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‘El Rey’: así será el ‘The Crown’ español, en torno a los Borbones

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La serie ‘The Crown’, sobre la historia de la monarquía británica durante la segunda mitad del siglo XX, ha sido uno de los grandes hitos televisivos de los últimos años, interesando hasta a los republicanos. Justo cuando nos preguntábamos cómo sería una serie así, pero inspirada en los Borbones, justo en el peor momento de popularidad de Juan Carlos I por sus problemas con la justicia, se ha sabido que sí, se prepara una serie sobre esto mismo (o quizá dos si Mediaset finalmente desarrolla el proyecto ‘El emérito’, sobre el que nada se ha vuelto a saber).

Lo seguro es que según informa el diario El País, hay una serie en marcha que recibirá el nombre de ‘El Rey’, se inspira en el libro ‘Yo, el Rey’ de Pilar Eyre, y está siendo desarrollada por Mediapro Studio y Javier Olivares, el creador de la exitosa ‘El ministerio del tiempo’.

‘El rey’ tendrá 3 temporadas, cada una entre 10 y 12 capítulos y ya se sabe de qué manera estará estructurada cada una. Los tres actos serán, como ha explicado Olivares:  «Una ascensión que fue muy dura, un auge en el que todos los españoles éramos juancarlistas y un shock final, al constatar lo que no quisimos ver”.

Todavía la serie está en sus primeras fases, por lo que no se sabe dónde, cuándo y cómo podremos verla, aunque sí se sabe que el libro publicado en 2020 no pasa por alto a personajes como Bárbara Rey, Corinna Larsen, las diferencias con Letizia Ortiz ni los primeros escándalos fiscales. La referencia, más que ‘The Crown’, será Berlanga, en concreto ‘Todos a la cárcel’.

«Toni Cantó, no te contratan porque ERES MÁS MALO QUE LA DROGA»

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Toni Cantó vuelve a estar en el ojo del huracán. Tras su paso por UPyD y después Ciudadanos, partido que abandonó medio llorando frente a las cámaras, dolido por su último giro al centro político, el actor ha sido escogido por Isabel Díaz Ayuso para liderar la Oficina del Español en la Comunidad de Madrid. Una oficina dependiente de la Consejería de Cultura, Turismo y Deporte que pretende que la ciudad sea «la capital del español en Europa», lo que, por si no fuera lo suficientemente absurdo, porque no hay otro país hispanoparlante en Europa ni por tanto ciudad más grande en que se hable castellano en el continente, ha topado con el cabreo de Salamanca, que se considera más o menos lo mismo. Según los datos de la ciudad, 35.000 estudiantes cada año escogen Salamanca para aprender castellano.

La polémica de los que consideran esta designación a dedo, “un chiringuito ad hoc a costa del dinero de madrileños y madrileñas”, como así lo ha tildado una portavoz del PSOE, se ha unido al rescate de una vieja entrevista con El Español de 2019 en la que Toni Cantó aseguraba que “no podía trabajar en Cataluña por hacer teatro en español”.

La actriz y humorista Ana Morgade ha acudido a Twitter este fin de semana para comentar: “No, chato, yo he trabajado en teatro en Cataluña hablando en castellano tanto como he querido, haciendo obras, shows de Impro y standup. No te contratan porque ERES MÁS MALO QUE LA DROGA”. El tuit se convertía en viral de manera inmediata, recibiendo 33.000 “likes” y siendo retuiteado casi 10.000 veces a la hora de redacción de esta noticia.

Maika Makovski / MKMK

Antes de presentar La Hora Musa, un programa musical en La 2 que por su apuesta por la música en directo pertenece a la historia del pop de nuestro país por cuestiones de excepcionalidad, Maika Makovski ya tenía un nombre. Sus primeros discos sirvieron a la mallorquina para hacerse un hueco en su reivindicación del rock anguloso: John Parish, tan querido por su trabajo junto a PJ Harvey, produjo su disco homónimo en 2010; conoció a Howe Gelb durante un homenaje balear a Tom Waits y ahora Howe colabora en este nuevo álbum en parte grabado en Arizona, con la producción de la propia Maika e ingeniería de Craig Schumacher. Este ha trabajado con Calexico y Neko Case: es evidente que el sabor de ‘MKMK’ va a ser más americano que el Five Guys, si bien hay matices de los que hablar.

La baza de esta nueva obra de Maika Makovski, la primera en 5 añazos, es la reivindicación del sonido rock en un mundo carente del mismo por razones de modas y de pandemia. 2020 no fue un gran año para los ensayos en el local, pero ojalá más Makovski y menos Måneskin -o al menos lo mismo de una que de otros-. El single principal del álbum, ‘Reaching Out to You’, es una canción básica y directa, de ideas claras, en la que destaca cierta incursión de sintetizadores, recordando puntualmente a los tiempos en que electroclash y rock’n’roll parecían fusionarse en algún hit o remezcla de Yeah Yeah Yeahs. Algo que se confirma justo a continuación en ‘Purpose’, que también puede trasladarnos al excitante final de los años 70.

Las guitarras rugientes y las estructuras edificantes de canciones como ‘Love You Til I Die’ emparentan en euforia con Bruce Springsteen, además en esta canción hay que hablar del acierto de recuperar la garra de una toma vieja grabada con el móvil; mientras el aire a taberna destartalada a lo Waits pervive en ‘I Live in a Boat’. Tema este último que resume la esencia de un disco que habla sobre aislamiento, pero no del visto durante la pandemia, sino de la falta de contacto real con nuestros seres queridos por la invasión de las redes sociales. «Lo que quería era un disco muy orgánico, muy directo y vital, que me sacara de esa sensación de vivir delante de una pantalla y que me pusiera al lado de otros músicos», ha declarado.

Es un soplo de aire fresco el reencuentro con el rock, aunque tampoco pueda ser lo más imaginativo que nos pueda venir a la mente en el plano artístico en 2021. Al menos hasta que alguien dé con una obra tan redonda como ‘Is This It?’, este verano por cierto de 20º aniversario. Por eso, ‘MKMK’ se termina beneficiando de una decidida variedad que encontramos en canciones que parecen -solo lo parecen- más pequeñas.

‘The Posse’ critica el mundo de las apariencias en la industria musical -además, ella ha tenido un fuerte desengaño con un antiguo mánager- y nos hace suspirar por una Maika Makovski que desarrolle un concepto más teatral, a lo St Vincent (o Bowie en los primeros 70), teniendo en cuenta que ella también es actriz y de hecho ha seguido en ocasiones por esos derroteros. ‘Scared of Dirt’ tiene un punto coral con la participación a las voces de Vetusta Morla. ‘Where Are You’, un toque tan afrancesado que es fácil imaginarla en boca de alguien como Jane Birkin. Y donde el álbum derrite definitivamente es en sus pasajes más calmados y folkies: ‘Places Where We Used to Sit’ es preciosa, sobre todo en ese momento «yodelling» que también aparece en el bonus track ‘Tonight’.

Doja Cat como Diosa y The Weeknd como Acuario en ‘You Right’

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“Eres una diosa”. “La diosa del rap”. “Gooooddess”. ¿Cuántas veces habrá leído Doja Cat estos comentarios de sus fans? En su nuevo videoclip, la cantante angelina hace realidad las palabras de sus seguidores. Las puertas del cielo (que parecen las rejas del Buckingham Palace) se abren y aparece Doja convertida en diosa del Olimpo subida en un pedestal cual Venus de Milo.

Con una estética grecolatina muy kitsch, como de parque temático chino, el realizador Quentin Deronzier mezcla mitología y astrología como José Luis Moreno la ventriloquia y la neurocirugía. Doja, que es Libra, aparece ataviada con un tocado con ese signo zodiacal. También sale encuadrada en una gran balanza, símbolo nuevamente de Libra, que a su vez proviene de la diosa Astrea, hija de Zeus y personificación de la justicia.

The Weeknd es Acuario, así que aparece como un aguador, vertiendo agua al mundo desde una vasija. ¿Y cómo se lleva una mujer Libra con un hombre Acuario? Pues según Vicente Cassanya, el astrólogo del ‘Hola’, bastante bien: “sintonizan en cuerpo y alma”. ¿Es por eso que The Weeknd no para de tentar a Doja para que engañe a su novio? ¿O es una manera de representar que la relación de la cantante con el modelo (Chris Petersen)… “hace aguas”? Planet Her‘ es nuestro Disco de la Semana y ‘You Right’ hoy, la «Canción del Día».

Lo mejor del mes:

5% de descuento en el libro de JENESAISPOP, solo este mes

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Solo hasta el 31 de julio el libro editado por JENESAIPOP ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI‘ tendrá un 5% de descuento en nuestra tienda online. Pueden ser las últimas copias que se distribuyan, pues el libro podría agotarse en los próximos meses, como os contamos en Instagram. Estas han sido algunas de vuestras críticas sobre el mismo en comentarios y redes sociales.

“Menuda joya. Imprescindible para entender qué ha pasado en la música en las dos últimas décadas”, Dani Rivera.
“Este libro de JNSP debería estar en las estanterías de aquellos que sienten amor por la música”, quintoparrafo.
“Qué gozada el juego de recomendaciones a pie de cada reseña. ¡Habrá sido una locura enlazar todos!”, Radiojeta.
“Gustos particulares aparte, todo tiene su lógica. Es muy chulo, en serio”, nachob.
“Un pasatiempo de lo más entretenido. ¡Gracias, JNSP! Me habéis alegrado las vacaciones!», Siguesiguepop.
“Estoy entusiasmado con este libro”, plegamanos.
“Cómo estoy disfrutando este autorregalo en modo “elige tu propia aventura””, Alejandro.
“Me ha sorprendido mucho para bien la calidad de la edición”, cateto.
“Más libros así, joder”, barcelonafan.
“Es un grandísimo libro-objeto y sé que me esperan horas y horas de descubrimiento musical y de revisión de discos. Habéis hecho un gran trabajo y me alegra mucho apoyaros”, Ález.
“Muchas gracias por el trabajazo”, David Núñez.
“Aunque llego tarde, os quiero dar las gracias por este libro. Es precioso en forma, inabarcable y entretenido en contenido. Sigo disfrutando los viajes y descubriendo cosas”. franky77.

Os recordamos que hay packs con totes y camisetas disponibles en la tienda y que los gastos de envío son gratis a partir de 30 euros con el código promocional YOAPOYOALAPRENSAMUSICAL

Lana del Rey no saca disco el 4-J, pero da señales de vida

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Hoy tenía que salir un nuevo disco de Lana del Rey, ‘Blue Banisters’, del que se han presentado aparentemente una serie de canciones, muy pocas semanas después de su lanzamiento anterior, un ‘Chemtrails Over the Country Club‘ que ya hemos incluido entre los mejores discos de 2021.

El 67% de nuestro público se mostraba muy pesimista al respecto en una encuesta realizada a través de Twitter. Obviamente nada de Lana del Rey ha aparecido en las plataformas de streaming este 4 de julio. La buena noticia es que la cantante sí ha tenido la sensibilidad de hacer una actualización para sus fans.

Lana comparte un nuevo teaser, indicando que el nuevo disco saldrá «más tarde» pero que un single sí saldrá «prontito» y que el disco necesita ser terminado. Eso es lo que entendemos de ese escueto TBD («to be done», «to be determined», «to be decided») que los más agoreros se complacerán en traducir como TO BE DELETED.

Alejandro Sanz aclara sus palabras sobre el asesinato homófobo de Samuel

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Samuel, un enfermero de un geriátrico de 24 años, ha sido asesinado en Galicia tras recibir una paliza de un grupo de 10 personas. Según informa La Voz de Galicia, el joven se encontraba en el paseo marítimo de A Coruña cuando las personas que le agredieron confundieron una videollamada en la que participaba con un vídeo a las chicas de su grupo, lo que propició que le pegaran hasta que sufrió un infarto. Las ambulancias intentaron reanimarle durante 2 horas sin éxito.

Aunque según informa La Vanguardia, la hipótesis inicial es que no se trató de de una agresión homófoba, una amiga de Samuel ha afirmado en Twitter que el joven ha sido asesinado por su condición sexual, propiciando un movimiento en las redes sociales llamado #JusticiaParaSamuel en el que ha decidido involucrarse Alejandro Sanz. Un relato de El Mundo construido por dos amigas de Samuel, una de las cuales estaba con él, afirma que el joven fue golpeado al grito de «o dejas de grabar, o te mato, maricón».

Alejandro Sanz ha acudido a Twitter para sugerir que no se comente la orientación sexual de Samuel, escribiendo a la 1 de esta madrugada lo siguiente: «que la orientación sexual de Samuel nos preocupe más que el instinto criminal de su o sus asesinos, dice mucho de lo jodido que estamos #justiciaparasamuel».

Después ha querido aclarar: «Me refiero a que hay medios que ponen en duda que fuera asesinado por su orientación sexual y cuestionan si era gay o no. Como si eso fuera un perverso atenuante. Que quieran sacar la homofobia de la ecuación me parece el problema».

Su mensaje ha producido que el cantante sea TT de manera instantánea. Al margen de la investigación, y cuando los agresores aún tienen que ser detenidos, aunque algunos están identificados, su mensaje coincide de pleno con las celebraciones del Orgullo. Con una parte de la población muy sensibilizada con esta causa debido al aumento de la homofobia no solo en lugares como Hungría sino en la propia España, en medio de la polémica de los últimos meses por la llegada de la ley trans, o del polémico rechazo del Ayuntamiento de Madrid, gobernado por el PP y Ciudadanos, a colgar la bandera del Orgullo Gay y a invertir medio millón de euros en el evento como hacía el equipo de Manuela Carmena, para alegría únicamente de la extrema derecha; son muchos quienes han considerado el mensaje de Alejandro Sanz innecesario y desafortunado. Los Chikos del Maíz han escrito en la red social: «Asesinado a golpes al grito de maricón. Tenía 24 años y toda una vida por delante. En esto desembocan los discursos de odio y la normalización y blanqueo de determinadas posiciones y partidos de extrema derecha».

La canción del verano: historia, favoritas, alternativas…

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Mireia Pería vuelve a Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP, para analizar el fenómeno de la canción del verano, que nacía en los años 60 influido por una idea italiana, inundando al público de histeria por producciones fresquitas y letras sobre bañadores y flotadores. De ‘Un rayo de sol’ y ‘Eva María’ a ‘Lambada’ y ‘Voyage Voyage’ a finales de los años 80.

¿Qué ha pasado con la canción del verano en la actualidad? ¿Ha muerto el fenómeno? Sebas y Claudio, junto a Mireia, hablan de las últimas canciones del verano, lo cual aparte de ‘Despacito’ y ‘Bailando’ (de Enrique Iglesias) puede incluir algunas composiciones indies asociadas al verano, de ‘Young Folks’ a Joe Crepúsculo. Un juego ideado por Claudio incluye la review de unas canciones sacadas de una bolsa al azar, de ‘Dragostea Din Tei’ a ‘Macarena’. Como es habitual, la versión ivoox incluye la reproducción de una canción sorpresa, que en este caso nadie adivinará.

Os recordamos que podéis apoyar JENESAISPOP en general y el podcast en particular comprando un item en nuestra tienda online, que sigue de rebajas con todo tipo de packs disponibles y, solo durante el mes de julio, un descuento del 5% en la compra del libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI‘.

‘El ferrocarril subterráneo’: el director de ‘Moonlight’ también quiere el Emmy

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El escritor Colson Whitehead y el director Barry Jenkins (‘Moonlight’, ‘El blues de Beale Street’) coinciden en una cosa: los dos oyeron hablar en la infancia del “ferrocarril subterráneo”, la red clandestina de liberación de esclavos que funcionó en Norteamérica a mediados del siglo XIX, y los dos pensaban que no era una metáfora, que era un ferrocarril real. Whitehead jugó con esta idea en su aclamada novela ‘El ferrocarril subterráneo’ (premio Pulitzer y National Book Award, la sexta vez en la historia que un escritor los consigue con la misma novela). Y Jenkins la recogió adaptando el libro del escritor neoyorquino.

Cuando Jenkins -que venía de adaptar otra novela emblemática de la literatura afroamericana, ‘El blues de Beale Street’ de James Baldwin (publicada en España por Literatura Random House)- contactó con Whitehead para conseguir los derechos de su obra, este solo puso una condición: que no resumiera el libro en una película, sino que lo trasladara en forma de serie. El director, con su Oscar bajo el brazo, consiguió el apoyo de Plan B, la productora de Brad Pitt (que ya había producido las anteriores películas de Jenkins), y Amazon, que se encargó de financiarla (es una producción de lujo) y distribuirla.

Jenkins se ha rodeado de su habitual equipo. Sobresalen el compositor Nicholas Britell, conocido también por la premiada música de la serie ‘Succession’, y el director de fotografía James Laxton. El primero hace un trabajo fabuloso. Destacando el noveno episodio, donde reinterpreta el ‘Tema de Tara’ de ‘Lo que el viento se llevó’ en un secuencia –un homenaje de Jenkins a sus ancestros- de enorme fuerza emotiva y simbólica. La labor de Laxton también es extraordinaria. Crea una fotografía de enorme plasticidad y expresividad, que alcanza su cenit en el capítulo cinco, ‘Tennessee-Exodus’. Una maravilla visual de impresionante atmósfera postapocalíptica.

Completan el elenco Jihan Crowther, escritora de otras producciones de Amazon como ‘El hombre en el castillo’ o ‘Todos quieren a Daisy Jones’ (la adaptación de la novela de Taylor Jenkins Reid que va a rodar Niki Caro), y un impresionante Joel Edgerton, firme candidato a los premios interpretativos de la temporada. El protagonismo de este como implacable buscador de esclavos es uno de los aspectos más diferenciales de la serie con respecto al libro. Su presencia tiene mucho más peso dramático que en la novela, convirtiendo la serie en un intensísimo duelo entre el cazador (sin olvidar a su acompañante, un inquietante niño que es uno de los personajes más inolvidables del año) y su presa, una fugitiva interpretada por la prometedora actriz sudafricana Thuso Mbedu.

La persecución se desarrolla a lo largo de varios estados, lo que le permite al director ilustrar desde diversos ángulos el terrible drama de la esclavitud en Estados Unidos, así como reflexionar sobre la base moral supremacista –la doctrina del “destino manifiesto”- en la que está sustentado el nacimiento de esta nación. Aunque a veces su atmósfera onírica acabe impregnando el ritmo narrativo, bordeando lo narcótico (a Jenkins siempre le pierde un poco su gusto por el ensimismamiento), la serie tiene tal potencia dramática, expresiva y poética que cada capítulo podría estrenarse en cines como una película.

‘El ferrocarril subterráneo’ no es una serie para maratonear. Además de su inusual densidad narrativa, que exige atención y reposo, su estructura no tiene nada que ver con las ficciones televisivas al uso. Hay capítulos de una hora, de cuarenta minutos, de veinte… Saltos temporales, digresiones, acotaciones (como el hermoso prólogo del noveno episodio)… Parte de su espíritu iconoclasta son las canciones que suenan al final de cada capítulo: desde clásicos como ‘Wholy Holy’ (Marvin Gaye) o ‘I Wanna Be Where You Are’ (Michael Jackson), hasta temas contemporáneos como ‘Money Trees’ (Kendrick Lamar) o ‘This Is America’ (Childish Gambino). Una playlist que funciona como juego anacrónico y como amplificador del discurso heterodoxo de la serie.

Polo & Pan / Cyclorama

Nanâ‘ es una de las canciones de electrónica más reconocibles de los últimos años, un «must» en cualquier DJ set estival que se precie. Sus autores son Paul Armand-Delille y Alexandre Grynszpan, dos productores franceses que ya tenían sus propias carreras en solitario (el primero era Polocorp, el segundo Peter Pan) cuando se conocieron en 2012 y decidieron formar el dúo Polo & Pan. Su álbum debut, ‘Caravelle‘, lanzado en 2017, obtuvo el Disco de Oro en Francia gracias a su buena colección de producciones de electrónica veraniega y tropical y el segundo, ‘Cyclorama’, acaba de ver la luz incluyendo otra serie de estupendos temas con los que seguir contando a Polo & Pan en los festivales que se avecinan.

Concebido como «una odisea musical a través de las fases de la existencia humana, del nacimiento a la vida adulta hasta la muerte… y la trascendencia», ‘Cyclorama’ no es un disco tan conceptual como parece y su secuencia no emula las fases de la vida humana, como nos ha contado Alexandre Grynszpan en una entrevista con él que publicaremos próximamente. Pero sí presenta un amplio abanico de los sonidos que inspiran a Polo & Pan, que son muchos y muy distintos.

Sin ir más lejos, el primer single saquea con buen gusto ‘Ani Kuni’, una conocida canción infantil de origen amerindio de la que personalmente me quedé prendando cuando la escuché de fondo antes de un concierto de Ladytron; y que en Francia fue popularizada por la cantante Madeleine Chartrand. En el álbum encontramos desde electrónica desértica (‘Oasis’, el grupo ha buscado hacer música que poder pinchar en Burning Man) a house buenrollista y veraniego (‘Jiminy’) pasando por ecos de bossa nova (‘Les jolies chose’), medios tiempos vocoderizados a lo Air (‘Artemis’), cancioncillas folki a lo Carla Bruni (‘Peter Pan’) o tan influidas por la chanson como ‘Melody’.

Entre las mejores canciones de ‘Cyclorama’ hay que contar ‘Feel Good’, un cuco tema de piano jazzy que desprende exactamente eso mismo; la espectacular y misteriosa ‘Requiem’, que utiliza percusiones de tipo acero y parece la evolución electrónica del ‘Mon Maquis‘ de Alizée; y también las dos pistas que utilizan samples de manera muy prominente. Ya hemos contado que ‘Magic’ es un clásico instantáneo de Polo & Pan gracias a su conseguidísima fusión entre ‘Telescope’ de Pino Donaggio y ‘Magic’ de Pilot por la vía de Young Marco; pero también hay que destacar ‘Bilboquet (Sirba)’, que samplea con atino la melodía de ‘Sirba’ de Vladimir Cosma, la canción principal de la película de 1972 ‘El gran rubio con un zapato negro‘.

Aunque las canciones de ‘Cyclorama’ funcionan bien en su totalidad se echan en falta composiciones más creativas en la segunda mitad, que no se conformen simplemente con ser buena música de fondo sin más. Si algo han demostrado Polo & Pan es que son capaces de sacarse de la manga hitazos de lo más inesperados, como ha sido el caso de ‘Magic’, pero demasiadas canciones en este disco no terminan de destacar por encima de lo correcto, especialmente las menos bailables. No estaría mal escucharles explorar, por ejemplo, su paleta más easy-listening o más clásica, pues la pista introductoria, ‘Côme’, derrocha la sensibilidad de un Claude Debussy y debería durar el doble.

Tyler the Creator deja a Doja Cat sin top 1 en USA, pero Doja Cat le gana en UK

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‘Call Me If You Get’, el nuevo álbum de Tyler, the Creator, que reseñaremos en los próximos días, será el nuevo número 1 del Billboard 200 tras despachar en su primera semana lo equivalente a unas 177.000 unidades según las estimaciones de Hits Daily Double. Además, sus ventas reales son bastante saludables (57.000).

El artista ha promocionado este álbum con un gran actuación en directo en los BET Awards del single ‘LUMBERJACK’ y un nuevo vídeo, espectacular como siempre para el tema ‘CORSO’. La todopoderosa playlist Today’s Top Hits está apoyando ‘WUSYANAME’, mientras la promocionada en playlists de novedades fue ‘JUGGERNAUT’ con Lil Uzi Vert y Pharrell Williams. También podemos hablar de otras canciones como ‘HOT WIND BLOWS’ como favoritas con su punto jazzy, todo lo que ha contribuido a la obtención de buenos datos internacionales: top 2 en Australia, top 4 en Noruega, top 10 en Suecia, top 20 en Alemania. El dato español se conocerá el martes.

Todo esto deja a Doja Cat en segundo plano, pues su nuevo disco ‘Planet Her’, nuestro Disco de la Semana, queda en el número 2 en Estados Unidos. La buena noticia es que es su mejor dato histórico por mucho, pues, vista ahora como una artista de singles, su primer álbum no pasó del puesto 138 ni el segundo del puesto 9.

Además, Doja Cat puede presumir de haber de haber ganado la batalla a Tyler the Creator en Reino Unido en el último momento. Aunque el número 1 era para Jack Savoretti de todas formas (y el número 2 aún para ‘SOUR’ de Olivia Rodrigo), Tyler the Creator vendía más en principio que Doja Cat, pero esta le ha terminado superando a medida que avanzaba la semana, resultando top 3 en UK, un puesto por encima de Tyler the Creator. Puede ser el primer indicador de que estemos ante un sleeper, pues las novedades no suelen subir tras las midweeks sino más bien todo lo contrario.

Doja Cat consolida su nombre a nivel internacional y ‘Planet Her’ es número 3 también Noruega, Australia y Nueva Zelanda, número 4 en Irlanda, número 7 en Holanda y número 11 en Suecia, además de top 32 y top 34 en Alemania e Italia, respectivamente. Os dejamos con una actuación de ‘Ain’t Shit’, uno de los mejores «no singles» del disco.

Peggy Gou y OHHYUK ofrecen un viaje reconfortante con ‘Nabi’

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Tras dos años de silencio, Peggy Gou regresaba hace unas semanas con su nuevo single ‘Nabi’ en colaboración con su compatriota OHHYUK. La productora y DJ coreana –que estará en Primavera Sound y Mad Cool al año que viene- presenta esta vez un sonido ibicenco y veraniego, muy chill-out, con una letra evocadora y llena de esperanza. En sus propias palabras, su música busca que quien la escuche encuentre optimismo y energía positiva, y sin duda la canción que nos ocupa cumple con creces ese objetivo.

Desde sus primeros segundos, ‘Nabi’ embauca con un beat relajado, en el que puede percibirse cierta influencia R&B, y que resulta tan relajante como tomarse un mojito bajo una sombrilla a orillas del mar. Las voces de Peggy Gou y OHHYUK se ajustan perfectamente a la atmósfera de la producción mientras cantan sobre dejar atrás lo malo e intentar pasar página para “volar como una mariposa”.

Precisamente, el título de la canción significa “mariposa” en coreano y la palabra “navillera” –que se escucha en repetidas ocasiones- se refiere al aleteo de las mariposas y está asociada a algo hermoso y efímero. Adjetivos que pueden aplicarse a este nuevo tema de Peggy Gou, porque aunque dure casi cuatro minutos, uno desearía que no se terminara nunca.

‘Nabi’ captura la fugacidad del tiempo y nos invita a aceptarla y a olvidar nuestros problemas, llevándonos a un lugar de lo más reconfortante para perderse en él.

Lo mejor del mes:

Garbage, Low, Depresión Sonora, The Marías… entran en el top 40 de JNSP

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Lorde se mantiene en el número 1 de la lista de JENESAISPOP con ’Solar Power’, vuestra canción preferida en este momento. Entran al top 10 bandas tan queridas históricamente en el site como Garbage y Low mientras al top 20 llegan dos nacionales, La La Love You y Novedades Carminha. En la parte baja de la tabla hallamos a The Marías, Depresión sonora y Sons of Kemet. Ha tocado, por otro lado despedirse, de ‘MONTERO’ y ‘Tiroteo’, dos de las canciones del año, que han sido eliminadas por el respetable esta semana.

Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.

Top Ant. Peak Sem. Canción Artista
1 1 1 3 Solar Power Lorde Vota
2 3 2 4 Love Again Dua Lipa Vota
3 4 3 4 How Not to Drown CHVRCHES, Robert Smith Vota
4 17 4 2 My Life Again Christina Rosenvinge Vota
5 5 1 Wolves Garbage Vota
6 7 6 3 Everytime I Cry Ava Max Vota
7 2 1 4 ZITTI E BUONI Måneskin Vota
8 9 8 5 Like I Used to Angel Olsen, Sharon van Etten Vota
9 9 1 Days Like These Low Vota
10 13 10 2 Need to Know Doja Cat Vota
11 5 2 7 Please Jessie Ware Vota
12 10 10 3 You Regard, Troye Sivan Vota
13 26 13 3 Shiseido Los Punsetes Vota
14 6 6 2 Let Them Know Mabel Vota
15 14 7 5 deja vu Olivia Rodrigo Vota
16 16 1 El día de Huki Huki La La Love You, dani Vota
17 17 1 Típica cara Novedades Carminha Vota
18 27 16 3 Pasadena Tinashe, Buddy Vota
19 19 1 9 berlin U5 Zahara Vota
20 31 18 4 Live to Survive Vota
21 8 2 5 Voilà Barbara Pravi Vota
22 12 12 2 Thank You Diana Ross Vota
23 11 4 5 The Wrong Place Hooverphonic Vota
24 15 14 4 Smile Wolf Alice Vota
25 18 1 6 Selección natural Chica Sobresalto Vota
26 26 1 14 White Dress Lana del Rey Vota
27 36 1 24 MERICHANE Zahara Vota
28 28 1 Hush The Marías Vota
29 29 1 La casa del árbol Depresión sonora Vota
30 29 28 3 The Turning of Our Bones Arab Strap Vota
31 34 1 39 Levitating Dua Lipa Vota
32 38 5 11 Kiss Me More Doja Cat, SZA Vota
33 28 2 9 Your Power Billie Eilish Vota
34 24 19 5 Via Torino Cabiria Vota
35 22 5 7 Me voy Miss Caffeina Vota
36 25 16 4 Lost Cause Billie Eilish Vota
37 37 1 Hustle Sons of Kemet Vota
38 23 2 8 Veleno Baiuca, Rodrigo Cuevas Vota
39 21 21 2 Got Me Laura Mvula Vota
40 35 1 36 El encuentro Alizzz, Amaia Vota
Candidatos Canción Artista
Sola y feliz Tiburona Vota
Galipette Lolo Zouaï Vota
Moonwalk cupcakke Vota
Vestirte de Prada Liz Forte Vota
La voz del presidente Viva Suecia Vota
So simpático Villagers Vota
Bad Habits Ed Sheeran Vota
Build it Better Natalie Imbruglia Vota
Nabi Peggy Gou, OHHUYK Vota
You’re with Me Everywhere I Go Joana Serrat Vota

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‘Bad Habits’ es el 10º número 1 de Ed Sheeran en UK… ¿pero lo merece?

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Parte de la redacción evalúa ‘Bad Habits’ de Ed Sheeran, el nuevo número 1 de singles en Reino Unido. Es el 10º top 1 del cantante en las islas, después de ‘Sing’, ‘Thinking Out Loud’, ‘Shape of You’, ‘Perfect’, ‘River’, ‘I Don’t Care’, ‘Beautiful People’, ‘Take Me Back to London’ y ‘Own It’. Además, el artista se convierte en el 8º artista con más números 1 en Reino Unido, después de los siguientes:

Elvis Presley (21 number ones)
The Beatles (17 number ones)
Cliff Richard (14 number ones)
Westlife (14 number ones)
Madonna (13 number ones)
The Shadows (12 number ones)
Take That (12 number ones)
Calvin Harris (10 number ones)
Drake (10 number ones)
Ed Sheeran (10 number ones)

«Eficaz en lo que hace, Ed Sheeran puede ser también bastante heterit… perdón, bastante previsible y simplón. Por eso se agradece especialmente que su regreso sea con este ‘Bad Habits’ que, sin inventar la pólvora, es un soplo de aire fresco entre sus tropecientas baladas con extra de azúcar. Aquí la dosis de moralina puede interpretarse como un involuntario anhelo de ese descontrol, y musicalmente esta mezcla entre Clean Bandit y el último The Weeknd (con el plus que supone el guiño/fusilamiento de ‘Smalltown Boy’) viene que ni pintada para el inicio de un casi-normal verano». Pablo N. Tocino.

«Siempre se puede contar con Ed Sheeran para que saque las canciones de pop más blandas, insípidas e inofensivas imaginables y hay que darle mérito porque en ‘Bad Habits’ se ha superado con creces. Cuando el británico avisó de que ‘Bad Habits’ sería una canción «muy diferente» en su repertorio desde luego no imaginé que fuera a sonar a reducto pop-dance pasado por agua y como rescatado de 2012, pero está claro que el bueno de Ed también quiere un trozo del pastel que se está comiendo The Weeknd, como demuestra el videoclip de este nuevo single, y aunque le falte todo lo que tiene Abel Tesfaye, como el buen gusto. Quizá lo peor de ‘Bad Habits’ es que ni siquiera empleando un sonido parecido al ‘Smalltown Boy’ de Bronski Beat consigue extraer una canción mínimamente interesante o digna de ser número 1. ‘Bad Habits’ no puede ser más anodina». Jordi Bardají.

¿Qué opinas de Bad Habits de Ed Sheeran?

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Bon Calso: más buen pop español que mira a Jamaica… y al trap americano

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Que los ritmos jamaicanos y del afrobeat o el dancehall están integradísimos en el lenguaje musical actual es obvio no solo porque Bad Gyal sea una de las mayores exportaciones musicales de España al resto del mundo. Que nos perdone Aluna por decir algo así. Hoy, los artistas jóvenes que se están haciendo a sí mismos, que componen y producen ellos solos o con amigos desde estudios caseros montados también por ellos mismos, intentando hacerse un nombre tanto en Spotify o Youtube como en las salas de conciertos, están enormemente influenciados por estos ritmos y sonoridades caribeños, los cuales, a su vez, gozan de un enorme éxito en las plataformas de streaming.

Un ejemplo es Ant Cosmos, autor en mi opinión de una de las mejores canciones de 2020, y también Liz Forte, compañero de Bon Calso en la comunidad de música independiente Acqustic. Bon Calso es el alias de Jorge González Muñoz, un joven cantante y compositor que también busca su propio hueco en la llamada escena urbana española nutriéndose de los estilos más pujantes que propone el pop internacional, como el trap o los ritmos caribeños y, de hecho, su canción más exitosa hasta la fecha, ‘Ya no nos vemos’, suena como inspirada en los momentos más melancólicos de ese Drake que tanto a coqueteado con el afrobeat, eso sí, sin abandonar la estética del autotune, que tanto marca lo «urbano».

Entre las producciones de Bon Calso que ya suman cientos de miles de escuchas en Spotify, aparte de la mencionada ‘Ya no nos vemos’, los dancehall suavecitos de ‘Pierdo el control’ o ‘Por la zona’ o la reciente ‘Pow Pow Pow’, una de sus composiciones de trap más afinadas. En esta canción producida por Harry Bass, Bon Calso se nota que ha estudiado a sus ídolos, porque se marca uno de esos estribillos tan propios del hip-hop de letra perfectamente integrada en el tempo, haciendo que rimas como «la más dura del club, la más dura de to tu coro, sé que los demás no, yo te prendo como Marlboro» deslicen de su boca como si nada. Después de publicar el disco ‘Feelings Matter’ producido por IAMTOMMY y el EP ‘Feelings Matter’, ‘Pow Pow Pow’ es una canción con la que Bon Calso sigue cavando su lugar en esta difícil industria.




SAULT / NINE

SAULT emergieron como de la nada en 2020 con dos discos que se encontraron entre los mejores valorados del año pasado. ‘Untitled (Black Is)’ y ‘Untitled (Rise)‘ llegaron en un momento de enorme levantamiento social contra la violencia racista vivida en las calles de Estados Unidos y pusieron banda sonora a la lucha antirracista sin necesidad de que sus autores mostraran sus caras. Aunque se sabe que los autores de las canciones de SAULT son Cleopatra Nikolic (Cleo Sol) y Dean Josiah Cover, los absolutos protagonistas de su música son la música y el mensaje que buscan expresar con ella.

El nuevo disco de SAULT, ‘NINE’, que estará online solo 99 días, es un trabajo más ligero que los anteriores en sonido y duración (34 minutos). El ambiente de ‘NINE’ está mucho más despejado que en los anteriores gracias a una instrumentación escasa pero esencial, aunque la producción de Inflo sigue cubriendo de cierta suciedad instrumentos y voces, haciéndolos sonar ásperos; y, en esta ocasión, el grupo decide canalizar el trauma de la experiencia negra a través del humor -la primera pista se titula literalmente ‘Haha’- y de canciones que hacen uso de melodías que parecen infantiles. ‘NINE’ narra la historia de una inocencia corrompida por el racismo, y una de sus pistas más importantes es de hecho una narración en la que un personaje, Mike, explica el momento en que descubre que su padre ha sido asesinado, cuando se topa con la policía en su casa atendiendo a su madre, que llora desconsolada.

Antes de llegar a esta historia, ‘NINE’ atraviesa sus momentos más ligeros y aparentemente divertidos. ‘Haha’ suena como un juego de palmas infantil y plantea el concepto de un disco en el que las risas esconden algo más oscuro y sórdido. El funk-rock de ‘London Gangs’ calma su ansiedad con unos «la la las» que se sumergen entre percusiones tipo conga y el tema habla de «pandilleros de Londres» que son «perseguidos por la policía»… probablemente desde adolescentes o incluso antes. El título de ‘Trap Life’ alude al significado original de la palabra «trap» como género musical, pero esconde un corte más funk y casi carnavalesco en el que la melodía vuelve a parecer sacada de una canción infantil. Casi puedes visualizar a los integrantes de SAULT -o a los niños que parecen cantar esta canción- saltando a la comba mientras cantan cosas como «no confiamos en estos maderos, quiero liberar a mi familia y mi mente, quiero ser libre, ahora estamos encerrados», antes de arrancarse en otro festín de «la la las» con el que parecen olvidar la realidad por unos segundos.

La cumbre cómica de ‘NINE’ es ‘You From London’, un minimalista corte de neo-soul marcado por la incesante aparición de una joven americana que pregunta a Little Simz si «es de Londres» constantemente como una desquiciada. Parece que se la ha encontrado en algún festival, y ahí se le ocurre preguntarle también si en Londres «vais a caballo» o si «conoces a la reina» y le ofrece un veredicto positivo sobre su dentadura que no ha pedido. La típica sarta de estereotipos racistas que tiene que aguantar la gente negra aún a día de hoy, pero invertida hacia una persona blanca. Más seria, Little Simz rapea que «conoce a asesinos de la calle pero no estoy involucrada, no quiero causar dolor, pero cuando escuchamos el sonido de la policía nos asustamos». La mencionada joven americana asoma con su pregunta hasta en el momento más inoportuno y la repetición de su pregunta a lo largo de la canción produce un instante de verdadero surrealismo.

Por supuesto, no todo en ‘NINE’ es un ejercicio de humor. El fondo de todas las canciones es tremendamente dramático y triste y, por ejemplo, la austera ‘Fear’ repite sin parar que el «el dolor es real» hasta llegar a un punto de ebullición. Las baladas son especialmente conmovedoras en este sentido. ‘Bitter Streets’, en la que aparece acreditado Jack Peñate, es serena como un atardecer de verano, pero su mensaje esconde una enorme melancolía cuando Cleo canta que se siente perdida y que ya no puede sonreír ni «soñar con todas aquellas cosas que quería ser». Y la apesadumbrada ‘Alcohol’ relata una recaída en el alcohol porque la realidad ha superado a la narradora de la canción. Sin embargo, SAULT concluyen ‘NINE’ con un par de notas de esperanza: el corte titular alude a un «futuro dorado» y la balada final, ‘Light’s in Your Hands’, muy Brill Building, es un absoluto ejercicio de amor y comprensión a quien ha vivido una infancia carente de amor.

Ana Torroja publica su disco ‘Mil razones’, con El Guincho, Alizzz, Rosalía, Pional…

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Ana Torroja lanza hoy 2 de julio ‘Mil razones’, su primer disco en 11 años. Corría 2010 cuando la cantante madrileña editaba el que entonces era su primer trabajo de material inédito en 7 años, ‘Sonrisa‘, un trabajo de pop positivo, luminoso y buenrollista que dejó el exitoso tema titular pero que, entre colaboraciones tipo Miguel Bosé y letras demasiado cursis, se quedó lejos de ser uno de los mejores o más interesantes de su carrera.

No iba a ser el caso de ‘Mil razones’ desde que se supo que, ‘Llama‘, el primer single de Ana Torroja en mucho tiempo, estaría producido por El Guincho y Alizzz y co-escrito por Rosalía, además de por los beatmakers Livinlargeinvenus. ‘Llama’ se postulaba ya como uno de los mejores singles de la carrera en solitario de Ana Torroja, en un momento en que ya se sabía que la ex integrante de Mecano había compartido estudio con dos de los productores de electrónica más pujantes de nuestro país, Henry Saiz y Pional.

Ambos aparecen en cortes de pop electrónico medio underground ya conocidos por todos como ‘Antes’, ‘Ya fue’ o ‘Ya me cansé de mentir’ junto a otros productores como Luis Deltell, hasta el punto de que la mayor sorpresa que deja ‘Mil razones’, aparte del sonado dueto con Alaska en ‘Hora y cuarto’, co-escrita por Oscar Ferrer de Varry Brava, es la producción única de Ática en ‘Volver’, que cuenta entre sus autores a Jorge Escorial Moreno, quien no es otro que Recycled J.

Rosalía aparece hasta en tres pistas como co-autora, estas son, la mencionada ‘Llama’, la clubera ‘Cuando tú me bailas’ y ‘Mil razones’, una de las pocas incluidas en el disco que todavía no se habían dado a conocer. Es el «focus track» y abre nuestra playlist de novedades actualizada. Curiosamente, para ser una producción de Alizzz y Henry Saiz, ‘Mil razones’ no puede coger más la estela del sonido de ‘El mal querer’ gracias a su sonido 100% ‘Malamente’ por el que además asoman palmas, percusiones tipo cristal o samples de cuchillos.

Puedes comentar ‘Mil razones’ en la sección de comentarios de la web o en el hilo de Mecano en nuestros foros y recordar nuestra entrevista con Torroja aquí.

‘So Simpatico’ es la gran canción de devoción de Villagers

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Más de 70 canciones conforman la playlist de novedades actualizada de hoy viernes 2 de julio. Entre las pistas que llaman más la atención de primeras, ya solo por su título, se encuentra ‘So Simpatico’, el nuevo single de Villagers. Es el segundo avance del álbum que Conor O’Brien publica el 20 de agosto bajo el título de ‘Fever Dreams’ y del que ya habíamos destacado en la sección «Canción Del Día» el primer adelanto, ‘The First Day‘.

‘So Simpatico’ es «una canción de devoción», explica O’Brien, «ya sea para una persona, para uno mismo o el arte de ser, la lucha por la autenticidad está en su centro» . El artista señala que ‘So Simpatico’ no es otra cosa que una «canción pop sobre la esencia del amor», pero la letra efectivamente apunta al hallazgo del amor propio, cuando O’Brien canta que «no tenía ni idea de que llevas aquí todo este tiempo, tumbado en el jardín, en las profundidades de mi mente, como un soldado solitario», para después entregarse a un estribillo que no puede sonar más eufórico, apasionado y feliz de haber encontrado la luz.

Más diáfano que el single anterior en lo sonoro, ‘So Simpatico’ es una gran balada de ecos country-pop y folk-rock que, melódicamente, remite a los mejores años 70, y en lo instrumental a la mejor etapa de Rufus Wainwright. Las cuerdas tienen un protagonismo especial en la grabación, si bien lo que termina destacando es el solo de saxofón. Existe versión acortada, más «radio friendly», pero la original es un banquete musical que es posible también escuchar en el videoclip de la canción, dirigido por Rosie Barrett y protagonizado por un triste payaso que no encuentra su lugar en la fiesta.

«‘So Simpatico’ es un viaje de despertar y autorreflexión de un payaso triste que encuentra el amor dentro de sí mismo y despierta ese entusiasmo por la vida que se perdió hace algún tiempo», ha comentado la directora. «Crear una narrativa visual para esta hermosa canción fue un placer, ya que llevo mucho tiempo admirando la música de Conor. Tuve el placer de trabajar con un elenco y un equipo brillantes en ciernes y estoy muy emocionada de ver este video publicado para el mundo»

Escucha lo nuevo de Los Planetas, Taylor Swift, Guitarricadelafuente, León Benavente…

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Hoy viernes 2 de julio salen los nuevos discos de Ana Torroja, con producciones de Alizzz, El Guincho, Pional o Henry Saiz y co-autorías de Rosalía; Lola Indigo, que reseñamos en portada; Laura Mvula, el álbum conjunto de Bobby Gillespie y Jehnny Beth, The Go! Team, Cecilio G, David Otero, Bombai, Love Yi, Paula Cendejas, María Sioke o Eladio Carrión.

Entre los singles sueltos que ven la luz hoy, a destacar las ‘Alegrías de Graná’ de Los Planetas, la colaboración de Big Red Machine (Justin Vernon de Bon Iver y Aaron Dessner de The National) con Taylor Swift, el segundo avance del próximo disco de Villagers, el regreso de Guitarricadelafuente, la colaboración de Roldán con Alonso Díaz Carmona, Lorena Álvarez, Kiev cuando nieva, Ibon Errazkin y El Hijo; el nuevo single de Ant Cosmos o la sorpresa house-pop de Iggy Azalea.

Estos días nuestra playlist de novedades de cada viernes «Ready for the Weekend» supera los 5.000 suscritos, confirmándose como una de las preferidas del público español alternativo. La lista no se centra en el reggaetón como “Novedades Viernes España” pero tampoco lo evita como “Radar Indie”, ofreciendo una instantánea equilibrada de la actualidad relevante de cada semana.

A lo largo de los últimos años, “Ready for the Weekend”, como otras playlists de JENESAISPOP, ha puesto un grano de arena en el desarrollo de artistas ya tan grandes como Carolina Durante o Rigoberta Bandini: durante semanas estuvimos entre las playlists que más streamings les aportamos, como ahora mismo lo estamos en las estadísticas de Christina Rosenvinge o Tiburona. La complementan nuestra recopilación con «Las Mejores Canciones del Mes» para la redacción (4.600 suscritos) y la recién estrenada «El Top 40 de JENESAISPOP y las 10 candidatas«, con las preferidas y más votadas por el público (400 suscritos). «Las Mejores Canciones del Mes» es editorial y avanza lo que encontraréis en nuestra lista de lo mejor del año publicada cada mes de diciembre; «El Top 40» es más bien una sucesión de hits actuales según el criterio de nuestros lectores.

Incluimos también lo nuevo de Django Django, Drake con Brent Faiyaz, Shygirl con slowthai, Molly Burch, Lolo Zouaï, Poppy y la versión de St Vincent para el macroproyecto nuevo de Metallica. Entre quienes han anunciado álbum para los próximos meses, Big Red Machine, también con superestrellas (ya hay segundo single), y Natalie Imbruglia, que hace unos días estrenaba ‘Build It Better’.

Entre los proyectos interesantes que conocer, el elegante synth-pop de Jenn Champion y OYSTER KIDS, el dream pop de Hollie Kenniff, el rock de My Idea, el folk de The Ophelias (con la ayuda de Julien Baker), la americana galopante de Holy Hive o el trap popero del artista nacional Dluna.

Lola Indigo / La Niña

Tanto el reggaetón como lo que conocimos como trap podrían estar agotándose: muchos de sus principales exponentes llevan ya un tiempo jugueteando a otras cosas, bien sea el synth-pop ochentero (Rauw Alejandro), el folclore de cada país (C. Tangana) el pop-rock de guitarras y las desestructuras (Bad Bunny), etcétera. Inamovible del número 1 global desde hace semanas, un tema pseudo-grunge de Olivia Rodrigo. Ahora mismo en el puesto 2, un tema de rock de Måneskin, en verdad una versión de un tema de los 60, ‘Beginn’. ¿Algo está cambiando en el panorama pop?

En este contexto llega el segundo disco de Lola Indigo tras la buena acogida de ‘Akelarre‘. En la superficie lo podemos interpretar como un álbum veraniego que efectivamente usa los beats clásicos del reggaetón y de los hits latinos de los últimos años en algunos de los temas que ya conocemos -‘4 besos‘ y ‘Lola Bunny‘ son aquí «bonus tracks», y a mitad de la secuencia aparece ‘Calle‘- y también entre los nuevos, como es el caso de ‘Killa (Ring Ring)’. Macrohits como ‘China’ parecen aún una referencia melódica en ‘¿Cómo te va?’, por ejemplo, pero ojo con el concepto y la letra pequeña de todo esto.

Mimi Doblas ha ideado este álbum como un disco de pop por encima de todo, para reencontrarse con «la niña» fan que un día fue. Por eso se ha calzado el disfraz de ‘Spice Girls‘ en un tema así llamado que además recuerda a Shampoo!, y el álbum comienza con un timbre de instituto como el que llamaba a la libertad a Britney Spears –cuando la tenía-, en un tema llamado ‘La niña de la escuela’ que además es un homenaje a la comedia ochentera ‘La revancha de los nerds’. La portada es rosa porque la artista ha concebido todo esto como su disco rosa, hasta el punto de que el libreto del CD ideado por Súper Fuerte Studio es para verlo por dentro: las tartas son rosa, el vestuario es rosa, la moto es rosa, las mancuernas del gimnasio son rosas… hasta el váter es rosa en un mundo en el que sólo existe este color y otro, el azul.

El regreso a la infancia y esta sobredosis de tonos pastel no tiene, por suerte, correspondencia con el sonido del disco ni con las letras, que combinan hábilmente el amor con el empoderamiento… y el humor que tanta falta nos hace. Lo vemos en ‘La niña de la escuela’ o ‘Nada a nadie’ con Mala Rodríguez, que, discreta como producción tropical, presenta una letra sobre folleteo libre y sin ataduras bastante divertida («quizá yo no soy lo que estabas pensando, pero pa jugar soy de puta madre»), además de introducir fragmentos recreados de ‘Tengo un trato’. El buen flow de Lola Indigo es muy perceptible en canciones como ‘Ca$h’ junto a Lyanno, además una excitante co-producción que empieza como un bolero pero evoluciona hacia la pista de baile -de nuevo- reggaetón, conformando un buen mix de estilos.

Ese tramo final de ‘La niña’ merece una reivindicación: al margen de que ‘CULO‘ no sorprenda ya tanto como himno de autoafirmación o de que ‘Tamagochi’ recuerde a ‘Fancy’ tantos años después, el disco se sucede con tan pocas sorpresas mayúsculas como tropiezos, y eso incluye buenas baladas. ‘Tú y yo’, con una guitarra eléctrica tipo R&B, y ‘No sé qué decir’ con Roy Borland se debaten entre la ilusión y la melancolía; y ‘La llorera’ suena más anhelante escrita únicamente por la artista y el productor Pablo Rouss.

Podemos hablar del buen trabajo de Aeme en ‘Cash’ o de Alizzz y Sen Senra en la ya conocida ‘Mala cara’ (esos coros tratados y el piano son de lo mejor de ‘La niña’); y también de cómo termina siendo irrelevante quién haya contribuido a cada tema. Para una cantante que tanto tiende a «recordar a», es llamativo cómo todo lo que toca continúa teniendo el sello de Lola Indigo.

Natalie Imbruglia vuelve con el apañado pop-soul de ‘Build it Better’

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Natalie Imbruglia, quien arrasara a finales de los 90 con su primer single ‘Torn’, llegando a vender más de 7 millones de copias de su debut ‘Left of the Middle’, vuelve en 2021 con un nuevo álbum llamado ‘Firebird’ que verá la luz el 24 de septiembre. Será el primer álbum de estudio que publica Imbruglia desde 2015, año en que lanzó el álbum de versiones ‘Male’, en el que se acercó a temas conocidos de Daft Punk, The Cure, Damien Rice, Tom Petty o Iron & Wine.

Pero que nadie se asuste, ‘Firebird’ será un trabajo de material completamente original, el primero de esta naturaleza desde ‘Come to Life‘, editado en 2009, que Imbruglia ha compuesto junto a gente como Albert Hammond Jr de The Strokes, Romeo Stodart de The Magic Numbers, KT Tunstall, Eg White (Adele, Dua Lipa, Sam Smith), Luke Fitton (Little Mix, Girls Aloud) o Fiona Bevan (One Direction, Ed Sheeran).

Precisamente estos dos últimos nombres son co-autores junto a la australiana del primer avance del disco, ‘Build it Better’, un apañado corte de soul-pop con querencia góspel que precisamente recuerda al trabajo de Adele o Sam Smith. No será histórico como ‘Torn’ ni conmueve como ‘Shiver’ pero es un buen tema con el que Natalie regresa a la actualidad musical.

En nota de prensa, Natalie explica que en ‘Build it Better’ ha querido expresar que “rendirse al caos y ver lo que hay del otro lado es una buena lección de vida». En concreto, el tema viene a decir que el tiempo cura las heridas y su melodía es totalmente optimista cuando, en el estribillo, defiende que «nada dura para siempre» y que «cuando algo cae solo queda construirlo mejor».

01 Build It Better
02 Nothing Missing
03 What It Feels Like
04 On My Way
05 Maybe It’s Great
06 Just Like Old Times
07 When You Love Too Much
08 Not Sorry
09 Human Touch
10 Change Of Heart
11 Invisible Things
12 Dive To The Deep
13 River
14 Firebird

Los mejores discos de 2021 (de momento)

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Como siempre, una vez terminado el primer semestre del curso, recopilamos la música que más nos ha entusiasmado durante la primera mitad del año, comenzando por los discos. Un año raro, 2021, casi más que el anterior, cuando al menos hubo plena normalidad de enero a marzo.

Esta vez destaca la ausencia de grandes nombres en el pop internacional (salvo que estéis entusiasmados con el disco de Justin Bieber). Olivia Rodrigo -de la que hablaremos en el «Especial Canciones»- parece haber aprovechado la ausencia de Rihannas, Beyoncés, Kendricks y Kanyes para llevárselo calentito.

En el plano underground, por supuesto hay discos interesantes como siempre aunque, con alguna salvedad como Nick Cave, llama poderosamente la atención la falta de unanimidad de criterio entre medios.

La crítica británica y estadounidense juega a ignorarse mutuamente más que nunca, de momento incapaz de ponerse de acuerdo para generar un hype realmente global en torno a algún artista novel del perfil de Arcade Fire o Grimes, desconocemos si por la pérdida de relevancia de medios en la era de las redes sociales, por el dominio absoluto del mercado por parte de Spotify o porque los discos verdaderamente buenos y que harán historia cambiando las cosas están guardados en el mismo cajón que el de Adele.

A riesgo de sonar nacionalistas de más, los discos españoles han salvado bastante 2021 y 3 son claramente los más votados junto a los de Nick Cave y Lana del Rey por nuestra plantilla de redactores y colaboradores puntuales. Me refiero obviamente a ‘PUTA’, ‘El Madrileño’ y ‘Clamor’, tres discos que, pase lo que pase en los meses venideros, ya forman parte de la historia de nuestro país, y del mundo que a ellos quieran asomarse.

Arab Strap / As Days Get Dark

A finales de los 90, principios de los dosmiles, a la par que el auge del europop más comercial, en la escena alternativa reinaban el post-rock y otros géneros hermanos de música oscura y densa. Y durante un tiempo, Aidan Moffat y Malcolm Middleton, Arab Strap, fueron estandartes; los amos de la depresión, del desasosiego, de las relaciones de pareja atormentadas, de la vida jodida y, sobre todo, del sexo: sexo ansioso, sexo triste, sexo frustrante… Todo envuelto con una música que tenía tanto de confesional y sombría como de adictiva. ‘As Days Get Dark’ es un disco tan pegadizo como perturbador. Recuerda a los grandes momentos de la banda, pero sin resultar para nada desfasado. La música de Arab Strap, seca, amarga, siempre tuvo una cualidad atemporal, que se mantiene. Siguen destilando mala leche y humor, suavizados por cierta ternura y un mucho de resignación. El regreso del dúo no puede ser más clarividente y glorioso.

Maria Arnal i Marcel Bagés / Clamor

’45 cerebros y 1 corazón’ fue un disco grande e irrepetible y ya hace mucho que dejó de ser de Arnal y Bagés para instalarse en el imaginario colectivo; es nuestro, de la gente. Y está bien que así sea y así se quede. Pero ‘Clamor’ es mucho más que «el segundo disco». Es una obra que apela tanto a lo visceral como a lo intelectual y que cuesta mucho, mucho de abarcar en sus múltiples facetas, dados su derroche musical y lírico. Arnal i Bagés han confirmado de manera contundente que ellos también son mucho más que su primer largo. Producido de nuevo por David Soler, este disco se cimenta, como el anterior, en la voz portentosa de Maria, el celo musical de Marcel y un nutrido grupo de colaboradores, juntos en el afán de hallar una suerte de «canción total». ‘Clamor’ es un disco más experimental que su predecesor, aunque aún sigue enraizado en la canción popular hispánica, pero de manera menos obvia. Hay poca guitarra y sí mucha investigación sonora. ‘Clamor’ se sustenta en la electrónica, los sonidos de la naturaleza y, sobre todo, en el uso de la voz como instrumento, siguiendo la estela de eminencias como Björk o Holly Herndon.

Baiuca / Embruxo

En la historia de los artistas que han logrado acercar la música tradicional española a las nuevas generaciones hay que contar de manera destacada a Baiuca. El músico gallego se ha hecho un hueco en el panorama nacional haciendo lo que hace Nicola Cruz con la música andina pero sin salir de su Galicia natal, mezclando electrónica con el cancionero popular de su tierra para renovarlo a su manera. ‘Solpor‘, su primer disco, era un trabajo de folktrónica artesanal, enriquecido por samples, instrumentos y percusiones de todo tipo que cabía degustar atentamente con cascos, y ‘Embruxo’, su segundo disco, depura el componente experimental de aquel para sacarnos a bailar a la plaza, a la luz de la luna.

Julien Baker / Little Oblivions

‘Little Oblivions’ se centra, más “sin filtro” que nunca, en las adicciones de la artista, su reciente recaída, sus comportamientos autodestructivos, sus sentimientos de odio a sí misma y, en definitiva, su (inestable) salud mental. No lo hace victimizándose, pero, aun así, seguramente muchos escuchen estas canciones y concluyan que se está haciendo la víctima, que los adictos “no me dan ninguna pena porque ellos se lo han buscado”, y demás coletillas. ¿Lo bueno? Que a Julien se la suda -a ratos- lo suficiente como para no cortarse un pelo ni autocensurarse y regalarnos un disco tan bueno como éste, un disco que lleva terminado-y-paralizado un año (pandemia mediante) y, sobre todo, un disco que tendrá poder terapéutico no solo para ella sino también para muchos de sus oyentes.

black midi / Cavalcade

Si ‘Cavalcade’ satisface como obra de gran técnica musical, en la que el vocalista y guitarrista Geordie Greep, el también vocalista y guitarrista Matt Kwasniewski-Kelvin, el vocalista, bajista y tecladista Cameron Pictor y el batería Morgan Simpson se lucen cada uno en lo suyo, también sorprende por la claridad de algunas de sus melodías, que en el enésimo caos controlado de ‘Dethroned’ obliga a pensar en bandas con las que de hecho black midi tienen mucho que ver como los infravalorados These New Puritans o Wild Beasts. Después de volverse locos una vez más con ‘Hogwash and Balderdash’, cuyo título alude a formas de escribir bobas o absurdas, como las que presume esta misma canción, el disco se cierra con una emotiva balada de «crooner» que podría ser de Scott Walker. ‘Ascending Forth’ imagina una vida «sin preocupaciones» y lo cierto es que black midi han hecho un disco lleno de distracciones en el mejor de los sentidos.

Nick Cave & Warren Ellis/ Carnage

A pesar de ser un disco elaborado en tiempos muy difíciles, ‘Carnage’ ofrece más luz, belleza y consuelo que desasosiego. Las canciones parecen reflejar una búsqueda y una reconfortación en el «Reino en el Cielo» (término que aparece varias veces), en el amor a la humanidad, al mundo. Ellis y Cave apelan más a lo universal que a lo personal, a un humanismo salvador. Las aguas son procelosas, duro es el viaje, pero no nos hundiremos mientras permanezcamos juntos, nos dicen. Y en semejante estado de gracia, imposible no creerles.

C. Tangana / El Madrileño

Las comparaciones no son odiosas, sino sanas cuando sirven para encumbrar a dos de los artistas más importantes de la historia de nuestro país, ambos pasándose por el arco de triunfo las fronteras entre indie y mainstream, entre vanguardia y tradición; ambos a un nivel de frotarse los ojos. ‘El mal querer’ era un disco más Sónar Festival, y ‘El madrileño’ es un disco más Primavera Sound, pero también más pop: no hay que dar por sentada la enorme cantidad de hits que se suman a los 5 (¡CINCO!) singles que ya conocíamos con antelación. ‘Ingobernable‘ es una rumba turbia pero irresistible, para la que se ha contado con los Gipsy Kings, en la que El Madrileño adopta un papel más posesivo, frente a una mujer que no se deja dominar. ‘Los tontos’ es la otra cara de la moneda, un tema festivo, divertidísimo, en el que Kiko Veneno y Puchito se proponen huir de su condición de «losers». ‘Párteme la cara’, ‘Te olvidaste’, el éxito espontáneo de ‘Los tontos’ y debilidades como ‘Cuándo olvidaré’ suman en un disco apto hasta para seguidores de Rosario y Alejandro Sanz, referenciados.

Lucy Dacus / Home Video

Ese experimento llamado boygenius fue uno de las mejores regalos musicales que nos dio 2018, y lo cierto es que desde entonces las carreras de sus tres componentes no han dejado de crecer. Pero, si Phoebe Bridgers es sin duda la que más éxito ha conseguido y Julien Baker la más aclamada por la crítica, Lucy Dacus se había quedado en un terreno más intermedio, en parte porque su material posterior se limitó a un (muy digno) disco de versiones y poco más. ‘Home Video’ viene a solucionar eso. Con un estilo cohesionado que seducirá tanto a los fans de sus discos anteriores como a los que la descubrieron por boygenius, Dacus se luce creando con su voz y con sutileza en las melodías el ambiente de nostalgia del que precisamente trata el disco, y demuestra de nuevo sus excelentes habilidades como letrista. No hay más que irse a su último single: “you call me cerebral, I didn’t know what you meant / but now I do, would it have killed you to call me “pretty” instead?” canta en ‘Brando’, quizás su ‘Kyoto’ particular. Es encomiable cómo consigue describir tan bien a una persona (o un tipo de personas) con una frase aparentemente tan sencilla… pero no es, en absoluto, el único ejemplo de brillantez que podemos encontrar en ‘Home Video’.

Espanto / Cemento

Los riojanos Espanto son uno de los mejores grupos de este país pero, ay, se prodigan menos de lo que desearíamos. ‘Fruta y verdura’ (2016) ya empezaba a quedarse lejos. Y su single ‘Tres canciones nuevas’ (2018) supo a poco. Pero tranquilos: Espanto han regresado. Que Dios bendiga a los dúos austrohúngaros y aledaños. No en vano, Genís Segarra vuelve a producir y Austrohúngaro a publicar. Si ‘Fruta y verdura’ era una inmersión en la naturaleza, ‘Cemento’ supone el regreso a la ciudad. La preciosa portada muestra edificios emblemáticos de Logroño. Pero este regreso se presume que no ha sido del todo voluntario. Porque en ‘Cemento’ cohabitan dos sentimientos, opuestos pero complementarios. Uno es la desazón por esta vida urbana y perturbada, una queja contra el mundo moderno y sus esclavitudes. El otro aboga por el escapismo, la bondad y la esperanza. Las canciones alienantes, si fueran una comedia, serían de las que te hielan la sonrisa. Espanto recuperan su mala uva y la presentan con preciosos envoltorios, que esconden situaciones terribles. Y en el lado amable y efervescente de ‘Cemento’ hay hermosas canciones, de pequeño tamaño, que pasan al principio de puntillas, pero que rápidamente revelan su grandeza.

Floating Points, Pharoah Sanders / Promises

Si es difícil hacer una «pieza» de casi una hora que en ningún momento aburra, Shepherd y Sanders hacen que parezca fácil, a lo que ayuda que la Orquesta Sinfónica de Londres nunca sobrepase su poder: mantiene la compostura en todo momento. En ‘Promises’, el balance de repetición e improvisación funciona a merced de un trabajo lleno de espacio en el que Shepherd y Sanders dialogan de manera espontánea, sin pisarse el uno al otro. A veces los teclados despegan como en una producción de James Blake para luego caer al vacío, como los de ‘Movement 3’; otras pasan de volar por el cosmos para después recordar a las rudimentarias producciones proto-electrónicas la BBC Electronic Workshop; como los de ‘Movement 7’, y en ‘Movement 4’, Sanders se atreve a derribar la ilusión creada por el disco acercándose al micro para tararear una boba melodía. En este momento te das cuenta de que ‘Promises’ lo tiene casi todo: emoción, serenidad, drama, dinamismo… y hasta una pequeñísima dosis de humor.

Danny L Harle / Harlecore

‘Harlecore’ es un disco conceptual inspirado en un espacio digital llamado Club Harlecore en el que los usuarios pueden experimentar la euforia de diferentes maneras. Para ello, cada género musical es representado por «un DJ residente fantástico»: «DJ Danny» nos trae el hardcore edificante, «MC Boing» el rap (se trata de Danny L Harle con Lil Data), «DJ Ocean» el ambient (se trata de Danny L Harle con Caroline Polachek) y «DJ Mayhem» (Danny L Harle con Hudson Mohawke) «lidera un rastro de destrucción con la banda sonora de un charlatán en confrontación». Toda esta sensación de «euforia» supuestamente integrada, no dividida en «salas» o «dj’s residentes», no es en verdad tan ajena a lo que esperamos de Danny L Harle. Aunque cada sala va un poco a lo suyo, un disco que es un gran paradigma de la diversidad que cabe en el corazón de todos los que compusieron PC Music.

Japanese Breakfast / Jubilee

Dice el mito que los terceros discos son difíciles, pero Japanese Breakfast ha aprovechado la creación de ‘Jubilee’ para reinventarse. Sus dos primeros trabajos, ‘Psychopomp’ y ‘Safe Sounds from Another Planet’, versaban en gran medida sobre la muerte de su madre y se anclaban en un sonido de indie-rock, shoegaze y dream-pop melancólico por el que, de vez en cuando, asomaban otros estilos. ‘Jubilee’ no abandona radicalmente estos géneros pero sí los pasa por un prisma más positivo a la vez que se abre a sonidos más luminosos y, en definitiva, novedosos para la artista. Al hablarnos no solo de la muerte sino también de la soledad y, sobre todo, de lo que implica madurar más temprano de lo que esperabas, Japanese Breakfast nos deja una lección muy valiosa en ‘Jubilee’, la de aprender a encontrar la luz.

Mon Laferte / Seis

14 años viviendo en México, los 2 últimos en la pequeña localidad de Tepoztlán literalmente «viendo caballos pasar», han llevado a la chilena Mon Laferte a publicar su disco más empapado de la música folclórica del país norteamericano. El visionado de un documental de Chavela Vargas, otra mexicana de adopción, ha inspirado a la artista a ahondar en mariachis, rancheras y corridos, incorporando acordeones, vihuelas, tubas y trompetas, colaborando con gente como Alejandro Fernández (que aparece en el single ‘Que se sepa nuestro amor‘) y alguna banda. No se han abandonado por completo los ritmos de otras procedencias, pero sin duda ‘SEIS’ es un álbum menos salsero y menos swing, por ejemplo, que el anterior, el formidable ‘Norma’.

Lana del Rey / Chemtrails over the Country Club

En ‘Chemtrails Over the Country Club’ Lana del Rey ha ido a buscar, definitivamente, el clasicismo de gran autora de los 70. Quiere ser Joni Mitchell o Carole King. Y no tanto porque su música «recuerde a», sino porque Lana pretende que su obra alcance esas cotas de inmortalidad. Quizás no podrá aspirar a la popularidad que ambas tenían en su época, porque su concepto de canción está muy a la greña con las playlists y la falta de paciencia actuales. Pero está claro que «Chemtrails» funcionará porque hay un público joven que sigue escuchando y demandando obras en las que sumergirse y refugiarse, que vayan más allá del consumo inmediato y la gratificación instantánea.

Genesis Owusu / Smiling with No Teeth

Ajenos a los imperativos del mercado, sin featurings ni ritmos trap ni canciones pensadas para el TikTok, los músicos del australiano Genesis Owusu han desarrollado un trabajo muy de banda que hace pensar en grupos tan versátiles como TV On the Radio. Dave Sitek bien podría haber sido el responsable de esta genialidad en la que lo mismo cabe un hit llenaestadios como escrito por el Bruce Springsteen de los años 80 (‘Drown’) que el medio tiempo de falsetes R&B (‘Gold Chains’) que la tradición y la modernidad exprimidas en el mismo corte (‘Centrefold’). Los recursos son tan ricos e inesperados como los de ‘Waitin’ on Ya’, una pista en la que, sin abrasar al oyente, pasamos de escuchar voces robotizadas a lo Daft Punk a punteos post-punk en la onda de Siouxsie and the Banshees, un sensual teclado jazzy (es muy fan de Miles Davis), un tarareo daba-daba que es puro 60’s… Genesis Owusu quería que su disco sonara sexy y este es uno de los ejemplos, aunque el álbum es más bien un musical guionizado, una pequeña película a lo Janelle Monáe que el artista se ha montado en la cabeza para salir de la depresión que nos hace tomar «pastillas como M&M’s», y para criticar el racismo de nuestra sociedad.

Parannoul / To See the Next Part of the Dream

Lo que hace tan especial -y uno de los grandes hallazgos musicales de este año- a ‘To See the Next Part of the Dream’ es precisamente la cantidad de capas y texturas que tiene, que hace que resulte imposible apreciarlo todo en una primera escucha. Cada vez que se vuelve a él hay detalles nuevos por descubrir, sonidos magnéticos e hipnóticos y fragmentos rebosantes de emoción. Ante todo, el segundo disco del misterioso proyecto Parannoul está hecho desde la pasión y la generosidad, donde el artista surcoreano se abre en canal sin esperar nada a cambio.

Sleaford Mods / Spare Ribs

Las diferencias hacen de ‘Spare Ribs’ el punto culminante de Sleaford Mods. Una terna de canciones oscuras, asfixiantes y pegadizas hasta la demencia, una ristra de hits más punks y pegadizos que nunca. La inicial ‘The New Brick’, un tema brevísimo, vociferado prácticamente a capella por Jason, resume el disco: «And we’re all so Tory tired / And beaten by minds small («estamos todos cansados de los Tories / y derrotados por mentes pequeñas”). ‘Shortcummings’ con su línea de bajo y esa guitarra tan Pixies y tan desnuda, se mete insidiosa en la cabeza. ‘Nudge It‘ intoxica con su guitarra chirriante y oxidada, una base melódica que parece recrear el ‘All Day and All of the Night’ de los Kinks, una atmósfera sofocante, pianillos desafinados y la voz de Amy Taylor de Amyl and the Sniffers irrumpiendo de manera estelar; una tonada seca y efectiva en que critican a los artistas que actúan como si fueran auténticos miembros de la clase obrera».

Sons of Kemet / Black to the Future

La nueva escena del jazz londinense bulle: Nubya García, Ezra Collective, Kokoroko, Moses Boyd… Pero quizás una de las figuras más relevantes sea Shabaka Hutchings, saxo, clarinete y compositor principal de Sons of Kemet, además de The Comet Is Coming y Shabaka Hutchings and the Ancestors. Sons of Kemet son un combo desenfrenado, con un pie en el jazz y otro en ritmos africanos y afrocaribeños. Su música es vitalista y de fuerte raigambre en lo popular, basada principalmente en los metales, piedra angular de su sonido. Aparte de Hutchings también destaca la figura de la tuba, Theon Cross, otro culo inquieto metido en miles de proyectos. Aunque ahora Sons of Kemet suenan algo menos efusivos, más reflexivos, no dejan de ser una imparable máquina del ritmo. La calidad de sonido es estupenda, la atmósfera es viva, táctil, directa. Los metales se ocupan de casi todo: marcan el ritmo, ejercen de instrumentos solistas, prácticamente entierran a la percusión por momentos. La algarabía, la excitación y la rabia riegan sus 51 minutos, sin espacio al aburrimiento, al desarrollo hueco de virtuosismo.

Wolf Alice / Blue Weekend

Que Wolf Alice es una de esas bandas que saben digerir sus influencias es obvio desde el primer disco, pero en ‘Blue Weekend’ lo es más todavía. Es lo que tiene que Ellie Roswell sea una vocalista con estrella, extraordinaria, y que el grupo solo sepa componer canciones sólidas. Pero también tiene mucho que ver que varias de las pistas miren bastante atrás en el tiempo. Si ‘Delicious Things’ habla de no encajar en Los Ángeles, tiene sentido que su estribillo busque tocar el sol con los dedos como los de Fleetwood Mac, pese a que instrumentalmente la canción apunta más bien al dream-pop sesentero de Beach House. Uno de esos trabajos que se acercan a ser redondos sin necesidad de contener singles capaces de cargar con todo el álbum a sus espaldas.

Zahara / PUTA

Por si todo lo contenido en ‘PUTA’ -sus gritos contra el acoso y los abusos, la importancia de la salud mental y de recibir terapia- no fuera lo suficientemente relevante para nuestra sociedad, la música no es un mero acompañamiento ni tampoco un ejercicio rococó de emociones orquestadas: ha sido desarrollada para amoldarse a este relato por Zahara junto a su escudero en este caso, Martí Perarnau IV, más conocido como «Mucho» y compañero en el dúo _juno, cuyo desarrollo electrónico y experimental es decisivo para el acabado de ‘PUTA’. El disco ha sido elaborado con las condiciones técnicas e instrumentos que permitía la pandemia y su resultado parece por tanto un accidente, pero difícilmente estas canciones hubieran podido encontrar un abrigo más adecuado: en ‘TAYLOR’ el bombo que va emergiendo podría representar cada bofetada recibida en el camino. ‘sansa’ es extrañamente preciosista, angelical en el trato de voces, siguiendo la baza del contraste. ‘negronis y martinis’, que trata de conocer el propio cuerpo tras una metáfora trabajada en terapia, sigue una línea similar. ‘canción de muerte y salvación’ juega con el «spoken word» y los beats industriales solo para representar el desconcierto del que habla. ‘MERICHANE’ asfixia y jadea a lo largo de sus insoportables tres párrafos confesionales. Una obra fundamental del movimiento #MeToo.

El camino hacia el éxito de Rauw Alejandro

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Puede que la canción del verano de este año no esté tan clara como en años anteriores, pero ‘Todo de ti‘ de Rauw Alejandro es una firme candidata. La canción ha arrasado y será uno de los mayores éxitos de 2021. Toda una sorpresa esta composición de disco-pop que une los mundos del reggaetón y la música disco abanderada por The Weeknd o Dua Lipa. Si a las listas actuales les faltaba algo era un reggaetonero haciendo música disco. Y Rauw lo ha entendido.

Rauw es uno de esos artistas que se han formado desde pequeños. Su primera pasión es el baile, y precisamente el saber bailar le diferencia del resto de reggaetoneros, como se aprecia en el videoclip de ‘Enchule’, donde se marca unos pasos a lo Justin Timberlake o Chris Brown; pero el portorriqueño inicia su carrera en la música cuando decide dejar el fútbol porque sufre una lesión a los 20 años que le impide continuar en el deporte. Esta situación sume a Rauw en una leve depresión, de la que sale gracias a la música. “Llega un momento que uno empieza a visualizar su vida, se me abrieron las puertas en la música y decidí darme la oportunidad», contó el boricua en 2018 en una entrevista en la que relataba que la música había sido su «vía de escape».

Los primeros pasos de Raúl Alejandro Ocasio Ruiz en la música se producen en Soundcloud. En 2014 publica sus primeros temas y, en 2016, ve la luz en esta plataforma su primera mixtape, ‘Punto de equilibrio‘. El álbum no está disponible en Spotify España, pero sí se puede apreciar que sus escuchas quedan lejos de lo que consigue Rauw en los años siguientes, sobre todo desde que, en 2017, lanza el single ‘Toda’ con Alex Rose, que lo peta al año siguiente gracias al remix con Cazzu, Lenny Tavárez y Lyanno. El tema, que a día de hoy suma más de 220 millones de reproducciones en la mencionada plataforma sueca, obtiene el Disco de Oro en España y pone a Rauw en el mapa, pero quedará prácticamente olvidado respecto a sus logros futuros.

Probablemente el primer gran hito en la carrera de Rauw es el lanzamiento de su single ‘Tattoo’, uno de esos macrohits de reggaetón de los que es imposible escapar durante el año de la pandemia. Hasta entonces era solo posible hablar sobre Ocasio en los términos de otro artista de reggaetón que de vez en cuando coloca un hit en la lista de singles española o en las listas latinas de Estados Unidos, pero ‘Tattoo’ triunfa y su remix con Camilo arrasa. En España, ‘Tattoo’ mejora el dato de ‘Fantasías’ con Farruko, superando su top 4 para plantarse en el top 3, y el remix con Camilo escala al top 2. Ocasio está definitivamente en la cima de su carrera hasta el momento y, si bien ‘Elegí’ y su remix no pasan del top 26, vuelve a apuntarse otro top 3 en nuestro país gracias a ‘La Nota‘ con Manuel Turizo y Myke Towers. Después, se supera a sí mismo colocando sus propios singles ‘Enchule’ y ‘Reloj’ en los top 10 y 11 de la lista de singles española, respectivamente.

Rauw publica su álbum debut ‘Afrodisíaco’ a finales de 2020 y, entre sus créditos, sorprende la aparición de Rosalía en varios temas en función de co-productora, co-autora y corista. El álbum no es número 1 en España por culpa de AC/DC, pero registra streamings espectaculares gracias a buenos temas como ‘Pensándote’, deja otro hit como ‘De Cora’ con J Balvin y sorprende con el synth-pop a lo The Weeknd de ‘Algo mágico’, que gusta hasta el punto de superar los 100 millones de reproducciones sin ser uno de los sencillos principales. Es todo un precedente de lo que vendrá después con ‘Todo de ti’, el primer número 1 de Rauw no solo en España, sino también a nivel mundial (el tema es brevemente número 1 en la lista global de Mediatraffic). El artista de 28 años, que crece escuchando artistas estadounidenses como Chris Brown o Elvis Presley, no necesita a la también estadounidense Selena Gomez para arrasar por su cuenta. ‘Baila conmigo‘ es un tema estupendo que alcanza el top 7 en España, pero no es propio.

¿Qué depara ahora a Rauw Alejandro? De primeras parece difícil que vuelva a repetir el éxito de ‘Todo de ti’, pero su nuevo disco no está exento de potenciales singles que podrían petarlo tarde o temprano. ‘Sexo virtual’ ya escala hacia el top 10 en la lista de éxitos de Spotify España, es decir, hay hit a la vista y, entre éxitos como el reggaetón bonito de ‘2/Catorce’ o sus diversas colaboraciones con Marc Seguí y Pol Granch en el italo disco de ‘Tiroteo’, otra vez con Alex Rose en ‘Me fijé’ o con Maluma, Darell y compañía en ‘Aloha’, el boricua aparece en hasta 8 canciones dentro del top 100 español repartidos equilibradamente entre la parte más alta de la tabla y la parte baja. Si en algún momento pareció una estrella del reggaetón más ha sido para seguir currándoselo hasta postularse como la estrella pop del momento.






¿Hace bien Rigoberta Bandini hasta el branded content?

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Rigoberta Bandini ha sido la encargada de componer la canción del esperado anuncio anual de una conocida marca de cerveza. ‘A ver qué pasa’ es la canción que suena en este nuevo anuncio llamado ‘Amor a primera vista’ que ha sido dirigido por Ian Pons y que está protagonizado por los actores Mario Casas, Mireia Oriol, Joan Amargós y Laia Manzanares. La propia Rigoberta hace un cameo en el anuncio pero la verdadera estrella de este spot es por supuesto su canción, que, con casi 400.000 escuchas en Spotify en poco más de dos semanas, va en camino de convertirse en otro hit para la catalana.

Y no es de extrañar: ‘A ver qué pasa’ es otra composición 100% Rigoberta en sonido y filosofía que, a su vez, propone algo diferente en su repertorio. La canción, que habla sobre «arriesgarnos y tirarnos al mar sin dudas, ni complejos, ni remordimientos» y sobre «improvisar y saborear cada momento disfrutando de las cosas sencillas que nos provocan grandes emociones», según relata la nota de prensa de la marca de cerveza, se lanza al «mar» del eurodance en este corte de estrofas más contenidas y ligeramente glitch-pop que evoluciona hacia un estribillo de baile machacón a lo Vengaboys, por rara que parezca la fusión de ambos mundos.

Solo Rigoberta podía componer una canción en este estilo que no solo resulta divertida en su fórmula «crescendo hacia la ida de olla total», perfectamente expuesta en ‘In Spain We Call It Soledad‘ o ‘Perra‘, sino que además se queda en la cabeza como una canción de Mecano. Y podemos hablar de la melodía en este sentido, pero son rimas despreocupadas tipo «muy buenos días, te propongo un plan, soy impulsiva pero me da igual» o «quizá no nos volvemos a ver nunca, quizá mañana quiero cantar cumbia» las que indican en esa dirección.