Estos días se ha anunciado que Spotify dejará de pagar royalties por las canciones con menos de 1.000 reproducciones anuales a principios de 2024. Con esta decisión, Spotify pretende evitar que una parte de los royalties se dirija a las reproducciones artificiales, o a las pistas de ruido blanco, y así evitar la pérdida de estas regalías y redistribuirlas entre los artistas.
En un comunicado, Spotify ha explicado que «aunque cada uno de estos problemas solo afecta a un pequeño porcentaje del total de reproducciones, abordarlos ahora significa que podemos generar aproximadamente mil millones adicionales en ingresos para artistas emergentes y profesionales durante los próximos cinco años».
En el otro extremo, Taylor Swift, la artista más escuchada de 2023 en Spotify, ingresará 100 millones de dólares gracias a sus elevados streamings en la plataforma. Se calcula que para finales de 2023, de hecho, habrá superado esa cifra, informa Billboard.
La plataforma estadounidense da datos exactos: Taylor ha generado 26 mil millones de reproducciones en Spotify en 2023, lo cual, en cifras, se traduce en unos 97 millones de dólares. Cuando pase diciembre, Swift habrá llegado a los 101 millones, los cuales aumentan a 130 millones sumando el dinero generado con los acuerdos publicitarios entre Swift y Spotify.
Como decimos, Swift ha sido la artista top 1 de 2023 en Spotify, seguida por Bad Bunny, The Weeknd, Drake y Peso Pluma. En España, Bad Bunny y Quevedo han sido los artistas más escuchados.
The Weeknd ha donado 2,5 millones de dólares en comida a Gaza a través de su fundación humanitaria, XO Humanitarian Fund. La donación equivale a 820 toneladas de paquetes de alimentos que se espera puedan alimentar durante dos semanas a más de 173.000 palestinos que están afrontando escasez de alimentos y hambruna debido al conflicto entre Israel y Hamás. El Programa Mundial de Alimentos de las Naciones Unidas (PMA) ha anunciado la noticia en las últimas horas.
Numerosos artistas han pedido un alto el fuego desde el estallido del conflicto el pasado 7 de octubre. En una carta dirigida a Joe Biden, músicos como Dua Lipa, Caroline Polachek o Michael Stipe han exigido el fin del conflicto. Kali Uchis, Lucy Dacus, Zack de la Rocha, Pulp o Brian Eno han firmado otra carta publicada en los últimos días.
Después de una tregua que ha durado unos días, Israel ha retomado su bombardeo a Gaza. Acorde con la información publicada en Time, se estima que alrededor de 1.400 israelís y 7.000 palestinos han muerto durante el enfrentamiento entre Israel y Hamás.
The South Hill Experiment es el dúo de Los Ángeles formado por los hermanos Baird y Gabriel Acheson. Por separado, tanto Baird como Gabe han desarrollado sus respectivas carreras en solitario, sumando cinco discos publicados entre los dos. En todos los casos, han terminado colaborando el uno con el otro, tanto en sus proyectos propios como en los ajenos. Por ejemplo, han dejado su impronta en dos discos de BROCKHAMPTON.
En su proyecto conjunto exploran las intersecciones entre el hip-hop, el folk y el rock psicodélico. Su debut ‘MOONSHOTS’ vio la luz el pasado mes de mayo. Y, este viernes, ha llegado al mercado su segundo trabajo, ‘SUNSTRIKES’, un disco grabado en plena ola de calor, que suena a eso mismo.
El disco se ha presentado con tres sencillos. ‘Parker Solar Probe’ ha cabalgado un sonido entre el psych-rock y los ritmos de la música disco. Más guitarrero ha sido el estilo de ‘Snake at the Altar’, próximo a Unknown Mortal Orchestra. La mezcla de guitarras y hip-hop ha guiado el último single, ‘O SOFIA’.
El «focus track» actual es ‘Alright, OK’. En este tema, The South Hill Experiment se entregan a su faceta folk, tanto que no pueden evitar sonar a grupos como Fleet Foxes o Vetiver. Es la Canción Del Día de hoy.
Sin renunciar a la psicodelia, ‘Alright, OK’ nos dice que «algunas cosas es mejor no saberlas». Irónicamente, esta frase, repetida sin parar en la canción, se queda completamente grabada en la memoria. En ‘Alright, OK’, The South Hill Experiment entregan una melodía tan infecciosa como la de cualquier hit de pop, solo que la envuelven en sonoridades más cercanas al folk pastoral, y también a los Beach Boys. Cuando cantan «no te preocupes, todo está bien», la propia música te hace flotar, ajena a los problemas.
Concha Velasco ha fallecido este sábado 2 de diciembre, pocos días después de cumplir 84 años, en el Hospital Puerta de Hierro de Majadahonda (Madrid). Sus hijos, Manuel y Paco Martínez, han comunicado la noticia: “Lamentamos informar de que nuestra madre, Concha Velasco, ha fallecido hoy sábado 2 a las 02:00 en el Hospital Puerta de Hierro de Majadahonda, habiendo recibido los Santos Sacramentos, a consecuencia de una complicación en su enfermedad”, cita el comunicado recogido por EFE.
La actriz y presentadora nativa de Valladolid, que se retiró de la vida pública en 2021, llevaba tiempo ingresada en una residencia de ancianos, afectada por un delicado estado de salud.
Una de las grandes figuras de la cultura española, Concha Velasco destacó en el mundo del cine, el teatro y la televisión. Especialmente recordados son sus papeles en ‘La chica de la Cruz Roja’ (1954) o ‘Teresa de Jesús’ (1984), aunque fue en el teatro donde verdaderamente brilló en su faceta de intérprete, en montajes como ‘Mamá, quiero ser artista’ (1986). En 2019, Concha Velasco protagonizó la escenificación de su propio funeral.
Aunque Velasco nunca desarrolló una carrera plena en la música, pues ella ni siquiera se consideraba cantante, su canción ‘La chica ye-yé’ se convirtió en uno de los grandes clásicos del pop español de los años 60. Completamente indisociable de su figura, ‘La chica ye-yé’ era una canción compuesta por Antonio Guijarro Campoy y Augusto Algueró que la joven Conchita Velasco interpretó por primera vez en una escena de la película ‘Historias de la televisión’ (1965), llevándola a la fama. El cantante argentino Luis Aguilé la grabó primero y, de hecho, iba a cantarla en la película originalmente, pero finalmente fue Velasco quien con ella marcó época.
En televisión, Velasco apareció notablemente en ‘Motivos personales’ o ‘Herederos’ y presentó diversos programas, siendo su incursión en ‘Cine de barrio‘ uno de las más recordadas. Alaska le cogió el testigo en 2020.
‘Élite’ nunca ha sido una serie que destacara por su profundidad. Pero nadie la pedía mientras la serie se moviese por esa mezcla de giros que enganchaban, pijos pijeando y traicionándose, frases lapidarias, tramas absurdas y, por qué no decirlo, a veces un tono casi de porno softcore. Por supuesto, iba a tener sus amantes y también sus detractores, pero también un tercer grupo que entendía su propuesta, le gustase o no, y le parecía honesta.
Los de ese tercer grupo empezamos a arquear la ceja con con el pinkwashing que hacía Netflix poniendo a los personajes gays de la serie como “ejemplo de orgullo”, sus tramas como “reivindicaciones LGBT” y a ‘Élite’ como “valiente y comprometida”. Supongo que nos sorprendió menos que al resto cuando, unas temporadas más tarde, se decidió que ‘Élite’ era el lugar adecuado para hablar de abusos sexuales, salud mental, racismo y hasta desahucios. Nos sorprendió menos, pero nos chirrió lo mismo, claro.
Y es que hace ya tiempo que la serie dejó de ser la bomba de entretenimiento que era, para quedarse a medias en algo que nadie le había pedido que fuera y que, desde luego, no sabe ser. Por no saber, no sabe ya ni tener villanos. Poner a una niñata con rasgos de sociopatía a preocuparse por la apropiación cultural tendría su gracia si fuese una forma de tirar dardos a la hipocresía con esos temas, algo que hace muy bien ‘The White Lotus‘, pero no es el caso. Es, más bien, una representación involuntaria de aquel meme surgido de ‘Community’ (“I can excuse X, but I draw the line at Y”). En ‘Élite’ (y en Netflix en general) puedes ser una persona horrible, pero, ante todo, tienes que estar muy deconstruida.
En esta séptima (y al parecer penúltima) temporada, les ha dado por la salud mental y el suicidio como temas con los que “concienciar”. Comillas enormes, claro, porque lo que se hace más bien es frivolizar con la depresión y el suicidio, e incluso jugar con la intriga de “¿quién se suicidará?”, volviendo al whodunnit que ya estaba trillado en su primera temporada (‘Cómo defender a un asesino’ gozaba de gran éxito entonces, y a su vez había simplificado el revival de ‘Damages’). Ética del asunto aparte, la cosa es que ni siquiera sabe mantener la intriga. Esto es, en parte, por unos personajes que se han ido reseteando cada dos temporadas aproximadamente, y que cada vez son menos interesantes.
Hay excepciones, porque, como en el caso de Maribel Verdú y de su hija Mirela Balic, parece que algunos actores sí recuerdan qué era ‘Élite’. Luego están los que podrían funcionar mejor, pero hacen lo que pueden con el cuadro que les toca defender: se me escapa cómo se puede desaprovechar a Carmen Arrufat con ese personaje, o no entregarse al petardeo que sentaría genial a los interpretados por Gleb Abrosimov, Fernando Líndez o ¡Anitta!
Es como si ‘Élite’ sintiese vergüenza de ser un guilty pleasure y quisiese “compensar” con esa seriedad impostada que te saca constantemente de la historia. Nunca ha aprovechado del todo su potencial, pero en las últimas temporadas dan ganas de decirle a la pantalla “déjalo, ya está muerto”. No es el mamarracheo divertido que podría ser, no es una buena ficción de denuncia social y, pese a las críticas que se le hacen al respecto, difícilmente es capaz de despertar excitación. Más bien, aburrimiento. Podrían haber aprendido de ‘True Blood’, pero quizás es demasiado tarde.
Esta semana el voto nacional se ha revolucionado, en favor de proyectos como Espineli, Marina Herlop o Júlia Colom. Si bien el voto tuitero se decantó por ‘Houdini’ de Dua Lipa una vez más, y en concreto con el 56% de los votos, es buena ocasión para que los que no conozcáis aún temas como ‘Rocky Balboa’, ‘La Alhambra’ o la maravillosa ‘Jo t’estim’ les deis una oportunidad. La playlist con el top 40 acaba de superar los 1.500 suscriptores. ¡Gracias!
Esta revolución nacional supone la eliminación de varios clásicos de la lista de Lana del Rey, Mitski, Sufjan o Troye Sivan. Si a alguien le sirve el dato, Drake ha recibido el 0% de los votos. Sí entran Sen Senra, Triángulo de Amor Bizarro, Tulsa, Björk con Rosalía, Brava, Dellafuente con Morad y Christina Rosenvinge, dando lugar a una de mis playlists favoritas desde que la playlist con lo más votado por vosotrxs existe.
Iñigo Quintero sigue su carrera después del viral de ‘Si no estás‘. El tema, editado por Acqustic, suma más de 300 millones de reproducciones en Spotify, ha sido número 1 global en esta plataforma y, en listas oficiales, ha alcanzado el número 1 de singles en España, Alemania y Francia, entre otros países.
Mientras ‘Si no estás’ sigue merodeando alrededor de las 10 canciones más exitosas en el mundo, Quintero publica nuevo single, el primer después del viral. Precisamente, ‘Lo que queda de mí’ reflexiona acerca de este inesperado éxito.
Acompañado, por supuesto, de su piano, Quintero canta que «todo esto me ha cambiado», que «todo va muy rápido» y que «no encuentro el momento de parar». Su voz ronca le sigue haciendo parecer el James Arthur español, pero, esta vez, ‘Lo que queda de mí’ se atreve a incorporar un cambio de ritmo en su segunda mitad que remite al folk-pop de Lumineers o Mumford & Sons.
‘Lo que queda de mí’ deja una noticia buena y otra mala. La buena es que Iñigo Quintero entrega, en ella, una melodía algo más inspirada que la de sus singles anteriores. La mala es que la producción se sobrecarga en el tramo final, añadiendo trucos y efectos innecesarios.
‘Lo que queda de mí’ llega justo el día antes del cumpleaños de Iñigo Quintero, este 2 de diciembre. Mientras, el cantante gallego sigue sin conceder entrevistas a ningún medio.
Lana Del Rey sigue publicando nueva música meses después del lanzamiento de su último disco, ‘Did you know that there’s a tunnel under Ocesn Blvd’, evidentemente, uno de los mejores discos de 2023, incluido en el Anuario 2023 de JENESAISPOP.
Después de lanzar el viral ‘Say Yes to Heaven’, de colaborar en varios temas del disco de su padre, y de aparecer en ‘Suburban House’ de Holly Macve y en ‘Alma Mater‘ de Bleachers, Lana Del Rey edita nuevo single, en este caso, un cover de ‘Take Me Home, Country Road’ de John Denver.
Acompañada de un piano, bajo la producción de Zach Dawes, Lana canta ‘Take Me Home, Country Road’ con gran sentimiento, antes de que se le una un coro. La canción es un homenaje a West Virginia, donde Lana ha actuado este otoño. La versión original de John Denver llegó al segundo puesto del Billboard Hot 100 en 1971, y es una de sus canciones insignia.
‘Take Me Home, Country Road’ no es la única canción que Lana ha versionado recientemente. Desde Graceland, Del Rey ha interpretado ‘Unchained Melody’, la famosísima composición de los Righteous Brothers, en el especial navideño dedicado a Elvis.
Amatria viene un tiempo hablando de la crisis que ha sufrido durante los últimos tiempos. Al encierro que todos queremos olvidar se unieron la angustia propia de la treintena y ciertas inseguridades personales. El nuevo disco del artista manchego, también dueño de Vanana Records, no es un retrato de ese dolor, pues otra de las cosas que sufrió en aquel lapso fue sequía creativa. Con lo que sí ha construido 12 nuevas composiciones es con las ganas de resurgir «de las cenizas».
‘Sol y sombra’, por ejemplo, parte de la zozobra: “cuando me miro en el espejo, me desarmo en el reflejo, de la imagen abatida del que lucha día a día por no quemarse dentro”. Pero se recompone con la ayuda de Paula Serrano, en representación de esa persona que nos vale de apoyo: «tú mi luz, yo tu sombra, y a volver a empezar», repite alegremente.
El single ‘Llámame loco’, de cierto aire flamenco gracias a un arreglo de Ariel Acevedo, cuenta: «Dicen que tengo la negra, que vida completa no puedo llevar». Ante lo que protesta: «Yo digo que no, a mí no me van a parar». ‘Llámame loco’ y el single previo ‘Techno manchego’ aka «Asiejque», un paseo por Ciudad Real con menciones al Parque de Gasset o a la Plaza del Pilar, son las dos grabaciones que buscan el carisma de su viejo hit ‘Chinches’.
Ambas cuentan con un título icónico, el primero muy Kiko Veneno, el segundo más Joe Crepúsculo, y con un componente verbenero muy marcado. ‘De las cenizas’ se revela como un nuevo disco ecléctico de Amatria, como ha sido siempre prácticamente desde sus inicios, y muy especialmente desde ‘Algarabía’ (2017).
Aquí encontramos de un lado ritmos latinos, y así ‘La nube’ y ‘Busco’ oscilan entre la rumbita, la cumbia, la salsa y el reggaeton, inspiradas por Héctor Lavoe y Willie Colón; y de otro, los techno-houseros. En ese grupo podemos hablar de la también un tanto electro ‘Donde me lleva’ y hasta de pistas que se pueden voguear, como ‘De las cenizas’, con efectos saturados y un tanto Nintendo, que salieron de una sesión con el co-productor Pau Paredes.
Las ideas convergen hasta el punto de que ‘La tierra del lince’ parece una de las canciones más tradicionales… hasta que emerge el rap de Boye, a quien conoció a través de Instagram, prueba de que Amatria esta vez se ha dejado ayudar por otros. El disco termina en plan íntimo, con una especie de copla dedicada a su último hijo (‘Nana para Jon’). «Amatria es un proyecto que parece poco personal, pero sí lo es», defendía estos días en Mondosonoro. Nos quedamos con las ganas de intuir a un artista más desgarrado y por tanto diferente, pero lo que sí nos da es un nuevo disco tan atrevido y libre que se abre con una versión tipo Giorgio Moroder de ‘Miserere’ de Gregorio Allegri: sus influencias abarcan del siglo XVII al siglo XXI.
Papa Topo vuelve después de su sublime cameo en ‘la Mesías‘. ‘Tormenta de verano’, su nuevo disco, verá la luz en 2024, confirma Elefant Records. El primer adelanto, ‘Dime mentiras’, es una de las novedades que puedes escuchar hoy en la playlist «Ready for the Weekend».
‘Dime mentiras’ es una de las producciones de Papa Topo que de manera más decidida se dejan influir por los sonidos de hoy. El pop melódico clásico que tanto ha marcado el camino de los de Adrià Arbona Oreno sigue ahí. Sin embargo, ahora unos arpegios muy PC Music irrumpen. Es como si Papa Topo hubiera asumido que también SOPHIE cabe dentro de su universo.
A partir de esta paleta de sonidos, Papa Topo entrega una canción nuevamente sentida y emocionante que reflexiona sobre la «soledad en el mundo contemporáneo». Y lo hace con total sinceridad, pero también con mucho humor (in)voluntario. Porque tan patético es su retrato de la soledad, en una vida sin amigos, «triste y aburrida» entregada «al vicio», como llamativas algunas de sus rimas.
Describiendo la tristeza de su día a día, Adrià se recuerda a sí mismo «llorando y tomando gazpacho, trotando encima de algún macho» o «en un motel a cuatro patas, oyendo el ruido de las ratas». Huyendo del sinsabor de la vida, Papa Topo se refugia en la «fantasía» de la música, la que también sus compañeros de banda Óscar Huerta Plaza, Julia Fandos Berenguer y Sonia Montoya Barberà, crean en torno a otra de sus grandes melodías.
Profundizando en ‘Dime mentiras’, Papa Topo explica: «La canción expresa el hastío y la tristeza de sentirse aislado entre la multitud y la necesidad de evasión, de mentirse a uno mismo, de fantasear con unos vínculos afectivos profundos. Es a lo que nos conduce el sistema capitalista, a la obsesión por acumular amantes, por acumular objetos, por acumular bienes. Y es que en la industria musical también se vive una fuerte presión por los números: inmersos en una vorágine inagotable de lanzamientos de singles y discos, los grupos viven ansiosos por generar publicaciones virales que supongan millones de streams. A veces parece más importante mantenerse en el candelero que reflexionar sobre la música que uno desea crear».
Uve Sad es otro de esos artistas que han cambiado el trap por las guitarras. De ‘Besos frente a una botella’, que supera los 2 millones de reproducciones solo en Spotify, o su mayor éxito, un remix de ‘Mi culpa’ que se aproxima a los 5 millones, el artista de Barcelona que se diera a conocer en 2018 con el primero de muchísimos singles, se ha dejado empapar por el emo, el sonido Green Day y Good Charlotte, y por la influencia del pop-punk en general. Incluso su propia imagen hace pensar en un YungBlud patrio, sobre todo, en el videoclip de ‘Maldita ansiedad’. Aunque no es el tema que nos ocupa hoy.
Aún el trap -y los visuales animados- ha definido este 2023 la propuesta de Victor Muñoz Olleta en ‘Geox’. El punto de inflexión parece la balada emo ‘Si tú te vas’, donde un alud de guitarras que ni Evanescence se impone. Aunque sube los bpm, ‘Hijo de la oscuridad’ aún hace honor a su nombre.
Y desde hoy es posible escuchar ‘Divas’, el nuevo single de Uve Sad. ‘Divas’ va a la yugular asumiendo un sonido enérgico muy propio de Blink-182 o El Canto del Loco, mientras la letra se debate entre el «name-dropping» pop y la desolación total.
«Ella se llama Stacy, su amiga tiene un Bentley, le hago el amor, dice que quiere tener babies», canta Uve Sad en este tema que sale por la vía de OneRPM, refiriéndose a una de las «divas» que atormentan su vida. A continuación, Victor nos informa de que a ella le gusta «Call Me Maybe», que viste «Dior o Fendi», y que su cuerpo «es skiny» (sic). Él, mientras, advierte de que su amor es «suicida» y de que lleva «un mes sin dormir». La ansiedad, de nuevo, acecha.
Pero Uve Sad sabe qué tiene que hacer: «Si no ves lo que soy, cierra y déjame solo, que así ya estaré mejor». Como cantaba Aitana War, pa fuera lo malo. Estas divas sí tenían razón.
El último mes de 2023 empieza con el lanzamiento del nuevo disco de Peter Gabriel, el primero en más de 20 años. Además, Mika y VVV [Trippin’ You] publican nuevo disco. DELLAFUENTE y Morad, por su parte, entregan epé conjunto, incluyendo su reciente éxito ‘Manos rotas’.
Hoy 1 de diciembre también salen discos de The South Hill Experiment, BRONQUIO con 41V1L, Tiga (producido por Hudson Mohawke) o We Owe. El segundo epé de BB trickz está disponible desde hace unos días.
En materia de singles, Beyoncé celebra el estreno de la película de la gira de ‘Renaissance’ con el lanzamiento de un tema nuevo, ‘MY HOUSE’. Belén Aguilera publica ‘Mr Hyde’. Por otro lado, hay nuevos singles de Empress Of, la revelación Kenya Grace, Delaporte, Lana Del Rey, Pignoise con La La Love You, Flo Milli, Jimena Amarillo… e Iñigo Quintero lanza su primer single tras el éxito de ‘Si no estás’.
Además, descubre en la playlist nuevas propuestas como las de Rorro, Declan McKenna, toorai, Chelsea Wolf, Fresquito y Mango, Kaytranada, Soto Asa, Sjowgren, Delgao con Mushkaa y KICKBOMBO, Tyla, Albany, Radiotrónica, Nena Daconte…
Una entrevista por Zoom no suele propiciar demasiados momentos emocionantes, pero no puedo contener un temblor de excitación cuando, segundos antes de empezar, Trevor Horn me pide que hable, y ajusta sus altavoces. Hacer una prueba de sonido para el legendario productor y músico no entraba entre mis planes de esta tarde, y precede a una conversación amenísima para la que Horn nos habló desde Londres con motivo de su nuevo disco de colaboraciones, ‘Echoes – Ancient And Modern’, que se publica hoy.
Hablar con Trevor Horn supone estar ante un pedazo esencial de historia de la música: además de líder de los Buggles (‘Video Killed The Radio Star’), se le considera uno de los arquitectos de eso tan reivindicado últimamente que es el sonido del pop de los 80 por su labor como productor de artistas como Frankie Goes To Hollywood, Grace Jones, ABC, t.A.T.u. o Seal.
Hola desde España, Trevor.
¿España? Hace tiempo que no voy.
¿Has estado tocando aquí antes?
Creo que toqué allí con Seal en verano alguna vez. Recuerdo estar de gira, y ver la playa. Creo que tocamos en algún sitio, no recuerdo si en España o en Portugal.
Felicidades por ‘Echoes’, que me ha gustado mucho y sorprendido por la selección de canciones, los vocalistas invitados y su sonido en general. ¿Cuál fue tu motivación principal para grabarlo?
La idea, inicialmente, era hacer una especie de álbum acústico, un álbum sencillo. Y empezó así, pero luego me aburrí un poco. Así que pensé que sería mejor considerar esas canciones como maquetas y encontrar una forma diferente de hacerlas. Elegí canciones cuyas letras me gustaban mucho o con las que podía identificarme.
Me gusta el hecho de que no seas demasiado respetuoso con las canciones digamos “icónicas”, y creo que esa es una de las grandes ideas del disco. No las consideras algo intocable, y cambian mucho. ¿Lo ves así? ¿Disfrutas rompiendo moldes?
Sí, yo creo que cuando tienes una buena canción siempre hay un par de maneras diferentes de hacerla, ¿sabes? Pero a veces fue más difícil que otras. Me costó encontrar una manera de cambiar la armonía en ‘Drive’. Esa fue una de las más difíciles, porque para alejarla de la original quería hacer una versión más triste. Me costó un poco resolverlo. También traté de invertir las cosas: si la cantaba una mujer originalmente, intentaba que la cantara un hombre. Aunque no en todos los casos.
Es una gran idea… Y por ejemplo en ‘Love is a Battlefield’ de Marc Almond funciona increíblemente.
Sí, Marc le da una nueva dimensión a esa canción. Le da una sensación de drama y resignación que la original no tiene. Porque, por supuesto, cuando salió la original todos eran jóvenes y felices (sonríe).
Es verdad, el arreglo tiene melancolía. ¿Fue idea tuya seleccionar esa canción para Marc, por ejemplo?
Sí, quería hacer la canción porque era una de mis favoritas de los 80, pero no sabía cómo hacerla. Y entonces a mi hijo [Aaron Horn] se le ocurrió un tema para uno de sus discos, y yo al oírlo empecé a cantar ‘Love is a Battlefield’ por encima. Tuve que cambiarla un poco, pero utilicé todas sus ideas de acordes y demás para esto. Originalmente yo la había hecho casi como un tema de rock acústico, pero sonaba como algo que oirías en un “unplugged”, y eso no me gustaba. Así que estaba buscando una manera diferente de hacerlo, así es como surgió.Y cuando la tuvimos, fue como, ¿a quién podemos conseguir para que la cante? Lo pensamos durante un tiempo, y pensé que Marc le daría ese tipo de tensión sexual y, ya sabes, resignación… te puedes imaginar oyéndole que él lo ha vivido.
Tengo que decirte que estaba muy nervioso por ‘Relax’ porque de adolescente fui muy fan de Frankie Goes To Hollywood, y me preguntaba ¿cómo van a hacer esto? Y encima con Toyah, que puede ser bastante extrema con la voz. Así que ese tempo ralentizado me encantó, es muy hipnótico. ¿Cómo se te ocurrió?
Bueno, pensé en ralentizarlo para hacerlo más relajado…
«Relajado» como en su propio título, ¡qué buena idea!
Sí, exacto. Y luego teníamos la imagen en la cabeza de que estabas en una especie de cabina con alguien y te sentías incómodo. Intentaba que te relajaras, pero con un tipo diferente de sexy, ya sabes.
Es una gran versión. Y los dos solos de Robert Fripp son increíbles.
El solo del medio es brillante, sí. Viene de algún planeta Dios sabe dónde exactamente, pero es muy efectivo.
¿Es algún tipo de efecto de guitarra inversa? ¿Probablemente uno de sus artilugios?
Sï, una cosa que trajo y que al tocar parecía estar tocando hacia adelante y hacia atrás al mismo tiempo,
Lo cual parece algo muy Fripp…
Oh sí. Y tiene una afinación muy extraña. No podía decir qué demonios estaba pasando, pero me encantaba.
La versión de ‘Swimming Pools (Drank)’ de Kendrick Lamar es probablemente el tema más impresionante. Supongo que ahora todo el mundo te pregunta si sueles escuchar a Lamar. ¿Te interesa la música actual?
Si tengo que escuchar rap, la verdad es que Kendrick Lamar es como el Dave Brubeck del rap moderno. Realmente tiene algo único musicalmente, y es un muy buen letrista. Después de hacer nuestra demo de esta canción, de tener la idea de cómo hacerla, me puse a revisar muchos discos de rap para ver si encontraba algo más con lo que pudiera hacer algo… pero no encontré nada. Todos trataban de lo mismo: «Yo soy esto, tú eres aquello, te voy a hacer esto… Soy el mejor en cualquier puta cosa que haga»… Todo iba de lo mismo. Así que ésta era una canción única. La forma en que la letra fue escrita, ¿sabes? A Cole Porter le habría gustado escribir esa letra.
Y Tori Amos hace un gran trabajo con la canción, también.
Realmente se volcó en ello. Trabajó muy duro. Me impresionó mucho.
«Por mi nieto he escuchado movidas coreanas a unos 155 BPMs. Es como un poco horroroso, pero a la vez fascinante»
Vale, volviendo a la pregunta, ¿escuchas música muy actual o no tanto?
Generalmente escucho lo que me obligan a escuchar… lo que le gusta a mi nieto bailar en los videojuegos. Así que me he visto obligado a escuchar movidas coreanas a unos 155 BPMs. Es como un poco horroroso, pero a la vez fascinante. Así que he escuchado un poco de eso. En cuanto a pop vocal femenino actual, no me atrae mucho. Si quiero oír a un grupo de armonía vocal, prefiero escuchar a The 5th Dimension, o a Sergio Mendes & Brazil ‘66.
Y en cuanto a la producción, cuando escuchas estos productos de ahora, ¿te chirrían? ¿O crees que están bien producidos y mezclados?
Pues mira: es innegable de que muchos discos modernos suenan muy bien. Aunque para que me gusten no depende necesariamente de su sonido. A veces se trata más de que el estilo me resulte familiar. Pero sí, hay muchos discos que he escuchado últimamente que suenan bien. Escuché a una banda llamada The Last Dinner Party, y son muy buenas. Eso me gusta.
¡Son buenísimas!
Y hay un par de grupos jóvenes que -si pudieran componer una canción decente…- grupos como Sports Team… son muy buenos y emocionantes en directo, aunque trasladarlo a un disco es más difícil.
En cuanto al título de tu disco («ecos»), parece evocar recuerdos, pero también eco literalmente, como la reverberación, que es uno de tus herramientas más características como productor.
Es en lo que estaba pensando, sí, los recuerdos. Trabajar en algunos de estos temas me dio la sensación de estar como jugando con el pasado. Así que creo que de ahí vino lo de “ecos”. Es curioso cómo, cuando has trabajado en una canción unas cuantas veces, la conoces muy bien. Como por ejemplo «Relax». Realmente tuve que tener cuidado de no complicarme, y la dejé muy básica: programé la caja de ritmos y la dejé así en lugar de volver atrás y enredar demasiado con ella, porque sabía que si empezaba a intentarlo saldría mal. Así que sí, de ahí salió lo de ‘Echoes’.
Y entonces ¿no hay también una referencia al sonido reverberado de Trevor Horn?
Sí… Es curioso, porque en mi cabeza son más o menos la misma cosa. La reverberación deja un breve rastro sonoro de algo pasado. Y como sonido es algo maravilloso, sí.
Soy un gran fan de ese efecto, y en tu música puede llegar a adquirir unas dimensiones increíblemente panorámicas. ¿Puedes hablarnos un poco más sobre la reverberación?
Cuando empecé mi carrera, la reverberación era una ”reverb plate”, una gran placa de metal que vibraba, y tenía un micrófono y un pequeño altavoz. Y era un lujo por aquel entonces. Recuerdo cuando el estudio de maquetas en el que trabajaba adquirió una. Era genial, aunque esas placas de reverberación se quedaban un poco cortas, tenían limitaciones. La mejor manera de sacar un buen sonido era usando un retardo de cinta (tape delay) combinado con ellas. Poniendo la reverberación un poco por detrás de la voz conseguías siempre un gran efecto. Y eso es lo que yo solía usar a menudo. Y luego, por supuesto, aparecieron las reverberaciones digitales, todavía tengo algunas de las primeras, y fueron una revelación, ¿sabes? Cosas como la batería en ‘Owner of a Lonely Heart’ [NdE: su número 1 para Yes en 1983]. Su sonido es en parte el sonido de una reverberación digital muy corta, que era una cosa llamada «no lineal», porque tenía una especie de rebote extraño. La manejaba el ingeniero Gary Langan, que era muy bueno con esas unidades de efecto. Ahora todo está en un ordenador. No sé si es mejor… Como cualquier otro efecto, lo tienes que usar con cuidado. La reverberación, sobre todo la grande, funciona muy bien si contrasta con algo muy seco y directo, ¿sabes? Sí, soy un gran fan. Si lo piensas bien, la reverberación es el efecto original, ¿no? Porque antiguamente, cuando construían catedrales, y ponían a un coro cantando dentro, con toda esa reverberación, sonaba fantástico.
Se podría incluso remontarse a las cuevas y todos esos lugares, supongo. ¿Es el efecto cavernícola definitivo?
Sí, en plan: “esta noche vamos a ir la cueva de un amigo, que va a cantar y su cueva suena genial. El eco de la mía es una mierda”.
Has mencionado los ordenadores. Leí en alguna parte que empezaste a trabajar con ordenadores como medio para grabar mientras trabajabas con Seal en los 90.
Sí.
¿Pero en que punto estás ahora? Porque algunos se pasaron de lleno al tema de los ordenadores, y otros han vuelto a lo analógico. ¿Cómo graba Trevor Horn en 2023?
Usamos Pro Tools. Llevo usando Pro Tools desde que se llamaba Sound Tools en su día. Tienes razón, parte del primer álbum de Seal, lo grabamos directamente en Studio Vision con la voz de Seal, el Midi y el audio al mismo tiempo. Eso fue en 1990, cuando nuestra grabadora principal era una Sony de 48 pistas. Ahora sólo uso Pro Tools. He probado algunas de esas ideas en las que primero se pasa a analógico y luego se vuelve a digital, y la verdad es que no me gusta. Es un poco absurdo. Tengo una excelente consola analógica, una copia de una vieja Neve, pero grabamos en digital, usando una gran colección de micrófonos. Al final todo se reduce a trabajar con gente con talento.
Esto me lleva a la siguiente pregunta. Supongo que todos los vocalistas fueron a tu estudio y grabaron contigo, ¿o te enviaron archivos?
Algunos de ellos enviaron sus voces, por ejemplo Tori. Ella hizo todas sus tomas, incluso las produjo antes de enviarlas, y yo las utilicé más o menos exactamente como ella las hizo. Creo que como mucho retocamos un verso. Eso fue todo. Hizo un gran trabajo. Su marido es ingeniero de sonido, así que creo que eso también ayudó. Iggy hizo su voz en Miami, en algún lugar de Florida, en un estudio. La hizo hace un par de años, y cuando la cantó (‘Personal Jesus’), era completamente acústica, sin guitarras eléctricas. Sonaba como una “jug band” de los años 20, esa era mi idea. Pero cuando la oyó, dijo que quería algo de guitarra punk, así que le puso algo de guitarra punk. Una chica muy maja llamada Phoebe, de The Lambrini Girls, tocó en ella.
«Pronto estaremos todos en el cementerio, así que mejor disfrutar mientras puedas»
Por cierto, en los créditos he visto a gente como Phil Palmer, Danny Cummings, Alan Clark. ¿Es Alan Clark, el pianista de Dire Straits, que tocó en ‘Private Dancer’ de Tina Turner, etc.?
Sí.
No sabía que estaba colaborando contigo. Es un pianista increíble.
Es muy bueno. Toco con él ahora, porque formo parte de Dire Straits Legacy, una especie de gira de antiguos músicos de Dire Straits. Toco el bajo.
¿Por qué tocas con ellos?
Lo disfruto. Mira, pronto estaremos todos en el cementerio, así que mejor disfrutar mientras puedas. Y todos son tan buenos músicos… no hay pistas de acompañamiento, es a la antigua, y me gusta. Es divertido. Y me gusta la música.
Te gustan Dire Straits.
Claro que sí.
¿Puedo preguntarte por Denmark Street en Londres? Leí que en tus inicios trabajaste en esa calle tan mítica en la historia de la música británica. Y ahora que la calle ha cambiado tanto, y la gente se queja de que su legado no se ha conservado como es debido, porque han derribado un par de edificios y todo eso, ¿cuál es tu opinión? ¿Y cuáles son tus recuerdos de cuando trabajabas allí?
Trabajé como músico de sesiones en Denmark Street, sí. En el momento en que llegué allí era el lugar al que iban los músicos para conseguir actuaciones en los cafés-bar. Sólo recuerdo hacer dos o tres sesiones en un estudio en un sótano, donde te daban 15 libras y grababas doce pistas de acompañamiento. Te daban doce partituras con los acordes, decían “un, dos tres” y empezaban, ya estabas haciendo la primera toma. Lo que sea que te dijeran, «esto es un uptempo», tú tratabas de seguirlo. El ambiente de la calle era un poco sórdido, aunque yo iba sobre todo a comprar instrumentos. Creo que están intentando mantenerlo, aunque no es fácil. Han construido una especie de centro turístico y han remodelado totalmente la zona.
Es inevitable, supongo. ¿Puedo preguntarte cómo te sientes cuando oyes ‘Video Killed the Radio Star’ en la radio, en un café, sonando desde un coche en la calle?
Cuando la oigo, me alegro (sonríe). Pienso: “ahí está», la recuerdo. Es una canción muy cool, y estoy muy orgulloso de ella. A la gente le gusta.
«Te diré cuál es la gran conexión entre The Pet Shop Boys y Belle and Sebastian: es muy simple, ambos son grupos muy inteligentes»
Lxs lectorxs de JENESAISPOP son devotxs amantes del pop, y les encantaría saber cómo es trabajar con artistas como Belle and Sebastian o Pet Shop Boys. Pero supongo que son experiencias muy diferentes, ¿no?
No, en realidad no lo fueron. Te diré cuál es la gran conexión entre Pet Shop Boys y Belle and Sebastian: es muy simple, ambos son grupos muy inteligentes. En ambos casos estás tratando con gente muy inteligente, amable y considerada. Quiero decir, trabajar con Neil y Chris es una alegría absoluta, porque puedes pasar el rato con ellos, y son muy divertidos, y son interesantes, ¿sabes? Neil se sentaba a leer el New York Review of Books, ese tipo de cosas, y comentaba lo que estaba pasando en el mundo. Y Chris hablaba de alguna conquista de la noche anterior… eran muy divertidos. Lo pasamos muy bien y me dejaban trabajar. Por ejemplo, Neil quería hacer algunas armonías, y yo sólo las pensaba, las escribía, y las cantaba, le hacía unas guías para escuchar. Y luego él iba y las grababa. Fue un placer trabajar con ellos. Y Belle and Sebastian eran igual, los siete. Cuando no tenían nada en particular que hacer se sentaban en el estudio a leer libros. El reto con Belle and Sebastian fue que cuando cantaban en grupo querían hacerlo todos alrededor de un solo micrófono. Y eso era difícil arreglar después, así que tuve que tenerlos grabando toma tras toma y editar mucho. Pero fue genial trabajar con ellos. Son gente con mucha determinación.
Mariah Carey volvía este fin de semana al número 1 global con ‘All I Want for Christmas Is You‘. Y lo conseguía antes que otros años, sin esperar ya ni a que llegara el mes de diciembre. Pero hoy no vamos a hablar solo de su villancico, sino de otros momentos clave de su carrera. Nuestro colega Kaperucito, que en algún momento llegó a colaborar en nuestra web, visita REVELACIÓN O TIMO, el podcast de JENESAISPOP, para hablar de toda la trayectoria de Mimi. Sobre todo nos centramos en los 6 discos que han marcado su carrera.
Comenzando por un álbum homónimo que en Estados Unidos alcanzó el estatus multiplatino (hasta 9 millones), por mucho que su éxito no llegara a España, hablamos de sus inicios, de su primera maqueta de 4 temas, de la búsqueda por parte de Sony de la nueva Whitney Houston, de su primer número 1 y de su primera gran balada, que casi queda fuera de aquel álbum. Reivindicamos su labor como compositora, pues no había ni una sola canción en ‘Mariah Carey’ que no hubiera escrito ella. Sin embargo, Kaperucito nos habla de las tensiones entre artista y sello por blanquear su sonido.
Tras ‘Emotions’ (1991), ‘Music Box’ (1993) supondría su lanzamiento internacional definitivo, aupado por la versión de ‘Without You’ y clásicos como ‘Hero’. Fue el 2º álbum más vendido en España en 1994. Tras él vendría un ‘Merry Christmas’ (1994) que ha terminado siendo fundamental por razones evidentes para comprender su carrera, tras el revival de su single principal en la era streaming y salir en ‘Love Actually’. Inmediatamente después, los que serán los mejores discos de Mariah.
Kaperucito entiende ‘Daydream’ (1995) como el ensayo de la cumbre que supondría ‘Butterfly’ (1997). En ambos hay paralelismos: una modernización de su sonido, un interés por los remixes hacia el hip hop antes de que se pusiera de moda, una incursión de David Morales que lleva interludios hacia el dance… Y por supuesto los hits. El primero contiene ‘Fantasy’, además de ‘One Sweet Day’ y ‘Always Be My Baby’. El segundo, ‘Honey’, para quien esto escribe su producción más interesante.
No esquivamos sus años de vacas flacas, el desastre ‘Glitter’ (ni su supuesta reivindicación posterior), el 11-S, el meltdown de la artista… Pero si hablamos de discos clave, se entiende ‘The Emanticipation of Mimi’ (2005) como su resurrección. Al éxito comercial de ‘We Belong Together’ hay que sumar producciones interesantes de Kanye West o The Neptunes.
En los últimos minutos del podcast, hablamos de cómo la crítica ha abrazado a Mariah Carey en los últimos tiempos, cuando en su momento estaba más denostada. Como mínimo, como influencia fundamental en gente de nueva generación como Ariana Grande. De hecho, la buena acogida de su último disco hasta la fecha, ‘Caution’ (2018), ha sido más por parte de la crítica que del público generalista, concentrado en el villancico de la artista como clásico absoluto, y en su faceta autoparódica, de abrazar su propio meme.
Como ya viene siendo tradición, la revista Rolling Stone ha publicado su lista anual con los 100 mejores discos del año. Y, en ella, se combinan desde los nombres más exitosos de los últimos meses hasta aquellos que han pasado más desapercibidos, pero a los que, sin embargo, su calidad musical les hace ganarse un lugar en la lista.
Pero en la lista también ha habido sitio para los artistas latinos, que han dominado las listas de éxitos este año con sus respectivos lanzamientos. Peso Pluma y su disco ‘Génesis’ (#57) y Karol G con el mejor álbum del 2023 para los Latin Grammy ‘Mañana Será Bonito’ (#14) consiguen el reconocimiento de la revista. También lo hace Bad Bunny con ‘nadie sabe lo que va a pasar mañana’ (#32), que entra por segundo año consecutivo en la lista aunque con una posición bastante inferior a la lograda en 2022 por ‘Un Verano Sin Ti’ (#2).
El top 10 lo comienza Zach Bryan con su disco ‘Zach Bryan’ (#10), en representación del country tras su auge este año en Estados Unidos. Además, también hace presencia Mitski de la mano de ‘The Land Is Inhospitable and So Are We’ (#7) o Paramore con ‘This Is Why’ (#6). En las cinco mejores posiciones se cuelan Olivia Rodrigo con ‘GUTS’ (#5), Lil Yachty y su ‘Let’s Start Here’ (#4), Tainy con ‘Data’ (#3) y boygenius con ‘The Record’ (#2).
Para Rolling Stone, el mejor álbum del año es ‘SOS’ de SZA. Pese a su lanzamiento en 2022, entra en la lista de 2023 porque esta comprende las publicaciones de diciembre a noviembre de cada año. SZA, además, opta a 9 estatuillas en la próxima gala de los Grammy.
10 mejores discos de 2023 para Rolling Stone:
1. ‘SOS’ de SZA
2. ‘The Record’ de boygenius
3. ‘Data’ de Tainy
4. ‘Let’s Start Here’ de Lil Yachty
5. ‘GUTS’ de Olivia Rodrigo
6. ‘This Is Why’ de Paramore
7. ‘The Land Is Inhospitable and So Are We’ de Mitski
8. ‘Maps’ de Billy Woods & Kenny Segal
9. ‘Jaguar II’ de Victoria Monét
10. ‘Zach Bryan’ de Zach Bryan
Os recordamos que las listas de JENESAISPOP se publican en papel. Podéis reservar nuestro Anuario en la tienda online, sin pagar gastos de envío (hasta el 18 de diciembre).
Ayer, en algún punto de Murcia y Torrevieja, dos personas escuchaban al recién llegado grupo Sistema Nervioso. Lo harían, con total seguridad, de la mano de su canción debut, pues no tienen otra. Hoy, esos oyentes han ascendido hasta 48 en Spotify. Y, si convencen al público, quién sabe si el número incrementará un poco más.
Sistema Nervioso es un grupo compuesto por Guille Solano, Arturo Casabuena y Pedro Q (Media Playa), tres artistas que ya habían compartido escenario en algunas plazas de Murcia pero que no ha sido hasta ahora cuando se han lanzado a hacer música juntos (o, al menos, a publicarla).
Su tema debut, la canción homónima ‘Sistema Nervioso’, pretende presentar al grupo con un sonido revival de los 80, en el que también aprovecha para alternarlo con trazos de noise pop. Sus casi cinco minutos de duración son un viaje sonoro a través de este experimento, pues apenas hay espacio para el contenido lírico. La letra, si acaso, refuerza más esta presentación: «En la estación de servicio de Arganda del Rey hay alguien tocando el piano».
El single de Sistema Nervioso juguetea con el sonido y trata de divertirse sin mostrar apenas narrativa pero convencido de que no la necesita. «Esas fotos en redes afectan a mi sistema nervioso», el estribillo, se repite continuamante mientras el oyente tiene la sensación de que cada una de esas veces es cantada de manera diferente.
La canción formará parte de un EP que el grupo lanzará la próxima primavera. A falta de más música, solo podemos quedarnos con la descripción que ellos mismos han empleado para darse a conocer: «un nuevo proyecto que pretende aunar las enseñanzas de David Byrne y ejercicios musicales emparentados con la vía directa de la aventura, pues hay post rock, avant-prog y barroquismo».
MGMT continúa ultimando los preparativos para el lanzamiento de ‘Loss of Life’, su próximo trabajo discográfico. Y, si hace tan solo un mes sorprendía con el anuncio del álbum y la publicación de su primer single, esta semana publican ‘Bubblegum Dog’, el segundo adelanto.
Este nuevo lanzamiento supone la quinta canción de las diez que compondrán el disco, programado para su publicación el próxmo 23 de febrero. Y, al igual que sucede con la bonita ‘Mother Nature’, este tema también se nutre de guitarras acústicas y eléctricas para presentar una balada animada que va dando forma a un trabajo que pinta que será muy cohesivo musicalmente.
Ben Goldwasser y Andrew VanWyngarden sacan con ‘Bubblegum Dog’ otra canción de rock alternativo, oficializando así el sonido que envolverá ‘Loss of Life’. El videoclip del single, además, continúa en esta misma dinámica, recurriendo a vídeos característico de los 90 en una clara referencia al estilo de música que envuelve ‘Bubblegum Dog’.
Tras el lanzamiento de sus dos primeros adelantos, MGMT se preparan para publicar su quinto álbum de estudio en tan solo unos meses. Continuará a su ‘Little Dark Age’ de 2018.
Russian Red sigue presentando las canciones que compondrán su próximo disco. Un trabajo que efectivamente existe, lo cual ya sabíamos, pues la propia Lourdes Hernández ha hablado de él, pero cuya llegada confirma ahora su sello, Sonido Muchacho: «Estas canciones que ha ido sacando, amén de otras nuevas, se recopilarán en un próximo disco que promete grandes emociones».
Más de un lustro después de ‘Karaoke‘ (2017), y 10 años después de ‘Agent Cooper‘ (2014), el regreso de Russian Red ya está aquí. El primer aperitivo del próximo largo de Lourdes Hernández recibía el título de ‘This is un volcán‘. Y hoy es momento de escuchar ‘No entiendo nada’.
Presentado con una portada que pone el trasero sentado de Lourdes Hernández en primer plano, ‘No entiendo nada’ es un compendio de diferentes influencias. Hay guitarras surferas, otras más italianas y mediterráneas, ecos al pop de los años 60 y, después, unas baterías de aires psicodélicos se suman, pero sin que el sabor a pop clásico de ‘No entiendo nada’ se vaya a ningún lado.
La voz de Russian Red, que tanto hemos echado de menos, se presta ahora a una letra escrita completamente en español, y a la producción de Carlos René Echanique y Luichi Boy, integrante de Cupido. Haciendo frente al frío invierno, Lourdes Hernández se halla sola, sin compañía de su amor. Ella no entiende qué ha pasado: «si yo soy tan guapa, tú eres un melón», canta.
Russian Red se consuela escribiendo desnuda, husmeando los gayumbos de ese chico o bebiéndose el líquido de una lata de sardinas, en el videoclip de ‘No entiendo nada’ dirigido por Joana Colomar, tan pop como suena. El clip exhibe un componente autoparódico, cuando, por ejemplo, Lourdes aparece desparramada en la cama, con un zapato puesto y el otro no, pero, eso sí, con la copa de Martini bien posada en su cadera, completamente recta. Es como su cuenta de Instagram, hecha vídeo.
De un tiempo a esta parte, Sidonie a lo que se dedican es al humor. Y yo lo compro porque estamos muy necesitados del mismo. Su nuevo disco se titula simple y llanamente con los nombres del trío. ‘Marc, Axel y Jes’ se compone sobre todo de guitarra, batería y bajo y son 10 canciones de 3 minutos hasta sumar algo menos de media hora. Al estilo de los discos de los Ramones, más corto que el primero de los Strokes.
La intención es la de entretener y hacérnoslo pasar bien, cuando no reír. La crisis de la mediana edad inspira a Sidonie más a echarse unas risas que a montar el drama padre, y si no atención a ese single llamado ‘No salgo más’. «Estoy a gusto hasta que alguien se me acerca, y dice: «te he reconocido, mi madre es muy fan»». Basado en hechos reales. En concreto fue Magüi, la cantante de Ginebras, quien en un festival les dijo: «Yo te conozco por mi padre».
Marc Ros volvió de un viaje a Cuba con 50 canciones, algunas cumbias y ritmos tropicales, pero para la ocasión Sidonie se han quedado con la parte más rock. Les ha podido también la impresión de haber teloneado a los Rolling Stones el año pasado en Madrid. Así, el álbum se abre con la nostálgica ‘CEDÉ’, que se sitúa en 1997 asegurando que el «CD va a volver».
Es un rock curiosamente adolescente y carpetero, eso sí. En una especie de segunda juventud o eterna adolescencia, Sidonie suenan «tan llenos de vida que [van] a llorar». Si no fuera porque en ‘Me gustas todo el rato’ hay hijos, tatuajes, de alguna forma bastantes signos de experiencia, podría haber sido una canción de El Canto del Loco o Pignoise. Lo mismo puede decirse de ‘Pesado y estúpido’ y su marcado complejo de inferioridad: «soy un bicho raro para ti».
Después de la estupenda ‘Verano equivocado’, de punteos indie pop, la segunda parte del álbum se va entregando a ritmos más coloridos que no parecen consecuencia directa del viaje a Cuba, pero quizá sí indirecta. ‘Stax bien’ es un tema totalmente «feel good» que encajaría en un anuncio veraniego, en juego de palabras con el sello por su sonido y mención al soul. El disco se cierra con el alegre disco de ‘Mil colores’, mientras en ‘Que me bese todo el mundo’ se encuentran las guitarras eléctricas de finales de los 70 con otras más Smiths y teclados.
En algún punto de ‘Marc, Axel y Jes’ alguien podría llamarles «horterillas«, aunque sin duda lo que menos encaja en este álbum fresquito y directo a la yugular es la justificación innecesaria que supone ‘Es muy pop’. Después de haber publicado discos llamados ‘El peor grupo del mundo‘ o ‘El regreso de ABBA‘ -por muy complejo que fuera este-, ya no hacía falta.
Shane MacGowan, cantante de los Pogues, ha fallecido este jueves a los 65 años, después de ser hospitalizado a consecuencia de una encefalitis. Su mujer, Victoria Mary Clarke, ha anunciado la noticia.
MacGowan, que usaba silla de ruedas desde que en 2015 sufriera una caída, llevaba «tiempo sin encontrarse bien», informa BBC.
Nacido en Kent, Inglaterra, aunque sus padres eran irlandeses, MacGowan fue el alma de los Pogues, banda que alcanzó gran popularidad mezclando punk y tradición celta. La voz decadente de MacGowan, su faceta de narrador de historias, y su carisma, llevaron a los Pogues a alcanzar el éxito internacional durante los 80 y 90. Su single ‘A Fairytale in New York’, de 1985, llegó al puesto 2 de Reino Unido, y es un clásico de la época navideña incluso a día de hoy.
La historia de los Pogues también estuvo llena de baches y curvas. Los problemas de MacGowan con la bebida llevaron al músico a abandonar la banda en 1991, y esta, que siguió por su cuenta, anunció su disolución en 1996. Este fue el año en que los Pogues, que habían publicado siete álbumes de estudio, dejaron de editar nueva música. En 2001, los Pogues volvieron y en 2014 dieron el adiós definitivo, no sin antes publicar varios discos grabados en directo.
‘Dirty Old Town’, ‘A Pair of Brown Eyes’ o ‘The Irish Rover’ son algunos de los éxitos que firmaron los Pogues durante su carrera. Entre sus álbumes fundamentales hay que contar ‘Rum, Sodomy & The Lash’, de 1985, y su disco más exitoso en Reino Unido, publicado en 1993, y que llegó al top 3 de ventas,’If I Should Fall from Grace with God’.
Sonorama Ribera ha anunciado las primeras confirmaciones de su edición de 2024, que tendrá lugar del 7 al 11 de agosto. La Bien Querida, Mikel Izal, Juancho Marqués, Rayden, Travis Birds, Álvaro de Luna o El Kanka son algunos de los artistas que pasarán por la 27 edición del festival.
Gara Durán, Tu Otra Bonita, Joven Dolores, La Habitación Roja, Macaco, Maikel Delacalle, Natos y Waor, OBK, Rozalén, Shego, Shinova o Sidecars también se suman a la programación, entre otros.
Este año, a diferencia de otras ediciones, el miércoles 7 el festival transcurrirá durante todo el día, mientras que el domingo 11 la programación será exclusivamente matinal y gratuita.
Las entradas estarán disponibles el lunes 4 de diciembre a las 12:00 horas y saldrán en tres tramos, 20.000 bonos y 1.000 bonos VIP: saldrán los 2.000 primeros bonos a 75 euros + gastos; los 2.000 bonos siguientes a 80 euros + gastos y los 16.000 restantes a 85 euros + gastos.
Las personas que obtengan los bonos VIP tendrán acceso a los cuatro días (7, 8, 9 y 10 de agosto). Saldrán los 250 primeros a 120 euros + gastos y los 750 siguientes costarán 150 euros + gastos.
Jacob Collier visitará Madrid y Barcelona en noviembre del año que viene. Las entradas para verle en el WiZink Center y Palau Sant Jordi salen hoy en modo pre-venta. Curtido en Youtube, donde se hizo famoso versionando temas por ejemplo de Stevie Wonder, fue fichado por la oficina de management de Quincy Jones y desde entonces su ascenso ha sido meteórico.
Es favorito de los Grammys: acumula 5 estatuillas y es el primer artista británico en haber obtenido nominaciones por sus cuatro primeros discos. Ahora vuelve con la 4ª parte de su proyecto “Djesse” (su 5º disco en total), que le llevará a realizar una gira mundial. En sus espectáculos son habituales las improvisaciones, los autosampleos, la participación del público, las versiones de Queen o los Beatles… aunque en este artículo nos centramos en su material propio.
All I Need
Lo que presentará Jacob Collier el próximo año en España y el resto del mundo será el cuarto volumen de “Djesse”. El tercero y último hasta ahora incluía dos de sus mejores canciones. La primera de ellas es ‘All I Need’, un delicioso funk entre Stevie Wonder y Prince. Una declaración de amor de tintes soul, con la ayuda de Mahalia y Ty Dolla $ign, a la que solo ‘Black Parade’ de Beyoncé separó del Grammy al mejor R&B.
Time Alone With You
En el mismo álbum y con unas influencias parecidas, destacaba ‘Time Alone With You’, de espectaculares armonías vocales, uno de sus grandes fuertes. Estos dos primeros temas que recomendamos son los que escogió Jacob para abrir su «Tiny Desk» particular. Una sesión absolutamente histórica en la que nos invita a su estudio multiplicado por 4. Él solo se encargaba de voces, teclado, guitarra, bajo y batería, sumándolo después todo en el montaje. Así sabía defender en solitario lo que en principio era una colaboración con Daniel Caesar.
Feel
Yendo hacia atrás en el tiempo, el volumen 2 de “Djesse” contenía una de las grabaciones más cálidas y reconfortantes de Collier. Hablo de ‘Feel’, una colaboración en la que se alternaba la dulce voz de Lianne La Havas con las armonías medio robóticas de Jacob. Ambos dando vueltas durante 6 minutos a la idea -un estándar en el soul- «you make me feel new».
Don’t You Know
El primer disco de Jacob Collier salió en 2016 bajo el nombre de ‘In My Room’. Por allí había dos versiones de Stevie Wonder (‘You and I’) y del tema principal de los “Picapiedra”, que lograban nominaciones a los Grammy. En concreto a los mejores arreglos. También en este álbum aparecían originales como ‘Hideaway’ o ‘Don’t You Know’, que son los temas que más ha tocado en directo, y que aún aparecen en su repertorio de vez en cuando. En concreto, ‘Don’t You Know’ cerraba el disco extendiéndose hasta los 9 minutos, como festival de autosampleos, con momento al piano, al contrabajo y proyecciones. Así lo recreaba él solo con muchos de los elementos en vivo.
Witness Me
El 29 de febrero saldrá el cuarto volumen de “Djesse”, como decíamos. El primero de los singles, ’Never Gonna Be Alone’, en verdad datando de 2022. El más reciente es uno de sus mejores, y acaba de estrenar su videoclip, de corte familiar y cuasi navideño. Collier ofrece en ‘Witness Me’ en principio un tema doo-wop, con sus chasquidos de dedos y todo, al que primero se suma Shawn Mendes y luego el rap de Stormzy (Kirk Franklin co-produce). Quizá uno de los temas en que mejor ha aunado pasado y presente.
Los Premios Goya han anunciado hoy los nominados de la edición de 2024, que se celebra en Valladolid el sábado 10 de febrero de 2024. Luis Tosar y Anna Castillo se han encargado de revelar los títulos y autores nominados en la 38ª edición de los premios.
Parte como gran favorita ‘20.000 especies de abejas’ con 15 nominaciones, seguida por ‘La sociedad de la nieve’ con 13, ‘Cerrar los ojos’ y ‘Saben aquell’ con 11, ‘Un amor’ con 7 y ‘Te estoy amando locamente’ y ‘El maestro que prometió el mar’ con 5 cada una.
En el apartado musical, Rigoberta Bandini, Xoel López, Marina Herlop y Valeria Castro y Vetusta Morla se encuentran entre los músicos nominados en la categoría de Mejor canción original.
Mejor Película
20.000 especies de abejas
Cerrar los ojos
La sociedad de la nieve
Saben aquell
Un amor
Mejor Dirección
Víctor Erice (Cerrar los ojos)
Elena Martín (Creatura)
J.A. Bayona (La sociedad de la nieve)
David Trueba (Saben aquell)
Isabel Coixet (Un amor)
Mejor Dirección Novel
Estibaliz Urresola Solaguren (20.000 especies de abejas)
Itsaso Arana (Las chicas están bien)
Álvaro Gago (Matria), Alejandro Marín (Te estoy amando locamente)
Alejandro Rojas y Juan Sebastián Vásquez (Upon Entry)
Mejor Actriz Protagonista
Patricia López Arnaiz (20.000 especies de abejas)
María Vázquez (Matria),
Malena Alterio (Que nadie duerma)
Carolina Yuste (Saben aquell)
Laia Costa (Un amor)
Mejor Actor Protagonista
Manolo Solo (Cerrar los ojos)
Enric Auquer (El maestro que prometió el mar)
David Verdaguer (Saben aquell)
Hovik Keuchkerian (Un amor)
Alberto Ammann (Upon Entry)
Mejor Actriz de Reparto
Ane Gabarain (20.000 especies de abejas)
Itziar Lazcano, (20.000 especies de abejas)
Clara Segura (Creatura)
Ana Torrent (Cerrar los ojos)
Luisa Gavasa (El maestro que prometió el mar)
Mejor Actor de Reparto
Martxelo Rubio (20.000 especies de abejas)
Juan Carlos Vellido (Bajo terapia)
Jose Coronado (Cerrar los ojos)
Álex Brendemühl (Creatura)
Hugo Silva (Un amor)
Mejor Actriz Revelación
Xinyi Ye (Chinas)
Yeju Ji (Chinas)
Clàudia Malagelada (Creatura)
Sara Becker (La contadora de películas)
Janet Novás (O corno)
Mejor Actor Revelación
Brianeitor (Campeonex)
Julio Hu Chen (Chinas)
Matías Recalt (La sociedad de la nieve)
La Dani (Te estoy amando locamente)
Omar Banana (Te estoy amando locamente)
Mejor Película Iberoamericana
Alma viva (Portugal)
La memoria infinita (Chile)
La pecera (Puerto Rico)
Puan (Argentina)
Simón (Venezuela)
Mejor Guion Adaptado
Albert Val (El maestro que prometió el mar)
Bernat Vilaplana, J.A. Bayona, Jaime Marques-Olarreaga y Nicolás Casariego (La sociedad de la nieve)
Pablo Berger (Robot Dreams)
Albert Espinosa, David Trueba (Saben aquell)
Isabel Coixet y Laura Ferrero (Un amor)
Mejor Guion Original
Estibaliz Urresola (20.000 especies de abejas)
Michel Gaztambide y Víctor Erice (Cerrar los ojos)
Alejandro Marín y Carmen Garrido (Te estoy amando locamente)
Félix Viscarret (Una vida no tan simple)
Alejandro Rojas y Juan Sebastián Vásquez (Upon Entry)
Mejor Película de Animación
Dispararon al pianista
El sueño de la Sultana
Hanna y los monstruos
Momias
Robot Dreams
Mejor Película Documental
Caleta Palace,
Contigo, contigo y sin mí,
Esta ambición desmedida,
Iberia: naturaleza infinita
Mientras seas tú, el aquí y ahora
Mejor Película Europea
Aftersun (Reino Unido)
Anatomía de una caída (Francia)
Las ocho montañas (Italia)
Safe Place (Croacia)
Sala de profesores (Alemania)
Mejor Cortometraje de Ficción
Aunque es de noche
Carta a mi madre para mi hijo
Cuentas divinas
La loca y el feminista
París 70
Mejor Cortometraje Documental
Ava, BLOW!
El bus
Herederas
Una terapia de mierda
Mejor Cortometraje de Animación
Becarias
To bird or not to bird
Todo bien
Todo está perdido
Txotxongiloa
Mejor Música Original
El maestro que prometió el mar
La paradoja de Antares
La sociedad de la nieve
Robot Dreams
Saben aquell
Mejor Canción Original
Eco, de Xoel López (Amigos hasta la muerte);
Chinas, de Marina Herlop (Chinas)
El amor de Andrea, de Álvaro B. Baglietto, David García, Guille Galván, Jorge González, Juan Pedro Martín «Pucho», Juanma Latorre, Valeria Castro (El amor de Andrea);
La gallinita, de Fernando Moresi Haberman y Sergio Bertran (La imatge permanent)
Yo solo quiero amor, de Rigoberta Bandini (Te estoy amando locamente)
Mejor Montaje
20.000 especies de abejas
Cerrar los ojos
La sociedad de la nieve
Mamacruz
Robot Dreams
Mejor Dirección de Producción
20.000 especies de abejas
Cerrar los ojos
La sociedad de la nieve
Saben aquell
Valle de sombras
Mejor Dirección de Fotografía
20.000 especies de abejas
Cerrar los ojos
La sociedad de la nieve
Un amor
Una noche con Adela
Mejor Efectos Especiales
20.000 especies de abejas
La ermita
La sociedad de la nieve
Tin & Tina
Valle de sombras
Mejor Dirección de Arte
20.000 especies de abejas
Cerrar los ojos
La contadora de películas
La sociedad de la nieve
Saben aquell
Nominaciones a Mejor Sonido
20.000 especies de abejas
CampeoneX
Cerrar los ojos
La sociedad de la nieve
Saben aquell
Sónar ha anunciado la primera tanda de confirmaciones de su edición de 2024, que se celebra los días 13, 14 y 15 de junio. Kaytranada, Jessie Ware, Ben Böhmer, Floating Points, Charlotte de Witte presentando ‘Overdrive’, Vince Staples o Folamour se encuentran entre los primeros 70 nombres confirmados en el cartel de la 31ª edición del festival barcelonés.
Toya Delazy, Kerri Chandler, The Martinez Brothers, Reinier Zonneveld live, Olof Dreijer, Surgeon & Speedy J, TOMMY CASH, Blackhaine o el premiere nacional del proyecto ‘Models’ de Lee Gamble, coproducido junto al festival polaco Unsound y con coreografía de la promesa de la performance Candela Capitán, también se suman a la programación.
La actividad de Sónar 2024 empezará el martes 11 y miércoles 12 de junio con la 2ª edición del +RAIN Film Festival, el festival internacional de cine generado con IA coorganizado junto a UPF que explora cómo esta tecnología convive con la narración fílmica actual. Tras dos jornadas en el UPF Campus de Poblenou, el festival culminará en Sónar+D con la proyección de las películas ganadoras. Este próximo lunes 4 de diciembre, se abre la convocatoria para presentar películas.
Los tickets para Sónar 2024 ya están a la venta en la web del festival. Además, como cada año, Sónar facilitará el acceso de los y las más jóvenes gracias al Bono Cultural y a la Youth Card europea (Carné Joven en España y Carnet Jove en Cataluña).
Entre el jueves 13 y el domingo 16 de junio, OFFSónar volverá a celebrar en el Poble Espanyol las fiestas más aclamadas del momento en el panorama clubbing global. Muy pronto, se anunciará el programa y saldrán a la venta tickets que darán acceso tanto a Sónar como a OFFSónar, permitiendo así vivir la experiencia Sónar Week al completo.
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