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Amaral aplaza el lanzamiento de su nuevo disco

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Amaral ha comunicado el aplazamiento del lanzamiento de ‘Dolce Vita‘, su nuevo disco, que se lanzaba el próximo 29 de noviembre, por asuntos familiares. Juan Aguirre, mitad de Amaral junto a Eva, se encuentra en Zaragoza acompañando a su padre en el hospital, mientras este lidia con un grave problema de salud, por lo que el grupo debe posponer el lanzamiento del disco y todos sus compromisos profesionales.

En el comunicado, Amaral cuenta que Juan Aguirre se encuentra acompañando a su padre en el hospital junto al resto de su familia, y explica que este hecho les ha sorprendido de manera «súbita e inesperada». Amaral, a continuación, anuncia el aplazamiento de su disco y de «todas las apariciones programadas en televisión, prensa, webs musicales y radio, así como firmas y fiesta de presentación».

Amaral explica que el lanzamiento de ‘Dolce Vita’ es importante para la banda y que espera poder publicar en álbum cuando se encuentre en plenas condiciones para hacerlo: «Queremos que lo recibáis con nuestra presencia y con toda nuestra energía». La nueva fecha de lanzamiento de ‘Dolce Vita’ se anunciará próximamente.

Mount Eerie / Night Palace

La vida de Phil Elverum dio un giro drástico cuando, en 2016, su esposa Geneviève murió a los 35 años de un cáncer de páncreas, tan solo un año más tarde de haber dado a luz a su primera hija. La inimaginable tragedia dio lugar a dos álbumes –‘A Crow Looked at Me’ y ‘Now Only’- absolutamente devastadores, existencialistas y pesimistas que describían el brutal desamparo que deja una pérdida de esas características.

Tras volver a firmar con el pseudónimo The Microphones en su álbum ‘Microphones in 2020’, el cantautor regresa cinco años después a su proyecto Mount Eerie, con una larga y ambiciosa obra en la que compila los diferentes estilos que han marcado su carrera hasta el momento, y en la que parece haber encontrado al fin cierta paz.

‘Night Palace’ destaca por su generosa y ecléctica oferta de géneros musicales. A lo largo de sus 26 canciones y 80 minutos de duración, el artista navega por distintas variantes de post-rock y folk alternativo, trazando un abanico sonoro que va del noise al ambient, o incluso al intimismo spoken word de sus más recientes trabajos elegíacos.

En ‘Night Palace’, mediante su decidida estética lo-fi, Mount Eerie dibuja un amplio paisaje que lleva al oyente a multitud de lugares. El confort de lo doméstico se presenta en canciones que expresan la felicidad que le proporciona pasar tiempo con su hija, como la dulce balada ‘My Canopy’, que viene precedida de ‘Swallowed Alive’, una breve pieza donde ambos juegan a gritar en un distorsionado abismo.

También persiste aquí la conexión con la naturaleza, siempre presente en todos sus trabajos, en canciones como en el rock sucio de la tensa ‘Co-Owner of Trees’ o en el estimulante experimento de ‘I Heard Whales (I Think), donde el cantautor introduce hacia la mitad una grabación de casi un minuto de sonidos del viento y del mar. A su vez, varios comentarios políticos tienen espacio en forma musical, como en la destacada ‘Non-Metaphorical Decolonization’, donde Elverum denuncia que «Todo lo que tenemos es robado y no puede ser apropiado / Esta “América”, esa vieja idea / quiero que muera”. O en la conmovedora ‘November Rain’, en la que describe las segundas residencias de los ricos que permanecen vacías en invierno y con las luces encendidas para que no les roben – una imagen poderosa que plasma con poesía la actual crisis de la vivienda.

Pese al mencionado sonido lo-fi, ‘Night Palace’ no es un álbum que en ningún momento le dé la espalda a la épica. Más bien al contrario: Mount Eerie construye numerosas melodías contagiosas e inesperados crescendos. ‘I Walk’ es una perfecta muestra de ello, que comienza con un leve rugido del viento colándose entre delicadas guitarras acústicas y una sutil percusión hasta que se expande hacia un electrizante clímax. Los doce minutos de ‘Demolition’ ofrecen una clase de distinta de esta épica, donde caben cambios abruptos de ritmo, distorsiones, textos hablados o sonidos de la naturaleza. Otros ejemplos mucho más accesibles son ‘Huge Fire’ y ‘I Saw Another Bird’, dos números indie-rock clásicos, pero con el mismo poder de sugerencia que sus grabaciones más experimentales.

A niveles generales, el inabarcable despliegue musical de ‘Night Palace’ es exigente y denso, pero está plagado de recompensas. Mount Eerie ha diseñado un álbum luminoso, que a través de eclécticas viñetas, ofrece un bello y fascinante escaparate de su valiosa visión como artista.

LVL1 señala la transfobia de El Diario de Sevilla, el medio rectifica

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LVL1, uno de los artistas revelación de los últimos años en España a raíz del éxito de su single, ‘FVN!‘, que ha llevado al artista de Algeciras a aparecer en Rolling Stone o a colaborar con nombres internacionales como Danny L. Harle o EASYFUN, ha denunciado la «falta de respeto» que ha sufrido por parte de El Diario de Sevilla, en una noticia publicada por el medio sobre la programación de Monkey Week, que arranca esta semana.

En la noticia, El Diario de Sevilla enumera nombres de artistas femeninas que participan en el festival e incluye el de LVL1, a pesar de que el autor de ‘PLAY‘ usa pronombres neutros desde el inicio de su carrera. El medio, además, se niega abiertamente a usar los pronombres masculino o neutro: «El festival incluye a LVL1, la artista citada a petición propia, porque se siente hombre, como andaluz afincado en Madrid» era la frase en cuestión.

Curiosamente, el redactor expresaba en el texto tener «especial cariño» a LVL1 por haberle entrevistado en el pasado, a pesar de apelarle en femenino y de referirse a su identidad con tono burlón.

El artículo de El Diario de Sevilla ha llevado a LVL1 a aclarar que se reconoce como hombre trans y a revelar que se encuentra en «proceso de transición médica» aunque no entraba en sus planes hacerlo público: «Me jode tener que contar y justificar nada porque es literalmente asunto mío», ha declarado, apuntando que el hecho de someterse a una operación no le hace «más trans».

En una serie de tuits, LVL1 comenta: «Soy una persona trans y esto no es nuevo ni de hace dos días, llevo fuera del armario como persona no binaria desde el principio de mi carrera, y llevo sin usar pronombres femeninos desde poquísimo después. Es algo progresivo, de ahí que se llame transición. Es un proceso largo. A día de hoy, aunque siempre seré una persona no binaria, porque el género es una construcción social y creo que podemos jugar con él como queramos, mi identidad se acerca más a la de un chico que a la de una chica. Por eso, estoy en proceso también de transición médica».

LVL1 añade: «Quitando el hecho de que se me haya vuelto a meter otra vez en el saco de artistas mujeres, me jode que en el artículo se remarque el asunto de mi identidad sin tener ni idea de cómo hacerlo. Hablar de mí en femenino («citada») cuando ya se ha visto que ni en mis bios ni en ningún lado se hace, para, a continuación, decir que «me siento hombre»… es una falta de respeto. Y me duele porque se habla de que se me tiene cariño pero, sin embargo, se trata mi identidad como si fuera un capricho posmoderno cuando estamos ya en 2025 y deberíamos tener un poquito mas de educación con estas cosas».

Tras la crítica de LVL1, El Diario de Sevilla ha rectificado su artículo, en el que ahora se lee lo siguiente: «Quiero terminar mencionando a LVL1, afincado en Madrid, según el programa de mano, pero con raíces andaluzas que se extienden desde Algeciras a Sevilla».

Queralt Lahoz se homenajea a sí misma a ritmo de cumbia

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Queralt Lahoz es una de las artistas revelación de los últimos años. Sus canciones, que mezclan sonidos flamencos, urbanos y latinos, como ‘De la cuela a los olivos’ o ‘En otro lugar’, han amasado millones de escuchas y conquistado a personas como el actual Ministro de Cultura, Ernest Urtasun.

Pureza‘, el álbum debut de Lahoz, se lanzó 2021, y la cantante de Santa Coloma de Gramanet prepara ahora su segundo lanzamiento largo, que saldrá «entrado 2025» según su equipo de prensa. El nuevo adelanto es ‘QL’, cuyo título efectivamente se compone de las siglas de Queralt Lahoz.

En el pasado, ciertos artistas de pop han cantado su propio nombre en sus canciones, en homenaje a sí mismos, como Madonna en ‘Bitch I’m Madonna’ o Jennifer Lopez en ‘Jenny from the Block’. En ‘QL’, Lahoz cuenta que ella que sus experiencias vitales la han fortalecido. Canta que vivió «muy pronto el dolor de la muerte» y que se ha hecho «más fuerte que la mimbre», y pide a Dios que cuide de los suyos. «¿Si no quién sería yo? Seguramente no sería Queralt Lahoz», rima.

«No cambio mi vida por una perfecta / si es que eso existiera yo prefiero esta», es la lección que deja Queralt Lahoz en la Canción Del Día. En lo musical, Lahoz elige un vibrante ritmo de cumbia que hace resaltar su espectacular voz. Su colaborador, el granadino Toni Anzis, produce la canción.

Queralt actúa hoy 22 de noviembre en el Monkey Week de Sevilla, y el 30 de noviembre dará un concierto acústico en el Teatre Bescanó de Girona. Después, estará en Miradas Flamenkas, en Madrid, el 1 de diciembre, antes de volar a Argentina: toca en Lollapalooza el 21 de marzo.

RFTW: Ariana Grande, Father John Misty, Kim Deal, Michael Kiwanuka…

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Hoy 22 de noviembre se publican nuevos álbumes de Quevedo, Father John Misty, Kim Deal (ex Pixies), Michael Kiwanuka, BLACKPANDA, Marilyn Manson o Samuraï. También se puede oír desde ya la banda sonora de ‘Wicked’, con canciones de Ariana Grande y Cynthia Erivo.

Lil Nas X lanza nuevo single solo una semana después del anterior, y Joe Crepúsculo apela a ‘Jessica’.. sonando al ‘Last Christmas’. Otro nombre propio, el de ‘Pamela Anderson‘, aparece en la parte superior de la la playlist «Ready for the Weekend», cortesía de Rigoberta Bandini.

Otros singles destacados los firman Franz Ferdinand con ‘Night and Day’, Rosé postulándose como ‘number one girl’, Queralt Lahoz presumiendo de vozarrón en ‘QL’, Ela Minus mirando ‘UPWARDS’ o Jimena Amarillo paseando su ‘Flow deskiciada‘.

Estrenan música, también, Oklou, que ha anunciado disco, u Omar Apollo, que canta ‘Te maldigo’, canción de la película ‘Queer’ de Luca Guadagnino, en la que aparece. La cosecha nacional deja nueva música de artistas recomendados en el site como stivjoes, arrecí0, vangoura o shego.

Paulina Rubio lanza su ‘Balada pop’, mientras Fresquito y Mango se dedican a «hacer hits», en otras novedades que puedes escuchar en la playlist actualizada. No os perdáis, tampoco, la nueva música de Tyla, Adrianne Lenker, Elliot James Reay, Somadamantina, SIMONA…

La Revuelta responde a la puñalada de El Hormiguero con animales y música de Tulsa, Alcalá Norte…

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La Revuelta pedía anoche al público en X que no «se perdiera» el programa. Un aviso, en principio, normal, pero que sonaba especial, a su vez. Lo que ocurrió fue inesperado: David Broncano se quedó sin invitado a último momento, con este de cuerpo presente en el backstage, y aprovechó la situación para denunciar públicamente que el suceso se trataba de un veto provocado por El Hormiguero. Uno de tantos que «llevan sucediendo años».

El invitado, el motociclista Jorge Martín, reciente campeón del mundo de MotoGP, acude al espacio de Pablo Motos el jueves que viene, y se quedó sin salir al escenario de La Revuelta a poco de empezar a grabar, después de anunciar en redes que era el convidado de anoche. Motos, parece, no va a consentir que un invitado a El Hormiguero visite antes otro programa.

En lugar de la entrevista programada, La Revuelta se marcó un troleo histórico emitiendo imágenes de animales durante veinte minutos, ante la mirada atónita de la audiencia, mientras sonaba música de fondo de artistas independientes como Tulsa, Estrella Fugaz o Alcalá Norte. El grupo de ‘La vida cañón‘, que lleva meses dando la brasa en X para acudir a La Revuelta, y acaba de cancelar tres conciertos agotados por problemas de salud, no daba crédito.

«Esto es una cosa que no es la primera vez que pasa. Nos ha desmontado el programa», denunció Broncano. «Alguna vez lo hemos insinuado, lleva pasando años, desde que estábamos en La Resistencia. Siempre ha habido mucho juego por su parte. No sabéis la de veces que nos han movido la agenda y nos han cambiado el programa. Nos afecta profesionalmente. Hoy hemos decidido hablarlo porque creo que es la forma de visibilizarlo y defendernos es explicarlo». Broncano ha explicado que él ha podido hacer bromas sobre Motos y El Hormiguero en su programa, pero que estas nunca han afectado profesionalmente a su rival televisivo. Mientras, Motos ha optado por hacer jugadas «por detrás». Yolanda, del equipo, enfadada, ha recordado a Motos que su tiempo vale «lo mismo que el suyo».

El Hormiguero se ha defendido de las críticas explicando que la situación ha sido «un malentendido sin mayor importancia»: «Dos semanas antes de la final, habíamos acordado contar en exclusiva con Jorge Martín en nuestro programa. Hoy uno de sus representantes ha cometido un error al cambiar la visita que tenían programada con otro piloto. Tras lo sucedido, Dorna, empresa organizadora del Mundial de Motociclismo, contactó con los representantes para resolver la situación». El comunicado se refiere al caso de Jorge Martín, pero no habla de otros que, según Broncano, han sucedido durante años.

Entre los invitados de la semana que viene a El Hormiguero se encuentran, además de Jorge Martín, David Bisbal o Kira Miró. No se sabe con qué cara acudirá al espacio de Motos ninguna de estas personas tras descubrirse el que era un secreto a voces en la industria televisiva, que Pablo Motos, para frenar a la competencia, no teme jugar muy sucio, incluso a costa del tiempo y el esfuerzo de otros compañeros de profesión.

Chappell Roan y Ezra Collective, nominados al BBC Sound of 2025

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El BBC Radio 1’s Sound está dirigido, según su propia página web, a aquellos artistas o grupos con «la mejor oportunidad de tener éxito mainstream» en los siguientes 12 meses. Sin embargo, al ver los nombres de Chappell Roan o Ezra Collective entre las nominaciones, que ya gozan de éxito, surgen las dudas de si necesitan una nominación.

Barry Can’t Swim, Confidence Man, Doechii, English Teacher, Good Neighbours, KNEECAP, mk.gee, Myles Smith y Pozer también entran en la competición. En más o menos medida, muchos de estos artistas también están en el mejor momento de sus carreras.

The Last Dinner Party fueron las ganadora del BCC Sound of 2024. Posteriormente, su disco llegó al número 1 y fueron nominadas al Mercury Prize. Luego están English Teacher, que ya lo han ganado este año y están nominados también al premio de la emisora.

Por otro lado, Barry Can’t Swim está nominado al Mercury, KNEECAP están nominados al Óscar por su película homónima, Confidence Man van por el tercer disco, mk.gee acaba de actuar en SNL, Doechii es una de las mayores sensaciones del hip hop actual…

Los más desconocidos podrían ser Good Neighbours, Pozer y Myles Smith. Sin embargo, este último tuvo un hit a mitad de año con ‘Stargazing’, que acumula más de 500 millones de escuchas en Spotify.

Quevedo anuncia su nuevo disco, con Aitana, Pitbull, Yung Beef…

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Quevedo lanza hoy por la noche su segundo disco, titulado ‘BUENAS NOCHES’. Este es el sucesor del debut del cantante canario, ‘DONDE QUIERO ESTAR’, que fue el disco más vendido de 2023, sin apenas ventas físicas y superando a Karol G y Bad Bunny.

‘BUENAS NOCHES’ iba a salir, en principio, hace dos semanas. Sin embargo, tras el desastre de la DANA en Valencia, Quevedo decidió posponer el lanzamiento, como muchos otros artistas: «Ni creo, ni siento que sea el momento de sacar música», escribió en X. Hoy, ha anunciado que su segundo LP saldrá esta misma noche.

Con solo un adelanto disponible, la repetitiva ‘DURO’, lo que más llama la atención del tracklist son las colaboraciones. Para empezar, tenemos ‘GRAN VÍA’ con Aitana, que lo tiene todo para ser un hit gigante. Ya era hora de que ambos artistas se juntaran, porque tiene todo el sentido del mundo.

Por otro lado, no esperábamos la presencia de Pitbull, en un tema llamado ‘MR. MOONDIAL’, ni de Yung Beef, en ‘LA 125’. También colaboran Sin Nombre, cantante de República Dominicana, La Pantera, Rels B, Sech, De La Rose y De La Ghetto. Como curiosidad, el álbum saldrá una hora antes en las Islas Canarias, a las 23h.

Tracklist:
1. KASSANDRA
2. DURO
3. IGUALES
4. GRAN VÍA ft. Aitana
5. CHAPIADORA.COM
6. POR ATRÁS
7. 14 FEBREROS ft. Sin Nombre
8. LA 125 ft. Yung Beef
9. HALO ft. La Pantera
10. MR. MOONDIAL ft. Pitbull
11. QUE ASCO DE TODO
12. NOEMÚ
13. SHIBATTO
14. LOS DÍAS CONTADOS ft. Rels B
15. EL ESTRIBILLO
16. AMANECIÓ ft. De La Rose y De La Ghetto
17. TE FALLÉ ft. Sech
18. BUENAS NOCHES

DIIV prometen cambiarte la vida con sus conciertos en España

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DIIV acaban de comenzar su gira europea. La banda neoyorquina de shoegaze acaban de presentar su último disco, ‘Frog in Boiling Water’ en Milán, y no tardarán en pasar por nuestro país.

El grupo compuesto por Zachary Cole Smith, Andrew Bailey, Colin Caulfield y Ben Newman prometen ofrecer «una experiencia más allá de tus sueños más salvajes» en su nueva gira. En España, se podrá disfrutar los días 25 de noviembre en la Sala But de Madrid y 26 de noviembre en la Sala Apollo de Barcelona. Las entradas ya están disponibles para ambas fechas.

«Una inmersiva actuación musical que te cambiará la vida y que promete reprogramar permanentemente tu cerebro y aportarte felicidad de por vida y renacimiento espiritual», asegura la banda. La gira empezó el pasado 16 de noviembre en Estocolmo y terminará el 15 de diciembre en Amsterdam.

Todos los conciertos contarán con Tim Kinsella & Jenny Pulse de teloneros, excepto el 3 de diciembre, que contarán con la banda Cusk . Además, el 22 y 23 de noviembre estarán con Fontaines D.C. en sus conciertos de Londres.

Shawn Mendes / Shawn

Hay prisa entre los artistas por alcanzar la madurez. Algunos hablan de ella desde los 20 años. Shawn Mendes, que cumplió en agosto 26, es más «Cuando no sé quién soy«. El que es ya su quinto álbum de estudio es un disco de autodescubrimiento que se jacta de estar en el proceso. Escrito tras una severa crisis de identidad, consecuencia de estar constantemente de gira o en la palestra, plantea cuestiones como «Siento presión de la gente que quiero» o «Siento decepcionaros, porque realmente no sé quién soy», ya en el tema de apertura, ‘Who I Am’.

El single de presentación, ‘Why Why Why’, contiene una estrofa igual de explícita: «Pensé que estaba a punto de ser padre, y todavía soy un niño, a veces lloro por mi madre». Una de las canciones más bonitas se llama ‘Nobody Knows’, y habla sobre cuando el amor no es suficiente y sobre la adicción al alcohol. Para más señas, en la portada aparece desnudo.

Todo el foco mediático se ha puesto en la orientación sexual de Shawn Mendes, que en el tema llamado ‘The Mountain’ espeta: «Podéis decir que soy demasiado joven, podéis decir que soy demasiado viejo, podéis decir que me gustan las chicas, o los chicos, lo que os encaje». Pero hay una anécdota mucho menos sexy que explica el álbum aun mejor. Cuando estaba escribiendo ‘Heart of Gold’ junto al productor Scott Harris, sin saber muy bien de qué iba, Scott le dijo: «¿tú no tenías un amigo que murió de sobredosis?». Y Shawn lo negó, pese a que había sido el caso de un amigo de su infancia, Deijomi, sobre quien obviamente sí versa ‘Heart of Gold’. Tal era el caos mental en el que estaba sumido el cantante, que ni se dio cuenta sobre lo que estaba escribiendo.

Para expresar sus emociones más íntimas, Shawn Mendes ha elegido una producción muy espartana. Las canciones son acústicas, muy próximas a su esqueleto mínimo durante el proceso compositivo, con algún rasgo muy ligeramente country (‘That’s the Dream’, ‘Rollin’ Right Along’) o incluso cercano a Bob Dylan por el uso de la armónica (‘Isn’t that Enough’). Algunas son tan cortas que apenas sobrepasan el minuto de duración, y ‘That’ll Be the Day’ es apenas un susurro, reafirmando que el artista no estaba para ornamentos ni dramatizaciones con orquesta: bastante tenía con salir adelante tratando de encontrarse a sí mismo.

Es un gesto que ‘Heart of Gold’ sea una de las canciones más pop, una de las más alegres, seguramente porque sea lo que merezca en el más allá su amigo Deijomi, con el que compartía la misma sensibilidad y ese carácter retraído. ‘Heavy’ vira hacia el góspel, al modo en que lo entendería Ed Sheeran. Sin ofrecer las estructuras ni las letras más complejas, porque distaba mucho de ser su objetivo -en ese sentido hace flaco favor que al final aparezca una versión de ‘Hallelujah’-, este sí es ese disco que nos va a hacer mirar al artista con otros ojos. Creérnoslo mucho más. El álbum, claro, solo se podía llamar ‘Shawn’.

El synth-pop noir de Desire llega a España

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Desire, grupo icónico de Italians Do it Better, ha iniciado su gira europea Games People Play Tour. La gira da título al nuevo álbum de Desire, ‘Games People Play’, que se publica próximamente. De momento seis de sus cortes pueden escucharse en las plataformas de streaming, entre ellos el single ‘Dangerous Drug’. Esta semana ha llegado ‘Drama Queen’.

La gira, que se dirige a un «público adulto», pasa por España a partir de hoy 21 de noviembre con una primera visita a los Radar Estudios de Vigo. Después, el Games People Play Tour continúa en la Sala Apolo de Barcelona el 22 de noviembre y el 23 de noviembre en la Sala Changó de Madrid. Los teloneros de la gira de Desire en todas sus fechas son Orion y System Olympia.

A partir del 25 de noviembre, Desire llevará su gira a Francia y, a continuación, visitará países como Reino Unido, Alemania, Italia o Finlandia.

Desire es el alias de Megan Louise, pero también es el nombre del dúo que la cantante forma junto a Johnny Jewel, líder de Italians Do it Better y ex-integrante de Chromatics y Glass Candy. ‘Under Your Spell’ es una de las canciones más emblemáticas del sello estadounidense y también una de las más populares tras su inclusión en la banda sonora de ‘Drive‘ (2013).

Por supuesto, Desire sigue entregada al synth-pop noir de su primer disco, publicado en 2008, y del segundo, ‘Escape‘, que, editado en 2022, contenía joyas como ‘Zero’ o ‘Black Latex’. Aunque en ‘Drama Queen’ le caben también teclados piano house.


Julia Holter en vivo: entre el misticismo y la épica

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Ainhoa Laucirica

Escuchar un álbum de Julia Holter es abrazar el misterio. Sus aventuras sonoras te retan tomando formas inesperadas y te atrapan gracias a su sugerente cualidad atmosférica. Lo mismo puede decirse de sus actuaciones en directo, como la que ofreció anoche en Madrid presentando su excelente último disco ‘Something in the Room She Moves‘. La sala Shôko, con sus luces rojas parpadeantes en las paredes y su estética moderna, funcionó como el entorno idóneo para el concierto de la artista californiana.

Acompañada de otros tres músicos (batería, bajo, sintetizador), incluyendo a su marido Tashi Wada, cada uno con su partitura, Holter se situaba en el medio con un sintetizador delante e inauguraba la noche con la juguetona y luminosa ‘Sun Girl’. Detrás de los músicos, una pantalla proyectaba una catarata de imágenes en movimiento de dibujos abstractos, manos zarandeándose en el aire y bosques frondosos. En el escenario, varias máquinas de humo se encargaban de dotar al espacio de misticismo.

La artista y su banda no tardaron en instaurar un clima onírico y hechizante. Los múltiples sonidos viajaban de una parte a otra de la sala, resultando a veces incapaz saber de dónde procedían; la voz de Holter, delicada y potente, viajaba directa al corazón de los allí presentes. Sus canciones largas, llenas de capas y enigmas, sonaban inmensas, transformando su naturaleza árida a la más pura épica. Tanto que a uno se le llega a pasar por la cabeza la alocada idea de que, si Julia Holter quisiese adaptarse a estructuras convencionales y abandonar su vocación experimental, podría llenar estadios perfectamente. Su dominio y conocimiento musical es total, y así lo demuestra su variedad de registros y tonalidades.

Ainhoa Laucirica

Sus canciones más convencionales, las de ‘Have You In My Wilderness‘, como ‘Sea Calls Me Home’ o ‘Feel You’, arrancaron algún tímido intento en el público por cantarlas, pero la presencia de Holter es tan especial que colectivamente se tomó la decisión de permanecer callados. De su más reciente trabajo rescató 5 temas, todos ellos aguantando con nota la prueba del directo: la mencionada ‘Sun Girl’, ‘Spinning’, ‘Evening Mood’ y ‘Talking to the Whisper’. Esta última nos regaló uno de los momentos más memorables del concierto gracias a su maravillosa progresión, en la que tras pronunciar la frase “love can be shattering”, la canción se pierde en un misterioso tramo instrumental. Entre los instantes más espectaculares de esta parte destacan cuando la batería arrastró una de las baquetas por el platillo del instrumento, logrando un sonido chirriante e inquietante, o cuando Wada abandonó su posición en el sintetizador para tocar la gaita.

Estos clímax sobrecogedores también estuvieron muy presentes en canciones más antiguas, como en ‘Marienbad’, de su primer disco ‘Ekstasis’, que en su momento más álgido gira hacia prácticamente el silencio. Por supuesto, también brillaron dos de los temas más queridos de Holter, ambos de su exigente y bellísimo ‘Aviary’: la emocionante balada ‘Words I Heard’ y esa joya art pop que es ‘I Shall Love 2’, que sirvió de cierre definitivo de una velada para el recuerdo.

Jimena Amarillo es «butch o maricón» en ‘Flow deskiciada’

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Entre los artistas que estrenan nueva música esta semana se encuentra Jimena Amarillo. ‘Flow deskiciada’ es su segundo single de 2024 y sucede a ‘Sueño’, lanzado en junio.

‘Flow deskiciada’ se añade a la lista de canciones electrónicas de Jimena Amarillo, como ‘Fino como un afiler’. Aunque las guitarras de ‘Flow deskiciada’ apuntan al bedroom-pop de ‘Cafeliko’, en esta producción propia -en la que participa Alba Arias- manda la energía de un beat electrónico y la presencia de voces alteradas de diversas maneras. Es la Canción Del Día de hoy.

En el aspecto lírico se da una mezcla de estilos o perspectivas. El estribillo, que plantea el tema de la canción, parece inspirado en la copla andaluza: «Un puña’o de flores / Ay, que yo le llevé / Linda, todo lo tiene / Ella no me quiere». A Amarillo parece que le «chulean con acento de Granada».

Pero en las estrofas está lo bueno, porque Amarillo no se corta al inferirles su humor particular. En la primera estrofa describe que la chica que le gusta lleva un «flequillo que mide un milímetro» y que «luce vasca» y lleva «pikete de rara». Y en la segunda es Amarillo el sujeto del análisis de otra persona, que le mira «cada día» y no sabe si es «butch o maricón». O «un niño de 13 años».

El que no viva en internet probablemente no entenderá frases de ‘Flow deskiciada’ como «Feed entero de leopardo es mi cosa» que solo podría haber firmado una persona joven (y permanentemente online) en 2024. Un lenguaje libre, como libre, 100% Jimena Amarillo, es esta canción.

Podcast con Jimena Amarillo:

Sónar 2025 anuncia a Nathy Peluso, Plastikman, Four Tet…

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Nathy Peluso, Plastikman, Arca, Overmono o Polo & Pan se encuentran entre las primeras confirmaciones de la edición de Sónar 2025, que se celebra del 13 al 15 de junio en Barcelona: Sónar de Día seguirá en Fira Montjuïc un año más, y Sónar de Noche volverá a Fira Gran Via, en L’Hospitalet. Todos ellos presentarán nuevo directo.

Además, Sónar anuncia sesiones de Peggy Gou, Four Tet, Honey Dijon, Vintage Culture, Mochakk, Barry Can’t Swim, Helena Hauff y Andres Campo.

Por otro lado, Sónar confirma shows audivisuales de Eric Prydz, BICEP, Max Cooper, Daito Manabe o Cora Novoa, DJ sets a cuatro manos de Skrillex b2b Blawan y Armin van Buuren b2b Indira Paganotto, y nuevos espectáculos de Rone con el colectivo (LA)HORDE y el Ballet National de Marseille, Raül Refree + Niño de Elche, o Dania & Mau Morgó.

Maria Arnal presentando su nuevo show ‘Ama’, Six Sex, Yerai Cortés, Teto Preto, Tarta Relena, Lord Spikeheart, MCR-T, Branko o Samantha Hudson, que introducirá su ‘Música para muñecas’, así como DJ Heartstring, Sama’ Abdulhadi, Interplanetary Criminal, Juliana Huxtable o Kebra, van completando una tanda de confirmaciones que abarca 60 nombres.

OFFSónar, el evento paralelo a Sónar de Día y Sónar de Noche y a las actividades de Sónar+D, volverá a celebrarse en el Poble Espanyol. Hay anunciados ya dos shows de RÜFÜS DU SOL los días 10 y 11 de junio -ambos agotados- y la fiesta ‘X’ de Adriatique el 12 de junio. El resto de fiestas se anunciará próximamente.

Lady Gaga, Green Day y Post Malone lideran Coachella 2025

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Lady Gaga, Green Day, Post Malone y Travis Scott son los grandes cabezas de cartel de la edición de Coachella de 2025, que se celebra en la primera semana del 11 al 18 de abril, y en la segunda del 13 al 20 de abril, en el desierto de Indio, California.

En la letra media-grande figuran los nombres de Missy Eliott, Megan Thee Stallion y Charli xcx, y la línea media la ocupan artistas como Benson Moone, FKA twigs, The Misfits en su formación original, Anitta, Clairo, Kraftwerk, beabadoobee o dos integrantes de BLACKPINK que actúan en solitario, LISA y JEANNIE. En la letra mediana-pequeña se colocan Beth Gibbons, Basement Jaxx o MARINA: esta última probablemente presentará nuevo disco.

Finalmente, en la letra pequeña que leer con lupa es posible encontrar nombres tan variopintos como Blonde Redhead, CA7RIEL & Paco Amoroso, julie, The Dare, 4batz, Ben Böhmer o el número 1 de singles en Estados Unidos desde hace 18 semanas, Shaboozey. Como es habitual cae una confirmación desde España, la de Judeline.

Coachella, que suele revelar su cartel en enero, ha decidido hacerlo público con dos meses de antelación, después de los rumores que circulaban en los últimos días y que situaban a Lady Gaga en el cartel. Post Malone se había adelantado a Coachella confirmando su presencia en el festival al revelar las fechas de su próxima gira.

Después de un 2024 que ha dejado momentos icónicos de Lana Del Rey, No Doubt o Blur quejándose de que el público no se sabe sus canciones, ardemos en deseos de descubrir qué grandes instantes aguardan el año que viene.

Miley Cyrus detalla su próximo disco, inspirado en ‘The Wall’ de Pink Floyd

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Miley Cyrus ha dado los primeros detalles de su próximo disco, el sucesor de ‘Endless Summer Vacation’, en una nueva entrevista con Harper’s Bazaar. La cantante ha adelantado que se titularía ‘Something Beautiful’, que es «igual de visual que musical» y que estaría inspirado en el clásico de Pink Floyd de 1979, ‘The Wall’, pero «con mejor vestuario».

La popstar de 31 años habría estado trabajando en ‘Something Beautiful’ junto a su pareja, el guitarrista Maxx Morando, y junto al director de cine italiano Panos Cosmatos, que se encargaría de la parte visual del LP. «Mi idea era hacer ‘The Wall’, pero con mejor vestuario, más glamuroso y lleno de cultura pop», detalla la cantante.

La referencia a Pink Floyd, asegura Cyrus, se gestó en su adolescencia, cuando vio la surrealista película de 1982 de Alan Parker basada en el álbum. Al igual que el disco escrito por Roger Waters, Cyrus asegura que ‘Something Beautiful’ es un disco «conceptual»: «Es un intento de tratar una cultura enferma a través de la música». Cosmatos ha descrito el disco como algo «más experimental que cualquier cosa que haya hecho, pero de una forma pop que me encanta».

Cyrus también ha aclarado algunos aspectos sobre el sonido del álbum: «El componente visual conduce el sonido. Para mí era importante que cada canción tuviese las propiedades de los sonidos curativos. Las canciones, tanto si van sobre destrucción, desamor o muerte, están presentadas de una forma hermosa, porque los momentos más desagradables de nuestra vida también tienen un punto de belleza».

FLO / Access All Areas

Cuando llegó ‘Cardboard Box’, el single de debut de FLO, en marzo de 2022, el R&B parecía salvado. La girl band de Londres debutaba con una canción perfecta, tan buena que parecía que una girl band (no surcoreana) podía de repente volver a ponerse de moda. Después, FLO siguió sacando más buenos singles, como ‘Immature’ o el baladón ‘Losing You’, pero las cosas no terminaban de arrancar comercialmente para ellas. No acababan de dar el salto, y eso que ganaban el BBC Sound of 2023. Claro, eso tampoco es garantía de nada…

Dos años y un segundo EP, ‘3 of Us’, lanzado en 2023, después, FLO publica su debut largo, ‘All Access Areas’. Y es un disco de composición y producción extremadamente cuidados, referencial y muy respetuoso de sus influencias, tanto que algunas de ellas, como Destiny’s Child, aparecen mencionadas en la primera pista, recitada por la actriz Cynthia Erivo. Pero ‘All Access Areas’ también es un álbum que pisa sobre seguro y poco arriesgado, aunque con instantes de brillantez que apuntan a un interesante futuro.

Las jóvenes Stella Quaresma, Jorja Douglas y Renée Downer, a las que Island Records junta en un trío en 2019, crecen escuchando R&B y se nota. Las armonías remiten a Brandy y aportan una profunda calidez a las canciones, mientras las producciones -de MNEK y compañía- saben actualizar el pasado. Un pasado que puede ir muy lejos, como en ‘AAA’, que evoca el “glamour de las divas Motown” y samplea ‘Portuguese Love’ (1981) de Teena Marie, o que mira al R&B de los 2000, como hace la estupenda ‘Caught Up’.

El empoderamiento es la marca de FLO y las canciones de ‘All Access Areas’ se entregan al amor y al sexo estableciendo límites. En ‘Soft’ las metáforas romántico-sexuales pecan de obvias y mojigatas (“te diré lo que hay para comer, estoy fluyendo como un río”) pero la mayoría de letras del disco devanean entre la sensualidad (las “visiones en la cama” de ‘AAA’) y la aserción de la dignidad propia: FLO no aguantan a chicos que las engañen o que no sepan lo que quieren y, en varias pistas, como ‘Shoulda Woulda Coulda’, simplemente abandonan una relación para no perder el tiempo: saben que merecen algo mejor.

En un álbum que cuida su elegante y cálida atmósfera desde el primer segundo al último sobresalen los pegadizos singles ‘Walk Like This’ e ‘In My Bag’ con Glorilla, colocados en la primera mitad del largo (el segundo llega lleno de referencias a diferentes marcas caras). Ninguno es ‘Say My Name’ o ‘No Scrubs’, aunque, para eso, como mínimo, tendrían que introducir algún tipo de novedad o revolución en su letra o sonido, lo cual no sucede en ningún momento de ‘All Access Areas’.

‘All Access Areas’ peca de exceso de minutaje y, tan pronto como en su tramo medio, termina empachado de su propia elegancia: pistas como ‘How Does it Feel?’, ‘Soft’ o ‘Bending My Rules’ ofrecen composiciones menos definidas que en absoluto desafían ninguna regla: Tinashe habría hecho algo mágico con ellas… porque ya las ha hecho antes, en un estilo muy parecido. FLO, por cierto, dice que ‘Soft’ es un «sueño R&B» y es cierto, porque la canción provoca eso mismo: sueño.

Sorprendentemente, ‘All Access Areas’ se pone interesante de verdad en su tramo final con una serie de producciones excelentes que se fijan sin disimulo en las épocas de gloria de Timbaland y Darkchild. La arábiga ‘Nocturnal’ remite al futurismo de Aaliyah y Missy Elliott, mientras ‘Shoulda Woulda Coulda’ y ‘Get It Till I’m Gone’ convencen con melodías clásicas y que son puro lujo. Sus gustosas producciones hacen sonar a sus referencias mejor de lo que las recuerdas.

‘All Access Areas’ es un álbum de R&B de gran nivel, aunque se echa de menos que dé un verdadero paso adelante creativo. Solo en sus últimos minutos se intuye un futuro de innovaciones al que, de momento, ‘All Access Areas’ no se atreve a “acceder”. Ahora que se han cumplido 30 años de ‘CrazySexyCool’ (1994), el histórico álbum de TLC, hay que recordar cuál es realmente el estándar, el baremo a igualar o superar. FLO están, por ahora, en el camino correcto.

10 joyas del futuro que descubrir en Alhambra Monkey Week 2024

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Alhambra Monkey Week ya está aquí: hoy empiezan los actos de celebración en Sevilla, y el grueso del festival será de jueves a sábado. Como siempre, hay artistas consagrados del tamaño de Triángulo de Amor Bizarro, pero también un buen surtido de artistas noveles o más desconocidos que harán honor al lema de esta Feria: «descubre hoy la música del futuro». En Alhambra Monkey Week actuarán artistas de los que os hemos hablado en multitud de ocasiones, como Ciutat, Júlia Colom, Kora, airu o Espineli, a quien seleccionamos entre los Mejores Discos de 2023; y también estos otros 10 artistas de que os hablamos hoy. Podéis comprar las entradas en la web de Monkey Week.

Ángeles Toledano

Toledano, que el año pasado ya visitó Alhambra Monkey Week con su proyecto Ángeles, Víctor, Gloria y Javier, este año vuelve por la puerta grande para presentar uno de los discos de los que más se está hablando estos días en la industria musical. Se trata de ‘SANGRE SUCIA’, del que recientemente seleccionamos como Canción del Día ‘MAMÁ, TENÍAS RAZÓN‘, con su estupendo videoclip sobre feminismo y empoderamiento. Sobre una caza de brujas con final feliz.

Mon Dvy

Mon Day («Monday») es el sobrenombre de Martín Muñoz. El joven músico, que ha trabajado con gente como Alba Reche, Samuraï o Carolina Durante, entre muchos otros, tiene un proyecto en solitario. Su disco de este año, ‘Mal nombre’, presenta piezas que pululan entre el soul y el indie, como ‘Dejarlo claro’; incluso la indietrónica, como ‘Como miles en París’; o hasta un cruce entre hip hop y jazz, como ‘El olor de los relámpagos’.

April Marmara

Entre los artistas de otros países que merece la pena destacar, hay que hablar de April Marmara, esto es, Beatriz Diniz, desde Lisboa. Tiene dos álbumes a sus espaldas, a menudo transitando territorios acústicos o empañados de instrumentos de cuerda y viento. Era el caso de ‘Finding My Ways’, un tema que ha publicado este mismo año.

Guedra Guedra

Uno de esos proyectos que puede que no escuches tanto en casa como disfrutas en directo es el de Guedra Guedra. La inspiración de este DJ y productor son los polirritmos tradicionales de Marruecos, lo que produce una explosión de color en unas canciones destinadas a la pista de baile. Especialmente desde su álbum editado en 2021, ‘Vexillology’, ha aparecido destacado de una forma u otra en Bandcamp, Resident Advisor, The Guardian o Pitchfork. Os dejamos con su directo para Boiler Room.

el diablo de shanghai

Otros de los que pueden ofrecer uno de los conciertos más divertidos de Alhambra Monkey Week son el diablo de shanghai. En principio se inspiraron en grupos como Shame, Fontaines DC, Black Midi o Idles, pero el humor en ellos es mucho más importante que en sus referentes anglosajones. No hay más que atender al costumbrismo de su disco ‘113 pasos adelante en el ensanche’, donde residía su pequeño hit ‘Patti Smith’ y también un tema llamado ‘Tabaco’. Ambos certifican que las armonías vocales, bastante 60’s, son otra de sus claves en la búsqueda de una identidad.

San Tosielo

Habituales en nuestras playlists, los canarios San Tosielo se mueven entre registros indies, surferos y baladescos, indistintamente. Pavlo y Blurred Mirror, afincados en Madrid, acaban de publicar un EP llamado ‘Vanpiro Esiten’, en el que han destacado singles como ‘Nunca más’ -que deriva en bossa nova- o ’Fake Glasses’. Este año además se agenciaron una colaboración con la superestrella Cruz Cafuné y con el grupo underground Toldos Verdes, prueba de que cualquier cosa podría pasar con su carrera.

Roy Borland

Uno de los artistas que más trayectoria tienen de esta lista es Roy Borland, pues cuenta ya con varios proyectos subidos a las plataformas de streaming. Estamos ante un músico que estudió 8 años de Conservatorio y en 2021 apostó por el castellano tras un inicio en inglés. Entre sus influencias cita lo mismo a Radiohead que a Pablo Milanés, algo que puedes percibir en su disco de este año, ‘Fotografías de España’. Lo cierra una canción de cortar el hipo, ‘El primer beso de verdad’. Por cierto, ha trabajado también con gente tan dispar como El Kanka, Teo Lucadamo, Bejo, Teo Planell, Belén Aguilera, Tristán!, Nusar3000 o Barry B.

Dalila

Entre los artistas locales, destaca el caso de Dalila, una sevillana que se inspira en la música electrónica de principios de los 90 en Reino Unido. Sobre todo en torno a la rave. ‘Cieguita’ es de momento su tema emblemático, además de absorbente en sus fantásticas ambientaciones, revisitado en varias remezclas, una a cargo de Gazzi, también presente en la Monkey Week.

Jordi Ganchitos

«Vídeo con 0 reproducciones», podía leerse en la descripción de Youtube de ‘Calvo con barba’. Pues bien, este reggaeton lo-fi, más próximo a la filosofía humorística de Ladilla Rusa u Ojete Calor, lleva 150.000 reproducciones ya, y otras tantas en Spotify. Curtido en el mundo urbano DIY, ha participado también en temas como ‘Hippies Acosadores’ con Mi Amargo, y recientemente ha estrenado el single ‘Chancla tanga’.

Julia de Arco

¿Cómo es posible que Monkey Week recomiende a un artista con 0 canciones subidas a plataformas de streaming con un total de 0 oyentes mensuales? Tali Carreto, codirector del festival, nos explicaba en el pertinente podcast que a Julia de Arco la conocen desde que la sevillana compartió sus primeras maquetas con poco más que 10 años, y que sus temas habían sido borrados de la faz de la tierra para ahora relanzar su carrera profesional. Hoy justo se sube su tema ‘SWAGGERBOYZZZ’, electrónica oscura de bases callejeras y un flow muy «primera M.I.A.», anticipo de lo que está por venir. En una faceta mucho más melódica, también podéis escucharla en el disco de Carlangas.

Podcast: así se organiza Monkey Week

Carlangas une Brasil y España en ‘Siempre vuelve’, su «canción favorita» de ‘Bailódromo’

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Carlangas ha publicado recientemente un disco de música de baile -la última es de bailar pegados pero también- llamada ‘Bailódromo Vol.1‘. En él nos ha cautivado especialmente ‘Siempre vuelve’ porque el ex Novedades Carminha cada vez lleva más allá la paleta de colores en cuanto a arreglos se refiere. El tema es nuestra Canción del Día y Carlangas nos ha respondido unas preguntas sobre su composición.

La gira de Carlangas con su banda Los Cubatas continúa este jueves 21 de noviembre en el Ochoymedio de Madrid, el viernes 22 en el Dabadaba de Donosti, el 23 de noviembre en Tribeca Live de Oviedo, el 2 de enero en Santas Pascuas de Pamplona, luego Murcia, Santiago… Más detalles, en carlangas.es.

Comenzamos preguntando cómo surgió esta canción: «La hice con Fer de Mundo Prestigio volviendo de los premios MIN en Zaragoza. Teníamos unas nominaciones por mi primer disco y lo único que enganchamos fue un fiestón. Como estábamos contentos a pesar de la derrota queríamos celebrar la vida y hacer un tema con dos acordes de base, por eso de que cuanto más te limitas más te liberas, que decía Stravinsky. Es verdad. A los dos nos gusta mucho la música brasileña de los 70 y yo nunca había hecho un tema con guitarra española, aunque realmente es la guitarra que todo a diario y me apetecía. A esa mezcla de batería y bajo funk, la guitarrita esa un poco lo-fi con el agogó y las percusiones, pensamos que podía pegarle una flauta como de la rumba de los 70 y apareció Paloma Cosano para dejarnos con la boca abierta con su solo de flauta. Es mi canción favorita del disco. También queríamos que de alguna manera sonara contemporánea, con grave y Luca Petricca (co-productor y mezclador) nos ayudó mucho con el acabado».

En esa letra sobre esa persona que se va pero «siempre vuelve», es curiosa la imagen de alguien que «cierra los ojos cuando escucha un himno». ¿Quién inspiró el texto de ‘Siempre vuelve’?: «El año pasado fui a Barcelona a grabar una canción para la Gala de Fin de Año de TVE y quedé con una de mis mejores amigas que se llama Mariña. Siempre que nos juntamos aprovechamos para arreglar el mundo, y en este caso hablábamos de cómo amigos y amigas nuestras de la adolescencia se han convertido en señores y señoras de costumbres con 35 años. Los que eran los más cool antes, ahora pasean por centros comerciales los sábados, se emocionan con himnos y victorias de tenistas patrios, viajan compulsivamente sin que los sitios pasen por ellxs, y les preocupan cosas muy diferentes a las que me pueden preocupar a mí».

Algo que no tiene por qué ser malo: «Intento no juzgar si lo mío es lo bueno o lo suyo es lo malo, pero es un poco un retrato de cosas que han pasado en mi entorno. Como dice la canción lo importante es ser buena persona, y al final te das cuenta que aunque la vida cambie, los sentimientos permanecen y son más fuertes que nada, por eso la vida separa, pero si el vinculo es fuerte siempre volvemos».

«Amigos y amigas nuestras de la adolescencia se han convertido en señores y señoras de costumbres con 35 años»

En cuanto a los lustrosos arreglos de ‘Siempre vuelve’, la influencia brasileña ha sido muy comentada, pero también nos llevan a los años 70 más ostentosos del pop español: la Costa Fleming, Rafael Trabucchelli, Antón García Abril… Pero la inspiración de Carlangas no viene exactamente de ahí: «No controlo mucho de esto que hablas, pero me encantará investigar sobre ello. Sé que Costa Fleming era una zona de juerga en Madrid que conocí por algún libro de Iñaki Domínguez, pero no sé qué música sonaba. Y Trabucchelli arregló discos de Jeanette por lo que veo en la Wikipedia, así que pinta genial. Los discos de Jeanette me parecen una maravilla. Yo estaba obsesionado con la flauta de Jorge Pardo en la canción ‘Badajoz’ del disco ‘Rock Gitano’ de Pata Negra y también compartía obsesión con Fer por ‘Força Bruta’ de Jorge Ben Jor. Esas guitarras españolas tocadas en el porche de una casa viendo el mar una tarde de sol».

Añade, en general, sobre su último disco: «‘Bailódromo Vol.1’ nace de una necesidad que teníamos de encontrar un sonido definido para defender en directo todos los temas que voy haciendo. Es casi un banco de pruebas que derivó en un disco. Para ello escuchamos mucha música, hicimos muchas pruebas y fuimos encontrando una estética y una forma de hacer que hizo que llegasen estas canciones. Tim Maia, Novos Baianos, Jorge Ben Jor, por otro lado Pata Negra o Manzanita; y digamos que por traerlo a este siglo, me encanta cómo trata los instrumentos Steve Lacy o como integra las flautas Ralphie Choo, por ejemplo. Esto es una cara de muchas, por eso el disco es punk a veces, es luminoso como en ‘Siempre vuelve’, o nocturno otras veces. Me sirvió para encontrarme y digamos que marca el fin de la etapa inicial de CARLANGAS y me enchufó energía y confianza para seguir haciendo música y ponerme con un LP más ambicioso que tengo en la cabeza desde hace tiempo».

La mejor música del momento:

Alcalá Norte cancela 3 fechas agotadas por problemas de salud

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Alcalá Norte ha cancelado sus próximos tres conciertos en Barcelona, Sevilla y Granada, programados los días 20, 22 y 23 de noviembre, respectivamente, debido a que su cantante, Álvaro Rivas, ha sido operado de apendicitis y se encuentra en proceso de recuperación. O, en palabras de Alcalá Norte, «tiene que reposar y comer purés de esos sin sal».

Las tres fechas, pertenecientes a La Gira Cañón 2024, habían colgado el cartel de «todo agotado» con semanas de antelación. De momento, Alcalá Norte ha anunciado una nueva fecha para el concierto de Barcelona, el 14 de febrero en Razzmatazz, que servirá para cerrar la gira.

La Gira Cañón se reanudará, si todo va bien, el 30 de noviembre en San Sebastián y seguirá por León, Valencia, Zaragoza, Segovia, Valladolid o Vigo entre los meses de diciembre, enero y febrero.

Alcalá Norte sigue presentando por España uno de los discos destacados de 2024, un debut homónimo que ha dejado himnos como ‘La vida cañón’ o ‘420N’.

Recientemente, Alcalá Norte ha sido objeto de la sección «Meister of the Week» de JENESAISPOP, en la que Jaime Barbosa ha profundizado en su «enfermiza» obsesión por la serie ‘Cuéntame’, que tanto ha inspirado la carrera de la banda.

Vuelve Gran Bola de Neu, la fiesta navideña gratuita de Apolo

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El 21 de diciembre vuelve a la Sala Apolo de Barcelona una nueva edición de la fiesta navideña Gran Bola de Neu, que se celebrará en los espacios de La (2) y la Cinc con acceso gratuito. La DJ de Futuroa AL-V animará el evento.

El cartel musical se compone de tres artistas, las catalanas Dianka y Tetas Frías y la francesa JeanneTo. Dianka ha creado su propio universo inspirado en las ferias españolas de los 60 y 70, y su disco ‘TOMBOLERA!’ es un recomendable trabajo de pop electrónico que se aproxima al sonido Camela en su mejor canción, ‘Los choques chocones!’.

Tetas Frías, por su lado, practican la «punkitrónica», en sus palabras, aunque le dan lo mismo «al punk, al black metal y al midwest emo que «al tontipop y al teknaso». Su disco de 2023, ‘Otra camiseta’, incluye su canción más escuchada, ‘chicoZzZ del under’, que se dedica a un tipo que va «con pintas de indie encocado» pero que no es más que «un puto pringado».

Originaria de Francia, JeanneTo reviente el escenario con sus bases electrónicas que remiten a Brutalismos 3000 o COBRAH. JeanneTo da puro «rave pop» en su quinto EP, así titulado, y en rompepistas como ‘Réveillée’ o ‘Citron gingembre’, además, ofrece melodías emocionales y letras que hablan de «relaciones sociales y afectivas o sustancias psicoactivas».


Madrid Popfest confirma a Helen Love, Perdón, Amor Líquido…

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Madrid Popfest celebrará su 13ª edición durante los días 21 y 22 de marzo en la Sala Galileo Galilei de la capital. El festival seguirá celebrando su esencia DIY y su compromiso con la música independiente, sin patrocinadores y sin ánimo de lucro.

Al igual que en ediciones anteriores, el cartel cuenta tanto con nombres nacionales como con apuestas internacionales. Una de estas artistas se trata de Helen Love, la icónica banda de punk-pop galesa. Además, el indiepop de los estadounidenses Chime School y el punk a lo Ramones de las escocesas The Cords también estarán presentes para dar guerra.

En la parte hispanohablante, pero desde el otro lado del charco, llegan los argentinos Ceretti, que presentará su disco debut, y Matt Montero, uno de los rostros destacados de la escena bonaerense. Amor Líquido, banda líder del art-punk en español, y Perdón, con su encantadora propuesta de «electropop tristón», son las confirmaciones nacionales del cartel.

Los abonos para Madrid Popfest ya están disponibles y la organización recomienda adquirirlos con antelación, «dada la popularidad del festival», ya que la Sala Galileo Galilei tiene un aforo limitado.

Baiuca, Hinds, Biznaga… primeros confirmados de Prestoso Fest

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Prestoso Fest ha anunciado los primeros seis artistas de su octava edición, que se celebrará del 7 al 9 de agosto de 2025 en Asturias.

De esta forma, Baiuca, Biznaga, Hinds, HEAL, Pinpilinpussies y Gorka Urbizu forman el primer adelanto de Prestoso Fest, uno de los festivales nacionales más en sintonía con la naturaleza. La variedad está asegurada: desde la tradición y folclore gallego de Baiuca hasta el rock reivindicativo de Biznaga, pasando por el sonido internacional de Hinds.

Ubicado en Las Barzaniellas, una pequeña aldea situada a apenas 2 kilómetros de Cangas del Narcea, el festival ha tardado solamente unos días en anunciar los primeros nombres tras revelar las fechas de celebración. Las abonos están ya disponibles a un precio de 70 euros, después de haberse agotado las primeras 150 entradas en promoción.

Linkin Park / From Zero

Linkin Park tiene en su haber, aún a día de hoy, el debut más vendido de todo (lo que llevamos de) siglo XXI, ‘Hybrid Theory’: sus ventas se estiman en 32 millones de copias. El single ‘In the End’, publicado en el año 2000, suma más de 2 mil millones de streamings en 2024. El segundo disco de Linkin Park, ‘Meteora’ (2003), es otro de los más vendidos del siglo actual, exactamente el 10º.

La fusión de nu-metal y rap de Linkin Park nunca ha sido la más exquisita e innovadora, pero comercialmente siempre ha sido la mejor: ‘Numb’, ‘Faint’ o ‘One Stop Closer’ no son solo hits colosales, también son temazos inalcanzables hasta por la propia banda. El nu-metal nunca ha estado bien visto por la crítica musical snob, pero quien niegue la calidad de estas canciones vive en un mundo aparte.

Chester Bennington, vocalista original de Linkin Park, fue el alma de la banda: sus letras sobre alienación, drogas, conflictos internos o injusticias marcaron a toda una generación de adolescentes incomprendidos, que, en algunos casos, habían sufrido los mismos abusos sobre los que Bennington cantaba en sus letras. Su voz fue un vehículo poderoso con que expresar una serie de emociones insoportables: ‘Numb’ es una de las canciones más importantes que se han escrito, en cualquier género. El suicidio de Bennington en 2017 ha sido difícil de asimilar, y ha dejado un vacío irremplazable.

Por eso, la entrada de Emily Armstrong a las filas de Linkin Park, como nueva vocalista, ha sido recibida con recelo en un primer momento. Armstrong, integrante de la banda Dead Sara, tiene el papel de dignificar el regreso de Linkin Park con un talento vocal que, como mínimo, debe equipararse al de Bennington sin caer en la copia o la imitación o, peor, en el homenaje barato.

Los números demuestran que Linkin Park ha hecho las cosas bien: ‘From Zero’, su nuevo disco, es número 1 en las “midweeks” y el sencillo principal del álbum, ‘The Emptiness Machine’, ha triunfado, alcanzando el número 1 en 8 países -incluido Alemania- e irrumpiendo dentro del top 5 de Reino Unido. A pesar de la controversia de Armstrong por su vinculación a la cienciología, el público ha recibido el regreso de Linkin Park, y su nueva formación, con los brazos abiertos.

A cambio, Linkin Park ofrece un más que correcto disco de regreso que sirve para presentar a la nueva formación y honrar su pasado. La propuesta musical de ‘From Zero’ es familiar y referencial: no se sale de los límites de lo esperado. Pero también es digna de su discografía anterior. Armstrong puede que nunca vaya a convertirse en el referente cultural que fue Bennington para tantos jóvenes, pero vocalmente le va a la zaga: el papel no le queda grande en absoluto.

El título de ‘From Zero’ no solo alude al nuevo inicio de Linkin Park junto a Armstrong, sino también a su inicio histórico a finales de los años 90, pues la banda llegó a llamarse “Xero” antes de elegir su nombre actual. Además, algunos cortes de ‘From Zero’ incorporan referencias nada veladas al catálogo de Linkin Park: por ejemplo, ‘Two Faced’, que empieza como ‘Faint’ y luego invoca la letra de ‘One Stop Closer’. La fórmula de guitarrazos, raps y gritos desgañitados es clásica, pero funciona porque las canciones se sostienen.

El homenaje de algunos cortes es tan evidente como el de ‘Cut the Bridge’, que usa el ritmo de ‘Bleed it Out’. Pero ‘Cut the Bridge’ no se queda en una mera reproducción del sonido de Linkin Park, sino que logra ser una canción buena de verdad. Esto sucede a lo largo de ‘From Zero’ más de lo esperado, tanto en los momentos más jevis (‘Casualty’) como en los más melódicos (el cierre con ‘Good Things Go’).

El resultado es que ‘The Emptiness Machine’ termina siendo uno de los momentos menos interesantes del álbum. Aunque comercialmente ha funcionado, está muy, muy lejos de ser una de las mejores canciones de Linkin Park. De hecho, como canción rock, no pasa de correcta. La supera, por mucho, el segundo adelanto, el épico ‘Heavy is the Crown’, que se “corona” con ese pedazo de scream de Armstrong gritando al micrófono durante 16 segundos.

Armstrong se queda ella sola otra de las mejores composiciones de ‘From Zero’, ‘Over Each Other’, una de tantas que hablan de relaciones tóxicas, mentiras, batallas, traiciones por la espalda, “bocas llenas de sangre”, cosas así. Las letras de ‘From Zero’ se aferran a los clichés del rock, hasta el punto de que por supuesto el fin del mundo es un tema tratado en ‘Overflow’ (“el cielo se cae, oigo la llamada del futuro”). ‘Two Faced’ habla de la tradición de manera predecible, salvando una segunda mitad más floja gracias a un estribillo por el que muchas estrellas del rock, o Demi Lovato, matarían.

Efectivamente, Linkin Park no logra mantener la solidez de las cuatro primeras pistas de ‘From Zero’ a lo largo del repertorio: ‘Stained’ o ‘IGYEIH’ (siglas de «I gave you everything I have»), ambas dirigidas a una persona que no ha sabido cuidar una relación, ambas colocadas en la segunda mitad del álbum, aportan composiciones endebles en un trabajo que sabe a poco: apenas 11 pistas -una de ellas la intro de 22 segundos- y media hora de música ofrecen Shinoda y compañía en su álbum de comeback, ni más ni menos.

La mención a Lovato no es casual: Armstrong llegó a aparecer en ‘HOLY FVCK’, el octavo álbum de Lovato, como parte de Dead Sara. ‘From Zero’ no cae en la oscuridad de aquel álbum porque Linkin Park deja esa oscuridad atrás, después de un largo periodo de duelo, para empezar “de cero”. ‘From Zero’ no cuenta con los hits generacionales de ‘Hybrid Theory’ ni los de ‘Meteora’, ni mucho menos es la sucesión de canciones espectaculares que presentaba aquel segundo disco, pero sí representa un buen reinicio, edificante, de la carrera de Linkin Park, siete años después.