El Festival Autoplacer es uno de los más especiales del país, sobre todo para los amantes del pop underground más ecléctico. En su octava edición, que acaban de anunciar, vuelven a demostrarlos con un cartel bastante abierto y heterogéneo. El nombre más popular del line-up es el de Lidia Damunt, la que fuera parte del trío Hello Cuca, que sigue presentando su estupendo disco del pasado año ‘Telepatía’.
Junto a ella, destaca el nombre del rapero El Coleta, uno de los más personales MCs de la escena que, en su kinki-rap, homenajea y actualiza la estética drogo-delictiva callejera de las películas de Eloy de la Iglesia. En las antípodas de este, Autoplacer también programa nuevos combos de pop acústico pero enérgico como Cosmo K o Tronco, la virulenta energía rock de La Plata –que ya están grabando su debut a las órdenes de Carlos Hernández Nombela (TAB, Los Planetas)–, la electrónica sofocante de HUIAS, el pop global de Kou Keri Kou, la canción de autor de Aaron Rux (conocido por sus colaboraciones con Joe Crepúsculo), el punk oscuro de los granadinos La URSS y, por último, los ganadores de la última edición del concurso de maquetas de Autoplacer, VVV.
Como siempre, Festival Autoplacer se celebra en el Centro de Arte 2 de Mayo de Móstoles, con acceso gratuito. Será el día 21 de octubre, entre las 12:00h y las 24:00h.
Coincidiendo con el que tendría que haber sido el 71º cumpleaños de Freddie Mercury, Entertainment Weekly compartía en las últimas horas de este martes 5 de septiembre la primera instantánea que se conoce de Rami Malek -más conocido como protagonista de ‘Mr Robot‘- caracterizado como el líder de Queen para su biopic ‘Bohemian Rhapsody’.
No hay nada más polémico que una caracterización de este tipo, y si no que se lo pregunten a Zoe Saldaña, pero en este caso el asombroso parecido en esta foto entre Rami y Mercury ha provocado que la red apoye casi de manera unánime -un verdadero milagro- la deriva de este proyecto. Aunque algunas voces sí llaman a la calma, pues aún hay que ver a Malek en acción en la propia película en sí, para empezar porque cantará y en estos momentos está en Abbey Road grabando voces, lo cierto es que hay incluso quien asegura que la nominación al Oscar es posible.
‘Bohemian Rhapsody’ alternará la voz de Rami Malek con la de Freddie Mercury. En cualquier caso, no llegará a los cines hasta finales de 2018, en concreto el día de Navidad, 25 de diciembre. Tratará la vida de Mercury desde 1970 hasta 1985, seis años antes de su muerte, y se ha avisado abiertamente de que no se ahondará en su «lado oscuro» (el artista falleció tras contraer el sida), aunque ese «lado» también será «homenajeado».
Holger Czukay, uno de los cuatro hombres que formaron Can en 1968 en la Alemania occidental, ha muerto a los 79 años. Holger se encargaba del bajo del mítico grupo de krautrock mientras Irmin Schmidt lo hacía de los teclados, Michael Karoli de la guitarra -fallecido en 2001-, y Jaki Liebezeit -fallecido en enero de este año– lo hacía de la batería. Le han encontrado muerto en su estudio en las proximidades de Colonia, donde vivía. La causa de su fallecimiento no se conoce.
Holger Czukay fue miembro de Can desde su fundación en 1968 hasta 1977, participando por tanto en los álbumes clásicos de la banda, como su debut ‘Monster Movie’ o en los seminales ‘Ege Bamyasi’, ‘Tago Mago’ o ‘Future Days’, que junto a la obra de Neu! han sido constantemente citados como influencia en cuanto cualquier artista sonaba muy ligeramente a kraut.
Czukay, quien decidió ahondar en los caminos de la experimentación tras escuchar ‘I Am the Walrus’ de los Beatles en 1967, y descubrir a posteriori a la Velvet y a Frank Zappa, colaboró también en la reunión de Can en 1987, si bien no en las puntuales posteriores. También desarrolló una carrera en solitario, siendo considerado un pionero además de en el krautrock y el rock psicodélico, en el ambient, en la world music y en técnicas de sampling. También ha colaborado con gente como Brian Eno, The Edge, Jah Wobble, David Sylvian de Japan, Eurythmics o U.N.K.L.E. Su disco de estudio más reciente data tan sólo de 2015 y recibía el nombre de ’11 Years Innerspace’.
El mundo entraba en pánico después de que un nuevo teaser de Michael Jackson con el nombre de ‘Scream’ -como el de su hit con Janet Jackson- apareciera en las redes sociales. También algunos seguidores alemanes avistaban carteles de un álbum llamado ‘Scream’ del artista, anunciado para el viernes 29 de septiembre. Algunas voces se alzaban esperanzadas hablando de un nuevo disco póstumo del artista tras la buena aceptación de ‘XSCAPE’. Sin embargo, esto se ha desmentido ya.
Una versión en 3-D del icónico ‘Thriller’ de John Landis se ha presentado en el Festival de Venecia y allí el responsable del legado de Michael Jackson, John Branca, ha aclarado: «Tenemos ‘Thriller’ en 3D y habrá dos anuncios más en el próximo par de semanas». Variety le pregunta si un disco de material inédito es posible, pero él dice que no: «No veo que vayamos a sacar nada más de música inédita durante un tiempo. Pero eso no significa que no vayamos a sacar más lanzamientos interesantes en un futuro cercano».
Finalmente, un día después de saltar la noticia se ha confirmado la edición de ‘Scream’, una «colección de 13 electrizantes clásicos bailables de Michael Jackson entre los que se encuentran Ghosts, Torture, Thriller y Dirty Diana. Además, SCREAM incluye el bonus track “Blood on the Dance Floor X Dangerous”, un mash-up de alto voltaje del reconocido remixer The White Panda que ofrece una experiencia musical totalmente única». El disco sale el 29 de septiembre mientras que el doble vinilo llegará a tiempo para Halloween el 27 de octubre. El Mash-Up se estrena en Shazam y pasará poco después a las plataformas de streaming.
Este será el tracklist según la nota de prensa de Sony:
1. This Place Hotel
2. Thriller
3. Blood On The Dance Floor
4. Somebody’s Watching Me
5. Dirty Diana
6. Torture
7. Leave Me Alone
8. Scream
9. Dangerous
10. Unbreakable
11. Xscape
12. Threatened
13. Ghosts
Bonus Track: Blood On The Dance Floor X Dangerous (The White Panda Mash-Up)
Hola Chica es una banda de Barcelona fundada en 2012 por Alex Guerra (voz y guitarra rítmica) y Lucas Codes (bajo) que, tras dejar atrás el nombre Guesstimate, ampliaron su formación con David Gómez (batería), Víctor Alarcón (sintetizadores) y Victor Tomás (guitarra solista), para consolidar una propuesta que reconoce influencias de Metronomy, Foster The People, Tame Impala o Air. Son las que se respiran en su debut de finales del año pasado ‘Magnetism’, un disco autoeditado de pop rock elegante y sofisticado, de factura impecable y que también invita a pensar en los Wild Beasts más coloridos o los Grizzly Bear más poperos.
El tema estrella de ese disco es ‘Radio Girl’, que ahora es objeto de un videoclip que hoy presumimos de estrenar en exclusiva en JENESAISPOP Y lo de presumir no es una forma de hablar, porque realmente estamos encantados de poder mostrar antes que nadie una pieza visual tan ingeniosa que, ante un presupuesto limitado, hace valer la imaginación del director Jorge Croissier y su equipo.
El clip es un minucioso trabajo de stop-motion que, desde la modestia, ofrece unos resultados visuales extraordinarios, a un nivel que no cuesta comparar con las maravillas de OK Go o con aquel clip de Mochel Gondry para ‘The Hardest Button To Button‘. Jugando con las distintas morfologías, vestuarios e instrumentos de los miembros de la banda –además de “la chica de la radio”, por supuesto–, el grupo y los creativos construyen un puzzle que, de manera increíble, parece no agotarse en ningún momento. Quizá por eso es irremediable no despegar los ojos de la pantalla en sus algo más de cinco minutos de duración, que culminan en un imperdible grand finale. Una gran manera de hacerse hueco en el apretado panorama independiente del país, sin duda.
Hola Chica siguen presentando ‘Magnetism’ por todo el país: el 22 de septiembre están en la sala Taboo de Madrid (filmación de Balcony TV); el día 1 de octubre, en la Sala Underground de Barcelona; el 16 de noviembre, en la Boite de Madrid; y el 1 de diciembre en el Teatre BARTS de Barcelona.
Lana del Rey ha borrado todas sus fotos de Instagram y la mayoría de sus tuits. En Twitter solo han quedado unos mensajes random de promoción de sus discos y en Instagram, la absoluta nada. El movimiento recuerda al realizado por Radiohead y Taylor Swift, o en España Malú, inmediatamente antes de lanzar o anunciar un disco nuevo, pero el problema es que Lana del Rey acaba de lanzar un nuevo álbum, ‘Lust for Life’, hace poco más de un mes y medio, por lo que no tiene sentido.
A la espera de que averigüemos qué sucede, hemos preguntado a algunos de los participantes de nuestro concurrido foro de Lana del Rey a qué creen que se debe esta extraña decisión, en base a la larga lista de rumores, entrevistas, declaraciones y opiniones que han poblado todos estos años este y otros espacios de internet en torno a la artista. Dardo está convencido de que se acerca algo nuevo: «No sé si gordo al nivel de nuevo álbum, porque acaba de sacar uno, pero algún anuncio sí vendrá detrás». Se explica: «Desde mi punto de vista es sencillo. Las redes sociales son una gran forma de promoción en la actualidad, pero el goteo continuo de información se ha convertido en la norma, por lo que la desaparición momentánea de imágenes o presencia en redes es lo que hace saltar la señal de alarma. Al fin y al cabo, dar que hablar es lo que interesa, ¿no?». Por su parte, Jota_87 es más pesimista: «lo único que se me ocurre es que le haya dado un brote depresivo», algo que no comparte Ricbreaker en una misiva en la que se dirige a Lana: «¿Estás depre, tía? ¿Summertime sadness a primeros de septiembre? No cuela (…) Lo más probable es que sea una ventolera por cualquier cosa y seguro que nos terminamos enterando en breves y riéndonos juntis».
BryanPrieto cree que Lana puede haber sido hackeada, aunque algo no cuadra: «La cuenta honeymoon no ha sufrido modificación alguna, además de que de su twitter también han borrado todos los tweets menos los de promoción de discos… lo que sí lleva a pensar que ha sido ella o su equipo. Ahora ya no sabemos si será para anunciar world tour, el vídeo de ‘White Mustang’, el cual será estrenado muy pronto o si tendrá que ver con otra cosa. Después de 1 mes de haber publicado el disco es muy extraño (…) esto nos parecería normal si lo hubiese hecho al principio de una era, no en la mitad de una». Llamarsernesto opina: «De ser un anuncio de algo, ojalá una gira mundial; pero igual no le pasa nada, que con Lana nunca se sabe. De cualquier forma, la modita de borrar todo me da más pereza que interés».
En el propio foro de Lana del Rey AdriEv ha barajado la posibilidad de que Lana anuncie ya el disco de canciones inéditas y filtradas en la red que sus fans le piden a gritos a modo de recopilatorio, aunque Marcos2020 entendió ese disco más como «un regalo de Navidad». En cualquier caso, Bryan Prieto concluye también en ese hilo: «Esta noche actúa en San Francisco, veremos qué tal anda».
Ryuichi Sakamoto ha concedido una entrevista a El Mundo con motivo de la presentación del documental que se presenta en Venecia sobre él (‘Ryuichi Sakamoto: Coda’), y en ella ha hablado sobre un cáncer del que ya se ha recuperado, su admiración por Godard, su relación con la cultura española por la vía de Almodóvar o de David Bowie, con el que trabajó.
Lo más significativo es que el autor de bandas sonoras como ‘El último emperador’, ‘El renacido’ o ‘Tacones lejanos’ reconoce arrepentirse tanto de la banda sonora de ‘Tacones lejanos’ como de su fría relación con Bowie. Sobre Almodóvar, habla de una noche que pasó con Pedro en Madrid: “Estuve toda la noche con él y otros amigos en sitios tan decadentes como los de sus películas. Era joven. No entendía nada. «¿Cuándo duerme esta gente?», me preguntaba. La verdad es que me arrepiento de lo que hice para él. Ahora me doy cuenta de que no conocía suficientemente ni Madrid ni España. Sé que lo que hice no le satisfizo. De hecho, sustituyó mi música por Miles Davis al principio de la película. No me quejo en absoluto. Sé que hizo lo correcto. Ahora lo entiendo. Una vez, después de un concierto posterior que hice en España, me dijo: «Ahora suenas más español que antes””, cuenta entre risas.
En cuanto a Bowie, narra su decepción cuando, tras el rodaje de ‘Feliz Navidad, mister Lawrence’, le vio totalmente cambiado, convertido en una superestrella, en el estreno de la película. Tras narrar una noche que improvisaron un concierto de guitarra y batería en un bar del sur del Pacífico (“Lástima que en aquella época no existieran los teléfonos con cámara”), indica que le recuerda de manera contradictoria: “Durante el rodaje fue un hombre muy terrenal, no se comportó en absoluto como una estrella. Pero después nos reencontramos en Cannes para la presentación de la película y actuó de modo muy distinto. Ahí sí era una superestrella. Para mí fue un shock, no lo pude entender y eso me hizo distanciarme. Ahora me arrepiento de no haber estado más cerca de él”.
En otra entrevista con El Periódico en la que también deja el mismo titular sobre Almodóvar, habla de la cantidad de tiempo que le costó aceptar la muerte de Bowie, lo mucho que le gustó su último disco y su particular opinión sobre él. «Mucha gente dice que el disco está diseñado a modo de testamento, pero no estoy de acuerdo. A mí me transmite optimismo y sensaciones muy positivas».
También habla de su contribución a los reivindicables Yellow Magic Orchestra, aunque su postura es más bien modesta: «Sabíamos que éramos unos adelantados, pero sería arrogante ponerme ninguna medalla. Kraftwerk y Giorgio Moroder sí fueron verdaderos pioneros».
No hay duda que Moby, en los años 90, fue uno de los nombres más influyentes en la electrónica, toda una inyección para un género que no llegaba tan masivamente al público. Sus temas sobre todo instrumentales, otros con sampleos vocales o incluso interpretados por el propio autor, se fueron colando en la cultura musical de la década abriendo un nuevo horizonte a la industria. Un triunfo que vino por una estratégica campaña de videoclips y la cesión de temas para anuncios publicitarios.
‘Porcelain’, utilizando el título de uno de sus mayores éxitos, es la autobiografía del neoyorquino, que llega hasta justo antes de la publicación de ‘Play’. Un trabajo que en 1999 fue todo un referente por la combinación de techno, gospel o house, llevándole no solo a ventas multimillonarias –en unas fechas sin castigo por la crisis- sino también a cosechar buenas críticas. Esto último solo en parte porque la apuesta del sello Mute –Depeche Mode, New Order o Goldfrapp- por contratar a alguien del otro lado del Atlántico apenas consiguió el aprobado en el medio de Chicago Pitchfork (siendo de los pocos albúmes de Moby que lo han logrado: más de uno de sus trabajos ni siquiera ha llegado al tres sobre diez).
A continuación cinco razones por las que estas casi quinientas páginas son imprescindibles:
1. Los encuentros antes de ser archifamoso con David Bowie, Trent Reznor, Nina Hagen o la sacudida inesperada con Madonna, entre otros. Las preferencias de Moby quedan evidentes: unos están más detallados que otros. El de Bowie se hace especial porque no puede disimular su furia de fan.
2. De todos es conocido el afán de Moby por defender los derechos de los animales, su cristianismo o el veganismo extremo, un lastre que en determinadas salidas nocturnas se hace tan pesado como los collares de Margaret Tatcher. En estas memorias conoceremos el origen de todo su ideario. Nada de un ramalazo en una noche de borrachera.
3. Se hace imposible no buscar vídeos en Youtube después de acabar algún capítulo, conociendo de primera mano las circunstancias que lo rodean. Su primera actuación en el programa musical británico ‘Top of the Pops’ es para sangrar por las costuras.
4. No falta, como en toda noche de fiesta que se precie, los instantes para el coqueteo, los filtreos no correspondidos, la caza furtiva de sexo, cómo se acentúan los temores y la soledad en estado ebrio, el romanticismo, los excesos de alcohol y sustancias, el desfase de horarios o aparecer al otro lado del mundo de tu casa.
5. El repaso a la vida nocturna de Nueva York entre los años 1989 y 1997. Aunque los últimos años él no sale tanto, los primeros son un documento pormenorizado de lo que se bailaba, las salas emblemáticas de la ciudad, cómo empiezan o acaban la sesión dj’s que ya empezaban a ser conocidos o ya lo eran, el tipo de público y como este se mezclaba sin tener nada que ver, el funcionamiento de las tiendas especializadas de música, las preferencias a la hora de vestirse o las vueltas a casa después de la juerga. Hay un episodio difícil de olvidar cogiendo el metro con un motón de amigos.
Finalmente, se hace imposible no adjuntar, ante la abrumadora citación de canciones prácticamente olvidadas, una lista con la banda sonora de parte de esos momentos.
‘Despacito’ ha sido número 1 en Estados Unidos durante 16 semanas, es decir, cuatro largos meses. No hay duda de que el empujón definitivo se lo dio el remix de Justin Bieber, pero también es cierto que la canción ya había entrado en las listas del país norteamericano antes, y que su número de streamings en Youtube era y sigue siendo totalmente escandaloso. El vídeo original, sin Bieber en audio ni en vídeo, es el vídeo más visto de la historia del visor de Google con más de 3.500 millones de visualizaciones.
Aunque es tentador considerar ‘Despacito’ la nueva Macarena, y a nivel popularidad está claro que lo ha sido; no se puede pasar por alto que este éxito no va a ser tan excepcional como el del remix de Los del Río. El sonido latino ha tomado posesión de las listas de éxitos durante los últimos meses y de hecho ya hay varias canciones que han asaltado las listas internacionales, además de por supuesto la española. Estas son algunas de ellas.
‘Mi gente’ de J Balvin
‘Despacito’ no es la única canción latina que Taylor Swift ha desbancado de las listas. Hasta la llegada de ‘Look What You Made Me Do‘, ‘Mi gente’ de J Balvin había sido número 1 hasta 25 días en la lista más importante que hay ahora mismo: el global de Spotify. ‘Mi gente’ lleva en dos meses 264 millones de reproducciones en esta plataforma, además de 646 en Youtube mientras escribo este artículo, 650 al menos para cuando lo leáis. La canción ha sido por supuesto número 1 en España, pero también ha sido número 8 en Reino Unido, número 21 en Estados Unidos, número 3 en Italia y Alemania, número 11 en Francia, etcétera. Nótese que la letra no contiene frases en inglés, aunque sí alguna en francés.
Esto decía de ella J Balvin, probablemente a sabiendas de lo que va a representar este tema en su ya exitosísima carrera: «‘Mi Gente’ es una canción que representa un momento especial en la música, un nuevo sonido que se alza dentro de la música latina y que es aceptado mundialmente. Si eliminamos las barreras de color, raza, continentes, géneros o lenguajes, podemos lograr que el mundo entero mueva su cabeza a un mismo ritmo. Esperamos que “Mi Gente” pueda proveer ese ritmo».
‘Súbeme la radio’ de Enrique Iglesias con Sean Paul
Enrique Iglesias es uno de los damnificados de ‘Despacito’, pues ‘Súbeme la radio’ ha sido número 2 en España y no número 1, por detrás del hit de Luis Fonsi. Digamos que este verano no ha sido el de ‘Bailando’ y que ha estado en segundo plano. ¿Cuánto daría él por otro top 1 en el Billboard Hot 100 como el de ‘Bailamos’? ¿Cuánta rabia le tiene que dar no haber cantado él ‘Despacito’? Pero el hijo de Julio ha estado rápido y ha sido listo subiéndose al carro de los remixes en inglés. Si Fonsi y Daddy Yankee llamaron a Justin Bieber para un remix, él ha llamado a Sean Paul, quien ya añadiera puntos a ‘Cheap Thrills’ de Sia. Como resultado, el tema ha alcanzado el top 10 de las listas británicas, el top 8 en Francia, el top 15 en Alemania…
‘Reggaetón lento’ de CNCO con Little Mix
Merece la pena que sigamos en Reino Unido, pues Reino Unido ha sido siempre uno de los huesos más duros de roer para la música latina. Mientras Europa se rendía a ‘Despacito’, ellos resistían (hasta la llegada de Bieber). Y ahora encontramos una tercera canción rondando nada menos que el top 10. Se trata de una remezcla de un tema que también había arrasado en España (quíntuple platino), ‘Reggaetón lento’ de los latinos CNCO (salidos de un talent show de Simon Cowell), pero con Little Mix (casualmente salidas de un talent show de Cowell). El remix en Spanglish ha sido número 5 en las islas británicas.
Para comprender la envergadura de lo que está pasando, quizá esté bien mirar este dato: la versión original de ‘Reggaetón lento’ (no el remix) supera los 300 millones de streamings en Spotify. Ninguna canción de Little Mix llega a los 200.
‘Felices los 4’ de Maluma
Interesante es el caso de Maluma. ‘Felices los 4’ acumula casi 300 millones de reproducciones en Spotify. ¿Cómo lo logra sin ser top 10 en los mercados cuyas listas siempre han obsesionado al mundo, empezando por Reino Unido? Sus escuchas son monstruosamente altas en países grandes como Argentina, México, España o Brasil, y además recibe tímidos apoyos de Italia, Francia y de la población latina de Estados Unidos, cada vez más numerosa. ‘Felices los 4’ lleva 15 semanas estable en la segunda mitad del Billboard Hot 100 pese a no haber pasado del puesto 48.
Ya son muchas las voces que acusan de racismo a las emisoras de pop del país por no estar reflejando esta realidad social. Parece cuestión de tiempo que las emisoras de pop cedan a los nuevos tiempos, como lo han hecho las españolas (no sin cierta resistencia, por cierto).
‘Me enamoré’ de Shakira
No puedo dejar de cerrar este artículo sin mencionar a Shakira. Para la artista, sacar disco o single principal en castellano o en inglés era una decisión que tomar desde el punto de vista estratégico. ‘Laundry Service’ no habría vendido más de 10 millones de copias de no haber existido la versión en inglés de ‘Whenever, Wherever’. ¡Pero cuánto ha cambiado el mercado desde 2001! Ya apenas 2 o 3 artistas venden 10 millones de discos, parece que la gran tarta está contenida en la escucha de temas sueltos en Youtube y Spotify -al menos a corto plazo- y ahí es donde el castellano ha ganado posiciones. ‘Me enamoré’, tal cual, en castellano, puedo dar fe de que es una de las canciones más pinchadas del verano en Francia, donde ha sido top 13, y arañando un tímido top 100 en UK y USA, suma 100 millones de reproducciones en Spotify, por no hablar de los 400 millones de reproducciones de ‘Chantaje’ con Maluma, que también ha sido top 13 en Francia y top 20 en Alemania.
Con este panorama, no es una opción que su próximo single sea ‘Coconut Tree’, ¿verdad que todos lo entendemos? Está claro, su próximo single se llama ‘Perro fiel’.
Probablemente Spotify y Youtube estén sacando a la luz la importancia del mercado latino, hasta ahora no prioritario por razones geográficas, estructurales, económicas o incluso políticas. Pero lo que está claro es que lo de ‘Despacito’ no ha sido ningún golpe de suerte. Hay muchas otras canciones que están haciendo números absolutamente escandalosos, como ‘Me rehúso’ de Danny Ocean, y la tendencia estilística está muy presente en otros éxitos actuales de una forma o de otra como ‘Wild Thoughts’ de DJ Khaled con Rihanna y sample de Santana o ‘Havana’ de Camila Cabello; o en el parecido entre ‘Taxi’ de Pitbull -un tema de hace 3 años- y ‘Swalla’, el último hit de Jason Derulo con Nicki Minaj. La pregunta es quién será el siguiente en apuntarse un hitazo a costa de todo esto.
La semana pasada ‘Despacito’ de Luis Fonsi y Daddy Yankee, con la ayuda del remix con Justin Bieber, era número 1 en Estados Unidos por 16ª semana consecutiva. Igualaba así el récord histórico de número de semanas en la cima del Billboard Hot 100 regentado por ‘One Sweet Day’ de Mariah Carey con Boyz II Men. Pero claro, esta semana llegaba el single de Taylor Swift a las listas de éxitos, y el récord histórico no ha sido posible. Fonsi y amigos deberán conformarse con un empate en las comparativas históricas. Esta semana pasan al puesto 2.
Como era de esperar, la controvertida ‘Look What You Made Me Do’ asciende al número 1 de la lista estadounidense tras la consecución de 84,4 millones de streamings semanales tan solo en este país, muchos de ellos procedentes del explosivo vídeo de la canción que se estrenaba hace dos domingos durante los VMA’s. Es la canción más reproducida de una mujer en una semana de la historia y de este año, superando a ‘Hello’ de Adele (62 millones, a su salida) y ‘Despacito’ (70 millones en una de las semanas del pasado junio). De hecho, solo se ha quedado por detrás en cuanto a reproducciones semanales del récord de ‘Harlem Shake’, justo por encima de 100 millones.
En cuanto a ventas reales, han sido 353.000 descargas en servicios digitales tipo iTunes, muy por encima de la mejor semana de ‘Shape of You’ de Ed Sheeran, pero algo por debajo de ‘Can’t Stop the Feeling’ de Justin Timberlake el año pasado y muy por debajo de las tres primeras semanas de ‘Hello’ de Adele, que superó el millón de descargas en sus primeros siete días, solo en EE UU.
Este el 5º número 1 en Estados Unidos para Swift tras ‘We Should Never Ever Getting Back Together’, ‘Shake it Off’, ‘Blank Space’ y ‘Bad Blood’; además del primero en Reino Unido. Las cifras de ‘Look What You Made Me Do’ son realmente astronómicas aunque curiosamente en los foros de expertos tipo UK Mix se espera, en general, más que un reinado de semanas o incluso meses a lo ‘Shape of You’, ‘Hello’ o ‘Despacito’, un single algo más pop que pueda aportar un nuevo número 1 a Taylor Swift; además de mejores críticas que estas.
Björk nos dejaba con los dientes largos este verano confirmando que su nueva música llegaría «muy pronto». Al final no ha sido tan pronto, no ha habido disco sorpresa ni lanzamiento precipitado para evitar una filtración a lo ‘Vulnicura‘ y de hecho aún quedan casi un par de semanas para que podamos escuchar su nueva canción… mientras el disco sigue sin fecha de edición.
El nuevo single de Björk se llama ‘The Gate’, sale el 18 de septiembre, y Björk nos ha dado una pista más -aparte de las que ya conocíamos- sobre qué podemos esperar de él. Dice su web lo siguiente: «‘The Gate’ es en esencia una canción de amor, pero usaría la palabra «amor» de un modo más transcendente. ‘Vulnicura’ era sobre una pérdida muy personal (NdE: la separación de su ex pareja), y creo que este álbum trata el amor de una manera que es incluso más grande. Es sobre redescubrir el amor, pero de una manera más espiritual, y a falta de una palabra mejor».
De hecho, otros datos que conocemos sobre el lanzamiento del disco es que tratará sobre la aplicación de ligar Tinder, y sobre algunas de las personas en las que ha trabajado en el largo, como es el caso de Arca. También sabemos de boca de su director Andrew Thomas Huang que Björk tiene un videoclip preparado desde hace meses para una canción nueva, suponemos que para esta misma, por lo que no sería descabellado que single y vídeo se estrenasen al mismo tiempo.
Ahora solo queda comprobar si esta visión más luminosa del amor se traduce en singles que duren menos de 7 y 10 minutos como sucedía en el largo anterior, aunque si son tan buenos como ‘stonemilker’ y ‘black lake’, bienvenidos sean. Puedes opinar en nuestro foro de Björk.
El turbio asunto del supuesto falso parte médico de David Bustamante, con el que justificaba una cancelación este fin de semana en un pueblo de Valladolid, ha sido aclarado. Sanidad había indicado que el parte aparecido en el Facebook del ayuntamiento de Lagunda de Duero era falso, pues no reconocía su membrete, pero finalmente se ha aclarado el error. Según publica la Consejería de Sanidad de la Junta de Castilla y León en un comunicado, «un facultativo del Centro, adscrito al Servicio de Urgencias, sí atendió a David Bustamante Hoyos el pasado sábado día 2 de septiembre». El error venía de que el médico correspondiente llevó a cabo un «uso indebido de un impreso membretado del Hospital para esta asistencia sanitaria privada». El texto aclara que la asistencia tuvo lugar fuera del horario laboral de este profesional, en un hotel y en el ámbito «privado». De ahí el malentendido y que se califique el uso del membrete como «indebido».
David Bustamante cancelaba este sábado 2 de septiembre un concierto en Laguna de Duero (Valladolid) por razones de salud. Desde el ayuntamiento compartían un supuesto parte médico con el membrete de un hospital. Según informaba Europa Press y confirma El País, la Consejería de Sanidad de Castilla y León investigaba este supuesto parte médico, pues desde el departamento de prensa de Sanidad de la Junta aseguraban que el documento presentado no pertenece al Hospital Clínico Universitario de Valladolid, pese a llevar el membrete oficial. De hecho, confirmaban que el paciente no fue atendido en este lugar.
David Bustamante, que recientemente triunfaba en nuestro país con su disco ‘Amor de los dos’, había asegurado sufrir una «faringoamigdalitis aguda acompañada con fiebre y afectación de cuerdas vocales que le provoca afonía».
Bajo estas líneas podéis encontrar tanto la última hora de Bustamante, mediante la que indica que ya se encuentra mucho mejor pues la afección es «menos grave de lo que parecía»; como el comunicado del ayuntamiento de Laguna de Duero. En él matizaban este sábado que «tanto el artista, la empresa organizadora como todo su equipo priorizan ante todo ofrecer su espectáculo en plenas facultades».
Familia,la revisión de esta mañana muy bien,menos grave de lo que parecía y estoy más animado! Gracias por el apoyo!En pocos días al 100%!
El nuevo episodio de la larga lista de aparatosas caídas de artistas sobre el escenario -que las hay de todos los tipos y colores- lo protagoniza James Hetfield de Metallica. Durante un concierto en Holanda que se celebraba este lunes 4 de septiembre el artista se olvidó o no vio un agujero de lo más arriesgado sobre el escenario, cayendo en una suerte de pozo que por suerte no era nada profundo. Un par de los pipas de Metallica acudieron raudos y veloces para ayudarle a salir de ahí -aunque habría podido lograrlo por sí mismo, durante un instante parece que no- y al término de la canción, tiene el humor de dirigirse al público en estos términos: «¿Estáis todos bien? Yo estoy bien, sí. ¿Mi ego? No tanto. Pero estamos ok. Me ha dolido en el orgullo un poquito, tal vez. Pero puedo contároslo porque ya se ha pasado».
Metallica han empezado este fin de semana en Holanda la parte europea de su gira mundial World Wired Tour, que les traerá a Madrid el 3 y el 5 de febrero del año que viene, y a Barcelona el 7 de febrero. El grupo descansará casi todo el mes de noviembre, diciembre y enero. Las presentaciones del exitosísimo ‘Hardwired to Self Destruct’ se alargarán hasta mayo de 2018.
Tras varios cambios de formato y localización, la rama otoñal de Primavera Sound, Primavera Club, se ha consolidado en pasadas ediciones regresando a Barcelona como sede única y confirmándose como un fantástico escaparate para “la cantera” que puede ascender al primer equipo que se expone a finales del mes de mayo en el Parc del Fòrum de la capital catalana. Ahora se anuncia la edición 2017 de este evento desarrollado en salas y clubs urbanos de formato medio y pequeño con una feliz novedad: como ocurrió en varias ediciones hasta el año 2012, Primavera Club volverá a duplicarse en la ciudad de Madrid.
Primavera Club 2017 se celebrará del 20 al 22 de octubre en formato dual con un total de 38 artistas y 60 actuaciones repartidas por diferentes salas de Barcelona y Madrid. En esta ciudad, las salas Joy Eslava, Teatro Barceló y El Cielo de Barceló acogerán el grueso de artistas de esta edición, que desembarca de nuevo en la capital tras cinco años de ausencia. Mientras que en Barcelona el centro neurálgico seguirá siendo la sala Apolo junto a la remodelada La [2] de Apolo, además del Centre Cultural Albareda, donde volverán a celebrarse los conciertos matinales del fin de semana. Además, ya se han puesto a la venta tanto los abonos –al atractivo precio de 25 euros– y entradas de día –15 euros–, a través de su web.
Hoy, con JENESAISPOP como medio colaborador de este festival, se anuncia también el grueso de bandas y artistas que actuarán en esta nueva edición. A la cabeza de todas ellas se sitúan Amber Coffman, que este año debutaba con el notable ‘City of No Reply’ tras su marcha de Dirty Projectors, y Blanck Mass, el proyecto en solitario de Benjamin John Power, mitad del dúo de noise electrónico Fuck Buttons.
Junto a ellos, destacan nombres como el de Gabriel Garzón-Montano –nuevo valor del R&B del que son fans Drake o Lenny Kravitz–, Ganges y St. Woods –a los que pudimos ver brillar recientemente en la reñida final del concurso BDcoder–, además de bandas de las que hemos hablado en los últimos tiempos –como Vulk, Aloha Bennets, FAVX– y otras de las que proyectamos hacerlo en breve –Starcrawler, Medalla, Cor Blanc, Baba Stiltz–. Este es el listado completo de artistas, a los que en los próximos días dedicaremos un especial:
Aloha Bennets (ES)
Amber Coffman (US)
Blanck Mass (UK)
Camila Fuchs (MX/DE)
Clap! Clap! Full Live Band (IT)
Cocaine Piss (BE)
Cor Blanc (ES)
DBFC (UK/FR)
Fantastic Man (AU)
FAVX (ES)
Flat Worms (US)
Gabriel Garzón-Montano (US)
Girl Ray (UK)
Gold Connections (US)
Happy Meals (UK)
Intana (ES)
Jakuzi (TU)
Jorra i Gomorra (ES)
Keems (ES)
LOR (UK)
Low Island (UK)
Marina Herlop (ES)
Medalla (ES)
Moor Mother (US)
Ozel AB (UK)
PAULi. (UK)
The Pilotwings (FR)
Poolshake (ES)
RAKTA (BR)
Sex Swing (UK)
Smerz (NO)
Starcrawler (US)
Superorganism (US/UK)
Tonstartssbandht (US)
Vulk (ES)
Yellow Days (UK)
Hoy se ha presentado en el Palacio Longoria de la SGAE de Madrid la novena edición de Monkey Week, que tendrá lugar del 9 al 14 de octubre, ya asentada en Sevilla con la Alameda de Hércules como epicentro del festival. Diferentes representantes del festival, como el co-director Tali Carreto, las instituciones y los patrocinadores han hablado de su contribución a Monkey Week o del festival a la ciudad. Isabel Ojeda, directora general de cultura del Ayuntamiento de Sevilla ha elogiado que las actividades no se limiten al centro; mientras que Marta Alonso, Viceconsejera de Cultura de la Junta de Andalucía, ha recalcado el gran porcentaje de artistas andaluces, especialmente mujeres, con que cuenta el cartel. Tanto Carlos Núñez del Grupo Caballero como Gustavo Iglesias de Radio 3 han hablado de cómo el festival se esfuerza por suponer toda «una búsqueda de tesoros musicales», algo en sintonía con el lema de Monkey «descubre hoy las bandas del mañana». Fuckaine, grupo presente, lo han comparado al SXSW de Estados Unidos, pues funciona como una feria con actuaciones en distintos emplazamientos, los artistas haciendo varios conciertos diarios, etcétera.
En efecto, Monkey Week suele servir para que artistas noveles den el salto y su gracia suele ser localizar artistas interesantes entre aquellos que no nos suenan. De manera significativa, en la rueda de prensa no se ha hecho referencia a cabezas de cartel, aunque en el mismo aparecen por ejemplo Swans. Estos, como Princess Nokia, Rocío Márquez, Nathy Peluso, Ms Nina, Los Hermanos Cubero, Cabezafuego y Baby Dee, actuarán en teatros. Entre los showcases encontramos a gente como Alien Tango, Brigitte Laverne, Cala Vento, El Lado Oscuro de la Broca, El Último Vecino, Escuelas Pías, Fasenuova, Gold Lake, Iseo & Dodosound, Kaixo, La Plata, Lidia Damunt, Los Voluble, Muévelo Reina, Murciano Total, Núria Graham, One Path, Pedro LaDroga, Ramírez Exposure, Shinova, Svper, The Zephyr Bones, Vulk o Zulu Zulu, por mencionar a unos pocos en representación de estilos tan diversos como el punk, el kraut o el trap. Las entradas están a la venta en Ticketea.
La programación queda cerrada con los siguientes nombres en orden alfabético:
ARTISTAS EN TEATROS:
BABY DEE (EE.UU.) / CABEZAFUEGO / LOS HERMANOS CUBERO / MS NINA / NATHY PELUSO / PRINCESS NOKIA (EE.UU.) / ROCÍO MÁRQUEZ / SWANS (EE.UU.)
ARTISTAS DE SHOWCASES:
ACID TONGUE (EE.UU.) / ALBERT CAVALIER / ALIEN TANGO / ALL LA GLORY / AMANITAS (CHILE) / ANTROPOLOOPS / BALA / BALCANES / BASANTA / BEAR, THE STORYTELLER / BEAUTY BRAIN / BIFANNAH / BRIGITTE LAVERNE / BRONQUIO / CALA VENTO / CAMELLOS / COPYCATS / CRUDO PIMENTO / DRUM INVADERS / DRUSO / EL LADO OSCURO DE LA BROCA / EL ÚLTIMO VECINO / ELPHOMEGA / ESCORPIO / ESCUELAS PÍAS / ESTEBAN & MANUEL / FABIAN BRUSK JAHN (SUECIA) / FANTASTIC EXPLOSION OF TIME / FASENUOVA / FAVX / FUCKAINE / FURIA TRINIDAD / GASTMANS & MORGAN / GO CACTUS / GOLD LAKE / HI COREA! / IMTIMA / ISASA / ISEO & DODOSOUND / JESSICA / JUAN RÍOS / JUNO & DARRELL / KAIXO / KELLY KAPOWSKY / LA BIG RABIA / LA PLATA / LIDIA DAMUNT / LOS ATAÚDES / LOS VOLUBLE / LOS WILDS / LOWLIGHT / LUMA / LUIS HILL / MAREM LADSON / MEDALLA / MOHAMA SAZ / MUEVELOREINA / MURCIANO TOTAL / NIÑA COYOTE ETA CHICO TORNADO / NOIA / NÚRIA GRAHAM / ONE PATH / OS AMIGOS DOS MÚSICOS / PÁLIDA / PAMPLEMOUSSE (ISLAS REUNIÓN) / PEDRO LADROGA / PERRO MOJADO / POOLSHAKE / QUENTIN GAS & LOS ZÍNGAROS / RAMOS DUAL / RAMIREZ EXPOSURE / RAMONA / RAÚL RODRÍGUEZ / RED BEARD / ROBBIE & SETH (EE.UU.) / RRUCCULLA / RUBIO (CHILE) / SALTO / SHINOVA / SMOKERS DIE YOUNG / SOLO ASTRA / SVPER / SYBERIA / TERBUTALINA / TERRY VS. TORI / TEXXCOCO / THE AGAPORNIS / THE GURU GURU (BÉLGICA) / THE MAGIC MOR / THE MAUSKOVIC DANCE BAND (HOLANDA) / THE TEUTONICS (EE. UU.) / THE TRACTOR / THE WHEELS / THE ZEPHYR BONES / TOOTH / TVERSKY / VERA FAUNA / VULK / WILLIS DRUMMOND / YAWNERS / ZINES / ZULU ZULU
El programa de Radio 3 Capitán Demo anunciaba ayer el cartel completo de la novena edición del BIS Festival (Barcelona Independent Sessions), que ahora se ha comunicado al resto de medios. BIS 2017 se celebrará los próximos 3 y 4 de noviembre de 2017 en CC Albareda y en Espai Jove Les Basses de Barcelona, respectivamente. La jornada inaugural acogerá los conciertos gratuitos de VLIVM, banda de Tortosa cuyo nuevo EP les muestra invadidos por el espíritu de folk 60s, y Coherence, propuesta por la tienda de discos Ultra Local.
Ya el día 4 en Les Basses, tendrá lugar el ya clásico De Quintos al BIS, de 12:00 a 15:00 horas, con entrada gratis, y 2 acústicos a cargo de Tronco (autores de uno de los mejores debuts de lo que llevamos de año para nuestra web) y Nico Roig, además de Maldaltura DJ y una feria discográfica.
Luego entre las 19:30 y la 1:30h, en el llamado BIS de Nit, tendrá lugar el grueso de conciertos, con una selección de los grupos más en forma del pop estatal: tras Her Little Donkey y Polseguera, actuarán Doble Pletina –a los que, recordemos, ha pinchado en su programa de radio el mismísimo Jarvis Cocker–, los murcianos Murciano Total –que este año publicaban nuevo disco, ‘Cencia’ (sic)–, Rusos Blancos –que ya están estrenando nuevas canciones tras el notable ‘Museo del Romanticismo’– y Papa Topo –cuyo ‘Ópalo Negro’ fue uno de los mejores discos del pasado año para nuestra redacción–. Marta Salicrú en las labores de DJ cerrará el festival.
Las entradas de BIS 2017 ya están a la venta a un precio de 10 euros más gastos, que en taquilla pasará a ser 13 euros.
Semanas atrás nos felicitábamos por el regreso de Rhye, proyecto musical del cantante canadiense Mike Milosh y el músico danés Robin Hannibal. Lo hacían con un nuevo doble single, encabezado por ‘Please’ y con una sugerente cara B llamada ‘Summer Days’, perfecta para esos días de pleno verano en los que se editó. Sin embargo, precisamente esa nueva canción ha cobrado una nueva vida estos días, gracias a un remix del joven Roosevelt.
La nueva versión de la canción a cargo del alemán Marius Lauber traslada el tema de Rhye a un espacio nuevo, aún más refrescante y bailable, subiendo ligeramente de BPMs y dando protagonismo a una guitarra muy funky. Una remezcla tan buena que incluso los propios Rhye la apoyan lanzando un videoclip exclusivo para este mix. En él, filmado en blanco y negro por la directora Geneviève Medow-Jenkins, diferentes individuos o parejas se introducen en un fotomatón de la ciudad de Berlín. “El fotomatón es un espacio privado dentro de una esfera pública”, explica Milosh sobre el vídeo. “Con tan solo una cortina para proveer privacidad, el fotomatón permite a la gente ser quien quieran ser con todo el descaro del mundo, expresando tontería, tristeza, intimidad y humor. El ambiente creado por el fotomatón fomenta lo que necesitamos en este mundo: más unirnos, más amor, más alegría y humor”.
Por el momento Rhye no han anunciado si ‘Please’ y ‘Summer Days’ estarán incluidos en un nuevo álbum del proyecto que dé continuidad al notable ‘Woman’, con el que debutaron en el año 2013. Lo que sí es seguro es que su actividad se ha incrementado: en las últimas semanas también han colaborado en ‘Moment’, el nuevo single del productor King Henry, colaborador de los recientes álbumes de Beyoncé y Justin Bieber, entreotros.
Como sus mejores fans saben, la actividad musical de Nacho Canut no se limita a su trabajo con Alaska en Fangoria (aunque indudablemente es el más rentable). El ex-Pegamoide y ex-Kaka de Luxe mantiene también otros perfiles como Calígula 2000 –en el que suele ejercer de remixer housero– y Jet7, en el que elabora música instrumental no necesariamente electrónica y rica en influencias.
“Jet7 es el nombre de una discoteca abandonada que vi en Burdeos durante unas vacaciones en Francia. La música que hago bajo este seudónimo es instrumental y basada en samples, muestras de ritmos, diálogos y músicas de películas. Todo esto lo mezclo con instrumentos reales. Al contrario de lo que hago cuando se trata de Fangoria, aquí no me pongo límites de ningún tipo”, explica Canut en nota de prensa.
Tras publicar en 2008 ‘[Plan B]’ y en 2010 ‘Cactus’, el proyecto parecía aparcado… hasta hoy. El sello Nøvak (Comando Suzie, Por Qué Jeanette) anuncia la inminente publicación –tan pronto como el lunes 11 de septiembre– de ‘Aedificium Tehnicae’, un nuevo álbum de Jet7 con, ejem, 7 nuevos cortes (evidentemente, Nacho tiene una fijación con la cifra y bromea con ellos en la última canción del disco, ‘Odio los sietes’). Días antes podemos escuchar el primer avance de este álbum, titulado ‘Sirius B’, un tema de más de 6 minutos que condensa influencias de electrónica minimalista a lo Orbital, coros operísticos y dub, con un arreglo de melódica (interpretado por D. Llanes) como clara protagonista.
En noticia destacada esta mañana en la cabecera de El País online, el diario revela que los artistas más populares de nuestro país –como Alejandro Sanz, Pablo Alborán, Amaral, Rosendo, Malú o Dani Martín– se han unido a otros colegas, hasta sumar casi 150, para firmar un manifiesto que reclama al Ministerio de Cultura la reforma integral de la Sociedad General de Autores, SGAE. Dicho manifiesto, titulado “En defensa de nuestros derechos” y al que ha tenido acceso exclusivo El País, deja claro en primer lugar que las acusaciones de estafa que la justicia ejerce estos días contra la entidad “se dirigen únicamente contra los causantes de los delitos de estafa, fraude o administración desleal; en ningún caso a la generalidad de los autores, cuya imagen no se debe en absoluto desprestigiar”.
Luego, el escrito insta al Ministerio de Cultura a que “actúen contra las malas prácticas llevadas a cabo, atendiendo a su obligación de tutela sobre la SGAE”, lo cual implicaría una reforma de los estatutos de la entidad. El País ha confirmado con el Ministerio que se prevé una reunión con una representación de estos artistas. Uno de ellos es Patacho Recio, miembro de la Coalición Autoral y la Junta de Autores de Música –además de líder de uno de los grupos más singulares de los 80, Glutamato Ye-Yé–. Recio ha dicho al mismo diario que los autores han sido víctimas de una estafa y apunta como uno de los principales motivos a que la dirección de la SGAE ha ido desvirtuando la representación de los socios en la entidad, limitando el voto en sus juntas a menos de un 20% de los autores.
Otros autores firmantes del manifiesto, según este diario, son artistas de dilatada carrera como Kiko Veneno, Jaume Sisa, Santiago Auserón, Rosa León, José María Cano (Mecano), Marta Sánchez, Jorge Martínez (Ilegales) o Julián Hernández (Siniestro Total). También se cita a artistas de perfil alternativo, habituales de nuestra web, como Fernando Alfaro, Francisco Nixon o miembros de Love of Lesbian y Second.
Además, algunos de ellos van a personarse conjuntamente por medio de un despacho de abogados como acusación particular en los casos abiertos por estafa. Ayer mismo el juez de la Audiencia Nacional José de la Mata dictó auto en el proceso abierto 6 años atrás contra su ex-presidente, Teddy Bautista, y su segundo, José Luis Rodríguez Neri –además de otras 9 personas–, acusándoles de desviar unos 21 millones de euros de la entidad por medio de sociedades pantalla. Además, meses atrás se destapaba un nuevo escándalo, el llamado caso de la rueda, en el que ,de nuevo a través de SGAE, supuestamente se recaudaban fondos de TVE y televisiones autonómicas de forma ilícita mediante la emisión de música de madrugada, pagada a costes muy elevados y a cargo de autores ficticios que desviaban los enormes emolumentos hacia la trama. Entonces, ya hubo una nueva protesta pública por parte de los músicos y autores.
OMD fueron a principios de los 80 uno de los grupos más importantes del synth-pop internacional gracias a la edición de álbumes como ‘Organisation’ -el que incluía la brutal ‘Enola Gay’-, ‘Architecture & Morality’ -el que incluía la estupenda ‘Joan of Arc’ y ‘Souvenir’- o el más experimental ‘Dazzle Ships’. La marcha de la banda de uno de sus dos icónicos fundadores y co-autores, Paul Humphreys, no impidió que OMD salieran adelante, pero fue el regreso de Paul al grupo, su reconciliación en 2010 con Andy McCluskey, lo que ha permitido una especie de segunda adolescencia para el proyecto conocido en España como «Maniobras Orquestales en la Oscuridad».
‘History of Modern‘ y ‘English Electric‘ tres años después, en 2013, volvían a poner en el mapa a OMD y ahora están de regreso con un disco muy similar en filosofía y estilo. En ‘The Punishment of Luxury’ vuelven a incluir singles poperos que figurarían dignamente en un nuevo recopilatorio del grupo, mientras que el sonido Kraftwerk en concreto y el arte en general les sirven de base para realizar una crítica de aquello en lo que se está convirtiendo el mundo.
La tesis detrás del disco es algo así como que la tecnología no nos está trayendo la libertad o la felicidad. Así, el tema que da título al largo, ‘The Punishment of Luxury’, inspirado en un cuadro de Giovanni Segantini de 1981, contiene frases como «¿pensáis que tenéis razón, que sois libres / flotando en vuestro purgatorio?»; y el single ‘Isotype’ critica que los sentimientos de una persona puedan ser reducidos a poco más que un emoji. El mensaje puede resultar algo viejuno y simplón, pero la verdad es que en este utilizar lo que se entendía como «el sonido del futuro» para criticar el futuro el grupo ha dado con otra de sus excelentes canciones.
No siempre ha sido así, en cambio. ‘One More Time’ reluce muy claramente en la segunda mitad cuando ya creías que el disco solo incluiría anécdotas que se llaman cosas como ‘Art Eats Art’ y ‘Kiss Kiss Kiss Bang Bang Bang’. Aunque lo peor es que OMD llevan ya tres discos rindiendo una pleitesía a sus admirados Kraftwerk que empieza a resultar un poco «creepy». ¿No estaría mejor que se rindiesen homenaje a sí mismos, que también se preocuparon de publicar álbumes diferentes y canciones arriesgadas acompañando a sus singles de pop?
O quizá es que el grupo ya no gaste «el sonido del futuro». Así, no les habría venido mal algún tipo de reinvención más allá de esa ametralladora que acompaña a ‘La Mitraillesue’, también inspirada en otro cuadro, muy ilustrativo, del futurista Christopher Nevinson. Nadie quiere que OMD se traicionen a sí mismos, y se agradece desde luego que ‘As We Open, So We Close’ no derive hacia el dubstep, como parece por momentos, pero es imposible no pensar en el último disco de New Order al escuchar este. Con la colaboración de La Roux y el divertido pseudo giallo de ‘Tutti Frutti’, los de Bernard Sumner se apuntaron unos cuantos tantos. ‘The Punishment of Luxury’ se acerca al sonido de Goldfrapp en la mediocrilla ‘Robot Man’ (muy Kraftwerk, de nuevo) y en la mencionada ‘As We Open, So We Close’ pero parece que ahí se acaban sus ambiciones. ‘The Punishment of Luxury’ es un álbum agradable, que además deja un mensaje optimista gracias a la bonita ‘The View from Here’, pero el siguiente ha de ofrecer novedades más radicales o un mayor número de singles.
Calificación: 6,5/10 Lo mejor: ‘One More Time’ , ‘Isotype’, ‘The Punishment of Luxury’ Te gustará si te gustan: New Order, Goldfrapp y el lado más pop de Kraftwerk Escúchalo: Spotify
Etienne Daho, uno de los compositores más queridos de la canción francesa, está de regreso con un nuevo álbum que se sumará a su lista de largos editados desde los 80, destacando obras como ‘La Notte, La Notte…’ o ‘Pop Satori’. El artista, una influencia en nombres tan dispares como Saint Etienne, Los Planetas o Carlos Berlanga, publicará su nuevo disco, ‘Blitz’, lleno de material inédito, el próximo 17 de noviembre.
De momento, Daho ha estrenado una canción llamada ‘Les flocons de l’été’ que según sus propias declaraciones no es indicativa del sonido del disco. Así lo dice en una nota de prensa en la que asegura que este single le vino a la cabeza de manera muy fluida, y así también lo advierte el medio francés Le Monde, que indica que esta canción no es representativa de la «radicalidad» que contiene el álbum, con referencias tanto al trip-hop como a las girl groups o a la Velvet Underground.
La evocadora canción sobre cambios estacionales que no en vano se ha estrenado en las primeras horas de septiembre, llega acompañada de un vídeo en el que terminamos viendo a Etienne Daho convertido en miniatura, en sintonía con las figuritas invernales que aparecen en el vídeo… aunque no con la calidad de la nueva composición.
Este es el primer disco de estudio de Etienne Daho desde ‘Les Chansons De L’Innocence Retrouvée’ (2013), aunque también hay que destacar entre su última obra el álbum lanzado en 2010 junto a la recientemente desaparecida Jeanne Moureau.
London Grammar son protagonistas del lado positivo de nuestra nueva columna Hits and Flops aprovechando el momento en que lanzan nuevo vídeo. El grupo triunfó en 2013 y 2014 con su debut ‘If You Wait‘ logrando un doble platino en Reino Unido, además de un disco de platino en Australia y un álbum de oro en Alemania. Su segundo disco ‘Truth Is a Beautiful Thing‘ no ha igualado de momento esas cifras, pero se mantiene estable en las listas británicas, donde ya ha sido certificado como álbum de oro por la venta de más de 100.000 unidades, cifra demasiado lejana a tantos artistas contemporáneos de primer nivel como Katy Perry, Lorde o Kesha.
El álbum lograba ser número 1 en Reino Unido en su semana de salida, permaneciendo en el top 10 durante un mes. Tres meses después de su lanzamiento continúa rondando el top 30, que parece poco dispuesto a abandonar, y menos ahora que se acaba de estrenar un interesante vídeo lleno de lecturas para el corte ‘Non Believer’, ni siquiera uno de los más escuchados del largo.
Es cierto que pesa sobre London Grammar cierto aura de «artista local»: su segundo álbum solo ha sido 129 en Estados Unidos, pero también es cierto que el disco fue top 3 en mercados tan importantes como Australia o Francia, además de número 9 en Alemania. En Francia continúa en el top 50, señal de que el grupo continúa ganando nuevos fans.
Flops
Teniendo en cuenta la calidad del segundo disco de las estadounidenses Haim, da verdadera pena ver lo poco que las quieren ya en su país: mientras su debut ‘Days Are Gone’ pasaba 32 semanas en el Billboard 200, resultando un clarísimo sleeper, el nuevo ‘Something to Tell You’ ha pasado en esa misma lista tan solo 2 semanas. El álbum caía del puesto 7 al puesto 70 en su segunda semana, encontrándose con la nada posterior. Es cierto que el streaming y la descarga de pistas sueltas tienen adulterada la tabla estadounidense, pero también lo es que los 65 millones de streamings en Spotify de la vieja ‘The Wire’ o los casi 50 de ‘Falling’ parecen demasiado lejanos para cualquiera de sus canciones nuevas, lo que incluye a la pizpireta ‘Want You Back’ (19 millones). ¿De verdad es la canción más escuchada de Haim ahora mismo una remezcla de BloodPop?
El mercado que mejor trata a Haim sin duda es Reino Unido: allí han sido número 2 y resisten en torno al top 30 gracias a la promoción y al precio al que se vende su CD en grandes almacenes (7 libras), aunque el disco de oro es demasiado lejano, pues la caída este viernes promete ser traumática: el álbum caerá según las midweeks decenas de lugares hasta el puesto 70.
Entre las razones de este fracaso habría que apuntar al largo lapso entre un disco y otro, en parte debido al cáncer del productor y amigo Ariel Rechtshaid, y al errado primer adelanto del álbum. ‘Right Now‘ entusiasmó a algunos de sus fans pero sin duda ha espantado a otros: está a punto de abandonar el top 10 de lo más oído de Haim en Spotify, por debajo de hasta otros 7 temas del largo. Tras él, parece que el continuismo de ‘Want You Back’ tampoco sumó demasiado. ¿Están a tiempo de salvar los muebles con el vídeo adecuado para ‘Little of Your Love‘? ¿Podría pasar algo con la rareza ‘Found It In Silence’? ¿No podría su amiga Taylor Swift darles un par de consejos estratégicos?
Tras la celebración de una última edición de Festival’Era, el próximo 9 de septiembre (este sábado) se celebra en la misma ubicación donde tiene lugar este evento, la Masía de Can Gascons de la rural Llagostera, en la provincia de Gerona, la fiesta Love Rave, que reunirá a varios nombres de la mejor electrónica internacional, entre ellos Four Tet, que ofrecerá su único concierto solo de todo 2017.
Love Rave es una colaboración entre Basoa, la promotora de Bilbao BBK Live que organiza el homónimo espacio de música electrónica del festival vasco, y Era, la promotora que se ocupa del mencionado festival catalán. Ambos han diseñado un cartel de primer nivel donde encontramos, a parte de Four Tet, a Daphni (aka Caribou), Floating Points, Ben UFO, Joy Orbison, Pearson Sound, Taraval y Brandon Hocura.
Todos estos artistas actuarán en Love Rave en una agenda que va de las 14.00 del mediodía a las 4.00 de la madrugada. Además, todos ellos harán un “back to back” en el tramo final del festival, de 2.00 a 4.00 de la mañana. Las entradas ya están a la venta en la web del festival. Además, habrá párking y camping gratuitos para los asistentes y autobuses desde Barcelona hasta el recinto.
Arcade Fire vuelven a ser número 1 de nuestro top semanal, votado por el público, con ‘Everything Now’, el tema que da título a su nuevo disco, que ha sido número 1 en Estados Unidos y Reino Unido. Entre las nuevas entradas, la más potente es la del comeback de Taylor Swift, ‘Look What You Made Me Do’, pero también encontramos en otros puntos de la tabla lo nuevo de Beck, Mogwai y Lindstrøm ft Grace Hall. Entre las subidas destacadas, hay que hablar de los ascensos de los últimos singles de The Horrors, Purity Ring y LCD Soundsystem. Esta semana decimos adiós a los sencillos de Carly Rae Jepsen, C.Tangana, Vitalic con La Bien Querida y London Grammar, todos ellos con 10 semanas y en la mitad baja de la tabla. Podéis escuchar la lista de candidatos bajo estas líneas y volver a votar por vuestras 20 canciones favoritas aquí.