (To That Music You’re Playing)’ en 1989. La artista alcanzó el Top 10 en Reino Unido en los 90s con los temas ‘Doin The Do’ y ‘Where Are You Baby?’, que lograron posicionarse en los puestos 9 y 10 en España, respectivamente.
En 1990 lanzó su álbum ‘Boomania’ y dos años después ‘GRRR! It’s Betty Boo’, antes de retirarse de su carrera en solitario. Después escribió canciones para otros artistas pop como ‘Pure And Simple’ para la banda Hear’Say y ‘Mars Attack’, ‘Boogie Down Love’ y ‘Love Bomb’ para Girls Aloud en su álbum de 2003 ‘Sound Of The Underground’.
En una entrevista para NME Betty Bo habla sobre su experiencia trabajando con Girls Aloud: “Ser una post estrella pop era como ser un ex-futbolista y trabajar en un club, aunque no tan bien pagado. Fue un poco mierda”. «Manejar las voces en un grupo es difícil porque quieres presentar a todos por igual y no presentar al mejor cantante, porque si no, los demás se molestan. Trabajé con una banda de chicas -no Girls Aloud- y una de sus madres entró al estudio exigiendo: “¿Puedes subir el micrófono de mi hija?” y yo como: “¡Vete de mi estudio!”», confesó.
Rammstein planean publicar una versión de ‘Entre dos tierras’ de Héroes del Silencio. Verá la luz esta primavera y formará parte de su nuevo álbum. Así lo ha confirmado un miembro del grupo zaragozano en el Heraldo de Aragón.
En este diario el guitarrista y cofundador del grupo, Juan Valdivia hablaba así sobre Rammstein: “Es un grupo cañero, y nos alegramos mucho de que la canción les guste hasta el punto de hacer una versión. Aunque también me parece muy bonito el trabajo de los grupos tributo que tenemos. Tuvimos cierto impacto en Alemania, y supongo que de ahí viene la cosa. Me la mandaron y les ha quedado muy bien. ¿Que si me choca lo de que sea en español? No, hombre, cantan en español en Alemania, nosotros hicimos lo mismo -ríe- hace treinta años. Fue una suerte contar con Phil y su ingeniero de sonido, el equipo técnico de aquel disco fue increíble”.
El ingeniero de sonido al que hace referencia es Phil Manzanera. Este, además de trabajar con ellos, ha colaborado con artistas como Pink Floyd, Antonio Vega o Mónica Naranjo. Joaquín Cardiel y Pedro Andreu, bajista y batería del grupo, cuentan que esta versión “se siente como un homenaje” y “un regalo de la vida realmente sorprendente”.
El nuevo álbum de Rammstein verá la luz antes de este primer semestre del 2022. Seguramente lo publicarán antes de iniciar su gira, que empieza el 15 de mayo en Praga y termina el 4 de octubre en Ciudad de México.
‘Entre dos tierras’ fue el tema que abrió el segundo disco de Héroes del Silencio, ‘Senderos de traición’, todo un clásico del rock español. El disco llegó a ser número 1 en España. En Alemania se llegó a emitir en las radios underground suponiendo el arranque del éxito de Héroes del Silencio en este país y en Europa.
En esta reciente conversación via Zoom, un locuaz Elvis Costello nos habla de su último disco ‘The Boy Named If’, de colaborar con Vega, de su admiración por Ronnie Spector, de regrabar su legendario ‘This Year’s Model’ en castellano, de la pandemia, y de su amor por el público español. La conversación comienza tras preguntarme dónde me encuentro (Pamplona) y contarme que él se encuentra en Nueva York, y que ve la nieve a través de la ventana. Foto: Mark Seliger.
Cuéntanos acerca de la concepción de este disco, aparecido en un momento muy prolífico de tu carrera…
Las canciones vinieron a mí muy rápidamente, quizá porque las compuse guitarra en mano, y porque mi única decisión de antemano fue mantener un cierto tempo y que predominase la tonalidad mayor. Además creo que las letras salen más fácilmente cuando compones con la guitarra, quizá porque el ritmo está definido más claramente.
¿Cómo fue esa grabación a distancia?
Conforme fui compartiendo las canciones con los Imposters, ellos entendieron enseguida lo que pretendía hacer. Inicialmente hubo un diálogo entre batería, voz y guitarra, y poco después Davey con el bajo aportó su “groove” y Steve [teclados] sabía perfectamente dónde debía tocar… En definitiva, no tan distinto a como trabajamos habitualmente, sólo que lo hicimos en lugares diferentes. De hecho yo estaba en el porche trasero, y eso que esta música no suena mucho a “back porch music” (risas)… grabé casi todo ahí, y de vez en cuando tenía que parar porque aterrizaba un hidroavión, que en Vancouver es bastante habitual. Pete Thomas estaba en su sótano con su batería Gretsch, es el mismo kit que tenía cuando le conocí, con el que grabó ‘This Year’s Model’. Para él es tan importante como mí Fender Jazzmaster. En este disco sólo he usado esa guitarra, yo también.
Y una vez grabado todo lo coprodujiste con Sebastian Krys…
Bueno, todo el mérito le corresponde a Sebastian por su bonita mezcla. Por supuesto yo le indicaba en plan “este detalle debería sonar un poco más presente”, o “mi voz está demasiado alta”, pero poco más. Hemos ido construyendo una amistad desde que le conocí, hacia 2007, en Miami. Yo estaba metido en un encargo muy difícil, estaba escribiendo música para el Miami City Ballet, para Twilla Tharpe, luchando por mantener bien el equilibrio entre una banda y una orquesta, y entonces me invitó a cantar con La Marisoul de La Santa Cecilia, y luego me presentó a Vega, y canté una canción en italiano con ella… Sebastian había trabajado mucho con Pete y Davey, ya que viven en Los Angeles, y entonces ocurrieron varias cosas que me acercaron más a él: me di cuenta de que tocaba volver a reunirme con los Imposters después de un tiempo haciendo cosas con otra gente, e incluso había decidido que no grabaría nada más, allá por 2011… pensé en que me concentraría en los directos y nada más, y así estuve casi diez años.
Sin embargo no fue exactamente así, ¿no?
Claro, en cuanto tomas una decisión así alguien piensa que es una mala idea. Me invitaron a tocar con The Roots, y me invitaron a participar en las ‘New Basement Tapes’… y bueno, desde ese reencuentro de 2018 con The Imposters, ‘Look Now’, la actividad no ha parado. Luego nos pidieron remezclar ‘This Year’s Girl’ para una serie de la televisión italiana, lo cual supuso recuperar las cintas originales del disco después de 40 años… y entonces los del programa nos pidieron una voz femenina en el segundo estribillo y añadimos a nuestra amiga Natalie Bergman. Y no tengo ni idea de dónde me vino la idea, pero entonces se me ocurrió “¡vamos a regrabar todas estas canciones en castellano!”.
«Si pudiera escribir una canción con Vega o Raquel Sofía o para ellas, lo haría ahora mismo».
Ahí nació el proyecto ‘Spanish Model’…
Sí. Por suerte Sebastian no pensó que había perdido la cabeza y le dio una vuelta al proyecto. Empezamos a buscar cantantes que encajasen en cada canción. A veces había dos o tres candidatos y yo escuchaba atentamente todos esos estilos tan diferentes y trataba de imaginarme el resultado… y de ahí salió una comunidad de amigos realmente maravillosa, que es como así los considero ahora, porque aportaron tanto talento, integridad, y en algunos casos, como en el de Fito Páez en ‘Radio, Radio’, estilo y humor. Y en canciones como la de Francisca y Luis Humberto cantando ‘Hand in Hand’ se realza la melodía, le sacan un precioso timbre con sus voces, o por supuesto la emoción de La Marisoul cantando ‘Detonantes’. Y otras curiosidades, como alguien que está en el momento más explosivo de su estrellato pop, Sebastián Yatra, presentando ‘Llorar’ a su público, que no tienen ni idea de quién soy yo. No importa, para ellos soy simplemente el compositor de esta nueva canción suya y ya está. El disco está lleno de maravillosas sorpresas y estoy muy agradecido a Juanes, a Luis Fonsi, cantantes de la América hispana, algo que incluye Texas, California… o gente como Raquel Sofía, o Vega: me digo “si pudiera escribir una canción con ellas, o para ellas, lo haría ahora mismo”.
Pero entonces ¿estos eran artistas que conocías, o que te sugirió Sebastian?
Bueno, conocía a Fito, he estado en su casa en Buenos Aires, conocía obviamente a Marisoul… y pronto fui familiarizándome con todos los demás si no los conocía, o si no había escuchado su música en algunos casos. Pero estaba claro que todos tenían la energía adecuada, y a veces elegíamos deliberadamente a alguien inesperado para algunas canciones. También ocurrió que algunos de los más jóvenes tuvieron que aparcar un poco algunas cosas a las que están acostumbrados, como por ejemplo grabar con claqueta, o Autotune… ¡no hay Autotune! (risas)
Igual no puedes elegir, pero ¿cuál dirías que es tu letra favorita del nuevo disco, y también tu melodía preferida? Mi letra favorita es ‘Paint Red Rose Blue’, y quizá también su melodía.
Gracias. En cuanto a melodía, esa me gusta mucho. Es una pieza con bastante emoción, porque trata de dos personas que intentan amar de nuevo después de sufrir mucho trauma. También me gusta ‘Mr Crescent’, la última melodía del disco, porque es muy añorante, y es un buen cierre después de todas esas piezas sobre el final de la niñez, porque va de un viejo sinvergüenza al final de su vida.
«El disco nuevo parte de ese amigo imaginario infantil al que culpar de todo, algo que empieza a perder la gracia conforme cumples 25, 37, 48…»
… que es un poco el concepto del disco, ¿no? Ese momento de pérdida de la inocencia al entrar en la adolescencia.
Sí, partiendo de la idea de ese amigo imaginario infantil al que echarle la culpa de todo, algo que empieza a perder la gracia conforme cumples 25, 37, 48, etcétera. Pero intento contar esa historia y esos momentos confusos sin moralizar, sin dejar las canciones perfectamente acabadas con un lacito, quería dejarle espacio a la imaginación del oyente. Por ejemplo, el hecho de que no sepas exactamente lo que está pasando, como en ‘My Most Beautiful Mistake’, que empieza como un flirteo entre un guionista y la camarera que le sirve en una cantina. Cuando él le dice “creo que podrías ser mi inspiración” ella le dice “sí, claro…”, en la voz de Nicole Atkins. Pero entonces empieza a volverse más surrealista: ¿es real lo que describe la letra o quizá es algo que está ocurriendo en una película?
Y ahí haces una mención muy guay a las Marvelettes.
Sí, precisamente eso es lo que sugiere que quizá sea la escena de una película, y eso es parte de la banda sonora. Luego al final hay ese verso donde ella dice que igual le conmutan la pena, así que… ¿quizá le mata al final de la canción, en plan peli de Hollywood? Pero en fin, tampoco hay un tema único en todo el disco. Creo que aunque escribí las letras con rapidez, tuve claro lo que cuentan, y lo que tienen en común son ciertas conexiones. Una vez que decidí que ‘A Boy Named If’ sería el título, pensé que encontraríamos a ese chico en distintos momentos de su vida en las distintas canciones, quizá no el mismo chico, pero esa parte común que tenemos todos en el interior que al hacernos mayores en algunos madura y en otros quizás no.
Has sido muy fan de toda la escena del Edificio Brill, no sólo por esa mención a las Marvelettes, de hecho has colaborado con gente como Burt Bacharach y Carole King. ¿Qué piensas de Ronnie Spector, recientemente fallecida?
Bueno, ella es responsable de una parte muy conocida de mi repertorio [empieza a cantar]: “oh-oh-oh-o-oh…” Es el verso final, sin letra, que cierra ‘Oliver’s Army’, algo que viene completamente de Ronnie, o de Darlene Love. Ya sabes, almacenas pequeños fraseos que canta otra gente e intentas que salgan de tu boca de una forma que no te avergüence. Ronnie era una cantante tremenda. Estuve con ella un par de veces, brevemente. He encontrado una foto de nosotros dos juntos, en un evento a favor de los derechos de los músicos, para pedir compensaciones justas para artistas que grabaron en los 60, y tenía un aspecto espléndido. Una noticia muy triste, tuvo un camino muy duro en muchos sentidos, pero consiguió mantener ese algo especial. Y Darlene obviamente también, y además hizo una de mis canciones. Al hablar de esa era no se puede evitar hablar de estas dos cantantes porque, además de Tina Turner, eran las voces de Spector. Y todo lo que pasó con él es horroroso… así que es increíble la fuerza que todas estas personas tuvieron para pasar por eso y seguir cantando en la actualidad, en el caso de Darlene, como el primer día.
Mi hijo es muy fan de ‘Pete the Cat’, serie de dibujos para la que compusiste música y pones voz también. Me ha dicho que te diga que tu voz es muy cool.
¡Ja ja ja! Ah, eso me alegra muchísimo. Pues mira, es muy gracioso: nos pidieron a mí y a mi mujer que hiciéramos la música y las voces, y la verdad es que a mí me gusta hacer voces en plan de broma. El caso es que el día que iba a grabar por primera vez tenía un resfriado, y me salió una voz así como… rara. Así que el problema por supuesto fue que cuando fui a la siguiente sesión tuve que encontrar esa voz otra vez dentro de mí. Una voz que hecho sonaba un poco como David Beckham (risas). No me parezco a él, pero puedo hacer esa voz. Fue divertido participar, aunque por desgracia no pudimos hacer más que la primera temporada, es muy difícil compatibilizar ese trabajo con nuestro trabajo habitual, que es básicamente actuar ante gente.
Aunque en los últimos dos años no habéis podido hacerlo mucho, ¿verdad?
Sí, los últimos dos, tres años, han sido muy extraños. Creo que más para Diana que para mí, porque el tipo de música que ella toca implica un intercambio instantáneo de ideas entre los músicos, y sentirlo en la misma sala todos juntos, mientras que la relativa tosquedad de lo que yo hago con lo Imposters significa que podemos hacer algo como este disco. Estoy seguro de que si hubiésemos intentado hacer algo más delicado y sutil nos habría planteado más dificultades. La gira más reciente de Diana se tuvo que aplazar y va a empezar en abril. Y nosotros salimos de mayo a agosto… y claro, luego tenemos que mirar todos los conciertos que se cancelaron en 2020 y 2021 y buscar dónde ponerlos, porque muchas fechas incluso de 2023 están cogidas por shows pospuestos de muchos artistas, así que hay que armarse de paciencia. Y es difícil no girar, porque puedes perder un poco el norte al no tener nadie con quien hablar, más allá de tu propio eco… que es lo malo de Internet, la gente oyendo su propio eco. Tenemos suerte de que el grado de confianza entre nosotros y Sebastian ha llevado este disco adelante, y parece que la gente lo está escuchando con el corazón abierto, no todo el mundo está diciendo “back to basics” o algún otro cliché por el estilo, de esos que no requieren pensar mucho. Están escuchando lo que hay dentro de las canciones, las ideas, el sentimiento… y haremos todo lo posible por llevarlas a los escenarios. Y quién sabe, ¡podríamos estar tocando en Pamplona, incluso!
«Poca gente sabe que venía a España con mi padre cuando era niño. Son las únicas vacaciones que pasé con mis dos padres»
Bueno, o en España, al menos.
Curiosamente, como quizá sepas, de los sitios menos obvios de España donde he tocado, fuera de Madrid y Barcelona… tengo un recuerdo muy especial. He tocado varias veces en el Festival de Jazz de San Sebastián, fui con los Imposters, con Alain Toussaint y también con los Sugarcanes. Y recuerdo mucho la gira por España con The Juliet Letters, por ciudades más pequeñas. Tocamos en Castilla La Mancha, Guadalajara… fue genial para nosotros, porque llevamos la música a comunidades que no tenían necesariamente un conocimiento sobre mí como cantante de pop. Así que tuve la suerte de tocar allí con mis amigos del Brodski Quartet, fue maravilloso. Y también tocamos en Andalucía. Por cierto, poca gente sabe que venía a España con mi padre cuando era niño. Nos llevaba conduciendo a través de Francia a la velocidad del rayo para pasar vacaciones de unos pocos días, te hablo de alrededor de 1961, así que era un mundo bastante distinto en tantos sentidos… Tengo muy bonitos recuerdos, porque son las únicas vacaciones que pasé como mis dos padres, les tengo mucho afecto a esos recuerdos. No es nostalgia, pero es muy evocador. Ciertas frases que leo en la literatura describen muy bien aquel mundo. Incluso por ejemplo ‘Pandora y el holandés errante’, ¿conoces esa película, con Ava Gardner?
La verdad es que no.
Búscala. Se rodó en Tosa de Mar, hacia 1959 o 60. Así es exactamente el aspecto que tenía ese pueblo cuando fui allí de niño. Un sitio muy tranquilo, sin hoteles. Muy distinto, una cultura muy diferente. Así que cuando pienso en volver a tocar a España me acuerdo de cómo era ir a Valencia cuando era chico, ahora que está tan llena de actividad… y he viajado por toda esa costa. Las veces que he vuelto tocando con los Attractions o los Imposters, en todos esos sitios me doy cuenta de que España son muchos países diferentes. Y también recuerdo aparecer en la película de los Pogues, que rodaron en Almería. Así que añoro volver a esa parte del mundo, no porque hable español, al contrario que mi padre… sino porque significa mucho en mi corazón, porque en todas esas ocasiones en las que he ido a tocar, he tenido más variedad de experiencias en España que en ningún otro país del mundo, excepto los EE.UU. Es el único país en el que se me ha permitido ser una persona diferente dependiendo de la música que venía a hacer. El público quizá no siempre era numeroso, pero estaban allí, y escuchaban con sinceridad, y eso es algo maravilloso. Es fabuloso cuando has creado algo tan inusual como ‘The Juliet Letters’ y piensas que hace ya 29 años fue escuchado con tanta curiosidad, y también es la manera en la que intuyo que se estará escuchando este nuevo disco en tu país.
‘Las canciones del agua’ es el nuevo disco que Los Planetas publicaban el pasado viernes, reuniendo la media decena de singles que han venido publicando durante el último par de temporadas, junto a unas pocas canciones nuevas. La primera en la frente, ‘El manantial’, un tema 12 minutos que además han escogido como «focus track» aprovechando que ya no están en Sony ni en ningún otro sello grande ni pequeño sino que editan simple y llanamente desde su casa, El Ejército Rojo.
Como ‘Islamabad‘ -una adaptación de Yung Beef- abriendo ‘Zona temporalmente autónoma‘, ‘El manantial’ es la canción más importante de ‘Las canciones del agua’, como su propio nombre indica, y es también una adaptación, solo que en este caso de su también paisano Federico García Lorca. Es hoy nuestra «Canción del Día». El poema original de Lorca podéis encontrarlo en la red bajo el nombre de «Manantial» o como fragmento de ‘1919‘ y habla de nuestra relación con la naturaleza a través de unas imágenes tan potentes y bellísimas como vanguardistas.
El narrador se acerca a la naturaleza porque quiere «entender los manantiales, el secreto del agua», azotado por el sentimiento de culpa («¡Mi corazón es malo, Señor! / Siento en mi carne la implacable brasa del pecado»), en busca de un «sexo sin mancha», y siendo finalmente aliviado por el sentimiento de comunión tras la voz imperativa que sugiere «sé árbol»:
«Sentí sobre mis brazos dulces nidos,
acariciar de alas,
y sentí mil abejas campesinas
que en mis dedos zumbaban.
¡Tenía una colmena de oro vivo
en las viejas entrañas!
El paisaje y la tierra se perdieron,
sólo el cielo quedaba,
y escuché el débil ruido de los astros
y el respirar de las montañas».
Los Planetas acompañan este relato tan apto para las actuales reivindicaciones «verdes», únicamente de piano y guitarras, recordando al formato trío que han paseado en vivo por algunos lugares como el Festival Brillante durante la pandemia: escuchar esta producción es recordar hasta la brisa que te golpeaba en la cara durante estos recitales tan inusuales en su historia.
Muy recomendable para comprender el sentido último de la incorporación de este poema de Lorca al repertorio de Los Planetas es la charla mantenida por J y Floren con Rockdelux, en la que, sin descolgarse del presente (también han adaptado a Khaled en la pista 2 del disco), hablan de la necesidad de comprender el pasado. J revela en Rockdelux que conoció este poema hace unos 7 u 8 años y que le ha dado vueltas desde entonces: «Además del poder del texto, la idea de manantial, de que la creación, la música, la lírica brota de manera natural en nuestra tierra, encierra una visión tan profética que asusta. El poeta, aún muy joven, decide dedicarse a la poesía, aunque muera, aunque lo maten por ello. Entender a Dios, a la naturaleza y explicárselo a los demás, que los demás lo escuchen. Señala el lugar donde va a morir, donde va a convertirse en árbol, la fuente de las lágrimas, en Aynadamar. Esa acequia, la de Aynadamar, pasa por el Fargue, por debajo de la casa de mis abuelos, entonces sin agua corriente. De ella cogían, con cubos, el agua. Ese manantial es muy importante en mi vida. Como Lorca», indica antes de concretar cómo The Jesus & Mary Chain les llevó a la Velvet Underground; estos, a su vez, a Bo Diddley y estos al blues, en esa búsqueda del pasado para comprender el presente y el futuro.
Preguntado sobre si el capitalismo es la aberración suprema, J responde afirmativamente, considerándolo “una regresión respecto a las sociedades religiosas” y se pregunta: “Cómo no iban a matar a Lennon o a Lorca si podían acabar con 2000 años de historia». Eso sí, curiosa la proclama contra el capitalismo, cuando los seguidores de Los Planetas se enteraron de la existencia de este álbum más por la web de El Corte Inglés en noviembre que por el propio grupo, que apenas lo confirmó en sus redes hace 6 días.
Los Nafta (no confundir con NAFTA, la banda argentina) son un grupo de rock formado por Luis Manosalva (voz y guitarra), Luis Chirivella (guitarra y coros), Gabriel Chirico (bajo), Daniel Iribarren (batería) y Maurizio Di Pietro (guitarra). Ahora afincados en Madrid, comenzaron su aventura en la música en 2015 en Venezuela, su país natal. Debido a la crisis política en la que se sumió el país en marzo de 2017, decidieron aplazar el lanzamiento de su primer EP y cada uno emprendió su propio camino. Una vez reunidos de nuevo en Madrid volvieron a hacer música y recuperar algunas pistas del EP pospuesto pero con un cambio de sonido acorde al momento.
A finales del año pasado actuaron en la sala Hangar 48 en Madrid, donde presentaron los singles previos a ‘Noches sin gravedad’, el álbum debut que acaban de publicar hace unos días. Este primer LP se desliga de sus anteriores singles para presentar un disco de “rock conceptual inspirado en un drama de detectives como pueden ser ‘True Detective’, ‘Knives Out’, ‘Se7en’ o incluso ‘Scooby Doo’. Cada canción cuenta una historia como si fuesen los capítulos de un libro o programa de televisión pasando por todas sus fases: desaparición, presentación del caso, interrogación de los sospechosos, recopilación de pistas… hasta llegar a la confrontación con nuestro culpable que acaba en una despedida llena de arrepentimientos e incertidumbre hacia el futuro”.
‘Noches sin gravedad’ presenta 12 canciones, de las cuales 8 fueron concebidas en Venezuela, donde solían tocar para amigos, en fiestas y pequeñas salas. Los Nafta se ven muy influidos por artistas como Arctic Monkeys, The Black Keys, Tame Impala, The Strokes, y también por grandes bandas latinoamericanas de diferentes épocas como Soda Stéreo o Zoé y venezolanas como Los Mesoneros. Así se refleja en canciones como ‘Nademos en el fuego’, ‘Tu secreto’ o ‘Noches sin gravedad’. Su tema ‘¿Cómo te llamas?’ ha conseguido colarse en ‘Fresh Finds Latin’, la playlist de Spotify que incluye “lanzamientos frescos de artistas y sellos latinxs independientes” y el grupo aparece en portada de dicha lista, lo que puede representar su «breakthrough».
