Los músicos explotan y se unen contra el fraude de la “rueda” y piden una refundación de la SGAE

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24 julio, 2017

5

La segunda temporada de ‘Stranger Things’ se estrena en Netflix finalmente el viernes 27 de octubre, solo unos días antes de Halloween. De hecho para cuando llegue Halloween es posible que muchos fans de la serie se hayan inspirado en esta nueva temporada para sus disfraces, teniendo en cuenta además que la historia arranca en esta festividad, con los niños disfrazados de ‘Cazafantasmas’.

Así vestidos vemos a los niños de Hawkins en el tráiler oficial de la segunda temporada de ‘Stranger Things’ estrenado este fin de semana en el Comic Con de San Diego. El tráiler presenta primero a los niños jugando a ‘Dragon’s Lair’, un popular videojuego que se estrenó en 1983, precisamente un año antes del año que está basada esta segunda temporada, y no tarda en revelar que los misterios que cambiaron sus vidas en la primera no solo continúan acechándoles sino que además ahora lo harán en mayor forma.

El tráiler es emocionante, pero se guarda las novedades reales para cuando se estrene la serie: no se revelan en él personajes nuevos (que los habrá, como se ha confirmado) ni tampoco se hace guiño a ninguna subtrama nueva. Como curiosidad, el adelanto incluye una banda sonora que reconocerás al instante, ‘Thriller’ de Michael Jackson, una canción estrenada en 1982 que sin embargo se ha convertido en emblema eterno de la noche de Halloween.

Coldplay / Kaleidoscope EP

Por

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24 julio, 2017

6

Coldplay publican este verano un EP que no está tan vinculado a su último disco ‘A Head Full of Dreams‘ como cabría esperar. Con uno de los temas presentados en el día del 40º cumpleaños de Chris Martin (‘Hypnotised’), suena más bien como un compendio retrospectivo de todas las vertientes que hemos conocido de la banda británica. Aquí hay lugar para el amor, para la autoayuda, para la política, para el piano, para la pista de baile, para el hip-hop, para el intimismo y mínimamente para la experimentación.

La mejor canción no por casualidad abre el EP. ‘All I Can Think About Is You‘ es su clásica canción épica, que tras un inicio más tranquilo, topa con un piano 100% Coldplay en lo que supone un emocionante crescendo. Y sin embargo, tampoco es que muestre a la banda de Chris Martin de lo más inspirada. ‘All I Can Think About Is You’ no pasará a la historia del grupo, pues no deja de ser más que una composición que suma la guitarra de ‘Lazarus’ de David Bowie a la base de ‘Teardrop’ de Massive Attack con el mencionado truco pianístico ya visto mil veces en Coldplay y un desarrollo un tanto Pink Floyd.

‘Miracles (Someone Special)’ es la canción de autoayuda. Sus guitarras son funky y sus intenciones son tan buenas que, si en la primera estrofa los ídolos a emular son Mahatma Gandhi, Muhammad Ali y Nelson Mandela, la segunda nos muestra la cuota femenina con Amelia Mary Earhart, Juana de Arco, Rosa Parks y Santa Teresa de Calcuta. Sin embargo, hay algo en ella -y es al margen del featuring de Big Sean- que la hace sonar totalmente inacabada. El carácter desbocado -muy comedido- de guitarra y desarrollo de la siguiente, ‘A L I E N S‘, no está mal, pero como canción benéfica a favor de los refugiados carece de toda imaginación, con un estribillo que reza simplemente «Just an alien» y una letra con frases del tipo «los niños lloran sólo si tú quieres». Y el disco se cierra con ‘Hypnotised’, algo así como la versión kitsch de ‘O’, el precioso tema a piano que cerraba el infravalorado, sencillo pero muy tierno ‘Ghost Stories‘.

Pero si algo termina de quitar el sentido a ‘Kaleidoscope’ no es su popurrí inconexo o las referencias al pasado, sino esa versión en directo de ‘Something Just Like This’, el mayor hit de Coldplay en Spotify gracias a la colaboración con Chainsmokers. Como si Paralophone, sello de Coldplay, hubiera pedido los permisos para incluir la grabación original a Columbia, sello de Chainsmokers, y estos hubieran respondido «ni de coña», los de Chris Martin se han sacado de la manga una versión «Tokyo Remix» que convierte lo que debería ser la canción estrella del EP en la más inaudible. La composición no es que fuera muy buena, pero es que en esta versión es imposible no querer pasarla. ¿Cuántas veces estás dispuesto a escuchar «arigato gozaimasu» en boca de Chris Martin? Yo ninguna más.

‘Kaleidoscope’ parece querer mostrarnos cuán versátiles son estos Coldplay que, en 2017, siguen arrasando las radios con todo lo que tocan como ya quisieran U2, pero por diferentes razones lo que nos muestra es lo cerca que están de perder parte de su identidad y de su credibilidad con este «todo vale».

Calificación: 4,5/10
Lo mejor: ‘All I Can Think About Is You’
Te gustará si te gustan: Travis y Big Sean lo mismo que Brian Eno (que colabora en ‘A L I E N S’
Escúchalo: Spotify

5 razones por las que ‘Fargo’ es (por tercera vez) una de las mejores series del año

Por

Joric

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23 julio, 2017

7

Después de tres años y treinta episodios memorables, ‘Fargo’ ha llegado a su fin… ¿definitivo? Su creador, Noah Hawley, ha confirmado que está hasta arriba de trabajo (tiene pendiente la segunda temporada de ‘Legion’ y dos películas como director) y no piensa ponerse con la cuarta temporada de la serie –si es que se pone- hasta dentro de, como mínimo, tres años. Al ritmo que va la ficción televisiva, ¿le esperarán?

Te damos cinco razones que, junto a las que expusimos para la segunda temporada (que también valen para esta), colocan nuevamente a ‘Fargo’ como una de las mejores series del año (y eso a pesar del controvertido y algo insatisfactorio final).

1. Noah Hawley maneja nuestras expectativas como un mago. Después de ver ‘Fargo’, el noventa por ciento de las ficciones te parecerán previsibles, convencionales y formularias. Hawley hace más regates en un capítulo que Messi en toda una liga. Nunca sabes por dónde te van a venir los tiros. Pero una cosa es segura: sus giros de guión y sus contorsiones estilísticas son siempre sorprendentes e imaginativas, pero nunca caprichosas. O casi: ese final…

2. El malo es antológico. Ya lo eran el asesino a sueldo de la primera temporada y el implacable indio de la segunda. Pero V.M. Varga es insuperable. David Thewlis, que este año hace doblete con el supervillano de ‘Wonder Woman’, compone un personaje lleno de matices, tan repugnante (esa dentadura, esa manera de comer), como atrayente. Su elocuencia (tiene peroratas que hubiera firmado el mismísimo Tarantino), inteligencia, astucia y malicia le convierten en el gran personaje de este año.

3. Los detalles que caracterizan a los personajes. Es uno de los rasgos distintivos de la serie. Desde el protagonista hasta casi el último figurante, todos tienen, en mayor o menor medida, una cualidad, una peculiaridad, un hábito, un signo diferenciador que les singulariza. Pero Hawley no solo utiliza estos detalles como elemento caracterizador, sino que les saca un enorme partido dramático. El mejor ejemplo de esto es lo que le ocurre a la jefa de policía Gloria Burgle (fabulosa Carrie Coon). Su incapacidad para ser detectada por los sensores de movimiento (puertas automáticas, secadores) es una de las metáforas más imaginativas que yo he visto sobre la invisibilidad laboral, la inseguridad personal y el menosprecio por razones de género.

4. Las muertes. En ‘Fargo’ se muere mucho y de muy diversas formas. La irrupción del mal, del caos, en un entorno pacífico y ordenado es el catalizador dramático que hace avanzar la acción de la serie. Y las muertes son su combustible. La inventiva en este sentido es constante. Las hay crueles, estúpidas, inesperadas, fortuitas, extrañas y, una de ellas, la que cierra el primer episodio, digna de un tebeo de Mortadelo y Filemón.

5. Los guiños y conexiones con otras temporadas y con la película original. No hace falta haber visto ningún ‘Fargo’ para disfrutar de cualquier ‘Fargo’. Son historias independientes ambientadas en periodos históricos distintos (la tercera es la más contemporánea). Pero sí es recomendable haberlas visto si quieres añadir una capa más de diversión y significado. La aparición de un personaje (aquí sale uno de la primera formando un dúo memorable con la femme fatale Nikki Swango), una referencia, una rima visual o un simple guiño es el equivalente a encontrarte un trozo de avellana o pistacho en el helado. Y cuando suena el tema principal de la película de los Coen, la experiencia ya es directamente proustiana. 8,7.

El thriller asiático de Joe Crepúsculo

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23 julio, 2017

Aunque algunos hemos imaginado tanto un vídeo veraniego de ‘Pisciburguer’ que casi creemos haberlo visto, Joe Crepúsculo, que recientemente triunfara en el FIB, ha decidido ponerse serio y estrenar un vídeo para ‘Rosas en el mar’, a ojos de Spotify la canción favorita del público de su último disco ‘Disco duro’ tras el single ‘Música para adultos’. La balada escrita por su músico Aaron Rux y traducida al castellano por Bárbara Mingo y Joe cuenta con vídeo dirigido por Emilio R. Germán (Desigual, Springfield, La Banda Municipal del Polo Norte, el propio Crepus en ‘Mi fábrica de baile’) y se define como “un pequeño thriller con tintes asiáticos”.

En el vídeo, aunque aparece Crepus, también vemos a los personajes ejerciendo un karaoke de esta canción en algunas partes, mientras el amor, el deseo y los celos tejen los hilos del destino de los protagonistas, que parecen enfrentarse a un trágico desenlace que no llega a producirse… ¿o quizá sí?

Otra novedad reciente de Joe Crepúsculo ha sido la nueva versión de ‘Toda esta energía’ para ‘Colossal‘, la nueva película de Nacho Vigalondo con Anne Hathaway. La versión original aparecía en el disco ‘Chill Out’, pero se ha vuelto a grabar y a cantar con la producción de Sergio Pérez de Svper. Os dejamos con ella, con el nuevo vídeo y también con las próximas fechas de la gira de Crepus:

14 AGOSTO
Fiestas San Lorenzo, Huesca

24-25 AGOSTO
MUWI Rioja Festival

26 AGOSTO
Vive Nigrán

2 SEPTIEMBRE
Festival Ebrovisión

8 SEPTIEMBRE
Sala Dabadaba, Donosti

30 SEPTIEMBRE
Festival Trueno Rayo, Valencia

Aphex Twin no puede parar de crear y compartir

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23 julio, 2017

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Puede que Aphex Twin no haya publicado disco largo desde ‘Syro‘ en 2014, pero eso no significa que esté precisamente inactivo. Cuando no está vendiendo un maxi misterioso en Field Day, como sucedía el pasado mes de junio, aparece un vinilo suyo en una tienda de Michigan; cuando no colabora con Korg en una pista nueva tan accesible como ‘korg funk 5’ (con voces de su hijo) le da por subir su música a su web, como acaba de suceder.

Discogs es, por supuesto, una buena manera de ir compilando por dónde va el Tajo y ahí podemos comprobar en el apartado «miscelánea», cómo ‘korg funk 5’ forma parte del proyecto ‘Korg Trax+Tunings for falling asleep’, o cómo la experimental y finalmente ambiental ‘choirDrilll’ es una de las canciones nuevas que realmente se han dado a conocer en esta última tanda de su web, que incluye un extra de ‘Syro’, entre muchas otras cosas como las canciones de ‘Orphans’ con Luke Vibert. Discogs nos confirma que el EP de Field Day es conocido simplemente como ‘London 03.06.17’, mientras el de la tienda de Michigan incluye ‘3 Gerald Remix’ y la machacona ’24 TSIM 2′, en verdad conocidas hace tiempo por Soundcloud.

A diferencia de lo que sucedía el año pasado con el ‘Cheetah EP’, estas nuevas canciones post-‘Syro’ no están siendo subidas a Spotify, pero como decimos algunas de ellas se pueden escuchar con comodidad desde su página web, han sido subidas a Youtube (atentos a este inmenso perfil) o aparecen en Soundcloud.

Open.
Come in…https://t.co/xOC2Melx19

— Aphex Twin (@AphexTwin) July 20, 2017

Justin Bieber no puede actuar en China por su «comportamiento inadecuado»

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23 julio, 2017

5

Aunque parezca mentira, la gira de presentación del excelente ‘Purpose’ continúa y el disco será presentado en nuevos conciertos en Estados Unidos y Canadá desde finales de julio a principios de septiembre (con teloneros como Migos, Vic Mensa, Kehlani o Martin Garrix), y finalmente visitando Japón, Hong Kong, Indonesia y Filipinas en septiembre y octubre. El país que Bieber no visitará será China y alguien ha preguntado por qué en la web de la Oficina de Cultura del país.

Ha habido respuesta oficial: «No es adecuado que entren al país artistas que hayan tenido comportamientos inadecuados. Bieber es un joven cantante con mucho talento, pero también polémico, y como figura pública ha tenido una serie de comportamientos poco adecuados en su vida social, tanto en el extranjero como dentro de China», se indica. «Con el fin de regular el orden de las actuaciones y purificar el ambiente de éstas» de momento se impedirá que pueda actuar en este lugar. Sin embargo, se deja la puerta abierta a que lo haga en el futuro: «Esperamos que mientras Justin Bieber madura, pueda continuar mejorando sus palabras y acciones, para así convertirse en un cantante realmente admirado por el público», concluyen, asegurando por tanto que Justin no es «realmente admirado por el público».

Al margen de sus problemas en China, Justin Bieber ha tenido problemas con la justicia en Brasil, Canadá, Estados Unidos y muy especialmente Argentina, país excluido de su gira, pues si lo visita, será detenido con toda seguridad tras haber agredido a un fotógrafo. En cambio, el artista sí ha visitado Chile, Brasil, Perú, Ecuador, Colombia, República Dominicana, Puerto Rico, Panamá o Costa Rica durante marzo y abril de este año.

Giorgio Moroder la lía pinchando ‘Despacito’, EDM y autotroleándose un poco

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23 julio, 2017

15

Giorgio Moroder era anoche la gran estrella invitada de las Noches del Botánico en Madrid, precedido de la actuación del dúo Delaporte, que se mostró encantado de telonear al gran icono de la música disco. Formado por la española Sandra Delaporte y el italiano Sergio Salvi, el dúo desplegó un repertorio compuesto por ritmos R&B, dubstep y otras cuasi modernidades electrónicas que en ocasiones es un shock escuchar en castellano. En muchos sentidos parecen una versión actualizada e hispanoitaliana de los primeros Hooverphonic o Kemopetrol. Les acompañó sobre el escenario una piña que forma parte de su iconografía. Su único single en Spotify, ‘Juice’, está en inglés, y su primer EP sale el 22 de septiembre. El 21 de octubre vuelven a tocar en la Sala Arena como parte del ciclo Mad Town.

Pero la estrella de la noche era Giorgio Moroder y el productor la lio prácticamente nada más salir. La cosa ya prometía cuando fue él mismo quien salió junto a su esposa para conectar las proyecciones de su MacBook con la pantalla tras de sí. Al parecer, nadie podía encargarse de tan poco glamouroso cometido de una manera más discreta, o quiso hacerlo él por ahorrarse unos euros. Pinchó «pantalla completa», le dio al «play», desapareció con su mujer y volvió a salir ya él solo para pinchar la primera canción, ‘Love To Love You’, uno de los clásicos que co-escribió junto a Donna Summer y Pete Bellotte. Las proyecciones se componían básicamente de su figura vestida de italo disco y lyric videos para poder corear las canciones. ¡Bien! Sin embargo, la segunda canción que aguardaba era nada menos que una remezcla de la controvertida ‘Despacito’.

El productor ya había avanzado durante una entrevista con JENESAISPOP el día anterior que iba a pinchar el hit de Luis Fonsi y Daddy Yankee, aunque atribuyéndoselo sólo a Justin Bieber. Hubo abucheos, nada realmente escandaloso, pero sí lo suficiente para que Moroder llegase a hacer una pose desafiante o de extrañeza -no sabría decir- con las manos. Tampoco fueron muy bien recibidas las múltiples canciones de Calvin Harris seleccionadas para su sesión: ‘This Is What You Came For’ con Rihanna o ‘How Deep Is Your Love’ con Disciples. Hubo quien optó por sentarse a modo de protesta y quien gritó abiertamente «¡No quiero esto!». De manera paralela a esta performance a mi lado, también hubo quien bailó, pero el ambiente verbenero ya era inevitable. No creo que Moroder pinchara ni una sola mala canción anoche, pero es cierto que quien hubiera acudido esperando una sesión de refinada disco music, solo conocería el agrio camino de la decepción.

Aunque hubo muchos momentos de celebración. Fueron, claro, cuando sonaron sus producciones. ‘Hot Stuff’, ‘Flashdance… What a Feeling’, ‘Scarface (Push It To The Limit)’, ‘The NeverEnding Story’, ‘On the Radio’, ‘Take My Breath Away’… su colección de hitazos es de órdago y especialmente cuando Donna Summer aparecía en las pantallas o se recuperaban imágenes de las bandas sonoras de sus películas, el público se venía muy arriba. A juzgar por la buena reacción cuando seleccionaba alguna producción ajena de los años 70, como fue el caso de la seminal ‘Le Freak’ de Chic, mi sensación es que Giorgio Moroder habría dejado un sabor de boca mucho mejor si hubiera pinchado una selección únicamente de música disco.

Sin embargo, hay que recordar que Moroder manejó siempre cifras millonarias. Lo suyo iba de colocar temas en el top 10 del Billboard Hot 100, vender millones de 12″, producir millones de ingresos en dólares y ganar Oscars así en plural (en serio). Aunque sus producciones fueran vanguardistas e inusualmente avanzadas, no fue una prioridad para él rebuscar en el underground y quizá es más normal que de pinchar algo del siglo XXI eso sea Calvin Harris -un productor muy infravalorado por la crítica, por otra parte- y no un productor nuevo que solo conozca Annie Mac (además, el hip-hop le gusta lo justo). Es curioso que un día tituláramos, medio en broma, que Giorgio Moroder fue el David Guetta de su generación. Enfadamos a unos cuantos lectores, pero ni nosotros vaticinamos cuán en serio íbamos: Moroder pinchó anoche ‘Dangerous’.

Con tiros propios como ’74 is the New 24′ o una ‘I Feel Love’ acortada, como tantas otras, en lo que casi parecía otro ejercicio de autotroleo (¡pero si lo que molaba era que era eterna!), la noche fue llegando a su fin, dejando dos anécdotas más para la historia: la presentación de su colaboración con Daft Punk (contó en perfecto castellano que le llamaron «desde Marte»), «My name is Giovanni Giorgio, but everybody calls me Giorgio», y la final ‘Call Me’, que decidió repetir a modo de bis, con el consentimiento de su mujer, que volvió a salir a escena. Uno más -el hit con Blondie- de los momentos en que Moroder decidió usar el micrófono para entonar temas con su propia voz. Una noche con sus más y sus menos, pero muy divertida, desarrollada en un «marco incomparable» (el Jardín Botánico de la Complu), y en la que si algo no moló, no pasa nada. Él mismo, a sus 77 años, reconoce por ejemplo que su último álbum no estaba a la altura. Ya quisieran muchos su capacidad autocrítica y su legado, que bien le sirve para hacer lo que le dé la real gana. 6.

Muere el actor John Heard de ‘Solo en casa’ y ‘Big’

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23 julio, 2017

Este sábado se ha conocido la noticia de la muerte del actor John Heard, a los 72 años. Así lo confirmaba un oficial de policía del condado de Santa Clara al popular medio Hollywood Reporter, donde se asegura que la causa de su fallecimiento aún está siendo investigada. TMZ indica que fue encontrado en un hotel donde se recuperaba de una operación de espalda, por el personal del mismo.

John Heard es conocido por haber participado en algunas de las películas más televisadas de la historia, como es el caso de ‘Solo en casa’, donde interpretaba al padre de Macaulay Culkin, o ‘Big’. Pero también había aparecido en ‘El informe pelícano’, ‘Corrupción en Miami’ o ‘Modern Family’. Una aparición en ‘Los Soprano’ como detective Vin Makazian le sirvió una nominación en los Emmy de 1999 a la mejor estrella invitada. Hace poco había aparecido en ‘Outsiders’ y la nueva versión de ‘MacGyver’.

Tras curtirse en el mundo del teatro, Heard fue apareciendo en varias películas a finales de los años 70 y principios de los 80. Fue el caso de ‘Cutter’s Way’ o de ‘Cat People’. Fue uno de los secundarios más recurrentes de cine y televisión como muestra su larguísima filmografía.

John Heard se casó con la actriz Margot Kidder en 1979 pero se separaron a los 6 días. Después se casó con Sharon Heard y Lana Pritchard.

Sorpasso: ‘Something Just Like This’ ya es la canción más reproducida de la historia de Coldplay en Spotify

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22 julio, 2017

10

El próximo lunes o el próximo martes, ‘Something Just Like This’, el cuestionable tema de Coldplay para el cuestionable disco de debut de The Chainsmokers, superará los 500 millones de reproducciones en Spotify, pero ya es desde hace un par de semanas la canción más reproducida de toda la historia de Coldplay en esta red de streaming. Supera a ‘A Sky Full of Stars’, en segundo lugar en el global de su carrera.

La canción más reproducida del debut de Coldplay en Spotify es ‘Yellow’ con 239 millones de streamings. La del segundo es ‘The Scientist’ con 333 millones. La del tercero, ‘Fix You’ con 284 millones. La del cuarto, ‘Viva la Vida’ con 290 millones. La del quinto, ‘Paradise’ con 256 millones. La del sexto, la mencionada ‘A Sky Full of Stars’ con 426 millones y la del último, ‘Adventure of a Lifetime’, con 389 millones, seguida muy de cerca por su dúo con Beyoncé. Por supuesto, esto no significa que The Chainsmokers hayan dado a Coldplay el mayor éxito de su carrera: antes existían otros sistemas de medición y ciertas canciones han hecho vender a la banda de Chris Martin decenas de millones de copias. Sin embargo, es innegable que les han acercado a nuevas generaciones y que les han dado un pedazo de hit en radios. Exactamente ‘Something Just Like This’ es la primera canción de Coldplay que alcanza el número 1 en las radios pop de Estados Unidos. Su mejor dato era el número 12 de ‘Viva la Vida’.

No es, en cambio, ni parece que vaya a ser el mayor hit de The Chainsmokers. ’Something Just Like This’ sí ha superado a ‘Paris’ y podría alcanzar los 556 millones de streamings de ‘Roses’, pero los 876 millones de ‘Don’t Let Me Down’ y sobre todo los 1.064 millones de streamings de ‘Closer’ parecen inalcanzables.

Cabe destacar que ’Something Just Like This’ es uno de los múltiples hits actuales que no tiene vídeo, lo que afecta a sus datos de Youtube. En Youtube, esta es “sólo” la 4ª canción más reproducida de Coldplay con 550 millones de reproducciones, por detrás de otros temas que sí tienen vídeo, como su colaboración con Beyoncé (770 millones), ‘Paradise’ y ‘Adventure of a Lifetime’.

Lana del Rey / Lust for Life

Por

Pablo Tocino

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22 julio, 2017

95

Atar bien un álbum puede parecer una tontería, pero no lo es. Una de las primeras impresiones que surgen tras escuchar el nuevo de Lana del Rey de principio a fin es que supone el mejor atado de su discografía -el mismísimo ‘Born to Die’ terminaba con ‘This Is What Makes Us Girls’ que, sí, era resultona, pero desde luego no estaba al nivel del tema que lo abría. Aquí, en cambio, el lead-single ‘Love’ y ‘Get Free’ son dos de los puntos más destacables del disco para quien esto escribe (y la segunda refleja el concepto de ‘Lust for Life’ más que el corte titular). Pero no son en absoluto los únicos momentos recomendables de un trabajo que tiene intención de gustarles a quienes añoran sus comienzos, a quienes han seguido con gusto su camino y a quienes tenían ganas de verla en otros terrenos. No en vano, se ha rodeado de un equipo en el que se mezcla gente con la que ya ha colaborado (Emile Haynie y Justin Parker, a quienes no veíamos desde la época ‘Born to Die‘, y Rick Nowels, en la producción de todo su material anterior) con nombres totalmente nuevos en su discografía (Max Martin, Benny Blanco, Metro Boomin, Boi-1da), además de los anunciados featurings de Stevie Nicks, The Weeknd, Sean Ono Lennon, A$AP Rocky y Playboi Carti.

A la arriesgada decisión de despachar los dos primeros singles (‘Love’ y la sugerente ‘Lust for Life’ junto a The Weeknd) nada más empezar no le sigue en la secuencia un bajón; más bien nos llevamos una agradable sorpresa con ’13 Beaches’, de la que no esperábamos mucho y resulta ser una de las mejores demostraciones vocales de su carrera. La fama y el amor turbulento, temáticas presentes en todos sus álbumes, son los protagonistas de una canción en la que la cantante se “muere por tener algo real” y, en general, de la primera parte del disco. A través de temas como ‘Cherry’ -ese juego en “and all of my peaches (are ruined (bitch) )”…-, ‘White Mustang’, ‘In My Feelings’ y las ya conocidas colaboraciones con los raperos Playboi Carti (‘Summer Bummer’) y A$AP Rocky (la anterior y ‘Groupie Love’), entendemos a quienes vaticinaban un “regreso a los orígenes” en este nuevo trabajo de la neoyorquina. No, no son los mismos sonidos de ‘Born to Die’, y además en su debut nos hubiese sorprendido muchísimo la Lana empoderada que llama “perdedor” a G-Eazy (¿o no?) en ‘In My Feelings’ y le espeta “who’s tougher tan this bitch? / who’s free-er than me? / you wanna make the switch? / be my guest, baby”. Pero sí que hay cierta similitud en esta primera parte… hasta llegar a la canción que compuso tras su paso por Coachella.

Con ella se inicia una serie de temas donde la autora de ‘Ultraviolence‘ baja los beats y sube las implicaciones políticas, en ocasiones con mayor fortuna (‘When The World Was At War We Kept Dancing’), otras quedándose a medio gas (‘God Bless America – And All The Beautiful Women In It’). Este territorio hasta ahora inexplorado por ella es una de las novedades que presenta este ‘Lust For Life’, junto a las numerosas colaboraciones: de poder presumir de cero featurings en su discografía pasa a ofrecer ¡cinco! en este disco. Había quienes temían un desastre, pero lo cierto es que tanto el de Stevie Nicks (‘Beautiful People Beautiful Problems’) como el momento folkie junto a Sean Ono Lennon (‘Tomorrow Never Came’) son grandes aciertos. Podemos sentir la magia de la vocalista de Fleetwood Mac cuando empieza su parte, y la atmósfera del corte con el hijo de John y Yoko es también un territorio en el que no la habíamos visto. Parece como si, tras el regalo a los nostálgicos de ‘Born To Die’ que supone la primera parte, la cantante haya querido realizar un viaje introspectivo en la segunda, y a la vez retarse a hacer cosas que antes había evitado.

Ese viaje introspectivo es especialmente llamativo en las tres últimas canciones, que podrían dar forma a un nuevo ‘Tropico’: a través de ‘Heroin’ (conectando temáticamente con ‘Swan Song’), ‘Change’ (la única 100% acústica) y ‘Get Free’, pasa de querer huir y hacer como que sus problemas no existen -cuando no directamente buscar más problemas- a considerar la posibilidad de dar un golpe de timón, y finalmente verse capaz de hacerlo, aunque no esté aún en ese punto. La referencia a ‘Ride’ en el estribillo de esta última es una respuesta a lo que Lana planteaba en aquel primer single de ‘Paradise’, y la ¿inspiración/copia? de ‘Creep’ -suponemos que en algún momento se pronunciará sobre esto- puede entenderse como homenaje en tanto que la letra del hit de Radiohead no podría estar más alejada del optimismo con el que se cierra el disco. Sea como sea, ese “out of the black / into the blue” te transmite ya desde la primera escucha (y las demás solo lo confirman) que se va a hacer un hueco entre el top de frases que forman parte de su identidad como icono de la cultura pop, como el “I heard that you liked the bad girls honey, is that true?”, el “I am fucking crazy, but I am free” o el “love you more than those bitches before”. Al tiempo.

¿Es una repetición de ‘Born to Die’? No. ¿Los feats acaban comiéndose su personalidad? No (bueno, Stevie Nicks se come a cualquiera, pero eso es excusable). ¿Está libre de altibajos? Pues tampoco lo está. Pero es quizás su trabajo más interesante en cuanto a lo que reúne y las posibilidades que se abren. En su entrevista con Pitchfork de hace unos días, ella hablaba -entre otras muchísimas cosas- de su intención de eliminar de los visuales del tour algo tan identitario en ella como la bandera estadounidense, debido a la presidencia de Trump. Otro cambio más, como el de aparecer en la portada sonriendo por primera vez. Podríamos pensar que no tiene sentido que, tras años de paraísos oscuros, amores ultraviolentos y días muy negros, justo le dé por sonreír en los EEUU de Trump. Pero sí que lo tiene: conecta con su renovada concepción de su música como influencia política, y el interés en transmitir que rendirse ante el contexto, agachar la cabeza y “dejar de bailar cuando hay guerra” no es una opción, que ahora es cuando hay que sacar la alegría y fuerza para luchar.

Más allá de lo político, esto de la alegría no significa que ‘Lust for Life’ sea Lana hablando de lo feliz que es en la casa de la gominola… pero sí tiene, como anuncia desde su título, un concepto vitalista. Un interés en agarrarse a la vida, experimentar activamente todo lo que ésta tiene que ofrecer, y no dejar que las cosas pasen a su alrededor mientras ella está (in)cómodamente adormecida. Como dice en ‘Get Free’, “I had to decide to play someone’s game or live my own life”. Y parece que ha tomado una decisión.

Calificación: 8/10
Lo mejor: ‘Lust for Life’, ‘Get Free’, ‘Love’, ‘Beautiful People Beautiful Problems’, ‘Tomorrow Never Came’, ’13 Beaches’
Te gustará si te gusta: tanto la Lana de ‘Born To Die’, como la más contemplativa, como la que prueba nuevos caminos. Y si te gusta pensar que no es contradictorio levantar una pancarta en una manifestación mientras las pulseras de festivales cuelgan de tu muñeca.
Escúchalo: Spotify

Gran parodia de una crítica de Arcade Fire en Stereogum… ¿hecha por Arcade Fire?

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22 julio, 2017

Como todos los aficionados a la música saben, Arcade Fire sacan su disco ‘Everything Now’ el próximo viernes 28 de julio. Como todos los aficionados al periodismo musical saben, el popular blog estadounidense Stereogum no tiene una sección de críticas musicales propiamente dicha, pero sí una sección llamada «Premature Evaluation» en la que opinan sólo de discos muy relevantes justo cuando salen o un poco antes.

Misteriosamente, ha aparecido online una web llamada Stereoyum, de diseño clavado a Stereogum, con una sección llamada «Premature Premature Evaluation» en la que se especula cómo será la «Premature Evaluation» del inminente disco de Arcade Fire en Stereogum. El fondo de todo esto es un artículo publicado por Stereogum hace un par de meses en el que decían que le veían mala pinta al nuevo disco de Arcade Fire en base al single ‘Everything Now’. El artículo se llamaba «¿os acordáis de cuando Arcade Fire eran buenos?». Teniendo en cuenta la acidez y el juego de realidad y ficción que se gastan últimamente los autores de ‘Reflektor’, esta web en plan réplica solo puede ser obra de ellos.

El artículo bromea, no siempre con un humor demasiado fino, la verdad, sobre el contenido de la futura crítica de Stereogum, que hablará según ellos de la campaña de márketing del disco, dedicará bastante espacio a la contribución de Daft Punk y hablará de la conexión francófona entre ambas bandas. “Podríamos comparar las cabezas de papel maché de Arcade Fire con los cascos de Daft Punk, argumentando que Arcade Fire son como unos Daft Punk más bobos, menos cool, extremadamente serios y menos bailables, y señalando que la única conexión entre los grupos es un aura francés -un aura vago y difícil de localizar de lo francés, en el caso de Arcade Fire”, dice uno de los textos.

Al final concluyen que a pesar de que el largo no es tan bueno como ‘Funeral’ o ‘The Suburbs’, estará en la lista de lo mejor del año, «entre los puestos 8 y 14, unos puestos por debajo de lo de último de Father John Misty». Destaca también la copia de Stereogum de los discos en «Heavy Rotation» y sobre todo la lista de noticias falsas relacionadas, con «Arcade Fire arruinados por un vídeo sin fin» a la cabeza, en algo parecido a The Hollywood Reporter. Stereogum todavía no ha publicado una respuesta.

Rihanna logra su 9º número 1 en Reino Unido con un poco de trampa

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22 julio, 2017

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‘Despacito’ ya no es el número 1 de las islas británicas después de nueve semanas de liderato. Ahora lo es ‘Wild Thoughts’, la canción en la que DJ Khaled se ha hecho acompañar de Rihanna y Bryson Tiller. Nada de trampa en cuanto a los featurings, pues la mayoría del top 10 contiene alguno, pero sí en cuanto a la metodología.

‘Despacito’ sigue siendo el número 1 en descargas digitales en Reino Unido (25.751) y la canción que más veces ha sido reproducida en streaming esta semana (6.247.293). Sin embargo, la Official Charts Company ha cambiado recientemente las normas para impedir que las listas oficiales, tomadas por el streaming, sean el coñazo que han sido durante el último año: ‘One Dance’ de Drake fue número 1 durante 4 meses y, tras la edición de “Divide” de Ed Sheeran y ‘More Life’ de Drake, ambos ocuparon la mitad de todo el top 75. Así, ahora cada artista solo puede tener 3 temas en lista, pero además se ha cambiado el baremo de streamings y descargas. Ahora cada streaming cuenta menos, e incluso se ha añadido alguna norma más extraña como la que acaba de beneficiar a ‘Wild Thoughts’ en perjuicio de ‘Despacito’. Así, al llevar ‘Despacito’ más de 9 semanas en lista y haber visto descender sus ventas durante 3 semanas, su puntuación se ha visto reducida. De esta manera, se trata de precipitar su caída poco a poco, aunque siga siendo la canción favorita de la audiencia. Se considera por tanto que el tema de DJ Khaled suma 51.000 puntos y el de Luis Fonsi 47.000 cuando este tiene más streamings y más descargas. El debate está abierto: ¿esto es una trampa como una catedral o una norma necesaria para que las listas den paso a nuevos artistas y canciones, como se pretendía? ¿Ambas son correctas?

En cualquier caso, lo seguro es que la canción de Rihanna y DJ Khaled ha gustado y su trayectoria ha sido ascendente. Es el 9º número 1 en Reino Unido para Rihanna, que no lograba ninguno desde ‘The Monster’ junto a Eminem en 2013 (‘Work’ fue doble platino y la 9ª canción más exitosa de todo 2016 en Reino Unido, pero se quedó en el puesto 2); el segundo para DJ Khaled, que lograba el primero con ‘I’m the One‘ hace 3 meses junto a Justin Bieber, entre otros, también extraído de su disco ‘Grateful’; y el primero para Bryson Tiller.

Otra rareza de las listas británicas de la semana es que el EP de Coldplay no ha podido entrar en la lista de álbumes al tener 5 canciones y durar menos de 25 minutos. Habría sido número 4 en la lista de álbumes, pues ha vendido casi 8.000 copias en sus primeros 7 días.

Hit de ayer: Prisencolinensinainciusol

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Jaime Cristóbal

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22 julio, 2017

Si la memoria no me falla, la primera vez que supe de esta canción fue a través de ese “directorio de cosas maravillosas”, el blog geek y cultural Boing Boing. En 2009 hablaban de un bizarro tema italiano cantado en “inglés inventado”, con vídeo incluido. Un simple vistazo aclaraba que se trataba de alguien familiar, Adriano Celentano (muy célebre en Europa pero un desconocido en los EEUU), y una inspección más detallada revelaba además que entre los participantes de esa furibunda coreografía aparecía una joven Raffaella Carrá. La canción era una fenomenal apisonadora para bailar que sonaba extrañamente adelantada a su tiempo.

Originaria de 1972, ‘Prisencolinensinainciusol’ ha vuelto a la actualidad muy recientemente gracias a su inclusión en la nueva temporada de ‘Fargo’, pero es sólo una más de sus múltiples resurrecciones a lo largo de las décadas, sobre todo en Italia, donde Mina, el cantante Bugo o el propio Celentano grabaron nuevas versiones, y djs como Mario Farggetta o los hermanos Visnadi la remezclaron en 1992 y 95. El carácter único de ‘Prisencolin…’ es lo que ha provocado este constante interés: la parte “novelty” la aporta sin duda la letra, ese galimatías angloide que Celentano despliega con su habitual y encantadora “cara dura”, en una interpretación extrañamente precursora del rap. Pero el otro gran gancho está en ese beat hipnótico, entre funk y marcial, con un sonido de batería ”fatback” absolutamente maravilloso y portentosa reverb. De alguna forma -también- precursor del clásico ritmo de la música disco media década antes de su aparición.

En Italia el single fue un gran éxito, pero la escena internacional se perdió este potencial hit. Sin embargo sí llegó a ciertos clubes de Reino Unido a mediados de los 70, donde hasta se hizo popular en algunas sesiones de Northern Soul. Pero realmente fue en 2008, con la remezcla de Greg Wilson -que sacaba chispas a tan seductor beat- cuando la canción empezó a conocerse de verdad fuera de su país y a triunfar en los clubs. El “big bang” de los vídeos musicales en Youtube (hacia 2007-08) acabó de sellar su viralidad, con la feliz aparición de esa euro-locura maravillosa que es el clip.

No hay demasiada información sobre la gestación de la canción: preguntado sobre la misma, Celentano suele limitarse a decir que cantó de la manera que le suena el inglés a alguien que no lo habla y que el mensaje que encierra es “una protesta por la incomunicación en el mundo actual”. Sin embargo, escuchando el single completo se descubre algo interesante: la canción ‘Disc jockey’, que ocupa la cara B, tiene en realidad el mismo ritmo, con algunas variaciones puntuales. Y al llegar el final de esa canción, justo cuando se queda el beat en repetición con la seccion de viento (minuto 4:20), a Celentano le da por hacer un final ad lib cantando casi exactamente igual que en ‘Prisen…’. Mi teoría es que ‘Disc jockey’ iba a ser la cara A (es una canción con estrofas, estribillos, arreglos elaborados) pero que cuando Celentano hizo esa improvisación la cosa cambió. Seguramente alguien en el estudio le vio potencial, hicieron un loop con cintas con el fragmento que interesaba, y el cantante se curró una “letra” más larga, incluyendo ese nuevo estribillo. Grabaron todo, y el resultado fue tan espectacular que pasó inmediatamente a la cara A. Que el origen accidental de este bombazo se titulara precisamente ‘Disc jockey’ no hace sino añadir un extra de poética serendipia.

‘Prisencolinensinainciusol’ sonó en el episodio #279 de Popcasting podcast presentado por Jaime Cristóbal, y disponible en este enlace.

Conoces al director del nuevo vídeo de Cut Copy por El Último Vecino

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22 julio, 2017

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Cut Copy, la banda australiana aún especialmente recordada por la electrónica viajera contenida en discos como ‘In Ghost Colours’ y ‘Zonoscope’, ha abierto una nueva etapa musical en su carrera con un single llamado ‘Airborne’ dominado por unas guitarras disco-funkys.

Sin que esta sea su canción más acelerada, no se esquiva la ambientación electrónica de synth-pop ni del todo las pistas de baile. El medio tiempo tiene desde este fin de semana un nuevo vídeo dirigido por Gerson Aguerri que ha sido rodado en Barcelona y en el que el líder del grupo Dan Whitford se sumerge en la noche para tratar de conseguir algo de comer… cuando se le cruza un extraño personaje. Las cosas se complican en el supermercado, culminando todo en una carretera perdida. Bueno, en realidad no.

Dan Whitford asegura que ‘Airborne’ es una de las canciones “más interesantes y desafiantes” en las que se ha visto envuelto y detalla que el vídeo fue grabado durante la noche de tres días. La escena del camión se filmó después de que pasara 24 horas sin dormir. Como podéis comprobar, los créditos del vídeo en Youtube están llenos de apellidos españoles. Gerson Aguerri ha trabajado anteriormente con Breakbot o El Último Vecino, para quien hizo el vídeo de ‘Tu casa nueva’.

De momento no tenemos fecha para la continuación de ‘Free Your Mind’, que salió hace ya 4 años.

EL ULTIMO VECINO 'Tu Casa Nueva' from Gerson Aguerri on Vimeo.

Culoe de Song visita Barcelona tras adentrarse en el lado oscuro en ‘Aftermath’

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22 julio, 2017

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Esta noche, entre nombres como DJ Yoda, Alicia Carrera, el percusionista y DJ KA-YU y los poperos Capote & Algar, podrás ver en la Sala Razzmatazz de Barcelona a Culoe de Song, uno de los productores y DJ’s más conocidos de la música sudafricana. Nacido hace casi 27 años en Eshowe bajo el nombre de Culolethu Zulu, el artista se daba a conocer con obras como ‘A Giant Leap’ y ‘Elevation’, publicando como álbumes oficiales ‘Exodus’ en 2013 y ‘Washa’ en 2016. A través de canciones de estos discos y de EP’s como ‘Y.O.U.D.’ ha ido afianzando su sonido en torno al deep house con toques de otros estilos, como las cuerdas sintéticas y el piano de la propia ‘Y.O.U.D.’, cercana en momentos puntuales a Jarre o a la Yellow Magic Orchestra; y en otros más al house tribal, como era el caso de las explosivas ‘Woman Woman’ y ‘Make You Move’ de ‘Elevation’, con Ternielle Nelson y Chapell respectivamente. ¿No es ‘Woman Woman’ una pista perfectamente apta para seguidores de Massive Attack, Craig Armstrong y Youssou N’Dour?

Su última obra es un EP publicado este mismo año bajo el paraguas del sello berlinés Watergate Records, en el que le escuchamos más contenido. Aquí se encuentran los sonidos oníricos y suntuosos de un The Field (‘Deadman’s Walk’) con los abiertamente bailables. Tanto en esta canción como en la inicialmente oscura ‘Juice’ van emergiendo los sintes o los beats que las acercan a la pista. También destacables son las otras dos canciones, la misteriosa y casi mística ’Aftermath’ y ‘Bang Royales’, esta última con samples vocales que nos recuerdan sus orígenes.

También os dejamos con su remix para Maya Jane Coles, en concreto para ‘Won’t Let You Down’, el tema principal de su último EP. Os recordamos que el artista actúa hoy sábado 22 de julio en Razzmatazz.

Cosas de Huesca: vas por tu pueblo y te encuentras con Jake Gyllenhaal

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21 julio, 2017

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7 años después de que Madonna parara en Burgos a repostar gasolina, sin poder pillar un avión debido a la ceniza de un volcán islandés, y solo uno después de que Harrison Ford y Calista Flockhart, según varios titulares, se pusieran las botas de comer en Segovia y Toledo, otra estrella de Hollywood se ha dejado caer por un lugar perdido de España, aunque en esta ocasión por trabajo. El actor Jake Gyllenhaal, uno de los más famosos del mundo por sus papeles por ejemplo en ‘Donnie Darko’, ‘Brokeback Mountain’, ‘Enemy’ o recientemente ‘Okja’, está grabando en Valle de Tena, Huesca, y lo sabemos porque una persona se ha topado con él por casualidad y se lo ha contado. Cosas de Huesca.

Ha sido el tuitero alex_oros29 la persona que se ha encontrado con Gyllenhaal en su pueblo, pero curiosamente no ha sido él quien ha parado al actor sino a revés, como cuenta el tuitero: “por lo visto está grabando una película por la zona en la que vivo y me ha parado por mi camiseta de los GSW. Es muy agradable”. GSW se refiere a Golden State Warriors, un equipo de baloncesto de California que juega en la NBA.

Lo que no sabemos es si Gyllenhaal ha contado al tuitero sobre su próxima película, ‘Stronger’, que se estrena el 22 de septiembre y narra la historia de superación de una víctima superviviente del atentado de Boston, que dejó 2 víctimas mortales y 282 heridos en 2013. Ha dirigido la cinta David Gordon Green y en su reparto se encuentran también Tatiana Maslany y Clancy Brown.

Esto de que vas por el pueblo y te encuentras con Jake Gyllenhaal #Nightcrawler #PrinceOfPersia #Prisoners #Demolition pic.twitter.com/TpF30DMypu

— Alejandro (@alex_oros29) July 19, 2017

Se viraliza el último videoclip de Linkin Park, subido a Youtube horas antes de la muerte de Chester Bennington

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21 julio, 2017

Ayer a las 18.02, hora peninsular española, es decir, dos horas antes de que se conociera la muerte de Chester Bennington, que ha impactado profundamente a toda una generación, aparecía en el Facebook de su grupo Linkin Park su nuevo videoclip, ‘Talking to Myself’, extraído del disco editado este año.

Lógicamente el vídeo se ha viralizado y en menos de 24 horas es el tercer vídeo más visto en Estados Unidos (el más visto es un vídeo de Linkin Park hablando de cómo la muerte de Chris Cornell había afectado a Chester Bennington). En el videoclip aparecen simplemente imágenes de la gira del grupo, pero acumula ya más de 10 millones de visualizaciones, siendo por otro lado el 8º vídeo más visto en estos momentos en Youtube España, y el videoclip más visto en general ahora mismo de nuestro país.

También están circulando vídeos de las que fueran las últimas actuaciones de Linkin Park, quienes pasaran el mes pasado por el madrileño festival Download, en el que sería uno de sus últimos 10 conciertos. El último de todos tenía lugar el 6 de julio en Birmingham, comenzaba precisamente con ‘Talking to Myself’, incluía ‘In the End’ hacia el final, ‘Numb’ en el bis, y se cerraba definitivamente con ‘Papercut’ y ‘Bleed It Out’. Existen documentos tanto del que fue su último concierto como del show de Madrid.

Próximamente podrá verse el Carpool Karaoke de Apple TV que Linkin Park grabaron hace solo unos días, como ellos mismos informaron en Twitter. Hasta entonces también se está compartiendo especialmente en redes, además de los vídeos de sus hits, la actuación de Chris Cornell y Chester Bennington haciendo ‘Hunger Strike’ de Temple of the Dog en 2008 (los coros de Chester son espectaculares); así como ‘One More Light’ dedicada a Chris Cornell un día después de su muerte, en el programa de Jimmy Kimmel, con Bennington tan emocionado que no puede cantar apropiadamente las dos últimas frases del tema, «Who cares if one more light goes out? / Well I do, Well I do». Este tema, incluido también en su último largo (al que daba nombre), originalmente se escribió para un amigo de la banda que había muerto de cáncer, pero en el show de Jimmy Kimmel quisieron dedicárselo al desaparecido líder de Soundgarden.

Louis Tomlinson estrena vídeo para ‘Back to You’, ¿el mejor primer single de un 1D en solitario?

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21 julio, 2017

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Louis Tomlinson era el único miembro de One Direction que faltaba por sacar single en solitario. Sí, el cantante publicó una canción con Steve Aoki en diciembre, que además fue un hit en Reino Unido, pero era una colaboración. ‘Back to You’ es el verdadero single post-1D de Tomlinson y parece que el cantante se ha reído el último y el mejor.

Donde Zayn ha buscado sonar a Frank Ocean, Harry Styles a Elton John, Liam Payne a Justin Timberlake, Niall Horan al típico cantautor blanquito de folk… ¿qué ha hecho Tomlinson? Probablemente porque nadie esperaba nada de él, el cantante se ha sacado de la manga una canción como mínimo más interesante y difícil de etiquetar. Estamos ante una composición de R&B pop minimalista, donde prima la melodía de un teclado plano que suena como el tono de un teléfono, y que se sirve de un estribillo dramático pero lo suficientemente contenido para que la canción parezca sobre todo relajada y que no se toma demasiado en serio.

Pero también estamos ante una colaboración con la revelación Bebe Rexha, que se come el primer minuto de la canción como si fuera suya. ¿Creían los compositores que nadie se iba a enganchar de cantar Louis primero? El artista siempre ha sido el One Direction con menos talento vocal, pero tampoco puede decirse que cantara mal y en ‘Back to You’ su interpretación es como mínimo digna. El broche final es su vídeo, en el que Tomlinson y Rexha se dejan ver en varias localizaciones, para coincidir en un bar o un campo de fútbol. Como mínimo, no está mal. ¿Será hit?

Ready for the Weekend: Lana del Rey, Helado Negro, Dizzee Rascal, Rusos Blancos, Bvrger, Declan McKenna…

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21 julio, 2017

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Aunque estemos en pleno verano y no sea el viernes de mayores novedades discográficas que recordamos, sí hay bastantes álbumes más que relevantes que llegan ahora mismo al mercado y que aparecen representados en nuestra nueva playlist semanal «Ready for the Weekend». Entre ellos están los nuevos largos de Lana del Rey (de quien escogemos su dueto junto a Stevie Nicks para abrir y la canción final del disco para cerrar), Tyler the Creator, Cornelius, Childhood, Avey Tare, Nicole Atkins, Foster the People o Declan McKenna, quien acaba de actuar con éxito en el FIB. También está disponible el nuevo EP de Nine Inch Nails al completo.

Aparecen en nuestra nueva playlist los singles sueltos que hemos conocido en las últimas horas o días de Everything Everything, Wolf Parade, la revelación Goat Girl, Everything Everything, The War on Drugs o The Darkness. Además, en nuestro país han sacado single nuevo Rusos Blancos, llamado ‘Amor, ¿que Si tengo o que Si quiero?’, así como Lowlight, en compañía de John Grvy, o el curioso grupo Ten Bears. Recuperamos el tema de Futuro Terror que estrenábamos hace unos días, junto a un corte de lo nuevo de Henry Saiz.

Entre las curiosidades, una versión de ‘Unchained Melody’ de Lykke Li, una versión acústica del pequeño hit de Blas Cantó y lo nuevo de Soraya y Shania Twain. Estupendas son las canciones de A-Trak con Quavo y Lil Yachty y también la nueva del productor de electrónica afincado en Roma BVRGER, ‘Miss.Call’.

‘Unchained Melody’ no necesitaba más versiones, pero la de Lykke Li es especial

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21 julio, 2017

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Existen sobre 1.500 versiones -en varios idiomas- de ‘Unchained Melody’, la canción de Alex North y Hy Zaret de 1955 popularizada por los Righteous Brothers en 1965 y después por varios artistas como Gareth Gates (¿recordáis a Gareth Gates?). Tantas interpretaciones se han realizado de esta canción que podría afirmarse sin miedo a equivocarse que ya no hacen falta más. Pero Lykke Li ha sacado una. Y la suya sí hace falta.

Para empezar, Lykke Li ha hecho con la melodía original de ‘Unchained Melody’ lo que ha dado la gana: casi parece una canción nueva. Lo que ha hecho Li es reducir el tema de ornamentos, convertirla en un lamento al piano y potenciar así la dimensión tristona de su melodía vocal. Luego no hace falta recordar a los fans de Lykke Li que su voz es un instrumento magnético y que más que cantar ‘Unchained Melody’ Li la está bendiciendo.

Hace tres años de la salida de ‘I Never Learn‘, el último disco de Lykke Li, y la sueca ha trabajado últimamente en su nuevo proyecto musical liv, y en la última película de Terrence Malick. ¿Pero habrá disco en solitario de Li este año? Donde río suena, agua lleva, o como dice ‘Unchained Melody’, “los ríos solitarios fluyen, a los brazos abiertos del mar”. Toca esperar si el río de ‘Unchained Melody’ desemboca en el mar de un nuevo disco…

Giorgio Moroder: «‘Giorgio by Moroder’ es una de las mejores mezclas de la historia»

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21 julio, 2017

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Giorgio Moroder, uno de los productores más influyentes de la historia del pop, el hombre detrás de clásicos como ‘I Feel Love’, ‘Take My Breath Away’, ‘Call Me’ o ‘Love to Love You Baby’, actúa este sábado 22 de julio en el Real Jardín Botánico Alfonso XIII de la Universidad Complutense de Madrid, dentro del ciclo de conciertos Noches del Botánico. Las entradas están disponibles aquí. Esta mañana se nos ofrecía una espontánea charla telefónica con él y este es el resultado, unos minutos en los que hablamos con Moroder sobre su producción más difícil, la banda sonora de ‘Drive’, su último contacto con Donna Summer, su trabajo junto a Daft Punk… y la decepción de su último disco.

¿Qué podemos esperar de tu show de este sábado en Madrid?
Suelo poner unas 25 de mis viejas canciones, también algunas de mi disco ‘Déjà-vu’ y algunas canciones nuevas que me gustan de Justin Bieber, ‘Despacito’, y viejas canciones de música disco de gente como Bee Gees o Chic.

¿Estás preparando nuevo disco?
Tengo una canción nueva con Prince Charlez ahora mismo, ‘Champagne, Secrets & Chanel’, que vamos a promocionar más próximamente. A finales de septiembre tengo un show que será con 35 músicos. Musicalmente, esto me mantiene ocupado ahora mismo.

¿Te gusta salir de gira?
Voy menos de gira ahora que el año pasado o hace dos, cuando hice tantísimos shows… Hacer un show es fácil para mí, pero viajar no tanto. Lo disfruto, a veces paso tiempo en el estudio con ideas, pero por desgracia no todas las ideas derivan en proyectos.

¿Cómo es tu vida cuando no estás de gira? ¿Te gusta relajarte, sales mucho…?
Voy al estudio pero como una hora, no 10 horas al día o algo así. No estoy todo el día. Cuando estoy en Los Ángeles paso tiempo con mi mujer y mi hijo, por supuesto.

«El compositor de ‘Drive’ hizo un excelente trabajo. Es como una progresión, pero también algo fresco y nuevo»

La banda sonora de ‘Drive’ ha sido una influencia muy evidente en muchos artistas contemporáneos. ¿No te parece a su vez muy influida por tus bandas sonoras de los 80?
En algún sentido sí, pero no por ‘Midnight Express’, sino más bien por ‘Cat People’ o ‘American Gigolo’, es una progresión. El compositor de ‘Drive’, cuyo nombre no recuerdo, hizo un excelente trabajo.

¿Johnny Jewel, Kavinsky…?
No, Kavinsky hizo una canción…

Cliff Martinez.
Sí, Cliff Martinez, hizo como una progresión pero también algo fresco y nuevo.

¿Quién te ha sorprendido más que use tu música o quién crees que ha usado tu legado mejor, entre todo el mundo que lo ha hecho, de Kanye West a Underworld?
Me gustó hace 10 años (sic) ‘One More Time’, me gustó el uso de melodyne, y el último álbum de Daft Punk era absolutamente increíble. Realmente un disco muy moderno. Todas las canciones eran enormes. Espero que Daft Punk saquen otro álbum pronto.

«Daft Punk son grandes perfeccionistas… Estudian cada sonido durante horas, el que utilizan tiene que ser el mejor sonido, tienen que tener los mejores ingenieros»

‘Giorgio by Moroder’ fue una canción increíble en muchos sentidos, he oído la historia de cómo se usó un micrófono distinto, procedente de cada década, para relatar cada década de tu vida, de los 60, los 70… pero también me alucina cómo suena esta canción en un equipo de alta fidelidad en cuanto a la orquesta y las baterías, a los instrumentos en vivo. Claramente es una canción grabada para alta fidelidad, no para ser escuchada en tu ordenador de mala manera. ¿Por qué crees que suena tan bien?
Daft Punk son grandes perfeccionistas… Estudian cada sonido durante horas, el que utilizan tiene que ser el mejor sonido, tienen que tener los mejores ingenieros, me acuerdo de Lagatta, uno de los ingenieros franceses que graban con ellos… son absolutamente profesionales, el modo en que usaron esos 3 micrófonos fue increíble. Es probablemente una de las mejores mezclas de la historia. Se preocupan muchísimo de la calidad de sonido.

Hay algo divertido pero también muy emocionante en un título como ‘Giorgio by Moroder’. ¿Qué te parece a día de hoy? ¿Qué significa para ti? ¿Es algo más divertido o más emocional?
Cuando llegué al estudio, me dijeron que hablara. Fue divertido, extraño… hablé y hablé durante dos horas. No tenía ni idea de qué querían hacer con mi voz. Creo que la combinación de palabras y de música, el solo de batería, el teclado… la combinación fue lo que dio lugar a algo icónico. No fue mi voz ni la historia, sino el todo que se iba sumando.

De tus producciones de los 70 y los 80, ¿cuál fue la más rápida y la más ardua de hacer?
En los 80 dependía de cuán larga fuera la canción: la música era relativamente rápida de hacer, en un par de semanas. Pero meter una canción por ejemplo en ‘Top Gun’ era más arduo. Llevó semanas encontrar a la cantante adecuada, esa canción era compleja, ponerse de acuerdo en cuanto al sello para editar (después de encontrar la cantante)… Eso era lo más complicado.

«Estoy un poco sorprendido de cuánto ha sonado ‘I Feel Love’ en los últimos meses»

‘I Feel Love’ es ahora mismo como la canción más importante de los 70. ¿En algún momento a lo largo de estas 4 décadas ha estado de capa caída o siempre la has sentido como un clásico?
Estoy un poco sorprendido de cuánto ha sonado en los últimos meses, de cuánto suena en el aquí y ahora. Hace 40 años que la grabé y he hecho muchas cosas desde entonces. Pero todavía escucho ‘I Feel Love’ y me parece que hice un gran trabajo junto a Pete (Bellotte) y por supuesto Donna Summer. Si la oyes ahora, aún suena fresca y bien. Hay tantos remixes que se han hecho, tantas versiones, y aún creo que la de Donna Summer es la mejor.

¿Cuándo fue la última vez que pudiste ver a Donna Summer?
La veía muy a menudo los años antes de que muriera porque vivíamos en el mismo edificio, en el mismo grupo de edificios de Los Ángeles. Después de no habernos visto en 20 años nos veíamos cada semana. Creo que fue 4 o 5 semanas antes de que muriera cuando se fue a Miami. Me alucina cuántas de sus canciones son increíbles a oídos no solo de la gente mayor, sino para la gente joven.

«No me preocupo demasiado de mis canciones antes de Donna Summer, tienes que empezar en algún lado y para mí fue ahí»

¿Ves parte de tu trabajo infravalorado, por ejemplo el grupo de temas de Schlagermoroder?
No, no estoy necesariamente contento con las canciones que hice en Schlager. Cuando me mudé a Munich tuve un bebé y todo cambió ahí. No me preocupo demasiado de mis canciones antes de Donna Summer, tienes que empezar en algún lado y para mí fue ahí.

Has mencionado ‘Take My Breath Away’, ¿qué crees que tiene esta canción para ser recordada, para impresionar tanto desde la primera escucha?
Una de las cosas inusuales es el principio (lo tararea), la línea de bajo y la melodía después en la canción son la misma. Es inusual que la línea de bajo se convierta en la melodía principal de una canción (tararea en plan instrumental y luego entona las palabras «take my breath away», mismas notas). La producción creo que estaba muy bien y Terri Nunn de Berlin hizo un gran trabajo. A los productores de ‘Top Gun’ les encantó e inmediatamente nos dijeron que sí. Fue todo muy bien.

«No creo que ‘Déjà-vu’ fuera un buen álbum»

¿Qué opinas del modo en que fue recibido tu último disco ‘Déjà-vu’?
No… No creo que fuera un buen álbum. Algunas canciones, sí. La de Sia… La de Kylie… No voy a dar más nombres, pero algunas canciones no están muy bien. Así que el álbum al completo no estaba bien. Te diré que no es fácil trabajar con tantos artistas, con tantas personalidades, qué quieres hacer tú, qué no quieres hacer, después están sus representantes… Es mejor trabajar con un solo artista.

¿Hay algún artista que quisieras que estuviera en el disco y no pudiera?
No te entiendo.

«Me hubiera encantado que Madonna estuviera en el último disco, pero tengo la sensación de que no hace colaboraciones»

Por ejemplo, Madonna, que metió una base tuya en su canción ‘Future Lovers’, debería haber estado ahí.
¿Sabes qué? Me hubiera encantado que Madonna estuviera en el disco, pero es que es tan enorme, tan grande, que creo que recibe demasiadas ofertas. Y no creo que haga demasiadas colaboraciones. No… tengo la sensación de que no hace colaboraciones. Quizá la próxima vez.

¿Qué me dices de Charli XCX? Es una de las personas más interesantes que sí están en el disco…
Charli es increíble, es muy moderna, me encantaba lo que estaba haciendo con esta rapera australiana…

Iggy Azalea.
Eso es. Charli es muy activa, muy interesante. Es absolutamente increíble, no solo como cantante sino como compositora y escribiendo letras. Es una gran artista pop.

Has mencionado el rap, creía que no te gustaba.
¿La música rap? Sí, me gusta. Para serte sincero, no entiendo las letras. Me gusta porque es rítmica, y hay canciones icónicas de Tupac… los clásicos me encantan.

’74 is the 24′ era mi canción favorita de este último disco, por melodía y producción, ¿lo siguiente, qué será? ¿’80 is the new 30′? ¿’80 is the new 20′?
¿Has dicho que sí los 80 van a ser los nuevos 30?

O los nuevos 20.
¡No! (se ríe) Puede ser, pero esperemos un poco, que solo tengo 77. ¿Quién sabe?

Como en su carrera Linkin Park, Chester Bennington ha sido valiente: recordémosle como merece

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21 julio, 2017

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La muerte de Chester Bennington de Linkin Park ha clavado violentamente su puñal en la nostalgia de muchos. Parte de mi infancia y la de mis hermanos, amigos y compañeros de colegio e instituto, que escuchaban ‘Hybrid Theory’ y ‘Meteora’ sin parar (¡en sus discman!), se ha ido con él. Linkin Park fue el grupo que para muchos de nosotros representó la ruptura con la niñez y el descubrimiento de nuestra capacidad para la rebeldía y la introspección; en esa grieta que dividió infancia y adolescencia se coló su música para poner banda sonora a nuestras vidas y ayudarnos a articular ciertas emociones que de otra manera no habríamos identificado y sabido expresar.

La noticia del óbito de Bennington es más dura si cabe debido a su causa, el suicidio. Chennington era un hombre atormentado en silencio y su suicidio probablemente se haya debido al trauma que provocaron en su vida los abusos sexuales que sufrió de pequeño por parte de un amigo de su padre de los 7 a los 13 años, reveladas por él mismo en 2008, y que provocó su posterior adicción al alcohol y a las drogas. El suicidio de su amigo Chris Cornell aparentemente habría agravado su estado de ánimo. La muerte de Bennington duele porque a la misma edad que la vida de Bennington se trastocó para siempre éramos muchos de sus oyentes quienes acudíamos a su música para escapar de nuestros propios problemas y traumas personales. Ahora la guía que su voz proporcionaba a millones de personas, sobre todo adolescentes con problemas familiares o de autoestima, se ha apagado.

Pero Linkin Park no es solo un icono de la nostalgia. Sus canciones han hecho historia y superado el paso del tiempo. Publicado en 2000, ‘Hybrid Theory’ vendió 30 millones de copias en todo el mundo: es por ahora el debut mejor vendido de lo que llevamos de siglo XXI. Su sucesor ‘Meteora’ despachó casi lo mismo y el grupo siguió vendiendo dignamente durante la siguiente década. Su último disco, ‘One More Light’, publicado el pasado mes de mayo, fue número uno en Estados Unidos, número cuatro en Reino Unido y número siete en España. Además, las cifras del grupo en Spotify son de órdago (casi 250 millones de reproducciones de ‘In the End’, nada mal para un grupo surgido en los albores del siglo).

Mucho se ha cacareado, por otro lado, sobre el giro pop de Linkin Park en los últimos tiempos. En su reciente single ‘Heavy’ colaboraba Kiiara. Lo que es incuestionable sin embargo es que es imposible componer canciones tan memorables, dramáticas y poderosas como ‘In the End’, ‘Numb’, ‘The Catalyst’, ‘Leave Out All the Rest’, ‘Burn it Down’ o ‘Battle Symphony’ si no se domina la fórmula del pop, ni mucho menos se tiene la capacidad de interpretarlas como lo hacía Chester. Linkin Park siempre ha sido un grupo pop -vender 30 millones de copias no te hace indie, por mucho que escribas tus propias canciones- y como tal, la reinvención ha sido su salvavidas en la industria. El grupo ha arriesgado, y eso solo puede aplaudirse.

Y atacados por la nostalgia claramente los medios nos estamos equivocando en interpretar la muerte de Chester Bennington como la muerte de Linkin Park: en realidad el grupo sigue activo, no ha anunciado su separación ni tendría por qué hacerlo. Pero los Linkin Park con los que crecimos ya son pasado, y una vez más toca celebrar que las canciones que Chester Bennington cantó para nosotros seguirán sonando más allá de su muerte, pero también encontrar nuevos sentidos a canciones como ‘Easier to Run’, en la que Chester cantaba sobre un secreto que ha «mantenido lejos” y que le ha producido “heridas tan profundas que nunca se ven, y que nunca se van”. Si algo podemos aprender de esta canción es que “correr es fácil”, pero morir no. Como Linkin Park, Chester ha sido sobre todo valiente (por mucho que se diga lo contrario). Recordémosle por tanto como merece.

La historia de la Reina Isabel II bailando ‘Dancing Queen’: ¿demasiado buena para ser verdad?

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