Buck Meek, guitarrista de Big Thief, ha publicado dos discos en solitario, ‘Buck Meek’ (2018) y ‘Two Saviors’ (2021), y este año publicará el tercero. ‘Haunted Mountain’ sale el 25 de agosto, un disco «sobre el amor» pero también sobre «algo más, más grande que el amor, algo que no desafía al amor sino que actúa como su contraste».
Meek cree que «a veces parece que todas las canciones de amor ya han sido escritas», pero Meek intenta su propia gran canción de amor en ‘Haunted Mountain’, la pieza que avanza su nuevo disco y que además le da título.
Haciendo uso de las típicas metáforas naturalistas en el trabajo de Big Thief, ‘Haunted Mountain’ habla de un amor que ha salvado a Meek de la oscuridad. Antes él era una persona que «divagaba», solitaria, por las «llanuras verdes». Ahora ha llegado a la «montaña encantada», donde una «nube de oro» le envuelve; una montaña de la que ya no se quiere ir.
Alegre y feliz, ‘Haunted Mountain’ recuerda a las canciones más luminosas de Big Thief, pero la influencia del country es evidente, en sonido y también en letra, pues la narrativa letra de ‘Haunted Mountain’ -co-escrita con Jolie Holland- trae ecos a las grandes historias de Glen Campbell o Dolly Parton.
Julieta es una de las revelaciones del pop catalán. Ganadora de dos premios Enderrock, sus canciones no renuncian a los beats del reggaetón ni del house de los 90, como tampoco a mezclar castellano y catalán, y con dos proyectos publicados, su gira ‘Alguna Nit’ acaba de estrenarse en la sala Paral·lel 62 de Barcelona con todas las entradas agotadas.
‘Nayades’, el primer single de Julieta, vio la luz a principios de 2021. Desde entonces sus sencillos han abandonando los arreglos de piano casi bucólicos de aquel tema por ritmos urbanos: ‘Cari’ es uno de sus hits más populares y carismáticos, influido por los 90, ‘En mi coche’ podría ser una versión de Aitana pero no, y su disco ‘Ni llum ni lluna’ esconde otras pistas destacadas como ‘Secret’, en la línea del reggaetón melancólico que hoy copa las listas de éxitos.
Vocalmente, Julieta usa un registro bonito y susurrado, similar al de las cantantes francófonas de los 60, de France Gall a Angèle pasando por Alizée. La propia Julieta parece ser consciente de esto, pues en ‘Nayades’ canta frases en francés.
Con la producción de LOWLIGHT, que han trabajado con Yung Beef o Bad Gyal, en varios de sus temas, Julieta va poco a poco dándose a conocer, y su nuevo single contribuirá a su popularidad. El reggaetón onírico de ‘T’enxules’, la Canción Del Día de hoy, es parecido al de ‘Zahara’ de Judeline y cuenta con no pocos ganchos, como ese «wooh!» saltarín que anima cada estribillo.
Julieta reconoce que sus instrumentos son «el ordenador y la voz», lo cual es evidente en su música, pues tampoco renuncia Julieta al efecto del autotune, por ejemplo en la misma ‘T’enxules’. Otra de esas artistas totalmente de nuestro tiempo que, ojo, ya cuenta entre sus seguidores de Instagram a Belén Aguilera o a otra nueva estrella del pop catalán, Triquell.
El festival Radio 1’s Big Weekend que organiza la BBC cada año desde 2005 ha tenido lugar este fin de semana en Dundee, Escocia. Entre los artistas programados, Royal Blood han actuado después de Niall Horan y antes de Lewis Capaldi y parece que ha topado con un público poco receptivo a su propuesta. Tanto que a Mike Kerr, cantante de Royal Blood, la indiferencia del público le ha sacado de quicio.
En un momento capturado en vídeo, Kerr se dirige a la audiencia sarcásticamente, con palabras en las que deja clara su antipatía: «Supongo que nos tenemos que presentar visto que nadie sabe quiénes somos. Nos llamamos Royal Blood, y esto es… ¿música rock? ¿A alguien le gusta el rock? A nueve personas, brillante. Este es Ben Thatcher y toca la batería. Todo el mundo, saludad a Ben. Nos tenemos que aplaudir a nosotros mismos porque esto está siendo patético. Bien hecho, Ben».
A continuación, Kerr se dirige a una persona fuera de cámara: «¿Nos aplaudes? Estás ocupado, pero hasta él está aplaudiendo, ¿qué dice eso de vosotros?» Con 7 canciones tocadas, Royal Blood tocan una última nota desafinada y el grupo abandona el escenario, no sin antes Kerr dedicarle al público sendas peinetas.
Royal Blood es uno de los grupos de rock más populares de Reino Unido, a pesar de que sacan disco cada cuatro años. Algo que no sucederá con ‘Back to the Water Below’, su nuevo trabajo, que sale en septiembre, dos años después de ‘Typhoon‘.
El primer single de ‘Back to the Water Below’, el «tifón» rock de ‘Mountains at Midnight’, se puede escuchar desde hace unos días.
Royal Blood making their feelings known about the crowd at BBC Radio 1’s Big Weekend yesterday
¿Ha filtrado Rosalía su nuevo single en TikTok? En las últimas horas, ‘Tuya’, el tema que publica Rosalía próximamente, ha estado disponible para escuchar entero en la plataforma, en sus 2:37 minutos de duración, desde la cuenta oficial de la artista. Rosalía ha avanzado un fragmento de ‘Tuya’ en un vídeo de TikTok, por lo que la filtración vendría de ahí.
‘Tuya’ vuelve a apoyarse en un beat de reggaetón, al que Rosalía ahora agrega palmas de ecos flamencos. El elemento característico de la producción de ‘Tuya’ es el uso de un instrumento de sonido oriental, aparentemente el koto japonés, lo cual tiene sentido porque Rosalía acaba de visitar Japón, uno de sus países favoritos.
En cuanto a la letra, ‘Tuya’ habla de «dos loquitos» que están perdidamente enamorados, y que no pueden ser otros que Rosalía y Rauw Alejandro. Parece que su EP conjunto ya ha dado todo lo que tenía que dar, a menos que el vídeo de ‘Promesa’ esté en la línea de salida.
Hablando de Rosalía y Rauw, la pareja acaba de protagonizar un cuestionario para la revista GQ en la que responden preguntas personales o sobre su relación. Además, se ha subido de manera oficial a Youtube el vídeo de la actuación de ‘BESO’ en Puerto Rico.
Error o no, el caso es que las filtraciones ya no afectan tanto a las campañas de los artistas como antes, pues la gente ya ni se acuerda de lo que supone buscar un link de descarga. A Kylie Minogue la filtración de ‘Padam Padam’ no parece haberle pasado factura, y a Harry Styles la filtración de su disco tampoco.
‘Acróstico’, la balada de Shakira junto a sus hijos se posiciona como número 1 de Singles en España frente a ‘WHERE SHE GOES’, de Bad Bunny. El tema de Shakira entró la semana pasada en las listas y, finalmente, se coloca en primera posición. Gana así la competición prevista entre ambos artistas que, además, mantienen otros temas en el ranking.
Aunque no consigue el número 1, la entrada de Bad Bunny con ‘WHERE SHE GOES’ se sitúa en el segundo puesto. Era predecible después de la acogida que tuvo el mismo día de su estreno. Aun así, el cantante mantiene en el Top 50 las canciones de ‘Coco Chanel’, junto a Eladio Carrión, en el puesto 21; ‘un X100to’, en el puesto 26, colaboración con Grupo Frontera y ‘La Jumpa’ con Arcángel, que se coloca en el número 44.
Entra en la lista Omar Montes junto a Saiko con ‘Arena y Sal’, directos al puesto número 20. También Nicky Jam en su colaboración con Feid llamada ’69’, en el número 28. Habrá que esperar al 9 de junio para escuchar el remix de ‘Polaris’ tema de Saiko en el que colaborará junto a Feid y que, probablemente, se encuentre en las listas de éxito nacionales una vez lo estrenen.
Argentina está de nuevo presente en el Top 100 de singles en nuestro país de la mano de dos duplas. Nicki Nicole junto a Milo J en ‘Dispara ***’ se sitúa en el número 68. Tiago PZK y Tini lo hacen en el puesto 77, con ‘Me enteré’.
Escuchar a Cruz Cafuné es un seguro de que ese día aprenderás algo nuevo. No son saberes rebuscados o muy técnicos, es conocimiento popular. Pero él lo aúna en sus letras llenas de referencias, una tras otra. Tienes que ser conocedor de la cultura rapera, de moda o del deporte. Y, por supuesto, saber cómo referirte a la marihuana con más de siete frases o palabras diferentes. ‘4 PREZ’, single que forma parte de su último y extenso álbum, sorprende con su producción, no muy común en el ecosistema del rap actual. Reúne las características para ser nuestra canción del día.
‘Me Muevo Con Dios’ es el último trabajo del artista. Son un total de veintitrés canciones que mezcla colaboraciones de muy alto nivel y las letras instructivas de Cruzzi. Westside Gunn, Quevedo, La Pantera, Hoke, LaBlackie, Boj o Miky Woodz son algunos de los que se han subido a los temas del rapero.
En este álbum no falta seriedad. Cruz Cafuné muestra en sus versos los remordimientos que puede producir alejarse de casa y de la familia por cumplir un sueño, por cumplir con su trabajo. La fama y el placer personal a veces no van de la mano y él siempre pone a Tenerife, su isla, como el faro que ilumina el camino de vuelta.
‘4 PREZ’ no es un tema sensible, pero aun así no faltan la referencia a su hogar, ese vínculo que siempre está presente en sus canciones. «Excursiones en jetski a calas solos tú y yo / Abama, solos tú y yo». Letras sencillas y muy costumbristas, pero la referencia a su isla siempre. Abama es un hotel de lujo en la costa de Tenerife.
No son rimas ni ritmos complicados, pero sí variados. La base se acerca al house de los años 90 y a un R&B adaptado al oído actual. La diferencia está en dos cosas. La base, que se presta para letras rapeadas o cantadas, se adapta al mood del rapero. Pero el sello de identidad está en las palabras, en el relato. No es nada nuevo, pero sí personal. Orgullo canario y amor por lo que no está al alcance de todo el mundo. Y no solo hablando de lo material.
El proyecto de Alberto García Roca es uno de los más particulares de la escena. No sé si decir «nuestra escena» porque en verdad, él mismo se presenta como un migrante procedente de un «pueblo del sur de España», que lo ha tenido que cambiar por Londres por «falta de oportunidades». Autodidacta y apasionado de la música, ha decidido imaginar cómo sonaría su grupo favorito del mundo y crearlo porque «no existía». Para ello, empezó a hacer música, grabando con un «micrófono de un portátil cutre en Audacity».
Desde que empezó a trastear, no ha sido capaz de parar, creando canciones a diario y sacando a la luz ahora 12 de las más de 30 que grabó para esta gran carta de presentación. Antes, precedieron otros proyectos locos, como aquellas producciones de muy pocos segundos ideadas para TikTok.
La música que encontramos en ‘Kinda Happy Kinda Sad’ es tan atrevida como anticipa todo esto. Ya es difícil dilucidar si ‘uwu’ es una grabación de electrónica experimental transformada en country durante una décima de segundo. Si ‘Lemme Go’ está más influida por of Montreal o por Pizzicato Five. Si podría ser la banda sonora de una serie de acción de los 60, o de otra de dibujos animados.
Lo seguro es que con varios cambios de ritmo y de estilo incluso dentro de la misma pista, Alien Tango es un bálsamo para la tristeza y el desánimo. Las letras han sido creadas durante la pandemia y eso sugieren textos como el de ‘Día Gris’, que nos habla de «otro día despierto, pero inerte». La música sugiere todo lo contrario. «Kinda sad» podrían ser los sentimientos de que parte el disco inicialmente. «Kinda happy» la respuesta musical.
Se ve muy claramente en los arreglos revitalizantes tamaño Red Bull de ‘B.F.F.‘, un canto a la amistad con derecho a roce por el que se asoman durante unos instantes una armónica, percusiones excepcionales, efectos especiales, pero sobre todo unos grandes arreglos de cuerda sintetizados estilo Northern Soul, que también resaltan la en principio acústica ‘Pulpo Frito’. Canción esta que nos promete frente al peor año de nuestra vida, que «lo bueno está solo por llegar».
Junto a ‘Song for FIFA‘ y esa ‘1000 Years‘ que se ha dejado para el final, son los grandes momentos de un álbum al mismo tiempo variado y lleno de sorpresas, pero coherente a la vez. ‘Kinda Happy, Kinda Sad’ lo mismo incluye una sección de vientos que otra electrónica a lo Daft Punk. ‘Memories Are Better than the Real Thing’ mezcla folk con country y solos de guitarra más bien metaleros. ‘Fish & Chips’ y ‘Sleep Paralysis’ se adentran en territorios más esquivos. El artista termina su disco hablando de los «1000 caminos» posibles en la vida, abordados musicalmente de «1000 maneras diferentes», pero siempre sin que dejes de tener la impresión de estar escuchando un disco de Alien Tango.
Si hay alguna certeza en la temporada de festivales es que el cartel del Primavera Sound siempre alberga varios de los nombres más importantes del año musical. Esta edición del festival barcelonés, que se celebra por primera vez en Madrid también, no es una excepción: Kendrick Lamar, Rosalía, Blur, New Order, Halsey… entre tantos otros artistas consagrados.
Con un despliegue tan grande de nombres, no siempre es fácil prestar atención a los artistas emergentes, pero merece la pena detenerse en ellos y descubrir pequeñas joyas perdidas en la inmensidad del ruido mediático. A continuación, 10 artistas jóvenes que darán que hablar y que podrán disfrutarse durante el festival.
Brutalismus 3000
Viktoria Vassiliki Daldas y Theo Zeitner se conocieron en Tinder y de su relación surgió Brutalismus 3000, un proyecto techno que no tuvo dificultades para encontrar su público ni en plena pandemia. Tras varios EPs, la pareja lanzó recientemente su álbum debut, ‘ULTRAKUNST’. Mezclando hard house, hyperpop o punk y alternando tres idiomas (eslovaco, alemán e inglés), se han hecho un merecido hueco en la escena electrónica contemporánea. La rave del irreverente dúo berlinés promete ser un divertidísimo espectáculo para terminar la noche por todo lo alto.
Anish Kumar
Una de las voces emergentes más interesantes de la electrónica británica es Anish Kumar. Las creaciones del productor y DJ de origen indio seducen por su espíritu festivo y su consistente precisión para construir melodías inmediatas. De forma similar a Four Tet o Caribou, es tan capaz de hacer un rompepistas como de adentrarse de forma satisfactoria en territorios más ambient.
Flowerovlove
Joyce Cisse, más conocida por su pseudónimo flowerovlove, es una cantante londinense de 17 años. Su estilo se mueve entre el indie rock y el indie pop, con producciones agradables y veraniegas y cálidas interpretaciones vocales. BBC Radio 1 la nombró “Future Artist of the Month” convirtiéndola en un valor al alza del pop británico. Entre sus canciones más destacadas se encuentran ‘Malibu’, ‘Hannah Montana’ o la reciente ‘Love You’. El año pasado lanzó un EP titulado ‘A Mosh Pit in the Clouds’.
Bar italia
Uno de los grupos más prometedores del momento. La prolífica banda londinense Bar italia, con su mutante indie-rock lo-fi, acaba de sacar su tercer largo ‘Tracey Denim’, un trabajo que seguramente aparecerá en algunas listas de lo mejor del año ya que ha conquistado a cierto sector melómano por méritos propios. Es difícil no sentirse atrapado por su sonido influido por el rock de finales de los 80 / principios de los 90. Viene a la mente Yo La Tengo o Broadcast como posibles referencias.
Two Shell (¥///0 $#£[[ \/\/&$ #£>3)
Si buscas algo desenfadado y moderno, Two Shell es justo lo que necesitas. Su electrónica glitch y experimental ofrece melodías pegadizas y una energía positiva contagiosa. ‘Home’, su mejor canción hasta el momento, es una burbujeante producción UK Bass capaz de levantar a un muerto. El misterioso dúo, además, cuenta con múltiples EPs a sus espaldas, destacando ‘Icons’. En sus manos, la diversión está asegurada.
Salamanda
El dúo coreano Salamanda sorprende por su onírico ambient minimalista. Su música pertenece a un estado cercano a la vigilia, a ese no-lugar entre sueño y conciencia. Sus delicadas producciones van construyendo mundos fascinantes mediante progresivas repeticiones. Pese a que su música a menudo se adentra en territorios inquietantes, es su calidez lo que hace de ella una experiencia tan agradable y sugerente.
TWIN
El proyecto en solitario de la valenciana Ana López tras formar parte de la banda Her Little Donkey presenta un sonido renovado: un electropop etéreo con fuerte presencia del autotune que cuenta con canciones tan envolventes como ‘Benasque’. También se atreve a versionar la ya mítica ‘Blinding Lights’ de The Weeknd adaptándola al español en ‘Cegada por la luz’.
Antònim
Ton Llevot y Maxi Ruiz forman Antònim, un proyecto musical donde la electrónica y la naturaleza van mano a mano. Una dulce voz, baja en la mezcla, acompaña a sonidos sintéticos, delicadas percusiones, sutiles guitarras y tonalidades psicodélicas. ‘Llar Camí’ es el prometedor álbum debut del dúo catalán, un trabajo ecléctico y cohesionado que al escucharlo te transporta a una naturaleza calmada. Como dar un placentero paseo por el bosque.
Verraco
El productor colombiano JP López ofrece una explosivo despliegue de las posibilidades de la música electrónica. Desde la celestial ‘Our New Order’ al deconstructed club con ritmos reggaetoneros de ‘Ronalidnho hace la elástica’, pasando por un remix del ‘megapunk’ de Ella Minus, el show de Verraco será, sin duda, ecléctico e interesante. Ideal para perderse en sus texturas futuristas.
Alissic
Según su biografía de Spotify, la brasileña Alissic nació nueve meses después de que sus padres se encontraran un UFO. Su voluntad de resultar misteriosa también se traslada a su música, aunque esta es mucho más accesible de lo que podría parecer, llena de ganchos y melodías que funcionan de forma efectiva. Con una clara tendencia pop y cantando en inglés, su estilo en ocasiones recuerda a la primera Halsey. Aún pendiente por sacar un disco, Alissic podría perfectamente convertirse en una nueva sensación pop en los próximos años.
Quién iba a decir que una comedieta como ‘Cortocircuito’ (1986), dirigida por John Badham -autor de una de las películas más icónicas de los 70, ‘Fiebre del sábado noche’, y uno de los reyes del videoclub de los 80 con exitazos como ‘Juegos de guerra’, ‘Dos pájaros a tiro’ o la propia ‘Cortocircuito’- se iba a convertir en un referente estético para la representación cinematográfica de los robots cuquis y “adorables”.
El diseño de Johnny 5, obra del gran Syd Mead (creador de todo tipo de cachivaches futuristas para ‘Blade Runner’, ‘Aliens’ o ‘Tron’), fue fusilado por Pixar en ‘Wall-E’, copiado en versión cíclope en ‘La oveja Shaun: Granjaguedón’ (el robot Mugg-1N5) y recuperado ahora en formato roomba en el nuevo videoclip de Harry Styles.
El Curiosity –el Cortocircuito de la NASA- aparece en un televisor explorando Marte mientras se escucha la inconfundible voz de Brian “Logan Roy” Cox. Esta visión resulta una epifanía para la humilde aspiradora que se mueve por la sala de catering del concierto de Styles. Se queda con la boca abierta. A partir de esa revelación, la aspiradora robótica se escapa de allí como una esclava de un campo de algodón y emprende un largo viaje en busca de su sueño.
Influenciado conceptualmente por ‘Wall-E’, ‘Satellite’ sigue los códigos dramáticos de la fábula con mensaje motivador. Tras recorrer medio país, de gasolineras y callejones inmundos a bosques, montañas, Las Vegas o el Gran Cañón, el simpático robocito llega casi sin batería a su destino: el centro de ensamblajes de vehículos de la NASA, en Florida. De este modo, la aspiradora pasa de aspirar miguitas de una moqueta a inspirar sueños de grandeza planetarios.
El Partido Popular ha ganado las Elecciones Municipales de 2023 con el 31,50% de los votos, frente al 28,11% del Partido Socialista. Las elecciones han supuesto una debacle electoral tanto para Ciudadanos como para Podemos. Avanza el PP también en poder autonómico y podrá gobernar con VOX en Comunidad Valenciana, Cantabria, Baleares, Extremadura y Aragón. El PSOE solo retiene con mayoría absoluta Castilla La-Mancha, y podrá realizar pactos en Asturias y Navarra.
En un ambiente de euforia en Génova, dadas las sendas mayorías absolutas de Ayuso y Almeida, esta última muy poco esperada, Alberto Núñez Feijóo se asomó al balcón mientras sonaba una canción de Coldplay. Justo cuando el grupo acaba de actuar para 200.000 personas a lo largo de 4 días en el Estadí Olimpic de Barcelona.
La elección musical no pasó inadvertida para la prensa generalista ni para los tuiteros comentando las elecciones en las redes sociales. La canción elegida fue ‘Fix You’ y la parte pinchada la más épica, como se puede ver en el vídeo de El País.
Las elecciones musicales de Feijóo han sido noticia previamente durante esta campaña. Nada menos que Patti Smith y su himno revolucionario ‘People Have the Power’ fue el tema que abrió el Congreso del Partido Popular de abril de 2022 para coronar a Feijóo. Y el mismo tema sonó en un acto de campaña este mismo mes de mayo.
¿Qué opinará Patti Smith, gran seguidora de Lorca y de la cultura española en general, sobre el uso de este tema que hablaba de que «el pueblo tiene el poder para redimir la obra de los necios»? Os recordamos que podéis hablar sobre las elecciones en nuestro foro Política Superficial.
Kylie Minogue logra colocar su nuevo single en el top 40 británico. Un milagro ahora mismo para una canción electropop como ‘Padam Padam‘ y para una artista que acaba de cumplir 55 años justo este fin de semana. Pero lo mejor no es que este tema se haya situado en el puesto 26 con 14.649 copias vendidas durante su primera semana (4.600 descargas y 10.000 puntos de streaming). Lo mejor es que su éxito podría ser duradero a tenor de su comportamiento durante los últimos días.
Efectivamente, ‘Padam Padam’ es ya el mayor éxito de Kylie de la era streaming. ‘Dancing’ de su disco country quedaba en el puesto 38, y tanto ‘Magic’ como ‘Say Something’ rondaron los puestos 55. Esta vez ‘Padam Padam’ ya ha llegado más alto, quedando más cerca del top 12 logrado por ‘Into the Blue’ en el año 2014. Corrían entonces los tiempos de iTunes, no los de Spotify, y era más fácil para los artistas veteranos producir ventas significativas entre sus fans durante la primera semana.
Pero lo mejor es el crecimiento orgánico que la canción está consiguiendo, mejorando visiblemente los datos de sus primeros días. ‘Padam Padam’ entró al 104 en Spotify UK en su día de salida. Después, desapareció de la lista y al tercer día resucitó de entre los muertos. Este viernes lograba ascender al puesto 69 y este sábado ha bajado al puesto 80, pero aun así continúa más alto que la semana anterior. El tema ha sido aceptado en una playlist tan importante en las islas como Hot Hits UK, también en Good Vibes o Just Hits, y eso está siendo decisivo en su popularidad.
Ahora solo queda comprobar cómo se desarrolla el tema, si Radio 1 le da la oportunidad de pincharlo, y si algo de ese entusiasmo se contagia fuera de Irlanda y Australia, de momento únicos países apoyando algo ‘Padam Padam’.
Histórico de Kylie Minogue en Reino Unido (Singles UK)
1988 01 I Should Be So Lucky
1988 02 Got To Be Certain
1988 02 The Loco-Motion
1988 02 Je Ne Sais Pas Pourquoi
1988 01 Especially For You (Kylie Minogue & Jason Donovan)
1989 01 Hand On Your Heart
1989 02 Wouldn’t Change A Thing
1989 04 Never Too Late
1990 01 Tears On My Pillow
1990 02 Better The Devil You Know
1990 04 Step Back In Time
1991 06 What Do I Have To Do?
1991 06 Shocked
1991 16 Word Is Out
1991 04 If You Were With Me Now (Kylie Minogue & Keith Washington)
1991 49 Keep On Pumpin’ It (Visionmasters feat. Tony King & Kylie Minoque)
1992 02 Give Me Just A Little More Time
1992 11 Finer Feelings
1992 14 What Kind Of Fool (Heard All That Before)
1992 20 Celebration
1994 02 Confide In Me
1994 11 Put Yourself In My Place
1995 16 Where Is The Feeling?
1995 11 Where The Wild Roses Grow (Nick Cave & Kylie Minogue)
1997 22 Some Kind Of Bliss
1997 14 Did It Again
1998 14 Breathe
1998 63 GBI (Towa Tei feat. Kylie Minogue)
2000 01 Spinning Around
2000 02 On A Night Like This
2000 02 Kids (Robbie Williams & Kylie Minogue)
2000 10 Please Stay
2001 01 Can’t Get You Out Of My Head
2002 03 In Your Eyes
2002 02 Love At First Sight
2002 08 Come Into My World
2003 01 Slow
2004 05 Red Blooded Woman
2004 06 Chocolate
2004 02 I Believe In You
2005 06 Giving You Up
2007 04 2 Hearts
2007 31 Santa Baby
2007 05 Wow
2008 10 In My Arms
2008 36 The One
2010 03 All The Lovers
2010 12 Get Outta My Way
2010 32 Better Than Today
2011 08 Higher (Taio Cruz feat. Travie McCoy & Kylie Minogue)
2011 93 Put Your Hands Up (If You Feel Love)
2012 31 Timebomb
2013 96 Flower
2014 12 Into The Blue
2014 59 I Was Gonna Cancel
2014 60 Crystallize
2018 38 Dancing
2018 52 Stop Me From Falling
2020 56 Say Something
2020 53 Magic
2021 95 Real Groove (Kylie Minogue & Dua Lipa)
2023 26 Padam Padam
El desencuentro entre las expectativas de nuestro corazón y la realidad con que lidia nuestra cabeza es el tema principal del segundo disco de BAILEN, el grupo formado por los hermanos Daniel, David y Julia. Hablan estas canciones desde la intimidad de una hoguera, como sucede en el onírico, casi bucólico paisaje del tema titular, marcado como su debut por sus suaves armonías vocales.
Pero BAILEN también tienen un interés medido por el avant pop y muchas de sus composiciones, especialmente los singles, incorporan ritmos ligeramente electrónicos, casi bailables. Es el caso de ‘Nothing Left to Give’, un intento de supervivencia a través de los baches: sé que saldré de esta viva / así que no me impidas intentar disfrutar del camino». O de ‘Here We Are Again’, un tema que recuerda los días pasados de una pareja que ahora ya no tiene nada que decirse cuando se va a la cama.
Fleetwood Mac o Fleet Foxes parecen algunos de los referentes, si bien en este último momento, incluso se acercan al pop bien hecho de Harry Styles. Al fin y al cabo las manos a cargo de la producción y la mezcla son tan experimentadas como las de Brad Cook (Bon Iver, Waxahatchee) y Lars Stalfors (Soccer Mommy, St. Vincent, Local Natives).
Son estas canciones, junto al bajo funk ‘Call It Like It Is’ la excepción que confirma la regla, pues en verdad en el segundo disco de BAILEN predominan las producciones delicadísimas como ‘These Bones’, otro canto a la esperanza sobre curarnos. Sobre todo en la segunda mitad del álbum, donde aparecen confesiones susurrantes como ‘Change Your Mind’, y una pieza sobre la enfermedad de la madre de los miembros del trío. ‘BRCA (Nothing Takes Me Down)’ habla exactamente del gen que Julia comparte con su madre, que sufrió un cáncer de mama.
En ese grupo de canciones, la más impactante es ‘Relic’, una de esas grabaciones en las que BAILEN deciden abrirse. Si ‘Leave Me Wanting More’ incluso había mencionado a un terapeuta, ‘Relic’ deja toda la congoja que se propone desde su sencillez. «No hay nada que pueda hacer para que vuelvas a quererme», plantea, mientras otros fragmentos del texto son más poéticos apelando a que «no hay ni bien ni mal / sólo cosas que hace la gente».
Como para evitar que el disco deje mal sabor de boca o demasiada balada, ‘Tired Hearts’ se cierra en un registro diferente. ‘Hiding’ comienza más influida por las baladas clásicas de R&B de los años 60, pero mutando en medio tiempo al final. Ahí podríamos hablar de soul pop, solo que con la gracia de que BAILEN no han dejado de sonar a sí mismos en ninguno de los detalles.
Antonio Gala ha fallecido en Córdoba tras una larga enfermedad. Así lo han informado el Patronato de la Fundación Antonio Gala y su familia a través de un comunicado. Tenía 92 años.
Dramaturgo, novelista, poeta y ensayista, Gala fue uno de los grandes de la literatura española de finales del siglo XX y principios del XXI. Entre sus novelas cumbre se encuentran ‘El manuscrito carmesí’ (1990) y ‘La pasión turca’ (1993) y, entre sus obras de teatro, destacaron ‘Los verdes campos del Edén’ (1977), ‘Anillos para una dama’ (1973) o ‘Cálculo de estructuras’ (1993). Gala fue además un reputado articulista y también escribió ensayos y relatos.
Pero la que Gala consideraba su «gran obra» no fue ninguna obra escrita: la Fundación Antonio Gala abrió en 2002 en Córdoba con el objetivo de apoyar a los jóvenes creadores. Gala vivía en la sede de su fundación, en el antiguo convento del Corpus Christi, y de hecho era cordobés de adopción, pues él nació en Brazatortas, Ciudad Real, pero se trasladó a Córdoba a los 9 años.
En 2011, a Gala le fue diagnosticado un cáncer de colon del que anunció su recuperación en 2015. Desde entonces sus apariciones públicas han sido muy excepcionales, y eso que Gala era un personaje conocido por varias generaciones gracias a sus continuadas intervenciones en televisión, como en el programa de Jesús Quintero, donde eran lapidarias sus reflexiones sobre la vida, la muerte o la mera existencia.
La imagen pública de Gala era indisociable a su dependencia del bastón: se dice que su colección ascendía a los 3.000 bastones. Él daba una visión diferente: «Yo no colecciono bastones: colecciono amigos que regalan bastones. Y en realidad no me apoyo al andar en los bastones: me apoyo en los amigos».
Primavera de 1992. MTV Europa empieza a programar el vídeo de una misteriosa cantante llamada Sophie B. Hawkins. En él -filmado en ese blanco y negro característicamente arty de los 90- la artista interpreta una canción en un espacioso loft a modo de local de ensayo, mientras se mueve sin parar, baila, se une a sus músicos, rueda por el suelo. Nada excesivamente original, pero se podía percibir algo en su forma de conducirse, en su lenguaje corporal, de espíritu insumiso, de estar al mando vital y musicalmente de toda la situación. Una impresión de libertad que iba en consonancia con la canción, con su ritmo medio tiempo tipo “baggy” y una letra llena de versos de amor y deseo dirigidos a una persona atrapada en una relación de abuso.
¿De dónde salía esta nueva artista, que debutaba con este single? La neoyorkina Sophie se había formado estudiando percusión africana en la Manhattan School of Music for Percussion, además de especializarse en jazz y tocar múltiples instrumentos. Su primera y corta experiencia en la industria musical vino a finales de los 80 de la mano de Bryan Ferry: fue contratada como percusionista para sus directos, hasta que sorpresivamente fue despedida. En vez de sumirse en una depresión, Sophie lo tomó como una señal de que quizá debía apuntar a objetivos más ambiciosos, y esa misma noche empezó a componer lo que acabaría siendo ‘Damn I Wish I Was Your Lover’.
Después de dos años trabajando demos y puliendo sus composiciones, el sello Columbia lanza en 1992 ‘Tongues and Tails’, su álbum de debut, con la canción en cuestión como estandarte. Tras un vídeo que se estima demasiado “atrevido”, se lanza el definitivo en blanco y negro, mientras las radios empiezan a programar con frecuencia el tema. Su comienzo con caja de ritmos y vaporosos pads de sintetizador es un gancho bastante irresistible, seguido de un precioso estribillo que llega -con oportuna prontitud- a los 30 segundos, redondeando el cebo. Al que a su vez le sigue un tercer gancho: la entrada de la segunda estrofa introduce un sample de la espectacular batería de ‘When the Levee Breaks’ de Led Zeppelin (un loop que en los 90 sería usado casi cada mes, por artistas como Björk, Enigma, Saint Etienne, Massive Attack o los Chemical Brothers), dando a la canción una pulsión totalmente excitante.
Sobre ese lienzo, Hawkins se movía musicalmente tan a sus anchas como en el vídeo: muchas estrofas, un puente largo y brillante, un reprise de la intro… en la era del CD ya no había prisa por acabar las canciones a los tres minutos y medio. En paralelo, la letra tiene suficiente recorrido para explorar con mucha miga esa llamada a soltar un relación tóxica (“Ese viejo perro te tiene totalmente encadenada / Te da todo lo que necesitas para que vivas en una jaula perversa / Y que duermas junto a una rabia vacía”) y -crucialmente- a revelar en la tercera estrofa que está cantándole a una mujer (“Me senté en la ladera con paz en mi mente / Yací junto al océano haciéndole el amor a ella”).
Ese verso con pronombre femenino no le había llamado la atención a nadie en particular hasta que durante una entrevista para el NYT el periodista Jon Pareles le soltó una pregunta tan “normal” en 1992 como inaceptable en el presente: “¿eres lesbiana?”. Sophie, una persona franca y natural, le respondió que era “ambisexual”. Ante la sorpresa de Pareles, explicó: “mi género no define mi sexualidad. Lo hace mi espíritu creativo. Una pareja masculina no me hace hetero, ni una pareja femenina me hace gay. Yo lo soy todo, omni es todo y uno». A pesar del enfado de Columbia Records (tan normal en 1992 como inaceptable en el presente), del que Sophie hablaba recientemente en una entrevista con el Huffington Post, el escándalo se quedó en nada. De hecho, la valentía de haber sido sincera le valdría salir reforzada y -como comenta en la entrevista- tener carta libre para empezar a hablar del espectro de género en las radios (en plenos primeros 90) y convertirse en defensora de los derechos LGBTQ+.
La carrera de Hawkins no sólo siguió adelante, sino que se libró de quedarse en una simple «one hit wonder». De hecho ‘Right Beside You’ y ‘As I Lay Me Down’ -singles de su segundo disco- se clasificarían aún mejor que el top 5 de ‘Damn I Wish I Was Your Lover’. Pero ninguna de ellas era tan carismática como ‘Damn…’, que quedará siempre como la canción que convirtió en mágicas aquellas semanas preveraniegas del 92, y la que definiría a Sophie B. Hawkins como un raro espíritu libre en la retorcida maquinaria de la industria musical.
Tras un tercer disco con Sony/Columbia de resultado más discreto, Sophie recorrió la siguiente década y media editando para sellos más pequeños, pero sin caer nunca en el olvido (memorable su aparición en la cuarta temporada de ‘Community’). Ahora, tras un hiato de una década, acaba de publicar un nuevo disco, ‘Free Myself’.
‘Damn I Wish I Was Your Lover’ suena en la entrega nº 413 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.
Taylor Swift ha lanzado una versión extendida de ‘Midnights’, la «Til’ Dawn Edition’, que incluye varias sorpresas, como la versión con «más Lana Del Rey» de ‘Snow on the Beach’ o la antes inédita ‘Hits Different’. La mayor curiosidad de todas puede ser el remix de ‘Karma’ con Ice Spice, pues una unión entre Taylor y Ice Spice probablemente no la habríamos adivinado.
Claro que, por otro lado, tiene todo el sentido del mundo: ‘Karma’ es el nuevo single de Taylor y Ice Spice la rapera de moda, influyente incluso en España. Puede que la colaboración suene algo forzada, pero también sonaba forzada la de PinkPantheress y ha sido macrohit.
‘Karma’, que ya era una de las mejores canciones del irregular ‘Midnights’, era otra producción semi alternativa de Jack Antonoff y Taylor, entre el synth-pop y el pop a secas, con un punto lo-fi-pero-no (el volumen de la base en comparación con el de la voz, la producción al fin y al cabo refinada, nada lo-fi en realidad) con créditos en la producción también de Sounwave, Keanu Beats y Jahaan Sweet.
Una de las canciones más inmediatamente «catchy» de ‘Midnights’, casi a la altura de ‘Anti-Hero‘ (no extraña que sea single oficial), ‘Karma’ es una canción de Taylor que iba a existir tarde o temprano, pues Taylor y el karma son viejas amigas. En ‘Bad Blood’ o sobre todo en ‘reputation‘, su tendencia vengativa se hacía notar. Y no es que a Taylor le falten razones: muchos creen que ‘Karma’ puede estar dedicada a Kanye West o sobre todo a Scooter Braun, pero lo mejor es que es lo suficientemente universal como para que pueda hablar de mil personas a la vez sin que los oyentes se sientan excluidos de la lectura. El «middle 8» -Taylor los construye con maestría- lo dice todo: «pregúntame qué he aprendido en todos estos años, pregúntame qué he ganado de todas esas lágrimas, pregúntame por qué tantos desaparecen y yo sigo aquí».
Antes, Taylor habla del karma como si fuera su mejor amiga, también su «novio», y promete a un enemigo que el karma le devolverá todos los males que ha hecho. Ella tiene la «conciencia tranquila» (qué bonita es la expresión inglesa «to keep your side of the street clean»), y su némesis está «aterrado de mirar hacia abajo» y descubrir todo lo que ha destruido. En el remix, Ice Spice le da el toque urbano a la canción: «karma is your chеck’s ‘boutta bounce / and she’s boutta pop up unnanounced».
El videoclip de ‘Karma’ es otro festín visual, como los de ‘Anti-Hero’, ‘Bejeweled’ y ‘Lavender Haze’, y sitúa a Taylor en diversos escenarios: la vemos en el mundo de ‘El mago de Oz’, en el interior de un reloj de arena, en algo parecido al infierno. Finalmente Taylor y Ice Spice se reconfortan la una a la otra: la primera es una montaña, la segunda una nube.
‘Padam Padam’ ha sido acogida con los brazos abiertos por nuestros lectores y ha sido lo más votado tanto en la web, como en el “Desempate de Twitter”, donde se ha hecho con el 53% del televoto. Jessie Ware quedaba con el 21%, Lana del Rey con el 15% y Loreen con el 11%.
Se trata del 6ª número 1 en nuestro top para Kylie Minogue tras ’The One’, ‘Dancing’, ‘Say Something’, ‘Magic’ y ‘Real Groove’. Como veis, 3 de ellos estuvieron extraídos de ‘DISCO‘, su era más aceptada por aquí… de momento.
Tras Kylie y Loreen, también hay entradas fuertes, directas al top 10 ocasi, para Róisín Murphy, Miley Cyrus, Blur, Anohni y Bad Bunny.
Chenoa será la presentadora de la nueva edición de Operación Triunfo, que se estrenará a finales de 2023 por primera vez en Prime Video. Con una referencia a ‘Cuando tú vas’, uno de los mayores éxitos de Chenoa, ambos han confirmado la noticia: «cuando tú vas, yo vuelvo»
También Operación Triunfo ha felicitado a Chenoa por su regreso: «Del número 89 en el casting, a presentar OT 2023. ¡Bienvenida de nuevo a casa, Chenoa!»
Chenoa volverá a Operación Triunfo más de 20 años después de concursar en la primera edición, en la que quedó cuarta. El programa se estrenó el 22 de octubre de 2001 y la final del 11 de febrero de 2002 sigue siendo el momento televisivo más visto en la historia de España.
Tras su paso por Operación Triunfo, en 2002, Chenoa publicó su primer disco, homónimo, que incluye dos de sus mayores hits, ‘Atrévete’ y ‘Cuando tú vas’. Desde entonces ha editado otros seis álbumes de estudio, como ‘Soy mujer’ (2004), ‘Absurda Cenicienta’ (2007) o ‘Soy humana’ (2016) y ha obtenido singles de éxito con ‘Rutinas’ o ‘Todo irá bien’.
Desde 2016, Chenoa ha desarrollado una carrera paralela en la televisión y, de hecho, con su participación en ‘Celebrity Bake Off España’ ya trabajó con Prime Video. Además, es jueza de ‘Tu cara me suena’ desde hace seis años y también se ha dejado ver en programas como ‘Zapeando’.
‘Operación Triunfo’ será el primer programa de Prime Video que se emita en directo de manera semanal y, además, contará con canal 24 horas.
Lewis Capaldi es divertidísimo. En serio: poneos una entrevista random de Lewis y lo más probable es que terminéis soltando una buena carcajada, o muertos de risa. Sus dotes cómicas son hilarantes y su capacidad para reírse de sí mismo (por ejemplo de su síndrome de Tourette) ha producido grandes momentos. En una entrevista le piden que promocione su disco y él, buscando la cámara, contesta: “No perdáis el tiempo. Es una broma total. No parecía posible, pero es incluso peor que el anterior. Compraos el disco de Ed Sheeran”.
Escuchar ‘Broken By Desire to Be Heavenly Sent’ es descubrir que es obligado tomarse las palabras de Lewis literalmente, aunque él las diga de broma. Es curioso que los títulos de sus discos parecen satíricos, porque las canciones van muy, muy, muy en serio. Ni una gota del sentido del humor, el ingenio o la agudeza de Lewis se filtra en las composiciones. Las máximas de la “gran balada pop” se aplica en (casi) todas ellas, sin sorpresas.
El segundo disco de Capaldi es evidentemente continuista de ‘Divinely Uninspired to a Hellish Extent’, en título y espíritu. “Broken By Desire” también hace gala de una falta de inspiración, pues eso, “infernal”. Los mismos autores, como Nick Atkinson o Edd Holloway, están involucrados. Capaldi sigue perdidamente enamorado o canta con el corazón destrozado. Bien, nos pasa a todos.
Y tampoco es que a Capaldi debamos hacerle el mayor de los vacíos sociales: tres de los singles de “Broken By Desire” han sido número 1 en Reino Unido. Una barbaridad. ’Forget You’ sobresale por su sonido animado y liviano, ‘Wish You the Best’ consigue ser algo más que la enésima ‘Someone You Loved’, y ‘Pointless’ demuestra que a Capaldi el sonido 50s de Stephen Sanchez le sienta bien.
El problema es que (casi) todas las canciones de “Broken By Desire” presentan la misma estructura, la misma idea de melodía sensiblera, el mismo desarrollo épico, el mismo apoyo en el piano más azucarado posible, la misma carga de clichés romanticones, del “quizá sea un tonto por enamorarte de ti” (‘Burning’) al “no tengo miedo de morir si es a tu lado” (‘Pointless’). Excepcionalmente, las guitarras de ‘How I’m Feeling Now’ son hijas del brit pop y los teclados de ‘Leave Me Slowly’ remiten a la nostalgia del primer George Michael o del primer Prince.
Pero son eso: excepciones. La mayoría de pistas “Broken By Desire” no se salen del molde y, sobre todo, exhiben una ambición desmedida de alcanzar la punta del Everest del melodramatismo pop, además tomándose a sí mismas tan en serio que no puedes evitar echar de menos que la genial personalidad de Capaldi se haga notar un poco más en las letras. Una canción, por ejemplo, ‘Haven’t You Ever Been In Love Before?’, puede parecer una monada escuchada de manera individual. Todas seguidas se atragantan, te aplastan con un alud emocional del que es imposible salir con vida.
Solo en pequeños destellos la auténtica vulnerabilidad de Capaldi parece atravesar sus nuevas composiciones. Cuando sufre por una relación romántica separada entre Glasgow y Los Ángeles, o cuando observa su falta de autoestima (“me pongo máscaras porque no me gusta la cara que hay debajo”), da la sensación de que Capaldi no se está limitando a interpretar tópico tras tópico sin darles una vuelta. Pero el repertorio de “Broken By Desire” hace una renuncia total a la imaginación.
Céline Dion ha cancelado las fechas de su gira mundial ‘Courage Tour‘ debido al desorden neurológico que padece, el síndrome de la persona rígida. Dion había pospuesto las fechas de la gira hasta en tres ocasiones y, antes de posponerlas una cuarta vez, ha tomado la decisión definitiva de cancelarlas.
En un comunicado, Dion informa: «Siento decepcionarnos de nuevo. Estoy trabajando duro para recuperar mi fortaleza, pero estar de gira puede ser muy difícil aunque estés al 100%. No es justo para vosotros que siga posponiendo los conciertos y, con todo el dolor de mi corazón, lo mejor es que las cancele todas hasta que me sienta realmente preparada para volver al escenario. Deseo sepáis que no me voy a rendir, y que me muero de ganas por volver a veros».
La gira de ‘Courage’, de la que Dion ha completado 52 fechas, continuaba entre verano y primavera de 2023 y 2024. El tramo de 2023 empezaba en Amsterdam en agosto y concluía en Helsinki en octubre. Después, el tramo de 2024 arrancaba en Praga en marzo y transcurría durante el mes de marzo y parte del mes de abril, hasta finalizar en Londres.
El síndrome de la persona rígida provoca espasmos musculares en las personas que lo padecen y Céline ha explicado que, en su caso, le impide cantar y actuar en condiciones adecuadas. El comunicado oficial comunica que el equipo médico de Céline «continúa evaluando su condición».
Dion acaba de ser noticia por el estreno de la comedia romántica ‘Love Again’, en la que aparece interpretándose a sí misma. La banda sonora de ‘Love Again’ se compone de once canciones de Céline Dion que suenan hiladas en el argumento de la película, y cinco de esas canciones son completamente nuevas.
En los años 80, Pietro, un niño de ciudad, veranea con sus padres en una remota aldea en los Alpes italianos. Sin mucho que hacer allí más allá de explorar rutas con su padre y disfrutar del impresionante entorno rural que les rodea, conoce a Bruno, el único niño que vive en la zona. La nueva película del director belga Felix Van Groeningen (‘Alabama Monroe’, ‘Beautiful Boy’), ganadora del Premio del Jurado en Cannes el año pasado, adapta el best-seller italiano de Paulo Cognetti e indaga en la fuerte amistad que nace entre ambos niños y que se prolonga durante el resto de sus vidas. Con ayuda tras las cámaras de su esposa, la actriz Charlotte Vandermeersch, Groeningen traslada el relato a la pantalla con un decidido preciosismo visual capturado con poderío por el director de fotografía Ruben Impens en 4:3.
Es particularmente en el primer acto cuando la película brilla con mayor intensidad; en ese delicado y nostálgico reflejo de la infancia despreocupada y feliz. Lástima que en sus intermitentes destellos de buen cine se cuele más a menudo de lo que debería la sensación de que Groeningen y Vandermeersh, pese al impacto visual de sus imágenes, no creen demasiado en ellas como vehículo narrativo. Una reiterativa y didáctica voz en off se empeña en contar lo que ya está contado, otorgando una innecesaria literariedad que juega en contra de sus virtudes cinematográficas.
Pese a ello, estas virtudes levantan un filme que, si bien podría perfilar mejor su estructura narrativa, deja algunos momentos de notable sensibilidad y belleza en su tierno acercamiento al universo masculino, a ese amor de padre a hijo y de amigo a amigo. La gran noticia que deja ‘Las ocho montañas’ es que Groeningen consigue por fin esquivar su característica y peligrosa tendencia melodramática que tan menudo ha lastrado sus anteriores trabajos. Aquí, aun no alejándose en exceso de esa estela folletinesca, se muestra más comedido a la hora de plasmar la intensidad de las emociones en la pantalla. Por ello, los instantes menos explosivos son los que mejor funcionan para construir la relación entre sus personajes (esa conversación ebria, la construcción de la casa en las montañas).
Los directores consiguen unas entregadas interpretaciones de todo su reparto, especialmente de sus protagonistas en su versión adulta. Luca Marinelli (Pietro en la ficción) sigue demostrando ser uno de los grandes actores italianos actuales, pero brilla con particular intensidad el matizado trabajo de un pletórico Alessandro Borgi, encarnando a Bruno, un hombre que no conoce ni quiere conocer la vida más allá de su montaña.
En ‘Las ocho montañas’ sobrevuela el contraste de ambas formas de vida, la de aquel que ansía ver y descubrir países y continentes para encontrarse a sí mismo, y la del que se conforma con el lugar en el que ha nacido porque no necesita de viajes para conocer su lugar en el mundo. Un choque interesante de perspectivas que los directores plasman con parcialidad y respeto. El filme, no obstante, sí puede ser acusado de ofrecer una visión foránea y romántica de más de un estilo de vida alternativo y rural. Pero con sus luces y sombras, siempre resulta agradable perderse en la inmensidad de los paisajes que aquí se retratan.
Alejandro Sanz ha acudido a Twitter en las últimas horas para expresar el sentimiento de desánimo que vive estos días. El cantante asegura no encontrarse bien psicológicamente. «No estoy bien. No sé si esto sirve de algo pero quiero decirlo. Estoy triste y cansado».
En el mensaje, Sanz señala que ha decidido compartir su bajo estado de ánimo «por si alguien más cree que hay que ser siempre una brisa de mar o un fuego artificial en una noche de verano» y, aunque asegura estar «trabajando para que se me pase», y confía en que cuando se suba a un escenario «algo dentro me dirá qué hacer», agrega que «literalmente, a veces no quiero ni estar». Sanz dice querer «ser sincero» y «no entrar al ruido inútil», y espera que su mensaje sirva a alguien que esté pasando por la misma situación: «Sé que hay gente que se siente así. Si te sirve, yo me siento igual».
El mensaje de Sanz ha sido recibido con muestras de apoyo y ánimo de sus seguidores, que extienden a Sanz su comprensión y le alientan a «refugiarse en lo que te haga feliz». También le dan las «gracias por ser vulnerable, siendo hombre, «donde muchas veces la sociedad les enseña que siempre deben ser fuertes».
Sanz está a punto de comenzar su próxima gira de conciertos en España, que empieza el 3 de junio en Navarra y le llevará por toda la geografía española antes de poner rumbo a Estados Unidos y América Latina. Al autor de ‘Corazón partío‘ le espera un año lleno de conciertos, pues su actual gira concluye a finales de octubre, en México.
El motivo de la gira de Sanz es su último disco, llamado como su apellido, si bien Alejandro ha publicado nueva música en los últimos tiempos: su colaboración con Danny Ocean, ‘Correcaminos’, está producida por Alizzz, y también le hemos escuchado acompañado de Eros Ramazzotti en ‘Sono’, de Camilo en ‘NASA’, o de Keny García en ‘Muero’.
“Hacemos manualidades, práctico clases de plástica”. El reggaetón está lleno de frases atrevidas y sexuales, pero lo de Mushkaa en ‘Barras Warras’ es diferente. Es divertido y descarado, por eso es nuestra canción del día. Letras en catalán y ritmos de trap que lejos de ahuyentar oyentes, los atraen.
Quizá el éxito se lleva en la sangre, pero Irma Farelo, nombre de la cantante, hace méritos sin usar su título como hermana de Bad Gyal. Tampoco se avergüenza, está orgullosa y lo demuestra dedicándole frases en alguna canción: “Estic creixent ‘todavía’, vull fer els passos de l’Alba».
Aunque no tienen nada que ver, mucha gente las compara. Quizá las letras en catalán de Mushkaa recuerdan a esos primeros temas en YouTube de Bad Gyal, pero nada más. La personalidad de Irma encima de los escenarios le ha comenzado a dar su lugar.
‘Tas Loko Mixtape’ es su primer EP y ‘Barras Warras’ es el perfecto titular. El reggaetón en la base y la diversión en la letra. Le acompaña Calagher, cantante catalán, quien añade una voz ronca, que casi susurra los juegos de palabras que se van turnando entre los dos.
Hablan de la tensión sexual, las idas y venidas con esa persona que te trae loco, el tonteo en una fiesta o los celos. Lo hacen como si nada, porque han vivido lo que están cantando. Es un tema para bailar sin preocuparte de si esa persona no te hace caso, pero mucho más sinvergüenza que el perreo tradicional.
Leiva visitaba anoche La Resistencia por tercera vez y ocurrió de todo menos promoción de su nuevo single ‘Jaula de Oro’, junto a Conociendo a Rusia. El cantante, que ya tiene fama con los regalos que le hace a Broncano, se pasó el juego.
Las últimas veces había llevado fotos de desnudos, uno suyo y otro de su padre. En esta ocasión Leiva contó que, por razones médicas, había tenido que realizarse unas pruebas digestivas, una colonoscopia y gastroscopia. Para el procedimiento le sedaron con propofol, el anestésico que había “matado Michael Jackson”.
Mientras se recuperaba de la sedación su hermano le grabó un vídeo, que fue el regalo que llevó para Broncano. En la grabación aparecía el artista en un delirio que deja frases para recordar: “es inminente una recolección de fresa con árabes. Hay que distribuir equitativamente. Sería preocupante que no tuviesen un trato justo, son temporeros que vienen de muy lejos”. El cantante aclaró que días antes había visto una película que tenía como protagonistas a unos temporeros en unas condiciones muy malas. Aún así, no se libró de que el presentador le llamase “yonki sindicalista, yonki pero muy justo con la lucha de clases”.
El resto del programa no fue a menos. Leiva reconocía que tras diecisiete años sin poder soportar el mítico tema de ‘Princesas’ había vuelto a interpretarlo en un concierto hacía poco. Desnudos, anécdotas de algún que otro robo en gasolineras y reflexiones acerca del tamaño de su cabeza fueron la tónica del show.
Enrique Bunbury presenta hoy su nuevo álbum ‘Greta Garbo’, que viene de la mano de un cambio de opinión en cuanto a su retirada de los escenarios. Vuelve, sí, pero con condiciones. Ofrecerá diez conciertos hasta 2024: cinco este año y cinco el verano que viene.
El cantante anunciaba que se apartaba de las giras en 2022, durante su 35 aniversario en la música. Los problemas de salud derivados de los conciertos fueron la razón por la que decidió dar prioridad a la parte más discográfica de su trabajo. Pero la tos convulsiva que le apartó entonces ya no es razón para no volver a los shows.
La fórmula de una gira en mayúsculas ya no es lo que le motiva y se ha decidido por lo atractivo, por el punto medio. Diez conciertos que le permitirán seguir al pie de cañón en lo creativo, comprometiéndose menos con proyectos a muy largo plazo. En una entrevista para EFE, el cantante explica cómo «la frustración de enfrentarse cada día durante una gira a las dificultades llegó a quemarle».
‘Greta Garbo’, disco que incluye el single ‘Invulnerables’, está atravesado por el proceso personal y creativo al que se enfrentó Bunbury. El comienzo de un nuevo capítulo en su vida y todo lo que eso conlleva ha sido el hilo conductor de este trabajo. El cantante se agarra a las nuevas oportunidades y a la certeza de que el desarrollo creativo «sigue siendo el motor de su vida».
Este nuevo álbum lo produce Adán Jodorowsky, cuya forma de entender al artista impulsó a Bunbury a confiar en él. El productor ha trabajado con artistas como Natalia Lafourcade, en su último proyecto, o León Larregui.
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