A AURORA le “cambió la vida” leer una carta escrita por un grupo de personas indígenas que pedía una “revolución” para combatir el cambio climático, una “respuesta colectiva” dirigida a “sanar la tierra” a través de “nuestros corazones”. El título de ‘What Happened to the Heart?’, el nuevo disco de AURORA, implica precisamente que algo se ha perdido por el camino, que el ser humano va a seguir estando perdido, cuanto más desconectado de su origen, es decir, de la naturaleza. Es un mensaje importante y necesario, que AURORA va plantando a través de los 16 cortes de este nuevo trabajo.
Uno de los temas recurrentes en ‘What Happened to the Heart?’ precisamente es el de la desconexión entre cuerpo y alma. En ‘To Be Alright’, AURORA se pregunta “qué valor tiene la vida si no puedes bailar, si no puedes sangrar”. En ‘My Body is Not Mine’ ni siquiera siente su propio cuerpo. Y en ‘Some Type of Skin’ predice a Billie Eilish cuando pide: “Hit me hard where I am soft”.
El trauma generacional (‘Invisible Wounds’), la amenaza de la propia familia (‘The Conflict of the Mind’) o el rechazo a la vida moderna (‘Starvation’) son otros temas que atraviesan las canciones del nuevo disco de la cantante noruega autora de ‘The Gods We Can Touch‘ (2022). En especial, su preocupación por la muerte marca el camino de manera inolvidable.
Lo hace desde el inicio. En la majestuosa ‘Echo of My Shadow’, AURORA encuentra la paz en su propia muerte: “Jóvenes montañas, viejos ríos, les dejaré que se transformen en mí”, canta. Y en la folk ‘Earthly Delights’ pinta la inmortalidad de condena, dibujando una escalofriante retrato de la mortalidad: “Cuando el tiempo al fin me consuma, rota e impía, deja que mi cuerpo vague, lejos de aquí”.
El discurso de AURORA es rico y su forma, poética. Su voz sigue siendo asombrosa. En lo musical, ‘What Happened to the Heart?’ no se desvía de ese sonido de pop épico y barroco que nos ha enamorado de AURORA. Es continuista -no demasiado evolucionado- aunque enriquecedor y grato de escuchar en el mejor de los casos. En el peor, el tracklist habría agradecido tijera sobre todo en la segunda mitad.
A AURORA le siguen plagando los katebushismos de siempre, aunque en ‘To Be Alright’ le sale una canción que compite por ser la mejor de su carrera. En ‘Your Blood’ deja entrar la luz para facturar un “stomper” folk-pop de los buenos y su mensaje “me niego a morir”, inspirado en la guerra de Gaza, no puede ser más relevante. Y en el saco de las baladas brilla el dream-pop folk de ‘The Conflict of the Mind’ porque si algo sabe AURORA es escribir una melodía que se te mete debajo de la piel.
Después ni recordar a Florence, o a Siouxsie, o evidentemente a Kate Bush o a Björk, salva a AURORA de meterse en un interminable valle compositivo, en una segunda mitad en la que los singles aptos para el público general escasean sobremanera. Ni el banjo sin alma de ‘A Soul with No King’, ni la narcotizada colaboración con Ane Brun en ‘My Name’, ni la familiaridad excesiva de ‘Do You Feel’, consiguen evitar el tedio. Y aunque el ritual de ‘Starvation’ se adapta al personaje, su mensaje “cuando la web caiga, ¿será nuestra vida mejor?” roza la anti-modernidad. Ella está preocupada porque “la IA está reemplazando el arte, el arte está siendo sustituido por ordenadores”. ¿Debe cundir el pánico?
Pero la gran sorpresa de ‘What Happened to the Heart?’ la pone una de sus pistas finales. ‘My Body is Not Mine’ es IDM adaptado a la sensibilidad de AURORA, una producción mecánica y bailable que se desahoga en un final catártico. No le pedimos a AURORA que haga un disco dance, pero la sensación de continuismo en ‘What Happened to the Heart?’ es demasiado evidente como para no subrayarla. Eso sí, cuando se pone existencialista, a reflexionar sobre la vida y la muerte, o cuando se pone a cantar como si literalmente se hubiera arrancado el corazón del pecho, no hay quien le tosa.
Charli xcx ha lanzado el esperado remix de ‘girl, so confusing’ con Lorde, titulado al más puro estilo Charli: ‘The girl, so confusing version with lorde’. En la nueva versión, ambas divas tienen una conversación entre ellas sobre su relación a lo largo de los años, y es más profunda de lo que todos esperábamos.
Desde la salida de la canción original, se ha especulado mucho con la idea de que esta estuviese dirigida a Lorde, y este remix es prácticamente una confirmación de ello. «Honestamente, me quedé sin palabras / Cuando me desperté con tu nota de voz / Me dijiste como te habías sentido / Vamos a solucionarlo en el remix», cuenta Lorde al iniciar su explosivo verso e imitando el estilo de Charli a la perfección.
Entre otras revelaciones, Lorde confiesa que ha estado «en guerra» con su cuerpo durante los últimos dos años y que ha estado «atrapada en el odio» a Charli. Sin embargo, también admite que «no pensé ni por un segundo que mi voz estaba en tu cabeza». El verso, tan tierno como cunty, termina con ambas cantantes dándose la mano: «Olvidé que detrás del icono todavía hay una niña pequeña de Essex».
También se rumorea con el próximo lanzamiento de una tercera versión de ‘BRAT’, solo de remixes, a partir de unos carteles en el minimalista estilo del disco en el que simplemente se lee «hay tres» sobre un fondo blanco.
Charli XCX’s ‘brat’ mural has been painted over with “there’s three” being the only remaining text. pic.twitter.com/LL6iK8ZpGU
Coldplay ha lanzado finalmente el primer single de ‘Moon Music’, la azucarada ‘feelslikeimfallinginlove’. El disco, que sucederá a ‘Music of the Spheres’, estará disponible el próximo 4 de octubre.
‘feelslikeimfallinginlove’ es otra colaboración con el gigante del pop Max Martin, que ya trabajó con la banda inglesa en su anterior álbum. Y así suena. Sin ningún elemento sorprendente, el último adelanto de Coldplay es una canción de pop rock con toques electrónicos sobre enamorarse, no como si fuera la primera vez, sino «quizás por primera vez». También siguen construyendo canciones pensadas para hacerse en directo, con esa parte final tan «sing along friendly».
Aunque la melodía es de las que no cuesta nada escuchar, en parte porque la hemos oído mil veces, lo peor de ‘feelslikeimfallinginlove’ es lo predecible que es. Por desgracia, escuchar la canción hasta el primer estribillo es como haberla escuchado entera. Teniendo en cuenta la presencia del productor sueco, es posible que el resto de temas de ‘Moon Music’ tomen el mismo camino que este, pero quién sabe. Quizás Coldplay sean capaz de sorprendernos de nuevo.
Recordamos que Coldplay continuará con su compromiso ecológico tanto con los vinilos como con los CD’s de ‘Moon Music’, que se fabricarán con material reciclado.
Karol G ha inaugurado el verano con ‘Si Antes Te Hubiera Conocido’, que tiene todas las papeletas para convertirse en una de las canciones de la temporada.
Producida por la propia Karol, Sky Rompiendo y Edgar Barrera, ganador de 21 Grammys Latinos y 1 Grammy, ‘Si Antes Te Hubiera Conocido’ pretende transportarte al Caribe con un nostálgico ritmo de merengue que sirve tanto para cantártela a gritos en el karaoke como para bailártela en el centro de la pista.
Sobre una amable melodía que suena a puro sol, la colombiana canta sobre un amor que nunca pudo ser: «¿Qué hubiera sido? / Si antes te hubiera conocido / Seguramente estarías bailando esta conmigo». La autora de ‘Mañana Será Bonito’ pone su toque característico en el giro sano de la letra. Aquí la Bichota no le desea lo peor a la novia de nadie, sino que admite que «me pone celosa» y que «es hermosa».
De hecho, después de enumerar todas las cosas en las que supera a la pareja de su deseado chico, cae en la cuenta de que no le importa compartir: «Con estas ganas que tengo yo / Me atrevo a comerme a los dos». Ante todo, buen rollo.
En el videoclip, naturalmente ambientado en la República Dominicana, Karol G hace de la típica camarera que le tienen que sacar a rastras a cantar, pero que en realidad tiene una voz angelical. Un clásico que nunca falla.
Con motivo de su próxima gira norteamericana, el ‘Short n’ Sweet Tour’, Sabrina Carpenter ha anunciado la colaboración con la que cualquier gran fan ha soñado alguna vez. De esta forma, aquellas personas que más escuchen a Carpenter en Spotify podrán recibir acceso exclusivo a las entradas de su próxima gira, entre otras cosas.
Esto es el primer paso para que todos los artistas empiecen a priorizar a sus mayores fans y darles ventajas de cara a los conciertos que se celebren. Spotify lanzará dos preventas exclusivas para los top listeners de algunos mercados seleccionados. Así, estos recibirán acceso exclusivo a los mejores asientos para cada fecha.
Recientemente, Sabrina también visitó BBC Radio 1 para realizar una versión desnuda de Chapell Roan y su ‘Good Luck, Babe!’. Carpenter mostró su preciosa voz al natural, que suena incluso mejor que en las versiones de estudio. Por supuesto, tampoco falló en cantar ‘Please Please Please’, que actualmente ocupa el número 1 en el Top 50 Global de Spotify y el número 2 en el Hot 100. Esta semana también lanzó la versión acústica, disponible en todas las plataformas.
Amaral han publicado al fin el primer adelanto de su próximo disco. Se trata de una canción que aboga por la libertad, un medio tiempo marcado por el uso de vientos metal. La propia nota de prensa defiende la influencia del reggae y el hip hop en su ritmo. Eso sí, no se pierde el sonido de los Amaral más clásicos en cuanto a melodía. ‘Rompehielos’ es nuestra Canción del Día hoy.
La letra habla de «vivir hasta la última consecuencia, amar sin límites y sin reglas». También hay un guiño feminista y quizá a la mal llamada generación de cristal: “Te dirán que estás chalada, que no llegarás a nada, que pareces enfadada y sonriendo estás más guapa”. Se construye así una de sus canciones con más vocación de himno, y sin la energía o los bpm’s de ‘Revolución’.
Oficialmente «Rompehielos propone despojarse del miedo a no ser aceptada frente a los juicios de los demás. Tallar la piedra y quitar todo lo que no aporta, abriendo camino».
En 2023, Amaral estrenó otro tema inédito en directo llamado ‘Ahí estás’. Se desconoce si este tema finalmente formará parte del próximo álbum de Eva y Juan. El último lanzamiento de Amaral ha sido un single en homenaje a ‘ZGZ‘.
El último álbum de Amaral, ‘Salto al color‘, data de 2019. Próximamente, Amaral actuará -entre otros festivales- en Río Babel compartiendo cartel junto a La Oreja.
Unos días después de estrenar su nuevo single ‘Nanai’, una de las canciones más experimentales de su carrera, Amaia anuncia nuevo show. Se llamará ‘si abro los ojos no es real’. Como avanza la nota de prensa se trata de su «próxima era: nuevo show, nuevo repertorio, ¡nuevo disco! El tercero de una trayectoria personal e intransferible».
De momento se han anunciado los primeros conciertos: uno el 23 de febrero de 2025 en el Wizink Center de Madrid, del cual JENESAISPOP será medio oficial, y otro en el Sant Jordi Club de Barcelona el 21 de febrero. La preventa de la gira para el concierto de Madrid estará disponible a partir del 25 de junio y la venta general a partir del 27 de junio en lasttour.org. Actualización: debido a la alta demanda, Amaia añade otro concierto en el Sant Jordi Club de Barcelona el 22 de febrero.
En cuanto a Barcelona, las entradas están a la venta en baila.fm a un precio de 30 € más gastos de distribución en la preventa de la artista a partir del 25 de junio a las 12:00 y en venta general a partir del 27 de junio a las 12:00
Con la teoría de que una “skin routine” va a funcionar mejor en Instagram que fomentar el pensamiento crítico a pelo, Rodrigo Cuevas se ha puesto una crema en un Reels mientras daba su opinión sobre la nueva visita de Milei a España. En ella, Ayuso condecorará.
Cuevas califica a ambos como “malas personas”: a él le llama «el mayor fascista que hay ahora, aunque van cambiando» y a ella la considera «una jefa de las malas personas». Cuevas anticipa que van a luchar entre sí “a ver quién rompe más barreras diciendo subnormalidades. Cosas gordísimas que no les caben por la garganta, cosas que ni ellos mismos se creen, cosas que si ellos llegaran a presenciar, se horrorizarían. (Y lo hacen) para enfadarnos, para que vayamos corriendo al Instagram y Twitter y les hagamos trending topic, porque viven de eso. Viven de ser trending topic, de enfadarnos, de enfrentarnos”.
El artista hace un “shade” aún mayor a Inés Arrimadas de Ciudadanos, refiriéndose a ella como “aquella señora que nadie va a recordar cómo se llamaba, y que está en la absoluta irrelevancia”, por aquella vez que “fue a Vic a hacer política sucia”. Fue en 2019. Pero lamenta que no se salió a la calle para protestar lo suficiente.
Anima a la gente: «¿No sería increíble que estos no fueran TT mañana? Sería ideal, y que en vez de eso nos politizáramos de verdad. Politizarse no es escribir algo en Twitter ni odiar el pescadero porque no se haya posicionado lo suficiente. Politizarse es lo que más odiaría esta gente. Que nos asociemos, que nos metiéramos en las asociaciones que defienden nuestros barrios de especulaciones, que acogen a personas racializadas, que acogen a personas en situación irregular, que nos organicemos en el día a día, que dediquemos parte de nuestro tiempo a organizaciones que luchen de verdad contra el fascismo”.
Rodrigo Cuevas publicó uno de los mejores discos de 2023, ‘Manual de romería‘. Ya entonces nos dejaba el titular durante una entrevista «Todo es política, incluso la diversión; el silencio también es político».
Hoy se publican nuevos discos de Kehlani, Gracie Abrams, Kate Nash, Peso Pluma, Ptazeta, Kygo, Linda Thompson, Alexxandra y King Krule (EP). De todos ellos podéis escuchar un pequeño fragmento en nuestra playlist de novedades Ready for the Weekend.
Por otro lado, hay nuevos singles de grandes artistas internacionales como Coldplay, Karol G, Camila Cabello o Kali Uchis. Charli XCX estrena remix con nada menos que Lorde, y por si no tenéis suficiente con eso, Mura Masa tiene pepinaco con yeule y TSHA con Rose Gray.
Recomendamos especialmente los temas de Ezra Collective, The Softies, Beach Bunny, Maeta, Lauren Watkins, Cold Cave y The Japanese House, entre otros. Yenesi nos aporta esta bonita portada.
En España es un día especialmente relevante porque llegan nuevos temas de Amaral, León Benavente, Russian Red, Mujeres con La Élite, nudozurdo con Alondra Bentley y Kora, caracazador, Aiko El Grupo y San Tosielo con Toldos Verdes, entre muchos otros.
Michael Fellow y Jonathan Hadden, que denunciaron a Madonna a principios de año por «incumplimiento de contrato, publicidad engañosa, tergiversación negligente y prácticas comerciales desleales y engañosas» tras llegar tarde a sus conciertos, han retirado la denuncia.
Según TMZ, han sido los propios denunciantes los que han echado atrás la demanda, por razones desconocidas. También se ha revelado que estos no llegaron a ningún tipo de acuerdo con la cantante, pese a que en una situación como esta es normal que ocurra esto. De media, la autora de ‘Music’ tardaba entre 45 y 120 minutos de más en salir al escenario, una constante desde su gira de 2012, ‘MDNA Tour’.
NxWorries nos regala el segundo capítulo de su discografía justo donde ‘Yes Lawd!’ (2016) lo dejó. Ocho años y muchísima música después, Anderson .Paak y Knxwledge se han vuelto a juntar para darnos… ¿más de lo mismo? Sí y no. Sí porque ‘Why Lawd?’ sigue los derroteros musicales de su predecesor sin apenas cambios: brillantes y dulces beats de neo soul y R&B, samples setenteros (en su mayoría) y loops que querrías hacer eternos. No porque, y solo hay que fijarse en el contraste de títulos, mientras que ‘Yes Lawd!’ era un disco de celebración, este es de arrepentimiento.
Tanto Knxwledge como .Paak han crecido y madurado, y se nota. Este último acababa de cumplir los 30 cuando salió el primer LP y ahora está cerca de los 40. Es más sabio. Esto se refleja en el gran enfoque temático del disco, que es la ruptura con su propia esposa, con la que llevaba casado 13 años. La inmensa mayoría de canciones al menos referencian la situación, si no tratan el tema directamente, así que aunque .Paak haya solicitado el divorcio el pasado enero, está claro que llevan separados un tiempo. Según TMZ, ni siquiera él conoce la fecha de separación, escribiendo un «TBD» (to be determined) en el documento legal.
NxWorries son los únicos que pueden construir un relato tan doloroso, plagado de sentimientos negativos, con un sonido tan buenrollero. El disco comienza con .Paak realmente enfadado en ‘Keep Her’, un corte que de no ser por la letra sería perfecto para crear bebés: «No te ves bien en ese Honda, puta / Deberías estar conmigo», canta claramente dolido. El integrante de Silk Sonic se va relajando según avanza el disco, pasando por la inseguridad y la duda de la magnífica ‘FromHere’ («¿A dónde voy ahora?») hasta terminar tomando responsabilidad y admitiendo su arrepentimiento en los últimos temas. «Es el tipo de dolor que los analgésicos no curan, voy a tener que cambiar», canta en la encantadora y breve ‘NVR.RMX’.
Ojo, que aunque .Paak esté jodido, no pierde el humor ni la ironía. Como en ‘HereIAm’, cuando cuenta que su propia madre le llamó «estúpido» cuando le dio la noticia («Eres un tonto por ir y arruinar una cosa buena»), o como en la ligerísima ‘SheUsed’, en la que un Anderson .Paak con el tono subido canta que «todo esto puede pasarle factura al corazón» solo para aclarar que «no hago esto por mi salud». Por cierto, con la outro más celestial del disco.
Todos los años que han pasado hasta este disco también se refleja en las propias canciones. En ‘Yes Lawd!’, muchos cortes se sentían como bocetos inacabados de algo mayor. En este segundo intento las canciones se sienten completas y robustas, con la excepción de los temas más cortos, que cumplen su propósito a la perfección y no necesitan nada más. ‘DistantSpace’, por ejemplo, es tan breve como preciosa.
Para cuando llega la pegadiza ‘WalkOnBy’, con una sorprendente aparición de Earl Sweatshirt, .Paak ya lo ha comprendido todo, y así lo refleja el tono de la canción, que pasa por superar la situación con su exmujer («Nah, no lloro / Es triste pero a veces pasan estas cosas») hasta abordar problemas más grandes («Cuando me preguntan que tal estoy me siento culpable / Negros muriendo, mientras yo me lo paso como nunca»).
Donald Sutherland, considerado una leyenda del cine por sus actuaciones en ‘MASH’, ‘La invasión de los ultracuerpos’ o ‘Los Juegos del hambre’, ha fallecido a los 88 años. Así lo ha anunciado su hijo Kiefer Sutherland, también actor, en redes.
«Con una gran tristeza, os cuento que mi padre, Donald Sutherland, ha fallecido. Personalmente pienso que es uno de los actores más importantes en la historia del cine. Nunca le ha intimidado un papel, ya sea bueno, malo o feo. Amaba lo que hacía y hacía lo que amaba, y nadie puede pedir más que eso. Una vida bien vivida», publicaba su hijo Kiefer esta tarde en Instagram.
Queen han llegado a un acuerdo con Sony Music y han vendido todo su catálogo por la inmensa cantidad de mil millones de dólares, convirtiéndose en la mayor adquisición de este tipo de todos los tiempos.
Según Variety, el trato incluye toda la producción musical de la banda inglesa, además del merchandising y otras «oportunidades de negocio». Lo único no incluido en el contrato será lo generado de futuras actuaciones en directo.
La cantidad del acuerdo supera a la del catálogo de Bruce Springsteen en 2021, que lo vendió por 500 millones de dólares también a Sony. La multinacional también tiene en su poder toda la música de Bob Dylan y pretende hacerse con la mitad de la discografía de Michael Jackson, valorada en 600 millones de dólares.
Solo unos días después del arresto de Justin Timberlake, Travis Scott es arrestado en Miami por «ebriedad y alteración del orden público» e «invasión de propiedad privada».
El artista de ‘UTOPIA’ fue llevado a comisaría alrededor de las 4:30 de la mañana. Según el Daily Mail, el rapero pagó una fianza de 650 dólares, de los cuales 500 son por colarse en una propiedad privada. Según el informe obtenido por Pitchfork, los agentes acudieron por un altercado en un yate en el puerto deportivo de Miami. Estos vieron al rapero gritar a gente del yate y aseguraron que pudieron notar «un gran olor a alcohol proveniente del aliento de Scott».
Al hablar con los implicados, los agentes procedieron a echar a Travis del yate, ya que no hubo deseo de presentar cargos. Sin embargo, mientras este se alejaba, «iba gritando obscenidades a los ocupantes del crucero». Cinco minutos después, Scott volvió a causar escándalo en el puerto. Fue trasladado al centro más cercano y admitió haber bebido alcohol, supuestamente exclamando: «Es Miami».
Kendrick Lamar se dio un baño de masas anoche en el Kia Forum de California, en el que presentó el show especial ‘The Pop Out: Ken & Friends’, anunciado con dos semanas de antelación. Lamar y los suyos -Dr. Dre, Tyler, Steve Lacy, Black Hippy y muchos más- celebraron su victoria en el beef contra Drake cantando ‘Not Like Us’ seis veces seguidas en la noche de Juneteenth, que conmemora la liberación de los esclavos afroamericanos.
El evento fue retransmitido por Twitch y Amazon Prime, pero ya no estaría disponible para su reproducción. La noche se sintió como una unificación de la costa oeste, con varios líderes de bandas callejeras en el escenario juntos por una única razón: su odio a Drake. «No sabéis lo que esto significa», dijo un emocionado Kendrick por la proeza de juntar a todas esas personas en el mismo escenario.
Antes del turno de Kendrick, Mustard, productor de ‘Not Like Us’, hizo una exhibición de los cientos de hits que tiene en su catálogo e invitó a una serie de pesos pesados al escenario. Entre estos, Tyler, the Creator y Steve Lacy, que cantaron sus imprescindibles ‘EARFQUAKE’ y ‘Bad Habit’, respectivamente.
Kendrick comenzó su set con ‘euphoria’, consiguiendo una reacción ensordecedora del público. Este, vestido con una sudadera y una gorra rojas como Tupac en 1994, también desplegó sus mayores éxitos, como son ‘DNA.’, ‘ELEMENT’, ‘Alright’ o ‘HUMBLE’. Con la excepción de ‘meet the grahams’, que hubiera sido demasiado, Lamar cantó todos los disses al canadiense.
Uno de los momentos más memorables se produjo con la salida de Dr. Dre, con el que cantó los clasicazos ‘Still D.R.E.’ y ‘California Love’, antes de que el mítico productor introdujese la primera ‘Not Like Us’: ‘Pssst, I see dead people’. Después, Lamar la cantó cinco veces más. Una con Dre, dos él solo, otra con Mustard y otras dos veces con todo el mundo en el escenario.
Fuel Fandango comunican su separación a través de sus redes. El dúo formado por Alejandro Acosta y Cristina Manjón, más conocida como «Nita», ha dejado discos de éxito como ‘Aurora‘, que fue número 2 en España, u ‘Origen‘, que incluso fue número 1. En 2022 también lanzaron un EP llamado ‘Romances‘.
Temas como ‘Toda la vida’ o ‘Salvaje’ suman streams como para sendos discos de oro, y también han triunfado sus colaboraciones con Juancho Marqués y Depedro. El dúo defendió el valor de la fusión de géneros por encima de las etiquetas desde sus inicios. «Vamos a dejarnos ya de etiquetas» fue el gran titular que nos dejaban en 2019 durante una interesante entrevista.
Este es el comunicado: «Fuel Fandango ha llegado a su fin, el proyecto se diluye y los dos, con muchísima ilusión y ganas, continuaremos nuestros caminos de forma independiente. Como podréis imaginar, ha sido una decisión muy difícil de tomar, ha sido un viaje increíble y fascinante que ha durado 15 años y que en nuestros corazones durará toda la vida. Es imposible enumerar las vivencias, los momentos y las personas tan maravillosas que hemos conocido durante todos estos años».
Continúan: «Sólo tenemos palabras de agradecimiento a toda la gente que nos ha acompañado en esta travesía: músicos, oficinas, promotores, equipo técnico y un sin fin de colaboradores y amigos que han estado siempre ahí. Pero sobre todo tenemos que daros las GRACIAS infinitas a vosotros, a nuestro público, que sois los que habéis hecho posible que hayamos vivido esta experiencia inolvidable, nos habéis regalado risas, lágrimas, bailes y en definitiva, mucha VIDA. Hemos aprendido mucho y ha sido una suerte caminar con vosotros de la mano en esta aventura, guardaremos todo vuestro cariño en nuestro corazón.¡Que siga la parranda! Os abrazamos fuerte».
Amaia ha estrenado ‘Nanai’, su nuevo single, anunciado por sorpresa durante la jornada inaugural de Primavera Sound, donde Romero actuó junto a Stella Maris.
‘Nanai’ está co-producida con Ralphie Choo, uno de los nombres de la vanguardia pop en España en este momento, y trae un sonido difícil de catalogar. El sonido club de ‘Take Care’ de Drake parece una referencia lo mismo que los ritmos de la samba y la bossa nova. Los «pa pa pa» de la melodía llevan a Astrud Gilberto; la producción, a las incursiones latinas de Jamie xx.
Un mejunje de estilos tan improbable que parece mentira la canción dure a penas dos minutos y medio, acabándose antes de que te des cuenta, ‘Nanai’ es en el fondo una canción de amor. En este caso, un amor imaginado, pues al final todo resulta ser un sueño.
Situada a medio camino entre la «realidad» y la fantasía, ‘Nanai’ es probablemente la canción más surrealista de Amaia. Aunque para surrealista su videoclip que, dirigido por Tomás Peña, sitúa a Romero en una serie de escenarios a cada cual más colorido y extraño.
Por cierto, en la escritura de ‘Nanai’ no solo han participado Amaia y Ralphie Choo, sino también Irene Garrido, es decir, Irenegarry; María Moreno Martínez, es decir, AMORE; Manuel Sánchez, co-autor de ‘La vida imposible’, tema de ‘Cuando no sé quién soy‘ (2022), y Javier Romero Arbizu, hermano de Amaia.
Mabel es una superestrella, especialmente en el Reino Unido. Una fama que se ha cimentado en el éxito estratosférico de ‘Don’t Call Me Up’ y álbumes como ‘High Expectations’ y ‘About Last Night…’ Su pop con R&B, por eso, amenaza con quedarse solo en el R&B, si hacemos caso a su nuevo single ‘Look at My Body pt II’, con featuring de Shygirl y que lanzó en mayo. Para hablar de este combativo single y la próxima nueva música de Mabel, quedamos en su hotel, el jueves 30 de mayo, cuando quedan pocas horas para el inicio del Primavera Sound.
Todo es de una profesionalidad impecable: Mabel llega puntual, nos sentamos y vamos directas al grano. Solo disponemos de 20 minutos, pero es que pillo a Mabel en plena vorágine, ya que hizo doblete en el festival. La noche anterior a la entrevista, el miércoles 29, tocó dentro del Primavera a la Ciutat en la sala Laut: “El sitio era pequeño. Íntimo. Fue bonito ver la cara de la gente. Me lo pasé muy bien. Había mucho amor en la sala”.
Y al día siguiente, el viernes 31, en un show eminentemente musical: “Tengo dos coristas y una banda increíble. Es mucho más musical que mis shows anteriores. No hay bailarines. Ahora mismo me estoy enfocando en la banda, en la parte musical de los shows, porque en mi nueva música va a haber muchas influencias de R&B, que quería llevar al directo. Así que hay mucha energía igual, pero creo que [los shows] van a ser más libres de lo que eran antes”.
¿Vas a sacar ya nuevo disco?
Estoy trabajando en ello. Aún no puedo hablar todavía de un disco como tal, pero hay mucha música de camino, ya preparada. Me lo tomo como un reto diario, pero estoy entusiasmada con poder ofrecer cosas a la gente de manera regular, porque ha pasado mucho tiempo, como dos años, desde la última vez que lancé algo de música propiamente dicha.
Precisamente, vi en tu Instagram que te habías tomado una larga pausa en tu carrera, justo cuando estabas en el punto más alto. ¿Sentías que necesitabas descansar?
Es gracioso que, cuando consigues las cosas con las que siempre has soñado, da igual cuántas veces te lo hayas imaginado, cuando es real puede ser abrumador. Cada día me encontraba con montones de grandes oportunidades, de grandes escenarios, de entornos con mucha presión para los cuales creo que no estaba mentalmente preparada. Pasé por ello. Lo hice lo mejor que pude. Pero sin duda necesitaba un poco de tiempo para relajarme y descubrir qué quería hacer a continuación. Porque creo que cuando hay tanta gente a tu alrededor, tantas voces, tu opinión se puede perder. Y necesitaba algo de silencio para escucharme a mí misma. Por supuesto, continué haciendo música durante este parón. Fue más bien: “durante una temporada no quiero salir a cosas, no quiero dar conciertos. Quiero concentrarme en hacer de nuevo música que me haga feliz”.
Acabas de decir que dos años es demasiado tiempo, pero es que yo soy de otra generación (risas). Y veo que ahora, las estrellas del pop, les artistas, nos tienen que dar novedades cada pocas semanas… Personalmente, ¿sientes esta presión?
¡Por supuesto! Llevo haciendo esto desde hace 10 años y, desde que empecé, las cosas han cambiado mucho. Antes era normal tomarte una pausa de dos años, incluso de tres. Ya sabes: haces un disco y tus fans están aún ahí esperándote. Ahora creo que hay sobresaturación. Hay muchísimos artistas, hay música nueva todo el rato. Tienes artistas de TikTok. Se supone que ahora debemos ser también influencers, básicamente. Y todo va más rápido. Soy todavía una artista a la que le gusta crear discos. Me gusta contar historias, me gusta descubrir cómo va a transcurrir la historia: ¿cuál es el hilo conductor? ¿Cuál es la secuencia de mis canciones? Pero indudablemente dejo que algo de presión se me meta en la cabeza. En plan: “oh, han pasado ya dos años y a nadie le va importar, porque hay tantos artistas nuevos”… Y me siento como que estoy empezando de nuevo. Pero para mí [la pausa] fue la mejor decisión que nunca he tomado.
«Cuando hay tanta gente a tu alrededor, tantas voces, tu opinión se puede perder. Y necesitaba algo de silencio para escucharme a mí misma»
¿Crees que esta presión es buena para los artistas jóvenes?
No. Creo que esa presión que se pone en los artistas jóvenes, en los músicos y jóvenes y bueno, en los músicos en general, es para seguir un algoritmo. Pero es que somos creativos, y al final del día necesitas hacer lo que te hace feliz, no seguir un algoritmo. Para para los artistas en general está bien poner límites y decir: “yo no trabajo así”. Tienes que funcionar de manera que te sientas cómoda. Hasta hace dos años yo era así: “buf, ahora tengo que hacer esto y esto otro”. Pero son cosas que ni te sirven ni te hacen feliz. Si no son el tipo de cosas que no toleras como artista, pues no las hagas. Por ejemplo, anoche quizás había 50 o 100 personas, fue un concierto muy, muy pequeño. Pero para mí toda esa gente era la gente a la que yo importo realmente, me sentía como en una sala de 7.000 personas, porque esas eran las personas que, después de dos años, aún vienen y quieren escuchar mi música. Y eso es lo que realmente importa.
El single ‘Look at My Body’ suena mucho a R&B clásico de finales de los 90, incluso a hip hop de aquella época. ¿Esa era la idea? ¿Era el sonido que querías conseguir?
Sí. Cuando empecé a hacer música, estaba muy influenciada por el R&B y el hip hop de los 90 y los dosmiles, era la música que estaba haciendo de manera más libre, antes de tener opiniones o ideas. Así que cuando volví a hacer música de nuevo, era una de las cosas a las que volví: a escuchar mi vieja música, a escuchar las playlist que escuchaba entonces y fue como: “quiero volver a esto, pero lo voy a refrescar para que se ajuste a quién soy ahora”. Pero también quería volver al espíritu de quién era yo cuando hacía esa música, tan libre. Y volver a esas voces. Creo que el R&B de los 90 y los dosmiles fueron los mejores para las capas de voz y las armonías, estaba muy obsesionada con eso. Quería que ‘Look at My Body’ tuviera eso, que prácticamente se pudiera rapear por encima. Puedes notar que hay algo de rabia y frustración simplemente escuchando la percusión. Así que pasé mucho tiempo concentrándome en la percusión y las voces de todos esos discos.
«El R&B de los 90 y los dosmiles fueron los mejores para las capas de voz y las armonías»
El tercer disco es el más complicado. Ya sabes, el de consolidación. ¿Te preocupa?
Pasé una época difícil haciendo mi segundo disco, porque sentía mucha presión. Después del primero, era en plan “esto está yendo hacia algún sitio” y me puse mucha presión encima, perdí la parte divertida. Pero ahora hacer música ha sido una experiencia divertida. He estado componiendo con mi hermano mayor, hemos hecho toda la música juntos y ha sido el proceso compositivo más fácil del que nunca he formado parte. Simplemente surgía de mí. Como si mi alma hubiera estado esperando tener el espacio para ser capaz de salir.
‘Don’t Call Me Up’ tiene más de mil millones de escuchas en Spotify. ¿Es el récord a batir o no estás obsesionada con las cifras?
Intento estar menos obsesionada con los números. Antes siempre los estaba mirando y ahora es como que son cosas que trato de apartar y ser feliz. Pero por supuesto, soy competitiva. Me encantaría tener una canción que fuera más grande que ‘Don’t Call Me Up’, pero nunca a expensas de hacer algo que no ame o que no soporte. Para mí es bastante más importante sacar canciones que signifiquen algo para mí, como ‘Look at My Body’, y si una de esas canciones despega, pues sería fantástico. Pero ya no voy a poner nunca más mi importancia y mi valía en eso, porque entonces siempre lo estás persiguiendo. Estoy trabajando en estar más positiva y tranquila sobre esto. Pero si sucede, sería muy feliz.
«Me encantaría tener una canción que fuera más grande que ‘Don’t Call Me Up’, pero nunca a expensas de hacer algo que no ame o que no soporte»
Fue un éxito gigantesco. ¿Te lo esperabas?
Fue algo totalmente diferente para mí porque, hasta ese momento, solo había hecho R&B y afroswing, que es R&B mezclado con influencias de afrobeat. Y esta era un tipo de canción muy diferente para mí, era más bien una canción pop. Estaba asustada por lo diferente que era. Pero no tenía ni idea de que iba a ir como fue. Viví el año más loco el año que salió. Cambió mi vida y nada volvió a ser igual. Estas experiencias son geniales, pero no son la parte más importante de lo que hago. Para mí, actuaciones como la de anoche, o la de mañana, esas son las razones por las que hago lo que hago: ver a la gente y conectar con ella. Es lo que amo hacer.
‘Look at My Body’ es una canción muy activista. Parece que condenas la mirada masculina tóxica sobre las mujeres, esa que nos ve como objetos y nos empequeñece. ¿Esa era la idea?
Sí. Llevo en esto diez años y siento que gran parte de mi carrera, mi importancia y mi valor, como mujer han sido puestos en mi apariencia física, cuando en realidad pienso que tengo muchas más cosas mejores que la manera en que voy vestida. Creo que soy una buena compositora. Creo que soy lista. Creo que soy divertida. Creo que soy atenta, ¿sabes? Pero, por alguna razón, esa es la cosa: si pierdo o gano peso; si llevo un top que me transparenta los pechos. Es siempre: “oh, se fue del concierto enseñando las tetas”. Solo estoy haciendo lo mío. Solo es un chaleco que me he puesto. Pero es que es siempre igual. Y me apetecía hablar sobre la frustración que me provoca eso. Y también traer mi poder de vuelta, porque la gente siempre va a hablar de eso. Los hombres siempre van a comentar y ver las cosas de una manera hipersexualizada, pero déjame hacerlo en mis términos, déjame reclamar mi poder y entonces, bueno, pues comenta. Sé lo que está pasando y me lo cuestiono, porque no es solo con las artistas y las personas que están en el centro de atención: es con las mujeres en general. Hay mucha obsesión, especialmente en las redes sociales. Veo a mis sobrinas pequeñas y a mis primas mirando estándares de belleza poco saludables, y presionándose a ellas mismas para ser de cierta manera. Y eso es algo de lo que quiero hablar. Y lleva siendo así desde hace siglos.
Básicamente lo que digo es que tú siempre vas a mirar. Pues mira, pero yo voy a hacer lo mío y ganando dinero. También es sarcástico: “esta soy yo. Siempre vais a mirar, siempre vais a hablar. Pero ahora lo vais a hacer bajo mis condiciones”.
Vale, es que ese último verso me descolocaba un poco: “You can keep watchin’ if you want to” (“puedes seguir mirando si quieres”).
Mírame, que no me va afectar. Incluso cuando empecé a hablar de la canción y enseñar algunas de las imágenes, al momento había hombres comentando, diciendo cosas horribles sobre mi cuerpo o llamándome puta. Ha sido un buen experimento sobre esto de lo que hablo: habéis venido aquí y estáis haciendo justo lo que dice la canción. Ojalá no fuera así, pero lo es.
¿Pensaste en Shygirl inmediatamente para la colaboración?
Sí. De hecho, la conocí aquí en Barcelona, en el Primavera Sound de 2022. Soy una gran fan, estuvimos viendo cada una el concierto de la otra. Nos conocimos, pasamos el rato juntas, y yo sabía que quería hacer alguna cosa con ella. Y cuando escribí ‘Look at My Body’, quería de verdad que a ella le llegara la canción como me llegaba a mí. Así que se la envíe y ella fue como “me encanta, hagámoslo”. Vino al estudio y compusimos juntas. Ella es una música muy especial. Soy muy fan y además es una intérprete fantástica. Vino y grabamos el vídeo también aquí en Barcelona.
¿Y cómo es que lo rodasteis aquí?
Porque hay un segmento específico en el vídeo, cuando soy una estatua… Básicamente, mi idea del vídeo, la del director creativo, era tirar siglos hacia atrás, al principio de los tiempos desde que el cuerpo de la mujer ha sido hipersexualizado. En uno de ellos soy una estatua, como una obra de arte, un bodegón. Hay una escena en que estoy en una habitación con hombres a mi alrededor mirándome mientras soy la modelo de un bodegón, y quería una luz muy concreta, una especie de mansión, pero tenía que ser antigua y de un tipo muy concreto. Vine aquí en febrero. La luz y todo era mejor aquí que en Reino Unido, aunque aún hacía frío, pero teníamos esas localizaciones estupendas, esa casa concreta… estoy tratando de recordar dónde era, pero era preciosa. Nunca había visto nada igual, pero es que encima además teníamos la mejor luz. Y el equipo de aquí fue increíble. Y la comida del set mucho mejor que la que vas a tener en Reino Unido (risas). Pasamos un rato genial, pero también fue mucho trabajo. Hubo como 27 atuendos distintos en dos días, el equipo trabajó sin descanso. Fue una locura, pero muy divertido.
Tu primer disco se llamaba ‘High Expectations’. No sé si era una broma sobre el hecho de que tus padres son Neneh Cherry y Cameron McVey. ¿Crees que precisamente por esta herencia, el público y la crítica podemos ser más exigentes contigo o es algo a lo que no le das importancia?
No. Cuando empecé a sacar música, era algo que tenía en la cabeza. Pero creo que cuando muestras que tienes tu propia voz, tu propio talento, que la música estaba a mi alrededor mientras crecía… fue algo que tenía que pasar. No creo que a nadie le regalen nada, te lo tienes que trabajar. Pero sí, sin duda forma parte de esto de las grandes expectativas. Tengo grandes expectativas sobre mí, como otra gente también las tiene sobre mí. Tengo grandes expectativas sobre mi futuro. A veces creo que he actuado bien y que lo he hecho bien en la vida. Pero a veces esas grandes expectativas pueden ser demasiado. Tengo grandes expectativas en mis relaciones, en la gente que me rodea, que se ajuste mucho a quién soy como persona. Siempre he sido así. Muy crítica.
Es el estreno de Olivia Rodrigo en Barcelona y ofrece un concierto divertido y bastante completo, bien repleto de intensidad, hitazos y con momentos rockeros que no desentonarían en un Rock Fest. Pero primero hay que llegar y entrar al Palau Sant Jordi: siempre se me olvida lo pesado que es. Escucho a Remi Wolf desde la cola, y eso que he salido de casa a una hora prudencial. Al parecer las puertas se han abierto tarde. Cuando entro, Remi está cantando ‘Valerie’. A ojo de buen cubero, diría que el 80% del público son chicas menores de 18 años, incluso de 15.Y todo ese fervor adolescente es palpable. Remi no parece asustada y se lo pasa bien por el escenario: corre, bota, agarra y persigue a su guitarrista, le echa entusiasmo… pero se acaba en nada.
El escenario es relativamente pequeño comparado con otros montajes de macroconciertos. Eso sí, no faltan las pasarelas para acercarse al público. Hay un griterío ensordecedor: acaban de aparecer proyectadas las letras de ‘Guts’ en el escenario. Suena ‘Girls and Boys’ de Blur. Más griterío: se acaban de caer las letras. Se apagan las velas, el griterío llega a lo máximo. Aún no son las 20.30 y ya vemos a Olivia en la pantalla, corriendo por los pasillos del camerino del Sant Jordi. Puntualísima. Y se materializa.
El arranque con ‘Bad Idea Right?’ no puede ser más demoledor. El estruendo es ensordecedor: hay que ver cómo devuelve toda la marea de gente cada “bad idea, right?” a Rodrigo, que emana toda su energía de mejor amiga del instituto, esa que es bastante payasa, en el buen sentido. La escenografía es bastante sencilla (aunque eso no va a ser todo el rato así): apenas tiene la banda, completamente femenina y muy rockera, la pantalla y el carisma de Rodrigo, que muchas veces grita más que canta. Aun así, se hace difícil de escuchar su voz por encima de toda la audiencia. Juro que en mi vida he escuchado a un público cantarse tanto y tan alto todas las canciones.
Olivia, como buena estrella de pop-rock esta década, se deja querer, corretea por las pasarelas para que las primeras filas la puedan mirar bien e interpela al público con frecuencia: “Quiero que gritéis, que bailéis”. Pero su intensidad no es solo a base de guitarrazos, sino de temazos. Porque pronto cae ‘Vampire’ y hay que ser muy cínico para que no se te pongan los pelos de punta viendo a todo el Palau cantándola y a Olivia ahí, quieta, agarrada al micro. Olivia deja que cantemos versos enteros en ‘Traitor’. Las bailarinas, que habían asomado tímidamente en ‘Vampires’ se materializan. Las proyecciones de sus sombras son preciosas. Un momento muy delicado entre tanto grito.
Pero para momento sublime ‘Drivers License’, con Olivia al piano, y las luces rojas y la gente cantando lo de “Red lights, stop signs”, y yo me emociono. Una maravilla. El arranque a lo The Cure de ‘Pretty Isn’t Pretty’ muestra las bailarinas con espejos; quizás el número más espectacular hasta el momento, pero en breve va a ser superado. Olivia baila, pero poco: ella es más de saltos y carreras que de coreografías.
Rodrigo presenta a la banda, que está bastante integrada en el show. En este segmento del concierto la cosa va subiendo en espectacularidad. El apogeo es cuando aparece una luna en cuarto creciente y estrellas. Y Olivia se sube a la luna, se eleva y nos saluda desde las alturas en ‘Logical’, mientras da toda la vuelta por la pista del Palau. Ahí arriba, nos pide gritar todo lo que podamos. Me quedo sorda. Sigue en la luna con ‘Enough for You’. Gritos de “¡Olivia! ¡Olivia!”. Los decibelios en el Palau deben superar el de varios aviones despegando, llegadas a este punto. Hay más baladones, como ‘Lazy’, uno de los pocos momentos donde la voz de Olivia se impone al público. Ella se tumba sobre una pasarela en forma de círculo, mientras la rodean las bailarinas y crea otro momento de gran belleza. No es solo tu amiga la payasa: también es la que sabe ser emotiva (y mucho) cuando toca.
Enseguida vuelve a la jarana y los baños de masas. Olivia nos hace cantar el ‘Cumpleaños feliz’ para una fan llamada Martina a la que, a tenor de las imágenes, está a punto de que le dé un síncope. Es el momento de hacer al público protagonista: enfoca a los fans en gradas, que se vuelven bastante locos. Se coge la guitarra y arranca un segmento más animado tras tanta intensidad con ‘So American’ y recupera el espíritu del principio. Sigue con el rollo de celebrar a los fans, recoger regalos de las primeras filas… Esto a mí, como señora mayor, me fastidia un poco, porque creo que rompe el ritmo del concierto, pero las fans realmente lo disfrutan. Además a continuación toca ‘Happier’, que es mi preferida de ‘Sour’, así que se lo perdono. Es un número bonito y sencillo, en el que Rodrigo aparece sentada sola con una de las guitarristas en un extremo delantero de la pasarela. Sigue ahí sentada para ‘Favorite Crime’. Hay mucha locura con el estribillo, creo que las voces del público suben varias octavas y decibelios, lo que parecía difícil. Pero el récord de cantar del público es en otra balada, ‘Deja vu’, donde vuelven a salir las bailarinas. Es impresionante ver a todo el Palau devolviendo los “deja vus”. Da igual cuánto grite Olivia: nosotras gritamos más.
¡Fuego! ¡Guitarras! ¡La banda toma el control! Un numerito de exhibición bastante jeviorro para abrir ‘Brutal’, mientras Olivia luce un corpiño rojo satén. Y la traca con ‘All American Bitch’, con rockerismos, carreras y griterío cuando el público reconoce el riff. Ni lunas, ni bailarinas: en este segmento más “bitch” ella es la protagonista de nuevo. Y el grito que pide (y devuelven) es lo más atronador que he oído nunca en un concierto.
Para pedir que vuelva Olivia, el público entona “lololos” a ritmo de ‘Seven Nation Army’, su canción favorita, tal como ha explicado en un momento del set. Rodrigo regresa con ‘Good 4 U’.También regresan las bailarinas para ‘Get Him Back!’. Olivia canta con megáfono, hay confeti y entusiasmo desatado hasta que se marcha y deja a la banda tocando. Ha sido un concierto bastante generoso de duración (100 minutos) y de entrega. Imagino que sería el primero de muchas de las niñas que abarrotan el Sant Jordi y no imagino un primer concierto más feliz y completo que este.
Hace unos años, nuestro compañero Raúl Guillén fue el primero en hablar en esta web de Alfie Templeman, por entonces con apenas 17 años y, aun así, varios EPs: ‘Like An Animal’, ‘Sunday Morning Cereal’, ‘Don’t Go Wasting My Time’ y el que estaba a punto de sacar, ‘Happiness in Liquid Form’. Ya había colaborado con gente de la talla de Kid Harpoon o Justin Hayward-Young de The Vaccines, quien repetiría dos años después en su debut largo ‘Mellow Moon’, que fue el que pude cubrir en su estupendo concierto del Mad Cool.
Ahora llega su segundo largo, donde de nuevo tenemos a Hayward-Young, y también a anteriores colaboradores como Cameron Gower Poole, Will Bloomfield, Charlie J. Perry. Son nuevos, en cambio, los nombres de John Scarbrow (habitual de Arlo Parks, a quien Alfie dice haber estado escuchando obsesivamente este tiempo), Oscar Scheller (relacionado con gente tan improbable aquí como Ashnikko o Brooke Candy) y, ojo, Dan Carey y hasta ¡Nile Rodgers! Quizás se diría, por esto, que ‘Radiosoul’ es un proyecto ambicioso.
Pero Alfie, que pese a llevar ochocientas canciones publicadas tiene 21 años, no plantea en este disco grandes cuestiones pedantes, sino que es bastante coherente con su etapa vital: “va sobre cumplir los 20, entrar en una nueva década y darte cuenta de cómo te has guiado a ti mismo hacia donde te encuentras ahora, aunque no te hayas dado cuenta”, contaba hace poco.
Sobre esto versan temas como ‘Beckham’ (para la que se ha inspirado en ‘Strawberry Fields Forever’), que narra su búsqueda de piso, o el estupendo cierre con ‘Run To Tomorrow’, que llega a recordar -salvando las distancias- a los Radiohead de ‘In Rainbows’ mientras se repite a sí mismo “this is the lowest you can feel, but it will pass and you will heal, don’t fall into the trap”, dentro de un mensaje positivista que recuerda al último disco de Girl In Red.
Pero, donde aquel flaqueaba un poco en la producción, ‘Radiosoul’ destaca ya desde el tema titular, que además es el que abre el disco, cercano a la psicodelia y con saxo incluido. Aquí, Alfie reflexiona sobre el enganche a los móviles y las redes, y cómo el empobrecimiento de la población puede ser algo que se retroalimente con esto: “hay mucha superficialidad, y todo es tan caro que la gente prefiere no salir con amigos, sino usar las redes sociales y quedarte mirando el móvil todo el día”.
Temas interesantes toca también en ‘Vultures’, que bajo su sonido happy oculta una crítica a la forma en que la industria usa y presiona a los “jóvenes talentos”. No sabemos si como declaración de intenciones, pero es la única canción producida enteramente por él. Y no se le da mal, la verdad.
Más sencillas son ‘This Is Just The Beginning’ (que escribió con 14 años), el R&B de ‘Switch’ (¿no os recuerda a ‘Good Days’ de SZA el inicio?) o ‘Just A Dance‘, donde, no obstante, se nota la mano de Nile Rodgers: es simplona pero también un caramelo súper pegadizo. Pero me resultan más interesantes acercamientos al funk como los de ‘Hello Lonely’ (sobre el día a día en la pandemia), ‘Drag’ (un cruce entre Friendly Fires y Chromeo) o, sobre todo, ‘Eyes Wide Shut’. Cita como inspiración para esta canción a Prince o Talking Heads, y quizás eso está todavía lejos, pero sí que me recuerda a uno de esos temas que a Jake Shears le salían tan bien en los Scissor Sisters.
Otro highlight del disco es ‘Submarine’, entre los Arctic más amables y Harry Styles, en la que canta sobre cómo iría a visitar a su novia (podéis borrar de vuestra mente este dato si os acabo de hacer mucho daño) en submarino, ya que ella es bióloga marina. ¿Random? Quizás, y bastante simbólico respecto a ‘Radiosoul’: Alfie Templeman no busca inventar nada, ni hacer historias bigger than life, sino acercarnos a su realidad. Y, quizás por eso, le ha quedado un disco tan bueno.
Puede que no sepas quién es la protagonista hoy de nuestra sección “Revelación o Timo”, pero igual sí que has visto estos meses alguna reacción o algún meme de una señora súper efusiva gritando “¡Jura! ¡Jura!”.
Shannis ya llevaba un tiempo subiendo en TikTok vídeos de humor en los que predominaban sus monólogos absurdo-intensos, pero fue por esa pequeña viralización por lo que ha empezado a darse a conocer. Influye también, claro, que Álvaro Mayo de Operación Triunfo 2023 fuese fan suyo y reprodujese sus frases dentro de la Academia, acercándola a un público mucho más allá de Sevilla y del nicho tuitero.
Shannis fue a algún que otro podcast, grabó uno de sus monólogos con La Zowi de estrella invitada, y también fue adoptada por Samantha Hudson, en su propio beso de Madonna y Britney: la autora de “¡baja de ahí!” le cede (o comparte) el cetro a la autora de “¡que me tienes con las patas colgando!”.
Pero os hablamos de ella porque estas semanas ha sacado su primer single: ‘Saca la botella’ no es exactamente una cover (el guiño viene por otro de sus vídeos, donde bailaba la original), sino una mamarrachada machacona que tiene versos como “mi culo es el anzuelo, la favorita de su abuelo”, “dame rush, el tanga roto, soy trash” y la joya de la corona: “me come el culo escuchando a la Niña Pastori mientras me grabo un story”. Ni un día sin poesía.
En el tema, producido por OkeyLoyys y Golub, Shannis se las apaña incluso para meter hyperpop y techno, siendo la locura de la parte final lo mejor con diferencia. Teniendo en cuenta que ha fichado por la misma agencia de Jedet, Ms Nina o la propia Zowi, imaginamos que no será ésta la última canción que escuchemos de ella. Desde la web hemos intentado ponernos en contacto con Shannis para saber sus próximos pasos a nivel musical, sus influencias, su boda con Álvaro Mayo, etc, pero no hemos conseguido tener respuestas. Habrá que buscarlas en ‘Saca la botella’.
Fabiana Palladino ha anunciado dos fechas en España en presentación de su magnífico disco de debut, homónimo. Lo presentará en Madrid y Barcelona el próximo otoño: el 19 de octubre actuará en Clamores y el 21 de octubre en Razzmatazz 3.
Las entradas estarán a la venta en DICE a partir del 21 de junio a las 10 horas a un precio de 19 euros más gastos de distribución.
Sobre ‘Fabiana Palladino’, decíamos hace unos meses: «El disco de Fabiana es, desde el principio hasta el final, un ejercicio de elegancia y virtuosismo musical de los que no sobran». En este disco «diseñado junto a Jai Paul, pero en el que Fabiana es productora principal, las canciones son sobresalientes y la producción absolutamente exquisita del primer segundo al último». Seguía la crítica: «El disco de Fabiana Palladino es a la vez nostálgico y actual: basándose fielmente en el sonido del pop de los años 80, en concreto el de Janet Jackson y Prince, Palladino le pasa un paño y lo hace sonar completamente nuevo y reluciente».
La asociación Periodistas Asociados de Música (PAM) ha anunciado la formación de su nueva junta directiva, que busca «defender el periodismo musical y dar visibilidad a los problemas del sector».
Manuel Pinazo, de Muzikalia, preside la junta, acompañado en la vicepresidencia por Sebas Alonso, de Jenesaispop. La asamblea de vocales está formada por Alex Gara de Radio 3, Asier Lozano de Dod Magazine, Elena Cabrera de Eldiario.es, Esther Al-Athamna de Spotify y TikTok, Joan S. Luna de MondoSonoro, Laura Pardo de RNE, María Ballesteros, periodista freelance, y Tomás Mayo de Altafonte.
La nueva junta directiva de la PAM se presenta con el objetivo de «fortalecer y revitalizar» la asociación y convertirla en un «organismo activo y de referencia dentro del sector musical». Entre las medidas acordadas «se promoverán relaciones institucionales, desarrollando vínculos estratégicos con otras instituciones y organizaciones en defensa de la profesión», y se trabajará en «mantener una comunicación fluida y constante con los asociad@s, siendo plataforma que divulgue sus trabajos y novedades relevantes».
Además, se «creará un foro de debate donde l@s soci@s puedan discutir dudas legales, laborales, sobre impagos y subvenciones, entre otros temas de interés».
En lo que concierne al Premio Ruido, será relanzado con «nuevas bases que fomenten la diversidad y la variedad de estilos musicales, asegurando que se refleje la riqueza del panorama musical actual».
En la lista de álbumes de España, Billie Eilish vuelve a subir al número 1 con ‘Hit Me Hard and Soft‘, y Saiko sube del 4 al 2 con ‘Sakura‘. Debido a estas dos subidas, y a que uno de los debuts de la semana se coloca en el número 3, ‘The Tortured Poets Department‘ de Taylor Swift baja del 1 a 4.
Esa entrada es la de Bon Jovi. ‘Forever’ entra en el número 3 de la lista de álbumes española, un puesto por debajo de su entrega anterior, ‘2020’, que entró en el 2. La última vez que un disco de Bon Jovi fue número 1 en España, fue en 2015 con el álbum ‘Burning Bridges’.
Aunque la noticia de la semana en lista la pone Charli XCX. ‘BRAT‘ entra en el número 5 de la tabla y da a Charli el mejor dato de su carrera en España. ‘Crash’ quedó en el puesto 12 en 2022, ‘Charli’ no pasó del 37 en 2019 y ‘Sucker’ se conformó con el puesto 59 en 2014. Es la tendencia en el resto de países, y también se confirma en España: ‘BRAT’ es el disco más exitoso de la carrera de Charli XCX. ‘BRAT’ es, además, el vinilo más vendido de la semana en España, por delante de Bon Jovi (2).
El 5 de ‘BRAT’ en España es una de las mejores posiciones del disco en Europa. A parte del top 2 en Reino Unido, donde habría sido top 1 de no haber sido por Swift, ‘BRAT’ ha entrado en el 8 de Alemania y en el 16 de Francia. En mejor posición ha quedado en Países Bajos (4), Bélgica (6) o Austria (7).
La tercera y última entrada en lista la protagoniza Paola & Chiara. Una nueva edición limitada de ‘Festival (Spanish Version)’ -la versión española de su disco de 2002- se coloca en el puesto 90 de la lista de Promusicae.
La subida más fuerte de la semana, finalmente, la firma Luis Fonsi con ‘ El viaje’, que asciende 23 puestos, del 52 al 29.
