Las mejores canciones del momento: septiembre 2017

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20 septiembre, 2017

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El 21 de septiembre Robbie Williams publica su biografía, ‘Reveal’, de la que acaba de “revelarse” un jugoso fragmento sobre Morrissey. El autor de ‘Rock DJ’ asegura que el que fuera líder de The Smiths quiso hacer un dueto con Williams, concretamente en su tema ‘I Like You’, pero solo si en este ambos terminaban besándose “como Britney y Madonna”.

Al final el beso no ocurrió, pero no es porque Williams no hubiera querido. De hecho asegura que Morrissey se estaba tirando un farol, pero que él estaba completamente dispuesto a besarle. “¡Besar a Morrissey! Hubiera estado genial. Él tiene una cara tremenda y con mucha fuerza”. El ex Take That escribe: “viendo la idolatría que rodea a Morrissey, miles y miles de hombres heterosexuales se acostarían con él. Igual yo no lo hubiera hecho, pero sí habría conseguido acurrucarme y besarle”. Williams dice que a Morrissey le gustaba todo de él “menos la voz y las canciones”.

Otro ejemplo más de lo bien que se lo pasa Williams jugueteando con su inexistente bisexualidad, como cuando en la revista gay Attitude aseguró que tenía “flechazos con hombres” pero que “lo de la polla” le tiraba un poco para atrás. Hablamos también de alguien que ha publicado un disco titulado ‘Swings Both Ways’ y que ha cantado una canción homo-irónica con Mika.

Maldita Nerea / Bailarina

Por

Sebas E. Alonso

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20 septiembre, 2017

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En un mundo en el que los singles de 6 minutos y letras intrincadas de Love of Lesbian son top 20 en Los 40 Principales, y en el que una generación de nuevos artistas, empapados de ritmos urban y letras callejeras acumula cientos de miles de reproducciones en Youtube, parece un poco anacrónico ponerse a oír a Maldita Nerea. Pero el grupo de Jorge Ruiz resiste la embestida probablemente porque al fin y al cabo quizá tiene algún que otro fan en común con los Izales, los Supersubmarinas y demás troupe indiemainstream. Este es también el mundo en el que Dani Martín e Iván Ferreiro se quieren tanto como para comerse los morros sobre el escenario del Dcode, y su música no está tan lejos de esto.

El nuevo disco de Maldita Nerea, ‘Bailarina’, habría agradecido alguna reinvención como la del último disco de Miss Caffeina. Pese a algún teclado por aquí y una guitarra folkie por allá, el proyecto nunca se aleja demasiado de las sonoridades y los trucos de los Hombres G más baladistas, sus a la postre compañeros de macroconcierto El Canto del Loco y en alguna ocasión, y ahora que vuelven, los Modestia Aparte más desenfadados. Se supone que ‘Bailarina’ es un disco que quiere dejar un mensaje positivo («no canto desde la pena ni desde la ausencia», indica Jorge en una entrevista), en el que el artista saca «a bailar el lado femenino». Pero lo que percibimos es una sucesión de canciones de amor y desamor (con alguna excepción como ‘Despídeme’, sobre un embarazo fallido) que no se complican demasiado la vida.

La buena noticia es que el disco tiene ases en la manga tras los decepcionantes singles. ‘Bailarina’ tiene un buen chorreo de streamings en las plataformas pertinentes, pero lo forzado de su melodía y lo mal que casa su estrofa con su estribillo nos hacen preguntarnos seriamente quién -después de lo de Marta Sánchez- selecciona las canciones de la Vuelta Ciclista. Por su parte, ‘Cuando todas las historias se acaban’, con Leire Martínez, no es precisamente la melodía más cristalina a la que se ha enfrentado en su carrera la vocalista de La Oreja de Van Gogh.

Por suerte, la medio rockera ‘Desde las nubes’ reconduce un poco la cosa, incluso antes de que el disco se vaya entregando al country pop, gracias a lo cual el rancio pop-rock de radiofórmula deja de sonar añejo para resultar atemporal. Especialmente el silbidillo de algo que han decidido llamar ‘Calcetines’ (en serio, ‘Calcetines’, en concreto un tema sobre la educación infantil) resulta contagioso. Aunque en esos momentos Maldita Nerea se parecen bastante más a Shania Twain y a The Corrs que a Lucinda Williams o a Dolly Parton (tampoco se parecen a Mumford & Sons o Morat, al menos oportunistas no han sido), es un estilo que les sienta bien, en el que parecen más cómodos que en el de ‘Bailarina’. ‘Me pesan las alas’ o ‘Siempre estaré ahí’, pese a lo almibarado de unos textos que te hacen cuestionarte qué autores inspirarán sus letras y de qué siglo son, parecen pistas que podrían durar bastante tiempo en su setlist, coreadas por sus seguidores.

Tato Latorre y Sebastián Krys coproducen y el ex Nena Daconte Kim Fanlo al mando una de las canciones de este disco son las personas detrás de un disco que no supone un paso adelante en la carrera de Maldita Nerea, pero que tampoco va a borrarles del mapa.

Calificación: 4,8/10
Lo mejor: ‘Me pesan las alas’, ‘Desde las nubes’, ‘Calcetines’
Te gustará si te gusta: El Canto del Loco, Hombres G, Modestia Aparte, La Frontera
Escúchalo: Spotify

Shakira recuerda su pasado rockero en su Carpool Karaoke grabado en Barcelona

Por

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20 septiembre, 2017

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Shakira era una de las pocas estrellas del pop que todavía no habían pasado por Carpool Karaoke. Finalmente la colombiana ha participado en la serie para su primera temporada en Apple Music, por la que ha pasado gente como Will Smith, Alicia Keys o Ariana Grande y que solo puede verse con suscripción. Ahora se han publicado en Youtube un par de adelantos breves.

El de Shakira es el primer Carpool Karaoke grabado en España: la colombiana vive en Barcelona, por lo que ha grabado su parte en serie desde la capital catalana. Se ha acompañado además del cómico sudafricano Trevor Noah, En uno de los dos adelantos, Shakira recuerda su pasado rockero: dice que se ha convertido en una estrella del pop, pero que suele escuchar rock en casa porque creció escuchando “hardcore”. A continuación canta ‘Zombie’ de los Cranberries y un tema de Wu-Tang Clan.

En el otro avance, después de haber pasado por Plaza Catalunya, Shakira y Trevor Noah llegan a Sagrada Familia, donde se dejan abrazar por los fans (por supuesto la persona aclamada aquí no es Trevor, que también tiene muchos fans, pero no es Shakira). Además, ambos cantan dos éxitos de la colombiana, ‘Hips Don’t Lie’ y ‘Waka Waka’. El resto del episodio, ya sabéis, Apple Music.

Buena dosis de nuevos y viejos temas en la gira de ‘Witness’ de Katy Perry

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20 septiembre, 2017

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Este martes 19 de septiembre ha arrancado en Montreal, Canadá la gira ‘Witness‘ de Katy Perry, que transcurrirá por Estados Unidos, Europa y Oceanía a lo largo de ocho meses, entre los que pasará, en nuestro continente, por Londres, París, Berlín, Estocolmo… pero no por España. La gira terminará en Auckland, Nueva Zelanda el 21 de agosto de 2018.

‘Witness’ no ha funcionado demasiado bien en listas, pero eso no ha sido motivo para que Perry reniegue de él en una gira que incluye hasta 10 de sus temas (naturalmente al tratarse del disco que presenta). De hecho, algunos de los mayores hits de la carrera de Perry aparecen en una de las primeras secciones, la irónicamente titulada ‘Act My Age’, que incluye temas como ‘Teenage Dream’, ‘Last Friday Night’ o ‘I Kissed a Girl’ (¿nos querrá decir que ha madurado?), por lo que se da protagonismo sobre todo a lo nuevo.

Y de lo nuevo se ha escogido lo mejor: al margen de los singles, ‘Chained to the Rhythm’ (que suena al principio), ‘Bon Appétit’ (que suena en medio e interpolada a ‘What Have You Done for Me Lately?’ de Janet Jackson) y ‘Swish Swish’ (que suena al final), en la gira se escuchan ‘Witness’, ‘Roulette’, ‘Hey Hey Hey’, ‘Power’ o la -en mi opinión- infravalorada ‘Déjà vu’. Aunque tengo mis dudas de que ‘Save As Draft’ y ‘Tsunami’ sean buenas elecciones habiendo en el álbum temas más interesantes como ‘Mind Maze’ o más entretenidos como ‘Pendulum’.

Cierran en clave épica ‘Roar’ y ‘Firework’ y por supuesto ‘Dark Horse’ hace acto de presencia -hacia el principio- pero llama la atención la ausencia de singles como ‘The One that Got Away’ y sobre todo ‘This is How We Do’: no hay más que echar un vistazo a la dirección artística y de vestuario del show para ver que está completamente inspirado en su vídeo y en general en el arte pop de vanguardia. Algunos atuendos incluso me hacen pensar en lo avanzada a su tiempo que ha estado siempre Róisín Murphy.

Morrissey presenta ‘Spent The Day In Bed’, una oda a la pereza

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19 septiembre, 2017

Días atrás conocíamos la polemiquilla portada de ‘Low In High School’, el nuevo disco de Morrissey, y por fin hoy podemos escuchar su primer adelanto en forma de música –que anunciaba, curiosamente, con su primer tuit ever–. Se trata de ‘Spent The Day In Bed’, un tema con el que Mozz vuelve a su yo más reconocible. Con un riff de teclado que remite un poco a la tradición británica de The Stranglers, el ex-vocalista de The Smiths muestra su faceta más delicada, un poco ‘Viva Hate’, en cierto modo. En cuanto a su letra, plantea una oda a la pereza como antídoto contra el mundo terrible que nos muestran las noticias.

Como el resto del álbum, ‘Spent The Day In Bed’ ha sido producida por Joe Cicharelli en grabaciones realizadas en Francia (La Fabrique Studios de Saint-Rémy de Provence) e Italia (en los Forum Studios de Ennio Morricone, en Roma). Apostamos a que fue durante una de sus estancias allí cuando se produjo aquel altercado con un oficial de policía italiano, ¿recordáis?

Morrissey también ha revelado hoy que ‘Low In High School’ se publica definitivamente el día 17 de noviembre. Además su tracklist ya anticipa que, más allá del «hachazo a la monarquía» de su portada, sus letras también traerán cola con títulos como ‘Israel’, ‘Who Will Protect Us From the Police?’ y ‘The Girl from Tel-Aviv Who Wouldn’t Kneel’.

1. My Love I’d Do Anything For You
2. I Wish You Lonely
3. Jacky’s Only Happy When She’s Up On The Stage
4. Home Is A Question Mark
5. Spent The Day In Bed
6. I Bury The Living
7. In Your Lap
8. The Girl From Tel-Aviv Who Wouldn’t Kneel
9. All The Young People Must Fall In Love
10. When You Open Your Legs
11. Who Will Protect Us From The Police?
12. Israel

‘the gate’ de Björk: una composición mágica, el reverso melancólico de ‘Black Lake’

Por

JNSP

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19 septiembre, 2017

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Parte de la redacción evalúa ‘the gate‘, el primer single del nuevo álbum de la artista islandesa.

«El aclamado ‘Vulnicura‘, donde Björk compartía sus sentimientos más personales sobre la ruptura con Matthew Barney, presentaba en su portada a la cantante con una herida abierta en el pecho… una herida que, nada más comenzar la letra de este single de regreso, se da por curada. Curada, que no inexistente: la islandesa se permite de nuevo dar y recibir amor, y considera esa herida como una puerta para ello -y, por tanto, también para el amor hacia ella misma. Todo esto, con alguna posible referencia a su pasado (¿el uso de “self-sufficiency” no es un guiño hacia lo que ella precisamente aconsejaba a su hermano en ‘Army of Me’?), puede verse en el espectacular videoclip con el que la nominada al Globo de Oro por ‘Bailar en la Oscuridad’ ha decidido presentar el tema. El videoclip-canción no puede ser más Björk; por tanto, quienes no la soportan la verán en él como una mezcla entre un personaje del ‘League of Legends’ con Diva Plagalaguna de ‘El Quinto Elemento’. Pero si eres de los que conectas con ella y con sus idas de olla místicoemocionales –que a veces han salido mejor y otras peor–, ‘the gate’ convence como aperitivo de lo que pueda contener el provisionalmente llamado ‘Utopia’. “No se me ha ocurrido un título mejor, pero puede que cambie de opinión”, dice. Si es que es muy grande…» Pablo N Tocino.

«Personalmente no logré entrar del todo en ‘Vulnicura’ hasta que pude verla en directo en el Poble Espanyol de Barcelona, poco antes de que cancelara su gira. En las distancias cortas y escoltada estupendamente por Arca, Björk demostró que su desnudez emocional era muy poderosa, incluso más que en disco. Curiosamente, pese a que se trata de un tema de producción contenida y muy ambiental –yo al menos veo en él cierta conexión con parte de ‘Vespertine’–, ahora no me ha costado tanto entrar en este ‘the gate’, una canción cuya melodía se entona con cierta desesperación, buscando encontrar una conexión emocional (y sexual) con alguien, incluso aunque se trate de un ente incorpóreo o un alienígena. Algo así como el que aparece en un vídeo que, por muy cínicos y graciosos que queramos parecer con lo mística de más y lo mamarracha que pueda parecer la islandesa, es una auténtica preciosidad al alcance de pocos artistas de esta o cualquier época.» Raúl Guillén.

«En ‘the gate’, Björk se ha cansado de estar consumida, aunque aún está saliendo del proceso del duelo. El tiempo cura, pero no por sí solo y Björk pide (y ofrece) ternura para acabar de convertir la herida de su pecho en esa puerta que por la que entre y salga amor. Musicalmente, es una canción continuista respecto a ‘Vulnicura’, más preocupada en mostrar en los sentimientos que en epatar. Se abre con aire sacro, aunque el resto del tema está construido en base a espacios abiertos, silencios y pausas, suspendido principalmente sobre la voz –expresiva como siempre, pero aún más vulnerable–. Los destellos electrónicos van incorporándose para realzar la intensidad, con el mantra “care for you, care for you / care for me, care for me” llevado al límite de la súplica, pero sin caer en ella. ‘Así, ‘the gate’ se convierte en el reverso de ‘Black Lake’. Lo que ahí era despecho y desgarro, aquí es esperanza teñida de melancolía y una cierta resignación y casi despliega su intensidad emocional. El «casi» viene porque ‘the gate’ no me llega a emocionar como aquella, pero toca el corazón y sana.» Mireia Pería.

“¿En qué sentido es «the gate» una “entrada” al nuevo disco de Björk? Como primer single no podría ser más obtuso: a su lado ‘Vulnicura’ es el nuevo ‘Post’. Pero ‘the gate’ es un single tan natural de Björk como cualquier otro, un tema ambiental y flotante, que reúne dos pasiones de Björk como son Arvo Pärt (la intro, aunque esto es impresión mía) y Arca, presente en el resto de la canción. Así no se puede esperar un disco pop, ¿pero de verdad seguimos esperando pop de Björk? ‘the gate’ es una canción de amor trascendental, emocionante, que por estructura se relaciona más con la música sacra que con la radiofórmula. Visto a través del “prisma” de la música religiosa (y “prisma” parece una palabra importante en esta nueva etapa de Björk), ‘Utopia’ prometer ser un álbum profundamente espiritual, y ‘the gate’ es la introducción perfecta, una composición mágica.” Jordi Bardají

‘Good Old Days’ de Macklemore y Kesha es un viaje a un pasado muy poco remoto

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19 septiembre, 2017

El 22 de septiembre se publica ‘Gemini’, el nuevo álbum de Macklemore en solitario. Se ha presentado en los últimos meses con varios singles como son ‘Glorious’ con Skylar Grey (que ha ido bien en streaming, como muestran sus saludables 129 millones de reproducciones en Spotify, probablemente gracias a su adorable videoclip, protagonizado por la abuela centenaria de Macklemore), ‘Marmalade’ con Lil Yachty y ‘Drug Dealer’ con Ariana DeBoo.

Ninguna de estas colaboraciones era la colaboración estrella de ‘Gemini’, que no es otra que la de Kesha. Ella canta con Macklemore ‘Good Old Days’, que se acaba de estrenar y sí, es una oda a “la magia de los años pasados” que además musicalmente también nos recuerda al pasado, aunque a uno no tan remoto. Por estructura de rap y melodía ‘Good Old Days’ nos lleva directamente a 2009-2010… año en que triunfaron éxitos como ‘Airplanes’ de B.o.B con Hayley de Paramore, ‘Love the Way You Lie’ de Eminem con Rihanna o por supuesto ‘Empire State of Mind’ de Jay-Z con Alicia Keys.

‘Good Old Days’ es un poco más dramática que todas ellas, pero sirve para recordarnos la bien encaminada en que está la carrera de Kesha tras su “comeback” este año con su disco ‘Rainbow’. Con el calvario judicial que ha pasado la cantante en los últimos años, no nos extraña que piense que todo tiempo pasado fue mejor… pero ‘Good Old Days’ da señales de que Kesha vive un buen presente que seguramente recordará con cariño en el futuro. O eso esperamos…

La “escena de amor sobrenatural” de Justice es también ligeramente NSFW

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19 septiembre, 2017

Entre este año y el anterior han salido dos buenas canciones llamadas ‘Pleasure’, en primer lugar la de Feist, y en segundo la de Justice, que se incluye en su último disco, ‘Woman’. El dúo francés presenta hoy un videoclip para esta canción que es ligeramente NSFW, aunque retrata sobre todo una escena de amor tan profunda que desemboca en la creación de una nueva criatura.

El concepto del vídeo de ‘Pleasure’ se desarrolla desde un punto de vista surrealista e incluso de ciencia ficción y se basa, según su director, Alexandre Courtès, en una idea de los miembros de Justice, Xavier y Gaspard, que pensaron en una “escena de amor sobrenatural” que representara una “extrapolación de los sentimientos durante el sexo, una simbiosis”. Courtès asegura que la idea de Justice se parecía a una que él ya había tenido: “quería jugar con colores vívidos y tubos brillantes que atravesaran los cuerpos de los personajes… y a ellos le gustó la idea. Terminamos grabando una escena de sexo atrevida y sensual”.

Efectivamente estamos ante un vídeo bonito y elegante que muestra escenas sexuales más o menos explícitas, pero que contiene un evidente fondo espiritual, en parte gracias a su diseño de iluminación, obra del colaborador de Courtès Nicolas Loir.

Avril Lavigne es la celebridad más virulenta de la red

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19 septiembre, 2017

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Avril Lavigne no gana para disgustos. Como si no tuviera suficiente con que la gente piense que está muerta, la cantante canadiense es hoy noticia por otro motivo absurdo, pues es la celebridad que más virus porta en internet según un estudio del software antivirus McAfee.

El estudio de McAfee, que ya esté generando titulares de la naturaleza de “Avril Lavigne es la celebridad más peligrosa de internet” (cuando todo el mundo sabe que no hay nada más peligroso en internet que la sección de comentarios de Facebook), ha revelado que las búsquedas de Avril Lavigne en internet contienen mayor probabilidad de llevar a los usuarios a webs que pueden “instalar virus o incluso robar información personal y contraseñas”. Lavigne corona esta “honorable” lista, donde le acompañan Bruno Mars, Carly Rae Jepsen, Zayn Malik y Céline Dion.

El objetivo de McAfee con su estudio es concienciar a los usuarios de internet, concretamente a los que consumen cultura popular, de que sean usuarios responsables y no antepongan su seguridad a la comodidad de un clic que ofrece las últimas novedades y que podría resultar muy dañino. “Es imperativo que los usuarios consideren los riesgos de buscar contenido descargable. Pensar antes de clicar es una buena manera de mantenerse a salvo en la red”.

Aunque aquí la pregunta parece ser otra: ¿qué novedades puede buscar la gente en Avril Lavigne, quien no edita disco desde 2013 y está retirada de los escenarios debido a la enfermedad de Lyme que padece? Curioso que el nombre de Avril Lavigne vuelva a internet para noticias como esta o el rumor de que está muerta… ¡Avril, saca disco y resuelve esto ya!

Salvador Sobral, ingresado de urgencia en un hospital de Lisboa, donde espera un trasplante de corazón

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19 septiembre, 2017

Salvador Sobral, ganador de la última edición de Eurovisión, por su canción ‘Amar pelos dois’, ha sido ingresado de urgencia en un hospital de Lisboa, donde espera recibir un trasplante de corazón, según El Mundo. El cantante llevaría de hecho varios días hospitalizado en el centro Santa Cruz en Carnaxide a espera de un donante.

Según ha informado un familiar de Sobral a los medios portugueses, el cantante está “entubado”, “controlado y vigilado” y “conectado a unas máquinas que llevan a cabo funciones que normalmente desempeñarían sus órganos”. Aunque algunos medios hablan de que Sobral se encuentra en “estado crítico”, otros aseguran que se encuentra estable dentro de la gravedad y que al estar conectado a máquinas “corre menos riesgo”. Debido a la fama de Sobral, El Mundo informa que el hospital ha activado «un protocolo de seguridad” especial para evitar “el paso de personas ajenas a la institución».

Recientemente, Sobral anunciaba su retirada temporal de los escenarios debido a su frágil salud, cuando hubo de cancelar una gira este mes de septiembre para “entregar su cuerpo a la ciencia”. El cantante, de 27 años, siempre ha hablado abiertamente de sus problemas de corazón y además ha sufrido dos hernias, como informa Press.

Taylor Swift, demandada por “robar” parte de la letra de ‘Shake it Off’

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19 septiembre, 2017

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Taylor Swift es defensora del derecho de los artistas a ser recompensados justamente por su trabajo, hasta el punto que influyó en un importante cambio de política de Apple Music, por lo que no apreciará enterarse de que dos compositores le han demandado, según informa el portal TMZ, por haber “robado” parte de su canción ‘Playas Gon’ Play’ en su éxito ‘Shake it Off’.

Sean Hall y Nathan Butler son compositores de esta canción que interpretó en 2000 el grupo 3WL, un trío de R&B afroamericano en el estilo de TLC o Destiny’s Child que logró una repercusión mínima a principios de siglo. Es muy probable que nuestros lectores no recuerden esta canción que ni siquiera triunfó en Estados Unidos, donde logró un modestísimo puesto 81 (aunque en UK fue top 21), pero Hall y Butler creen que Swift copió su letra en ‘Shake it Off’. En concreto, la canción de 3WL dice “players gonna play, and haters they gonna hate” y la de Swift tiene una parte parecida: “players gonna play, play, play, and haters gonna hate, hate, hate”.

A decir verdad, ‘Playas Gon’ Play es un temazo digno de ser reivindicado en el hilo de hits 2000 de nuestros foros, pero este supuesto plagio parece tan cogido por los pelos como el de Beyoncé a la misma Taylor Swift que defiende su director Joseph Khan. Donde puedan rascar Hall y Butler unos dineros… pero Swift se quedará igual: “players gonna play, haters gonna play”… y su nuevo single triunfando en todo el mundo. El equipo de Swift, por cierto, ya ha opinado de la demanda, que ha tildado de “ridícula”.

Sparks / Hippopotamus

Por

Mireia Pería

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19 septiembre, 2017

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Sparks son una de las más felices anomalías de la historia del pop. Para añadir más anomalía (y felicidad), tras la fusión con Franz Ferdinand (¡otra feliz anomalía!), se han marcado un señor discazo. ¿Cuántos grupos conocéis que, a la altura de su 23º disco (24º si incluimos el de FFS), continúen produciendo obras relevantes? Pues los Sparks. Y ya. Los que no soporten los alardes vocales de Russell ni los fondos musicales de Ron, que no se acerquen. Pero los fans lo gozarán como cochinillos en lodazal.

Pero eso no quiere decir que este sea el típico “disco-para-fans”. Muy al contrario, porque ‘Hippopotamus’ podría servir perfectamente como introducción en el universo Sparks a los legos. ‘Hippopotamus’ es un disco insolente, que rebosa “sparkicidad” y en que se muestran deliciosamente irritantes. Más barroco y solemne (al menos en apariencia) que ‘Exotic Creatures of the Deep’ (2008), recuerda un poco a ‘Hello, Young Lovers’ (2006)… pero mejor. ‘Hippopotamus’ es un musical controladamente desquiciado, divertidísimo, sarcástico, con canciones memorables y repletas de frases lapidarias. En él los hermanos Mael lanzan casi todos sus dardos envenenados contra tipos maduros, conservadores y chauvinistas; WASPs de la peor especie que pretenden vender sus anodinas existencias como un ideal al que el resto del mundo occidental (y no occidental) ha de aspirar (¿alguien ha dicho Trump?).

Los números que se suceden son caballos ganadores en su mayoría. Tras ‘Probably Nothing’, una gran introducción a piano propia de un musical clásico, llega la pieza de pop beatleniano (¡esa pandereta!) ‘The Missionary Position’, una descacharrante celebración, entonada muy en serio por Russell, de justo eso: la posición del misionero. El narrador explica por qué es mejor dejarse de inventos y tirar por lo conocido (“es un poco retro y algo demodé / pero sabes que a ella le hará sentirse bien”). O ese “Vive deprisa y muere joven / demasiado tarde para eso” que cantan en ‘Edith Piaf (Said It Better Than Me)’, una fantasía sobre la soñada-pero-nunca-vivida vida de bohemia en París. Precisamente esta es la pieza que más se acerca al disco de FFS, gracias a un estribillo y crescendo poderosos y un final marcial. También hay bombas pegajosas y sincopadas como ‘Giddy Giddy’, improbable cruce entre Broadway y ritmazo R’n’B; mezclas de hard rock y manierismo en ‘What the Hell Is It This Time’, una bofetada a la religión utilitaria… Un inicio bastante apabullante, cuya concatenación de temas sienta como estar montado en la montaña rusa mientras sube y sube. Para culminar, el single ‘Hippopotamus’, una delicia a la manera de canción infantil perversa que recuerda a otro gran clásico de Sparks, ‘The Rhythm Thief’. Sostenida sobre cuerdas minimalistas, a las que se suman coros operísticos hasta que rompe en un estribillo rococó, engancha hasta niveles insólitos. Te perseguirá y, a la hora de ir a dormir, te encontrarás cantando eso de “There’s a hippopotamus, a hippopotamus, a hippopotamus in my pool”. Una maravilla, vamos.

Quizás el tramo final baje un poco (poquito) el nivel. Destacan la hilarante ‘I Wish You Were Fun’, pizpireta y malintencionada, el pastiche ‘When You’re a French Director’, una enumeración de jocosos topicazos con cameo (¡y acordeón!) a cargo del french director Leos Carax y el cierre con el tema más operístico del álbum, ’Life with the Macbeths’, con la voz invitada de Rebecca Sjöwall. Todo conforma un disco que merece ser añadido a la pila de obras clásicas de los hermanos Mael y que sería perfecto si fuera algo más breve. O no. Al fin y al cabo, el exceso también forma parte del encanto inmarchitable de Sparks.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Probably Nothing’, ‘The Missionary Position’, ‘Edith Piaf (Said Better than Me)’, ‘What the Hell in this Time’, ‘Hippopotamus’
Te gustará si te gusta: el pop barroco y manierista, desde The Divine Comedy a The Magnetic Fields.
Escúchalo: Spotify

Marilyn Manson elogia a Rihanna por la dureza de sus vídeos: “ella es peligrosa”

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19 septiembre, 2017

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Marilyn Manson no es fan de Justin Bieber, pero sí de Rihanna, especialmente de sus videoclips. En una entrevista con Beats 1, el autor de ‘The Beautiful People’ ha elogiado a la barbadense por la dureza de sus vídeos, en concreto por el brutal vídeo de ‘Bitch Better Have My Money’. Incluso ha dicho que Rihanna es “peligrosa”. “Hablé sobre esto con el director Tom Wyatt, antes de que saliera este vídeo”, ha explicado. “Me dijo, “¿con quién te gustaría competir en cuanto a música y vídeos y cosas así?” y yo le dije, “Rihanna. ¿Has visto el vídeo de ‘Bitch Better Have My Money’? Eso sí es un vídeo duro. Todos sus vídeos lo son. Me encanta ese vídeo porque, primero, es duro, segundo, porque lo protagoniza una tía dura que quiere su pasta, y tercero porque sale Max Mickelson de ‘Hannibal’. Y cuarto -podría seguir con la lista- porque pone a columpiarse a una tía desnuda, le da crack y la mata. Y tiene un yate y una pistola de bengalas. ¿Y se supone que mi vídeo es más ofensivo?”

El histórico vídeo de ‘Bitch Better Have My Money’ puede que sea el vídeo más duro que ha hecho Rihanna, pero no es el único violento: la cantante ha matado a hombres hasta en cuatro videoclips, empezando por supuesto por el de ‘Man Down’, una canción en la que Rihanna asesina a un hombre y huye “a la estación de tren”; y también en los de ‘Russian Roulette’ (este por título tampoco necesita explicación) y más recientemente ‘Needed Me’.

Manson de hecho acaba de publicar otro de sus vídeos violentos, esta vez para su nuevo single ‘WE KNOW WHERE YOU FUCKING LIVE’. En él, Manson y un séquito de monjas dominatrix secuestran a una familia típicamente americana y le hacen de todo.

‘Ven a cenar conmigo’: segundas partes que sí son buenas pero podrían ser mejores

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19 septiembre, 2017

Meses atrás yo mismo hice una entrevista a la escritora y guionista Diana Aller sobre su trabajo en televisión, y recordaba con orgullo un formato que se emitió años atrás en Antena 3 llamado ‘Ven a cenar conmigo’: “Tenía varios elementos que me fascinan. Una voz en off que decía todo lo que le escribíamos las guionistas, y era una auténtica ida de olla: gente pugnando por un menú, una casa, una presentación… Desconocidos que se juntan para cenar y juzgarse… (…) Se ve la realidad humana en toda su crudeza, la lucha por el estatus, que es al fin y al cabo lo que mueve el mundo ahora mismo”.

Diana definió la esencia y mecánica del programa perfectamente en esas líneas, y sirve para acotar también la nueva versión del programa, que se basaba en un formato británico y que ahora emite Cuatro. Es decir, el programa viene a ser el mismo que se emitió en el canal de Atresmedia en access prime-time entre 2008 y 2010, con una voz en off (gracias por no interponer un presentador que no aporte nada y ralentice la dinámica) que da una caña tremebunda a los participantes –casi tanta como la que se dan entre ellos– y un buen casting de gente dispuesta a ser sibilina y mala para con su anfitrión, con tal de hundir su moral y sacar tajada de ello.

En este caso, llovieron tantas miradas cómplices como puñaladas entre una italiana pijita, mona y simpática (un blanco fácil para las otras dos mujeres), una ex-procuradora amante de la cultura asiática (y de decir justo lo contrario de lo que piensa), una cleaning manager (en sus propias palabras) con pasado heavy, un chico callado que no se explica por qué no tiene novia (¿quizá porque tienes un altar dedicado a Mariah Carey, cuqui?) y un ejecutivo sosillo que va de pérfido y al que le hace tilín la italiana, conforman un cóctel –nunca mejor dicho– explosivo.

El primer programa emitido anoche fue, por tanto, una de esas escasas excepciones a la regla de que segundas partes nunca fueron buenas… pero pudo ser mejor. Por despiadadas que son las aportaciones en locución y el mucho juego que dan los invitados, alargando el formato al horario de ¡casi dos horas! de prime time se aplasta aquella agilidad de antaño –una de sus mayores virtudes– y acaba incidiéndose una y otra vez en las mismas bromas y situaciones, con un considerable lastre para su ritmo. Para más inri, si en su anterior etapa la dinámica se desarrollaba en un único programa de media hora, aquí dos horazas apenas dan para presenciar 2 de las 5 cenas (!) dejando todo inconcluso para el siguiente programa o incluso sucesivos. Ni ‘House of Cards’, vaya. ¿Os acordáis lo contentos que nos pusimos al descubrir en las primeras ediciones de ‘Quién quiere casarse con mi hijo’ –que, por cierto, vuelve mañana– o ‘Granjero busca esposa’ cuando duraban poco más de una hora? Pues eso.

Calificación: 6,5/10
Destacamos: el casting y que se mantiene la esencia de su anterior versión.
Te gustará si: fantaseabas con un mix de ‘QQCCMH’ y ‘Masterchef’.
Predictor: con la dura competencia que se prevé en la franja las próximas semanas (hoy se estrenan los nuevos ‘Gran Hermano’ y ‘Masterchef Celebrity’), podría no durar mucho –aunque ayer funcionó bien en cuanto a share– y sería una pena.

Un hombre salta al escenario de Alvvays e intenta besar a su cantante

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19 septiembre, 2017

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Alvvays acaban de publicar un entretenido disco de noise pop llamado ‘Antisocialites’, que sucede a su celebrado debut homónimo (que fue nominado al mismo premio Polaris que actualmente ha ganado Lido Pimienta) y del que hemos escuchado adelantos tan atractivos como ‘In Undertow’ o ‘Dreams Tonite’.

Los canadienses sin embargo son noticia esta semana por un motivo más desagradable: durante un concierto en Amberes, Bélgica un hombre saltó al escenario del grupo e intentó besar a su cantante, Molly Ranking. La captura del momento en vídeo es tan incómoda de ver como parece y muestra a una Rankin algo perturbada y que, con una sonrisa nerviosa, deja de tocar y procede a descolgarse la guitarra de los hombros. El individuo parece entender en el momento que lo que acaba de hacer no es muy inteligente y suponemos que ver su careto en multitud de medios al día siguiente le habrá hecho replantearse cosas.

Asaltar escenarios de artistas es una práctica más o menos recurrente en el pop: no hace tanto veíamos a Britney Spears en la misma tesitura y en el pasado han sido Adam Levine de Maroon 5, Justin Bieber, Avril Lavigne o Taylor Swift quien experimentaban situaciones parecidas por culpa de fans extasiados, ebrios o simplemente demasiado inconscientes como para estudiar la naturaleza de la decisión que están a punto de tomar.

Linkin Park homenajean a Chester Bennington con un concierto y su nuevo vídeo oficial

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19 septiembre, 2017

Semanas después de conocerse la dramática muerte de Chester Benington, un artista que supuso un referente de superación para toda una generación, al fin su grupo, Linkin Park, ha reaccionado al estado de shock en el que parecían inmersos tras la fatídica noticia –aunque sí emitieron un comunicado–. Mike Shinoda, Joe Hahn y compañía han anunciado que el próximo 27 de octubre celebrarán un concierto en homenaje a Chester en el Hollywood Bowl de Los Ángeles. En él, varios artistas invitados (aún no se ha revelado ningún nombre) se unirán al homenaje realizando el papel vocal de Bennington. Los beneficios del evento serán para una fundación Music for Relief.

Además, el grupo acaba de presentar el clip oficial para la balada ‘One More Light’, una de las canciones del disco de mismo título que publicaban meses atrás. El vídeo recoge imágenes de Chester recientes en directo con el grupo, así como otras entre bambalinas o con fans que se se emocionan al ver de cerca al cantante, que muestra una imagen simpática y risueña, aparentemente feliz.

En las últimas horas también ha trascendido un vídeo compartido en Twitter por la viuda de Bennington. Talinda decía en su mensaje: “así es como se manifestaba la depresión 36 horas antes de su muerte. Él nos quería mucho y nosotros a él”. El clip muestra a Chester riendo y jugando con sus hijos y otros amigos en su casa.

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La colombiana Lido Pimienta se impone a Leonard Cohen y Feist en el prestigioso premio Polaris

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19 septiembre, 2017

9

Esta mañana nos sorprendemos al saber que Lido Pimienta ha ganado el prestigioso Polaris. La artista es de origen colombiano pero, tras pasar algún tiempo viviendo en Estados Unidos y Canadá, ha logrado la nacionalidad canadiense. Por eso, su álbum ‘La Papessa’ (2016) optaba al Polaris Music Prize, el premio más prestigioso de la música popular canadiense, el equivalente al Mercury Music Prize británico que días atrás obtuvo Sampha.

En una decisión totalmente inesperada, el jurado del premio ha fallado esta madrugada a favor de su segundo disco de estudio, cantado íntegramente en español y con cierto afán experimentador, integrando el folclore de su país de orígen con texturas electrónicas. Se intuye en esta decisión un mensaje aperturista e integrador hacia la comunidad latinoamericana de Norteamérica, en contraposición al discurso de tintes xenófobos del Presidente de su país vecino del sur. En la lista de nominados figuraban nada menos que los últimos discos de Leonard Cohen, Feist, ~~Drake, Carly Rae Jepsen, New Pornographers, Japandroids, Mac DeMarco~~ o BadBadNotGood, entre otros. En anteriores ediciones, este premio recayó en Kaytranada, Buffy Saint-Marie, Godspeed You! Black Emperor, Feist o Arcade Fire, por ejemplo.

Originaria de la humilde Barranquilla (como Shakira), Lido Pimienta emergió en 2010 con la primera oleada de artistas alternativos latinoamericanos –con Rita Indiana, Capullo, Bomba Estéreo, María y José…–. Tras publicar aquel año ‘Color’, su primer disco, Pimienta (lo creamos o no, esos son su nombre y apellido reales), ha colaborado puntualmente con artistas como Javiera Mena, Capullo o El Remolón, hasta que se estableció en Toronto y pudo concretar las canciones de ‘La Papessa’.

‘Detroit’: Kathryn Bigelow apunta al Oscar con balas de fogueo

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Joric

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19 septiembre, 2017

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Cuando Kathryn Bigelow encontró al guionista Mark Boal, Hollywood saltó por los aires. La fabulosa ‘En tierra hostil’ (2008) ganó seis Oscar, incluido mejor dirección (la primera vez que lo conseguía una mujer) y mejor guión (de las pocas veces que lo ganaba un debutante). Con la también extraordinaria ‘La noche más oscura’ (2012) volvieron a repetir nominación, aunque esta vez no hubo premio (sí para el montador de sonido). Con esta tercera colaboración parecía que iban a seguir el mismo camino, no tanto de la alfombra roja (ya se verá, aunque por ahora no aparece en ninguna quiniela) como de la calidad. Pero no ha sido así. ¿Qué ha pasado?

El comienzo de ‘Detroit’ es muy prometedor. Siguiendo una estrategia parecida a la de la serie ‘Narcos’, Bigelow combina con gran pericia las secuencias reconstruidas con las imágenes documentales, las de los disturbios raciales ocurridos en esa ciudad del estado de Míchigan en 1967. Por medio de una extraordinaria labor de montaje (esto sí, de Oscar), la directora vuelve a demostrar su enorme habilidad para agarrar al espectador por las solapas y colocarlo en el centro de la acción. La energía y tensión dramática que consigue en la primera hora de película, hasta la detención en el Algiers Motel, es como para clavar las uñas en la butaca hasta los nudillos.

Sin embargo, cuando Bigelow se detiene y decide amplificar su discurso, la película empieza a fallar. Pocos cineastas filman las escenas de acción como esta mujer. Pero, como ya le ocurrió en su filme más fallido, ‘El peso del agua’ (2000), a pocos se les da tan mal el drama. En el momento en que la directora pasa de la furiosa crónica periodística al retrato de los personajes y sus conflictos dramáticos, sus limitaciones salen a la luz. A pesar de la esforzada labor de los intérpretes, en especial de John Boyega y Will Poulter, los personajes resultan demasiado unidimensionales y maniqueos, casi como si estuviéramos viendo cualquier thriller de terror tipo ‘The Purge’.

El rutinario tercer acto, centrado en los interrogatorios, juicios y consecuencias de esa noche de terror, se alarga de forma innecesaria. Bigelow busca indignar al espectador, pero lo único que consigue es aburrirle. La conexión emocional hace tiempo que se ha perdido, como lo demuestra el poco interés que suscita el drama del vocalista de The Dramatics, traumatizado por los hechos que vivió esa jornada. La pertinencia de contar una historia como la de ‘Detroit’ es innegable, y su estreno sin duda abrirá necesarios debates (las conexiones con el presente son evidentes). Pero la forma de hacerlo, por lo menos en su segunda parte, no. Esta vez Bigelow ha disparado con una pistola de fogueo. 6.

Sesión de Control: Mi Capitán, Brighton 64, Mordem (ex-Jane Joyd), Chicharrón, Sierra, Birkins…

Por

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19 septiembre, 2017

Tras meses (casi años) en un cajón, recuperamos esta sección dedicada a profundizar en las novedades más recientes del panorama alternativo y/o independiente de nuestro país, que a partir de ahora tendrá una periodicidad quincenal y una playlist de Spotify que se renovará mensualmente.

Mi Capitán

El multitudinario grupo erigido en torno a las canciones y la voz de Gonçal Planas –con músicos ilustres como Ricky Falkner, Julián Saldarriaga o Ricky Lavado– tiene a punto su segundo disco tras el exitoso ‘Drenad el Sena’. ‘Un tiro por la salud del imperio’, con la portada que ilustra este artículo, se publica el día 6 de octubre y, tras presentar el pasado mayo su primer adelanto –‘Sal corriendo’–, ahora han revelado un nuevo single llamado ‘En la avenida’. En su clip, los seis músicos de la banda que acompañan a Planas son sustituidos por mujeres –para “homenajear y dar visibilidad al talento musical femenino”–, músicos de grupos como Las Odio, Mourn o Aeromozas.

Sierra

Hugo Sierra, que militó en Margarita y luego en Prisma en Llamas (recientemente colaboraba en disco y directos de Lidia Damunt), lanzó un estupendo primer EP en 2014 que, aparentemente, no tendría continuidad. Pero ahora, con una superbanda consolidada (con Clara Collantes –La Ruleta China, El Palacio de Linares, El Día Después–, Arturo Hernández –Juventud Juché–, y Antonio Castro –Charades–), regresa con su álbum de debut bajo el brazo. ‘A ninguna parte’ se publica el 27 de octubre a través de Sonido Muchacho y, si contiene más canciones tan certeras como el adelanto ‘Me destrozaré’, no nos extrañaría que sea, como dice su nota de prensa, “uno de los grandes discos en castellano que escucharemos este año”.

<a href="http://sonidomuchacho.bandcamp.com/album/sm-039-a-ninguna-parte">SM-039 A Ninguna Parte by Sierra</a>

Mordem

Probablemente muchos recordéis el proyecto Jane Joyd, que en 2011 ganó el célebre concurso Proyecto Demo y lanzó dos EPs de enorme calidad antes de decidir dar carpetazo al proyecto. Elba Hernández, felizmente, regresa ahora con un nuevo proyecto llamado Mordem que retoma aquel espíritu melancólico pero poderoso desde un nuevo enfoque más electrónico (produce David Unison –The Cabriolets, HATEM, Gata Cattana–). ‘Fragments To Dominate The Silence’, su debut, se publica el 29 de septiembre y su primer adelanto, ‘All of Me Is You’, sobrecoge.

Birkins

Ya quedamos gratamente sorprendidos con lo mucho que promete el nuevo disco de los canarios Birkins tras conocer su primer adelanto, ‘Chantal (O cómo dar de lado una canción)’, cuyo clip oficial estrenamos semanas atrás. Ahora confirman que el álbum, el primero en el que emplean la lengua castellana, se titula ‘Aquí hay dragones’ y se publica el 29 de septiembre (día en que no daremos abasto con tanta novedad estatal). La épica ‘Fundido a negro’ y sus espectaculares arreglos de cuerda, presentados hace unos días, confirman la buena pinta que tiene esta etapa del grupo.

The Black Suns

Los fans del indie-rock más clásicos, el que se nutre de U2 o The Killers, estarán encantados de conocer –si no lo hacen ya– a The Black Suns, una banda del barrio de El Clot, en Barcelona, que ha llegado a telonear a grupos internacionales como The Temper Trap. Este verano publicaban su debut, ‘Milk & Cookies’, un disco en el que muestran que sus canciones también están abiertas a elementos folk e, incluso, podrían ser comparadas puntualmente con The National (como en su nuevo single, ‘Copyright God’) y hasta el Nick Cave más ortodoxo. El día 29 de septiembre oficiarán la puesta de largo de su disco en Barcelona, en la sala Bikini.

El Brindador

A principios de la década El Brindador se presentaban como uno de los nuevos proyectos más estimulantes surgidos en Zaragoza. Tras publicar un par de EPs (que reseñamos en nuestra web) y un largo (que inexplicablemente no), semanas atrás el grupo comandado por Eric Cihigoyenetche autoeditaba ‘A Clearing In The Land’, su nueva referencia, en la que los ecos de Neil Young habituales se aliñan con preciosos arreglos que nos han hecho pensar en Grizzly Bear y en los Wild Beats más orgánicos. Grabado con Edu Baos de León Benavente y Cristian Barros de Bigott, nos ha dado una auténtica sacudida de alegría: pocos discos con esta calidad y riqueza lírica se publican en nuestro país. El 27 de septiembre actúan en el Teatro del Mercado de Zaragoza.

<a href="http://elbrindadoroficial.bandcamp.com/album/a-clearing-in-the-land-lp-2017">A clearing in the land (LP-2017) by El Brindador</a>

Leone

Sin nada que ver con Tigres Leones ni con Oso Leone, este grupo madrileño está compuesto por músicos que han tocado con Corcobado y Paul Collins o provienen de otros proyectos como Motel 3. Con influencias tan variopintas como el surf, el western, el tango o el bolero, Leone recuperan ese espíritu cañí, canalla y castizo de los mejores Gabinete Caligari en ‘La vida no vale nada’, disco de debut publicado hace solo unos días. Su vídeo para ‘El presidiario’, sonando sobre una escena de ‘Colegas’ de Eloy de la Iglesia (1982), es mucho.

Chicharrón

Este combo de dreampop es uno de los muchos proyectos interesantes surgidos en Galicia en los últimos años. Tras haber lanzado el pasado año ‘Postal’, el segundo disco de su carrera y el primero en el que se abrazaban firmemente a su lengua autóctona, han comenzado a mostrar ya algunas canciones de su próximo disco. Tras la intensa ‘Contra acantilados’ de semanas atrás, ahora presentan ‘Na cea’, un tema delicado inspirado en un poema de la joven poeta Antía Otero, “una de las responsables de que la poesía gallega esté viviendo una nueva edad de oro”.

Brighton 64

Los autores de canciones históricas como ‘La casa de la bomba’ o ‘El mejor cocktail’ se reactivaron para su 30º aniversario en 2011 y, de manera sorprendente, desde entonces están viviendo una etapa enormemente prolífica. El pasado viernes publicaban ‘El tren de la bruja’, un álbum doble con 20 canciones que los hermanos Gil han escrito en colaboración con el novelista Carlos Zanón, que ha creado un relato exclusivo para la ocasión: “Un cuento agridulce que duele como un puñetazo”, dicen. Este viernes, 22 de septiembre, Brighton 64 presentan este disco en Barcelona, en las Fiestas de la Mercé.

León de Pelea

El asturiano Alberto Menéndez debutó en 2015 en el sello –tristemente desaparecido– Moonpalace Records con ‘Veranos eternos’, un disco de instrumentación minimalista y canciones cálidas y evocadoras. Ahora León de Pelea regresa con ‘Vientos y corrientes’, un EP publicado con Discos de Kirlian en el que enriquece su propuesta con un sonido más brillante y la instrumentación de los miembros de Maderita Xema Fuertes y Cayo Bellveser. Cuatro canciones inspiradas en la iconografía marinera que Alberto ha vivido de cerca en su familia.

<a href="http://discosdekirlian.bandcamp.com/album/dk52-vientos-y-corrientes">DK52 Vientos y corrientes by León de Pelea</a>

Vuelta al cole: 10 discos para afrontarla

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Sebas E. Alonso

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18 septiembre, 2017

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¿Hora de volver a clase o, peor aún, al trabajo? ¿Poco espíritu para afrontar este lunes? Te proponemos 10 discos que pueden devolverte algo de energía, pues casi todos ellos parecen ideados precisamente como sustitutos de una inyección de adrenalina.

León Benavente / 2 (2016)

Si hay un disco con canciones capaces de resucitar a un muerto es el segundo de León Benavente, que no han dejado de presentar durante el último año por todo el país. En él encontramos singles tan certeros como ‘Tipo D’, ‘Gloria’ o ‘La ribera’, pero es que entre guitarrazos punk y ritmos kraut o simplemente salvajes, ‘California’, ‘Nuevas tierras’, ‘Aún no ha salido el sol’, ‘Celebración – Siempre hacia delante’ o la evocadora ‘La vida errando’ habrían sido excelentes cuartos, quintos, sextos, séptimos singles. ¿Hemos apreciado lo suficiente este discazo?

Ramones / Ramones (1976)

14 canciones, 29 minutos y 4 segundos. 6000 escasos dólares de presupuesto para la grabación. Una máxima que decía “Elimina lo innecesario, concéntrate en la sustancia”. Los Ramones se hicieron célebres con este debut que tardaron 40 años en convertir en disco de oro pero que ha corrido de mano en mano durante cuatro décadas gracias a temazos condensados en aproximadamente 2 minutos como fueron los conocidos ‘Blitzkrieg Bop’, una de las canciones más pinchadas de la historia; ’Beat on the Brat’ o la maravillosa ‘I Wanna Be Your Boyfriend’. ‘Listen to My Heart’ y ‘I Don’t Wanna Walk Around With You’ seguida de ‘Today Your Love, Tomorrow the World’ puede que sean lo que necesitas hoy. HEY HO, LET’S GO!

Kelis / Flesh Tone (2010)

Antes de que la EDM aburriera a las vacas, en la primavera de 2010, cuando David Guetta todavía era tolerable, Kelis sacó un disco de dance puro y duro de los que te hacen levantarte en cuanto empiezan y te impiden sentarte hasta que acaba. Por allí estaba el single ‘Acapella’, pero también la machacona ‘Emancipate’, tiros como ’22nd Century’ o ‘Home’ y los singles ‘Brave’ y ‘4th of July’. Como curiosidad, con este fiestón con after incluido, Kelis celebraba su maternidad. ¿Quién dijo que solo podía hacerse con baladas y una producción ambiental apta para la introspección?

Buzzcocks / Singles Going Steady (1979)

Concebido como una recopilación de sencillos de algunos de sus discos y sencillos sueltos, junto a algunas de sus caras B, para presentar a los Buzzcocks al público norteamericano, ‘Singles Going Steady’ ha terminado siendo involuntariamente uno de los «grandes éxitos» más importantes de la historia. En él caben algunas de las piezas de punk rock más destacadas de finales de los años 70, como ‘Ever Fallen In Love (With Someone You Shouldn’t’ve)’, canciones con la pegada de ‘Everybody’s Happy Nowadays’ y maravillas como ‘Why Can’t I Touch It?’. Un disco que no deja tregua, sobre todo en su versión original de 16 canciones (en la reedición de 2001 cupieron 8 más).

The Chemical Brothers / Exit Planet Dust (1995)

Aunque ‘Dig Your Own Hole’ sería su primer número 1 y el disco con el que muchos les conocerían, sobre todo en países ajenos al Reino Unido como el nuestro, el debut de Chemical Brothers editado durante el verano de 1995 sigue siendo para muchos su mejor disco. Todo ello sin hits tan definitivos como los que vendrían después. Una de las mejores muestras del big beat de la época, en la que cabía la deliciosa psicodelia de ‘Life Is Sweet’ (y la aportación de Tim Burgess es decisiva para acercarles a Madchester, para aunar electrónica y rock) o su personal adaptación de ‘Song to the Siren’ por la vía de This Mortal Coil y a su vez Dead Can Dance. Nunca terminan de bajar los beats por minuto, ni siquiera del todo cuando llega la preciosidad de voz de Beth Orton en el tema final.

Ascii.Disko / Ascii.Disko (2003)

En plena eclosión de electroclash, a principios de los años 2000, despuntó el disco homónimo de Ascii.Disko, el proyecto de Daniel Holc, natural de Hamburgo. No desarrolló una enorme carrera ni se forró tanto tirando de techno y electro como un Felix Da Housecat, pero este álbum sigue sonando como un rompepistas detrás de otro. Despuntan singles como ‘Cool’ y sobre todo ‘Einfach’, mientras que los escasísimos momentos relajados también cumplen su función: ‘Jetzt’ acentúa el poder de ‘Aldimarkt’ y ‘Schanze’ simplemente cierra. Entre medias, inquietantes recuerdos a OMD y Kraftwerk con un punto siniestro.

Daft Punk / Alive 2007

El segundo disco en directo de Daft Punk, grabado durante la que ha sido su última gira de momento es todo un trallazo tras trallazo del dúo francés, seis años antes de que triunfaran con ‘Get Lucky’. No se olvidaron de ‘Around the World’ junto a ‘Harder, Better, Faster, Stronger’ ni de ‘One More Time’ junto a ‘Aerodynamic’, pero lo más llamativo es lo bien encajado que está todo, logrando que hasta la menor ‘Human After All’ suene como un pedazo de hit. Esta gira, por cierto, llegó a pasar por Madrid y Barcelona, en concreto durante el extinto Summercase.

Chic / Chic (1977)

Aquí un disco del que el dúo francés aprendieron un par de trucos (esa manera tan orgánica de grabar las baterías en la música de baile) y tomaron un colaborador. Un año antes de que publicaran el imprescindible ‘C’est chic’ que incluiría las seminales ‘Le Freak’ y ‘I Want Your Love’, Chic debutaban con esta maravilla que nos dejaba singles de nombres tan ilustrativos como ‘Dance, Dance, Dance’ o ‘Everybody Dance’. También incluye una balada -‘Falling In Love With You’-, ¿pero cómo no enfrentarse a la ciudad con ganas atendiendo a la letra de ‘You Can Get By’?

New Order / Technique (1989)

Basta ya de pinchar ‘Blue Monday’ y como mucho ‘Bizarre Love Triangle’ y ‘True Faith’. Hay muchos más New Order que reivindicar y, por las escuchas de las plataformas de streaming, el mundo parece haber olvidado que el mejor disco de la banda de Manchester se llama ‘Technique’. Grabado en Ibiza e incorporando ya a finales de los años 80 las influencias del acid house, el álbum sería un precedente del sonido balearic que triunfaría 20 años después.

Pizzicato Five / The Fifth Release from Matador (2000)

A finales de siglo, Pizzicato Five era una de las bandas más cool que escuchar en el planeta, pese a que la formación estaba próxima a expirar, y por cierto para no volver jamás. Este álbum, la versión americana de su disco homónimo, que se distribuiría en todo el mundo gracias a Matador como su propio nombre indica, contenía canciones uptempo como ‘Room With a View’ o la medio rockera ‘LOUDLAND!’. Una delicatessen de j-pop de toques jazzy imprescindible para seguidores de Saint Etienne.

‘Me cambio de década’: ¿experimento social o ejercicio de nostalgia?

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18 septiembre, 2017

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La pasada semana Antena 3 estrenaba, oh maravilla, un formato más o menos novedoso a medio camino del experimento social y el reality. ‘Me cambio de década’ plantea la inmersión de una familia moderna (una pareja formada por un DJ y una azafata, cada uno con una hija adolescente de una relación anterior y un niño pequeño en común) en el día a día de una familia-tipo española en una década distinta a la que les ha tocado vivir. Una especie de ‘Cuéntame cómo pasó’ express y sin ficción.

En el caso del primer capítulo emitido el pasado lunes, los Vela Celena fueron invitados por el omnipresente Arturo Valls (que respiren tranquilos sus detractores: su presencia en el programa es más de voz en off que otra cosa, aunque aparece un par de veces y está relativamente contenido) a “viajar” a los años 60. Ataviados con un look más propio del plató de ‘Mad Men’, la familia se enfrentaba a dramas como la de limpiar animales muertos (una gallina cadáver que se tiró un pedo fue uno de los momentos culminantes del programa) para alimentarse, vivir sin refrigerador y televisor o asimilar las discriminaciones por sexo aún más recrudecidas que hoy en día.

El planteamiento y el montaje del programa (un poco a la ‘QQCCMH‘) son bastante ágiles (tanto, tanto, que una década tan convulsa como aquella se la meriendan en una hora; hoy, los 70, con su muerte de Franco y su Transición, toda la pesca) y como espectáculo televisivo resulta entretenido. La ambientación y decoración es cuqui (muy de filtro de Instagram) y las situaciones que se dan van de lo gracioso (verles meterse a todos en un Seiscientos y conducir por el Madrid actual) a lo interesante. Por ejemplo, ver a las adolescentes enfrentarse al hecho de que los hombres de la casa son atendidos por ellas permanentemente, para su indignación, versus la abuela de la familia diciendo que a ella le encantaba vivir aquella época y que la añora profundamente.

Sin embargo, aunque el programa ofrecía algunas (muy leves) pinceladas socioeconómicas y políticas, toda la supuesta realidad a la que se enfrenta la familia Vela Celena es extremadamente light y dulcificada, partiendo del hecho de que les han instalado en la vida de una familia bastante acomodada de la época, no el de su equivalente actual. Lo que podía ser un auténtico reto –ver con las verdaderas dificultades con que tenía que lidiar una familia trabajadora de aquella época, o el grado de represión en el que vivían– se convierte en un simple espectáculo televisivo en el que se intuye cierta glorificación nostálgica bastante chunga, que desdibuja cómo era verdaderamente España entonces. La cuestión es: ¿es solo una torpeza en aras del entretenimiento o un esfuerzo intenacionado por mostrar a las nuevas generaciones una realidad alternativa?

Calificación: 4,5/10.
Destacamos: el ritmo del programa hace que sea entretenido; la ambientación de tienda de muebles vintage.
Te gustará si: deseabas que la vida de los Alcántara fuera como la de los Draper.
Predictor: durará dos o tres capítulos más, hasta llegar a nuestros días. ¿O serán tan atrevidos de decirnos lo bien que vamos a vivir en 2030?

Post Malone triunfa con ‘rockstar’, ya nº1 en el global de Spotify

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Sebas E. Alonso

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18 septiembre, 2017

Post Malone no se conforma con tener uno de los discos más vendidos este año (el publicado a finales de 2016 ‘Stoney’) y ya tiene listo su próximo proyecto, llamado ‘Beerpongs and Bentleys’, aún sin fecha de edición a pesar de que el artista lleva lanzando teasers del mismo meses y de hecho se esperaba para junio.

En cualquier caso, el primer avance, basado en los ritmos más asequibles del trap, marca de la casa, se publicaba el pasado viernes bajo el nombre de ‘rockstar’. Cuenta con la colaboración de otro joven artista, el rapero de Atlanta 21 Savage.

Esta nueva canción salía, de hecho, el mismo día que su colaboración junto a Lorde en el nuevo remix de ‘Homemade Dynamite’. ‘rockstar’ ha sido un éxito instantáneo y hoy ya es la canción más reproducida del mundo en Spotify al sumar casi 4 millones de streamings diarios. Es verdad que la mitad proceden de Estados Unidos, pero también lo es que este nuevo single de Post Malone aparece en el número 5 del Spotify británico, en el 2 en el de Noruega y en el 1 en el de Dinamarca. Sin duda estamos ante uno de los artistas que, a sus 22 años, mejor está conectando con las nuevas generaciones y por una vez, este no es de Canadá como Bieber y Drake, sino estadounidense.

Reeps One aúna primitivismo y modernidad en su espectáculo de beatbox visual ‘Surfaces’

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