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Vega prende Barcelona, entre la cercanía y la relación parasocial

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Marina Tomás

La primera vez que me pillé un disgusto televisivo fue cuando Vega fue expulsada de Operación Triunfo en 2002 (sí, yo también me enganché a la tele viendo el colapso de las torres gemelas, pero en ese momento no entendía qué pasaba). Tenía 10 años, aún jugaba a las muñecas y a los muñecos y me repartía cromos con amigos del colegio, pero me identificaba con ella, me encantaba su voz y me parecía auténtica. Ni siquiera vi el programa esa noche; me enteré después de clase y me enfadé. Después se me pasó.

India‘, el primer disco de Vega, publicado en 2003, es uno de los mejores debuts de la historia de Operación Triunfo, aunque se nos haya olvidado mientras encumbramos -merecidamente- a Amaia y Juanjo Bona. Por supuesto, la historia de Vega es una historia de resiliencia e independencia en la industria musical. Ella es pionera de aquello que una vez empezamos a llamar indie-mainstream, pero además siendo más indie que mainstream, porque lleva en su propia discográfica independiente desde su quinto disco. Y lleva 9 + 1 directo + 1 disco de versiones.

Conocí a Vega en 2009, en una firma de discos en Fnac: la artista autografiaba su tercer álbum, ‘Metamorfosis‘ (hola Aitana), pero yo, con un poco de morro (e ingenuidad) traje ese y sus dos CDs previos, ‘India’ y ‘Circular’ (2005), para que me los firmase, también. ‘Metamorfosis’ salió al mercado a precio reducido debido a la crisis económica: recuerdo comprármelo en El Corte Inglés por menos de 10 euros. La edición CD del nuevo disco de Vega, ‘IGNIS‘ (2024), tiene un coste de 40 euros en tienda porque a Mercedes Mígel Carpio se le ha ocurrido lanzar una edición literalmente combustible, para cuya fabricación ha invertido una pasta. Del disco no se han lanzado singles, ni mucho menos vídeos.

Vega ha mantenido a su público y ha seguido lanzando discos y dando conciertos, mientras otros hemos seguido otro camino. Por eso, verla en directo -por primera vez- significa afrontar que ha habido otro público ahí fuera que ha construido una conexión con su música, al margen de ti (quizá mantengo esa conexión con la figura de Vega en sí). Muchas veces no perdemos interés porque el artista se haya vuelto mejor o peor, sino simplemente porque nuestro vínculo emocional con su música ha desaparecido. Pero luego han venido otros que han construido un vínculo emocional con los últimos discos de ese artista, igual que nosotros lo hicimos con los primeros.

La gira de ‘IGNIS’ está principalmente dirigida a los últimos. De sus primeros trabajos, Vega recupera ‘Requiem’ -de ‘La Cuenta Atrás’ (2011)- y canta trozos de canciones a capela a petición de sus fans. ‘Grita!’ la canta muy brevemente porque una fan del público se la pide no una sino dos veces, y puede que más, además, haciendo honor al título de la canción: gritando! La relación parasocial con los artistas lleva a estas situaciones. Vega la manejó con humor, pero no está de más pedir que se respete el repertorio de los artistas, ni recordar que los artistas no se suben al escenario para cumplir con peticiones de sus fans como si fueran monos tocando platillos. A menos que ese sea el formato del concierto.

Vega interpretó también ‘La conjura de los necios’ a capela, de su quinto álbum ‘Wolverines‘ (2013), pedida por el público, pero esta la cantó durante más rato, mientras su ayudante, Pablo, afinaba su guitarra porque ella no había podido hacerlo (decía que no puede hablar y afinar a la vez). El concierto de ‘IGNIS’ en Apolo estuvo salpicado de estos momentos de complicidad entre artista y público, como cuando en ‘Requiem’ un músico tocó mal una nota -pudo ser Vega, pero nadie sabe- y la canción se tuvo que reiniciar, provocando risas y aplausos. O como cuando alguien le gritó «guapa» y ella contestó: «a ratos».

En directo, Vega es como en los discos, se aferra al valor aunque le falle (o lo parezca) y se apoya en una voz solemne, grave y majestuosa, una voz que, si se pudiera, se guardaría en un cofre del tesoro, como si fuera oro, porque a oro suena. En directo, también, Vega es como la recordabas a los 10 años: la cordobesa no para de emocionarse. Se emociona, de hecho, desde el primer segundo que pisa el escenario y todavía no ha emitido una palabra. Después cuenta que ver la sala principal de Apolo la había «acojonado» porque suele tocar en la pequeña, pero que, al percibir el «calor» del público, esa sensación se le ha pasado.

El concierto de ‘IGNIS’ se centra por supuesto en ‘IGNIS’, del cual Mercedes toca sus 11 pistas (bueno, 10 + la intro), pero, sobre todo, se ocupa de desplegar un repertorio del mejor pop-rock posible, el que ella graba en sus discos, muy apto para la sala en la que nos encontramos, y que suena muy bien. Apolo hace su labor, pero también tiene que ver el hecho que los seis músicos subidos al escenario (siete contando a Vega) son exactamente los mismos que han grabado ‘IGNIS’. Por eso, el sonido es cálido y envolvente, como el disco. Vega dedica unos cuantos minutos a presentar a sus músicos, entre los cuales se encuentra la cantautora Angie Sánchez, que previamente ha ejercido de telonera.

Por eso, no hace faltar recurrir al cliché de las canciones que «se crecen» en directo y las que no «se crecen» en directo. Es evidente que ‘De Otro Planeta’ va a ser la más coreada y que ‘Incondicional’ y ‘Si Los Árboles Bailan’ van a hacer vibrar al público igualmente. Es de esperar que la animada ‘Litio y Alquitrán’ despierte el lado «canalla» del concierto después de unas pocas baladas. Y es de esperar también que, en el tramo medio del show, el ritmo decaiga ligeramente, por ejemplo, cuando suena ‘Dispárame una canción’ y tú solo puedes pensar en que la última vez que escuchaste la palabra «canalla» fue en los años noventa. La música suena un poco a esa época, también.

La gira de ‘IGNIS’ es la gira de ‘IGNIS’. Por eso, en el repertorio no caben viejos éxitos como ‘Mejor Mañana’, ‘Una vida contigo’, ‘La Verdad’ o ‘Cuánta Decepción’. Puede que en un futuro logre escuchar en directo la maravillosa ‘Berlín’. Sin embargo, en un momento de popularidad de las giras de grandes éxitos, es refrescante escuchar en directo un disco nuevo, te gusten las canciones más (‘Leviatán’) o menos (‘Dispárame una canción’). Para orgullo de Vega, que considera ‘IGNIS’ el primer disco de su carrera que la hecho sentirse «respetada» como artista, las pistas de ‘IGNIS’ ocupan la mayor parte del top 10 de sus canciones más escuchadas en Spotify (6 de 10). Su público sigue escuchando el disco entero.

La atmósfera del concierto de ‘IGNIS’ es casi anacrónica, parecería de los noventa si no fuese porque Vega lee, no sé si las letras o los acordes, desde un iPad apoyado en un trípode. La poesía cotidiana de Vega -que fue adolescente en aquella época- apunta en esa dirección, hablando de licores, cigarrillos y de la música de Aute; y también el sonido de sus guitarras y teclados. Esta energía nos subyuga a todos, sin embargo: a parejas acarameladas, amigos y solitarios. Todos unidos, desde diferentes épocas, generaciones y caminos de la vida, adorando a ‘La Reina Pez‘. Personalmente, echo de menos el «olor a azahar» de sus primeras composiciones, pero Vega no me echa de menos a mí, y eso está bien.

Podcast: Entrevista a Vega por ‘IGNIS’

Rigoberta Bandini / Jesucrista Superstar

Hace 5 singles Rigoberta Bandini nos asustó con ‘Si muriera mañana‘, un tema de 2 minutos que referenciaba a las personas a punto de fallecer. No, no era un hit del tamaño de ‘Perra’ ni lo pretendía. Ahora sabemos que no era más que la introducción a un disco doble, a la historia que esta vez quiere contarnos la artista Paula Ribó. Si nos retrotraemos aún más, recordaremos que el primer disco de Rigoberta Bandini era en verdad un «grandes éxitos» que incluía casi todos sus singles previos, aquellos hits que comenzaron siendo pequeños y terminaron haciéndose tan grandes que encabezaron festivales y congregaron un par de veces a 10.000 personas en el entonces llamado WiZink Center.

Por tanto, es normal que Ribó haya querido ofrecer algo diferente en su segundo álbum, precisamente porque es la primera vez que construye un disco desde cero. Con un título ambicioso, capaz de construir o destruir una campaña entera, ‘Jesucrista Superstar’ reúne todas sus inquietudes musicales y personales. Tratando temáticas como la obsesión con el físico, la dependencia de las redes, lo bueno y lo malo de la religión o la maternidad, tiene madera para ejercer de nuevo de portavoz generacional. También para elevar al cubo el «hate» de sus detractores: la intro del disco, hablada, contiene la palabra «caca». La bossa del álbum versa sobre unos «spaguettis» que te cambian la vida.

Lo peor que puede decirse de ‘Jesucrista Superstar’ es que no, no contiene hits tan directos como «In Spain», «Drugs» o ‘Ay mamá’. Lo mejor es que hay muchos «growers», también canciones muy bonitas y cotidianas, y que pocos artistas utilizan referencias pop como Rigoberta -de la Coca Cola a Greta Thunberg- e influencias tan queridas como Raffaella Carrá, Franco Battiato o ABBA. A estos últimos apuntan las voces dobladas o triplicadas de ‘Pamela Anderson’, al italiano títulos como ‘Busco un centro de gravedad permanente’ y a la italiana referencias tan campechanas como la de ‘Enamorados’ («la ciudad a punto de estallar, y ella oyendo a Maluma»). Todo ello pasado por supuesto por un filtro de modernidad, que puede devenir en pop electrónico o incluso en hit latino.

Este es el caso de algunas de las producciones más avanzadas del álbum, como «Club de Chavalas Tristes» o ‘JAJAJA’, ambas con la intervención de Alizzz. En ‘JAJAJA’, la percusión es playera, el beat se rompe y los efectos vocales representan el monstruo que llevamos dentro, llevándonos a la adicción al alcohol o a las drogas. Ese subidón, ese «colocón» es justo el lugar al que queríamos que apuntara la música de Rigoberta Bandini cuando decíamos hace unos años que su synth-pop no era lo suficientemente imaginativo. También crece mucho con las escuchas esa bobada coral llamada ‘Todas tienen ganas de jaleo’: las voces de Rigo y Juliana Gattas elogian a un hombre y a «su pito» («Todas tienen ganas de empotrarte, chico»), en este caso parece que con más sentido hedonista que irónico, aunque nunca se sabe.

Hay cierto exceso de canciones chanantes, como ‘La pulga en el sofá’, que habría encajado mejor en un disco de Memé, la prima de Rigoberta; ‘Simpática como problemática’, ¿pegadiza o simplemente irritante?; o ‘Cada día de la semana’, la canción con Rémi Fa, que empieza generando bastante intriga, pero, entre gritos y carcajadas «¡que se acabe el disco ya!», termina tirándose a sí misma por una ventana. Una ocasión perdida, pues las modestas composiciones subidas a plataformas por Rémi Fa han sido un descubrimiento (de Rigoberta Bandini).

Sin embargo, hay un sentido profundo en estas letras, muy evidente y comprensible por cualquiera. Una crisis de mediana edad materializada a través de lenguaje coloquial: ‘Soy mayor’, además de ese estribillo tan gráfico («Soy mayor, qué coñazo»), contiene la impotencia de quien ha pasado de usar pañales a cambiarlos, casi sin darse cuenta. ‘Busco un centro de gravedad permanente’ se desespera por agarrarse a algo en lo que creer o algo que nos equilibre. El dúo con Luz Casal, ‘Canciones alegres para días tristes’, es otro de los momentos más reflexivos del álbum, apegado a un bonito riff de guitarra acústica. «Es desolador: ya no conecto con mi alrededor», narra Rigoberta caminando por la Gran Vía. La frase «Me compro un iPhone para estar mejor» no es baladí, es lo que hacemos todos cuando nos sentimos mal: refugiarnos en la idiotez del consumismo.

Aunque muchas de estas composiciones resulten universales, no se puede pasar por alto que estén escritas por una mujer. La feminidad es protagonista absoluta de dos de los singles principales: ‘Pamela Anderson’, inspirado en un documental de la actriz, con la sílaba «PAM» como vítor inminente de la gira de arenas que aguarda; y ‘KAIMÁN‘, que apunta a ser el gran hit de esta era gracias a TikTok o más bien a su atinado dardo sobre la identidad y el síndrome del impostor en el estribillo: «dime si estoy guapa, si está todo OK (…) Dime si soy alguien o si soy solo un fake».

Todas las referencias en femenino de los textos, lo que incluye «tampax» y «ciclos menstruales», resuenan y dan sentido al título del disco, ‘Jesucrista superstar’, el cual nunca para de regodearse en su carácter musical, por ejemplo en los coros de ‘Amore Amore Amore’, en el giro en las melodías de ‘Aprenderás’ o en el paso de ‘Los milagros nunca ocurren al salir de un after’ a la muy Paloma San Basilio ‘Brindis!!!’. Una ida de olla como la de «Jesucristo superstar» solo se había consentido hasta ahora a un hombre. La visión de Rigoberta Bandini, como letrista, como madre que intenta conciliar, como objeto de críticas, era muy necesaria. Nos habla de «Paulas, y Laias, y Anas, y perras, y emperatrices». «Ni soy una inútil ni soy una crack», concluye en «Club de Xavalas Tristes». Ahora, a los hombres -también a los gays- nos toca escuchar.

RFTW: Selena Gomez, MARINA, La Bien Querida…

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Hoy viernes 21 de marzo salen los nuevos discos de Rigoberta Bandini, The Horrors, Tamino, Lia Kali, La Bien Querida, Selena Gomez con Benny Blanco, Teo Lucadamo, y -atención a la revelación- Paco Pecado. De todos ellos anticipamos un tema en nuestra playlist de novedades «Ready for the Weekend«, que suma 6.700 suscritos.

Tenemos novedades de MARINA, Artemas, DEBBY FRIDAY, Ashnikko, Tokischa, Lil Nas X, MØ o Doja Cat (con Jack Harlow).

Sen Senra anticipa su disco con ‘Hasta el fondo’ y, en España, destacamos igualmente lo nuevo de Jimena Amarillo, pablopablo, Confeti de Odio o Maria Rodés. Entre las novedades alternativas, temas nuevos de My Morning Jacket, The Black Keys o Kae Tempest. Noah Cyrus saca tema junto a Fleet Foxes.

‘Cornucopia’ de Björk, en cines de España en mayo

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Björk ha anunciado la fecha de estreno de la película de su último concierto, ‘Cornucopia‘, que podrá verse en cines de todo el mundo a partir del miércoles 7 de mayo. Sin embargo, en España el estreno se producirá el día después, el jueves 8 de mayo, mientras en Canadá y Francia se lanzará los días 9 y 11 de mayo, respectivamente, informa NME. ‘Cornucopia’ se podrá ver en un total de 25 países, incluyendo Reino Unido, Brasil, Alemania o Suecia. El pase en cines será por «tiempo limitado».

Las entradas para ver la película de ‘Cornucopia’ en cines se ponen a la venta el próximo jueves 27 de marzo, a través de la web de Björk: Cornucopia.

‘Cornucopia’, que ha acogido material de los últimos dos álbumes de estudio de Björk, ‘Utopia‘ (2017) y ‘Fossora‘ (2022), ha sido el concierto más ambicioso de la carrera de Guđmunsdóttir. A lo largo de 45 shows, ‘Cornucopia’ recorrió América del Norte, Europa, Oceanía y Asia entre mayo de 2019 y diciembre de 2023. En España, ‘Cornucopia’ se pudo ver en el Movistar Arena de Madrid (entonces el WiZink) en septiembre de 2023.

Björk ha defendido ‘Cornucopia’ a capa y espada, por ejemplo, aceptando ser entrevistada por el neozelandés Zane Lowe en su espacio de Apple Music, en su primera aparición ante una cámara desde 2018. En su charla con Lowe, Björk comentó el concepto «holístico» de ‘Cornucopia’ y habló de ecologismo, arte, tecnología o edadismo. Sus declaraciones «Últimas noticias, bailaré hasta que tenga 90 años, muchas gracias» circularon por Instagram durante días.

Últimamente, Björk ha sido noticia por criticar el modelo de Spotify y por afirmar que la plataforma sueca es «lo peor que le ha pasado a los músicos». Unas palabras muy parecidas a las que la cantante islandesa compartió previamente en una entrevista con El País.

Dua Lipa se atreve a versionar en vivo a Kylie Minogue

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Dua Lipa ha reanudado la gira de ‘Radical Optimism‘ (2024) en Melbourne, Australia. El primer tramo de la gira pasó por Asia entre noviembre y diciembre de 2024; ahora, a mediados de marzo, la gira se ha reiniciado en Oceanía.

En la gira, Dua canta una canción diferente según el país que visite y, en el primer concierto de este tramo en Australia, Dua decidió versionar a una «banda local», que no es otra que AC/DC. Dua no se ha roto la cabeza ni con la elección de canción, ‘Highway to Hell’, ni con el estilismo musical, pues ha tocado lo más parecido a la versión original de ‘Highway to Hell’, además acompañada de una banda. Han rugido guitarras pero, sobre todo, Dua ha bordado la canción en lo vocal.

En su segundo concierto en la ciudad australiana, Dua decidió versionar un clasicazo de los 90. ‘Torn’ de Natalie Imbruglia sienta como un guante a la voz de la artista británica. Como en la versión de AC/DC, el acompañamiento musical es prácticamente idéntico a la canción original.

«Hay algunas canciones que no necesitan ningún tipo de introducción», contaba Dua en su tercer concierto en Melbourne, Australia, justo antes de hacer que el público se vuelva loco con las primeras notas de ‘Can’t Get You Out Of My Head’, probablemente la canción más icónica de Kylie Minogue. Ambas divas ya se juntaron en 2020 en el remix de Studio 2054 de ‘Real Groove’.

La gira de ‘Radical Optimism’ llega a España los días 11 y 12 de mayo en el Movistar Arena de Madrid. ¿Es de esperar que Dua cante una canción en español o, como mínimo, cante acompañada de un músico español?

Dua Lipa ha sido noticia, últimamente, por aparecer como artista invitada en el disco de la surcoreana Jennie, en el single ‘Handlebars’. Además, ha anunciado la reedición de ‘Future Nostalgia‘ (2020) por su quinto aniversario.

Karla Sofía Gascón: «Soy menos de Vox que Echenique»

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Karla Sofía Gascón ha presentado hoy en Madrid su autobiografía, ‘Lo que queda de mí’, una versión ampliada de un libro que ya publicó en México hace años y que ahora recoge sus últimas vivencias. Almuzara -finalmente no Dos Bigotes- edita el libro, que se pone a la venta el 25 de marzo.

Sofía Gascón ha comentado su presunta cancelación, como recoge ElDiario.es, asegurando haber estado “sometida a una masacre en redes sociales” a raíz del descubrimiento de sus viejos tuits. Sin embargo, la de Alcobendas ha aclarado que, «aunque me haya dolido y sufrido, siempre repetiría lo que me pasa en mi vida porque si no, no sería yo».

Sofía Gascón ha justificado la publicación de sus tuits -aunque no su contenido- explicando que «lo único que he hecho ha sido comentar noticias» y que eso no significa que esté «blanqueando el nazismo o diciendo que estoy a favor de Hitler». Además, ha señalado que nadie de su entorno profesional le recomendó revisar sus antiguos tuits ni borrarlos por precaución.

El contenido de esos mensajes -cargados de racismo y xenofobia- ha salido a la palestra y Karla Sofía Gascón ha negado comulgar con las ideas de la extrema derecha. “Soy menos racista que Gandhi y menos de Vox que Echenique” ha sido su gran titular de hoy. Además, la actriz ha cuestionado que nadie sacara sus tuits «contra la extrema derecha, la iglesia o la Transición».

En materia de religiones, Karla Sofía Gascón ha declarado profesar un «respeto enorme» por las personas musulmanas, pero ha señalado que no aprueba el «fanatismo, el terrorismo y las barbaridades que se cometen en nombres de dioses o religiones», parafraseando las palabras que utilizó en uno de los comunicados que publicó en respuesta a la polémica.

Sofía Gascón, que practica una rama del budismo, ha reivindicado el amor y la compasión: «El odio no se puede acabar con más odio, que es a lo que nos estamos acostumbrando. Cuando alguien nos hace daño, queremos hacer más, y eso es muy triste”. Sus palabras asemejan a las que pronunció C. Tangana recogiendo el Goya y que parecieron -indirectamente- dirigidas a ella.

Miley Cyrus no consigue parar el juicio por plagio de ‘Flowers’

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Pese a los esfuerzos del equipo legal de Miley Cyrus por parar el pleito, el juicio por plagio de ‘Flowers’ sigue en pie. El pasado noviembre la cantante estadounidense pidió que se desestimara la demanda de Tempo Music Investments, y no Bruno Mars, por la supuesta copia de algunas secciones de la canción ‘When I Was Your Man’. Finalmente, el juez ha denegado la petición.

La demanda original se presentó a mediados de septiembre, asegurando que ‘Flowers’ contenía una «explotación no autorizada de varios elementos» de la canción de Bruno Mars, publicada en 2012. El documento legal justificaba la acusación de plagio citando «numerosos elementos melódicos, armónicos y líricos», además del «tono melódico», la «secuencia de la estrofa», la «línea de bajo» o «ciertos compases del estribillo».

Con el objetivo de que se desestimase la demanda, el equipo legal de la autora de ‘Endless Summer Vacation’ alegó que Tempo «se hicieron con los derechos de ‘When I Was Your Man’ sin ningún tipo de consentimiento por parte de los otros compositores del tema». Sin embargo, el juez ha calificado esa interpretación como «incorrecta».

‘Flowers’ es la responsable de los dos primeros Grammy de la carrera de Cyrus, y se trata del mayor éxito de su discografía, superando los 2.470 millones de reproducciones solo en Spotify, por lo que tendría que pagar una grandísima cantidad de dinero en caso de perder el caso.

Barry B: demasiado raro para el rock, demasiado corazón para el urbano

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Sergy García

Me encuentro con Barry B después de su apabullante sold out en la Sala But de Madrid y, con la naturalidad y cercanía propias de alguien criado en un sitio como Aranda de Duero, Gabriel Barriuso se presenta y me da la idea para el título de esta crónica: «Qué, ¿sale buen rótulo? ¡No soy ni rock, ni urbano!».

La propuesta de Barry B es una de las más ilusionantes en el ámbito de la música con guitarras de nuestro país. No digo rock porque sería una limitación. Aunque sus primeros temas tenían mucho que ver con los derroteros más alternativos de la escena urbana, poco a poco Barry se ha construido su propia carretera: un híbrido de géneros que todavía está por definir y que está en camino de convertirse en algo único. El sábado pasado, Barry B perfiló un poco más su futuro musical.

Los artistas que más le han inspirado son claros desde el momento en el que el arandino sale al escenario con una chaqueta de cuero, unas gafas oscuras y una camiseta a rayas, negras y azules. Todo muy Velvet, pero también muy Stone Roses. En otras ocasiones, a Barry tampoco le ha faltado el outfit con chándal de Adidas que tanto han llevado los Gallagher. La estética hooligan es lo suyo.

Sergy García

La reacción del público con ‘Joga Bonito’ demostró que es uno de sus temas más queridos y, por lo inclasificable que es, de los que mejor le definen. Unas renovadísimas ‘Taj Mahal’ y ‘Kit Kat’ pusieron a prueba a los asistentes, siendo sus primeras canciones, y quedó demostrado lo leales que son los fans de Barry, cantando línea tras línea. Nada de «falta de serotonina”. Gracias a su gran banda, Barry es capaz de reimaginar sus lanzamientos más tempranos para que casen mejor con su nueva visión. En este sentido, ‘Soleá’, con un espectacular solo de Elías Maro, se llevó la palma. La otra cara de la moneda es ‘ROOKIES’, el banger de trap definitivo de Barry, que resultó en un breve karaoke colectivo, con la canción cortándose a la mitad. Barry B ya no está en ese rollo.

Se vivió lo viejo, pero también lo nuevo. El lanzamiento de ‘CHATO’ es un antes y un después en la carrera de Barriuso, mostrando una nueva cara a sus seguidores y ampliando su público a la vez. Lo mejor es que tiene mucha vida más allá de los singles, algo que no pasa tan frecuentemente. Por eso ‘Todo ese dolor’ y ‘Vis a Vis’ fueron tan bien recibidas, consiguiendo que toda una sala gritase «Yo nunca he creído en Dios» a pleno pulmón.

Los conciertos de Barry ahora se caracterizan por una mezcla muy bizarra de locura y sensibilidad. El lado salvaje e imprevisible del arandino brilla en temas como ‘TUSSI’ y ‘SWISH’, siendo este un espectáculo dentro del propio concierto. Las caras que pone cuando es poseído por la música basculan entre el Jim Carrey más desatado y alguien recibiendo un puñetazo a cámara lenta. Su actitud general, de comerse el mundo. Como el adorno de su micrófono, el otro lado de Barry B es puro corazón.

Sergy García

Esta faceta tuvo su punto álgido con ‘El lago de la pena’, una verdadera joya que ha funcionado tan bien como se merece y que se ha convertido en una de las grandes favoritas del fandom. Esto se notó con la salida de Gara Durán, recibida como si la mismísima reina se hubiese dignado a subir al escenario. Con Barriuso en la guitarra, ambos regalaron un precioso dueto con el que era difícil no derretirse. El momento beso terminó de matar por completo a los presentes. Vítores, gritos, silbidos… parecía que se habían casado allí mismo.

Pese a llevar solo una semana fuera, ‘Infancia Mal Calibrada’ fue acogida como un clásico. Sin embargo, ya se sabe cuál es la joya de la experiencia Barry B. Suenan los primeros acordes de ‘Yo pensaba que me había tocado Dios’ y el público se desconfigura al instante. Todos, asegurándose de estar en primera fila de pogo. La sorpresa, en esta ocasión, fue Barry asumiendo el papel de Moisés y pidiendo que el público se dividiese en dos partes justo antes del puente del tema, solo para meterse en medio y disfrutar de su propio caos. Esto también tiene mucho corazón.

Mushkaa / NOVA BOSSA

Es gracioso el juego de palabras de ‘NOVA BOSSA’, el disco de debut de Mushkaa, que no solo invierte el orden de «bossa nova», sino que también aprovecha que la palabra «nova» de hecho significa «nueva» en catalán. En ‘NOVA BOSSA’, Irma Farelo ofrece su propia interpretación -urbanizada- de la música brasileña, pero también de otros estilos populares de las músicas afrolatinas.

Los ritmos latinos y caribeños han estado siempre en el punto de mira de Mushkaa y de sus productores, akaluigi, bexnil y roots: cuando no ha sido reguetón en ‘NO XDONA’, ha sido afrobeat en ‘SexeSexy‘ con su hermana Bad Gyal. Uno de sus antiguos singles le daba a ‘El Mambo’. Pero quizá pocos esperaban que Mushkaa colocara de manera tan decidida el sonido de Brasil en el centro de su primer elepé.

La decisión artística de Mushkaa, en ‘NOVA BOSSA’, de hecho, es personal: Farelo cuenta que la trompeta es el instrumento que tocaba de pequeña: «tocaba blues, pero también bossa nova; todo me llevaba a Brasil, a aquellas imágenes que tenía de pequeña de Neymar celebrando goles». El imaginario futbolero marca portada, letras y visuales, del Barça a Mario Balotelli.

La trompeta está muy presente en ‘NOVA BOSSA’. No tanto como el autotune, pero se hace notar por ejemplo en la pista titular, una bossa lounge tan «easy» como expresa la letra; o en ‘LOTUS’, que, además, tiene el buen gusto de reproducir el sonido del viejo éxito de la bossa nova ‘Lotus 72 D‘ de Zé Giberto, de 1973.

Las producciones de ‘NOVA BOSSA’ son siempre exuberantes, sobre todo las grabaciones que, de manera más fiel, se acercan a los ritmos afrocubanos, como ‘Mimenina’, que va a full apropiándose de este sonido incluyendo un combo de voces masculinas; o la graciosamente titulada ‘Mushkinha Let’s Play Samba’, directamente una batucada que narra un «calentón»: a Mushkaa, la «nena se le aloca».

A veces, la de Vilassar de Mar se pierde dentro de esta fiesta brasileña, como en ‘La màquina del ritme’, donde el autotune cae ya en sobredosis cuando Farelo armoniza junto al rapero 8belial. Otras, invita a otros a que se pierdan con ella: Guillem Gisbert aparece subido a una cumbia sonando desubicado. En el afrobeat de ‘Flow Balotelli’, las cuerdas suenan imponentes; Mushkaa, ausente.

Sin embargo, Mushkaa sí aporta algo a estos sonidos brasileños y afrolatinos, que es su talento para tirar ganchos en melodías y letras, principalmente escritas en catalán. Mushkaa es un pequeño fenómeno en Cataluña y su primer concierto de presentación de ‘NOVA BOSSA’ tiene lugar este viernes en el Sant Jordi Club: las entradas para este concierto llevan dos meses agotadas.

En la pista inicial, la clubera ‘Zig Zag’, Mushkaa tira la caña a su comunidad autónoma: «Cataluña se pone sexy cuando comienzo una gira», canta mientras presume de «recollir el blat» de su éxito. Pero el mejor gancho de ‘NOVA BOSSA’ debe ser el de esa bailonga bachata llamada ‘Mamipuladora’: «manipuladora, no t’estimes i per això em trenques el cora» es un pedazo de estribillo, contenido en su mejor single en solitario.

Y Mushkaa también sabe ablandar el «cora» cuando recuerda su pasado en ‘NOVA BOSSA’ («de casa nos vamos poco a poco porque nos hacemos mayores») o la final ‘N1, N11’, llamada como dos líneas de nitbus de Barcelona. El final es melancólico, como probablemente pedía un disco inspirado en la bossa pero que es, a su vez, una carta de presentación más personal de lo que parece.

Taylor Swift, Rihanna y Beyoncé, las mujeres más exitosas del siglo XXI para Billboard

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Billboard está publicando otra de sus comentadas listas, esta vez clasificando a las artistas femeninas más exitosas del siglo XXI según su criterio. La lista se basa en el desempeño de estas artistas en las listas Billboard Hot 100, que mide el éxito de los singles, y Billboard 200, que mide el éxito de los álbumes.

Taylor Swift, para sorpresa y asombro del mundo, lidera la lista, seguida de Rihanna en el puesto 2 y de Beyoncé en el 3. Completan el top 5 Adele y Katy Perry. Quedan fuera del top 5, pero aún aparecen dentro del top 10, Lady Gaga en el 6, P!nk en el 7, Ariana Grande en el 8, Miley Cyrus en el 9 y Alicia Keys en el 10. Excluidas del top 10 quedan Mariah Carey (12) o Britney Spears (14). Billie Eilish, en el puesto 15, supera ya a veteranas como Nicki Minaj (16).

Entre las curiosidades, Chappell Roan aparece ya en el puesto 80 por delante de Fleetwood Mac y por detrás de Martina McBride, Sabrina Carpenter en el 50 por delante de Camila Cabello y por detrás de las Pussycat Dolls y Charli xcx en el 95 por delante de Sade y por detrás de Toni Braxton.

La clasificación repasa los últimos 25 años de la música más popular de Billboard hecha por mujeres, revelando por ejemplo que el éxito de Evanescence (39) ha sido mayor que el de Demi Lovato (52), que el éxito de Jennifer Lopez (22) ha sido mayor que el de Madonna (36) o que el éxito de Enya (60) ha sido mayor que el de Ellie Goulding (62). No faltan Lana Del Rey en el 71, Lorde en el 44, Norah Jones en el 31, Cardi B en el 27 o Dua Lipa en el 25.

01 Taylor Swift
02 Rihanna
03 Beyoncé
04 Adele
05 Katy Perry
06 Lady Gaga
07 P!nk
08 Ariana Grande
09 Miley Cyrus
10 Alicia Keys

11 Kelly Clarkson
12 Mariah Carey
13 Carrie Underwood
14 Britney Spears
15 Billie Eilish
16 Nicki Minaj
17 Destiny’s Child
18 SZA
19 Avril Lavigne
20 Christina Aguilera

21 Olivia Rodrigo
22 Jennifer Lopez
23 Mary J. Blige
24 Doja Cat
25 Dua Lipa
26 Kesha
27 Cardi B
28 Fergie
29 Ashanti

30 Selena Gomez
31 Norah Jones
32 Gwen Stefani
33 Meghan Trainor
34 The Chicks
35 Faith Hill
36 Madonna
37 Halsey
38 Ciara
39 Evanescence

40 Missy Elliott
41 Janet Jackson
42 Lizzo
43 Nelly Furtado
44 Lorde
45 Shakira
46 Sugarland
47 Aaliyah
48 Céline Dion
49 The Pussycat Dolls

50 Sabrina Carpenter
51 Camila Cabello
52 Demi Lovato
53 Sheryl Crow
54 Colbie Caillat
55 Sia
56 Miranda Lambert
57 Leona Lewis
58 Keyshia Cole
59 No Doubt

60 Dido
61 Enya
62 Ellie Goulding
63 Megan Thee Stallion
64 Sara Bareilles
65 Jessica Simpson
66 Shania Twain
67 Eve
68 Natasha Bedingfield
69 Whitney Houston

70 Iggy Azalea
71 Lana Del Rey
72 Amy Winehouse
73 Hilary Duff
74 Gretchen Wilson
75 Carly Rae Jepsen
76 Susan Boyle
77 Jordin Sparks
78 Ashlee Simpson
79 Martina McBride

80 Chappell Roan
81 Fleetwood Mac
82 The Band Perry
83 Michelle Branch
84 Alessia Cara
85 Summer Walker
86 Reba McEntire
87 Keri Hilson
88 Barbra Streisand
89 Mya

90 Bebe Rexha
91 Paramore
92 Lil’ Kim
93 Brenda Lee
94 Toni Braxton
95 Charli xcx
96 Sade
97 Fifth Harmony
98 Fantasia
99 Vanessa Carlton
100 Danity Kane

Isabel Pantoja, ingresada y preparando su docudrama

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Isabel Pantoja ha sido ingresada de urgencia en un hospital de Madrid. Antonio Rossi de Vamos a ver ha comunicado la noticia: «Isabel Pantoja se encuentra hospitalizada en un centro hospitalario de Madrid. A principios de semana vieron algo que no iba bien, algo que no les gustaba, y decidieron ingresarla de urgencia», cita la revista Hola. Pantoja lleva tres días ingresada y se encuentra sometiéndose a pruebas médicas, si bien Rossi señala que «las pruebas están saliendo bien y, por el momento, hay tranquilidad».

Pantoja, que, en el último año, ha realizado una gira por el 50 aniversario de su carrera, ha sido noticia recientemente por anunciar que se encuentra trabajando no en una sino en dos piezas visuales biográficas, un documental y una serie de ficción. ¿Habrán avisado a Jennifer Lopez?

La productora barcelonesa Mediacrest, responsable últimamente de ficciones como ‘Daniela Forever’ o ‘Asuntos internos’, se encuentra detrás de la creación de ambas piezas biográficas sobre la vida de Isabel Pantoja. Francisco Pou, presidente de Mediacrest, ha declarado que «poder trabajar con una artista de la talla de Isabel Pantoja y llevar con ella al gran público una producción de la máxima calidad con la historia de una de las personas más influyentes de la música española es un regalo, un reto apasionante que estamos encantados de afrontar”. Por su parte, Pantoja ha dicho encontrarse «entusiasmada con el proyecto».

vangoura, en Girando por Salas, se refugian en ‘tu película’

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vangoura es uno de esos grupos del underground español asociados a la etiqueta bedroom pop que, armado lo mismo de sintetizadores y teclados que de guitarras, está siendo capaz de escribir canciones absolutamente adherentes y encantadoras a las que volver una y otra vez. Algunas de esas canciones están contenidas en su segundo disco de 2024 ‘sangre y sal‘: otras, en su debut de 2021, ‘mudar piel’. Aunque tema más escuchado a día de hoy, ‘si fueras lluvia’, data de 2020 y está a punto de rebasar la marca de los 4 millones de streamings en Spotify.

‘Nada importa’ ha sido el último lanzamiento de vangoura, el dúo de Madrid formado por Miguel Figueras e Ignacio Alarcón, un EP de seis pistas que ahonda en su faceta guitarrera, aunando influencias de indie-pop, rock alternativo y pop-punk, siempre con su amable estilo.

‘Tu película’ es una de sus pistas destacadas, una producción de puro indie-pop, vagamente inspirada en el sonido Two Door Cinema Club -sobre todo su animada base rítmica- pero cargada de melancolía, a su vez, en su composición melódica. vangoura producen ‘Tu película’ acompañados de Ganges y Bearoid.

‘Tu película’, la Canción Del Día de hoy, plantea un escenario de devoción hacia la persona amada e incluso de idealización. De ahí, quizá, que el grupo utilice la metáfora cinematográfica («quiero quedarme a vivir en tu película») para exponer una historia de amor que puede ser demasiado buena para se verdad. Como mínimo, Miguel se entrega a una especie de simbiosis con esa persona y utiliza su relación para adentrarse en un camino de autoexploración, de descubrimiento personal.»De ti quiero conocer, lo que de mí no recuerdo, de ti haré por entender, partes de mí que no entiendo», canta.

Fans de Natalia Lacunza, Alizzz, Besmaya o por supuesto Ganges no deberían perderse la propuesta de vangoura ni su próxima gira, que de la mano de Girando por Salas, incluye las siguientes fechas:
Viernes, 21 de marzo – CÓRDOBA – Sala Long Rock
Viernes, 28 de marzo – LLEIDA – Sala Manolita Night Life
Sábado, 29 de marzo – BARCELONA – Razzmatazz Sala 3
Jueves, 15 de mayo – MURCIA – Sala Revólver
Viernes, 16 de mayo – ALBACETE – Sala Clandestino
Viernes, 23 de mayo – ZARAGOZA – La Lata de Bombillas
Viernes, 30 de mayo – BOIRO (A CORUÑA) – A Pousada da Galiza Imaxinaria

Damiano David, Sparks… en el cierre de cartel de Bilbao BBK Live

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Bilbao BBK Live, que ya había anunciado nombres como Kylie Minogue, Pulp, Amaia, Raye, Bad Gyal, Nathy Peluso, Michael Kiwanuka o Carolina Durante, cierra hoy su cartel. El festival se celebra entre los días 10 y 12 de julio en Kobetamendi, Bilbao.

Entre los nombres que se suman hoy hay grandes apuestas como Damiano David, Sparks, Kaytranada, Maria Arnal, Sidonie o Heartworms. Además, hay que sumar la programación de Basoa y Lasai. Los bonos siguen disponibles y las entradas de día saldrán a la venta el jueves 27 de marzo a un precio especial de 65 euros.

Si hablamos de programación por días hay que recalcar que el jueves 10 de julio actuarán Pulp, Kaytranada, Michael Kiwanuka, Bicep, Ca7riel y Paco Amoroso, Japanese Breakfast, Maria Arnal, Hinds, Cala Vento y pablopablo, entre otros.

El viernes 11 de julio será el día de Raye, Bad Gyal, Amaia, Amyl & The Sniffers, Polo & Pan, Orbital, Jessica Pratt, Baiuca, Carlos Ares, Julieta y muchos más. Y el sábado 12 de julio será la traca final de Kylie Minogue, Sparks, Damiano David, Nathy Peluso, Carolina Durante, The Blessed Madonna, L’impératrice y demás.

Respecto al bosque escapista de Basoa, la organización anuncia para el jueves a Carista, CC:DISCO!, Fafi Abdel Nour y Pépe, además del B2B de Tiga y Cora Novoa. El viernes estarán Octo Octa, S-Candalo, Verraco, Xamana Jones y un invitado por anunciar. El sábado cerrarán el festival Avalon Emerson, Roman Flügel, Pearson Sound, Jennifer Loveless y Oma Totem.

En cuanto a Lasai, «el espacio diseñado para bajar las revoluciones con las mejores vistas de Bilbao», contará con Olivia presentando ‘textapes’, Populous, Mattias El Mansouri, Moopie, Toni Bass y Daniel Kelsan, así como Vladimir Ivkovic.

Igualmente la organización da la bienvenida a «Gorria, un club en constante mutación». Por allí estarán Nítido, Manuka Honey, Merca Bae, JUGO3000, Drummie, Kinara, Nusar3000, EN1GMA, Fukcnormal, Mina Galán y OLVIDO.

ARTISTAS ORDEN ALFABÉTICO

ABHIR
ALICE PHOEBE LOU
AMAIA
AMATEUR
AMYL AND THE SNIFFERS
AVALON EMERSON
BAD GYAL
BAIUCA
BICEP
CA7RIEL Y PACO AMOROSO
CALA VENTO
CARISTA
CARLOS ARES
CAROLINA DURANTE
CC:DISCO!
DAMIANO DAVID
DANIEL KELSAN
DRUMMIE
EMBARGADA
EIDER
ENGLISH TEACHER
FAFI ABDEL NOUR
FAT DOG
FUKCNORMAL
HEARTWORMS
HIDROGENESSE: ASÍ SE BAILA EL SIGLO XX
HINDS
HOFE
JALEN NGONDA
JANUS LESTER
JAPANESE BREAKFAST
JENNIFER LOVELESS
JESSICA PRAT
JUDELINE
JULIETA
KAYTRANADA
KINARA
KYLIE MINOGUE
L´IMPÉRATRICE
MAKAYA MCCRAVEN
MALKO
MANUKA HONEY
MARIA ARNAL
MATTIAS EL MANSOURI
MERCA BAE
MICHAEL KIWANUKA
MINA GALÁN
MIRUA
MOOPIE
NATHY PELUSO
NUSAR3000
OBONGJAYAR
OCTO OCTA
OLIVIA
OLVIDO
OMA TOTEM
ORBITAL
PABLOPABLO
PEARSON SOUND
EMBARGADA
POLO & PAN
POPULOUS
PULP
PÉPE
RAYE
ROMAN FLÜGEL
RUSOWSKY
S-CANDALO
SAL DEL COCHE
SIDONIE
SOFIE ROYER
SPARKS
TATTA & DENSO
THE BLESSED MADONNA
TIGA B2B CORA NOVOA
TONI BASS
VERRACO
VIVA BELGRADO
VLADIMIR IVKOVIC
WUNDERHORSE
XAMANA JONES
XSAKARA

Mónica Naranjo: «Lo estamos polarizando todo»

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Salva Musté

Mónica Naranjo pasa largas etapas alejada de la prensa, pero lo que estamos viendo estos días es otra historia. La ocasión, una gira por su 30º aniversario en la música, lo merece, y la artista no solo ha ido a «divertirse a ‘El Hormiguero'» como otros, sino también a la Cadena SER, a la radiofórmula, a agencias, a la prensa LGTBIQ+… y finalmente también, a la prensa musical. Desde que en 2008 Claudio -mi compañero de podcast- nos regaló una entrevista con ella, que no cabía completa en el periódico para el que trabajaba entonces (ADN), ningún redactor de JENESAISPOP había podido hablar con Mónica Naranjo.

Por alguna razón entro en el hotel donde me han citado con ‘Amor y lujo’ sonando en mi cabeza a todo volumen. Es extraño, hace años que no la oigo. Mónica dice no conocer nuestro medio. En ese momento no caigo en decirle, porque lo recuerdo horas después, que fue JENESAISPOP quien le advirtió, a través de Twitter, de que una canción de Rigoberta Bandini la reivindicaba. Concretamente, a gritos. «Gracias por descubrirme a esta artista con todas las letras», nos escribía en la red social, ella o su CM.

Durante la preparación de la entrevista, Mónica Naranjo inquieta como pocos artistas inquietan ya. De hecho, no se me ocurre nadie que me imponga tanto como Mónica Naranjo. De un lado, revisitar su catálogo, todas esas canciones que están sonando en su repertorio de «grandes éxitos», es obligado para cualquier fan de la cultura pop. ‘Desátame’, ‘Sobreviviré’ o ‘Entender el amor’ deberían aparecer en el diccionario cuando buscas «torbellino». 15 años después, todavía no hay palabras para definir lo que sientes la primera vez que escuchas ‘Europa’, más de 6 minutos de esquizofrenia industrial, con referencias a arias de amor. Ni siquiera en alemán. El setlist que estos últimos meses ha exhibido en América, incluyendo un guiño a su odiado ‘Chicas malas’, es el que sus fans llevan tiempo soñando. De otro, sus comentarios políticos en esa incómoda equidistancia en la que quizá solo Jordi Évole tenga tiempo de ahondar.

En mis humildes 15 minutos de «Fama», lo que me encuentro es una Mónica Naranjo que está atendiendo a cada medio con 30 minutos de retraso porque no niega ni una foto, ni un autógrafo, ni una sonrisa. Ni siquiera cuando las preguntas son incómodas. Con el compañero de Shangay le oigo bromear sobre todas las veces que le están cuestionando su pertenencia a una secta -ya negado en Antena 3- o el playback. Una Mónica Naranjo en definitiva risueña y cercana, tan cercana en el asiento que soy yo más bien quien está incómodo en el plano y le pregunto si debo alejarme. Ella y las marcas en el suelo dicen lo contrario.

¿Cuál está siendo el momento más gratificante en esta gira que repasa toda tu carrera?
Cuando pasamos de ‘Fama’ a ‘Entender el amor’, sin pausa. Sube de tono el ambiente y todo el auditorio se levanta. Esas 12.000 personas se levantan. Dices: «¡guau, vamos bien, lo hemos hecho bien!».

Me ha hecho ilusión ver ‘Europa’ en el repertorio, una canción tan rompedora, muy loca en el buen sentido de la palabra. ¿Cuán necesario ha sido el riesgo en tu carrera?
No he entendido nunca mi carrera como algo vertiginoso, ni arriesgado. Simplemente me he dejado llevar. Nunca he mirado atrás, todo lo que he ido haciendo. Creo que no es bueno. Las compañías me decían: «pero si un disco ha funcionado, ¿por qué no seguir haciendo y dando el mismo material?». Y no. Hay que seguir mejorando, estudiando, evolucionando, hay que seguir creando cosas bonitas, cosas nuevas. Irrumpir con cosas sorprendentes. Es mi manera de ver la industria y mi manera de proceder. Nunca hago dos discos iguales. No porque no quiera, sino porque se van quedando en el pasado. Yo siempre digo que el mejor disco está por componer.

«Las compañías me decían: «pero si un disco ha funcionado, ¿por qué no seguir haciendo y dando el mismo material?». Y no. Hay que seguir mejorando, evolucionando»

‘Lubna’ era un disco muy arriesgado, con trazos de flamenco, Jaime Heredia… ¿Por qué en esta gira no tiene cabida?
No vamos con sinfónica. ‘Lubna’ es un proyecto de rock sinfónico. No podemos…

¿Ni siquiera un ‘Jamás’?
¿Vas a coger las cuerdas y las vas a lanzar programadas? Con lo bonito que es cuando las tocan en vivo… Eso queda pendiente. ‘Lubna’ tiene su momento también.

Te he visto estos días bromear con el playback, con el tema de las sectas… Me gusta verte riéndote de eso.
Los artistas y todas las personas que tenemos una connotación social estamos sujetas a lo que se dice de nosotros. Lo que no, lo que sí… Si tuviéramos que estar toda la vida desmintiendo las cosas que dicen, no acabaríamos.

¿Cómo has vivido la evolución del uso del playback, en todos estos años?
Lo hacen hasta en Eurovisión. Todo ha evolucionado muchísimo. Y te digo algo: el playback ha salvado muchos dramas. Nos ha pasado ir a televisión con todos los músicos y que en esa televisión no tuvieran el equipo y no lo hemos podido realizar. Pero es que teníamos que salir a actuar. Imagínate la gracia que les hubiera hecho a esta gente que les dijéramos: «como no tenéis los equipos, os vamos a dejar colgados».

El País ha publicado una lista de 50 discos de los últimos 50 años. No sé si la has visto…
No.

¿Esperarías ver ‘Palabra de mujer’ en una lista así, o algún otro disco?
Yo no espero nunca nada de nada. Yo fluyo, hago, estoy concentrada en todo lo que tengo que hacer, que créeme que es mucho…

¿De qué disco estás más orgullosa?
Cada uno tiene su historia (suspira) ‘Tarántula’ es un disco que marcó un antes y un después en mi carrera, tras 7 años de silencio. ‘Lubna’ fue una locura, pero una locura y una responsabilidad asumidas con mucho gusto. ‘Mimétika’ enmarca un antes y un después en un descanso obligado, durante una pandemia. ‘Palabra de mujer’, ‘Minage’… ‘Minage’ marca el momento de otra dirección necesaria en la vida: «He hecho esto, he hecho lo otro, pero si sigo haciendo este tipo de música me van a encajonar aquí y no quiero que me encajonen aquí, porque sé hacer más cosas». Cada disco ha tenido su momento de importancia.

‘Chicas malas’ tiene su momento en la gira. No sé si hay una reconciliación, porque creo que la cantan las coristas, o algo así…
En América sí.

¿Entonces no hay reconciliación?
Es un disco que está ahí.

¿Es un momento divertido que la gente disfruta?
No es que lo disfruten, tiran el auditorio abajo. Les encanta.

Y a ti te gusta…
Hombre, claro.

Igual se caería más el auditorio si la cantaras tú… ¿No te sale?
(risas)

«Yo con Sony nunca he acabado mal. Al contrario. No estábamos de acuerdo en la manera de dirigir los proyectos»

‘Lubna’ fue uno de los 10 discos más vendidos de su año o casi. Me da pena que acabaras mal con Sony, porque es un disco difícil de hacer, y también muy difícil de «marketear».
No acabamos mal, yo con Sony nunca he acabado mal. Al contrario. Mi relación con Sony es muy realista. Tanto una parte como la otra nos dimos cuenta de que no estábamos de acuerdo en la manera de dirigir los proyectos. Cuando tú tienes una profesión tan marcada como la mía y sabes lo que es producir un disco y hacer un disco desde cero, tú te lo guisas y te lo comes; no llevamos bien que se metan en la producción. No llevamos bien que nos digan «no, es que este repertorio no». ¿Qué es lo que cambia toda esta historia? ¿Que tú lo pagas? Yo no quiero que lo pagues. Si pagarlo tú no me da la libertad que yo quiero, que normal, porque pasa a ser tu proyecto, yo no quiero tu dinero… prefiero hacerlo yo y tú lo licencias.

Tu futuro entonces está en Altafonte, en la independencia…
Claro, porque para mí es una manera de editar discos de forma libre y directa, a través del medio digital. Yo no necesito masterizar un disco, esperar a que lo fabriquen, esperar a que se haga la estrategia de márketing… No, nosotros lo hacemos desde la oficina y usamos Altafonte como compañía digital para su lanzamiento, y lo hacen divinamente.

‘Pantera en libertad’ sí está en esta gira. ¿Es expresamente un tema que hable de feminismo y movimiento LGTBIQ+?
Cuando hicimos ‘Palabra de mujer’, éramos un equipo de 4 creativos. Yo he nacido dentro de la comunidad, para mí es un lenguaje materno, paterno. Yo he vivido así toda la vida. Cuando se lanzó este disco, hubo una conexión directa. La gente se identificaba con el mensaje. La gente veía su vida. La gente empezó a sentir la libertad de decir: «Yo soy así, si no te gusta, no me mires. Yo amo así, si no te gusta, no me mires». Hubo una revolución social a través de ‘Palabra de mujer’.

José Manuel Navarro decía en el libro de Juan Sanguino que estas canciones no hablaban ni de feminismo ni de movimiento LGTBIQ+.
No. La letra es de él. ‘Pantera en liberad’ la compusimos los dos. El texto es de él. Como he dicho hace poco en México, por favor, empecemos a pensar que existe una gran escala de grises, lo estamos polarizando todo, el mensaje es muy radical, y muy poco constructivo. Esta letra la compuso un caballero. Nosotros nunca hicimos un disco radicalizado, hicimos un disco para todo el mundo. Hicimos música para todo el mundo. Que los sectores se apropiaran de los temas o del trabajo en general, eso ya no era nuestra pretensión. Nosotros hacemos música para todo el mundo, y cada uno, pues, lo coge y lo lleva a su vida, de manera muy personal.

«Por favor, empecemos a pensar que existe una gran escala de grises, lo estamos polarizando todo, el mensaje es muy radical, y muy poco constructivo»

¿No te leíste el libro de Juan Sanguino?
No.

Salías bien parada. Se reivindica tu legado. Cosa que no se había hecho en el periodismo musical. Faltaba tu visión del tema.
¿Sabes qué pasa? Yo no soy muy dada a hablar biográficamente. No me gusta vivir el pasado. Ya se vivió. Me pasa con la música, me pasa con la televisión. Cuando hacemos un proyecto, no me quedo ahí. Me acuerdo de ‘La isla de las tentaciones’. Lo grabamos 6 meses antes del lanzamiento. Yo cuando salí de Santo Domingo, de la isla, ya había terminado mi labor. Cuando salió y se produjo toda esa revolución social, la gente me decía cosas y eso para mí ya había pasado. Me alegro de que haya funcionado tan bien, me alegro de que haya habido esta revolución social, sobre todo entre los jóvenes, pero esta movida ya ha pasado para mí.

De hecho, esta gira que sí mira al pasado es un poco rara para ti.
Son 30 años. Había que hacerla.

¿La estás disfrutando?
Mucho. Si yo no hubiera empezado esta gira disfrutando, ya te digo yo que no la alargo.

Has actuado con Bunbury en América, y apoyas a Miguel Bosé. Son dos personas radicalizadas respecto a la pandemia. ¿Por qué ese apoyo a estos artistas?
Porque los amo, son seres humanos extraordinarios, Son mis amigos y mis amigos pueden decir lo que les dé la gana. En una mesa redonda, yo tengo amigos de todo tipo. ¿Qué me voy, a enfadar con ellos, porque tengan pensamientos diferentes a los míos? O yo no esté de acuerdo. O sí esté de acuerdo…

¿En qué estás de acuerdo?
En muchas cosas, no lo vamos a sacar aquí. Son temas particulares y más personales, pero créeme que son dos personas muy cultas y muy informadas.

Háblame de la evolución de la diva, estos 30 años, que la letra de Melody me ha dado que pensar. Yo te veía muy diva, y al verte de presentadora, ha cambiado mi imagen de ti. Te veo como más dulce…
Diva me lo pusisteis vosotros. Es una cosa preciosa, me encanta. Es una palabra divina, que engloba muchas cosas, mucha responsabilidad, pero en ningún momento dije «soy una diva». Al final la vida de un artista son muchos años, tienes que seguir evolucionando. Me acuerdo de que cuando llegué a España, llegué con mucha armadura. Cuando me fui a México tenía 19 años, era una niña y me fui sola. Pasé 4 años y medio allí. Tengo que estar bien, tranquila, con mi escudo, porque tengo que estar fuerte. Nada me puede afectar.

En tu última etapa, ‘Mimétika’, que mencionabas, ¿hay alguna canción de los últimos 5 años para la que esperabas más éxito? ‘Hoy no’ me flipó.
Viviendo ahora mismo el momento en que estamos en las redes sociales, con todos los temas que se están recuperando, me ha fascinado que se recupere un tema que viene de la banda sonora de ‘Mannequin’ y que yo canté mucho: ‘Nothing’s Gonna Stop Us Now’. Después de treinta y tantos años se recupera la canción y se hace viral en muchos vídeos de TikTok. Me lo pasaron el otro día y me fascina. El momento de una canción es impredecible, y lo determina el momento en el que está el mundo. Los tempos de Dios son perfectos, pero no son los nuestros.

¿Entras en redes? He leído que vives con un montón de gatos y perros.
Las redes están muy interesantes para difundir el trabajo, pero para la vida personal, no estoy dispuesta.

Antonio Arias: «Fui muy criticado por apoyar a grupos como Los Planetas»

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«Generación Lagartija» es el merecido homenaje que Lagartija Nick recibirán en Madrid este mes. La nueva edición de Nuevos Territorios, el proyecto de Fundación SGAE que une a artistas influyentes con artistas emergentes, se celebra en la Sala Berlanga entre los días 25 y 29 de marzo. Los primeros días se proyectarán películas. El jueves 28 Ángel Carmona entrevistará con público a Antonio Arias a partir de las 19.30, y actuarán tanto Lima Negra como la dupla formada por Antonio Fernández y Pedro De Dios. El viernes 29 de marzo será el turno de José Puebla y Mawlid, un proyecto paralelo del propio Antonio Arias. Las entradas cuestan 6,50 euros y están disponibles aquí.

Arias visita el podcast ALGO CAMBIÓ… para hablar de este ciclo y repasar varios puntos de toda su carrera, dentro y fuera de Lagartija Nick. Son 26 álbumes -sumando trabajos en solitario y 091- en los que no solo ha explorado el punk y la música alternativa americana. También le ha pegado al cine, a la astronomía o al periodismo, con álbumes inspirados en Val del Omar, Luis Buñuel (el último) o los «Multiversos».

Él mismo no tarda en sacar a colación ‘Omega’, el disco que Lagartija Nick hicieron con Enrique Morente y que no ha dejado de aparecer en las listas de los mejores discos de la historia, la última este fin de semana en El País. Antonio Arias, que nos visita después de una noche de fiesta «muy flamenca» en Lavapiés, en la que celebró el cumpleaños de su mujer, recuerda cómo Enrique se presentó con su familia, su hija Estrella y su esposa Aurora, en la grabación de ‘Omega’, en lugar de con los músicos. «Si le gusta a estas, podemos seguir pa’lante», dijo Enrique. Para él, además, cada disco era único. «Él no repetía ni éxitos ni fracasos».

Y eso que fracasos tuvo algunos. ‘Omega’ fue un disco que tardó 2 años en comprenderse, recuerda Antonio Arias: «A su alrededor había mucha crítica: ¿qué haces con estos? Si nos echaron del escenario en el Teatro Albéniz. Enrique nos decía: «es culpa tuya» (risas) Digo: «¡Pero si tú eres el enfant terrible del flamenco. Tú eres el que causa todos los problemas!».

Antonio detalla cómo es que les terminaron echando del Albéniz: «Él estaba de gira con El Tomate en el 96. Nos dice Enrique «voy a tocar con El Tomate en el Teatro Albéniz el día 26 de febrero. Vamos a juntarnos y a hacer lo que hacemos nosotros». Pues muy bien. Hace su bolo con El Tomate. Se abre la cortina, salimos nosotros: «¡¡asesinos, no están tocando!!». Como empezábamos con el acople de ‘Omega’, nos dijeron: «No están tocando». Un follón y tuvimos que dejar de tocar. «Fuera, fuera», unos «bravo», otros «fuera». Y claro… vete a los camerinos con Enrique a ver qué ha pasado. Pero yo le vi la sonrisa de «hemos dado en hueso». Esto no nos ha pasado a nosotros tampoco. Aquello creaba una sonrisa extraña: «Hemos dado en hueso. ¿A estos qué les pasa?».

La grabación de ‘Omega’ es de las que no se olvidan, pues está influida por la muerte de la madre de Morente: «Grabando el tema ‘Omega’ se murió la madre de Enrique. Estamos en el entierro y al día siguiente, digo: «Enrique, en estos meses, estas semanas, retomamos la grabación». Y dice: «no, hoy a las cuatro de la tarde». A las cuatro se mete en el estudio y graba esa voz que está en el disco. Revisó una de las voces: cuando mete la seguiriya «aqueos los golpes, se la arrancan». Esa se la está cantando a su madre, que había enterrado el día anterior por la mañana. Ahí noté yo un momento de «estamos con esto para toda la vida. Porque como está cantando hoy, no va a cantar nunca». Yo creo que la gente no lo sabe, pero lo siente. «Aquí va a pasar algo. Va a pasar y ha pasado. Nos estamos uniendo a su figura y a su vida por siempre. Ese cante nos une para toda la vida». Ese estremecimiento lo sigo sintiendo».

En una carrera tan larga, preguntamos a Antonio Arias qué disco de Laggartija Nick ha de escucharse primero. ¿Acaso aún el noventero ‘Inercia’? Le parece bien: «La juventud está en esas canciones, son todo tonos mayores, no necesitas ni un cambio a Si menor. Repites la fórmula con la siguiente canción y te vale, repites y repites. En este caso era componer y que una canción te llevara a la otra, y por eso es todo tan parecido». El artista recuerda cómo quiso trabajar en él con Steve Brown, pero estaba ocupado, así que solo pudo mezclar un tema, delegando en Owen Davies. «El disco sonaba muy completo. Siempre miro ese disco con envidia».

También hay tiempo de hablar de bandas amigas como Los Planetas: «Los conocía del instituto, a Paco [Rodríguez, primer batería]. Ensayaban en un bajo, era un bajo de la abuela de Mai, la bajista, y hacían muchísimo ruido. Le dije a J: «hacéis mucho follón, y pasan mis padres… Pero yo tengo un 4 pistas, grabamos y lo oís todas las veces que haga falta». Fui muy criticado por apoyar a grupos como Los Planetas, que me recordaban a lo que programaba John Peel: los primeros Pop Will Eat Itself, los Bodines… pero aportaban una especie de descaro. A la hora de expresarlo en directo tenían eso. Aportaban ese nuevo malestar… Les produje el primer EP (…) Fue una sorpresa que fuera tan masivamente bien recibido. Y cuando me dijeron que produjera el primer disco, les dije: «ya voláis solos»»…

Hablando de proyectos intergeneracionales, en la última parte del podcast, intercambiamos impresiones con Marc Gili de Dorian y Dani DiCostas, que compartieron escenario en el WiZink Center en cierta ocasión; y también con Rubén Gutiérrez, director de Fundación SGAE.

La venta de vinilos crece por 18º año consecutivo, excepto en España

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La Federación Internacional de la Industria Fonográfica (IFPI) ha liberado su informe sobre el mercado de la música en 2024, tanto a nivel global como en España. El streaming sigue siendo la forma de consumo dominante, mientras que los formatos físicos, sin contar el vinilo, siguen en descenso.

Los ingresos globales de la música vuelven a crecer por décimo año consecutivo, según informa la IFPI, de la que PROMUSICAE forma parte. Estos aumentaron un 4,8% respecto a 2023, alcanzando los 29.600 millones de dólares. El streaming representa un 69% de los ingresos totales de la música grabada.

Por otro lado, el dato de los formatos físicos disminuyó en un 3,1% respecto a 2023. También cabe destacar que justo ese año las ventas de este tipo se dispararon un 14,5%. La venta de vinilos continuó su subida en 2024 (+4,6%) por decimoctavo año consecutivo, pero en España cayó un 3,8%, pese a seguir manteniéndose relevante.

Lo físico sufrió una bajada del 13,25% en nuestro país, con el CD llevándose el mayor palo: su venta disminuyó un 25,4% respecto a 2023. Eso sí, el mercado español ha crecido por encima de la media mundial, con un 9,42%. Se trata de la mejor cifra registrada desde 2004. El streaming, por supuesto, supone la mayor fuente de ingresos, representando el 91% de los ingresos digitales.

Otro punto a analizar en estos informes ha sido el papel de la IA en el panorama musical global. Victoria Oakley, CEO de la IFPI, indica que las compañías discográficas han aprovechado el potencial de la IA «para mejorar la creatividad de los artistas y desarrollar experiencias nuevas y emocionantes para los fans», pero también señala el problema existente con el uso de música protegida por derechos y su uso por parte de la IA para alimentar sus propios modelos.

Oakley asegura que esto representa «una amenaza muy real y presente para la creatividad artística humana» y manda un mensaje a los políticos con el objetivo de proteger este arte: «Debemos aprovechar el potencial de la IA para apoyar y amplificar la creatividad humana, no para reemplazarla».

Radiohead podrían salir de gira europea en 2025

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El management de Radiohead podría haber confirmado una próxima gira de la banda para este año. Según informa Resident Advisor, este habría donado entradas para un concierto de la banda en una subasta dedicada a los incendios de Los Ángeles. Es decir, una nueva gira de Radiohead podría estar a la vuelta de la esquina.

Según cuenta el medio británico, Blueyed Pictures, empresa encargada de llevar la banda, donó cuatro entradas para «un concierto de Radiohead de tu elección». Estas se sometieron a una subasta organizada por un instituto de Los Ángeles con el objetivo de mitigar los efectos de los recientes fuegos que asolaron la ciudad.

La subasta cerró ayer y el mejor postor podrá elegir su ciudad y fecha preferida, «basándose en el itinerario de gira de la banda». El mismo medio asegura que un fuente cercana a Radiohead ha confirmado que Thom Yorke y el resto de miembros están preparados para «asentarse en algunas ciudades europeas seleccionadas para una residencia este otoño»

Esta noticia llega unos días después de que la banda inaugurase una nueva sociedad de responsabilidad limitada con el nombre de RHEUK25, lo cual ya han hecho en el pasado en los momentos previos a la salida de un disco o el anuncio de una gira. De ser cierto, estos serían los primeros conciertos de Radiohead desde 2018.

Todavía hay entradas: ¿Es la nueva gira de Beyoncé un fracaso?

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Beyoncé todavía no ha agotado las entradas de la gira de ‘Cowboy Carter’. Esto ha hecho que muchos fans ya tilden de fracaso su nuevo tour, atribuyendo esta aparente bajada en ventas a un precio de las entradas demasiado elevado. Sin embargo, la propia Beyoncé acaba de añadir una nueva fecha en Las Vegas. ¿En qué quedamos?

El ‘Renaissance World Tour’ batió el récord de la gira femenina más exitosa de la historia, amasando una cantidad total de 579 millones de dólares, según informaron en ChartData. Algunas noches, según Wikipedia, se llegaron a superar los 15 millones en recaudación. ¿Cuál es la diferencia con el ‘Cowboy Carter Tour’? Menos fechas, pero a un mayor precio.

Los precios de las entradas van desde los 93 dólares a los 1.795 dólares, en los sitios más exclusivos. Muchos expertos, por esta razón, apuntan a que este elevado coste es una de las grandes razones por las que la autora de ‘Lemonade’ no ha agotado todavía las entradas de su gira, pese a ser una superestrella global. Eso, y que muchos de sus fans ya la vieron hace dos años.

Sí es cierto que, cuando salieron los tickets, muchos usuarios se quejaron en redes sociales e incluso llegaron a acusar a Beyoncé de «avariciosa»: «Debería pensar en sus fans pobres y bajar los precios. Como si no fuera ya billonaria…», se podía leer en X. Tiene sentido que muchos fans se sintiesen decepcionados, pero la realidad es que la mayoría no solo no se han sentido así, sino que han decidido comprar la entrada.

Casi un mes después de la preventa oficial y a seis semanas de dar el pistoletazo de salida, los datos de Live Nation revelan que la gira mundial de Beyoncé está al 94% de capacidad en sus 30 fechas originales. Es decir, lejos de un fracaso.

Es más, aunque es improbable que supere la recaudación de las 55 fechas del ‘Renaissance Tour’, la pop star sí va a ganar mucho más dinero de media gracias al elevado precio de las entradas. Tiene más mérito cuando recordamos todos los artistas de estadio que se lanzarán a la carretera este año. Kendrick Lamar, Shakira, Blackpink y The Weeknd son algunos de ellos.

Rebecca Black / SALVATION

El dato sorprendente de Rebecca Black no es que tenga fans, sino que estos tengan parte de razón, porque ‘Salvation’, su segundo disco, está apañado. Black se las ha arreglado para armar un repertorio interesante tirando de house, eurodance, hyperpop y otros estilos asociados a las discotecas queer, y en ‘Salvation’ le bastan 7 pistas para fulminar ‘Friday‘ de tu memoria.

Oportunista o no, que cada uno hace con su vida lo que quiere, Rebecca Black entrega canciones suculentas. Su punto flaco son las letras. A medias queda su voz y presencia vocal. Pero sin poseer la fuerza de Kim Petras o la personalidad de Charli XCX, su timbre es apto para unas producciones que se abandonan al ritmo de la música dance. O a los ritmos, a secas, porque las canciones de Rebecca Black también mutan.

Es el caso de dos de las mejores pistas de ‘Salvation’. En primer lugar, ‘Do You Even Think About Me?’ pasa de la balada a la metralla electro y de ahí al synth-pop, al hardcore alemán y vuelta al principio. Sobre todo, ata todos estilos con un dramatismo muy logrado. En segundo, ‘Sugar Water Cyanide’ recuerda a las frescas producciones que publicaban Sugababes o Nicola Roberts en décadas pasadas, pero mutando en otras cosas, a su vez. Suena como si el j-pop se fuera de club.

La debilidad de Rebecca Black debería ser el «songwriting», pero ella echa mano de compositores como Jesse Saint John, Lauren Aquilina o Marcus Andersson y escribe canciones con cara y ojos. No, no son hits absolutos, pero convencen. Aunque su inclinación clubera no siempre funciona: en ‘Trust!’, a Rebecca le falta la fiereza suficiente para ponerse en el papel de maestra del voguing. Y con una referencia tan obvia como «ga-ga-ga», cae en el queer-baiting facilón.

Mejor es cuando aborda la letra desde un punto de vista personal. «No necesito que me salves, porque ya me he salvado a mí misma» es el estribillo que marca la nueva era de Rebecca Black. Pertenece a ‘Salvation’, la pista titular. Sin embargo, vuelve a ser una de cal y otra de arena: la producción es un pepinazo eurodance a lo Kate Ryan. La letra, sin embargo, parece sacada del guion de ‘The Idol’: «I love being disgusting / To you, it don’t mean nothing / I’ll stay hot and you stay judgy». Malota, pero no mucho.

Son más endiabladas las bases de ‘Salvation’, en toda su tralla electro, rave, house y eurodance; hasta el punto de que, en algunos casos, Rebecca Black termina desapareciendo dentro de su propio disco. ‘American Doll’ es un aplastapistas absoluto, pero ella no suena muy convincente amenazándote con «escupirte» en la cara y «suicidarse en un vestidito». Y todas las baterías UK garage de ‘Tears in My Pocket’ hacen que la presencia de Rebecca Black se disipe.

Mejor es ‘Twist the Knife’, la pista final, quizá porque no se rompe demasiado la cabeza apuntando al sonido eurovisivo de Ava Max (sobre todo) y Kim Petras. Ambas habrían defendido mejor vocalmente la canción pero, quizá, ellas no habrían dotado la producción de tantos pequeños matices. Zhone, responsable de ‘Rush‘ de Troye Sivan, sabe muy bien lo que hace en esta canción. Y Rebecca Black, desde luego, también.

‘Sentimiento Natural’ de Aitana y Myke Towers: ¿refresco de verano o 0 química?

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Parte de la redacción evalúa ‘Sentimiento Natural’, el nuevo single de Aitana y Myke Towers:

«Aitana no deja de dar palos de ciego. Pese a que ‘Alpha‘ no era un discazo, canciones como ‘Los Ángeles’ sí suponían un atisbo de algo mucho más interesante que la catalana podría hacer… y se quedó en un espejismo.

Desde entonces ha encadenado un tema intrascendente con otro, de ‘4T0 23‘ a ‘SEGUNDO INTENTO’, y este ‘SENTIMIENTO NATURAL’ se une a esa lista, intentando arañar con el feat de Myke Towers algo parecido a lo que está consiguiendo el tema de Quevedo en el que ella es un feat, ‘GRAN VÍA’. Puede que ocurra, aunque desde luego no será por una química que no existe, una letra que no puede ser más genérica y una producción que parece copiar (mal) ‘You‘, aquel tema de Regard, Troye y Tate McRae, y que desaprovecha el potencial del único momento destacable de la canción, su segundo outro». Pablo Tocino

«La ‘Metamorfosis’ de Aitana pasa curiosamente por asentarse en el pop electrónico de inclinación dance que ya desplegó la barcelonesa en ‘Alpha’ (2023). Más que una transformación, es una evolución. Sin embargo, Ocaña experimenta ahora con sintetizadores diferentes de la mano de sus productores habituales, Andrés Torres y Mauricio Rengifo. Si ‘Segundo intento’ miraba a los 80 de A-Ha y, por tanto, a ‘Blinding Lights‘, pero sonaba fresca a su vez, ‘Sentimiento Natural’ es la propuesta de canción del verano de Aitana y Myke Towers.

El estilo es disco-balear (Aitana es megafan de Mallorca); el estribillo, relajado como echarse en una tumbona delante del mar; la armonía vocal de Aitana y Myke Towers en el tramo final eleva la canción, y ‘Sentimiento Natural’ casi, casi, casi, casi, casi parece producida por Pnau, recordando a su exquisito dance-pop australiano. La letra no puede sonar menos «natural» («Tú subes mis latidos a un ritmo que no es sano» es una concatenación de sílabas muy poco atractiva dentro de una canción pop). Por lo demás, todo rodado». Jordi Bardají

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Lia Kali aclara sus polémicas palabras sobre las profesoras en La Revuelta

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La catalana Lia Kali, que, en el último año, ha triunfado con la balada ‘La vida sin ti‘ con Rels B, que supera los 100 millones de streamings en Spotify, ha sido la última invitada musical de La Revuelta y ha cantado ‘Niño’, uno de los temas inéditos de su próximo álbum, ‘Kaelis’, que se publica este viernes. El primer single oficial ha sido ‘Renacer’.

Además, Kali se ha sentado en el sofá del plató de La Revuelta para charlar con David Broncano sobre una serie de temas random que han ido desde el nacimiento por cesárea de Lia Kali -dice que nació asfixiada por su propio cordón umbilical- a su «subjuntivo favorito» pasando por Amy Winehouse. Lia Kali lideró una banda tributo a la cantante británica años antes de triunfar en la música.

Uno de los momentos más divertidos de la entrevista de Lia Kali en La Revuelta es cuando la rapera le reprocha a Broncano que no la visitara en el camerino antes de la grabación del programa para «calmarla», a diferencia de Pablo Motos, quien sí lo hizo cuando Kali fue entrevistada en El Hormiguero el año pasado.

En otro punto curioso de la entrevista, Lia Kali está a punto de asegurar que ha sido diagnosticada de TDAH, pero después recula y reconoce que se ha diagnosticado ella a sí misma, después de visualizar un vídeo sobre TDAH recomendado por su psicóloga.

Están siendo especialmente polémicas en redes las declaraciones de Lia Kali a Broncano en las que la catalana llama «hijas de puta» a unas antiguas profesoras que le impartieron clases en el instituto y que, según cuenta, le expresaron que no creían que fuera a prosperar en la vida. Unos han criticado las palabras de Lia Kali por «denigrar» la profesión de los docentes, mientras otros han señalado que Lia Kali habla solo de su propia experiencia.

Después del programa, Kali se metió en los comments de La Revuelta en Instagram para aclarar sus palabras sobre los profesores: «Para todos lxs indignados, hablo de profesores que me hicieron de todo menos un flaco favor (sic). Y les mando de nuevo un beso. Solo faltaría que no pudiera mandarles una dedicación especial».

Por alguna razón, Broncano y Lia Kali se enredan también durante el programa hablando de cruising. Lia Kali confunde el cruising con las orgías y cree que las personas que practican cruising acuden a los lugares de encuentro gritando la palabra «sexo» a los cuatro vientos. Broncano explica a Lia Kali que las personas que le dan al cancaneo, más bien, quedan en «baños» o en «dunas», pero señala que él «no ha ido nunca» a ninguno de estos espacios (por cierto, un secreto: los heterosexuales también practican cruising).

DJ PABLO!!!!! resucita el electro de los 2010 en = wings =

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DJ PABLO!!!!! es el proyecto de música electrónica del murciano Pablo Amores, conocido por su trabajo en el mundo del videoarte: ha dirigido videoclips para artistas como María Escarmiento, Trajano!, Alien Tango, Poolshake o The Parrots. Quizá recordaréis a Pablo Amores por aquel comentado momento que protagonizó en 2018 en el plató de Operación Triunfo cuando María fue expulsada de la Academia.

DJ PABLO!!!!! (son cinco signos de exclamación en su nombre oficial, aunque en la camiseta de merchandising solo aparecen tres), publica singles al menos desde 2023 y ha facturado una serie de pepinazos para el club que han podido tirar de club deconstruido (‘Fumar’), latin club (‘Rompepistas Chencho’) o funk (‘Buki Buki’) pero han sonado siempre avasalladores y extremos.

Ninguno de ellos ha presentado hasta ahora el álbum debut de DJ PABLO!!!!!, que se publica en 2025 con el apoyo de Montebello Agency. Ese papel recae en el nuevo single publicado por Amores hoy mismo, ‘= wings =’, que se promociona como un regreso al «electro de los 2010». Es la Canción Del Día de hoy.

En concreto, ‘= wings =’ toma inspiración del sonido del remix de XTM de ‘Fly on the Wings of Love’ pero apuesta por una visión muy original que aúna ritmos de deconstructed club, ráfagas de EDM, samples vocales tipo James Blake y flautas andinas. Una pequeña maravilla de la música electrónica hecha en España.




Steven Wilson / The Overview

En el número 1 de las midweeks británicas, encontramos nada menos que a Steven Wilson. Al final, el monstruoso streaming de Playboi Carti podrá con él, pero sirva para que seamos conscientes de la fidelidad de un público construido paso a paso. Con Porcupine Tree asentados como grupo de culto, su trabajo como ingeniero de sonido mezclando discos clásicos en formato Dolby Atmos, o realizando tratados de hasta 7 LP’s sobre los sonidos progresivos de la historia de la música alternativa británica, ahora, al fin, cada álbum de Steven Wilson es un acontecimiento.

‘The Overview’ es un disco conceptual. Sin ser el primer proyecto de Steven Wilson que esconde una coartada intelectual, ni siquiera el primero que viaja por el espacio, su título nos habla del «efecto panorámico» que experimentan los astronautas cuando ven la Tierra desde fuera. Una visión que no se olvida y condiciona su apreciación de la realidad, el modo en que ven el planeta como un todo o incluso conectan con otra gente.

Para adentrarnos en esta nueva idea, y al modo de muchos discos de música progresiva, solo hay 2 pistas en el álbum, cada una correspondiéndose con las caras de un vinilo. Eso sí, hay un poco de trampa y en verdad se ha comercializado una versión digital en que cada una de esas 2 pistas está dividida en varias, por lo que ‘The Overview’ es perfectamente degustable como disco de 40 minutos y 10 canciones.

La segunda parte del álbum es la que se llama ‘The Overview’ porque es la que mejor nos explica su concepto. En ‘Perspective’ escuchamos a Rotem Wilson, la esposa de Steven, recitar nombres de estrellas, tamaños y cantidades; idea que vuelve después en un tema para más señas llamado ‘Infinity Measured in Moments’. En medio de ambos, quizá el corte que mejor explica todo. «A Beautiful Infinity», además de una bonita melodía acústica, contiene uno de los textos más contemplativos y representativos de este proyecto: «la nieve cae, pero no la veo desde aquí / vuelvo a la Tierra, mi esposa murió hace años / contemplo mi relación con todo esto / Lo que parecía importante ahora es polvo en medio de la borrasca / Cada momento para mí es una vida para ti».

Como hace un par de años ‘The Harmony Codex‘, ‘The Overview’ vuelve a ser un disco en el que confluyen las distintas etapas a lo largo de varios proyectos de Steven Wilson. Hay rock en las guitarras de la instrumental ‘Cosmic Sons of Toil’. Hay electrónica en ‘No Monkey’s Paw’. Al final, ‘Permanence’ tiene un punto más jazz. Hay trazos de folk aquí y ambient allá.

Por encima de estilos, ‘The Overview’ es un disco cálido y familiar que Steve Wilson quiso grabar en solitario, al que, además de su esposa, al final contribuyeron los habituales Craig Blundell (batería), Adam Holzman (teclados) y Randy McStine (guitarras). También es interesante la suma de algunas letras de su ídolo Andy Partridge, de XTC, en «Meanwhile». Además de un guiño a David Bowie, mediante esa cita a ‘Life on Mars’, nos habla de personajes desolados, como esa mujer que sueña que su marido está muerto o esa enfermera de una residencia que pierde su trabajo.

Situada en la primera mitad del disco, «Meanwhile» aporta el significado último de este proyecto, pues rodeada de «The Buddha of Modern Age» y «The Cicerones» solo puede tener un sentido crítico, muy político. La primera habla de «matar vacas sagradas para llenar nuestras estúpidas bocas» o de cómo «nosotros, especies inferiores, nos revolcamos en nuestras propias heces». Por si no se entiende, ‘The Cicerones/Ark’ termina con la Tierra destruida, convertida en «polvo». En otras palabras, Steven Wilson está utilizando la visión de un astronauta que observa nuestro planeta desde fuera para, a través de la música y el crossover de géneros, tratar de hacernos reflexionar sobre su destino.

‘Twin Peaks’ completa llega a Filmin en una semana

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Twin Peaks‘, la famosa serie de David Lynch, sigue disponible en España en Showtime TV. De Movistar+, la serie fue retirada en 2022. Por fortuna, ahora otra plataforma de series muy popular, Filmin, ha anunciado la llegada de ‘Twin Peaks’ a su catálogo.

‘Twin Peaks’ podrá visualizarse en Filmin por primera vez a partir del próximo martes 25 de marzo. ‘Twin Peaks’ ha sido una serie muy reclamada por los suscriptores de la plataforma durante años, y finalmente estará disponible. Además, completa: no solo podrán verse las dos primeras temporadas de 1990 y 1991, sino también la tercera estrenada en 2017.

Una serie parecida, ‘Doctor en Alaska‘, fue retirada de Filmin el pasado mes de enero por problemas con los derechos de distribución. Sin embargo, Filmin ha comunicado que la serie protagonizada por Rob Morrow volverá a su plataforma en abril.

‘Twin Peaks’ se subirá a Filmin pocos meses después de la muerte de David Lynch el pasado 16 de enero, a los 78 años, como consecuencia de un paro cardiaco provocado por el enfisema pulmonar que padecía, y que había precipitado su retirada de la vida pública.

Este mes de enero, por otro lado, se ha hecho pública la venta de Filmin tras batir, en los últimos años, su récord de facturación. Telefónica y Amazon son las empresas favoritas para agenciarse la plataforma especializada en cine de autor.