Como se esperaba, Aitana es número uno directo en la lista de singles española con su primer single oficial, ‘Teléfono’, que ha registrado una cifra brutal de reproducciones en streaming desde su lanzamiento el pasado 26 de julio, y supera actualmente las 20 millones de escuchas solo entre Spotify y Youtube.
Destacable también es la subida más fuerte de la semana en la tabla, que protagoniza Rosalía con ‘Pienso en tu mirá’. El tema debutó la semana pasada en el número 21 de la lista y en su segunda semana asciende directamente al top 5. ‘Malamente’ llegó a ser top 4. La cantaora además protagoniza una importante subida en la lista de álbumes con su debut ‘Los ángeles’, que sube del 16 al 13 y alcanza por tanto una una nueva cumbre, más de un año después de su lanzamiento.
La entrada más fuerte de la semana es ‘No Brainer’ de DJ Khaled con Justin Bieber y Quavo, eso sí, ya en el número 69. Le siguen un puesto por debajo Bryant Myers y Bad Bunny con ‘Triste’. ‘Fefe’, el éxito de 6ix9ine (quien por cierto acaba de colaborar con Yung Beef) junto a Nicki Minaj y Murda Beatz entra en el top 79. El resto de entradas son ‘Que tienes tú’ de DVicio, Jesus Reik y Mau y Ricky (94) y ‘Toda (Remix) de Alex Rose, Rauw Alejandro, Cazzu, Lenny Távarez y Lyanno (97).
Rosalía / Pienso en tu mirá: Segundo single de ‘El mal querer’, el segundo disco de Rosalía que está siendo tremendo éxito comercial casi desde antes de llegar al mercado. Bad Gyal, Cadenza / Más raro: Tema suelto de Bad Gyal, de nuevo ultra contagioso, esta vez gracias a sus sensuales teclados. Charli XCX / Girls Night Out: También single suelto, otro de los muchos que ha lanzado este año, de una gran admiradora de Bad Gyal, Charli XCX. Mura Masa, Nao / Complicated: Mura Masa y Nao vuelven a colaborar en un tema bailable, de producción impecable, y nada “complicado”, con guiños al funk y a los ritmos tropicales de moda. Robyn / Missing U: Regreso oficial, al fin en solitario, de Robyn, que vuelve al electropop como si no hubieran pasado 8 años. Phosphorescent / New Birth In New Englang: Gran tema para el autor de ‘Song for Zula’, a través del cual nos introduce su cambio de vida, que ha incluido una reciente paternidad. Yves Tumor / Noid: El artista experimental Yves Tumor llama al 911 a través de esta canción que se sitúa entre Madchester y el soul. Moses Sumney / Rank & File: Impresionante tema de Moses Sumney que nos introduce en su nuevo EP. Ciara & Missy Elliott / Level Up: Missy Elliott es la invitada de lujo en este tiro que se ha sacado de la manga Ciara. Childish Gambino / Summertime Magic: Puede que Childish Gambino no vaya a igualar el éxito de ‘This Is America’ pero al menos nos ha alegrado el verano con este onírico tema que lo dice todo con su título.
Allie X / Not So Bad In LA: En el estilo de Lana Del Rey, Allie X ha publicado un single decadente sobre Los Ángeles, en el que destaca una distorsión lo-fi poco habitual en el pop. Maggie Rogers / Give A Little: Alegre nuevo tema de la revelación Maggie Rogers, con ecos de Haim, Delorean y Fleetwood Mac. Teyana Taylor / Gonna Love Me: Gran tema entre Amy Winehouse y el primer Kanye West -que ejerce de productor- extraído del Disco Recomendado que ha hecho Teyana Taylor. Jungle / Heavy, California: Sugerente tema de regreso de Jungle, uno de los muchos que ya conocemos de su segundo álbum, anunciado recientemente. Blood Orange / Charcoal Baby: Lo nuevo de Blood Orange hablará sobre «ser queer y de color» y se presenta con dos temas, uno de los cuales es este notable ‘Charcoal Baby’. Summer Spree / La hora más fría: Infravalorado talento en el panorama pop, ajeno a cifras y streaming, que podemos vincular con Parade o Linda Mirada. The New Raemon / Charlestón (flores y dolores): Además de haber producido el inminente disco de Javier Álvarez, The New Raemon tiene un álbum preparado para septiembre del que ha adelantado este tema que referencia un clásico popularizado por Marujita Díaz (y Enrique y Ana). Wet / There’s a Reason: Agradable canción entre el pop clásico y el R&B de los 90, entre Tennis y Rhye, de Wet, desde Brooklyn. Ya tienen nuevo disco en el mercado. Chelsea Boots / This Roof Is Burning: El pop francés, pero también un poquito el grunge sobre todo en cuanto a voz, es la inspiración para este grupo madrileño, autor de ‘Dreams Die On The Road’. Aleks Syntek / Insomnio: El mexicano ganador de varios Grammy latinos entrega a una telenovela una canción que no pueden perderse los fans de Varry Brava o Miss Caffeina.
The 1975 / Love It If We Made It: Segundo single del próximo disco de The 1975, en el que referencian a Trump y hablan del fracaso de la modernidad. Tim Hecker / This Life: Tema de 9 minutos, pero brillante, asfixiante, con el que Tim Hecker presenta su nuevo disco, influido por el Gagaku. Fucked Up / Raise Your Voice Joyce: Enérgica canción en contraste con la anterior, que supone el regreso de Fucked Up, con el disco que según su colaborador Owen Pallett podría ser su ‘Screamadelica’. Lola Indigo / Ya no quiero na: Mimi ha sorprendido con un rítmico tema de una girl group compuesta por su cuerpo de baile, próximo a ‘El anillo’ de Jennifer Lopez. Bebe / Corazón: JENESAISPOP ha estrenado este nuevo temazo de Bebe -que curiosamente no ha escrito ella- acompañado de su vídeo mega popero. Gepe / El volcán: Gepe dedica su próximo disco a Margot Loyola, gran investigadora de la canción popular en Chile y del resto de América Latina. Alberto Montero, Tórtel / La casa dibujada: Canción llena de magia -y teclados- del pequeño disco colaborativo entre estos dos artistas del panorama nacional, también con novedades por su propia cuenta Snail Mail / Pristine: El rock no ha muerto, en contra de lo que dice Juan Magán, y para muestra las excelentes críticas cosechadas por esta joven de 19 años. Billie Eilish / you should see me in a crown: Hace poco hablábamos con Billie Eilish y después ha vuelto con un corte que podemos considerar cercano a la antigua Lorde. Ella Mai / Boo’d Up: La británica ha sorprendido este año triunfando en EE UU antes que en Reino Unido con este single de R&B romántico en la estela de ‘We Belong Together’ de Mariah Carey.
Este viernes 10 de agosto se publica al fin el debut en solitario de Jake Shears al margen de Scissors Sisters, con los que el artista norteamericano no publica disco desde 2012. Del disco se conocían los rockeros singles ‘Creep City’ y ‘Sad Song Backwards’, a los que se ha sumado ahora la igualmente rockera ‘Big Bushy Mustache’.
Como su propio título indica, ‘Big Bushy Mustache’, que aúna el pegadizo falsete de Shears con guitarras sucias y distorsionadas, en el estilo de Queens of the Stone Age o el último Ezra Furman, es una declaración de amor hacia los “bigotes frondosos”. En el videoclip de la canción, rodado en las calles Nueva Orleans, Shears inspira a una serie de hombres a que se dejen bigote, y al final todos ellos están encantados con él, representando, como se indica en el vídeo, en francés, una nueva “ternura, poder masculino, gracia y sexualidad”.
El propio Josh Homme de Queens of the Stone Age, amigo y héroe de Shears, aparece en el vídeo presumiendo de bigote. Sobre Homme, Shears ha asegurado a Rolling Stone que es “como un hermano” para él, además de un “hombre increíble” y musicalmente “uno de los mejores músicos vivos” de la actualidad. Está claro que también es una inspiración musical, si bien las canciones de Shears, como esta ‘Big Bushy Mustache’, presentan un carácter menos agresivo y más amable y divertido que las canciones de “Queens”.
C. Tangana, que sigue triunfando en España con ‘Bien duro’, actual top 11 en la lista de éxitos de nuestro país, está en Los Ángeles y desde la ciudad de las estrellas, a la que recientemente ha dedicado una canción Allie X, el rapero madrileño ha confirmado a Billboard su colaboración con Becky G, intérprete de la canción del verano, ‘Sin pijama’ junto a Natti Natasha, y de otros éxitos como ‘Mayores’ o ‘Ya es hora’.
Becky G ya había declarado en alguna entrevista reciente su deseo de colaborar con C. Tangana y, de hecho, en diciembre de 2017 Los 40 informaba sobre una canción en “spanglish” en la que ambos habían trabajado supuestamente titulada ‘Madrieley’. Según Billboard, sin embargo, la colaboración de C. Tangana con Becky G no tiene aún título oficial, si bien su videoclip ya se habría rodado en Los Ángeles.
Durante la entrevista, Tangana no suelta prenda sobre la canción, aunque sí se la pone al entrevistador desde su teléfono móvil. De la canción se dice en el texto que cuenta con una base de “ritmos ajustados”, que aúna los raps de C. Tangana con la voz de Becky G (increíble) y que tiene un “punto sensual y R&B”. Se entiende que sale pronto… ¿durante el mes que queda del verano?
Maria Rodés es una artista que parece habitar otra dimensión, situada fuera del tiempo y las modas. En los últimos años, además, se mueve por fijaciones temáticas sumamente personales y extemporáneas. Si su interés por la copla construyó el fabuloso ‘Maria canta copla’, ‘Eclíptica’ -que no elíptica, ojo-, debe su existencia a la figura de un tío-bisabuelo astrónomo de Maria, Lluís Rodés. El descubrimiento de este antepasado, que fue director del Observatori de l’Ebre entre 1920 y 1939, fascinó a Maria. Claro que, leyendo someramente su biografía, difícil no sentirse deslumbrada por él. Lluís Rodés era jesuita y un científico reconocido internacionalmente. Publicó obra divulgativa, escribió varios dietarios y vivió la Guerra Civil en el observatorio. Evitó la prisión y la muerte merced a su infinito interés por los astros, que lograba transmitir a los militares que por allí se acercaban; acababan tan maravillados por sus palabras que dejaban en paz al mossén.
El disco, por eso, homenajea a Lluís Rodés indirectamente, sin nombrarlo -aunque sus vivencias sí aparecen de manera velada-, a través de canciones que, más que tratar de ciencia, rebosan de la poética de la astronomía, de la fascinación que, desde tiempos remotos, hemos sentido los humanos por el cielo nocturno, las estrellas, constelaciones y sus significados; de todas las fabulaciones azuzadas por las luces del cosmos. Por eso los protagonistas de sus historias son astros, estrellas antropomorfas y las sensaciones que despierta el cosmos. De ahí, el aire de rimas y leyendas de ‘Eclíptica’. Toda esta temática astral y fantástica queda perfectamente plasmada gracias a la sonoridad opulenta de Maria, a su refinamiento melódico, su voz levemente arrastrada, plácida y hermosa y su preciosismo instrumental, con una producción cautivadora, pero contenida, alejada de la exuberancia mostrada en su EP con Refree.
Aquí Maria prueba diferentes palos pero acaba prevaleciendo la canción mediterránea aletargada, que nos sumerge en una atmósfera de duermevela. Este es un disco breve, que no alcanza la media hora, pero, curiosamente, su misma naturaleza morosa, intimista y onírica hace más larga, subjetivamente, su escucha. ‘Fui a buscar el sol’, su primer single, en colaboración con Ramón Rodríguez, The New Raemon, es una bonita muestra de pop soñador, a base de ritmos creados por guitarra. A continuación pasa al brío de una Tori Amos, con leves ecos celtas, para narrar la leyenda de ‘Pléyades’, también acompañada de Rodríguez. La copla retorna, aunque en una composición original de Maria, en ‘Luciérnagas en el suelo’; un romance de recia oscuridad hispana, adornado con teclados de flamenco sinfónico. También hay samba espacial en ‘Chocará conmigo’, en compañía de Ximena Sariñana; una pista pizpireta y repleta de sorna, con pequeña referencia a David Bisbal incluida. O bondad acústica, en la línea intimista de Ferran Palau, en ‘Luna no hay’, donde destaca su deliciosa aceleración final en forma de bossa nova. En ‘Sirena’, un track de épica cadenciosa, Maria imposta una entonación más dramática para cantar a un suceso apocalíptico. Aunque al principio parece regodearse con sentido del humor maligno, poco a poco va venciendo la sensación de amenaza, que vagamente remite a las penurias que vivió Lluís Rodés durante la guerra. ‘Noche serena’ muestra su reverso onírico más luminoso, con un conato de delirio de arpas. En esa misma tesitura de nana narcótica juegan los dos temas en catalán, ‘Nana negra’ y ‘Eclipsi’, que también reseñan de soslayo las vicisitudes bélicas de Rodés, hasta llegar al folk mediterráneo telúrico en ‘Niña de párpados negros’, basada en un poema de Lluís Rodés y en un extraño sueño de Maria, en que vio “a una niña de párpados negros bailando sobre una tumba de hielo”.
Y es que Maria explica muy bien en su facebook la intrahistoria de cada canción. La lectura de estas pequeñas notas, más la profundización en las leyendas astrales y la vida de Lluís Rodés, pueden ser un complemento perfecto a la escucha de este disco. Aunque tampoco es absolutamente necesario tener ningún tipo de dato previo para gozarlo sin más, la información ayuda a aumentar aún más el interés. Especialmente, a todos aquellos que miran al cielo hechizados, buscan afanosamente estrellas fugaces o se quedan colgado con las fotos del cosmos.
Calificación: 7,5/10 Lo mejor: ‘Fui a buscar el sol’, ‘Luciérnagas en el suelo’, ‘Chocará conmigo’, ‘Luna no hay’ Te gustará si te gusta: The New Raemon, Ferran Palau, Tori Amos, Alberto Montero Escúchalo:Spotify
La “mirá” de Rosalía, la distopía teen de Twenty One Pilots, el debut chandalero de Lola Índigo, la bronca en blanco y negro de Miles Kane y la descarga anfetamínica de The Prodigy. Abrimos las costuras narrativas y estéticas a cinco de los videoclips más destacados que se han publicado estas últimas semanas.
‘Pienso en tu mirá’, Rosalía
El capítulo tres de la serie de vídeos ‘El mal querer’ amplía el discurso estilístico iniciado en el capítulo uno, ‘Malamente’. El director Nico Méndez (CANADA) continúa moviendo la cámara como un capote en torno a los tópicos ibéricos y la iconografía del extrarradio. Pero esta vez, en sintonía con la letra de la canción, pinta sus imágenes de un negro lorquiano. El comienzo no puede ser más elocuente. Un plano fijo muestra la cabina de un camión en el que “baila” la figura de una flamenca mecida por el exceso de velocidad del vehículo. Tras el impacto de éste, que conecta narrativamente con la última secuencia del vídeo -un accidente-liberación con guiño final (el camionero es El Guincho)-, comienza lo que podría ser un flashback: la historia de una chica de barrio encerrada en su casa de Bernarda Alba por su posesiva pareja. Por medio de un formato cuadrado (4:3 con los bordes redondeados), que amplifica la sensación de acoso y opresión del relato, vemos un despliegue de símbolos que van desde lo más obvio –la esclava con el nombre de Varon Dandy, la rotura de la flamenca figurita de Lladró con un bate de béisbol- a lo más sugerente, a la riqueza metafórica que contienen secuencias como la del dormitorio (una manera muy visual y eficaz de representar una prisión marital), las de la mancha en el pecho como símbolo de la perpetuación de la cultura machista, o ese juego semántico de la España negra que se establece entre la aceituna, el perdigón y el ojo de “tu mirá”.
‘Jumpsuit’, Twenty One Pilots
‘Jumpsuit’ comienza donde terminó el anterior ‘Heavydirtysoul’: con la imagen de un coche incendiado. El protagonista del vídeo se sube al capó y, dirigiéndose a la cámara, nos dice que “es hora de despertar”. El coche se vuelve a incendiar y el cantante Tyler Joseph “despierta” en medio de un río como si fuera Bear Grylls en ‘El último superviviente’. A partir de ahí, comienza una historia llena de elementos simbólicos que parece sacada de un relato de distopía adolescente. Por medio de dos líneas narrativas vemos al cantante remontando el río mientras es vigilado desde lo alto por un grupo de encapuchados y, paralelamente, a un monstruoso jinete, con reminiscencias de los Nazgûl de ‘El señor de los anillos’, que se acerca galopando. El encuentro entre ambos tiene un carácter alegórico. El jinete deja unas marcas negras en el cuello del cantante, que son las mismas que lleva en sus conciertos y que remiten a Blurryface, el personaje simbólico que da título al anterior álbum del dúo. Joseph sigue al jinete -¿hacia su pasado?- hasta que logra huir de él con la ayuda de los encapuchados -¿hacia su futuro?-. El giro final lleva la historia hasta el siguiente capítulo, el vídeo ‘Nico And The Niners’.
‘Ya no quiero ná’, Lola Indigo
El vídeo que ilustra el debut de Lola Índigo está tan cronometrado como una prueba de triatlón. Tres minutos, tres partes diferenciadas, cada una de un minuto de duración. La primera está protagonizada por una Mimi reivindicativa (lleva un top con un lema asociado a la campaña feminista Free the Nipple) que exhibe sus dotes para el baile en un entorno (sub)urbano, una coreografía cuyos movimientos están subrayados por un expresivo uso de la cámara lenta en momentos estratégicamente escogidos. La segunda, compuesta por un montaje de imágenes con Mimi en plan sexy y Mimi con trenzas en plan Frozen de extrarradio, sirve como desahogo sentimental (un minuto de reproches lanzados directamente a la cámara) y como descanso entre coreografías. La tercera es una mezcla de las dos anteriores. Una combinación de baile y regañina (mucho “no, no” moviendo el dedo índice), que termina con un simbólico plano contrapicado, entre feminista y reunión de latin queens, con el grupo mirándonos desafiantes desde arriba: “ya no quiero ná”.
‘Cry On My Guitar’, Miles Kane
En el videoclip ‘Loaded’, Miles Kane aparecía con el rostro más abollado que Edward Norton en ‘El club de la lucha’. ‘Cry On My Guitar’ es su precuela. ¿Quién le había dejado la cara como un ecce homo al cantante de The Last Shadow Puppets? Su nombre es Finn Bálor, el famoso luchador irlandés de WWA. Juntos protagonizan una pelea inspirada, según el director Brook Linder (autor también de ‘Loaded’), en las películas de James Bond. Sin embargo, visualmente el realizador opta por otro enfoque. La contrastada fotografía en blanco y negro recuerda a la del cine indie de los noventa, a películas como ‘Pi’, ‘Clerks’, ‘In the Soup’, ‘Mala noche’ o los primeros filmes de Jim Jarmusch. Y la puesta en escena, con mucha cámara al hombro y movimientos bruscos, remite a las peleas coreografiadas por Paul Greengrass para la saga Bourne. En el último tercio del clip, cuando salen de la habitación, la escritura visual cambia. A través del uso de la cámara lenta, la luz estroboscópica y la inserción, a modo de flashes, de planos en color que remiten a ‘Loaded’, el director transforma la fisicidad del enfrentamiento inicial en algo mucho más estilizado, elíptico y hasta onírico.
‘Need Some1’, The Prodigy
El director filipino Paco Raterta parece haber traducido a imágenes el nuevo tema de The Prodigy casi de forma literal, acompañando al pie de la “letra” la descarga sonora del grupo británico. Ambientado en Manila, el vídeo comienza con el despertar de un guitarrista al que la música de The Prodigy le provoca los mismos afectos estimulantes que la “droga caníbal”. Entre espasmos y espumarajos, persecuciones y encontronazos, el protagonista avanza por los bajos fondos de la ciudad, llena de yonquis y pandilleros, hasta llegar a una sala de conciertos junto a los demás miembros del grupo. Este desbocado recorrido nocturno, cuyos ambientes degradados recuerdan a los del también filipino Brillante Mendoza (‘Serbis’, ‘Kinatay’), está narrado por Paco por medio de una nerviosa cámara al hombro y un vertiginoso montaje en el que combina planos con diferentes texturas fotográficas, cromáticas, rítmicas (imágenes ralentizadas y aceleradas) y de formato, cambiando del cuadrado al panorámico casi a golpe de headbanging. El final, con la imagen del guitarrista en el mismo cuarto donde se despertó, parece sugerir que todo este agitado viaje ha sido más mental que físico, más efecto colateral de la flakka que verdadero ejemplo de épica callejera.
Jose Ignacio Martorell, alias Jonston, llevaba ya seis años sin sacar material nuevo, desde que publicó ‘Veo visiones’ en 2012. Un espacio de tiempo inmenso que ha llenado con un disco igualmente inmenso, a pesar de su brevedad (ocho temas) y su apariencia simple.
‘Los sentimientos’ es menos exuberante, menos Burt Bacharach y menos psicodélico, que ‘Veo visiones’. Esta es una obra de cantautor pop prácticamente autosuficiente, construida a base de guitarra, unos arreglos sencillísimos pero cruciales y, sobre todo, su voz y unas letras donde priman lo naïve, lo cotidiano y lo sentimental. Lejos queda el universo surrealista que se extendía a lo largo de su anterior álbum. Esta sencillez es una victoria, porque convierte ‘Los sentimientos’ en una joya de pop acústico, de canciones que conmueven por su simplicidad y, precisamente, por los sentimientos que desprenden. ‘Tres dimensiones’, con requiebros de puro pop beatleniano, emociona por su discurso de hombre enamorado y unos versos que, de puro cursi, encandilan: “tampoco necesito ir al Museo del Prado, que paisajes más bonitos ya los tengo yo a mi lado”. Y esos “más bonitos” te rompen, de la manera tan trémula en que los entona. ‘La guitarra’ es una rumba-declaración de amor a su guitarra y a Vainica Doble, ‘Hablando del tiempo’ es una fanfarria irresistible, un tanto desafinada, con el ritmo marcado a golpes y palmas y letra encantadoramente tonta, de resultado arrollador. Recuerda a La Estrella de David; no en vano David Rodríguez es el encargado de la caja de ritmos. Imposible no pasarse todo el rato canturreando “yeah, yeah, yeah, yeaaahh / Llevo todo el día hablando del tiempo”. Pura alegría a base de meteorología (y rimas consonantes).
Pero el júbilo, de repente, se esfuma. Me chivan mis fuentes -aunque no lo he podido corroborar- que ‘Los sentimientos’ es un disco sobre el fin de una relación amorosa. Y, de hecho, toda la segunda parte del álbum relata la extrema añoranza que genera que te abandone el ser amado. ‘Los sentimientos’, la canción, habla sobre el momento de dejar de vivir juntos, hacer la mudanza y separar cada uno sus cosas, mientras Jonston, en queda resignación, afirma que sus sentimientos son eternos. Y es probable que esa fatalidad tan asumida vuelva a arrear otro pellizco al estómago, tras el que pega el amor incondicional de ‘Tres dimensiones’. ‘Podría ser’ es una confesión de soledad y nostalgia, con la cadencia de los Magnetic Fields de la primera época. ‘Canción de autoayuda’ también va en la línea de Stephin Merritt, pero a ritmo trotón y con una ironía dulce. Pero la melancolía, doliente, reaparece y se apodera de ‘El río’; las guitarras y las panderetas marcan la letanía, mientras la voz casi llorosa de Martorell va desgranando: “Donde crecía un árbol, ahora pasa un río y no sé muy bien dónde me llevará. Ojalá me arrastre a un sitio más tranquilo, donde esté mejor y no sufra más”. El cierre es una versión de ‘Tarde’ de Eduardo Gatti, tan bien escogida que parece talmente pensada para este álbum, tanto en letra como en melodía. Y deja un poso de esperanza para encarar un futuro agridulce. ‘Los sentimientos’ es una muleta donde apoyar el alma en momentos de añoranzas, pérdidas y… en cualquier momento. Porque no hace falta ninguna de estas premisas para sentirte arropado por los sentimientos de Jonston.
Calificación: 8/10 Lo mejor: ‘Tres dimensiones’, ‘La guitarra’, ‘Hablando del tiempo’, ‘Los sentimientos’, ‘Podría ser’, ‘Canción de autoayuda’ Te gustará si te gusta: Vainica Doble, The Magnetic Fields, La Estrella de David, Francisco Nixon Escúchalo:Bandcamp, Spotify
No es fácil para un artista británico triunfar en EE UU y gigantes como Adele, cuyo éxito en el país fue progresivo y solo a partir de su segundo disco; Ed Sheeran o Florence + the Machine triunfaron antes en Reino Unido que en América. Pero la joven de Londres Ella Mai, como ya os hemos contado, lo ha logrado con su primer single, ‘Boo’d Up’, que ha sido top 5 (!!!) en Billboard mientras en Reino Unido todavía no ha olido ni el top 40. ¿Cómo lo ha hecho Ella Mai?
Rolling Stone se ha adelantado a nosotros en apuntar el parecido de ‘Boo’d Up’ con ‘We Belong Together’, uno de los mayores éxitos de Mariah Carey, recalcando lo diferente que suena la canción respecto al resto de temas que pueblan el top 10 americano. Entre éxitos a la moda del hip-hop y el trap de Cardi B, Drake y Post Malone, ‘Boo’d Up’ logra destacar recordando al R&B romántico que triunfaba en Estados Unidos durante la pasada década, gracias a canciones como la mencionada ‘We Belong Together’, ‘U Remind Me’ de Usher o ‘Irrepleacable’ de Beyoncé, que a su vez remitían al R&B de los 90 de gente como Toni Braxton o Boyz II Men.
De darse en Estados Unidos un nuevo auge del R&B contemporáneo más romanticón, ‘Boo’d Up’ sería un buen representante pionero de este fenómeno. Es una canción de melodía preciosa, anhelante, llena de esa “ansiedad”, de la que habla la letra, que produce la llegada inesperada de un amor nuevo a nuestras vidas (“no quiero apegarme, pero creo que ya lo estoy”, recita Ella en el “spoken word” final), pero que debido a su temática, suena también cálida y reconfortante. Hay remix con Nicki Minaj y Quavo, pero la canción es suficientemente buena como para que el público haya preferido la versión original.
Este 30 de julio ha finalizado el Utopia Tour de Björk en Roma. Y, tras cotillear los setlists posteriores a su paso por el Primavera Sound, hay que decir que esta gira ha brillado especialmente por la falta de sorpresas, porque allá donde se ha presentado ha seguido estrictamente el mismo guión de principio a fin como si tuviera activado el piloto automático o le diera pereza a la islandesa hacer cualquier tipo de variación.
Lo siento de corazón, de veras, pero a estas alturas no me queda otra que devolver el carné de fan hasta nuevo aviso. Sabemos que ella no está precisamente por la labor desde hace años de ponerlo fácil (musicalmente hablando), pero uno sigue acudiendo a sus conciertos con la esperanza, en vano, de que algún día rebaje su dosis de intensidad y vuelva a reivindicar ese repertorio primigenio del que parece que quiere olvidarse y por el que, para que engañarse, la mayoría pasa por caja.
Hace ya semanas, a su paso por el Primavera Sound para presentar ‘Utopia’, los únicos regalos a los nostálgicos pasaron por ‘Human Behaviour’ (que hacía once años que no recuperaba en directo) e ‘Isobel’, porque ya me dirán si existe alguien sobre la faz de la Tierra que se deje los dineros para reescuchar ‘Wanderlust’ del criticado ‘Volta’ o aquella ‘Pleasure Is All Mine’ del ‘Medúlla’ con el que empezaron a mutar sus aspiraciones artísticas en 2004. Y como al principio indicaba no nos hemos perdido nada en las fechas posteriores a Barcelona porque el único guiño al pasado que sí ha interpretado en los conciertos siguientes ha sido esa ‘The Anchor Song’ que ya pudimos disfrutar desde la comodidad de casa cuando acudió al programa de Jools Holland. Hay que tenerlos muy grandes para pasar olímpicamente de ‘Homogenic’ y de cualquier otro atisbo de single con cara y ojos cuando tienes a muchos fans aburridos hasta la extenuación y los bostezos se manifiestan entre el público incluso en las primeras filas.
Releyendo la crónica que Jordi Bardají escribió de su paso por el Primavera Sound parece que estuvimos en lugares diametralmente distintos. El show que estos meses ha paseado tiene como único aliciente a esas flautistas-ninfas que se mueven por el escenario. Pero de memorable, más allá de los primeros minutos iniciales y el factor sorpresa (que se va al traste pasados los primeros diez minutos), tiene más bien poco porque su repertorio más reciente cae en la reiteración de sonidos y beats escurridizos sin personalidad alguna y, en cuanto a los visuales, son prácticamente calcados a los que ya se pudieron ver en 2015 en aquel Vulnicura Tour que recaló en el Poble Espanyol de Barcelona. Hablando en plata: desde que fichó a Arca como productor todo lo que hace suena igual, menos memorable y muchísimo más tedioso por mucho que nos lo quiera vender de otra manera.
Memorable fue su actuación en el Liceu en 2001 acompañada de Matmos, un coro de niñas groenlandesas, la arpista Zeena Parkins y una orquesta sinfónica con motivo de ‘Vespertine’; para quien esto escribe su último álbum memorable. Así como aquella gira de grandes éxitos que le llevó al Sónar, Madrid y Valencia en 2003 o, incluso, la gira del ‘Volta’ entre 2007 y 2008, que finalizó en aquel Ola Festival de El Ejido (marcando la defunción de Sinnamon como promotor festivalero), porque supo aglutinar su pasado y su por entonces presente a sabiendas de las tibias críticas que ‘Volta’ recibió por parte de la crítica y el público.
Anticipándome a los comentarios que florecerán bajo estas líneas imagino que muchos afirmarán “qué haga lo que quiera”, “me parece lógico que no quiera reivindicar su pasado” e, incluso, alguien tendrá la osadía de pensar que tanto ‘Vulnicura’ como ‘Utopia’ son los dos mejores discos de su discografía. Cualquiera es libre de opinar lo que le plazca, faltaría más, pero en mi caso no he conectado con esta reiterativa Björk de los últimos años que se pasa por el forro las estructuras melódicas y que, pese a momentos reivindicables (‘Sue Me’ en vivo me pareció estupenda, así como ‘Stonemilker’ o ‘Black Lake’ en el Vulnicura Tour), no consigue ni emocionarme ni dejarme sin habla como años atrás. Puede quedar muy de abuelo cebolleta eso de cualquier tiempo pasado siempre fue mejor, lo sé, pero en estos momentos es lo que me sale del alma escribir. Y como yo, soy más que consciente de que muchísimos fans opinan exactamente lo mismo por mucho que no se atrevan a verbalizarlo. Aunque sea una “intocable” no hay que tragárselo todo.
Ella aún no ha hecho ninguna declaración al respecto, pero me sorprende mucho también que desde la gira de ‘Vulnicura’ se presente sobre el escenario literalmente cubriendo su cara. Desconocemos si ahora que ha sobrepasado los 50 años ve este recurso como una manera de no envejecer de cara al público. No obstante, lo que aconteció el pasado año en ese Dj set especial que ofreció en el marco de Sónar fue más que surrealista: apareció vestida como una momia (como si fuera un híbrido del Marlon Brando de ‘La Isla del Dr. Moureau’ y aquella Loli Álvarez que reapareció en ‘Crónicas Marcianas’ tras someterse a incontables operaciones de estética) y llenó el escenario con tantas plantas (reutilizadas ahora para la tournée de ‘Utopia’, porque nunca está de más ahorrarse unos euros) que imposibilitó que cualquiera pudiera verla. Una cosa es ser excéntrica y otra muy distinta querer huir del contacto visual con tus seguidores.
A sabiendas de cómo son sus conciertos desde los últimos años, hay una cosa que tengo clara: a no ser que cambien las tornas, voy a dejar de acudir a verla porque sus desganados setlists no me hacen el peso. Vocalmente está mejor que nunca, por supuestísimo, pero no me compensa aguantar un concierto de hora y cuarto (lo que duró este último) si sé que el cabreo que voy a pillar después no me lo quita nadie. Ojalá más pronto que tarde tenga que arrepentirme de haber escrito esto.
Demi Lovato ha publicado sus primeras declaraciones tras ser ingresada la semana pasada en un hospital de Los Ángeles debido a una sobredosis. La cantante apunta que tras el incidente ha aprendido que la adicción no es una enfermedad que “desaparezca con el tiempo” sino que su tratamiento es constante, y agradece a sus familia, a sus fans, a su equipo y al personal médico del hospital el apoyo recibido en la última semana.
Estas son sus palabras: “Siempre he sido sincera en relación a mi experiencia con la adicción. Lo que he aprendido es que esta enfermedad no es algo que desaparezca o se diluya con el tiempo. Es algo que debo seguir superando y todavía no lo he hecho. Agradezco a Dios por mantenerme viva y en buena salud. A mis fans, os estoy eternamente agradecida por todo el amor y el apoyo que he recibido esta última semana, y siempre. Vuestros pensamientos positivos y plegarias me han ayudado a navegar estos difíciles momentos. Quiero agradecer a mi familia, a mi equipo y al personal de Cedars-Sinai, quienes han estado a mi lado durante todo este tiempo. Sin ellos no estaría aquí escribiendo esta carta para vosotros. Ahora necesito tiempo para sanarme y concentrarme en mi sobriedad y en mi camino hacia la recuperación. Nunca olvidaré el amor que todos vosotros me habéis mostrado, y espero con ansia el día que pueda decir que he visto la luz al final del túnel. Seguiré luchando”.
Hace unas semanas, varios graffitis del logo de Aphex Twin en 3D aparecían en el metro de Londres y también en Turín, Hollywood y Manhattan. El sello del músico, Warp, confirmaba poco después a The Guardian que los logos pertenecen a una campaña publicitaria oficial del sello, dando a entender que nueva música del autor de ‘Selected Ambient Works 85-92’ se acerca.
Warp publica hoy en Twitter una hoja informativa con información de un posible EP nuevo de Aphex Twin titulado ‘Collapse’. Se percibe en la imagen un texto distorsionado por su diseño en 3D, aunque sí son legibles el mismo titulo del EP y lo que parecen varios títulos como ‘T69 Interruption’, además de una extraña frase en la parte inferior de la imagen que parece describir el EP como “una serie de movimientos que igualan la velocidad y ritmo de la tarta”. También puede leerse un “poema” que hace referencia al barong, un tipo de baile tradicional de Bali.
Aphex Twin publicó su último disco largo, ‘Syro‘, en 2014, si bien en 2015 publicó la colección ‘Computer Controlled Acoustic Instruments pt2’, en 2016 editó el EP ‘Cheetah’ y en 2017 lanzó varios temas sueltos desde su página web o a través de Soundcloud, entre ellos ‘korg funk 5’.
Tras una «Vermú Session» durante el día que incluyó un buen concierto de Modelo de Respuesta Polar a pleno sol, la edición 2018 de Santander Music vivió anoche su jornada más multitudinaria. Lo normal es que todo festival acumule más público durante el sábado y si a eso le sumas a Izal, el pelotazo en asistencia está asegurado. La banda asentada en Madrid tiene muchísimo público femenino (se nota mucho, por ejemplo, en el corear colectivo de las canciones) y por primera vez en todo el fin de semana se vieron largas colas en los baños de mujeres. Terminado Izal, gran parte de su público se volvió al centro o se fue a sus casas. Tal cual.
El grupo, en cambio, ofreció un concierto menos apoteósico de lo que habría cabido esperar a tenor de su experiencia en la carretera. La M.O.D.A., inmediatamente antes, habían sonado más alto, más nítidos y mejor definidos, si bien es cierto que Izal tiraron solo un poquito menos de subidones efectistas y épica y aun así por supuesto arrasaron. Hubo alguna virguería en cuanto a proyecciones, del tipo adaptaciones de la toma de directo con figuras geométricas y repeticiones de su propia figura, pero sobre todo se basaron en su repertorio y en cómo su público lo conoce. ‘Copacabana’ hacia el principio del set, la coreada ‘Pánico práctico’ (tienen una canción llamada así) hacia la mitad, ‘El pozo’ hacia el final… y el público se lo cantó casi todo. Entre varios llamamientos a la ciudad de Santander, Mikel animó: “¿y por qué no? Follemos todo lo que podamos”.
La M.O.D.A. habían hecho inmediatamente antes el esperable concierto lleno de subidas y bajadas, voces afectadas y coros prestos para el engorilamiento del público. Sí se parecen a Celtas Cortos, aunque no tienen canciones tan buenas o icónicas como ‘20 de abril’ o ‘El emigrante’, aunque hay que decir en su defensa que son bastante entretenidos de ver. Son ciento y la madre sobre el escenario, su técnico de sonido es un hacha ecualizando acordeones et al y tiene bastante gracia que salgan uniformados con camisetas blancas de tirantes como si estuvieran cortando leña en ‘7 novias para 7 hermanos’. Es un poco como… ¿sexy? El grupo recordó que ha llegado a donde está (lo más alto después de Izal) “sin que nadie les regalara nada” y lo cierto es que es verdad. Se despidieron en sábado tocando ‘Héroes del sábado’ y la gente la recibió como cuando en un concierto de Suede tocaban en sábado ‘Saturday Night’. Bueno, muchísimo mejor…
Después de Izal tocaron Grises, siendo la apuesta perfecta para allanar el camino hacia la tecno-rumba de Joe Crepúsculo. Su pop sintético, no solo apegado a los 80 sino más bien atemporal, es puro vitalismo y joie de vivre y canciones como ‘Comida para insectos’ o ‘Avestruz’ 1) levantan a un muerto y 2) merecen mucho más reconocimiento y popularidad. Programadores de eventos y festivales: más conciertos de Grises a las dos de la mañana. De nada.
La jornada de sábado empezó y terminó de manera muy parecida: con Soleá Morente y su crew, que incluye a Lorena Álvarez como una de sus dos coristas y a Alonso de Napoleón Solo, subida al escenario. A primera hora había presentado las canciones de su último disco ‘Ole lorelei’, o como quiera el rey del país que este disco se llame, con algún recuerdo a su pasado, como ‘Todavía’, que escribió La Bien Querida, o alguna versión como la del gran hit de Las Grecas, bastante salá. Fue un concierto muy orgánico pese a los teclados y el momento deliberadamente Camela de ‘Baila conmigo’, penúltima en el set, justo antes de que Soleá espetara: “Nos despedimos con ‘Ole lorelei’, pero antes dame un traguito, Alonso”. Tontería que encantó al respetable, cómo no.
Ambos subieron al escenario al final de Joe Crepúsculo para sumarse al tradicional fin de fiesta de ‘A fuego’, siempre tan necesitada de palmeros y coristas, de jaleo; y ‘Mi fabrica de baile’. Es mi segundo concierto de Crepus en 7 días (y de milagro no ha sido el tercero, saludos a las Fiestas San Cayetano), pero da igual: uno se pasa medio festival deseando que llegue el momento de bailar ‘Tus cosas buenas’, ‘Pisciburguer’, ‘Suena brillante’ o ‘Música para adultos’. Esta vez en formato dúo con Aaron Rux, el set no escondió sorpresas pero no por ello fue decepcionante. Una fiesta siempre asegurada a la que no se puede poner pega alguna.
El portadón de ‘Saved’ me sorprendió. Cuando fui a buscar en Spotify el último disco de Now, Now después de que un amigo me los recomendara, la portada me recordó a la del debut de Harry Styles, pero pronto me di cuenta de que esa chica no estaba bañada en agua, sino recubierta por plástico (y del disco de Harry Styles pasamos al póster de la temporada final de ‘Dexter’). Pero la cosa es que ‘Saved’ tiene mucha capacidad de ser una sorpresa, tanto para personas que ya siguiesen la trayectoria de Now, Now, como para los que, como yo, se acercasen por primera vez. A los del segundo grupo nos puede producir un “¿cómo no había descubierto yo a esta gente antes?”, y los del primer grupo no se esperarían el giro musical de la banda, con un sonido muchísimo más pop (el inicio de ‘Set It Free’ llega a parecer una versión ralentizada del inicio de ‘Scream & Shout’) en este álbum, en comparación con sus trabajos anteriores -a los cuales también recomiendo echar un ojo/oído-.
La banda de Blaine (Minnesota) publicó su primer disco en 2008 y, tras respectivos cambios en la formación (ahora es solo un dúo: KC Dalager en voz, guitarra y teclados y Brad Hale de batería y coros, encargándose también de la producción) y hasta en el nombre (antes eran Now, Now Every Children), se marcan un Xtina y vuelven tras seis años de silencio musical. Comentaban en Stereogum que el estrés tras una gira de dos años fue una de las razones del hiato, pero que también influyó el bloqueo artístico para las letras, resuelto con una nueva forma de escribirlas, menos metáforas y más simplicidad: “siempre me ha dado miedo decir exactamente lo que siento o pienso, pero llegó un punto en el que ya no”, comentaba KC. ‘Holy Water’, seguramente la gran joya del disco, presenta ambas vertientes, tanto esas letras más directas (“con todo a tu alrededor cambiando, yo quiero ser la única cosa que se mantenga / me arriesgaré porque sé que tienes un corazón salvaje / pero te he amado desde el principio”) con el punto emo que tenían, y que es especialmente profuso en vocabulario religioso, alcanzando aquí su cúspide con el precioso “you treat me like an angel but you kiss me like a sinner”.
Las referencias religiosas se repiten en distintas canciones del disco, que no en vano se llama ‘Saved’. Y es curioso cómo esa misma idea de la salvación se usa en dos momentos tan contrarios como el “You let my love go to waste / You left me fucked up baby, in a fucked up place / Oh my God, I’m saved” del tema titular y en ‘Powder’, el que lo cierra (“I’ve been drinking baby, won’t you come and save me? / Like an angel waiting, I let you surround me”), pero que a la vez tratan un romanticismo intenso, que puede llegar a ser autodestructivo y tóxico, pero también realista con la historia que nos quiere contar.
Muchas veces, una prueba para testear la calidad de un disco es ver si resiste más allá de sus singles; en el caso de ‘Saved’, los singles han sido ‘SGL’, ‘Yours’, ‘MJ’ (en el que, ojo, le hablan de su fracaso amoroso a Michael Jackson (?)) y ‘AZ’. Cuatro buenas canciones que, no obstante, no dejan como relleno al resto de album tracks, pudiendo encontrar propuestas tan interesantes como la ya mencionada ‘Holy Water’, el protagonismo de la electrónica en ‘Knowme’ (¡y ese post-estribillo!) o el coqueteo a ratos con el dream pop de ‘Drive’. En resumen, Now, Now no son precisamente nuevos pero si, como yo, no los conocías, no es tarde para acercarse a ellos, y menos aún tras esta “carta de presentación 2.0” tras sus seis años de ausencia: el álbum trae motivos de sobra para enganchar nuevos fans, y para recordar a los antiguos por qué lo eran.
Calificación: 7,5/10 Te gustará si te gusta: Tegan & Sara, HAIM, Cigarettes After Sex, Christine and The Queens, Paramore, The Postal Service, los Dover de ‘Follow The City Lights’ Lo mejor: ‘Holy Water’, ‘SGL’, ‘AZ’, ‘Knowme’, ‘Drive’ Escúchalo: Spotify
Allie X, una de las artistas de pop comercial más interesantes de la actualidad, autora del notable ‘Collxtion II‘, que incluía la fantástica ‘Casanova’, una de las mejores canciones de 2017, vuelve en otoño de 2018 con un nuevo EP titulado ‘Super Sunset’, del que revelará un tema nuevo cada mes. Tras ‘Focus’, el segundo en darse a conocer ha sido ‘Not So Bad in L.A.’.
En tiempos grotescos para Estados Unidos, que en el pop se están documentado de manera especialmente deprimente en temas como ‘Chained to the Rhythm’ de Katy Perry, ‘We Are…’ de Noah Cyrus con MØ y, más recientemente, ‘Love It if We Made It’ de The 1975, ‘Not So Bad in L.A.’ ofrece un retrato igualmente inquietante de una ciudad que “vive mientras sus brillantes estrellas mueren”, y en la que “empiezas a hacerte mayor en cuanto cumples 25”. “¿Adónde más puedes ir cuando tienes esa ambición?”, se pregunta Allie X, consciente no obstante de que Hollywood es incapaz ya de disimular su decadencia con el humo y el espejismo que ofrece la más importante industria del entretenimiento.
Este oscuro análisis de Los Ángeles, en la que Allie X observa a los “fantasmas de los noventa caminando por las calles” y a “las chicas de la playa de Venice mordiéndose los labios en busca de un polvo rápido”, se traduce en una canción intencionadamente inexpresiva en su interpretación, en la que una frase como “angels all left, but we’ll stay, it’s not so bad in L.A.” suena a una mezcla entre autoengaño y conformismo ante el fracaso. La producción del tema sirve a un ritmo cercano al trap y actúa en correspondencia con la letra, presentando su sonido una fusión de vocoders y distorsión lo-fi muy poco habituales en canciones pop. Una distorsión que contribuye a realzar la oscuridad de la letra de ‘Not So Bad in L.A.’ y por tanto a potenciar su retrato de esa ciudad en la que no es oro todo lo que reluce. Tras la que hay mucha más mierda de la que nadie pueda reconocer.
Uno de los mejores discos de 2017 fue claramente el de Mura Masa, el joven británico que reunió en un debut impecable su gusto por la electrónica de baile de producción fina con canciones de carácter experimental, influido por sonoridades de varios puntos del mundo y sobre todo muy veraniego, en canciones que a día de hoy siguen sonando frescas como ‘Nuggets’ con Bonzai, ‘1 Night’ con Charli XCX o ‘Firefly’ con Nao.
Precisamente con la autora de ‘For All We Know‘ ha vuelto a colaborar Alex Crossan en su nuevo single, ‘Complicated’, que ha llegado este viernes a las plataformas de streaming, destacando holgadamente entre la maraña de lanzamientos gracias a su irresistible ritmo, una co-producción de Mura Masa y Skrillex, y sobre todo a la interpretación vocal de una Nao que no puede cantar mejor, mientras lamenta que el chico en el que está interesada es “demasiado complicado” acompañada de guitarras funk, sabrosas percusiones metálicas y sobre todo una base principal que claramente se instala en la moda tropical actual, pero sin sonar a fotocopia.
Son varias las canciones tituladas ‘Complicated’ que ha producido la historia del pop, desde el clásico de Avril Lavigne hasta aquel “album track” de Rihanna que dividía a sus fans. El de Mura Masa busca hacer bailar al público sin complicaciones y de hecho su estribillo “you’re so complicated” es de todo menos sesudo, pero sí absolutamente efectivo. Desvistiéndose ante una luna llena, Nao nos canta: “te exalto profundamente”, y escuchando ‘Complicated’ está claro por qué.
A poco menos de un mes de que llegara a las tiendas ‘Treat Myself’, el nuevo álbum de Meghan Trainor, del que se han conocido hasta cinco singles, la cantante ha decidido suspender su lanzamiento, tal y como ha informado a través de una publicación en Instagram. ‘Treat Myself’ se esperaba concretamente para el 31 de agosto.
“Este año ha sido el más emocionante de toda mi vida”, ha escrito Trainor. “Me he comprometido con el amor de vida, Daryl; he tenido la oportunidad de pasar un rato con Diddy, DJ Khaled y Fergie en The Four, y he publicado cinco canciones nuevas con las que estoy absolutamente obsesionada. Estoy en un lugar tan bueno y no puedo parar de escribir… así que he decidido posponer mi nuevo disco hasta que saque todas las canciones que tengo en mi cabeza y las grabe en el estudio. Jamás he estado más emocionada de que escuchéis mi nueva música. Gracias por vuestro continuo amor y apoyo”.
La decisión de suspender el lanzamiento de ‘Treat Myself’ solo puede deberse a la discretísima recepción comercial lograda por sus singles. Se esperaba mucho más del primero, ‘No Excuses’, tras el éxito de ‘No’ y ‘Me Too’, si bien es cierto que el álbum que acogió estas canciones, ‘Thank You‘, se quedó muy lejos de repetir las buenas ventas del debut de Trainor. Pero también es verdad que al menos ‘Let You Be Right‘ mereció más que un top 21 en la lista Adult Pop de Billboard… ¿Tendrá Trainor un verdadero hit entre manos para cuando vuelva a anunciar la salida de su disco?
La segunda jornada de Santander Music se abría con el concierto de Luis Brea (y El Miedo), quien vino como Arizona Baby, que abrían el día anterior, bien cargado de humor. Bromeó sobre meter «un bombo a lo C. Tangana» en una de las canciones, jaleó «¿Quién trabaja para mí? ¡Yung Beef!» en referencia al «diss track» ‘Forfrí‘, advirtió que el madrileño venía «pisando fuerte» quizá después de haber presenciado una prueba de sonido, y cuando fue el turno de interpretar ‘Nueva generación’, su composición que busca a la «nueva reina del pop» y alguien entre el público propuso a Rosalía, respondió que «está muy bien, pero es muy joven todavía». Lo que es más importante, a este petardazo de canción se sumaron más interesantes en su repertorio como la melódica ‘Dicen por ahí’, siempre tan Julio Iglesias, o la coreada ‘Automáticamente’, que ejerció de cierre. Un buen show en el que Luis Brea logró conectar con el público congregado gracias a su empeño en la interactuación.
Monterrosa no pasaron precisamente desapercibidos como dj’s entre concierto y concierto. El dúo formado por Rocío de Las Chillers y Esnórquel DJ realizó una sesión muy particular que decidía arrancar con OBK para luego derivar lo mismo hacia Melody que a La Casa Azul, lo mismo hacia Beth que hacia Depeche Mode, todo ello sin casi nunca llegar a la segunda estrofa de cada canción. El factor kitsch ‘Yo fui a EGB’ lo pusieron sintonías como la de Informe Semanal o Qué apostamos, esta última incluso con su parte «sing along» y sin que fueran las 3 de la mañana sino las diez de la noche. La verdad, no me habría gustado ser Rufus T Firefly y tener que salir al escenario justo después de la sintonía de Qué apostamos, como pasó.
Rufus T Firefly se mueven en directo entre los sintetizadores mágicos de los 80 y la psicodelia de los 60, sin dejar de sonar actuales ni poperos, llevando a las masas (ya han sido top 15 de ventas en España) los sonidos de la banda sonora de ‘Stranger Things’ (‘Demogorgon’) o la discografía de John Maus (‘El halcón milenario’). Aunque cuentan con canciones que pueden sonar a electrónica rockera noventera medio decadente (‘Druyan & Sagan’) o a Sidonie (‘Río Wolf’), hay partes algo planas en su setlist, lo cual es bastante paradójico, pues su sonido no puede ser más orgánico, estar más trabajado ni dar más volantazos interesantes. De hecho su líder dio la clave cuando faltaban unos quince minutos para acabar: «espero que hayáis tenido un buen viaje». Y no, no se refería a los que veníamos de fuera.
Kase.O, uno de los cabezas de cartel, preguntó en un momento dado de su concierto quién en Santander Music le estaba viendo por primera vez. Miles de manos se levantaron, casi todas. El rapero congregó a un público muy voluminoso que recibió muy bien tanto su repertorio, con temas como ‘Esto no para’ o ‘Mazas y catapultas’, como el de Violadores del Verso, sin que faltara ‘Cantando’; aunque faltó algo de dinamismo, algo de sensación de «hit after hit» desde que el concierto decidió retrasarse un cuarto de hora. Tampoco ayudaron los comentarios sociales contra la manada, sobre Siria, a favor de «las mujeres fuertes e inteligentes»… «No es populismo», insistía Kase.O, que puede presumir de haber publicado ‘Ninguna chavala tiene dueño’ hace mucho, mucho tiempo. ¿Pero seguro que no hubo un poquito de populismo en todas esas llamadas? Pese a que el rapero no arrasó como esperaba, hay que agradecer la variedad de su repertorio, con temas disco como ‘No sé qué voy a hacer’ o los pregrabados de Najwa de ‘Mitad y mitad’; y también su dosis de buen rollo en un mundo de beefs que a veces tienen su razón de ser pero otras es puro eye rolling. «Cuanto más amor das, mejor estás», terminó cantando en ‘Outro’ antes de introducir a C. Tangana dejando claro que no había ninguna rivalidad sobre quién lo iba a petar más.
C. Tangana salió demasiado confiado en su presencia escénica, que es imponente, y en su repertorio, que es incontestable y no deja de sumar hits. Desde la última vez que le vi hace muy pocos meses han salido y sonaron anoche ‘Bien duro’, ‘Traicionero’ y ‘Forfrí’, dedicada a Yung Beef. Antón suele llevar una base de voces pregrabadas sobre las que va cantando por encima, pero anoche se le apeteció cantar más bien poco, marcándose un tedioso playback incluso en alguna parte de ‘Guerrera’ que en verdad corresponde a Dellafuente. Podemos culpar a esas estrellas internacionales tamaño Rihanna que llenan estadios abusando de la segunda línea de pregrabados, pero alguien debería decirles que sí, que está OK llevar una base de voces si no eres Adele y no vas a parar de dar botes en el escenario, pero que un concierto entero de lata no desprende ni el 50% de fuerza o energía que si cantas en directo, aunque lo hagas tan mal como una hiena, que además no es el caso. A su favor hay que decir que su comportamiento, bailes y poses sobre el escenario ya son de estrella absoluta (por supuesto hubo «speech» sobre cómo montó AGZ y se ha hecho un camino en la industria); y que el repertorio de éxitos es quizá el mejor que hay ahora mismo en este país: ‘De pie’, ‘No te pegas’, ‘Pa que brille’, ‘Persiguiéndonos’ con las strippers, ‘Inditex’, ‘Cuando me miras así’, ‘Still Rapping’, ‘Mala mujer’, la versión extended de ‘Llorando en la limo’… una colección de éxitos de no dar, mientras parte del público le sigue haciendo de menos por razones desconocidas. Hubo gritos a favor de Yung Beef y mucha gente vitoreando a Kase.O en clave de humor… pero de repente empezaba ‘Mala mujer’ o ‘Llorando en la limo’ y bien que se las cantaban y bailaban.
Antes de que la noche se cerrase con Instituto Mexicano del Sonido, hubo un concierto de Las Chillers en el escenario pequeño del DJ set. El grupo se mostró muy agradecido por la buena recepción de un show en el que siguen cabiendo versiones de ‘Duro de pelar’, Gala, ‘Atrévete’ o ‘Como yo te amo’, apelando al fin de los prejuicios en el «indie». La viveza de su batería, por cierto, no le habría venido nada mal ni al show de C. Tangana ni tampoco al de Kase.O. Embutidos en monos naranja, los miembros de Instituto Mexicano del Sonido sí ofrecieron un buen fin de fiesta lo mismo tirando de sonidos latinos, que de DFA, el rap, la cumbia o los sintetizadores a lo Kraftwerk/Aviador Dro, logrando que el público se arrancase a cantar incluso canciones que no conocía, como fue el caso de su hit ‘México (ra-ra-ra)’. Por cierto, ¿en un momento dado dentro de una canción cantaron «hagamos una banda que suene a C. Tangana» o fueron ideas mías?
El trío castellonense Lula ha llegado a su quinto disco escogiendo el camino de la autoedición tras cuatro entregas en Lucinda Records. El álbum no llegaba en el momento más adecuado para un lanzamiento nacional, un 20 de noviembre, con el mundo inmerso en listas de fin de año y especiales navideños; y tampoco ha evitado que pase desapercibido la existencia de dos páginas de Facebook y, lo peor, dos perfiles diferentes en Spotify. Hay uno para las canciones nuevas y otra para las viejas bastante confuso a su vez, un problema que también afectó recientemente a Ataque de Caspa, aunque estos fueron capaces de solventarlo.
En cualquier caso, lo importante es que Lula no han «perdido el mojo» en contra de lo que asegura Pat Escoín en ‘Seres de luz’. Claro que esta es la pista final del álbum y para cuando hemos llegado ahí ya nos ha quedado claro que ‘Vida salvaje’ es un álbum que conserva el gracejo de la banda intacto. Han pasado tres años desde que lanzaran la que era su última entrega hasta ahora, ‘Viaje a Marte‘ (desde entonces Félix ha sido padre y la ex líder de Los Romeos ha estado centrada en su otro proyecto Los Amantes), pero el grupo mantiene gran parte del garbo de su primer álbum, sin parecerse particularmente a aquel.
Por supuesto hay temas que podríamos emparentar con el álbum que traía singles como ‘California’, y ‘Los hunos’ (aka «Croquetas»), un tanto Loquillo, es un ejemplo; pero en general se nota cierta intención de radicalizar y encontrar nuevos matices en las guitarras eléctricas, que ahora se asoman a los R.E.M. de ‘Monster’ en ‘Disco Pub’ o, lo que es lo mismo, el indie rock americano de unos Sonic Youth, unos Pavement y unos Yo La Tengo en ‘La diva’; o a Hole en ‘El momento’.
Esta última canción es además muy significativa pese a sus menos de dos minutos de duración. Si bien el amor vuelve a servir para adherirnos a sus canciones, aunque sea para chinchar desde el despecho (“lo que he sido yo lo admiro / lo que has sido… no”, dice ‘La chica del grupo’); hay varias canciones sobre la libertad femenina y ‘El momento’ es una de ellas. Cuando el «¡Qué sola estoy en este momento preciso / qué sola estoy en mi colchón de soledad!» parece una queja, se concluye: «No necesito nada más. Voy a ser yo misma y nada más». El mismo mensaje de la un tanto Patti Smith circa ‘Dancing Barefoot’ ‘El domingo después’. Los Lula que tanto nos han incitado a follar siguen vivos en ‘Disco Pub’ (“no apagues la luz, que quiero verte bien”), entregando «growers» como ‘La ciencia’ o ‘Bien bien’, pero sus canciones celebran también la libertad.
Calificación: 7,1/10 Lo mejor: Black Rebel Motorcycle Club, Loquillo, Hole Te gustará si te gusta: ‘La chica del grupo’, ‘Disco Pub’, ‘El momento’, Bien bien’ Escúchalo: Spotify
Si el verano pasado no dejamos de escuchar ‘Slow Wine‘, este verano no hemos dejado de hacer lo mismo con ‘Worldwide Angel‘, la segunda mixtape de la catalana Bad Gyal que, una vez más, está dando más bolos fuera de España que dentro durante estos días. Antes del verano (antes de ‘Más raro’), tuve la oportunidad de hablar con Alba Farelo en un hotel de Madrid. La cantante me atiende con un pañuelo en la mano, ultra acatarrada, acercándonos a los detalles de su música, a cómo llegó al dancehall o a sus artistas favoritos de reggaetón. Bad Gyal actúa este domingo 5 de agosto en Arenal Sound.
¿Cuál ha sido la diferencia entre trabajar con Dubble Dutch y trabajar con El Guincho?
A Marc (Glasser, Dubble Dutch) le gustan las cosas a su manera, tiene los conceptos muy claros. Con Marc he cedido más, le interesa llevar mis canciones más hacia el hit, hacia el pop. Yo no es que no quiera hacer hits, pero si pongo una barra ahí, para él ya no es un hit… Las melodías y las letras son todas mías. Lo que pasa muchas veces es que tengo dos hooks, o tres. Hay demasiadas barras, como en ‘Tra’ o en ‘Candela’. Quitaba barras que a Marc no le gustaban, las que le rompían el hit. He tenido que lidiar con qué se queda, qué se va… empezaba una discusión. Y Guincho me ayudaba más a sacar lo que yo quería, lo que ya había en las canciones. También hay más productores y he grabado en casa, sola, tranquila, como yo he querido. Lo hice a mi manera.
¿Con Dubbel Dutch has trabajado a distancia por mail? ¿Os habéis conocido?
Vino el verano pasado, y luego estuvimos 3 o 4 días en un estudio en Barcelona. He aprendido muchas cosas trabajando con él. Sé mucho más de grabarme que cuando empecé. Sé mejor por mí misma cortar lo que no me interesa. Pero yo valoro que él quiera trabajar conmigo, y tengo que confiar en él. Tuvimos enfrentamientos porque hay cosas que no quiero delegar porque es mi mixtape. A veces sí que cedo y lo acepto. Es una suerte, aprendo de ellos sin dejar de saber que yo les aporto a ellos también.
¿Cómo llegaste a él?
Le escuchaba sin saber quién era porque hizo temas en el disco de hace años de Popcaan, ‘Where We Come From’. Fui a verlo cuando vino. Me escribió: «¿Quieres currar conmigo?». ¡Claro que sí!
Se ve mucho que te salen varios hooks, muy claro en ‘Fiebre’.
Se me dan peor las intros, las primeras barras (las estrofas). Se me dan mejor los «hooks». «Cuando estamos en el dancefloor» (canta). Se me quedan mucho los estribillos. Si me gusta una canción, me sé la canción enseguida, la letra, aunque sea en inglés. Bea (Pelea), una amiga, me dice que a ella le pasa al contrario. Siempre me ha gustado cantar desde pequeña y supongo que por eso me será más fácil.
¿Has pensado en escribir para otras personas?
Ahora no quiero vender eso pero quizá en el futuro.
«No sé qué es un disco y qué es una mixtape. Era lo que yo sentía que tenía que hacer, no otro ‘Slow Wine’. Otro asentamiento de mi sonido»
Dices que ‘Worldwide Angel’ es una mixtape, pero para mí es un disco, con su intro, los singles al principio, la segunda mitad un poco más rara…
No sé qué es un disco y qué es una mixtape. Cuando yo haga un disco, no sé qué va a ser, porque me dicen que mis mixtapes son discos. Tampoco sé mucho la diferencia. Era lo que yo sentía que tenía que hacer, no otro ‘Slow Wine’. Otro asentamiento de mi sonido.
Por ejemplo en las mixtapes de The Weeknd había problemas con los samples y se lanzaba gratis, pero ahora se ha diluido la diferencia, sí. ¿Tú has cuidado la secuencia, verdad?
Sí, pero son súper diferentes los temas, es otra de las cosas que me gusta.
‘Blink’ es extraña, ¿por qué fue el single?
Porque la grabé primero (risas). No, mentira, porque pude montar el videoclip guay primero. Iba a salir ‘Internationally’ antes, pero al final no pudo ser. (‘Blink’) es rara. No es una canción que se parezca a nada que haya escuchado. Tiene mezcla de cosas. Pero me gusta.
«Me encanta ‘Fiebre’, cada vez me gusta más. Es buenísima. Flipo que la escribí con 18 o 19 años»
¿Querías evitar deliberadamente otro ‘Fiebre’?
Para nada, me encanta ‘Fiebre’, cada vez me gusta más. Es buenísima. Flipo que la escribí con 18 o 19 años.
Muchos artistas de pop escriben sus mejores temas muy jovencitos, ¿tienes miedo de perder esa frescura?
Sí que es un miedo, pero de momento no me pasa (risas), o sea que estoy tranquila.
‘Blink’ está en la segunda mitad «rara» del disco. Háblame de esa segunda mitad.
No me sé el orden del disco (piensa). Es el trozo más oscuro. No solo hago «Fiebres» o «Internationallys». Me siento cómoda con otras cosas. «Moto» está al lado de ‘Blink’ y no se parece nada y a su vez tampoco se parece a ‘Realize’. Podemos decir que son temas más oscuros, pero no que los 3 se parezcan.
Si no te sabes el orden del disco tampoco pensaste mucho el orden, en contra de lo que yo creía…
No me lo sé porque soy una fumada (risas), pero lo escogí yo. Si me la sudase tanto estaría ‘Blink’, luego ‘Internationally’, luego ‘Realize’… Tiene sentido que estén todos esos temas (más oscuros) ahí juntos.
«Soy súper segura pero porque he sido antes insegura y he tenido que encontrar cómo salir de ahí»
En ‘Internationally’ hablas de «bolos llenaos», es como cuando los raperos hablan todo el rato de su valía, denotando en verdad inseguridad… No sé si te da esa sensación de que estas autoafirmaciones ocultan inseguridad.
Como que de decirlo, decirlo y decirlo… ¿no? Sí, y lo he dicho. Soy súper segura pero porque he sido antes insegura y he tenido que encontrar cómo salir de ahí. Me viene de cosas chungas, que me han hecho sentir mal conmigo misma. Hice música para hacer un break de mi vida anterior, de la necesidad de sentir que yo valía para algo. O sea que sí es un reafirmamiento.
¿A qué tipo de cosas chungas te refieres?
Cosas que puede vivir cualquier persona de mi edad. Una relación súper tóxica. Un trabajo de mierda. Que las cosas le salgan mal. Que su familia no la considere exitosa. Que no consigues nada en la vida. Una sensación de diversas cosas.
Flipé cuanto vi quién era tu padre (el actor Eduard Farelo), por cierto, yo me tragué entera ‘¿Hay alguien ahí?’ y leí que es un actor famoso en Cataluña.
¿’Hay alguien ahí’?
Una serie de miedo.
(bosteza) No veíamos mucho la tele en mi casa.
¿Tu familia entonces no te entendía mucho?
Mi familia no entendía mucho las cosas que a mí me gustaban.
«Era un poco capullina. Es normal que mis padres me diesen caña»
¿Y ahora mejor después de tanto éxito?
Sí, vinieron a un concierto, y muy guay. A mi padre le cuesta más, preferirá siempre hacerte una broma. Pero el último día no se aguantaba más y me lo decía. Supongo que estará orgulloso. Yo lo agradezco un montón. Tengo muchos hermanos y nos llevamos muy pocos años. Siempre ha sido una familia muy grande y muy unida y he aprendido cosas que no habría aprendido de otra manera, cuando están bien las cosas y cuando están mal las cosas. Yo era un poco capullina. Es normal que mis padres me diesen caña. Tenía colegas que sus padres les daban 20 euros para porros y a mí no me daban nada. Yo quería ser al que le daban los 20 euros, pero ese colega al que se los daban sigue en mi pueblo y yo en cambio estoy aquí. A los 15 empecé a currar y ya está.
Sí, he leído que has tenido todo tipo de trabajos.
Mucha gente empieza a esa edad.
¿No estudiaste?
No. Bueno, sí, estudié hasta los 18.
No te gustaba…
No mucho, no se me daba mal, pero no, no me gustaba. Por eso mis padres me metieron un poco de caña. Empecé a currar a los 15, siempre he sido independiente, mis padres no podían cubrir cosas y yo me lo buscaba como podía.
También la relación con tu familia imagino que es más difícil cuando cantas con un componente sexual y sobre drogas. Si fueras como Adele, me imagino que sería más fácil.
Antes de cantar yo ya tenía esa situación en mi casa, a ningún padre le gusta que su hija se pase la vida en la plaza fumando porros. Se preocupa. Es su hija. Y encima te has puesto a cantar. Si no me conociesen de cómo era, hubiera sido súper raro, pero ya sabían la situación que había, saben que no lo voy a dejar de hacer.
Te parecerá una gilipollez, pero me encanta la inclusión de la palabra «toto» en tus letras. Me funciona de gancho.
¿De gancho? (risas)
No sé si hay un poco de machismo por mi parte ahí, porque no me da la risa cuando C. Tangana canta «quiero una mamada», me parece «quiero una mamada» y ya está. Pero me da la risa con lo del «toto». ¿Te parece algo sexista?
Será porque no estás acostumbrado a escucharlo. Un chaval que usa «toto» todos los días, como mis colegas, no se ríe.
He leído que te sorprendía que fuera gente mayor a tus conciertos. También hay muchísimo gay.
Hay de todo, gente mayor y madres, gays y mujeres de su casa y todo.
¿Y te sorprendía ver gente que no fuera de tu edad, verdad?
No me sorprende, porque como veo tantas cosas diferentes… ya no me sorprende nada.
También supongo que al ampliar aforos y demás es porque estás llegando a más público…
Claro. Se va haciendo más grande y accedes a más gente.
¿Cómo preparas ese directo con bailarinas, etcétera?
En una sala. Preparamos los bailes sobre todo. Además, ahora hay muchísimo más baile, trozos dedicados solo al baile, todo son steps de Jamaica, córeos montadas, y eso requiere aprendérselo. Pero me encanta hacerlo.
Ahora has podido verlo en Jamaica, pero supongo que has visto muchísimo en Youtube.
Claro, yo había visto todo en Youtube, vídeos de fiestas enteras grabados con el móvil, seguía a las bailarinas en Instagram. Y todo era tal cual lo había visto. Me acuerdo con 14 años hacer todo eso cada día, me entraba la obsesión y no conocía a nadie que le gustara esa música. Iba al bar de mi pueblo, pedía las canciones, me volvía loca cuando las ponían, la gente no entendía nada y era necesidad pura de sacarlo.
¿Por qué crees que te atraía tanto Jamaica?
¿Por qué te gusta el fútbol? Pues igual. No sé de dónde viene, es un ritmo que se me mete. Yo descubrí a Sean Paul a los 8 o 9 años, ese fue el pistoletazo. Estaba promoviendo ‘The Trinity’, pusieron un videoclip en la tele y me quedé: «¿qué coño es esta música, por favor, por favor?». No era inglés, era «patois», no sabía que eso era dancehall. Tenía 13 o 14 años cuando ya contextualicé. Hasta entonces no sabía qué estilo era, supongo que pensé que era hip-hop. Cuando descubrí Mavado, Kartel, Bounty Killer… lo relacioné con eso. Eso es lo puro de lo que yo escuché. De ahí viene el álbum de Sean Paul.
¿Algún artista famoso que te haya sorprendido que sea fan, como Charli XCX?
Me sorprendió que en Jamaica recibo mucho apoyo y eso es lo que más me gusta. Me dicen que les encantan las melodías, que no entienden nada, pero que les encanta (risas).
La verdad es que no te imagino preocupada por las críticas internacionales, leyéndolas…
Pitchfork sí, no sabía lo que era, pero me puse al día. Sé las cosas que me importan.
¿Y qué son?
Jamaica me importa, Charli XCX no. Voy a ser honesta: no la he escuchado. Ella me parece súper maja y le dije que muchas gracias. No es en plan mal rollo. Pero no es lo que yo escucho.
«¿Qué disco español de 2017 está en Pitchfork? Sólo Bad Gyal»
Ya que has mencionado Pitchfork, pensé que le iban a dar más puntos a tu mixtape. Creo que se les han perdido cosas con la traducción, por ejemplo la parte «estoy triste, no dejo de pensar en qué piensas», me parece de lo mejor del disco, y no sé si habrán reparado en ello.
Yo mientras esté allí a mí ya me vale. ¿Qué disco español de 2017 está en Pitchfork? Sólo Bad Gyal está en Pitchfork. No espero que entiendan. Mientras esté allí, los puntos me la pelan (risas).
¿Qué tal va la gira?
Muy bien, he flipado, vendí todo en Nueva York, gente cantando una mixtape que había salido hacía una semana.
¿Qué tipo de público va a verte?
Mucho latino y después público del mundo del arte. Si vas a Los Ángeles, mucha gente de la música, de la moda…
¿Qué canciones latinas te han gustado últimamente?
¿Jevis? ¿Muy potentes?
Sí, famosas.
Me encanta el reggaetón. Me encantan Jowell & Randy. Estoy esperando mucho, mucho el álbum de Plan B, que se está retrasando, no sabemos lo que está pasando. Soy muy fan de Plan B. Me encantan porque evolucionan, pero no necesitan el latin trap para seguir en la ola. Son muy buenos. Jowell & Randy por lo mismo, siguen en su esencia. Me encanta De la Ghetto, no sé cuántos años tiene, pero canta bien en ritmo de dembow, de ragga, de reggaeton, en uno más oscuro, vas a un bolo suyo y lo canta bien todo en directo. No me gusta mucho el latin trap pero si escucho latin trap es algo suyo (risas).
¿Con quién te gustaría colaborar?
Con Soto Asa, voy a hacer algo con él, estamos en ello.
¿Vas y vienes de Twitter? No me aclaro mucho con tu cuenta.
He estado gilipollas y he vuelto a abrirlo dos veces, pero me he quitado.
«Me gusta saber que algo es de verdad y Twitter me parece lo contrario. (Tengo) un curro en el que estamos atados a redes, a algo que no es la realidad»
¿Por comentarios? Nosotros hemos borrado alguno súper desagradable sobre ti de la web.
No, no, no por comentarios que me sienten mal. Veo que no es la realidad, es como un bar de borrachos, luego a la cara, no te dicen nada. Me gusta saber que algo es de verdad y Twitter me parece lo contrario. Y me daba una información que no era 100% real… Yo salía a la calle y no notaba lo mismo en la vida real. ¿Y qué sentido tiene poner todo lo que pienso? Ya se lo contaré a una amiga. Qué le importa a la gente lo que yo opine de algo. Y qué me importa a mí lo que opine la gente. Ya sé que como artista no es la mejor decisión. Es un curro en el que estamos atados a redes, a algo que no es la realidad, pero justo lo que me pueda quitar me lo quitaré.
Por cierto, no conocía yo el Don Julio y tiene mucha gracia la mención en ‘Candela’. El culo «empapao en Don Julio». ¿Fue una experiencia real?
Es tequila. Cuando grabamos con Marc, su mánager y su colega, Joaquín, que es peruano, estaba siempre bebiendo tequila y cosas así. Mientras grabamos la tajamos a Don Julio (risas).
Sinéad O’Connor anuncia hoy a través de la versión irlandesa de The Sun sus nuevos planes como Magda Davitt, como desde hace unos meses se hace llamar tras haber asegurado que Sinéad «ha muerto»
El reconocido productor de electrónica David Holmes, que hace poco ha trabajado con Noel Gallagher, logrando una nominación al Mercury Prize 2018, es quien se ha encargado de la música del nuevo tema que podemos oír hoy, mientras que Magda Davitt se ha encargado de la melodía y de las letras. Hoy se comparte un tema en formato demo llamado ‘Milestone’ a través del citado diario, del que se destaca la frase «he dormido en la caseta del perro / porque no me has dejado usar el iPad». Musicalmente, se podría parecer a la faceta cantautor del colega de la cantante John Grant, además de a la propia artista.
El álbum ya tiene un nombre, ‘No Mud No Lotus’, pero no se espera para antes de octubre de 2019, pues la artista aún tiene que trabajar con otras personas en este disco. En cualquier caso, esta es la primera música que escuchamos a la cantante antiguamente conocida como Sinéad O’Connor después de que desapareciera en un par de ocasiones, temiéndose por su vida especialmente a finales de 2015.
Y hoy el productor es noticia por una entrevista que ha concedido a El Mundo, en la que, hablando de talent shows, critica la doble moral que hay en torno a lo latino, tema que trata en otro punto de la entrevista. Y termina diciendo que quien haga rock «no se comerá un torrao». Estas son sus palabras: «es un poco raro que todos estos programas los ganen cantantes alejados de la música urbana y, cuando salen, los pongan a cantar precisamente eso. Otra vez la doble moral. No puede existir ese desajuste con la realidad. A esos artistas los tienen que ir preparando para lo que viene. Si los ponen a cantar rock, se van a comer un torrao. Hoy si quieres llegar a las masas tienes que hacer reguetón». Os recordamos que hace unos meses hicimos un par de artículos sobre la supuesta muerte del rock.
En otros puntos de la entrevista Juan Magán cuenta cuándo empezó a dedicarse a esto («cuando me pagaron por una canción más que lo cobraba trabajando en un almacén de ropa interior femenina»), habla de la nueva música urbana («Hay nenes que están haciendo musicón con medios muy precarios») y recomienda a Ana Guerra que se piense su colaboración con Maluma por su supuesto machismo («A Ana le recomendaría que se lo pensara. Yo también hice canciones cuando era joven diciendo cosas absurdas»).
Margot Loyola fue una folclorista chilena cuyo trabajo como intérprete y en el ámbito de la etnomusicología fue fundamental en el descubrimiento, recopilación y difusión de la canción popular chilena. Loyola fue, junto a Violeta Parra y Gabriela Pizarro, la gran investigadora de la canción popular en Chile y del resto de América Latina.
El cantautor chileno Gepe, autor de canciones tan emocionantes como ‘Invierno’ y recientemente del disco ‘Ciencia exacta‘, dedicará su próximo álbum a estas canciones descubiertas por Loyola, a quien conoció en 2013, dos años antes de su fallecimiento un 3 de agosto de 2015. Y precisamente hoy, cuando se cumplen tres años de la muerte de Loyola, Gepe estrena el primer avance de ‘Folclor Imaginario (canciones recopiladas por Margot Loyola Palacios y algunas otras que parten desde ahí)’, ‘El volcán’, una preciosa habanera tradicional que Gepe eleva gracias a su anhelante y apasionada interpretación de un hombre enamorado, en frases tan melodramáticas y sentidas como “tú eres el único ser por quien deliro, ingrata, ay acuérdate de mí”.
Cada viernes, Gepe lanzará un tema nuevo de ‘Folclor imaginario’ hasta llegar al 13 de septiembre, fecha del nacimiento de Loyola, quien hoy habría cumplido 99 años. Uno de los temas originales que incluirá el álbum, ‘Joane’ será un homenaje a Joane Florvil, la joven madre haitiana trágicamente muerta el invierno pasado tras ser falsamente acusada de abandonar a su hija de 2 años, y el disco recopilará asimismo clásicos de la canción popular como ‘Olvídame’, ‘Hasta cuándo vida mía’, ‘Cuculí’ o ‘Chacharpaya’, además de un par de improvisaciones con Claudia Mena y Gianluca.
El pianista británico James Rhodes, afincado en Madrid (ciudad a la que dedicaba una emocionada carta a través de El País el pasado mes de mayo), ha publicado una nueva misiva a través de este mismo medio en la que se dirige a Pedro Sánchez, Presidente del Gobierno, para tratar el tema de los abusos sexuales a menores, que él sufrió de pequeño, recordando en el texto que fue violado repetidamente por un hombre durante su infancia y que la ley jamás le protegió debidamente.
Rhodes señala en la carta el trauma que esos abusos le produjeron en su vida, de los que habló detalladamente en su libro ‘Instrumental‘. “He intentado suicidarme demasiadas veces y me he pasado también demasiados meses en instituciones psiquiátricas”, apunta. “He probado todos los medicamentos que las grandes farmacéuticas han tenido a bien inventar, he destruido relaciones, me he autolesionado con rabia y he hecho todo lo que se me ha pasado por la cabeza para intentar detener ese zumbido incansable y violento que me retumba en la cabeza”. El pianista aporta preocupantes datos de Save the Children España que corroboran que la ley sigue sin amparar a los menores en caso de haber sufrido abusos sexuales.
El músico, quien pide abiertamente a Sánchez reunirse con él en persona para hablar del asunto, enumera en su carta posibles soluciones a la falta de protección legislativa que existe actualmente para con los menores que han sufrido abusos sexuales. Rhodes exige, en primer lugar, “una formación obligatoria, unos protocolos y una reforma profunda del proceso judicial para que en los casos de abuso sexual infantil se respeten de verdad los derechos del niño y también sus necesidades particulares”, y también que se apruebe “una nueva ley que erradique la violencia contra los menores y adolescentes, y que se centre especialmente en las medidas preventivas”. La carta completa, aquí.
Rosalía entra al número 1 de JENESAISPOP con su nuevo single ‘Pienso en tu mirá’, lanzado hace algo más de una semana. Además, ‘Malamente’ está en el puesto 2. Las dos únicas entradas en esta semana más o menos tranquila es la de Arctic Monkeys con su último vídeo, y la de Santigold con el primer sencillo de su mixtape, lanzada por sorpresa en mitad del verano. Ya podéis escuchar nuestra nueva lista de novedades y votar por todas vuestras canciones favoritas aquí.
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