Love of Lesbian protagonizan la entrada más fuerte de la semana en España con su nuevo álbum. ‘Ejército de salvación’ es número 1 de la lista general de discos de Promusicae y también de la sub-lista de vinilos.
No es su primer número 1 en nuestro país, pues desde que se viralizó ‘1999’, todo han sido éxitos para los catalanes. Este es el 5º número 1 de Love of Lesbian en España tras ‘La noche enterna. Los días no vividos’ (2012), ‘El poeta Halley’ (2016), el disco en directo ‘El gran truco final’ (2018) y ‘V.E.H.N.’ (2021). En resumen, desde que ‘1999’ fue top 33 pero sobre todo un «sleeper» que llegaba al disco de oro, ningún álbum de Love of Lesbian ha quedado siquiera en el top 2.
Este lanzamiento de Love of Lesbian deja sin número 1 en España a su compañera de sello en Warner Charli xcx. ‘Brat’, ayudado por su reedición con un disco de remixes, es la subida más fuerte de la semana, pasando del número 17 al número 2, su nuevo máximo en España, pues en su momento ‘Brat’ fue top 5 por aquí.
Además, dos temas se cuelan en el top 100 de canciones: ‘Sympathy Is a Knife’ en el top 81 (sin estar Ariana Grande acreditada) y ‘Club Classics’ en el top 97 (sin Bb trickz acreditada). Aunque lo verdaderamente destacable es la longevidad del álbum durante estas 19 semanas, resistiendo en torno al top 20 todo el verano. Será el primer disco de oro de Charli xcx en España.
La segunda entrada más importante de la semana es la de Gonzy con ‘The World Is Yours’ en el puesto 6. El artista cubanoamericano ya tiene 3 singles en el top 50 español. También hay que mencionar que Lady Gaga llega al número 5 con ‘Harlequin’, su música inspirada en la segunda parte de ‘Joker’. Con motivo de su edición física, este álbum ha vuelto a las listas internacionales, incluida la nuestra, aunque sin llegar al podio en ningún territorio. De hecho, el español es de sus mejores datos: ‘Harlequin’ ha sido número 20 en Estados Unidos y número 11 en Reino Unido.
Otras entradas de la semana son ‘Supercharged’ de The Offspring en el puesto 30, ‘Hotel maligno’ de Los Diozes en el puesto 65, ‘Baño María’ de Ca7riel y Paco Amoroso en el puesto 72 -tras el pelotazo de su Tiny Desk- y ‘Crear’ de La Habitación Roja en el número 80.
En el caso de La Habitación Roja llegaron a rondar el top 10 varias veces durante la década pasada: ‘Universal’ fue número 14 en 2010; ‘Fue eléctrico’, número 16 en 2012; ‘La moneda en el aire’, número 6 en 2014; ‘Sagrado corazón’ top 10 en 2016… La era streaming claramente les ha ido perjudicando de cara a las listas de discos, aunque continúan manteniendo sus fans en las salas.
Lionel Richie ha anunciado las fechas de la gira europea ‘Say Hello To The Hits’, que evidentemente referencia el legado de su hit ‘Hello’. El tour comenzará en el SSE Arena de Belfast el 31 de mayo y recorrerá hasta 16 países realizando un total de 27 shows.
En España podremos verle hasta en 5 ocasiones: estará el 23 de julio en la Plaza de Toros de Murcia, el 25 de julio en el Marenostrum de Fuengirola y el 26 de julio en el Concert Music Festival en Cádiz. Después aguardan el Coliseum de A Coruña el 31 de julio y el WiZink Center de Madrid el 2 de agosto.
Como informa Live Nation, la gira ‘Say Hello To The Hits’ presentará una producción nunca vista hasta la fecha en Reino Unido y Europa. El texto recuerda que Lionel Richie ha sido galardonado con premios Grammy®, Oscar® y Globo de Oro®, vendiendo más de 125 millones de discos en todo el mundo. Entre los hits destacados de su carrera se citan ‘Hello’, ‘All Night Long’, ‘Say You Say Me’, ‘We Are The World’ o ‘Easy’.
Las entradas para los conciertos de A Coruña y Madrid estarán a la venta a partir de este 25 de octubre a las 10h en www.livenation.es, Ticketmaster y El Corte Inglés. Para los demás detalles de fechas, puedes visitar lionelrichie.com o las webs de los eventos locales.
Paul Di’Anno, el cantante fundador de Iron Maiden, ha fallecido en su casa de Salisbury, Inglaterra, a los 66 años. Así lo ha confirmado la discográfica Conquest Music. El artista iba a actuar en Bilbao, el próximo marzo de 2025. No se han especificado las causas de la muerte.
La banda ha lanzado un comunicado en el que cuentan que su contribución a Iron Maiden «fue inmensa y nos ayudó a tomar el camino que hemos recorrido como banda durante casi cinco décadas».
Paul Andrews nació en Londres el 17 de mayo de 1958 y entró a formar parte de Iron Maiden en 1978, dándole a conocer. Di’Anno participó en los dos primeros discos de la banda: ‘Iron Maiden’, en 1980, y ‘Killers’, al año siguiente. Tras dejarse llevar por su adicción al alcohol y las drogas, fue expulsado del grupo y sustituido por Bruce Dickinson para irse de gira con ellos.
Tras su etapa con Iron Maiden, Andrews montó la banda Lonewolf, que posteriormente fue renombrada como Di’Anno y con la que solo llegó a lanzar un trabajo homónimo en 1984. En una entrevista dada este año, Di’Anno reconoce haberse encontrado con Dickinson para enterrar el hacha: «Nuestra conversación fue privada, así que no digo más. Todo el mundo piensa que nos odiábamos, lo cual es mentira. Así es la prensa».
Queda justo una semana para que Tyler, The Creator lance su sexto álbum de estudio, ‘CHROMAKOPIA’. Este fue anunciado hace unos días de forma inesperada y hoy ya hemos recibido el primer adelanto completo del mismo. ‘NOID’ aclara en qué dirección irá el artista en este lanzamiento, ya que suena como la conclusión de dos de sus anteriores trabajos: ‘IGOR’ y ‘Cherry Bomb’.
La canción no se encuentra en plataformas, sino que ha sido subida a YouTube directamente junto con el videoclip, dirigido por el propio Tyler. En él, el personaje enmascarado del disco aparece en distintas situaciones que derivan de la paranoia de la fama, principalmente. Ayo Edebiri, conocida por su papel en ‘The Bear’, actúa muy convincentemente de fan loca, por ejemplo.
«Lo siento en mi aura / Viviendo entre cámaras y grabadoras», canta Tyler sobre un beat que es tan sorprendente como experimental. Este incluye un sample de las guitarras de ‘War Pigs’ de Black Sabbath, que recordarían a la época de ‘Cherry Bomb’, y los sintetizadores y armonías característicos del lado más suave del rapero, destilado totalmente en ‘IGOR’. ‘CALL ME IF YOU GET LOST’, por otro lado, no era un trabajo tan definitorio.
Charli xcx y Jelly Roll se han disputado el número 1 de álbumes en Estados Unidos esta semana con sus respectivos lanzamientos. Por un lado, Charli acaba de reeditar ‘Brat’ junto a un suculento disco de remixes lleno de invitados estelares. Gracias a que el disco de remixes se computa junto al original, ‘Brat’ acaba de alcanzar el número 1 de álbumes en Reino Unido, principalmente gracias al streaming. Ha dejado en segundo puesto a su principal rival, Paul Heaton.
Por otro lado, el rapero Jelly Roll ha lanzado su nuevo álbum, ‘Beautifully Broken’. Roll es conocido por éxitos como ‘Need a Favor’ o, últimamente, por su colaboración con Eminem en ‘Somebody Save Me’.
El portal HITS Daily Double informaba de que tanto ‘Brat’ -gracias a su expansión- como ‘Beautifully Broken’ estaban peleando de manera muy ajustada por el número 1 de álbumes en el Billboard. Sus ventas se estimaban en torno a las 150.000 unidades, copia arriba, copia abajo.
Hoy se ha confirmado que Jelly Roll ha conseguido el primer disco nº1 de su carrera con ‘Beautifully Broken’. Por otro lado, ‘Brat’ se ha plantado en el nº3, que ya era su posición máxima en el Billboard 200. El rapero estadounidense ha vendido 161.000 unidades, mientras que Charli firma 105.000 unidades. Sin embargo, hay que mencionar que, pese a no haber alcanzado el primer puesto, se trata de la mejor semana de la británica en las listas estadounidenses gracias a su disco de remixes, ya que la primera vez que entró fue con 70.000 unidades vendidas. Rod Wave es número 2 con ‘Last Lap’ y 127.000 unidades.
Cada artista ha movido ficha de alguna manera. En los últimos días, Charli ha lanzado un remix de ‘Spring Breakers’ con Kesha, y Jelly Roll ha reeditado el álbum con temas extra hasta sumar 28 cortes.
Geordie Greep cuenta que la música de su banda anterior, black midi, suele provocar la misma reacción en el público: “La gente disfruta la música, pero dice que le gustaría que le gustase más”. Se aprecia la técnica, pero falta conexión. El disco en solitario de Greep lo pone un poco más fácil, pero solo un poco. La música sigue siendo sesuda, aunque menos. Las letras giran en torno a un personaje y su vida, pero no es un personaje diseñado para generar empatía en el oyente, sino todo lo contrario.
‘The New Sound’ es un álbum grabado a caballo entre Londres y San Paulo que agrega a las psicosis rockeras de Greep una capa festiva de música latina. Él, más que nunca, se entrega en las canciones a su papel de vocalista desquiciado, cantando con un dramatismo exacerbado. En casi una hora de duración termina resultando cansino, pero nunca deja indiferente.
‘Holy, Holy’ ha sido un single de presentación realmente exuberante que combina math rock y prog rock con percusiones de salsa. ‘Holy, Holy’ ha introducido el insufrible personaje del disco, un hombre que va de fucker pero que es un inseguro de la vida. En el transcurso de ‘The New Sound’, este hombre que «solo puede correrse» si paga por sexo, se enamora de una trabajadora sexual pero termina casado con otra mujer a la que nunca desea y que “abandona” emocionalmente.
El personaje de ‘The New Sound’ es repugnante en muchos sentidos -Greep no escatima en detalles- y lo es de manera deliberada. Greep ha querido investigar la masculinidad tóxica no criticándola, sino exponiéndola. Y lo hace de manera muy creativa en un disco lleno de canciones que cuentan una historia.
‘Blues’, la nerviosa pista inicial, presenta ya a un personaje con delirios de grandeza que se cree un semental y un intelectual pero que en realidad está completamente carcomido por sus inseguridades. Las trompetas, en este tema, suenan pletóricas. En ‘Holy, Holy’ se las da de famoso, a pesar ser un mindundi. En ‘Wake Up’ cuenta que la trabajadora sexual de la que se ha enamorado posiblemente le ha transmitido una enfermedad de transmisión sexual que después descubrimos es «incurable». Pero él está contento porque, como canta en ‘Through the War’, significa que esta mujer será “parte de él para siempre”.
En ‘The New Sound’ Greep sabe narrar con gran habilidad el paso de la locura a la decadencia de su estrafalario personaje. Su gran hallazgo en ‘The New Sound’ es una paciente composición de 12 minutos llamada ‘The Magician’ en la que revela que su protagonista lleva años casado con otra mujer a la que nunca ha amado: la trabajadora sexual a la que conoció años atrás ha seguido ocupando sus pensamientos. En esta “banda sonora de una mujer abandonada”, el hombre acaba sus días “podrido” de vergüenza.
‘The New Sound’ acaba con una versión de la canción tradicional de 1942 ‘If You Were But a Dream’. Una balada ensimismada, en su momento popularizada por Frank Sinatra, que muestra al personaje de ‘The New Sound’ absorto en su imaginación. Es lo único que le queda. Greep la aborda como si fuera Tom Waits.
‘The New Sound’ hace un buen trabajo acercando la propuesta de black midi a un sonido más accesible que el de los discos de esta banda nominada al Mercury. En su ambiciosa aproximación al sonido de big band latina, unas composiciones convencen más (‘Through the War’) y otras menos (‘Motorbike’). ‘Terra’ es una de las piezas del largo que mejor se entregan a la salsa, y los acordes jazz de ‘Wake Up’ aportan un respiro a un disco que no da tregua.
Porque ‘The New Sound’ también es un trabajo extremadamente excesivo en muchos sentidos. Te agarra el cuello y no te deja respirar. En el aspecto instrumental, en ‘The New Sound’ ocurren muchísimas cosas todo el rato y su nivel de nervio es muy elevado en todo momento. No es un disco creado para ser digerido en una o dos o tres escuchas. Tampoco lo pone fácil Geordie Greep al escoger interpretar las melodías de una manera tremendamente dramática y afectada. En algunos casos ni siquiera se puede decir que sea un goce escucharle. Y eso también dice algo bueno de su propuesta.
Y es que toda decisión tomada en ‘The New Sound’ es deliberada. Green dice abiertamente que «cuantos más elementos puedas meter en una canción, mejor”. Y Greep se adelanta a las posibles críticas negativas que reciba el álbum porque ya las ha visto con black midi: “Si un disco consigue que te encojas de vergüenza ajena, es que algo está haciendo bien” ha sido otra de sus declaraciones. Que su personaje dé asco es una decisión arriesgada, pero no tantos se habrían atrevido a tomarla.
Pero Geordie Greep tiene razón: si un disco deja indiferente, mala señal. Y ‘The New Sound’ es un trabajo que, como mínimo, presenta una propuesta interesante, al contrario que muchos. Te guste o no, te lo vayas a seguir poniendo durante los años venideros o termine olvidado en un cajón, siempre valdrá la pena escucharlo, aunque incomode.
Panda Bear ha anunciado la salida de su primer disco en solitario desde 2019. ‘Sinister Grift’ estará disponible el próximo 28 de febrero de 2025. El psicodélico primer single ya está en plataformas y se trata de una colaboración con Cindy Lee, cuyo ‘Diamond Jubilee’ es ya uno de los mejores discos de 2024.
Entre su anterior disco, ‘Buoys’, y ‘Sinister Grift’, Noah Lennox lanzó el gran ‘Reset’ junto a Sonic Boom, basado en samples de los 50s y 60s. El nuevo disco ha sido grabado en su propio estudio de Lisboa y coproducido por Deakin, compañero de banda en Animal Collective.
En ‘Defense’, Lennox se encarga totalmente de la parte vocal, mientras que Lee, de poner el toque con sus reconocibles guitarras vintage. En lugar de estribillo, la canción presenta un solo de guitarra hacia su mitad, mientras Noah Lennox se queda la parte más pegadiza de la grabación. Se trata de la desembocadura de cada estrofa en la repetición de una frase. Una frase, eso sí, que va cambiando: “what’s it become”, “give me some” y “here I come”. Todo para confluir en un tema de melodía y corte atemporal que solo la producción acerca a lo psicodélico.
Panda Bear actuará en España, concretamente en Vigo y Valladolid, los próximos 5 y 6 de diciembre respectivamente. Además, ha anunciado nuevas fechas para 2025. Estará en Oviedo el 22 de marzo, en Bilbao el 23, en Barcelona el 25, en Valencia el 26 y en Madrid, el día 27. Estas son todas las fechas anunciadas:
Tracklist:
1. Praise
2. Anywhere but Here
3. 50mg
4. Ends Meet
5. Just as Well
6. Ferry Lady
7. Venom’s In
8. Left in the Cold
9. Elegy for Noah Lou
10. Defense
Géneros como el dream pop, el shoegaze o el post-rock continúan siendo mimados a través de proyectos como el de Fin del Mundo. Lucía Masnatta y sus compañeras de banda Julieta Heredia (guitarra), Julieta Limia (batería) y Yanina Silva (bajo) publican esta semana su nuevo álbum ‘Hicimos crecer un bosque’ tras la buena acogida de ‘Todo va hacia el mar’ en 2023. Si allí encontrábamos pequeños éxitos como ‘La noche’ o ‘El próximo verano’, en el nuevo encontramos pequeñas maravillas como ‘Una temporada en el invierno’ o ‘Devenir paisaje’, que os acabamos de presentar en Ready for the Weekend.
El pequeño sello andaluz Spinda Records publica en España el disco de la banda argentina. ‘Hicimos crecer un bosque’ puede adquirirse en CD, cassette o en una edición limitada en vinilo: solo hay 400 copias en color lavanda, 300 copias en rojo marmoleado y 300 en negro estándar. Podéis conseguirlo aquí.
Son las propias Fin del Mundo quienes dan los detalles de un disco que han grabado con Estanislao López, ha mezclado Nicolás Aimo y ha masterizado Sr. Warrior. A través de un «canción por canción» realizado para JENESAISPOP, las artistas nos explican que en este disco han querido que prevalezca lo colectivo. De ahí que varias canten a la vez en ‘Vivimos lejos’ o en los últimos instantes del largo.
El álbum narra la historia de un personaje marcado por la partida de sus seres queridos, que tuvieron que «marchar lejos buscando un futuro más próspero mientras que él permanece en un ambiente devastado y hostil». Un entorno que se dibuja con largas progresiones sonoras, con larguísimas intros y desarrollos instrumentales que pueden extenderse varios minutos, como manda el género.
Entendiendo ‘HICIMOS CRECER UN BOSQUE’
«En esta ocasión decidimos ser completamente libres a la hora de componer e incorporar nuestras distintas influencias musicales, y no quedarnos con ganas de nada. Dentro del mismo, hay canciones más cercanas al indie rock, al dream pop, al post rock o al emo, entre otros géneros. Creemos que en ‘Hicimos crecer un bosque’ se observa un avance considerable a nivel compositivo y de ejecución de los instrumentos; nos sentimos más afianzadas en nuestros respectivos roles y también como conjunto, definiendo nuestro sonido pero sin miedo alguno a probar distintas ideas y combinarlas.
En cuanto al concepto del disco, quisimos crear una historia en la que prevaleciera lo colectivo, utilizando gang vocals en más de una canción y hablando en plural. La historia cuenta la perspectiva de alguien que está pasando por un periodo difícil a nivel personal, donde muchos de sus seres queridos tuvieron que marchar lejos buscando un futuro más próspero mientras que él se encuentra en un ambiente devastado y hostil, junto a otros que tampoco pudieron huir.
En esta trama donde el aislamiento y lo individual son el imperativo, el personaje reflexiona sobre su pasado, presente y futuro, con la esperanza de que los tiempos duros sean cuestión de tiempo y con la certeza de que saldrá adelante construyendo junto a otras personas. Hacia el final del álbum logra vislumbrar los frutos que fueron cosechados y cuidados con amor en conjunto a pesar del incómodo escenario, creciendo como si fuesen árboles dentro de un gran bosque».
TRACK-BY-TRACK
UNA TEMPORADA EN EL INVIERNO
El título de la canción es una alusión casi directa a ‘Una temporada en el infierno’, poema del francés Arthur Rimbaud. Quisimos introducir elementos un poco más agresivos que de costumbre… El tempo es bastante alto y las guitarras están cubiertas de overdrive durante la mayor parte de la canción. La letra se refiere a una conversación mental en la que, desde un meta-pensamiento, una persona decide no dejarse llevar por ideas o recuerdos que le conducen a la desmotivación. Ya sabe cómo y dónde se expresa su verdadera esencia y en ese descubrimiento elige de manera consciente ser fiel a sí misma.
VIVIMOS LEJOS
Se trata de una canción donde recurrimos a los elementos que más nos gustan: una poderosa base rítmica de batería y bajo sobre la cual construimos capas de guitarras que se entrelazan, evocando distintos estilos e influencias. En esta ocasión decidimos cantar las cuatro al unísono con unas gang vocals propias del midwest-emo para expresar así ese deseo de estar cerca de tus seres queridos en un contexto tormentoso en el que buscas refugio.
CUANDO TODO TERMINE
Es una de las primeras composiciones del disco, y en ella hablamos sobre buscar refugio en la naturaleza; irse lejos del ruido de la ciudad; sentirte parte de algo más grande; tomar distancia de aquello que te aqueja para poder ver el bosque más que el árbol.
REFUGIO
Nos apetecía muchísimo escribir un tema completamente instrumental para ‘Hicimos crecer un bosque’. Desde el principio y de manera interna, le llamábamos “post rocki”. Siempre hemos entendido la música como nuestro particular refugio y de ahí viene el título, que pasa por diferentes estadíos y emociones, explotando hacia el final. A nivel compositivo, utilizamos una base de batería muy dinámica con variaciones de compás, siendo la primera parte un 4/4, para luego pasar a un 3/4 y finalmente volver al 4/4.
DEVENIR PAISAJE
En este tema quisimos aumentar considerablemente el bpm y utilizar overdrive a lo largo de todo el tema, algo que nunca habíamos hecho anteriormente. La letra habla sobre un desencuentro entre dos personas; esperar que alguien nos acompañe en un momento difícil y sentir que no ocurrió, lo cual provoca un dolor intenso al sentirte desconectado de dicho vínculo a pesar de saber perfectamente que estaremos para esa persona pase lo que pase.
EL DÍA DE LAS FLORES
Este tema describe un paisaje nostálgico y reflexivo sobre el vínculo entre dos personas… El protagonista del álbum siente que no es correspondido afectivamente del modo esperado y explora la angustia que se desprende de ello: creyéndose solo en mitad de la ciudad, añorando aquel refugio entre dos y sintiendo que aquello construido en el pasado permanece vivo en el recuerdo, en una sensación, en el viento.
Para esta canción, de marcado aire dream pop y con una letra muy extensa, invitamos a Guillermo Mármol de Eterna Inocencia (tremenda influencia para nosotras) para que nos acompañase a las voces. El tratamiento de las guitarras es muy luminoso y la batería es extremadamente precisa y milimétrica, aunque el peso de toda la canción lo lleva el bajo.
MICROCLIMA
Esta canción funciona como interludio dentro del disco. Queríamos dar profundidad al concepto general y hacer algo distinto, regalarle a nuestro público una canción más experimental y algo más etérea. La composición surgió a partir de un tempo en 7/4 y la base de guitarra de Juli; luego agregamos la línea de bajo, la otra guitarra y algo de letra. Fundamental fue la colaboración de Nicolás Aimo a los sintetizadores, llevando el tema a otro nivel sonoro.
VENDRÁ LA CALMA
Es la última canción que compusimos, y con ella quisimos dar un mensaje esperanzador para cerrar el disco: nuestro personaje se siente dueño de sí mismo y decide hacerle caso a su instinto, que le indica que algo mejor va a pasar; ahora tiene la certeza de que saldrá adelante, construyendo junto a otras personas.
A nivel musical, comienza siendo una canción indie y poco a poco va tomando matices más emocionales e intensos, cantando todas juntas al unísono para dejar claro que entendemos que un futuro mejor será solo construido entre todos y no solo bajo los deseos de unos pocos.
Una verdadera rareza: Alanis Morissette anuncia conciertos en España. En nuestro país, la autora del histórico ‘Jagged Little Pill’ actuará el 9 de julio en el Coliseum de A Coruña, dentro de la programación de O Gozo Festival, que cuenta con el apoyo de Xunta de Galicia a través de la Agencia Turismo de Galicia. O Gozo Festival es un evento que reúne a varios artistas en distintos escenarios y fechas. En su web vemos otros conciertos, en meses diferentes, de Lenny Kravitz y Rod Stewart.
Por otro lado, Cruïlla confirma que el 12 de julio actuará en el festival catalán, que tiene lugar en el Fòrum de Barcelona. De momento, es la única confirmada junto a Thirty Seconds to Mars.
Las entradas para Alanis en A Coruña, desde 45 euros, salen a la venta el viernes 25 de octubre a las 9h en Livenation.es, Ticketmaster, Ataquilla.com y Taquilla Plaza de Ourense. También se anuncian 2 preventas:
Live Nation-S.SMusic: a partir del miércoles 23 de octubre a las 9h
Live Nation: a partir del jueves 24 de octubre a las 9h
La gira mundial que Alanis ofrecerá en Reino Unido, Europa y Sudamérica es la continuación al éxito de su gira de 35 fechas por Norteamérica, ‘Triple Moon Tour’, realizada este verano, para la que se vendieron medio millón de entradas.
Así quedan las fechas de la gira, con un asterisco para las fechas en festivales:
Viernes, 21 de marzo de 2025 Buenos Aires, Argentina – Lollapalooza Argentina*
Sábado 22 de marzo de 2025 Santiago de Chile – Lollapalooza Chile*.
Martes, 25 de marzo de 2025 Lima, Perú – Costa 21
Jueves, 27 de marzo de 2025 Bogotá, Colombia – Estereo Picnic*
Sábado, 29 de marzo de 2025 São Paulo, Brasil – Lollapalooza Brasil*
Domingo, 30 de marzo de 2025 Curitiba, Brasil – Pedreira Paulo Leminski
Miércoles, 11 de junio de 2025 Bergen, Noruega – Bergenfest*
Viernes, 13 de junio de 2025 Kværndrup, Dinamarca – Heartland Festival*
Domingo, 15 junio 2025 Estocolmo, Suecia – Gröna Live*
Martes, 17 de junio de 2025 Berlín, Alemania – Zitadelle Spandau
Jueves, 19 de junio de 2025 Polonia, Varsovia – COS Torwar
Sábado, 21 de junio de 2025 Praga, República Checa – Metronom Festival*
Domingo, 22 de junio de 2025 Codroipo (Udine), Italia – Villa Manin
Martes, 24 de junio de 2025 Esch-sur-Alzette, Luxemburgo – Rockhal
Miércoles, 25 de junio de 2025 Ámsterdam, Países Bajos – Ziggo Dome
Domingo, 29 de junio de 2025 Dublín, Irlanda – Malahide Castle
Lunes, 30 de junio de 2025 Belfast, Reino Unido – Ormeau Park*
Miércoles, 2 de julio de 2025 Cardiff, Reino Unido – TK Maxx presents Depot Live en el Castillo de Cardiff
Viernes, 4 de julio de 2025 Lytham, Reino Unido – TK Maxx presents Lytham Festival*
Sábado, 5 de julio de 2025 Glasgow, Reino Unido – OVO Hydro
Miércoles, 9 julio 2025 A Coruña, España – Coliseum
Sábado, 12 de julio de 2025 Barcelona, España – Cruilla Festival*
Shakira tenía que realizar casi una veintena de conciertos en Estados Unidos y Canadá entre los días 2 de noviembre y 15 de diciembre. Era el comienzo del esperado ‘Las mujeres ya no lloran World Tour’, en el que se repasarían los éxitos de toda su carrera, incluidos los de su último disco o el nuevo ‘Soltera’, actual top 5 en España.
Debido a la alta demanda los conciertos, que iban a tener lugar en arenas y pabellones de unas 15.000 personas, van a pasar a grandes estadios de 50.000. Sin embargo, para poderse reubicar apropiadamente, los shows ya no van a tener lugar este otoño, sino el próximo mes de mayo.
Así se excusa Shakira: «Tal y como Live Nation ha comunicado, mi producción ha crecido en tal magnitud, así como la demanda de entradas y más shows, que ha superado las expectativas más optimistas. Tanto, que la gira en Norteamérica ahora requiere de estadios y más fechas, para poder llegar a más de ustedes, por lo que ha sido trasladada a mayo del 2025». Las nuevas fechas aparecen al final de este artículo.
Consciente de lo que va a suponer para sus seguidores, a nivel logístico, la cantante indica: “Gracias de corazón por apoyarme en este momento de mi carrera. Sé que muchos de ustedes han hecho grandes esfuerzos para formar parte de estos conciertos. Su comprensión y cariño significan muchísimo para mí y me ayudan a seguir rompiendo barreras. Los espero con ansias para celebrar juntos. Prometo darles todo de mí y ofrecerles el show más especial de mi vida. ¡El que se merecen! Con todo mi amor y gratitud, Shakira”.
Pese a su explicación, los seguidores de Shakira están inundando su cuenta de Instagram de mensajes en los que indican lo que les va a costar este retraso. Un mensaje con cientos de “me gusta”, indica: “No es justo para los fans que ya tenían asientos específicos. Los estadios son gigantes y la vista es mucho peor”. Otro mensaje reza: “¿Y ahora quién me regresa la plata que pagué por el hotel que reservé en San Antonio?”.
En cualquier caso, lo que ha ocurrido con Shakira es la otra cara de la moneda de lo que este año sucedía con su compañera de Super Bowl, Jennifer Lopez. Esta tenía que cancelar su gira aludiendo a problemas familiares -lo que luego sabríamos que era su divorcio-, entre rumores de que no había vendido suficientes entradas. Parece que las exitosas colaboraciones de Shakira con Bizarrap y Karol G han marcado la diferencia entre ambas.
‘Las Mujeres Ya No Lloran World Tour’ pasa a comenzar el 11 de febrero en Río de Janeiro, para luego llegar a Perú, Colombia, Chile, Argentina y México. Esto último ocurrirá a finales de marzo. De momento no hay fechas en Europa, pero se esperan para más adelante. En cuanto a las nuevas fechas norteamericanas, podéis encontrarlas aquí, y la preventa tiene lugar entre los días 22 y 25 de octubre.
Mar 13 May – Charlotte, NC – Bank of America Stadium
Jue 15 May – East Rutherford, NJ – MetLife Stadium
Mar 20 May – Montreal, QC – Bell Centre
Jue 22 May – Detroit, MI – Little Caesars Arena
Lun 26 May – Toronto, ON – Scotiabank Arena
Jue 29 May – Boston, MA – Fenway Park
Sab 31 May– Washington, DC – Nationals Park
Mie 04 Jun – Orlando, FL – Camping World Stadium
Vie 06 Jun – Miami, FL – Hard Rock Stadium
Mie 11 Jun – Arlington, TX – Globe Life Field
Vie 13 Jun – San Antonio, TX – Alamodome
Dom 15 Jun – Houston, TX – Toyota Center
Vie 20 Jun – Inglewood, CA – SoFi Stadium
Dom 22 Jun – Phoenix, AZ – Footprint Center
Jue 26 Jun – San Diego, CA – Snapdragon Stadium
Sab 28 Jun – Las Vegas, NV – Allegiant Stadium
Lun 30 Jun – San Francisco, CA – Oracle Park
Horteralia se celebraba este fin de semana en Cáceres con actuaciones como las de Nebulossa, Kiko Rivera, Rosa López, Joe Crepúsculo, Putochinomaricón o Nena Daconte. También formaban parte del cartel las Nancys Rubias, que actuaban el sábado 19 de octubre entre las 0.30 horas y las 2.00.
Durante el show, Mario Vaquerizo ha sufrido una aparatosa caída del escenario que le ha llevado al Hospital Universitario de Cáceres.
El festival informaba de que su show no podía terminar: “Mario ha sufrido una caída accidental durante su actuación. Ha sido aparatosa, pero está bien. Los servicios médicos lo han atendido y trasladado al hospital. Lamentablemente, no se encuentra en condiciones de subirse al escenario y el resto de Nancys tampoco. Desde Horteralia mandamos a Mario y sus Nancys todo nuestro apoyo y deseamos que se recupere lo antes posible”.
Mientras los medios informaban de que su alta médica podía producirse a lo largo del mismo domingo, a media tarde de este día, las Nancys actualizaban su Instagram para informar de que estaba «fuera de todo peligro».
Decían, encomendándose a Dios: “Querid@s AMIG@S… Anoche Tuvimos Un Percance… Y Con La Caída De MARIO Nos Llevamos Un Buen Susto… GRACIAS A DIOS Todo Se Ha Quedado En Eso… Fue Trasladado De Inmediato Al Hospital Y Hoy Ya Está Fuera De Todo Peligro…Desde @nancysrubias.oficial Queremos Agradeceros A TOD@S Vuestro Interés & Vuestras Continuas Muestras De Respeto Y Cariño… GRACIAS De Verdad 🌟».
Juanjo y Martin salieron de la academia de Operación Triunfo como dos de los concursantes favoritos del público. No solo por sus méritos musicales, sino por su historia de amor llevada a cabo delante de toda España.
Fuera de OT, su éxito no ha disminuido. ‘rompeolas’, el primer y único single de Urrutia, es la única canción de todos los concursantes en alcanzar las 10 millones de reproducciones. Además, ha sido fichado para la nueva serie de los Javis, ‘Mariliendre’. Por otro lado, Bona es de los pocos artistas de OT que está consiguiendo que sus singles se metan en el top 100, aunque sean datos modestos. Esto cobra más mérito todavía si tenemos en cuenta que uno de estos, ‘Mis Tías’, es una jota pop.
Solo era cuestión de tiempo que lanzasen un tema juntos. ‘El Destello’ es una fantasía de pop electrónico que también sirve como testamento del amor que surgió entre Juanjo y Martin en el programa. Tampoco es la típica balada. De hecho, está lejos de serlo. Solo podría haber venido de la mano de Carlos Ballesteros y Genís Segarra, integrantes de Hidrogenesse.
Hablamos con Juanjo Bona y Martin Urrutia sobre las dificultades que trae la vida después de OT, el origen de ‘El Destello’, su amor por ‘La Mesías‘, la necesidad de destacar con algo diferente y si podemos esperar algo más de ellos en el futuro.
¿Qué tal estáis?
Juanjo: Muy bien.
Martin: Bien.
J: Aquí, ya el penúltimo.
Veo que tenéis encima muchas entrevistas hoy. ¿Cómo es hacerlas todas conjuntas?
J: Yo creo que mejor que separados, ¿eh? Se dinamizan más las respuestas, porque si no acabas repitiéndote todo el rato.
¿Cómo habéis vivido todo este tiempo tras la academia?
M: Pues de manera muy intensa, con muchos cambios en nuestra vida, pero también siendo conscientes de que hay que encontrar el balance entre las raíces y lo que es tu familia y tu casa y la nueva vida. Intentar, poco a poco, aunque es duro, con ayuda psicológica y de amigos cercanos, encontrar el equilibrio.
J: La palabra intensidad yo creo que lo define todo en todos los aspectos, en lo bueno y en lo malo también. Cerca de nuestra gente y cerca de nuestro yo más real. Eso es lo más importante.
Me puedo imaginar que vuestra vida ha cambiado a mejor en general, pero ¿hay algo que echéis de menos de antes de OT?
M: Sí, la falta de estrés de la vida de estudiante. Ir a casa con las preocupaciones de una persona que va a la universidad y no tener que enfrentarme a cosas que hace un año habría pensado que me quedan enormes, y que ahora tengo que encarar, pero también queda mucha madurez. La calma de una vida normal. Eso es lo que se echa de menos.
J: Sí, y esa privacidad que ahora no tenemos ni aunque la busquemos. Poder hacer planes que a veces necesita tu cuerpo, con gente en el aire libre, y que se te pueden complicar, pero bueno.
¿Qué es lo que más estáis disfrutando?
M: Las oportunidades increíbles que hemos tenido y seguimos teniendo, porque sin Operación Triunfo no podríamos estar haciendo lo que estamos haciendo. Es increíble ver que tenemos un camino que podemos llevar a cabo.
J: Conocer a gente que antes admirabas, el cumplir sueños cada día, prácticamente.
¿Cuándo surge la idea para ‘El Destello’?
J: Surge un día en casa, y llovía un montón. El concepto de la lluvia nos gustaba mucho porque nos gusta esa sensación de estar en casa tranquilos mientras llueve fuera. Además, la tormenta como que también tiene una parte de calma que podría asemejarse más con su personalidad y una parte muy eléctrica con la mía. Nos gustaba también cómo podía quedar eso visualmente. Empezamos a hacer la letra y ya contactamos con Hidrogenesse a través de Universal. Los cuatro ya empezamos a tirar para adelante.
¿Les buscasteis concretamente a ellos?
M: Les teníamos muy en mente por su proyecto y por la música que hacían y, gracias a Universal, conseguimos contactar con ellos y hacer el proyecto.
¿Erais fans de Hidrogenesse?
J: Somos fans de Hidrogenesse. Somos fans de la banda sonora de ‘La Mesías’, por supuesto, y a raíz de eso empezamos a escuchar sus canciones. Ahora mismo, sinceramente, no te puedo decir una canción. La del tigre (‘Disfraz de tigre’) nos encanta.
M: Muchas más… ‘Caballos y ponis’, por ejemplo. Tenemos que escucharles más. Veníamos con la fascinación que nos dio toda la banda sonora de ‘La Mesías’, pero ellos musicalmente sabemos que son unos genios.
J: Y nos entendieron al cien por cien con lo que queríamos transmitir a nivel de letra y de producción.
Hidrogenesse hicieron la música de ‘La Mesías’ y vosotros también habéis llamado a la coreógrafa de la serie para el vídeo.
M: La coreógrafa de ‘La Mesías’ también es la coreógrafa de ‘Mariliendre’, así que yo tengo mucho contacto con ella. Pensamos que, ya que vamos a hacer un tema así, con un vídeo cuidado y que puede dar lugar a baile, qué mejor que si estamos con ese equipo místico que nos lleva al mundo de Suma Content. Vamos a aprovechar las referencias y acoger a gente amiga para llevarlo a cabo. Y ha salido genial.
¿Por qué es tan importante para vosotros ‘La Mesías’?
J: Fue justo la última serie que vimos antes de entrar en OT. Encima coincidió que el último episodio lo vimos justo el día de antes de entrar en la Academia. Claro, esa época nos marcó al cien por cien.
Era justo cuando os estabais conociendo.
M: Justo se estrenó la serie y al cabo de un mes ya empieza el programa. Entramos con todo el estímulo de la serie y de ese mundo.
‘El Destello’ es una canción que cuenta el momento antes del flechazo o del enamoramiento. ¿Lo podríais poner en vuestras palabras?
J: Buscábamos una letra más juguetona, con otro tipo de estructuras más metafóricas, pero jugando con eso en una conversación constante. Contar esa historia desde un lado onírico y divertido, sobre todo. Y es así, es un momento de luz fugaz. Queríamos hacerlo de una forma un poco diferente a lo tradicional. Sin ser tan explícitos o tan románticos.
A mí me parece que la letra es como un juego de niños. Simple, pero con matices.
J: Es eso justo.
Y habéis pasado de hacer una balada romántica al uso, claro.
M: Sí, creo que era la primera idea que teníamos clara. Si íbamos a hacer una colaboración juntos, siendo pareja, queríamos que saliera de lo que podía esperar la gente. Algo más melódico, más profundo y hacer algo especial, cuidado en todos los aspectos y con una letra también que contara nuestra historia metafóricamente, pero con eso, como has dicho tú, con más matices, como si fuera un juego de niños. Algo más hablado, que dejara un poco de huella. Algo de lo que te acuerdes en el futuro.
Con todos los lanzamientos que han salido de la Academia, imagino que es importante destacar y mostrar un poco de personalidad.
J: Siempre nos han dicho de diferenciarnos, de ser de verdad, de ser reales y poder defender todo eso. En el momento que entendimos eso, pues todo fue para mejor en los dos casos. Esta canción es eso. Aparte de querer diferenciarse, es que realmente es muy nuestra y tal vez algo más comercial o más básico no nos represente tanto, porque realmente somos diferentes y somos raros. Y eso nos encanta.
«Si íbamos a hacer una colaboración juntos, siendo pareja, queríamos que saliera de lo que podía esperar la gente»
Me acaban de chivar que vais a sacar un remix de la canción con Nacho de Fangoria. ¿Qué me podéis contar de esto?
J: Cuando vimos la primera versión de la canción original, el cuerpo nos pedía más, y más, y más… Como que veíamos cabida a una canción mucho más cañera, pero entendimos la producción de Hidrogenesse y que la canción era muy especial así, porque nos permitía hacer un remix más intenso, con otro ritmo y otra producción diferente. Es un sueño.
¿Cómo disteis con ellos?
J: Universal. Se barajaron varias opciones con DJ más actuales, pero cuando nos propusieron esto fue como: si él quiere, para adelante.
¿Cuáles eran las otras opciones que se barajaban?
J: Pensamos en las MËSTIZA, y en algún otro DJ más actual como DJ Nano, que hizo el remix de ‘La Gravedad’.
‘El Destello’ se ha metido en la lista de éxitos y para ti, Juanjo, lo de meter a un artista independiente en la lista no es nuevo. Ya lo hiciste con El Buen Hijo y con Fresquito y Mango, en tus dos singles anteriores. ¿Qué significa para vosotros poder dar reconocimiento a este tipo de artistas?
J: Es un regalo. Es increíble.
M: Somos conscientes de la exposición que tenemos ahora, que en algún momento también descenderá y lo vemos claro y normal como el curso de la naturaleza, pero si trabajar desde lo que nos apetece realmente da también visibilidad a otros artistas que no están tan en el foco ahora mismo, pues genial, porque ganamos todos.
J: Justo nos preguntaban que, ahora que tenemos tanta exposición y tenemos una oportunidad de estar en el foco, si lo desaprovechamos haciendo música no tan comercial. Yo pienso que es lo contrario. Pensamos que, estando ahí, hay que ser diferente y aprovechar ese ojo para enseñar algo distinto. Si eso ayuda a los artistas con los que trabajamos, pues un diez.
¿Habéis fluido a la hora de crear el tema?
J: Ha sido fluido totalmente. Es verdad que a veces trabajas con gente que no conoces. No hay tanta confianza y las cosas igual pueden salir un poco más tarde o con baches, pero en este caso ha sido muy bonito.
¿Podemos esperar más colaboraciones vuestras?
J: Después del remix, no. Hay que centrarse en los proyectos de cada uno.
M: Sí, cada uno tiene ya un poco el camino tomado. Juanjo con su disco folclórico y yo con ganas de encarar lo mío también, así que individualmente es lo que nos toca.
¿Cuáles son los proyectos que tenéis encaminados cada uno?
J: Yo estoy haciendo un disco que me están produciendo Marcel Bagés y David Soler, que son dos personas a las que también admiro porque han trabajado con Maria Arnal, que es otra artista que descubrí a raíz de OT y que me encanta. Está siendo un sueño poder fusionar el pop con el folclore y la jota y poder contar mi vida a través de eso, de letras no muy comunes, siendo muy literal y muy de verdad, porque creo que es lo que voy a poder defender luego en directo. Con ganas de que lo veáis.
En la línea de ‘Mis tías’, ¿no?
J: Sí, y luego voy a sacar un próximo single que se llama ‘Moncayo’, que estrené el otro día en Zaragoza.
¿Qué tal lo recibió la gente?
J: Muy bien. Claro, no sé si es muy objetivo, porque Zaragoza es mi casa, pero fue increíble poder cantarlo por primera vez en la plaza del Pilar.
¿Y tú, Martín?
M: Yo estoy empezando ahora a encarar un proyecto artístico más en lo musical. He estado con la serie ‘Mariliendre’ y no he tenido tiempo, así que empiezo ahora. No sé muy bien cómo será, pero tengo muchas ideas y ganas de plasmar mi personalidad y mi visión de la música y del arte, en general, en un proyecto.
¿Qué tal ha sido trabajar con los Javis?
M: Increíble. Son magníficos ellos, todo el equipo de Suma y el proceso de grabar una serie musical. Además, con mucho baile, que a mí me encanta, cantando… Ha sido mucho trabajo, muchos ensayos y muchos días de rodaje, pero tengo muchas ganas de que salga porque creo que va a ser un bombazo.
Tú siempre has querido tirar a la actuación y al musical, ¿no?
M: Lo tenía claro desde antes de entrar en Operación Triunfo. Empecé a estudiar Arte Dramático con las ganas de acabar siendo actor y también con la pasión por la música. Ahora que tengo los dos caminos abiertos, estoy intentando aprovechar los dos. He tenido la oportunidad de hacer la serie y ahora que puedo hacer música, pues es a lo que voy.
Ethel Cain, una de las artistas revelación de 2022 gracias a su debut, ‘Preacher’s Daughter‘ (2022), ha acudido a Tumblr para denunciar la manera en que sus fans se toman «a broma» todo lo que hace, un problema que, según ella, afecta a otros artistas de distintas disciplinas. En sus palabras, el mundo vive una «epidemia de la ironía» que está permitiendo que nadie se tome ya nada en serio, mucho menos una obra musical.
En un post ya borrado, Ethel -cuyo nombre real es Hayden- argumenta que «ya nadie se toma nada puto en serio» y lamenta que sus fans «constantemente» le «bombardean» con «bromas» sobre su trabajo. Pone un ejemplo: «He perdido la cuenta de la cantidad de veces que la gente me ha dicho cosas como «you ate that like Isaiah ate Ethel» (Cain se refiere a la protagonista de su álbum debut y a la historia de amor caníbal que cuenta el disco; en inglés la expresión «you ate that» se podría traducir como «te lo has merendado»).
La autora de ‘Crush’ indica: «Me gusta reírme y me molan las cosas graciosas, pero creo que estamos en una epidemia de la ironía. La sinceridad se ha perdido y todo tiene que ser una broma todo el rato. No todo el mundo lo hace, pero lo hace tanta gente que interactúa conmigo en la red y en la vida real que se ha convertido en una cosa imposible de escapar. Siento que no importa lo que diga o haga que alguien se le tomará siempre a puta broma. Siento que me quejo todo el rato pero realmente me causa mucho rechazo la manera en que mucha gente interactúa con mi trabajo. Es muy frustrante».
A continuación, Hayden alude al lanzamiento de su próximo álbum, ‘Perverts‘: «Ya estoy estresada imaginándome las estupideces que voy a tener que leer sobre ‘Perverts’. Literalmente me hace tener ganas de no publicar nada nunca más».
En la última parte de su post, Ethel dice echar de menos la época en que «tenía como 20 fans y todos tenían realmente algo interesante que decir sobre lo que estaba haciendo». Ya son muchímos más fans los que escucharán el primer single de ‘Perverts’, ‘Punish’, el próximo 1 de noviembre.
Los tiempos en que Ganges eran «el cuarteto liderado por Teresa Gutiérrez» o un trío dream pop quedan definitivamente atrás con la edición de ‘SORA’. Este nuevo álbum, no en vano el primero que la artista publica en vinilo, logrará -ahora sí que sí- que su carrera anterior parezca en cierta medida un ensayo.
En distintos momentos de su trayectoria, Ganges ha recibido comparaciones con gente como London Grammar y The Postal Service. A base de trabajo, su música ha ido abriéndose en muchas más direcciones que dichos grupos. Pervive un trazo de indietrónica, de balada y de melancolía en sus melodías, como lo puede haber de R&B, synth-pop o neo-soul, sumando hyperpop, drum&bass, euforia y hasta new-age. ‘SORA’ te hace asumir que hoy por hoy Ganges es simplemente un proyecto de pop electrónico que sirve para canalizar emociones, y todo tiene sentido dentro de él siempre que su origen tenga que ver con los sintetizadores o el software.
Tienden las composiciones de Gutiérrez a dar vueltas al amor. La gracia está en el prisma desde el que lo hacen. El single ‘Mirarte’ es pura devoción: solo admite la existencia del objeto deseado. Otras suenan más despechás, y entonces el mérito es que se rían de sí mismas. Una de las canciones principales lo dice todo desde su nombre, ‘Igual hemos roto y no me he enterado’. Escribiendo algunos títulos en minúscula y otros en mayúscula, como ‘TECHNO TRISTE’, Ganges parece estar jugando con sus estados de ánimo. «Ya no me duele estar sin ti». Mañana, sí.
Hay una buena sensación de continuidad en el álbum, además. Si sentías un poco de trance en «Igual hemos roto», has de esperar al final acelerado de ‘FOTOLOG NOSTALGIA’, que a su vez es una continuación de ‘shycore’, un instrumental a piano quizá inspirado en Jon Hopkins. ¿De verdad co-produce todo esto el mismo Daniel Belenguer «Bearoid» que canta a veces en Alavedra?
‘FOTOLOG NOSTALGIA‘, la gema perdida de la carrera de la artista -esto tiene que explotar de alguna manera, ¡Spotify, haz tu magia!-, está pasada por una sobredosis de AutoTune tal que recuerda a aquel recitado robótico de ‘OK Computer’ que fue ‘Fittier Happier’. Teresa nos habla precipitadamente de recuerdos, redes sociales y juegos random, mientras se pregunta qué quedó de todo aquello a lo que tanto empeño pusimos. Fotolog, nada menos.
Una secuencia que guarda para su segunda mitad temas con el potencial de ‘TECHNO TRISTE’ y ‘No’ -como Paloma San Basilio producida por Jimmy Tamborello- disimula composiciones menos amigas del clímax como ‘PRÍNCIPE’ o ‘Si tengo suerte’. Ya me he olvidado por completo del día en que ‘Un llavero‘ parecía el single principal de este disco. Eso solo puede ser bueno: así se ha crecido ya el repertorio de Ganges, sin que te des ni cuenta.
Biznaga acaba de publicar uno de los discos más importantes del pop nacional en 2024. En un contexto de frustración generalizada por la inaccesibilidad a la vivienda, especialmente entre la población joven, que se encuentra con serias dificultades para emanciparse y/o hipotecarse, ‘¡AHORA!‘ es el álbum que captura este momento de crisis. Es el Disco de la Semana.
Mientras en espacios como El Hormiguero se ridiculiza a quienes salen a manifestarse por el precio de la vivienda, englobándolos en una supuesta «dictadura del inquilinato», Biznaga se muestran con los pies en la tierra y entregan una serie de canciones excelentes que reflejan la realidad en la que vive la mayoría de los jóvenes, muy diferente a la de los tertulianos de ese decadente programa.
Si en ‘El Entusiasmo‘, Biznaga llamaba a pasar a la acción, en otra de las canciones destacadas de ‘¡AHORA!’ la banda nos acerca al problema de la vivienda a través de las historias de dos individuos concretos. Es la Canción Del Día.
En ‘Espejos de caos’, Biznaga detalla la historia de una pareja conformada por dos personas llamadas Carlos y Ana. El primero tiene «dos carreras y vende alarmas para chalés», la segunda tiene «un máster y varios idiomas y hace camas en un hotel». Ambos comparten piso y ya «no se soportan», pero siguen conviviendo porque «se necesitan para pagar el alquiler».
Sobre un fondo 100% britpop, Biznaga utiliza el estribillo de ‘Espejos de caos’ para expresar la «frustración» que provoca que una vida dedicada a la formación y al estudio no haya garantizado a sus dos protagonistas el futuro que deseaban. El screaming de Álvaro es realmente emotivo y expresa esas ganas de «romper cosas» de las que habla la letra. Quizá, ‘Espejos de caos’ también es una llamada a la acción, a su manera.
Biznaga explica sobre ‘Espejos de caos’ que es «una balada de clase»: «La precariedad laboral y el coste de la vida atraviesan incluso las relaciones más íntimas. Lo personal y lo político como dos espejos enfrentados. En medio, la inocencia de un animal que también somos nosotros».
La ceremonia del Rock ‘n Roll Hall of Fame se ha emitido esta noche desde Cleveland, Ohio, y ha dejado algunos momentos destacados. En especial, la actuación de Cher y Dua Lipa cantando juntas ‘Believe‘, el éxito de Cher de 1998. El parecido físico entre Cher y Dua ha sido muy comentado en los últimos años, por lo que verlas compartir escenario es casi simbólico.
Aunque ver a Cher y Dua juntas en el escenario es una maravilla, ambas no han estado a la par vocalmente. Dua ha tenido dificultades para alcanzar las notas altas, y Cher ha entrado salvando los muebles.
Además de cantar juntas en directo, Cher y Dua han aparecido juntas en rueda de prensa. También han posado junto a Zendaya.
Además de Cher, ingresan al Rock n’ Roll Hall of Fame Mary J. Blige, Dave Matthews Band, Foreigner, Peter Frampton, Kool & the Gang, Ozzy Osbourne y A Tribe Called Quest. Osbourne ya formaba parte del Museo como parte de Black Sabbath.
Y, junto a Dua Lipa, han intervenido en la gala los invitados Dr. Dre, James Taylor, Julia Roberts, Jelly Roll, Keith Urban, Demi Lovato, Busta Rhymes y Slash.
Cher puede celebrar ya formar parte del Rock ‘n Rall Hall of Fame, pero solo el año pasado criticó al museo por haberla ignorado durante décadas.
En otro orden de cosas, Dua Lipa acaba de ofrecer un concierto sinfónico en Londres. Allí, Dua ha exhibido mejor forma vocal cantando el repertorio de ‘Radical Optimism‘ junto a una orquesta de 53 músicos y un coro de 14 cantantes. El concierto se ha grabado para su futuro lanzamiento.
We're LIVE with the 2024 Rock & Roll Hall of Fame Induction Ceremony! @dualipa, @cher, and @theroots kick things off the with their AMAZING performance of Cher's smash hit "Believe." Tune in NOW on Disney+ to watch LIVE. #RockHall2024pic.twitter.com/2vFQydTm0f
Cuando pulsas «play» para escuchar el cuarto disco de Leon Bridges, tardas 10 segundos en averiguar si hay algo sonando o no. Es la primera advertencia de que el artista de soul y R&B se va a tomar las cosas de manera reposada, huyendo de las prisas del-mundanal-ruido. ‘Leon’ es un recorrido tranquilo por el estado de Texas que le vio nacer, por vecindarios como Rosedale en Austin y ciudades como Laredo. Con grabaciones realizadas en El Desierto de Ciudad de México, el disco toma definitivamente un poso sosegado y reflexivo. Pues eso, desértico.
Las historias que nos cuenta el artista en estas 13 canciones son entrañables. Una chica con una corona de diamantes que le enamoró bailando en ‘Laredo’. Los pequeños placeres de la vida, como las joyas de oro, unos mocasines negros, un vaquero azul y un Bourbon en ‘That’s What I Love’. Incluso aquel día en que su padre le dijo «vete a casa o irás al infierno» cuando se cruzaron por primera vez con unas prostitutas (‘Panther City’).
Las texturas de estas canciones son extremadamente suaves, en el caso de ‘Laredo’ con la flauta de Jim Hoke y un no menos importante trabajo a las guitarras acústicas de Ian Fitchuk y Nick Bockrath. En el caso de ‘That’s What I Love’, con hasta 7 instrumentistas al violín, la viola y el violonchelo y 2 a las voces de fondo, Joshua Moore y Madeline Edwards.
La producción del álbum está llamada a ser calificada con adjetivos como «exquisita», «deliciosa» y «merecedora de un Grammy». Apple registra hasta 10 acreditados entre productores y, sobre todo, ingenieros de grabación. Leon Bridges ha hilado bien fino en un disco que rehuye de playlists y del sonido comercial por el que han optado seguidores del soul como Lighthouse Family o Bruno Mars. Hasta el punto de pecar un poco de plano.
En la portada de ‘Leon’, Bridges posa junto a un pequeño lago, sentado en una silla y mirando a cámara. El logo de Columbia Records apunta a clásicos de Billie Holiday, algún disco de Aretha Franklin y el último de Marvin Gaye. Pero él ha apostado por un sonido mucho más casto. Uno en el que se siente a gusto llorando (‘When a Man Cries’), recordando un primer amor (‘Simplify’), uno en el que todo es literalmente un remanso de paz (‘Peaceful Place’).
El artista deja para el cierre una cucada como ‘Ghetto Honeybee’ y una canción que asegura que Dios quiere a todo el mundo. En este planeta inmerso en varias guerras, en el que hay asesinatos racistas y homófobos, ‘God Loves Everyone’ suena un tanto irreal y fuera de tiempo. Si abres el periódico, es evidente que Dios quiere más a unos que a otros. Supongo que sonar tan ajeno a la actualidad fue siempre el cometido del autor de ‘Coming Home‘.
La carrera de Jade Thirlwall -una de las integrantes de Little Mix– en solitario es una de las mayores sorpresas de 2024. Su primer single, ‘Angels of My Dreams‘, ha sido un soplo de aire fresco, y el siguiente, ‘Midnight Cowboy‘, ha sido más experimental todavía. El tercero es un tema llamado ‘Fantasy’ que tampoco es exactamente lo que esperas.
‘Fantasy’ es otra de esas canciones de pop recubiertas de lentejuelas y purpurina que se inspiran en las producciones disco de finales de los 70 e inicios de los 80. Sin embargo, no es la típica grabación de disco-pop procesado al uso, sino que recupera la magia de la verdadera música disco. Sabe a Donna Summer y también tiene algo de Jessie Ware o de Jungle.
La mención a Donna Summer no es casual, pues ‘Fantasy’ es una invitación a la sensualidad y, en concreto, a la realización de las propias «fantasías» sexuales. Es la Canción Del Día para hoy sábado.
Se podría decir que ‘Fantasy’ es una oda al kink: Jade canta que «si a ti te gusta raro, a mí me gusta extraño», aboga por vivir el «placer» sin «vergüenza», clama que «podemos ir todo lo lejos que queramos, podemos ser raros» (ella canta la palabra «bizarre») y promete «contarte todos mis secretos y llevar a la realidad toda esas cosas locas» que le gustan.
Para llevar esta «fantasía» al mundo visual, Jade ha contado con nada menos que David LaChapelle. El vídeo es un homenaje a Soul Train en el que Jade se dedica a cantar en el escenario mientras el público baila. Pero hay plot twist y tiene un nombre: ‘Carrie’.
Ha llovido tanto desde que una joven compositora llamada St. Vincent se presentara al mundo con un discreto disco titulado ‘Marry Me’ (2007) que la Annie Clark pasada y la actual parecen dos artistas diferentes. Hoy, St. Vincent es una de las diosas del rock de nuestra era y su último disco, ‘All Born Screaming’ (2024), influido por el hard rock y por la oscuridad de la época en que vivimos, ha vuelto a demostrarlo.
El directo es el espacio perfecto en el que ver a St. Vincent en acción. ‘All Born Screaming’ es un trabajo extremadamente cuidado en el estudio, pero en directo las canciones arden como la propia Clark en la portada del disco, y sin necesidad de recurrir a colores flúor ni a pelucas rubias como ha hecho de manera muy creativa en el pasado.
Ya el inicio con ‘Reckless’ es épico: Clark se planta en medio del escenario, apenas su silueta es visible a través de la iluminación y el primer golpe de batería es glorioso. Las guitarras asaltan los sentidos en ‘Big Time Nothing’ o ‘Broken Man’ y el sonido en la sala Razzmatazz es perfecto de principio a fin: se escuchan tan bien instrumentos y voces que el público parece encontrarse dentro de un estudio de grabación.
En este primer concierto de la gira de St. Vincent en España, que continúa el domingo 20 de octubre en Madrid, y el martes 22 con una peculiar visita al Museo del Prado, Clark mezclará letras en inglés y en español, dado que ha decidido regrabar su último disco en este idioma, una decisión que en directo vuelve a ser cuestionable, pues el español guiri de St. Vincent es muy difícil de comprender. En ‘Flea’ (bueno, ‘Pulga’) es casi imposible.
Christian Bertrand
Se agradece el intento de St. Vincent de acercarse a su público hispanohablante. Sin embargo, la reacción de la audiencia barcelonesa ante su español es de confusión… y de pura euforia cuando St. Vincent se dedica a interpretar las letras originales de las canciones que su público conoce mejor. ‘Cheerleader’ es recibida con entusiasmo, pero es ‘New York’ la canción que da lugar al verdadero “singalong” de la noche, mientras St. Vincent hace “crowdsurfing” en el público.
Entre los momentos memorables del show hay que destacar el intimismo de ‘Violent Times’ o después de ‘Candy Darling’ y del bis con ‘Somebody Love Me’, pero también el grito iracundo de ‘Pay Your Way in Pain’, la nitidez con que suenan los vientos de ‘Digital Witness’ y, sobre todo, el continuo orgasmo auditivo que provocan los solos de guitarra de Clark, especialmente los de sus viejas composiciones, como ‘Birth in Reverse’.
En medio de los graciosos intentos de St. Vincent de dirigirse a su público en español (se la entiende mejor cuando habla que cuando canta, eso sí), a Clark no se le olvida trepar las gradas de la Razzmatazz para darnos un pequeña píldora de realidad: las verdaderas estrellas del rock siguen existiendo. En su mezcla de pura furia rock y sofisticación pop, ella es sin duda la mejor.
‘SOS’ es uno de los primeros éxitos de Rihanna, pero ni siquiera se cuenta entre sus mayores logros comerciales, más de 15 años después. La increíble cartera de hits de Rihanna ha diluido el impacto del que fue el primer single de la barbadense que alcanzó el número 1 en Estados Unidos. Por supuesto, es una de sus mejores canciones.
‘SOS’ destacaba por su sample de ‘Tainted Love’ de Soft Cell, pero su autor principal, E. Kidd Bogart, artífice de otros hits como ‘Halo’ de Beyoncé, ha revelado un detalle sobre la canción que ha pasado inadvertido todos estos años. Y eso que está a vista de todos.
En una entrevista con Daniel Wall, Bogart ha revelado que la segunda estrofa de ‘SOS’ está escrita «hilando títulos de canciones de los 80» para «componer frases». A Bogart esta idea de composición le pareció «súper ingeniosa»… tanto que nadie ha reparado en ella hasta ahora.
La segunda estrofa de ‘SOS’ dice «Take on me (uh-huh), you know inside you feel it right / Take me on, I could just die up in your arms tonight / I melt with you, you got me head over heels / Boy, you keep me hanging on, the way you make me feel». Solo esta estrofa incluye citas a ‘Take on Me’ de A-HA, ‘(I Just) Died in Your Arms’ de Cutting Crew, ‘I Melt with You’ de Modern English, ‘Head Over Heels’ de Tears for Fears, ‘You Keep Me Hangin’ On’ de Kim Wilde (una versión de las Supremes) y ‘The Way You Make Me Feel’ de Michael Jackson.
E. Kidd Bogart explica que todos los títulos elegidos para formar la segunda estrofa de ‘SOS’ pertenecen a canciones que llegaron al número 1… como ‘Tainted Love’ y después ‘SOS’. Sin embargo, ni ‘I Melt with You’ ni ‘Head Over Heels’ fueron nunca número 1 en ningún mercado, aunque aún se consideran clásicos del pop de los 80. Algunos de estos hits fueron número 1 en Estados Unidos y otros en Reino Unido.
Podcast: Los 10 errores que cometimos valorando a Rihanna
Juanjo Bona y Martin Urrutia arrasan en X como lo más votado de JENESAISPOP con el 89% de los votos. ‘El destello’, compuesta junto a Hidrogenesse, había entrado al puesto 7 de manera orgánica, y ahora sube a la cima apoyada por su fandom. Es el primer top 1 para Juanjo y Martin en nuestro top con 18 años de tradición, y podemos entenderlo como el 3º para Hidrogenesse tras ‘Disfraz de tigre’ y ‘Schloss’, en 2007 y 2008.
Entre las entradas, están Varry Brava, León Benavente, Espanto, LISA, Rahim Redcar, The Smile y Kokoshca.
El número 1 de Discos en Reino Unido esta semana ha sido uno de los más reñidos e interesantes de los últimos tiempos. Como recordaréis, ‘Brat’ de Charli xcx, uno de los discos del año, no pudo ser número 1 porque el último de Taylor Swift se lo impidió, lo cual tenía su intríngulis, pues Taylor es referenciada en el álbum de manera indirecta, y no para muy bien. En varias ocasiones, ‘Brat’ ha quedado a punto de llegar a la cima… pero no.
Esta semana tenía una nueva oportunidad, al reeditarse junto al disco de remixes lleno de superestrellas. Sin embargo, Paul Heaton, conocido como cantante de Housemartins y Beautiful South, se interponía en su camino con ‘The Mighty Several’. Vendía 23.000 unidades el fin de semana frente a las 16.000 de Charli. Para el miércoles, la diferencia se reducía a 24.000 frente a 21.500. ‘Brat’ recortaba día tras día, gracias al streaming.
Finalmente el streaming ha cumplido su función y Charli xcx ha logrado ser número 1 con ‘Brat’. Este ha rozado los 36.000 unidades con 11.000 CD’s, 7.000 vinilos, 125 cassettes, 435 descargas y 17.500 puntos de streaming. Paul Heaton ha tenido que conformarse con 31.000 unidades, 29.500 de ellas, físicas. Se trata del segundo top 1 en las islas para Charli xcx después de ‘Crash’, su álbum de 2022.
La OCC recuerda cómo quedaron en listas sus otros discos en listas británicas: nada cerca de la cima como podéis observar.
2013 True Romance (85)
2015 SUCKER (15)
2019 Charli (14)
2020 how i’m feeling now (33)
Otros países en los que ‘Brat’ sube al número 1 son Irlanda, Australia y Nueva Zelanda, todos de habla inglesa. También sube al top 5 en Alemania (nuevo máximo) y al top 15 en Italia. El resultado español no se conocerá hasta el lunes.
Desde su presentación internacional a finales de los 80, Pedro Almodóvar siempre ha tenido la posibilidad de hacer una película en inglés. Pero fiel a su estilo y visión, no se sentía preparado ni quería caer en las fauces de Hollywood a las primeras de cambio. Más de cuatro décadas después de su debut ‘Pepi, Luci, Bom y otras chicas del montón’ y tras un par de cortometrajes de preparación (‘La voz humana’ y ‘Extraña forma de vida’), el cineasta manchego se lanza por fin a la piscina con su primer largometraje en inglés, con el que ha ganado el León de Oro en el Festival de Venecia. ‘La habitación de al lado’ es una adaptación de la novela de Sigrid Nunez ‘Cuál es tu tormento’, donde dos mujeres que llevan años sin verse retoman su amistad cuando una de ellas se entera de que la otra está ingresada en el hospital con un cáncer grave.
Tilda Swinton, ya afianzada como chica Almodóvar tras su participación en ‘La voz humana’, interpreta a Martha, una antigua reportera de guerra que acaba de ser diagnosticada con la enfermedad letal, mientras que Julianne Moore es Ingrid, una novelista de éxito.
La manera en la que Almodóvar retrata esta tragedia dista ligeramente de lo que uno podría esperar. El cineasta, tan reconocido por sus grandes melodramas, se muestra aquí sorprendentemente austero, no dejando que en ningún momento la sentimentalidad se apodere del relato (incluso con el amplio uso de la magnífica partitura de Alberto Iglesias). Algo que juega siempre a favor de la cinta, ya que ‘La habitación de al lado’ se engrandece en sus momentos más intimistas, aquellos en los que basta con una mirada de sus excelentes actrices para transmitir todas las aristas y matices del conflicto principal.
La trama es sencilla, pero a nivel temático es una película muy rica, que extrae, partiendo de lo personal, un potente discurso sociopolítico. La muerte acechante, presente en cada segundo de metraje, está retratada como una parte inevitable de la vida, por lo que un sentimiento vitalista recorre el film de principio a fin. Almodóvar defiende el derecho a morirse con dignidad, y en ese discurso, es quizá en el único momento donde se pasa ligeramente con el subrayador. El resto del tiempo, ‘La habitación de al lado’ es una película, aunque muy clara con sus ideas y sin intención alguna de ambigüedades, envuelta en una gran elegancia discursiva y formal.
Se trata de un film que parece indicar el comienzo de una depuración de estilo, aunque es inequívocamente almodovariano. En su primer largometraje en inglés, el cineasta no ha perdido ni un ápice de personalidad ni a nivel estético ni en sus diálogos y personajes. Tanto Martha como Ingrid son dos protagonistas desde ya inolvidables en su universo, y su relación de amistad es uno de los aspectos más bonitos dentro de un guion ya de por sí estupendo. No resulta tan frecuente encontrarse con historias de amistad femenina en la madurez, y ahí es donde Almodóvar encuentra el verdadero corazón de la película. Ingrid entiende que lo único que puede hacer por Martha es pasar el tiempo que le queda junto a ella, ofrecerle su compañía, su cariño. Y ella está ahí, siempre en la habitación de al lado (ya sea de manera figurativa o literal). Ambas actrices se entregan a sus personajes con una delicadeza y una sensibilidad memorables, entendiendo perfectamente lo que su director pretendía. Porque la cinta es, ante todo, una obra profundamente humanista sobre la importancia de escuchar y ponerse en la piel del otro.
‘La habitación de al lado’ es la película más triste y solemne de la carrera de Pedro Almodóvar. También de las más profundas. Con una puesta en escena modesta, con escasas localizaciones y muy pocos actores, el cineasta compone un retrato emocionante y doloroso sobre aceptar el final de la vida.
El nuevo disco de Love of Lesbian -el décimo ya- es un homenaje a sí mismos. En concreto, es una celebración de su amistad y de ‘La hermandad’ -así se titula uno de los cortes- que Santi, Oriol, Jordi y Julián comparten desde hace muchos años. La misma amistad en torno a la cual se ha configurado su banda. ‘Ejército de salvación’ no es una reinvención, ni tampoco un descalabro, sino una constatación de que Love of Lesbian siguen aquí, como si fueran tus amigos, tal y como los recuerdas.
Y a tus amigos les quieres con sus virtudes y defectos. ‘Ejército de salvación’ es otra razón para amar y odiar a Love of Lesbian, ahora que ellos mismos reconocen sentirse “odiables” de vez en cuando. A Santi Balmes y compañía les han vuelto a salir muy buenas canciones solo lastradas por una línea lírica que se lanza de cabeza a la piscina de la vergüenza ajena, por usar una expresión que el propio Balmes podría haber escrito.
Balmes, que es escritor, tiene un público, pero desde luego escucharle cantar según qué expresiones no siempre da el resultado esperado. ‘Una conversación pendiente’, por temática, una de las pistas clave de ‘Ejército de salvación’, está llena de frases que no hay por dónde cogerlas. “A veces tú, a veces yo, a ver si tú, a ver si yo, poniendo modo avión nos estrellamos” es la que tiene más delito, pero no la única.
El “problema” es que, por cada “no eres tan imbécil” que canta Balmes, el grupo cuela una buena melodía que te calla la boca. En ‘La herida’ con Jorge Drexler, una de las cinco colaboraciones que incluye el álbum, Balmes se pregunta “quién es ahora el empleado del mes en tu vida”, utilizando otra de esas extrañas combinaciones entre lo formal y lo emocional que tanto le gustan. La frase incomoda, pero la melodía vuelve a ser un caramelo y la canción, que incorpora un acorde de piano de inspiración disco, vuelve a estar arreglada con sumo gusto. Y así, todo el álbum.
No vale la pena desgranar cada una de las frases de Santi Balmes que llaman la atención en ‘Ejército de salvación’. Ocurrencias como “1 a 0 contra la soledad”, “ye-ye-llévame a la mierda y si es de la mano, mejor”, “me la suda vivir” o, atención, “yendo por la calle me metí un buen piño y se me vieron las bragas”, volverán a ser apreciadas por sus fans y denostadas por sus estorninos, como ha ocurrido siempre. Y, en el peor de los casos, opacarán otras frases mejores, como esa graciosa mención a los guiris de Barcelona en ‘Contradicción’.
Es mejor quedarse con las canciones, y Love of Lesbian siguen siendo unos hachas componiendo melodías adhesivas y canciones edificantes que te ayudan a escapar un poco de los sinsabores del día a día. El fondo de ‘Ejército de salvación’ vuelve a ser un pop-rock con sintetizadores agradable y convencionalillo, pero efectivo al fin y al cabo para lo que nos quiere contar la banda y cómo nos lo cuenta, y diferenciado siempre por la inclinación épica de las canciones hacia aquello que ellos llamaron una vez «pop progresivo».
Vuelven a estar apañadas pistas como la inicial ‘Canción de emergencias’ o la mencionada ‘La herida’. Las colaboraciones son mejores en el contrapunto femenino. Especialmente Amaral están muy bien aprovechados en ‘Qué vas a saber’, una canción dedicada a una decepción amistosa que acaba en reconciliación y, por tanto, acaba también bien arriba; y Rigoberta Bandini se queda con el single más importante de esta era y directamente con la mejor canción, ‘Contradicción’, otra de esas composiciones épicas de Love of Lesbian tan edificantes que el componente coloquial de la letra pasa a un segundo plano (menos cuando cantan eso de “llévame a la mierda”).
La joya de ‘Ejército de salvación’ se llama ‘Tesis’, es una colaboración con Zahara y es otra de esas canciones de Love of Lesbian que se componen de dos partes diferenciadas. En este caso, la segunda parte, especialmente en su precioso inicio instrumental, sirve para aliviar el dolor expresado en la letra (la de “me la suda vivir”). No funcionan tan bien los casi siete minutos de la pista inicial, que no se conforma con ser una balada de inspiración setentera, sino que tiene que ir a lo épico, como todas las canciones de Love of Lesbian. No quiere ser diferente.
Entre los tropiezos que se da este ejército de salvación en este viaje de casi una hora de duración, el stomper folk-pop de ‘La hermandad’ es tan sutil como promete su letra, y la canción de los piños y las bragas, una colaboración con Leiva desarrollada por WhatsApp, contiene el estribillo “juro que ahora sí gano la Champions y el Mundial”, de nuevo, generando cringe con una mezcla imposible de imaginarios. Una mezcla absolutamente deliberada, por supuesto. Aunque para deliberada la copia de ‘El día que Starman huyó’ a ‘The Winner Takes it All’ de ABBA. Algo disimulada, eso sí.
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