En 1967, el ensayo ‘La muerte del autor’ revolucionó la manera en que el público dialoga con el arte, reconociéndolo como abierto a interpretaciones, no cerrado a la intención de su autor. Esta innovación en el pensamiento crítico explica en parte que Halsey se haya tomado fenomenal el suspenso de su nuevo disco, ‘The Great Impersonator’, en Pitchfork… al contrario que hace unos años.
Pitchfork ha puntuado ‘The Great Impersonator’ con un 4,8 sobre 10. En su crítica, el periodista Shaad D’Souza argumenta que Halsey ofrece un disco de canciones aburridas y concepto confuso. Halsey, que había recopilado las primeras críticas al álbum, la mayoría positivas, en un póster anterior, ha contestado más picada que nunca lanzando un segundo póster de reseñas manipulado en el que saca de contexto frases del texto de Pitchfork, dándole una tramposa -y divertida- vuelta a la crítica original.
“Gracias a Pitchfork por sus amables palabras. Es bonito que cada uno interprete las cosas de manera diferente”, señala con ironía la artista. En el póster solo se resaltan frases positivas de la reseña de Pitchfork, ninguna negativa. A propósito o sin darse cuenta, Halsey pone en valor el trabajo de Pitchfork demostrando que su reseña, aunque en su mayor parte negativa, está sopesada y que no se puede reducir a puro «hate». Vale lo mismo un suspenso que un 10 de Clash Magazine.
Aun así, algunos fans de Halsey se han tomado la crítica de Pitchfork como puro odio y han empezado a acosar a Shaad D’Souza en redes sociales, llamándole «misógino» y «maricón». El periodista se ha visto obligado a bloquear sus redes. Halsey ha dado pie al acoso incorporando el nombre del periodista en el póster, enfatizando que la de D’Souza es una opinión solitaria, excepcional, diferente a la de mayoría de medios que han recibido el álbum con entusiasmo.
Como en muchas canciones de ‘The Great Impersonator’, Halsey lleva al extremo su papel de víctima en su respuesta a Pitchfork y la convierte en un momento pop… como lo fue su ataque a Pitchfork de hace unos años por su crítica de ‘Manic‘ (2020). Entonces, Halsey pidió el «derribe» de las oficinas de Pitchfork desconociendo la conexión de estas oficinas con el 11-S. Entonces fue ella la humillada; suponemos que ahora reclama venganza. Esperamos que no vea el 1 sobre 10 que le ha plantado Anthony Fantano…
Lauren Mayberry de Chvrches ha sacado singles en solitario, nos ha visitado de gira, pero lo que es su disco de debut al margen de sus compañeros de banda, todavía no lo teníamos.
Saldrá el próximo 6 de diciembre a través de EMI Records. Se llamará ‘Vicious Creature’ y, según su sello, «ha escrito por primera vez sobre sexualidad y empoderamiento desde una perspectiva profundamente personal, volviendo a conectar con los iconos de su juventud: Tori Amos, Fiona Apple, PJ Harvey y Kathleen Hanna, así como con grupos de chicas británicos de los 90 como All Saints y Sugababes».
En esta era ha trabajado con productores como Greg Kurstin, Matthew Korma, Tobias Jesso Jr, Ethan Gruska y Dan McDougall. “Gran parte de este proceso ha sido un ejercicio de empoderamiento para escuchar mi propia intuición, algo en lo que realmente me había entrenado. En última instancia, esa es la razón por la que empiezas a hacer cosas: porque sientes algo y quieres articularlo de alguna manera. Creo que era importante para mí volver a aprender ese tipo de independencia, y reconocer lo que aporto a cualquier mesa en la que decida sentarme».
De los 12 temas que encontramos en la secuencia, ya podemos escuchar 5, incluyendo el nuevo single ‘Crocodile Tears’, que con sus cuerdas sintetizadas nos hace pensar más bien en los años 80 de Madonna o Tears for Fears. En ella, Mayberry quería adoptar “una especie de personaje en el que pudiera desprenderme de la idea de que tengo que ser “buena”, porque creo que eso frena a muchas mujeres en sus vidas. Si no tuviera que ser vista como «amable», me sentiría cómoda mandando a la mierda a ciertas personas cuando me tratan como una mierda. En este disco, y en estas canciones, consigo hacerlo”.
En meses (y años) previos se fueron dando a conocer otras canciones como ‘Something in the Air’, ‘Shame‘ o ‘Are You Awake?‘. Así queda la secuencia:
1. Something in the Air
2. Crocodile Tears
3. Shame
4. Anywhere But Dancing
5. Punch Drunk
6. Oh, Mother
7. Sorry, Etc
8. Change Shapes
9. Mantra
10. A Work of Fiction
11. Sunday Best
12. Are You Awake
Mogwai anunciaron recientemente una amplia gira que no pasa por España. La acompañaron de un tema nuevo llamado ‘God Gets You Back’, con un gran protagonismo de los teclados.
Ahora sabemos que ese tema forma parte de un nuevo disco llamado ‘The Bad Fire’ que saldrá a la venta el 24 de enero. Además, se da a conocer lo que ahora podemos interpretar como el segundo single. El tema ‘Lion Rumpus’, que formará parte de la última parte de la secuencia, es una canción de rock, enérgica y tan distorsionada como mimada en los arreglos, que presenta un vídeo inesperado.
El vídeo de ‘Lion Rumpus’ es más bien una oda a los perros, no un «alboroto leonino». En él vemos a Lawrence “Larry” Wilson paseando perros por Nueva York, bajo la dirección de Antony Crook, que ya se encargara del documental de Mogwai, ‘If The Stars Had A Sound’.
Según informa PIAS, «el nuevo disco de Mogwai se grabó en Lanarkshire y el productor John Congleton se unió a la banda en el estudio. «The Bad Fire» es un coloquialismo escocés para referirse al infierno, que se inspira en una serie de duros momentos personales en los que se encontró la banda tras su décimo álbum, ‘As The Love Continues‘, de 2021. La banda siguió trabajando para superar ese periodo, lo que los llevó a la creación de ‘The Bad Fire’: una colección de canciones que renuncian a la nostalgia y a las victorias fáciles, encontrando de nuevo a Mogwai empujando hacia adelante con algunas de las canciones más bellas y explosivas de su carrera».
Os dejamos con el tracklist de ‘The Bad Fire’:
01 God Gets You Back
02 Hi Chaos
03 What Kind of Mix is This?
04 Fanzine Made of Flesh
05 Pale Vegan Hip Pain
06 If You Find This World Bad, You Should See Some of the Others
07 18 Volcanoes
08 Hammer Room
09 Lion Rumpus
10 Fact Boy
Y también con las fechas de la gira que excluye España:
02-04 Amsterdam, Netherlands – Paradiso
02-06 Hamburg, Germany – Große Freiheit 36
02-07 Copenhagen, Denmark – Vega
02-08 Stockholm, Sweden – Fållan
02-09 Oslo, Norway – Rockefeller
02-11 Berlin, Germany – Admiralspalast
02-12 Leipzig, Germany – Täubchenthal
02-14 Maastricht, Netherlands – Muziekgieterij
02-15 Groningen, Netherlands – De Oosterpoort
02-17 Brussels, Belgium – Ancienne Belgique
02-18 Antwerp, Belgium – De Roma
02-19 Paris, France – Casino de Paris
02-20 London, England – O2 Academy Brixton
02-22 Leeds, England – O2 Academy Leeds
02-23 Edinburgh, Scotland – Usher Hall
03-08 Bangkok, Thailand – Voice Space
03-11 Osaka, Japan – Gorilla Hall
03-12 Tokyo, Japan – Zepp Shinjuku
03-14 Taipei, Taiwan – Zepp New Taipei
04-07 Washington, D.C. – 9:30 Club
04-08 Philadelphia, PA – Theatre of Living Arts
04-10 Brooklyn, NY – Brooklyn Steel
04-11 Boston, MA – Paradise Rock Club
04-13 Montreal, Quebec – Beanfield Theatre
04-14 Toronto, Ontario – Danforth Music Hall
04-16 Detroit, MI – Saint Andrew’s Hall
04-17 Chicago, IL – The Metro
04-18 Minneapolis, MN – Varsity Theatre
04-20 Denver, CO – Ogden Theatre
04-22 South Salt Lake, UT – Commonwealth Room
04-24 Vancouver, British Columbia – The Commodore Ballroom
04-25 Seattle, WA – The Showbox
04-26 Portland, OR – Roseland Theatre
04-28 San Francisco, CA – The Regency Ballroom
04-29 Los Angeles, CA – The Bellwether
04-30 Phoenix, AZ – Van Buren
05-03 Austin, TX – Emo’s
05-04 Dallas, TX – The Echo Lounge
Paul Morrissey ha fallecido este lunes 28 de octubre a causa de una neumonía en un hospital de Nueva York. Tenía 86 años. El director de cine de culto pasó a la historia del pop por haber colaborado con Andy Warhol en cintas como ‘Chelsea Girls’ o ‘Lonesome Cowboys’ (fue parte de su conocida “Factory”), así como con la Velvet Underground a finales de los años 60 y principios de los años 70.
En el caso de la Velvet, fue su representante en años tan cruciales como 1966 y 1967, organizando eventos multimedia tan vanguardistas como ‘Exploding Plastic Inevitable’. Allí se combinaban las actuaciones de la Velvet con Nico, con proyecciones de los films de Warhol y performances de baile y mimo. También hubo un fanzine.
Especialmente conocidas son sus películas ‘Flesh’ (1968), ‘Trash’ (1970) y ‘Heat’ (1972) que, protagonizadas por el icono y mito erótico Joe Dallesandro, tanto circularon en VHS y DVD antes de internet, y últimamente se pudieron disfrutar en la era digital. Warhol ejerció en ellas de productor, y Morrissey, de director y guionista, hasta que ambos partieron peras a mediados de los 70, de muy mala forma.
Su desfile de personajes desarraigados, extravagantes pero también deliciosos, modelos y pequeños celebrities de la época, así como drag queens, marcaron estéticamente a muchos de los aficionados a la cultura pop, por ejemplo en España a genios como Iván Zulueta, Almodóvar o Alaska y Dinarama.
Diego Ibáñez, Martín Vallhonrat, Mario del Valle y Juan Pedrayes siguen siendo cuatro chavales. El tercer trabajo de Carolina Durante, ‘Elige tu propia aventura’, es el más redondo hasta la fecha, introduciendo cuerdas, vientos, armonías y una colección de canciones que van directas al corazón. Asimismo, también representa el principio de un nuevo camino artístico para la banda.
El LP también ha dado la sorpresa gracias a la canción ‘Normal’, en la que interviene Rosalía y que se mantuvo en secreto durante toda la promoción del álbum, por lo que no hay ninguna mención al tema en esta entrevista. ‘Elige tu propia aventura’ será presentado en una gira de salas alrededor de todo el país que culminará con su segundo Wizink Center, el 28 de febrero de 2025.
Diego, Martín y Mario (Juan se encontraba preparando el ensayo de esa tarde) se interrumpen constantemente, se hacen coñas, se interrogan unos a otros y se apuestan sobres de Magic. A veces, se tienen que forzar a seguir con las preguntas porque podrían estar conversando entre ellos todo el día. Hemos hablado con Carolina Durante sobre las comparaciones, su disco más emocionante, lo que echan de menos en los carteles festivaleros y las jóvenes promesas de la industria.
¿Cómo os tomáis normalmente la salida de un nuevo disco?
Diego: Nos ponemos muy ansiosos. Yo también soy el más ansioso del grupo.
Martín: Creo que la época de sacar el disco es la peor. O sea, a nivel de nervios. Es un trabajo de más de un año al que hemos dedicado mogollón de tiempo, esfuerzo, pasión, expectativas, va a estar fuera, lo va a escuchar la gente y está expuesto a que la gente lo valore.
D: Hay mucho curro detrás. Muchas emociones.
¿También estáis nerviosos por el comienzo de una nueva etapa artística?
Martín: Yo creo que cada disco debería ser el comienzo de algo. Si no…
D: O el final de algo.
Martín: Que un disco sea el final de algo es un poco bajón. Luego tienes que girar y todo.
D: Ah bueno, ya, joder. Yo, por ejemplo, el anterior disco sí que lo veía como el final de todos estos años y sabía que teníamos muy claro que en el siguiente tenía que haber un cambio. Lo queríamos. Yo creo que era necesario para nosotros.
¿Os habéis quedado satisfechos con el cambio? ¿No queríais hacer ni más ni menos?
D: Yo quería hacer un poco más, pero ya lo haremos.
Martín: Yo creo que cuando estábamos haciendo el disco no teníamos del todo claro qué es lo que queríamos, pero viéndolo a posteriori lo hemos alcanzado. Sabíamos que queríamos probar cosas nuevas, grabar las canciones de otra manera y componer de otra manera sin tener un objetivo fijo. Entonces, creo que no nos hemos metido de chapuzón en la piscina del cambio, pero sí que hemos probado el agua y a la siguiente nos tiramos de cabeza.
D: Está buena el agua, eh.
¿Os importa lo que digan los fans más puretas?
D: No. Eso me suda el nacle, pero sería una bobada decir que no nos importa lo que piensen los fans, en general.
Martín: Claro que nos importa, pero no demasiado. Ojalá les guste, ¿no? Si les gusta todo lo que hemos hecho hasta ahora…
Mario: No es lo mismo los fans que los fans puretas.
D: Ah, sí. Eso me da igual.
Hay grupos con los que os han comparado mucho, como Los Nikis, que no han cambiado tanto a lo largo de su carrera. O que se quedan en lo mismo.
D: Los Nikis son muy así, igual que Los Ramones.
Martín: Claro, por eso nunca nos hemos sentido superidentificados. Creo que lo hemos dicho desde el primer EP. Vemos lo de los Nikis, pero creo que tenemos un poco más de amplitud de miras con respecto a cómo hacer las canciones. De hecho, Joaquín, bajista de Los Nikis, ha dicho esto en entrevistas. Hay mucha gente empeñada en que somos Los Nikis. Quiero decir, si te gusta ‘Cayetano’ y te gusta ‘Famoso en tres calles’, pues está bien. Me gusta hacerlo y me gusta ofrecerlo, pero creo que Carolina Durante tiene una amplitud de miras más grande.
¿Estáis más hartos de que os comparen con Los Nikis o con Los Planetas?
D: Cuando alguien dice Los Nikis, sé que no ha escuchado demasiado al grupo.
Martín: A mí me gusta cuando me dicen que les ha sonado a X y me dicen una referencia que nunca he escuchado. Y me alegro tío, porque es justo lo que queremos. Que no deje de sonar a Carolina Durante, pero que pueda recordar a otra cosa.
D: Es chulo cuando te sueltan un grupo del cual eres fan. Todo lo que escuchas va a dejar un poso en ti de alguna manera, aunque sea inconsciente.
¿Habéis estado escuchando algún disco o artista concretos en las sesiones de este álbum?
D: Hace tiempo que no me obsesiono con un disco nuevo. Sigo escuchando discos de siempre y entran en el roster nuevos, pero no me ha dado una obsesión por uno en concreto.
Martín: A mí me pasa que hay vibras de canciones que me gustan y luego pienso en hacer canciones que despierten eso. Cuando estaba buscando referencias para este disco, había un poco de todo: Yung Lean, Fugazi…
D: Lo guay es que es una banda. Rara vez Mario le va a decir a Martín lo que tiene que tocar con el bajo. Cada uno tiene sus referencias.
Mario: Tenemos gustos bastante heterogéneos, dentro de que también compartimos muchas cosas, evidentemente.
Martín: A veces está bien traer una idea o algo de referencia y no contárselo al resto. Muchas veces te das cuenta de cómo tú eres capaz de comunicar esa idea y cómo los demás son capaces de interpretarla según sus propias referencias. Eso es lo que hace que un grupo sea un grupo.
Creo que, leas donde leas, va a poner que este es vuestro disco «más ambicioso y maduro».
D: Prefiero ambicioso que maduro (risas).
Martín: Sí, maduro es un adjetivo muy feo.
¿Habéis madurado mucho desde vuestro primer lanzamiento?
Martín: Si no maduras en ocho años, también es que tienes un problema. Creo que seguimos queriendo pasárnoslo bien y haciendo música y tocando música y no queremos dar la chapa a nadie. No queremos ni educar ni nada de esto.
¿Qué es lo más valioso que habéis aprendido durante todos estos años como artistas?
D: Yo lo que he aprendido con este disco es que me tengo que fiar de mi intuición. 100%.
Martín: Brindemos por ello. Por la intuición. No comerse el tarro.
Mario: Sí, bueno, es una cosa que hemos hecho desde el principio, pero como que yo creo que ser honesto y hablar desde dentro y siendo sincero es una cosa que siempre nos ha funcionado, y creo que en este disco hay más de ello aún.
O sea, que este es vuestro disco más honesto también.
Diego: (risas) También, y más personal.
Mario: Porque es verdad, es un disco más de mirar hacia adentro.
Martín: Todos los discos que hemos hecho son personales, qué coño.
Mario: Sí, pero me refiero, que no hay tanto jiji-jaja.
Martín: Simplemente creo que hay como menos vergüenza líricamente. O sea, después de tres discos y tropecientos EPs es como: 1. Hay cosas que ya has dicho. 2. Hay cosas en las que se te quita la vergüenza. ¿Por qué coño no voy a decir esto de esta manera? Y ya está. Eso hace callo. Te aburres de ti mismo y pruebas cosas nuevas.
¿Eso te ha llevado a escribir letras más personales? (A Diego)
Diego: Yo creo que siempre lo he hecho, pero en el disco podía haber más o menos. En el primero había canciones más personales, más intensas. En el segundo hay menos y en el tercero vuelve a haber más.
Claramente, en este hay más. ¿Está totalmente basado en tus experiencias?
D: Ha habido un par de letras que ha escrito Martín también. ‘Joderse La Vida’ es suya, que para mí es top 3 hits del disco.
Yo mientras me escuchaba este disco no podía parar de pensar en cómo llevaría lo de cantarlas en el escenario todos los días. ¿No se te hace difícil revivir esos sentimientos?
D: Sí, cien por cien. Fíjate que es la primera vez que me pasa. Siempre he escrito de esta manera, pero el primero, por ejemplo, que también tenía canciones más de este estilo, no me generaba eso. A lo mejor iba más revolucionado porque todo era más nuevo y no era tan consciente, pero es verdad que con este sí que me afecta cantar las canciones. Eso no me había pasado nunca.
¿Cómo lo estás gestionando?
D: Bien. También me emociona. Es muy guay que me rompa escuchando la canción que he escuchado 257.000 veces. Que siga la emoción ahí y el sentimiento.
‘Misil’, por ejemplo, es una canción con una letra muy específica, claramente personal, pero tiene un elemento nostálgico que consigue que me llegue sin sentirme identificado con nada de lo demás.
D: Es curioso, porque Luis, nuestro mánager, cuando escuchó ‘Misil’ también me dijo eso. Esa canción la escribí con nostalgia, pero yo la escucho y digo: «Joder, es la canción alegre del disco». Yo no la veo tan nostálgica, pero claro…
Martín: Es que es igual. Con ‘Joderse La Vida’ yo quería hacer una canción divertida y no he hecho una canción divertida.
D: Según el momento que estés atravesando en tu vida, conectas con una cosa o no. Ayer, leyendo los comentarios de la peña en ‘Hamburguesas’, vi un comentario que decía: «Si esta canción me hubiese pillado hace un año y pico, me hubiese roto». Me parece supercurioso. A Mario le pasó que Martín y yo estábamos en un mood durante el disco de… pues del disco.
Mario: Sí, de lo que viene a expresar el disco, y yo estaba en un momento bastante feliz de mi vida. Luego, pasaron una serie de movidas personales que me dejaron bastante roto. Entonces, cuando estábamos grabando el disco, de repente, sí que estaba bastante en el mood. También hay que decir que, cuando estábamos componiendo todas estas canciones, aunque yo no me sintiese identificado, también me resonaban cosas. Es lo bonito de hacer música con tus amigos. Diego me puede explicar lo que siente y podemos hablar del tema, pero cuando lo pone en una canción adquiere un poder mucho más fuerte. Y sentir eso colectivamente es muy bonito.
Tampoco me parece un disco de tortura, eh.
Todos a la vez: No, no…
Martín: Nunca hemos querido hacer música para meternos más en el agujero. Siempre queremos que haya un punto de luz y diversión y de… joder, qué bonito.
D: Es como cuando lloras y luego estás bien.
Mario: Se puede decir que el disco trata un poco sobre estar comfy en el malestar. En la mierda.
Martín: Hubo un momento en el que estaban saliendo canciones muy tristes y entonces yo le dije a Diego: «Tío, hay que intentar meter algo ahí de luz, algo de esperanza, porque se nos van a querer matar los fans».
Diego: Y ahí escribí ‘TOMÉ CAFÉ’ y ‘Misil’.
Para mí la más luminosa es ‘San Juan’, que tiene una melodía que me suena super familiar y no sé por qué.
Martín: No te diré por qué, tendrás que descubrirlo (risas de todos). No tengo ningún reparo, en realidad. Dijo Mario un día: «Tío, es que me entra mazo esta melodía de Canned Heat» (‘Going Up the Country’).
Mario: Que es un temazo que flipas.
D: Yo llegué al estudio y dije: «¿Esto se puede hacer?». Y lo preguntamos, eh.
¿Por temas legales?
D: Claro, y dimos créditos, porque si no, no lo diríamos. Simplemente diríamos que hay muchas canciones iguales, no sé qué, pero no… Esto no es un guiño, es un fusile.
¿Sois más eminencias del underground o ratas del mainstream?
D: ¡Ratas del mainstream!
Martín: Las dos. Es verdad que somos bastante eminencia, pero rata del mainstream es lo que queremos ser. Queremos arrastrarnos por las cloacas del mainstream.
«Queremos arrastrarnos por las cloacas del mainstream»
Lo digo porque os iba a preguntar en qué grupos jóvenes tenéis puesta la mirada, cuál creéis que lo va a petar…
Martín: Tengo muchas ganas de escuchar el siguiente disco de La Paloma, tengo ganas de escuchar el siguiente disco de Shego, tengo ganas de ver qué pasa con la gira de Alcalá Norte. Muchas ganas de ver cómo les va esta puta gira. Es muy ambiciosa y esto creo que es algo que han hecho diferente de Shego y la Paloma. Ahora estoy muy con Las Petunias, la verdad.
D: Yo estoy deseando que surja un grupo de chavales de 19 años, que toquen de puta madre y que lo revienten. Lo llevo deseando tiempo.
¿Qué echáis en falta en los carteles de los festivales?
Martín: Conciertos divertidos, tío. Veo mucho postureo escénico en los festivales últimamente. Igual soy yo que estoy un poco empeñado.
D: Es que claro, yo me voy a pensar en qué es lo que echo en falta arriba en los carteles. Y yo echo en falta otra música. Estoy harto de hijos feos de Vetusta Morla. Te he dado el titular ahora mismo. Genial Vetusta Morla, pero sus hijos feos… Ya estoy cansado de ellos.
Martín: A mí lo que no me gusta es verlo todo tan medido.
D: Yo lo que echo en falta es que ocurra eso y mole de verdad. Rosalía lleva un show que es ultramedido y dices: «Me cago en Dios». Yo lo he visto seis veces y me he cagado en Dios en todas.
Martín: Si tú quieres diseñar o guionizar una parte de tu bolo, piensa en algo que quieres que ocurra escénicamente que mole, pero que no sea bajar y cantar con una chica de primera fila. Mierdas de estas. Creo que en festivales pasa esto. Falta espontaneidad.
Mario: Yo echo en falta que haya un cambio de piel en el cartel. Nosotros sí, un poco, y algún otro también, pero creo que los de nuestra generación no hemos llegado a romper ese techo de cristal. Es que los cabezas de cartel siguen siendo prácticamente los mismos que cuando empezamos hace ocho años.
Vamos a hablar del Wizink. Al primero, en 2023, llevasteis a Los Nikis. Ahora tenéis otro en 2025. ¿A quién vas a llevar?
Martín: Vamos a llevar a uno de esos grupos que nos gustaría que fuesen más grandes en según qué festivales. Va a ser un grupazo.
¿Y vais a cambiar también el directo?
D: Va a estar más medido (risas). Va a haber show. El directo va a seguir siendo un ladrillo en tu cara, pero dentro de ese ladrillo va a haber más vestido. Va a ser un ladrillo más bonito. Eso sí, te duele igual.
Si echáis la vista atrás en vuestra carrera, ¿Cómo se os ha quedado la aventura? ¿Habríais cambiado algo?
D: Siempre pasa eso. Siempre quieres cambiar cosas. Bueno, yo creo que el sonido del primer disco, pero es algo que se quedó ahí.
Martín: El primer disco debería sonar más parecido a este. El segundo está bien.
D: El segundo está guay.
Martín: Y el tercero habría sido otra cosa. Yo pienso que al primer disco le habría sentado muy bien sonar como este.
‘CHROMAKOPIA’, el séptimo disco de Tyler, The Creator está siendo un éxito. En su primer día en Spotify, el disco ha conseguido alrededor de 85 millones de reproducciones. Se trata del mayor debut de hip hop en 2024 y el top 20 de todos los tiempos. Tiene más mérito cuando recordamos que el disco salió un lunes por la mañana.
Todo el disco, y prácticamente en orden, ocupa los 14 primeros puestos del Top 50 de Estados Unidos en Spotify. En el Top Global, los temas están desperdigados por los 25 primeros puestos. ‘St. Chroma’, ‘Noid’, ‘Rah Tah Tah’ y ‘Darling, I’, las primeras cuatro canciones del disco, ocupan los puestos que van del 3 al 6 en el ranking, respectivamente. ‘I Hope You Find Your Way Home’, el tema que cierra el álbum, ocupa el puesto 25.
Por otro lado, en el Top 50 España no hay ni una sola canción de Tyler, The Creator. A pesar de esto, Tyler es ahora mismo el número 1 en la lista global de Top Artistas de Spotify, por primera vez desde la creación de la lista y destronando a la mismísima Taylor Swift.
Tyler, The Creator's 'CHROMAKOPIA' earned over 85 million first day streams on the global Spotify chart.
Tunde Adebimpe, cantante de TV On The Radio, acaba de firmar con el sello Sub Pop para lanzar su debut en solitario el próximo año. De momento, se desconoce el nombre y la fecha de salida del proyecto. Sin embargo, sí que podemos disfrutar del primer y frenético single, ‘Magnetic’.
Las noticias de la carrera en solitario de Adebimpe llegan a la vez que TV On The Radio vuelve a lanzarse a la carretera tras una larga pausa. Además de conciertos en Estados Unidos y Reino Unido, son parte del cartel de Primavera Sound, que tendrá lugar en Barcelona del 5 al 7 de junio de 2025.
«Estaba pensando sobre mi tiempo en el espacio / Estaba pensando sobre la raza humana», canta Adebimpe en las primeras líneas de ‘Magnetic’. Se trata del primer lanzamiento formal en solitario del cantante estadounidense, ya que en 2010 lanzó ‘People’ por causas benéficas.
Desde Sub Pop, aseguran que la inclusión de Adebimpe en el equipo «hace todo mejor y mucho más elegante»: «Hemos esperado más de 20 años para tener la oportunidad de ser el sello de Tunde Adebimpe», ha declarado el cofundador de Sub Pop, Jonathan Poneman.
WARM UP 2025 ya ha revelado los primeros nombres que conformarán su cartel este año, entre los que se cuentan artistas como Fangoria o Franz Ferdinand. El festival murciano se volverá a celebrar en La Fica durante los días 2 y 3 de mayo de 2025. Abonos generales y las últimas entradas VIP, disponibles en la web del evento. JENESAISPOP vuelve a ser medio oficial.
Franz Ferdinand, Fangoria y Polo & Pan encabezan el primer avance de artistas de la próxima edición de WARM UP. Zahara y Carolina Durante presentarán sus nuevos trabajos en directo. Por otro lado, Siloé, Ralphie Choo, Rufus T. Firefly, Julieta, Shego, nusar3000 y TRISTÁN! completan la lista de nombres.
Los abonos generales de WARM UP 2025 están ya disponibles desde 69,99 euros. Sin embargo, los abonos VIP están más cerca de agotarse. Estos tienen un precio de 149,99 euros.
Los grupos que han seguido en activo tras la ruptura de al menos dos de sus integrantes se pueden contar con los dedos de una mano: Fleetwood Mac, ABBA o, en España, Amaral son algunos de ellos. En Dorian la separación entre Marc Gili y Belly Hernández podría haber acabado con la banda, pero ha fortalecido la relación entre sus cuatro componentes. Y ha resultado en un nuevo disco escrito en torno al concepto de “superación positiva del duelo” que no es el típico disco de ruptura.
El mensaje que propone Dorian en ‘Futuros imposibles’, aparte de que hacer buenas portadas parece darles un poco igual, es que de las rupturas siempre se puede extraer un aprendizaje que agradecer, y que cuando una puerta se cierra, otra se abre. O como señala Marc en una entrevista con JENESAISPOP: “Por cada futuro imposible que se te cierra, la vida te abre otros muchos”.
Pero que ‘Futuros imposibles’ no sea el típico disco de ruptura atormentado no significa que tome grandes riesgos. En realidad, ‘Futuros imposibles’ es un trabajo de Dorian clásico, tanto que el propio Marc reconoce que las canciones “han brotado de lo que sabemos hacer”. Es el camino opuesto al de ‘Ritual’ (2022): después de la exploración de diferentes sonidos y ritmos, Dorian vuelve al punto de partida. Y la inspiración sigue con ellos, porque, casi sin quererlo o sin esforzarse, al grupo también compuesto por Lisandro y Bart le ha vuelto a salir un disco muy sólido, compuesto por canciones que emanan mucha personalidad y ni un ápice de desesperación.
Ahí está el tema de presentación ‘Algo especial’, un nuevo himno de Dorian que resume el concepto del nuevo álbum. Sobre una eficiente base de pop-rock con sintetizadores, Marc cuenta que su amor se quemó, pero no así el cariño. En un estilo parecido, ‘El Sur’ con Santiago Motorizado entrega otro buen estribillo de Dorian que va como un tiro (“acelera, niña, dale a fondo, sé feliz”) y ‘Lo que recuerdo de ti’ suma en inicio ya 3/3 buenos singles, esta vez junto a Viva Suecia, en recuerdo a aquellos amigos a los que la adicción se llevó.
Después de estos tres singles, ‘Futuros imposibles’ no se desinfla sino que mantiene el tipo añadiendo nuevos singles oficiales y potenciales. ‘Materia oscura’, de hecho, el mejor sencillo de todos, está colocado casi al final de la secuencia. En su estilo sintetizado, ‘Materia oscura’ es un excitante número de synth-pop inspirado en la Human League que explora la idea del oscuro deseo. El grupo se apunta un tanto citando a Parálisis Permanente en una letra que, además, no es misteriosa en su reivindicación de la pareja abierta: “No eres solo mía, ni tú cortas mis alas”, canta Marc.
El álbum sale claramente beneficiado de su brevedad y de su variedad. Por cada canción… lenta como ‘A cámara lenta’ con Daniella Spalla, la balada de mechero de ‘Futuros imposibles’, que entrega Dorian, el grupo sale de repente con los teclados fluorescentes de ‘Una noche más’, cuando menos lo esperas. Después de 9 canciones, que la décima sea la más colorida tiene mérito.
En proporción, las baladas de ‘Futuros imposibles’ quedan unos peldaños por debajo de los temas animados y bailables. Al menos ‘Elegía’ y ‘Por ti’, esta última cantada por Belly, en respuesta a ‘Algo especial’, no apuntan tan alto, pero siguen siendo importantes para comprender el concepto de ‘Futuros imposibles’ en su totalidad. En conjunto, todas sus pistas, sumando también la animada ‘A contraluz’ y la balada final ‘Solo el cielo’, dan empaque un álbum muy ameno y bien cerrado que puede contarse entre los mejores de la carrera de Dorian.
Damiano David, cantante de Måneskin, prepara el lanzamiento de su álbum debut en solitario, del que ya se conocen dos singles que representan dos facetas distintas del proyecto, el baladón ‘Silverlines‘ y el himno ‘Born with a Broken Heart’.
Algunos críticos opinarán que, en ‘Born with a Broken Heart’, Damiano ha terminado de «venderse» al pop, que ya no es el chico malo que el mundo conoció en Eurovisión. Y qué bien, porque la canción es irresistible. Es la Canción Del Día.
‘Born with a Broken Heart’ es la canción más abiertamente pop que ha firmado Damiano David. Su sonido de himno piano rock es claramente deudor del de los Killers o Billy Joel, pero ni Damiano ni sus co-autores, Sarah Hudson, Jason Evigan y Mark Schick, se olvidan de escribir una melodía como un sol de buena, llena de ganchos memorables y que sabe acabar bien arriba.
En ‘Born with a Broken Heart’ Damiano presenta el retrato de un hombre que se siente incapaz de amar. Quiere amar como todo ser humano, pero no puede. A Damiano se le escapa una de esas frases que son puro humor involuntario («Si fuera un cactus, tú serías un globo») pero, sobre todo, ‘Born with a Broken Heart’ es la imagen de un hombre atormentado. Eso sí, vestido de traje. En el vídeo, Damiano y su compañera femenina bailan con un set de película de fondo.
Damiano acaba de presentar ‘Born with a Broken Heart’ en la televisión estadounidense, en el programa de Jimmy Fallon:
Lucky Love es el alias del cantante y compositor francés Luc Bruyère. Curtido en el cabaret de Madame Arthur, donde trabajó como bailarín y drag queen durante años usando el pseudónimo de La Venus des Mille Homme (por su parecido a la Venus de Milo; curiosamente él se parece mucho, también, a Freddy Mercury), Bruyère publica su propia música desde 2022.
Fue ese año cuando el público pudo escuchar por primera vez su reivindicación de una «Masculinidad» no adherida a la hegemónica. Bruyère, que nació sin brazo izquierdo, se niega a usar prótesis y, como cantante queer y que convive con el VIH, utiliza su plataforma para defender su liberación de las expectativas impuestas por el patriarcado a hombres y mujeres por igual.
«¿Qué hay de mi masculinidad? ¿Qué cojones tiene de malo mi cuerpo? ¿No soy suficiente? ¿Quién te da derecho de imponer las reglas?» cantaba Lucky Love en una ‘Masculinity’ que, este año, ha presentado en los Juegos Paralímpicos de París. Su reivindicación del amor LGBT+ es explícita en ‘Love’, otra de sus canciones estrella.
En 2023 se editó el primer EP de Lucky Love, ‘Tendresse’. Decorado con una preciosa portada, incluye otros cortes conocidos de Lucky Love como ‘J’Veux D’La Tendresse’ o ‘Toutes mes vérités’ junto a la estrella francesa Juliette Armanet.
En un lado más personal, el single de Lucky Love lanzado en septiembre, ‘I Don’t Care if It Burns’, ha sido otra canción de amor de Lucky Love. Es la primera muestra del primer álbum de Bruyère, llamado también ‘I Don’t Care if It Burns’, que saldrá en noviembre. Lucky Love lo presentará en España el 16 de noviembre en la sala Changó de Madrid el 16 de noviembre y el 17 de noviembre en La Nau de Barcelona.
Entrado el otoño el público sigue sin cansarse de ‘Si antes te hubiera conocido’ de Karol G, canción que sigue pegada como una lapa al número 1 de Singles España. No será por mucho: en Spotify España baja al 4. En la lista de Promusicae le sigue acechando en el 2 ‘Q U E V A S H A C E R H O Y ?’ de Omar Courtz y De La Rose.
La entrada más fuerte es ‘DeGenere’ de Myke Towers y Benny Blanco, que lleva al puesto 3 su composición basada en el famoso tarareo de ‘Tom’s Diner’ (1981) de Suzanne Vega. ‘DeGenere’ es ahora mismo la canción número 1 de Spotify España, seguida por la urbana ‘IA’ de Clarent, que también se posiciona en lista, de hecho, a continuación, en 6º puesto. Clarent y Myke Towers comparten un éxito en España, el remix de ‘Sport+’.
JC Reyes logra posicionar dos singles en la lista de Promusicae, ‘RAPAPA’ en el 22 y ‘Star’ en el 40. También hay noticia doble de Bruno Mars: su single con ROSÉ, ‘APT.‘, entra en el 31 y, de rebote, ‘Die with a Smile‘ con Lady Gaga protagoniza la subida más fuerte, del 35 al 26.
‘No Me Cansaré‘ da a Sevdaliza un debut en el puesto 60 de España gracias a la colaboración de Karol G. Es su mejor dato histórico, pues ‘Alibi’ no pasó del 85 en nuestro país, aunque era de esperar una posición más alta dado el nombre invitado.
Siguiendo con las entradas urbanas, Cris MJ, que este año ha triunfado con ‘Gata Only’, coloca ‘Si no es contigo’ en el 63, gracias a su remix con Kali Uchis y Jhayco, y Duki posiciona un tema bastante minimalista, ‘Barro’, en el 76.
La muerte de Liam Payne ha provocado el regreso de varios singles de One Direction a las listas de éxitos. En España, ‘Story of My Life’ vuelve a entrar en el 83.
Otras entradas en lista con ‘La balada’ de Ruslana (65), ‘Por no bailar contigo’ de Dani Fernández (91), ‘NOVIOGANGSTA’ de EMILIA (92) y ‘Diabla’ de Los Diozes (99).
Shawn Mendes se ha pronunciado sobre su sexualidad durante un concierto celebrado en la noche del lunes en Denver, Colorado. Spoiler: ha sido muy ambiguo. Pero, al menos, ha contestado indirectamente a todos aquellos fans que llevan años acosándole en redes para que salga del armario, a pesar de que él solo ha salido públicamente con mujeres -y aunque no lo hubiera hecho- y como si la sexualidad no fuera un viaje personal e íntimo que pertenece a cada uno.
El acoso sistemático que ha sufrido Shawn Mendes -durante años, desde el inicio de su carrera- por su sexualidad ha podido afectar negativamente a su salud mental y es un síntoma de la tóxica relación de los fans con las celebridades. Conocido es el caso del actor Kit Connor, que se declaró públicamente bisexual en 2023 tras el acoso de sus seguidores.
A Mendes, algunos fans han seguido asignándole una homosexualidad y bisexualidad imaginadas, y Mendes ha aprovechado su paso por Denver para hablar públicamente del tema por primera vez. «La verdad sobre mi vida y mi sexualidad es que todavía las estoy descubriendo, como todo el mundo», ha declarado. «A veces no tengo ni idea, y otras sí. Da un poco de miedo porque vivimos en una sociedad que tiene mucho que decir sobre este tema. Estoy intentando ser valiente y permitirme ser humano y sentir cosas. Y esto es todo lo que voy a decir».
Las palabras de Mendes suenan lo suficientemente sinceras como para que el cantante se sienta con la libertad de explorar su sexualidad sin presiones. Sin embargo, esa libertad no tiene que «ganársela», ya que le pertenece, aunque algunos intenten arrebatársela.
Por otro lado, que Mendes esté a punto de publicar álbum puede tener algo que ver con que el canadiense haya decidido hablar justo ahora. Al fin y al cabo, él también ha sacado rédito de sus relaciones sentimentales, sobre todo la que mantuvo con Camila Cabello. Y, en cualquier caso, Mendes no ha podido ser más ambiguo y sus palabras no van a detener las especulaciones, sino todo lo contrario. ‘Shawn’, su nuevo álbum, sale el 15 de noviembre.
Shawn Mendes opens up about his sexuality:
“The real truth about my life and sexuality is that, man I’m just figuring it out like everyone. I don’t really know sometimes and I know other times. It feels really scary because we live in a society that has a lot to say about that” pic.twitter.com/5AvgPePXzp
Hay nuevo número 1 de álbumes en España y es de Antoñito Molina. El cantante gaditano coloca su tercer disco, ‘El club de los soñadores’, directamente en el número 1 de la lista de elepés española gracias principalmente a la venta de CDs. No existe vinilo de ‘El club de los soñadores’ y los datos de streaming del álbum, que aparece en el puesto 48 de Spotify, son discretos. Ni un solo tema de ‘El club de los soñadores’ se deja caer por la lista de singles, sin embargo, varios de ellos tienen streams suficientes como para ser certificados con Discos de Oro (‘Hubo un tiempo’, ‘La Aventura’) o están muy cerca de llegar al Platino (‘Por si mañana’), beneficiados también por su presencia en radio.
La siguiente entrada en lista la protagoniza Kylie Minogue. ‘Tension II‘ se coloca en el puesto 3 de Promusicae, uno de sus mejores datos globales. Sin haber llegado al número 1 como en Reino Unido o Australia ni al 2 como en Suecia, ‘Tension II’ iguala el dato de Bélgica y mejora los de países como Alemania (4), Países Bajos (5), Irlanda (8) o Francia (21).
En todo caso, el top 3 de ‘Tension II’ mejora los últimos datos históricos de Kylie Minogue en España: tanto ‘Golden‘ (2018) como ‘DISCO‘ (2020) quedaron en el puesto 8 y el recopilatorio ‘Step Back in Time: The Definitive Collection’ (2019) no pasó del 5. La excepción es ‘Tension’ (2023), el disco original, que fue top 2.
A continuación figuran en lista dos entradas nacionales. En primer lugar, ‘Un casa con jardín’, del artista revelación Enol, se coloca en el 16. En segundo, ‘Galerna’, del artista ya muy conocido por todos Álex Ubago, entra en el 25. Ubago, además, aparece en el puesto 10 de la tabla de vinilos, que vuelve a estar coronada por ‘MOTOMAMI‘ de Rosalía probablemente gracias a algún tipo de oferta o descuento: sube del 13 al 1.
La penúltima entrada en la lista de álbumes se la queda un conocido grupo de k-pop, Seventeen, que mete su miniálbum ‘Spill the Feels’ en el 50. Finalmente, la reedición de ‘Cuatro rosas’y que Dios reparta suerte’ (1985) de Gabinete Caligari se coloca en el 54.
Alcalá Norte son un caso. Uno ha ido a cientos y cientos de conciertos, y el grupo madrileño, una de las revelaciones clarísimas de la temporada, sabe ofrecer cosas que nunca se han visto. Para empezar, antes del show, se proyecta su hilo de Forocoches en una pantalla. Ahí leemos lo que a la gente le parece la banda. “Se parecen a Smashing Pumpkins” escribe alguien totalmente desnortado. Es solo uno de los divertidos mensajes: pocas veces los minutos previos a un concierto habían sido tan entretenidos.
Después, es el mismo batería Jaime Barbosa, quien se dirige directamente al micro para hacer los honores de presentar a la banda. Anima a la gente, lanza puros y reparte vino a través de una bota que rula por la sala.
El cantante Álvaro Rivas no gusta tanto de interactuar, se limita a mirar a la gente con esa sonrisa inquietante, parte del personaje que ha escrito esas letras sobre el desastroso mundo en el que vivimos. Por supuesto porta una camiseta del Real Madrid. Se bromea sobre el Barça.
El grupo madrileño sortea de una manera o de otra tener que llenar más de una hora de concierto con tan sólo un disco y tan corto. También se ayudan de versiones, como ‘10000’ de Los Planetas, revelando que Jota les había dado “permiso para hacer con ella lo que les saliera de los cojones”.
Pese a los dos sold outs con varios meses de antelación que el grupo ha conseguido este fin de semana en Teatro Eslava, al público le cuesta entrar, quizá porque la sala no es muy agradecida con los llenos absolutos: una parte siempre se queda fuera de la pista. Esperaba más delirio, más pogo. Jaime Barbosa llega a exclamar: “¡Echadle un poquito de ganas, hostia!”. ‘La sangre del pobre’, que suena en 7º lugar, es el primer tema que el público parece gozar de verdad, incluso aunque antes ha sonado la brutal ‘420N’, que habría jurado que levantaría a un muerto.
‘El rey de los judíos’ es otra de las más coreadas, con permiso de ‘La vida cañón’, que obviamente dejan para el final. Es una canción cortísima, que se hizo más corta todavía y podrían haberla alargado 10 minutos. Pero Alcalá Norte prefieren ser fieles a su sonido en el álbum.
Algún día sus directos serán mejores, más rugientes, quizá cuando acaben esta gira de 40 conciertos, cuando tengan más repertorio, pero sí pueden presumir de dejar varias imágenes recordables: como cuando Rivas canta ‘La calle elfo’ con una corona de laureles (Jaime le trolea ofreciéndose a cocinar con ella un pollo en pepitoria) o cuando se disfraza de rider para repartir burgers de verdad que la gente devora. Ainhoa Laucirica
Bad Bunny, Jennifer Lopez y Ricky Martin, entre otros, han mostrado su apoyo en redes a Kamala Harris de manera conjunta, después de una broma racista sobre Puerto Rico en un mitin de Donald Trump.
Todo ocurrió después de que el humorista y podcaster Tony Hinchcliffe hiciese un comentario racista durante el mitin de Trump en el Madison Square Garden de Nueva York: «Hay literalmente una isla flotante de basura en mitad del océano ahora mismo. Creo que se llama Puerto Rico», soltó. Hinchcliffe era una de las 30 personas que pretendían animar al público antes de la salida de Trump.
Hinchcliffe, para más inri, también hizo bromas racistas y sexistas sobre la comunidad latina, negra y judía de Estados Unidos. Según informes del evento, las bromas no sentaron bien al público y fueron recibidas por aplausos tímidos. De manera totalmente inusual en una campaña de Trump, un asesor del partido dijo en un comunicado posterior que «esta broma no refleja la visión del presidente Trump o de la campaña».
El comentario provocó la respuesta inmediata de la comunidad de artistas puertorriqueños. Bad Bunny, con más de 45 millones de seguidores en Instagram, reposteó un vídeo de Kamala Harris en el que recordaba al público lo que Trump «hizo y no hizo cuando Puerto Rico necesitaba un líder competente y empático», refiriéndose a lo ocurrido con los huracanes Irma y María en 2017.
Después de esto, Ricky Martin también subió el vídeo a sus Stories, al igual que Jennifer Lopez, con sus más de 250 millones de seguidores. Entre los tres artistas, suman alrededor de 315 millones de seguidores en Instagram, es decir, 15 millones de personas menos que la población total de Estados Unidos. Sin embargo, no fueron los únicos artistas puertorriqueños en sumarse a la causa.
Residente y Luis Fonsi también publicaron vídeos de lo ocurrido. El cantante de ‘Despacito’ declaró que se trataba de una «falta de respeto»: «Esto es en serio??», escribió. Por otro lado, el fundador de Calle 13 mandó un mensaje a sus compatriotas: «A mis hermanos boricuas, no endosen a esta gente por favor».
Trump rally speaker: “There’s literally a floating island of garbage in the middle of the ocean right now. I think it’s called Puerto Rico” pic.twitter.com/pbw88p5PhI
Vice President Harris: I announced my plan for Puerto Rico, and I’m proud to have the support of folks like Bad Bunny and Jennifer Lopez. People are exhausted with Trump and that nonsense we saw last night at Madison Square Garden pic.twitter.com/XXlBnxPKdy
SanSan Festival volverá al Recinto de Festivales de Benicàssim durante los días 17, 18 y 19 de abril de 2025, abriendo la temporada de festivales igual que cada año. El cartel por días, con artistazos de la talla de Franz Ferdinand, Los Planetas o Amaia, ya está disponible. Las entradas de día, por otro lado, se pondrán a la venta mañana a las 12h en la web del festival y SeeTickets. JENESAISPOP vuelve a ser medio colaborador.
De esta manera, el jueves 17 de abril se podrá disfrutar de los conciertos de Los Planetas, Sen Senra, Carolina Durante y Alizzz como cabezas de cartel. Les acompañan Cala Vento, Cariño, Depresión Sonora, Ralphie Choo, Cora Yako, Groc Talent, Innmir, Pipiolas, Sienna, Svetlana y Tristán!.
Al anunciar el cartel por primera vez, la organización dejó un nombre sin revelar a modo de sorpresa. Hombres G serán el plato fuerte del viernes 18 de abril junto a Dani Fernández, Dorian y Zahara. Claim, Luis Fercán, Niña Polaca, Siloé, Alba Morena, Baldosa, Calizo, Inés Hernand, Nudozurdo y The Son of Wood completan la velada.
Por último, Franz Ferdinand, Lori Meyers, Amaia y Sidonie encabezan la jornada del sábado 19 de abril. Alcalá Norte, Carlos Sadness, Delaporte, Melifluo, Anadie, Carlos Ares, Griso, La Plata, Las Dianas, NDLR y Tú Peleas Como Una Vaca despedirán la 11ª edición del festival.
Tyler, The Creator ya ha lanzado su nuevo disco, ‘CHROMAKOPIA’. Lo ha hecho un lunes por la mañana, saltándose todas las convenciones de la industria en cuanto a lanzamientos se refiere. En su séptimo trabajo, el artista californiano muestra una nueva faceta a través de los sonidos y recursos que siempre le han caracterizado. Sobre todo, deja claro que se está haciendo mayor.
En el sucesor de ‘CALL ME IF YOU GET LOST’ y ‘The Estate Sale’, Tyler vuelve a equilibrar canciones frenéticas, como ‘Rah Tah Tah’ o ‘Thought I Was Dead’, con otras más tranquilas y melódicas, como el baladón de ‘Like Him’ y ‘Darling, I’, en la que Tyler canta sobre la honestidad a la hora de expresar amor. Las armonías y melodías que siempre se han asociado al rapero siguen presentes en este trabajo, por lo que no es una gran desviación respecto a sus lanzamientos anteriores. Sin embargo, sí se trata de su obra más contenida y reflexiva.
La razón es simple: Tyler ya no es un adolescente. ‘CHROMAKOPIA’ está plagado de fragmentos hablados de su madre, Bonita Smith, aconsejándole sobre diferentes cuestiones de la adultez. «Me estoy haciendo vieja y necesito un nieto, por favor», dice en la intro de ‘Tomorrow’.
En la listening party que celebró anoche en Los Ángeles, Tyler habló sobre el tema principal del álbum: «Ahora que tengo 33 años, todo eso es como ‘Oh, eso es de lo que estaba hablando ella; Oh, no soy el tío que era a los 20 años'».
Unos días antes de la salida del disco, Tyler aseguró que no había ninguna colaboración en el disco. Sin embargo, se conocía que Daniel Caesar había prestado voces a la primera canción, ‘St. Chroma’, por lo menos. Hoy se ha revelado que Childish Gambino, Schoolboy Q, Teezo Touchdown, Lola Young, Baby Keem, Doechii, Lil Wayne, Glorilla y Sexyy Red también están en el disco.
Pese a los rumores que indicaban que Frank Ocean estaría en el disco, al salir el mismo día que su cumpleaños, esto no se ha dado finalmente. En X hay una supuesta versión original de la canción ‘Judge Judy’ con un verso entero cantado por Ocean, pero se trata de un fragmento realizado con IA. Quien sí presta su voz a la canción es Childish Gambino, que también aparece en ‘I Killed You’.
Azealia Banks ha vuelto a hacer de X-antes-Twitter su campo de batalla y, últimamente, la ha tomado con Madonna, Lorde, Nicki Minaj o Doechii. Ahora, la autora de ‘212’ ha atacado a Lil Nas X y se ha topado con la respuesta del rapero.
«Lil Nas X se ha pegado una buena hostia. Se creía que era lo más. ¿Dónde están las barras?» ha escrito Banks en primer lugar. Banks se refiere a los últimos singles de Lil Nas X, sobre todo a ‘J Christ’, que no han generado el resultado comercial esperado, y sugiere que el éxito de Lil Nas no se ha podido sostener por falta de talento.
Lil Nas, que se encuentra preparando el lanzamiento de un nuevo single, ha decidido contestar a Azealia dándole a probar de su propia medicina: «Azealia, podría no volver a hacer un hit en mi vida y aún así serías incapaz de lograr una décima parte de mi éxito mientras vives tu vida miserable de mierda vendiendo jabones y sacrificando pollos». Lil Nas apostilla con: «Por cierto, me encanta tu música».
La respuesta de Lil Nas ha despertado a la bestia y Azealia contestado publicando un extenso mensaje en el que acusa a Lil Nas de reproducir estereotipos racistas y homófobos en el videoclip de ‘Industry Baby’ y de apelar a una audiencia blanca con su música, por ejemplo, colaborando con Camila Cabello «en lugar de con raperos afroamericanos como Cake Da Killa». Sobre todo, Banks ataca a Lil Nas por su «mediocre» talento e insiste en que no tiene «barras» de las que presumir: «Nadie en la industria se sabe una letra que hayas escrito».
La siguiente respuesta de Lil Nas no se ha hecho esperar y ha tirado por la cordialidad. Volviendo a apelar al talento de Banks, el autor de ‘Old Town Road’ ha escrito en sus stories: «Te mando amor, Azealia. No te deseo otra cosa que buen rumbo y claridad. Quiero que persigas tus sueños. Ponte a currar. Es la mejor época para que tu música triunfe. Me importa una mierda lo que dices sobre mí, quiero verte ganar y brillar con tu luz. Tú misma puedes renunciar a este papel de abusona de internet cuando quieras. Tus fans te quieren».
Con el frío llega el momento de desempolvar ‘50 Words for Snow‘, el último álbum de Kate Bush. Editado en 2011, no ha visto continuación en casi 15 años.
Esto podría cambiar en un futuro (no muy) lejano: Kate Bush ha revelado que tiene «muchas ganas de escribir un nuevo disco» y que, en cuanto termine la promoción de su último proyecto, se pondrá manos a la obra.
Bush acaba de dirigir ‘Little Shrew’, un corto animado que busca concienciar sobre el efecto de las guerras en la población infantil. Con la película, Bush busca recaudar fondos para la ONG War Child.
En una entrevista con BBC, Bush ha contado que, en los últimos tiempos, ha estado ocupada trabajando en ‘Little Shrew’ y en otros menesteres. En concreto, ha estado «haciendo trabajo de archivo», «resideñando» su página web y «armando un libro de letras». Sin embargo, Bush asegura sentirse «preparada para hacer algo nuevo». En concreto, dice tener «muchas ganas de empezar a trabajar en un nuevo álbum». «Tengo un montón de ideas en la cabeza y tengo ganas de volver a meterme en ese espacio creativo. Ha pasado mucho tiempo», señala.
Eso sí, no esperes que Kate Bush vuelva a subirse a un escenario. Cuando BBC explica a Kate Bush que su amigo David Gilmour, de Pink Floyd, ha declarado en The Guardian que «la única persona que puede llevar a Kate Bush de vuelta al escenario es Kate Bush», la británica contesta: «Todavía no estoy ahí».
La muerte de un ser querido es una de las mayores fuentes de inspiración para los artistas. Ante una experiencia tan dolorosa e inexplicable, existe la necesidad de vaciar, de soltar sentimientos, de liberarse, y el arte es siempre un medio idóneo para exorcizar los demonios del duelo.
Tras haber perdido a Mimi Parker, su mujer y compañera de la banda Low desde hacía más de 30 años, a causa de un cáncer, Alan Sparhawk se embarcó en su primer proyecto en solitario desde ‘Solo Guitar’ en 2006. ‘White Roses, My God’ es todo lo contrario a lo que uno puede esperarse de un álbum que nace del inmenso dolor de la muerte, pero sirve como recordatorio de que la manera de expresar y lidiar con un duelo es profundamente personal.
En los últimos tiempos, algunos de los ejemplos que vienen a la mente son los magníficos y devastadores trabajos de Sufjan Stevens (‘Carrie & Lowell’), Mount Eerie (‘A Crow Looked at Me’, ‘Now Only’) o Japanese Breakfast (‘Psychopomp’, ‘Soft Sounds from Another Planet’), todos ellos de corte intimista, retratando sentimientos a flor de piel y escritos con el corazón en un puño.
En cambio, Sparhawk decide tomar la senda de abstracción electrónica-experimental de los últimos proyectos de Low, y a su vez, llevarla a un extremo que se encuentra en las antípodas de ese sonido. Tiene todo el sentido del mundo: ¿cómo poder seguir igual si ya no tienes a tu otra mitad con quien evolucionar a tu lado? Todo ha cambiado para siempre. Él no es el mismo que era, y así lo refleja la presentación de voz, enterrada bajo capas y capas de autotune, hasta el punto de no sonar ni remotamente humana.
En ‘Double Negative’ ya aparecían las voces procesadas, protagonizando incluso canciones enteras, pero en ‘White Flowers, My God’ no hay ni un solo segundo donde se reconozca a Sparhawk. Haber perdido una parte tan fundamental de su vida deriva inevitablemente en una crisis de identidad, quedando reflejada en lo musical, ya no solo en el ámbito vocal, sino en el estilo general del disco, plagado de melodías abiertamente pop y beats de trap.
Pese a ello, el tono general es siniestro y oscuro, dotado de una constante sensación de misterio. Desde el comienzo del álbum con la hipnótica ‘Get Still’, Sparhawk imprime una extrañeza y densidad tanto a nivel sónico como lírico. En la mayor parte de las canciones, el artista opta por letras crípticas en las que a menudo repite una frase hasta la extenuación o donde no se entiende exactamente a que se refiere.
La letra de ‘I Made This Beat’ está formada exclusivamente por su título: un experimento que funciona como mantra y reafirmación de que él sigue aquí y no ha perdido su capacidad de crear. ‘White Roses, My God’ destaca por su interesante despliegue melódico: tan pronto juguetea con los sintetizadores en una suerte de medio-tiempo R&B (‘Not the 1’) como pasa por desquiciados pasajes industriales (el potentísimo número witch house de ‘Can U Hear’) o mete unas sugerentes e inesperadas guitarras eléctricas (‘Brother’).
Si bien gran parte de las letras del álbum no aluden directamente a temáticas específicos, no todas son elusivas. También las hay más concretas, como en ‘Heaven’, donde Sparhawk reflexiona sobre la muerte, comenzando con “El cielo es un lugar solitario si estás solo / quiero estar allí con la gente que quiero” y terminando dirigiéndose a Mimi: “¿Estarás allí?”. Mientras que ‘Feel Something’ es el corazón emocional del álbum, un grito de desesperación de aires industriales donde Sparhawk, de manera muy esquemática, repasa diferentes estados de su duelo: “¿Puedes sentir algo aquí?”, “Quiero sentir algo aquí”, “Creo que siento algo aquí”. Cuando enuncia esa última frase, es difícil no tener la piel de gallina.
Puede que la voz robótica sea vista como una barrera emocional al principio, pero adentrarse en ‘White Roses, My God’ es darse cuenta de que no es un mero capricho. No es solo uno de los discos más atrevidos del año, sino también uno de los experimentos más emocionantes y sinceros que han surgido en mucho tiempo. Es desolador pensar que nunca volveremos a oír las voces de Mimi y Alan juntas en nuevos proyectos, pero consuela saber que la ambición de Low por sacudir los cimientos estéticos establecidos continúa muy presente en este último.
Hace un par de años os hablamos de Mirua a raíz del estreno en JENESAISPOP de su single ‘Basakabi‘. Entonces el trío de País Vasco formado por Maitane Iruiñ, Malentxo Zeberio y Mattin Zeberio apostaba por una visión próxima al hyperpop sin renunciar al euskera.
Ahora, Mirua vuelve con nuevo single y un sonido más ambicioso. En ‘Mugaz Gaindi’ Mirua acerca su estilo de pop electrónico a la tradición vasca, en concreto a la de Tolosa, su lugar de nacimiento, y crea una composición que supera toda «frontera». Es la Canción Del Día.
‘Mugaz Gaindi’, el primer single del nuevo álbum de Mirua, da dosis de ese pop épico -o bélico- asociable a artistas como Woodkid. A partir de este sonido, Mirua cruza sintetizadores con samples sacados de instrumentos tradicionales vascos y coros que apuntan muy alto.
Así explica ‘Mugaz Gaindi’ la nota de prensa: «Convencidos de que mirar más allá de las fronteras y alcanzar aquello que no podemos ver es posible, el trío tolosarra viaja hasta las raíces y el folklore que los vio nacer, pero lo hacen sin añoranza y con la determinación de vivir y transformar todo eso en presente. ‘Mugaz Gaindi’ es un himno alentador en un momento en el que toda una generación percibe el pasado muy lejos y el futuro demasiado incierto».
En el videoclip se profundiza en la raíz de ‘Mugaz Gaindi’. Creado por la productora Arriguri, un gigante típico de Tolosa protagoniza el videoclip y baila al ritmo de los bombos de Mirua la danza popular bordon dantza, vestido con el traje tradicional de este baile.
‘Rockin’ Around the Christmas Tree‘ es otra de esas canciones navideñas pop que regresan cada Navidad a las listas de éxitos. Su intérprete, Brenda Lee, pudo celebrar en 2023 alcanzar el número 1 de la lista de singles de Estados Unidos con esta canción, 65 años después de su estreno. A día de hoy, ‘Rockin’ Around the Christmas Tree’ suma más de mil millones de reproducciones solo en Spotify.
En 2024, Brenda Lee vuelve dispuesta a coronar otra vez las listas con ‘Rockin’ Around the Christmas Tree’ y su última idea ha sido lanzar una versión de la canción en español. Eso sí, Brenda no ha grabado una sola toma vocal de ‘Noche Buena y Navidad’ (sic), sino que ha delegado la labor a un programa de inteligencia artificial. En concreto, MicDrop, un generador de voz artificial creado por la empresa SoundLabs. Claro, a sus 79 años, no habría quedado igual.
El resultado es perfecto, tanto que da un poco de miedo. Por una vez, una artista estadounidense no canta en español chapurreado, provocando vergüenza ajena. Sin embargo, ni siquiera se puede decir que Brenda cante en absoluto: lo hace un programa informático por ella. Eso sí, con su voz, su textura y registro, de base. Ni su quiebre vocal se han dejado.
En un comunicado, Lee ha dicho que se halla “asombrada” con el resultado de ‘Noche Buena y Navidad’: “A lo largo de mi carrera he grabado canciones en diversos idiomas, pero nunca grabé “Rockin” en español, a pesar de que me habría encantado. Así que poder lanzar esto es bastante increíble”.
¿Se pondrá de moda la idea? ¿Se acerca ‘Eres todo lo que quiero por Navidad’? ¿Es demasiado tarde ya para St. Vincent?
Pinpilinpussies, el dúo formado por Ane Barcena y Raquel Pagès al que conocemos por temas de punk, grunge y lo-fi tan certeros como ‘ERRE’ o ‘Todo saldrá mal’, y por el álbum ‘Hipocondría’ (2022), vive estos días su ‘Tú a Londres y yo a California‘ particular: Ane, que es de País Vasco, vive en Bilbao, y Raquel, que es de Cataluña, reside en Barcelona. Esto significa que Pinpilinpussies ha de trabajar desde la distancia, aunque a sus integrantes les siguen juntando los conciertos. Este mes de noviembre, la gira de Pinpilinpussies continúa en el JJ Festival de L’Hospitalet el 9 de noviembre, en el Hell Dorado de Gasteiz el 15 de noviembre y en el Monkey Week de Sevilla a finales de mes.
Pinpilinpussies, que saca EP también en noviembre, del que se puede escuchar un nuevo adelanto, ’47 segundos’, desde hoy mismo, participa en una nueva edición de «Meister of the Week» comisariada por Jägermusic. En esta entrevista, Ane y Raquel nos acerca a las dinámicas que surgen de mantener un grupo desde la distancia: se puede, pero es complicado.
¿Por qué elegís el tema de la distancia? Decís incluso que es una cosa que os obsesiona…
La distancia no es una obsesión porque, si no, sería una mierda. Simplemente la distancia es una realidad muy presente en nuestro día a día y en nuestra relación que intentamos afrontar de la mejor manera posible.
Estudiasteis juntas un posgrado. Después montasteis una banda juntas. Habéis tocado, sacado música. ¿Qué os ha separado? ¿Es una distancia impuesta o voluntaria?
Las oportunidades laborales mayormente. Trabajo (Ane) en rodajes y por tema incentivos fiscales hay muchas oportunidades. La «nouvelle-basque» como dice una compañera. Ha sido una apuesta con lo bueno y lo malo que eso conlleva.
¿Cómo trabaja un grupo musical cuando sus integrantes no viven en la misma ciudad? Por ejemplo, ¿por qué vías os comunicáis?
Pues es un poco más complicado, no os vamos a engañar. Estar juntas lo hacía todo más fácil y ágil, sobre todo. Pero bueno, hablamos literalmente cada día por Whatsapp de todo (no solo de la música, claro) y por ahí vamos avanzando. Eso sí: cuando más cosas hacemos es cuando nos vemos los fines de semana que tocamos. Ahí aprovechamos para soltar ideas, pensar en el proyecto, hacer cosas pendientes, etc.
¿Qué diferencias veis en vuestras composiciones cuando escribís por separado y cuando lo hacéis juntas?
Esto en sí tampoco ha cambiado mucho. Nuestra dinámica cuando estábamos ambas en Barcelona era componer cada una por su lado una canción a guitarra y luego llevarla al local para enseñársela a la otra y completarla. Ahora seguimos haciendo un poco lo mismo. Lo único que ahora en vez de enseñarnos las canciones en el local, lo hacemos vía nota de voz de Whatsapp.
¿Con qué retos os enfrentáis habitualmente a la hora de componer o grabar cuando no vivís en el mismo sitio?
Básicamente no podemos componer y grabar porque estamos separadas. Es hacerlo todo de manera independiente y buscar los momentos para poner todo en común. Nunca hemos probado de grabar demos cada una en casa y así, porque lo que realmente nos funciona y lo que hace que el grupo sea honesto consigo mismo es llegar al local y reventarlo con nuevas propuestas y bien de volumen.
A nivel emocional, ¿qué es lo más difícil de gestionar viviendo separadas siendo una banda? ¿Y siendo amigas?
Ha sido duro a nivel emocional, la verdad. Como banda, lo que se pierde sobre todo es el día a día de componer y de ir al local a tocar sin parar, y esa espontaneidad de ideas y de canciones que teníamos al estar juntas todo el rato y vivir muchas cosas a la vez. Como amigas, lo más difícil de llevar ha ha sido (y seguirá siendo) no poder estar ahí en todo momento y compartir las idas y venidas de la vida. Llamarse está bien y hablar por Whatsapp también. Pero nada se compara con lo otro.
¿Os habéis llegado a plantear iros a vivir juntas a la misma ciudad, o incluso en la misma casa? ¿Cómo veis el tema de los alquileres en Bilbao y Barcelona?
Nunca lo hemos planteado aunque sería muy bonito que nuestros caminos vitales se volvieran a encontrar en la misma ciudad. Pero, a día de hoy, ambas estamos muy convencidas de en qué lugar queremos estar, cada una por sus motivos. Y referente a los alquileres, bueno, es que es un desastre vayas donde vayas, busques donde busques… estamos realmente fatal.
¿Para vosotras es más fácil viajar de Barcelona a Bilbao, o de Bilbao a Barcelona? ¿Cómo gestionáis los viajes?
Ninguna opción es mejor que la otra pero es cierto que yo (Raquel) suelo ir a Bilbao en avión porque no soy muy fan de ir en coche sola tantas horas y Ane es más valiente y se pilla la furgo para bajar a Barcelona la mayoría de veces. Eso sí, lo que sí que es complicada es la gestión de nuestro material para cada concierto. Un excel deberíamos tener para esto, porque madre mía… Un día tuvimos que enviar la guitarra, pedalera, caja y platos por Correos Express. Solo digo eso.
Comparáis vuestro caso con la película ‘Tú a Boston y yo a California’. ¿En qué aspectos os sentís reflejadas con la película o directamente con las gemelas protagonistas, ambas interpretadas por Lindsay Lohan?
Es más la coña del título porque a las Lohan les separaron al nacer y luego se juntan en un campamento. En nuestro caso es al revés. Pero el tiempo dirá cómo acaba la siguiente entrega de nuestra propia película, que un poco personajes también somos jajaja.
La ansiedad por separación es un fenómeno real en hermanos separados al nacer. ¿Vivís algo parecido en relación a vuestra amistad o creatividad?
Ya de por sí ansiosas somos las dos. Tendemos muchas veces a anticiparnos a lo malo sin que tenga pasar nada, sufrimos aso de la ansiedad premonitoria. Entonces muchas veces todo parece más dramático de lo que acaba siendo y siempre lo acabamos solventando con entereza. Hemos pasado por malos momentos, pero la base del grupo es la amistad, y eso prevalece por encima de todo.
En la película, a las gemelas les une un vinculo emocional muy fuerte, a pesar de estar separadas por la distancia. ¿De qué manera nutrís vuestro vínculo desde la distancia?
Mandándonos stickers y memes jajajaj y dándonos ánimos mutuamente porque nuestros trabajos son bastante exigentes y siempre acabamos las semanas como un trapo.
¿Cómo comparáis las escenas de conciertos de Barcelona y Bilbao? ¿Sentís que en una ciudad es más fácil tocar que en otra?
Hay un abismo ahora mismo entre la escena de Bilbao (Euskadi en general) y Barcelona, o al menos lo sentimos así. Barcelona la notamos un poco apagada en lo que a escena emergente se refiere, porque de lo otro va sobrada. Hay tropocientos conciertos tochos a la semana pero pocos espacios “pequeños” y poca escena emergente. Por contra, en Bilbao y Euskadi el panorama es totalmente distinto: la escena emergente está totalmente viva y disfrutando de los trillones de espacios y propuestas donde poder tocar en directo. Ya podríamos aprender un poco los catalanes de Euskadi, porque estamos a años luz.
¿Qué le gusta a Ane de Barcelona, y a Raquel de Bilbao?
Raquel: A mí de Bilbao me gusta el piso de Ane, sobre todo jajaja es broma, pero es que realmente es la hostia. Pero centrándonos en la ciudad, me mola que tenga tanta vida en la calle, la comida es espectacular y que la gente de ahí (hablando ya de Euskadi en general) me parece la hostia. Poca gente imbécil me he encontrado por esos lares (aunque debe haber, claro).
Ane: He vivido 12 años en Barcelona, desde los 18 hasta hace pocos meses en realidad, y en todo ese tiempo me llevo conmigo a todas las personas maravillosas que han aparecido en mi vida.
Si pudierais elegir un lugar concreto en el que residir juntas o al menos trabajar sin la presión de la distancia, ¿cuál sería, por improbable o imposible que pueda parecer?
Tenemos una coña porque mi Ama (Ane) dice que tenemos que ir a vivir a Wellington (Nueva Zelanda) para que pueda trabajar haciendo películas con Peter Jackson. Así que quién sabe, en un tiempo igual os respondemos el siguiente cuestionario con 12 horas de diferencia horaria jajajaja.
