La unión creativa entre Depeche Mode y el fotógrafo Anton Corbijn continúa. Después de los videoclips de ‘Ghosts Again’ y ‘Wagging Tongue‘, es el momento de ver el vídeo de ‘My Favorite Stranger’, también dominado por el blanco y negro.
Aunque no era, en principio, uno de nuestros temas favoritos de ‘Memento Mori‘, ‘My Favorite Stranger’ es el nuevo single extraído del largo. Es un corte de post-punk electrónico, elegante como el mismo Dave Gahan cada vez que se sube al escenario, pero guiado por una misteriosa sombra, la que persigue a Gahan a lo largo de la canción.
«Es un extraño perfecto, que roba mi sombra, y va adonde voy yo / Es un extraño perfecto, que posa delante de mi espejo, y pone palabras en mi boca, rotas y amargas / Es un extraño perfecto, una imitación de mí, que menciona mi nombre en las conversaciones». Gahan nos está hablando de él mismo, o de la parte más oscura de su psique.
El vídeo de ‘My Favorite Stranger’ no tiene más misterio que el de presentar a una persona que divaga por la naturaleza o la ciudad. Solo al final se descubre la cara de esta persona que probablemente no es lo que imaginabas.
La gira de ‘Memento Mori’ continuará en 2024 y pasará por España. El 12 y 14 de marzo, Depeche Mode actuarán en el WiZink de Madrid, el 16 lo harán en el Palau Sant Jordi de Barcelona y el 21 de marzo se personarán en el BEC de Bilbao.
Pantera Blue es el proyecto de Louiza Hamadi Manoukovksaia. Curtida en el mundo académico, pues es pianista concertista y profesora de piano, Hamadi dio un paso hacia el pop en 2020, en plena pandemia, publicando una insólita adaptación al español de ‘La vie en rose’ de Édith Piaf. Antes del fenómeno Barbie y de ‘Padam Padam’, ahí estaba Pantera Blue dándole una pátina bossa y de bolero al clásico de la chanson que tantos han versionado con más o menos éxito.
De padres argelinos y rusos, pero criada y afincada en Madrid, Pantera Blue publica su primer single original, el neo-soul de ‘Mariposa negra’, y después ‘Olvídalo’, un curioso tema ubicado a medio camino entre el deep-house y el jazz, entre 2020 y 2021, antes de fichar por Mushroom Pillow. Ahí, Pantera Blue parece florecer en una artista mucho más divertida de lo que avecinaban sus primeros lanzamientos.
El título de ‘Envergadura’ ya apuntaba maneras. Un tema dedicado a la «envergadura» no de lo que estáis pensando, sino a la «cultura» de un hombre que es más sexy cuanto más cultivado. En este dembow sapiosexual, a Pantera Blue se le cae la baba con un mozo que «lee arquitectura» y al que le «gusta la pintura»… dándose la «paradoja» de que también «te deja coja».
El reciente single de Pantera Blue puede ser el mejor de todos. De sonido chill y «rosa» aparentemente influido por Kali Uchis, con ecos al pop de los años 50 y 60, lo cual nos lleva directamente a la versión de ‘La vie en rose’, ‘Autotúneame’ parece dos parodias en una, de la canción romántica clásica, y del (ab)uso del autotune en el pop de hoy. Es la Canción Del Día de hoy.
La parodia de ‘Autotunéame’ va tan lejos que su título convierte la palabra «autotune» en un verbo conjugado que adopta un significado sensual. «Autotunéame, ahora que nadie nos ve» parece una rima de Sara Montiel adaptada al siglo XXI, y que es, después, devorada por el propio autotune, en lo que parece la entrada en una relación de dos de una tercera persona a la que nadie ha llamado. El autotune como incordio, desubicado, consciente de sí mismo.
Bad Bunny ha publicado nueva canción esta noche. Después de que en mayo inundara las listas de éxitos con ‘Where She Goes’, el puertorriqueño ha vuelto a las plataformas musicales con ‘Un Preview’, un tema que no llega a los dos minutos de duración, apoyado en el típico beat de reggaetón. Tainy -colaborador habitual de Benito- co-produce ‘Un Preview’ sin romperse demasiado la cabeza en el aspecto creativo. De hecho, la producción es ta minimalista que parece esquelética. Se podría decir que Benito ofrece «un preview»… a lo mismo de siempre. En el videoclip, Bad Bunny interpreta ‘Un Preview’ delante de un caballo de carrusel.
El anuncio de ‘Un Preview’, además, lo ha hecho con un preview que no ha tardado en difundirse en redes sociales. El artista se mantiene ahora en contacto con sus fans a través de su canal de WhatsApp, en el que envía mensajes que pueden leer todos los que se encuentren suscritos al mismo. Es precisamente en ese canal donde ha revelado el lanzamiento de su nuevo single. «Hola hola. Qué tal el dominguito este?», comenzaba escribiendo Bad Bunny en el chat. El misterio duró unas horas, hasta que él mismo volvió a enviar un mensaje con el adelanto de su tema.
El avance solo enseñaba 17 segundos de la canción, en los que se llegaba a escuchar parte del instrumental y el siguiente verso: «Baby, yo sé que cuando te atrevas yo me voy a enamorar». Además, el trozo de canción vino acompañado de una fotografía del cantante, aunque sin especificar si se trata o no de la portada. Queda por descubrir si la canción formará parte de su quinto álbum de estudio, que parece que llegará a finales de este mismo año.
Aitana da su primer salto mortal esta semana con el lanzamiento de ‘alpha‘. Lejos del pop-rock de ’11 razones’, la cantante ha optado por adaptar los sonidos de los años 90 al pop de hoy. Su inspiración han sido los «one hit wonders» más allá de ‘Saturday Night’, y así reluce en un disco con varias sorpresas tras el acierto que supuso ‘Los Ángeles’.
Junto a «bangers» como ‘En el coche’ y ‘Formentera’, ahora destacan producciones como ‘Pensando en ti’, ’24 Rosas’ o incluso el interludio y la intro. Hablamos con Aitana en una videoentrevista que podéis ver en Youtube, o leer transcrita a continuación.
¿Qué te ha llevado a hacer este disco tan diferente? ¡Es un disco de música electrónica!
Eso son palabras mayores, cualquier persona que haga música puramente electrónica se va a llevar las manos a la cabeza. Es un disco pop, pero es verdad que tiene referencias a algunos sonidos electrónicos. Sobre todo, de los 90. Pensaba en ese «one hit wonder», que no necesariamente conocías al artista, pero la canción te la sabías sí o sí. Había muchas canciones de esas y las he cogido como referencia.
¿Cuál es tu primera noción de esta música de los 90? Porque a mí me pilló con 13 años, pero tú no habías nacido.
Pues la primera es ‘Saturday Night’, ya que es la que más he bailado con mi familia en cada fiesta. Pero también tengo un tío que es DJ y siempre ha pinchado temas de esa época, y los bailábamos.
Ahora hay un revival de este tipo de música. Por ejemplo, David Guetta ha tenido un hit con «I’m Good (Blue)». ¿Estás al tanto de eso?
Sí, sí. Es verdad que está habiendo mucho de eso, y se están cogiendo muchos samples y melodías de las de antes, de esa música de los 90. Hay muchos DJs con los que me gustaría trabajar en un futuro y con los que he hablado, porque me gustaría hacer una reedición de ‘alpha’ donde se puedan hacer algunos remixes. Es un disco que atrae mucho a ese tipo de colaboraciones.
Es muy curioso que hayas hecho este disco con Andrés (Torres) y Mauricio (Rengifo), que los tenía asociados al reggaeton. Por lo menos en los singles.
Yo soy compositora de mis canciones, así que Mauricio y Andrés están para hacer realidad mis sueños mentales de producción musical. Mientras haya siempre una dirección clara… son increíbles trabajando. Pero es cierto que justamente en este disco he trabajado con más productores: BigOne (‘The Killers’), Renzo (‘Luna’) Kuinví (‘Dararí’), que es una productora de Ecuador que vive en Miami increíble, y estoy también trabajando mucho con ella para lo que se viene… También con Mr Naisgai, el de Rauw Alejandro. He trabajado con muchos productores aparte de Mauricio y Andrés, que son con quienes hice todo el disco de ’11 razones’. En ‘alpha’ he trabajado con más gente.
¿Qué te hace confiar en un productor? ¿Tiene que haber una química personal, o a veces te apañas a distancia?
Siempre tiene que ser a nivel personal, porque si no es complicado. A veces no conectas y ya, pero, por lo general, con quienes trabajo creo también más canciones. Vas entrando en ese proceso poco a poco, y eso es lo que es más importante.
Veo un trabajo de secuenciación en el disco, con una dirección artística muy clara. ¿Cómo te ha venido la idea de empezar con una intro instrumental, que es muy de la música de los 90?
Porque esa música ha sido la referencia para mí en este disco. Era importante contextualizar a la gente con este disco y tener una intro a nivel de sonido. En esa intro de ‘alpha09’ solo sale “Alpha” como letra, no hay más. Solamente a nivel ritmo y producción te vas a ir encontrando lo que es este disco. Y se llama justo así porque a la inversa son los «90». Es como cambiarlo y traerlo a lo que es ahora.
Me gusta mucho que el álbum no acabe en baladas, con esta secuencia de ’24 Rosas’ y ‘Pensando En Ti’, con ‘En El Coche’ en medio. ¿Cómo has desarrollado el final del disco? ¿Estas canciones son también de Andrés y Mauricio?
Justamente ‘Pensando En ti’ y ’24 Rosas’ sí las he hecho con ellos. Hay tres baladas dentro del disco, y yo tenía claro que quería hacer baladas porque me encantan. Y me preguntaba cómo podía hacer para que queden bien dentro de un disco con un concepto tan electrónico. Al final, lo que hemos hecho no es tanto como una balada al uso, que a nivel melódico ’24 Rosas’ puede serlo, sino que a nivel producción tiene más utilización de mi voz como producción y más sintetizadores. ‘Pensando En Ti’ es la más ravera de fondo, pero en cuanto a letra es la más naif. Me gustaba esa contradicción, me parecía muy divertida.
Escuchando el disco me preguntaba qué era lo que quedaba de la Aitana de ‘Arde’, y de repente ha salido “Luna”. ¿Quizá eso sea lo que queda de la Aitana de ‘Arde’?
Es que la Aitana de ‘Arde’ no era yo, porque esa canción no la he hecho yo.
Pero decías que te encantaba.
Me encantaba porque a mí me encanta cantar baladas y sobre todo en Operación Triunfo quería que se luciese mi voz porque al final te valoraban según la voz que tenías. Pero ahora mismo, para mí, lo más importante no es que se luzca mi voz, es la creatividad que tengan mis canciones. ‘Arde’ no me representa a nivel de que no la he escrito yo, y como ahora escribo todas mis canciones no me siento conectada con ‘Arde’ porque no formé parte de la composición. Pero por supuesto que me encantaba cantarla, es una canción muy bonita. Pero no tiene mi sello realmente. Lo que sí puedo decirte es que ‘Vas a Quedarte’ y todas esas canciones que son más baladas sí que se parecen más a ‘Luna’. Eso sí.
«Ahora lo más importante no es que se luzca mi voz, es la creatividad que tengan mis canciones»
Me pregunto si este disco es más divertido de grabar que un pop-rock convencional, pensando en ‘The Killers’, por ejemplo, que empieza como un robot y de repente se transforma en una especie de canción de los años 50. ¿Te has divertido más haciendo este disco o no particularmente?
Me divertí en ambos. En este disco me divertí porque saltaba en el estudio por el tipo de beats que tenía, pero también saltaba mucho en el estudio con las baterías de ’11 razones’. Pienso que es importante divertirte en el proceso de cada disco sin compararlos, porque al final han sido distintos momentos de mi vida y de maduración. Te puedo decir que con ‘alpha’ me divertí mucho porque es lo más reciente que tengo, y sí, fue muy guay ir siempre al estudio y que saliesen cosas tan divertidas.
¿Hay canciones que han cambiado en el proceso de producción o son bastante fieles a lo que eran al principio?
La verdad que todas han nacido tal cual se ven. La que más hemos cambiado fue la de ‘miamor’ con Rels B. Para que cuadrase también con él, sí que tuvo varias versiones esa canción, pero la mayoría son como eran.
De todas las personas posibles haciendo featuring en tu disco, ¿por qué Rels B?
Rels B me encanta. Hace tiempo que hablábamos de hacer algo juntos, él me mandó una canción y yo la grabé, pero al final no acabó de cuajar y llevábamos tiempo intentando hacer algo. Yo le pasé la de ‘miamor’, le gustó e hizo algo súper rápido. Yo quería que, si hubiera colaboraciones, que hay muy pocas, que fuese algo muy orgánico, y así se dio.
«Con ‘Formentera’ nació ‘alpha’, pero yo no me supe dar cuenta»
En el disco están ‘Formentera’ y ‘En El Coche’, canciones bastante antiguas. ¿En aquella época ya tenías el concepto de ‘alpha’ en mente?
La verdad que no, las he puesto porque son canciones mías muy emblemáticas, que no me gustaba que se quedaran fuera de lo que iba a ser mi siguiente disco. Y además que tienen mucho que ver con ‘alpha’. Yo creo que, de alguna forma, con ‘Formentera’ nació ‘alpha’, pero yo no me supe dar cuenta. Fue la primera canción que hice con sonidos más electrónicos, y eso también me parecía bonito.
El componente sexual es súper importante en el disco, pues el sexo forma parte del pop y de este disco en particular. No sé si ves un antes y un después o un avance con respecto a tu carrera pasada… más de vida adulta, de mujer.
Claro, en este disco se habla con menos tapujos, a nivel de que se trata más la sensualidad femenina. Siempre con muchísima elegancia, porque al final es la forma de la que yo te lo contaría. Pero sí es cierto que se quiere generalizar, no lo digo por ti, sino por lo que sale por ahí, y decir, quizá por clickbait, que «Aitana habla de sexo», cuando en realidad hay quince canciones y solo dos hablan de sexo. Que está súper bien y podría hablar mucho más.
«Se dice, quizá por clickbait, que «Aitana habla de sexo», cuando en realidad hay quince canciones y solo dos hablan de sexo»
Pero está el vídeo, que es muy llamativo.
Completamente, y yo lo entiendo, pero al final no es lo que más abarca ‘alpha’. ‘alpha’ abarca muchas cosas: amor, desamor, sensualidad por supuesto porque está en mi día a día y es lo que existe en el día a día de las personas, y más con la que edad que tengo y que tiene la gente de mi alrededor, pero ‘alpha’ no solamente es eso. Alpha es sentirse empoderado y hacer lo que quieras, sentirte bien contando que a veces estás mal, que otras estás bien, contarle a tu amiga cómo estás… Todo ese rollo.
¿Y es un disco más maduro para ti o no tienes prisa por usar esa palabra?
No tengo prisa por utilizarla, no sé si es un disco más maduro. Estoy más madura que cuando tenia 21 años porque cada año aprendo algo nuevo y tengo más experiencia, pero no sé si es un disco más maduro. Tampoco sé quién categoriza que algo sea más maduro o menos maduro. ¿Más maduro es que algo es más alternativo? No sé cómo está esa balanza, así que no te sabría decir.
Salen un par de discos casi a la vez que el tuyo: el de Kylie y el de Romy de The xx, que también es dance como el tuyo.
No los he escuchado.
Kylie Minogue, ¿eh? No la otra.
Por supuesto que sé quién es Kylie Minogue. Me hace ilusión coincidir en día. No lo sabía.
Pero le vas a quitar el número 1.
¡No, hombre, no! Yo admiro a Kylie Minogue. Es la mejor. Los quiero escuchar. ¿Ves? Es que estoy muy fuera de las redes. Me está costando estar al día.
Soy jurado de los premios Rolling Stone. Estás nominada a Promesa Musical.
¡Qué ilusión!
No sé qué nota ponerte de 12 a 1 porque no te veo muy promesa musical exactamente. ¿Qué nota te pondrías?
Ni idea, yo a mí misma no me juzgo. Que lo juzguen otros.
Pero es que llevas muchos años.
Ya, pero es verdad que fuera, en Latinoamérica, estoy empezando. Eso es así.
Has mencionado hacer remixes, ¿alguna de las producciones del disco no te pedía hacer una locura y llevarla a ser una canción larga no tan constreñida a canción de 2 o 3 minutos? Hay canciones cortísimas en este disco.
Hay una canción muy corta, ‘Otra Noche Sin Ti’, porque es un interludio. Para lo que pueda venir me gustaría hacerle una versión extendida porque existe la versión larga de esa canción. Pero en ese momento quería hacerla corta. Y sí, se pueden hacer canciones más largas.
¿Ninguna pedía una locura de ponerte a bailar 7 minutazos?
De momento no, pero quién sabe. Si se une algún DJ que quiere hacer eso puede estar muy interesante.
Es el viejo concepto de remix, ya que ahora mismo un remix es grabar un featuring con alguien, pero antiguamente era llevar la canción más allá.
Literal.
Pese a que Alicia Keys sea conocida por su música, parece que eso puede llegar a cambiar muy pronto. Según TMZ, la cantante ha solicitado registrar la marca ‘Alicia Teas’, en lo que parece un claro intento por lanzar su propia marca de tés.
Además, TMZ informa de que la empresa de la artista, AK Worldwide, ya ha presentado los documentos necesarios para conseguir el registro, después de que su marido, el productor Swizz Beatz, le regalara unos tés personalizados por su cumpleaños en 2020.
Aunque los tés no sean (de momento) la especialidad de Alicia Keys, no es la primera vez que se embarca en un proyecto ajeno a la música. En 2021 lanzó su propia colección de maquillaje, ‘Keys Soulcare’, pero no con un nombre tan original.
Las redes sociales han empezado a bromear al respecto y algunos usuarios han dado paso a la imaginación… «Alicia Keys registra la marca ‘Alicia Sees’ para lanzar su propia colección de gafas», escribía alguien en Twitter. «Alicia Keys registra la marca ‘Alicia Trees’ para lanzar su propio vivero», escribía otro. Veremos si la artista apunta alguna idea.
El Renaissance World Tour continúa dando sorpresas y la última la ha protagonizado Megan Thee Stallion. La artista acudió al concierto que Beyoncé dio en Houston el pasado sábado y regalaron a la audiencia la primera interpretación en directo de ‘Savage Remix’, tema que nunca antes habían cantado juntas.
Desde que se lanzara en 2020, ‘Savage Remix’ no ha parado de dar alegrías a Megan y Beyoncé. La principal fue en 2021, cuando les valió el Grammy a Mejor Canción Rap y ambas salieron a recogerlo al escenario. A partir de entonces, las artistas no han vuelto a coincidir estrictamente por la canción. Hasta este sábado, cuando la cantaron juntas por primera vez.
«¿Tenemos damas y caballeros salvajes esta noche en casa?», preguntaba Beyoncé a la multitud tras cantar su estrofa. «Por favor, un aplauso para Megan Thee Stallion, de Houston», continuaba la autora de ‘Renaissance’ al mismo tiempo que el NGR Stadium rugía y Megan saltaba al escenario.
Aunque el público enloqueció, el inesperado cameo no ha estado libre de controversia. Ese mismo sábado, Megan Thee Stallion tenía previsto actuar como cabeza de cartel en el Global Citizen de Nueva York, un festival benéfico gratuito. Sin embargo, la rapera se vio obligada a retirarse por un «conflicto imprevisto de agenda». Page 6 especula que ese «conflicto» se trataba de su aparición en el Renaissance World Tour.
Terry Kirkman, uno de los fundadores del seminal proyecto de folk de los 60 The Association, ha fallecido a los 83 años. Nacido en Kansas, se mudó en los 60 a Los Ángeles, llegando a tocar con gente como Frank Zappa y David Crosby. Tras pasar por una banda multitudinaria en miembros como fue The Men, Terry Kirkman formó The Association junto al guitarrista Jules Alexander. Tuvieron bastante éxito en la segunda mitad de los 60.
Terry Kirkman dejó The Association en 1972, después volvió cuando se reunieron en 1979, y finalmente lo dejaría en 1984, retirándose de la industria musical. Trabajó como consejero de adicciones.
En 1966 The Association sacaron un debut llamado ‘And Then…. Along Comes the Association’, en el que se encontraban los temas ‘Along Comes Mary’ y ‘Cherish’. Este último, escrito por el propio Terry, terminaría inspirando el single de Madonna así llamado incluido en su clásico ‘Like a Prayer’. Entre los artistas que se han sentido influidos por The Association están The Lemon Twigs, y entre quienes los han sampleado, destacan The Avalanches. En ‘Wildflower’ transformaron ‘Everything That Touches You’, también escrita por Kirkman, en 1968, en ‘Harmony’.
Entre los temas más exitosos de The Association que no escribió Terry Kirkman, aunque también pertenecen a la era en que estaba en la banda, hay que destacar ‘Windy’, ‘Never My Love’ o el mencionado ‘Along Comes Mary’.
Kylie Minogue llega a su 15º álbum -el 16º si contamos lo de los villancicos– consolidada como la Princesa del Pop que todo el mundo quiere. Adorable desde los tiempos de ‘I Should Be So Lucky’ hasta los del reivindicable ‘DISCO’, pasando por supuesto por ‘Fever’, la cantante ha renacido este verano con un viral que nadie vio venir. Desafiando al gran clásico de Édith Piaf, osó llamarlo ‘Padam Padam‘ y ha salido airosa del reto.
‘Padam Padam’ no es solo una de las canciones del verano, sino del año. Si Kylie ha tendido a ganarnos cantando sobre sexo, cuando no sobre orgías, desde cuartos tan oscuros como en la vida misma, esta vez ha retorcido las ideas. Es esta una canción oscura -sí- pero esta vez en un sentido menos sexual y más endemoniado. Si practica algún tipo de magia -y algo de eso ha hecho sobre nuestros cerebros- sería negra. Esto supone una pequeña reinvención en su carrera, pues Kylie nunca había sonado tan siniestra desde su dueto con Nick Cave para ‘Murder Ballads’, solo que esta vez además ofrece algo pinchable.
El tema ha supuesto también la conquista de nuevas generaciones, a través de su hit más sólido en las listas británicas desde ‘Fever’. Tanto se ha viralizado en TikTok y plataformas como Apple Music, que por primera vez en más de una década, la emisora adolescente Radio One (BBC) se ha visto obligada a sumarse al fenómeno «Padam». Estamos hablando de la que va a ser su 2ª canción más escuchada de toda la historia en plataformas, tan sólo por detrás de ‘Can’t Get You Out Of My Head’, y lograr eso a los 55 años, en solitario, y sin concesiones a moda alguna, tiene todo el mérito del mundo. Ojalá no fuera la excepción, pero bienvenida.
Mejor aún luce el segundo single, el titular ‘Tension’, para alivio de Kylie y sus colaboradores de confianza, Richard «Biff» Stannard y Duck Blackwell, pues ninguno de los tres sino la noruega Ina y su productor Lostboy eran los verdaderos autores de «Padam». Pero ‘Tension’ es un reflejo incluso mejor del pop de 2023, en tanto que cada parte de la canción se entrega de manera natural a un estilo diferente. Ora es un piano-house, ora un electro gélido a lo Britney Spears; y en una estrofa, hasta hay coros afrobeat o jamaicanos. Todo ello, de nuevo, sin sonar desesperado, y de nuevo, sin artistas indeseados a modo de featuring.
El resto de ‘Tension’, en cambio, no presenta ninguna «tensión» en particular, como sí sucedía con estos dos singles que precedían. Las canciones se suceden tan correctas como genéricas, cada una encorsetada en su estilo, sin la ambición de los sencillos de adelanto. Parecen víctimas del efecto Fangoria: una vez segura de los singles, Kylie parece haberse ido de compras, o dormido en los laureles.
‘Hold On to Now’ comienza como un cosmic disco apabullante que luego deriva sin motivo en unas nuevas guitarras a lo New Order. ‘Things We Do For Love’ es una pieza de HIGH-NRGY que sirve de homenaje a los 80, casi tanto como la incursión del saxo en ‘You Still Get Me High’, que parecía una balada pero no; o en ‘Green Light’, un tema de carácter más disco.
Si me lo dicen cuando vi el tracklist no me lo creo, pero en medio de medianías como esta última, se agradece la recuperación de ’10 out of 10′, una macarrada de EDM grabada para Oliver Heldens, que en realidad es fácilmente vinculable a ‘Your Disco Needs You’. Esa parte del álbum necesitaba un tema más coreable, bailable, memorable o inserte aquí su «-able» favorito, y ciertamente acude al rescate de una segunda parte que se termina de perder entre bonus tracks.
Hay cierta gracia en la voluntad coral de ‘Hands’, con esa melodía retro que tan bien le sienta como se vio en el «disco disco», tan Barbie que llega a mencionar a Barbie; también en ‘Story’ o incluso en ‘Vegas High’ anticipando que su residencia en este lugar no va a ser ningún muermo. O hasta en el bonus ‘Somebody to Love’, que como bromean en Popjustice, parece escrito por Carly Rae Jepsen. Es solo que tamaños singles merecían un background mucho más inspirado. Apuntaban a otra cosa «Padam» y «Tension», pero el segundo mejor álbum de Minogue sigue estando entre ‘Light Years’ y ‘X’.
«¿Algún maricón de Madrid que no haya ido al Brava?», preguntaba alguien en X. «No», obtenía como única respuesta. Brava Madrid ha nacido este fin de semana en la ciudad -bueno, en el Ifema- batiendo un récord de diversidad. Su promotora es The Music Republic, conocida por la organización de Arenal Sound o la última reinvención del FIB, es decir, su especialidad parece comprender las demandas de las generaciones más jóvenes y ofrecerles un festival barato (las entradas de día rondaban los 30 euros). Y una de esas demandas es la diversidad, al menos para una parte de la población muy importante.
Después de toda una vida de festivales con conciertos de The Strokes, The Hives y The Kooks, de Vetusta Morla, Izal y ahora Arde Bogotá, es casi un shock comprobar cómo un festival se centra en talentos femeninos y LGTB+… ¡y funciona! Tras innumerables y aparentemente infundados rumores de cancelación, Brava Madrid colgaba el cartel de «abonos agotados» la semana pasada, poniendo a disposición del público ya solo entradas de día. Estrategia o no, lo cierto es que el Ifema lució lleno para acoger conciertos de artistas no tan fáciles de ver en nuestro país como Sugababes o Mel C. En cuanto a valores nacionales, atención a la línea artística: Samantha Hudson, Algora & La Prohibida, Luna Ki o Fusa Nocta.
Además de una buena organización, correcta diversidad gastronómica y buena disposición de baños, Brava Madrid se anotó el tanto de la diferenciación. Para la jornada de viernes plantearon un DRESSCODE «todo al rosa» que uno ya no sabía si apelaba a ‘Barbie’, al partido de Yolanda Díaz, a la comunidad queer, o a todo al mismo tiempo. Lo que sí sabemos es que supuso que 1) hordas de gente se desplazaran en Metro vestidas de rosa y que 2) tu muro de Instagram se llenara de lo mismo. El sábado la llamada al DRESSCODE era años 2000, quizá en referencia a las cabezas de cartel, ya con desiguales resultados. Hubo quien no se enteró, quien malinterpretó cómo se vestía en los 2000 y hubo quien -como yo- se presentó de rosa el día equivocado. «Pues di que vienes de empalmada», me sugería Juan Sanguino.
La propuesta de Brava Madrid es más una experiencia que trasciende lo artístico. Predominan los playbacks, los sets de 30 minutos o menos por artista, el volumen del escenario principal es escandalosamente bajo… pero la sensación es de diversión máxima. Si alguien pincha ‘Dime’ de Beth en cualquier lado, verás automáticamente a miles de personas entonándola a voz en grito desde una barra o durante un paseo de escenario a escenario; si pones una carpa con un Tarot, se te formará una cola que dividirá en dos todo el recinto. Una pena que no se pudiera grabar las caras de la Policía Nacional a las puertas, viendo todo este mariconerío en un espacio donado por la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento, porque eran para verlas. Sebas E. Alonso.
Uno de los platos fuertes del viernes fue Belén Aguilera, valor al alza del pop español que presentaba su último EP ‘Metanoia’. Pese a que aún no había anochecido, el recinto se llenó de una marea rosa que coreaba las canciones con entusiasmo. El concierto fue resultón y ameno, y Aguilera supo sacar partido de su discreta escenografía con los recursos de que disponía.
Temas como ‘Galgo’ o ‘Antagonista’ sonaron particularmente divertidos y generaron un gran furor entre el público. Una pena que la acústica del escenario no fuese del todo fina: cerca de la torre de sonido -y más atrás, claro- era bastante deficiente y arruinaba considerablemente la experiencia. Tampoco el público general era demasiado respetuoso con no hablar durante las canciones, pero ese ya es otro tema.
En el ámbito internacional, Brava Madrid rescató a Melanie C y MIKA como los grandes atractivos de la jornada. La primera, ex Spice Girl, no se prodiga demasiado por nuestro país, por lo que había curiosidad por ver lo que tenía preparado. Con una escenografía muy simple, sin nada más que ella y sus músicos, la cantante dividió su set en dos secciones: una dedicada a su trabajo en solitario, donde sonaron temas como ‘Never Be the Same Again’ o ‘Northern Star’, y otra, ya al final, a su etapa como Spice Girl, con ‘Spice Up Your Life’, ‘2 Become 1’ y ‘Who Do You Think You Are’. Cerró, eso sí, con ‘I Turn To You’, de su disco en solitario de 1999. El concierto fue algo irregular, levantado en su mayor parte gracias a esa secuencia donde repasó algunos éxitos de la célebre girl-band, que lograron una buena conexión con el público. Más allá de eso, resultó frío y algo exento de garra.
MIKA en cambio, defendió mejor sus canciones con una gran presencia en el escenario, divirtiéndose con el público, lanzando confeti por los aires e incluso metiéndose entre la muchedumbre mientras cantaba. Su show fue enérgico y alegre, con el cantante mostrando sus tablas como artista: buenas interpretaciones vocales, cercanía con su audiencia -a la que se dirigió siempre en un esforzado español- y unos cuantos hits que no decepcionaron en sus versiones en directo. ‘Relax, Take It Easy’ o ‘Grace Kelly’ quizá no son canciones tan recordadas como otras de los 2000, pero sí contienen ese elemento lúdico y hedonista que funciona a las mil maravillas en un ambiente festivalero como el que nos encontrábamos.
Por otro lado, entre los dos artistas anglosajones, pudimos escaparnos un ratito al concierto de Ladilla Rusa, que ofrecieron justo lo que se esperaba de ellos: un show desenfadado y muy divertido que celebraba la España cañí con su flamenquito maquinero característico. Imposible no moverse y darlo todo con temazos como ‘Macauley Culkin’ o ‘Bebo (de bar en peor)’. Fernando García.
El sábado comenzamos la tarde con Lolahol en lo que parece el primer concierto de toda su carrera, al menos según Setlist.fm. El proyecto de Lourdes León ha escogido debutar con un EP de carácter experimental, producido junto a Eartheater, que no es precisamente conocida por sus aspiraciones a las listas de éxito. ‘Lock&Key’, con su ritmo drum&bass antes del revival drum&bass, y ‘Cuntradiction’ no estaban tan mal. Sin embargo, el show devaneó -o más bien divagó- entre el twerking, el ambient y una falta de actitud y de coordinación con dos bailarinas amigas que parece mentira. Ni underground ni pop, el mayor entretenimiento del concierto fue decidir a qué era de Madonna se parecía cada gesto. ¿Tres chicas en chándal? Hard Candy. ¿Caballos proyectados? Confessions Tour, Medellín. ¿Ritmos trip hop? Ray of Light. Es una putada que tu madre lo haya hecho literalmente todo antes que tú, pero la verdad es que la condición de nepobaby de Lourdes no quedó nada disimulada ni mucho menos evita-da cuando su show se vio precedido por un DJ set que incluía canciones como ‘La Isla Bonita’ y ‘Hung Up’. Varias personas en mi entorno coincidieron en denominar el resultado final como «función escolar».
Para consuelo de Lourdes, no muchísimo mejor fue el show de Loreen en solitario, con los mismos problemas de volumen que otros artistas del escenario principal, y con una versión alternativa de ‘Euphoria’ que nadie había pedido. 5 temas interpretó la cantante durante menos de media hora, sin parafernalia, músicos, ni los icónicos bailarines que esperábamos. Lo inaudible del set hizo flaco favor al encanto de pistas como ‘My Heart Is Refusing Me’, tan contundente como un hit de EDM en la versión estudio. Sólo cuando el público pudo intuir algún resquicio de ‘Euphoria’ y al final ‘Tattoo’, ganadora este año de Eurovisión, se levantó el asunto. O al menos los móviles para grabar lo poco que estaba sucediendo.
Beneficiada por lo acogedor de un escenario más pequeño, Luna Ki al menos pudo hacerse entender durante su divertido concierto, bastante lleno de hits, amenizado con proyecciones -algunas tipo lyric video servían mucho de ayuda por el entretenimiento-, algún invitado como featuring y sobre todo una pintona corte de cuatro bailarines dándolo todo y haciendo, puntualmente, vogue. Una pena no haberlo podido disfrutar entero, pues el escenario grande ofrecía una oportunidad única para ver a Sugababes.
Una vez recuperado el nombre de Sugababes tras una batalla campal, Mutya, Keisha y Siobhan saltaron al escenario de Brava Madrid entre una señora humareda. Reivindicaron su legado. Y el de otras Sugababes, por suerte, también.
La primera, en la frente, ‘Push the Button’ abrió el set de manera apoteósica, 5 minutos antes de que ‘Hole in the Head’ evidenciara en tercer lugar que se podía hacer sonar una guitarra acústica en este escenario de Brava Festival que parecía maldito. Con una banda medio oculta en segundo plano, Sugababes dominaron el escenario con elegancia. Lo hicieron sin grandes coreografías, pero con todo el saber estar sobre las tablas que había faltado en otros conciertos del festival.
Incluso sentadas en una banqueta durante baladas como ‘Ugly’ o recurriendo al mismo truco en su macrohit ‘Overload’, Sugababes hicieron alarde de una actitud que se replicaba en las pantallas del festival. Ver el gesto de Siobhan, aquella que llegó a acusar a Keisha de “bully”, perfectamente cómoda en este regreso, era emocionante. Incluso se vio a las chicas darse lo que debía de ser un honesto abrazo. Al fin y al cabo, han pasado casi una década tratando de recuperar el nombre de la banda, operando como Mutya Keisha Siobhan entre 2012 y 2019.
Tras una parte central un tanto más exenta de hits, un tanto más plana, el repertorio se recuperó con un bis en el que sonaron ‘Freak Like Me’, ‘Round Round’ y ‘About You Now’. Tres de sus mayores hits. La euforia de la última se trasladó -ahora sí- al respetable, y aunque hubiera asistentes que desconocieran quiénes fueron Sugababes, ahora que tanto se lleva volver a los 2000, que se vuelven a recuperar modas de hace 20 años, es justo que por fin hayamos podido ver desplegado este arsenal de hits en vivo.
La noche terminaría seguramente con un apeteósico concierto de Ojete Calor, que ya han triunfado en plazas más difíciles como el WiZink Center, pero el pavor a quedarme tirado en el Ifema a las 3 de la madrugada me pudo, y abandoné el recinto tras ver el final del set de Fusa Nocta y el principio del de Shangela. Fusa Nocta cierra con bailarines y una línea artística más concreta y definida que en Benidorm Fest, probando que hay mucha gente que aún recuerda ‘Mi familia’; mientras Shangela, con sus performances sobre Chanel y Beyoncé, entretuvo a los devotos de RuPaul. Sí, parece que otra forma de hacer festivales era posible. De hecho, ya hay fechas para Brava 2024: será los días 20 y 21 de septiembre. Sebas E. Alonso.
Rodrigo Cuevas ha presentado este viernes su nuevo álbum ‘Manual de Romería’. El sucesor del alabado ‘Manual de Cortejo‘ es una nueva amalgama de tradición astur y vanguardia, que ahora se publica bajo el paraguas de Sony. El álbum se define como «un viaje Atlántico desde Asturias» hacia el mundo y ha contado con la colaboración de Eduardo Cabra, legendario productor de Calle 13 como Visitante. La nota de prensa define el proyecto como «multidisciplinar», «universal y local, actual y antiguo» a lo largo de sus 10 canciones y 4 piezas-interludio.
Por su parte, el llamativo óleo de portada, con varias personas al desnudo, obra de Javier Ruiz Pérez, «representa el gusto por lo clásico y la pasión y el erotismo que Rodrigo Cuevas explicita en cada uno de sus proyectos». ‘Manual de Romería’, que será nuestro «Disco de la Semana», ha venido presentado por títulos como ‘Más Animal‘, que ya fuera nuestra «Canción del Día» hace unos meses. Hoy seleccionamos otra de ellas.
Aunque mi tema favorito de momento es el penúltimo, el de la «Resaca», llamado ‘Matinada’, merece la pena que destaquemos otro de los que sirvieron como avance del álbum. Se trata de ‘Como Yé?!’, que ha despuntado en el especial para RTVE que Rodrigo Cuevas acaba de grabar en el concejo de Piloña, en Asturias.
A lo largo de los 60 minutos de especial, suena la misma ‘Matinada’ (con error al principio de la letra), así como ‘ALLÁ ARRIBITA’ o ‘ROMERÍA’ en esta presentación del disco para RTVE. Pero es ‘CÓMO YÉ?!’ la que se ve profundamente beneficiada de esta presentación. En ese momento durante la grabación del especial se ha puesto a llover, aunque «el tiempo daba bueno», lo que no impide ni que Rodrigo Cuevas haga twerking, ni que el público deje de dar botes. Un hombre lanza un beso al artista y saluda, como símbolo de la alegría que contiene esta pieza que podría haber realizado el Stromae más fiestero. Irónico que hable del «verano de tu vida» y de piscinas.
En la entrevista con Irene Valiente que podéis ver en HQ en la web de RTVE, Rodrigo Cuevas explica qué significa esto de «Cómo yé?!». «Es una expresión que puede querer decir cualquier cosa. Cuando alguien es muy guapo, muy majo o muy atractivo, dices “Cómo ye?”. Y te responden: “ay, sí, cómo yé?”». Podéis uniros a la fiesta a partir del minuto 36 del siguiente vídeo.
Seguimos sin noticias sobre el segundo disco de Sky Ferreira, ‘Masochism’, que tiene que suceder a su álbum de 2013, ‘Night Time My Time‘. Lo último que escuchamos de la artista fue el single ‘Don’t Forget’ hace casi un año y medio.
Este fin de semana, sus fans se han organizado para desplegar una visible campaña bajo el lema ya conocido FREE SKY FERREIRA. Por un lado, un avión ha sobrevolado las oficinas de Capitol Records, desplegando una banderola con el lema. Por otro, otro anuncio ha sido contratado para su exhibición en la mismísima Times Square. El nivel.
Definitivamente va siendo el turno de su sello de mover ficha, pues se desconoce si ella puede siquiera pronunciarse en público. Hace unos meses defendía su derecho a ser una persona “difícil” y a estar “nerviosa” por toda esta situación. Manifestaba: “Estoy en una situación difícil y tengo que ser «difícil» para superarla. Tengo que protegerme a mí y a mi trabajo de alguna forma (…) Si no tengo permitido decir algo sin consecuencias y la gente que se supone que debe hacer su trabajo se niegan a ocuparse de mí… ¿Cómo no voy a ser «difícil»?”
toorai es una joven artista madrileña que nos ha conquistado con temas de R&B y neo-soul a lo James Blake como el estupendo ‘A veces caigo’. El proyecto en solitario de Ruth Cañada repetía en la producción con Sergio Salvi de Delaporte en la más bailable ‘Na me faltaría’, que ha terminado siendo su tema más escuchado, aun siendo el más reciente.
La artista revelación es la nueva invitada de nuestra sección Meister of the Week, comisariada por Jägermusic, en la que cantantes que darán que hablar en el futuro seleccionan una pasión oculta. Y la suya son los pájaros.
¿Por qué has escogido hablar de pájaros en esta sección?
Relaciono los pájaros con libertad, ligereza y me da mucha envidia que puedan ir por cielo y tierra. También creo que la mayoría de las culturas tienen mitos y leyendas relacionados con aves, es curioso, hay algo de ellas que nos lleva a lo onírico y espiritual. ¿Usas filtros de pájaros o de alas en las redes sociales? ¿Cuál sería tu favorito?
Hay un filtro que te pone alas de alitas de pollo, creo que ese sería mi fav.
¿Qué pájaro te gustaría ser?
El cenzontle es guay, es un ave capaz de imitar casi cualquier sonido, incluso si es artificial. Se le llama el pájaro de las 400 voces. Las voces de muchas cantantes se han comparado con pájaros, sobre todo femeninas, ¿hay alguna que te recuerde a su sonido en particular?
(risas) 645AR es pájaro 100%. En otro terreno totalmente distinto, las voces de Adrianne Lenker o Nick Drake pueden también acercarse al canto de un pájaro.
El concierto de Björk de Cornucopia se planteó como un show en el que se confundiera el sonido de pájaros con el de sintetizadores. Decía ella que en el show «los pájaros suenan como sintetizadores, los sintetizadores como flautas, y las flautas como pájaros». ¿Te parece particularmente inspirador este concepto? ¿O el sonido de pájaros como elemento instrumental?
Sí que es inspirador. Admiro mucho la manera en la que experimenta e innova Björk, tiene un pensamiento muy ingenioso. Me gusta ver entrevistas suyas. En general, todo lo que desafíe las normas, genere nuevas posibilidades y amplíe el vocabulario musical me resulta interesante.
Tus temas son más bien R&B o tienen texturas muy variadas y complejas, como ‘A veces caigo’, que es mi canción favorita. Si esta canción fuera un pájaro, ¿qué pájaro sería?
Gracias, ¡me encanta saber que es tu canción favorita! Si tuviera que comparar esta canción con un pájaro, diría que sería como un fénix. “A veces caigo” habla de perderse y encontrarse… y el fénix simboliza esa regeneración y resiliencia de la que se habla en la canción.
Si un tema tuyo fuera un pájaro que volara totalmente en libertad, ¿cuál sería?
Creo que ‘Viene y va’ es un tema liberador en cuanto al pensamiento de que nada es permanente, todo es cambiante y lo que hoy es, mañana puede no serlo. En definitiva, que todo viene y va, que es lo que dice la canción.
Los pájaros aparecen de manera explícita en muchísimas letras, como símbolo de libertad, de la magia o del miedo. Por ejemplo, ‘Close to You’ de los Carpenters, en la primera frase, para simbolizar el momento de enamoramiento. ¿Cuál sería tu canción con pájaro favorita?
Me hace gracia que me menciones ‘Close to You’ porque es una canción que me encanta cantar y además me lleva inevitablemente al ‘Close to you’ de Frank Ocean. Favorita me costaría decir, pero ahora mismo me viene la canción de ‘Big Bird’ de Eddie Floyd, ‘Big Bird in a Small Cage’ de Patrick Watson que dice “You put a big bird in a small cage and he’ll sing you a song…” Siempre me ha encantado esa frase y… en estas últimas semanas en mi casa ha sonado ‘Hummingbird’ de James Blake y Metro Boomin.
Los pájaros también han servido de metáfora en el mundo del cine: de ‘Los pájaros’ a ‘Cisne negro’. ¿Algún pájaro favorito en el mundo del cine o peli favorita sobre pájaros?
Nigel en ‘Buscando a Nemo’ es cute y gracioso.
¿Son las palomas las ratas del aire o también te gustan?
No soy nada hater con ellas, de hecho me gustan a nivel simbólico porque mi tía se llama Paloma y además recuerdo escuchar por las mañanas en el salón de la casa de mi infancia el ‘Cucurrucucú’ de Caetano Veloso o ‘Paloma Negra’ de Chavela Vargas.
¿Quién te gusta más: Birds o Birdy?
La verdad que no escucho ninguno de los dos. Diría Donald Byrd.
David Guetta no podrá terminar su residencia veraniega en Ibiza, como planeaba. Este fin de semana su promotora informaba de que el cantante tenía un problema de salud que se lo impediría. Este es el texto del comunicado:
“Después de una temporada increíble en Ibiza, con dos residencias a la semana en los legendarios clubs Ushuaïa y Hï Ibiza, al igual que responsable de uno de los shows del verano con una nueva producción Monolith para 50.000 personas, lo que le ha llevado a sitios como Lollapalooza, Sziget, Main Square, Untold, Creamfields y Sou Manaus en Brasil; el resto de la temporada de David Guetta se va a ver acortada”.
Continúan, al fin, después de un punto y seguido: “Debido al consejo médico de su doctor, David Guetta tendrá que descansar durante al menos dos semanas después de haber contraído un virus la semana pasada”. Entre las fechas suspendidas, atendiendo a su web oficial, entendemos que están las de hoy mismo 25 de septiembre, el 29 de septiembre y el 2 de octubre.
David Guetta añade: “He tenido un verano increíble en Ibiza y por todo el mundo, y siento mucho no tener otra elección que cancelar mis residencias antes de tiempo. Sin emabrgo, ya estoy trabajando en planes increíbles para la temporada de Ibiza de 2024 en Ushuaïa y Hï Ibiza”.
El espectáculo Monolith al que alude el comunicado es el nuevo show de David Guetta, consistente en un -sí- monolito y pantallas LED, según las reseñas de festivales como Creamfields.
Después de muchos rumores acerca del artista que actuaría en el descanso de la Super Bowl 2024, Apple Music finalmente ha confirmado que Usher será quien se suba al escenario el próximo año. El cantante de R&B será, por tanto, el encargado de relevar a Rihanna.
El anuncio ha sido acompañado por un vídeo en el que Kim Kardashian llama al propio Usher para comunicarle que actuará en la final de la Super Bowl LVIII, que se llevará a cabo el 11 de febrero en el Allegiant Stadium de Paradise, Nevada. El artista ha ganado 8 Grammys a lo largo de su carrera musical.
«Es el honor de mi vida tachar por fin de mi lista de deseos una actuación en la Super Bowl. No puedo esperar para traer al mundo un espectáculo distinto a todo lo que habéis visto de mí antes. Gracias a los fans y a todos los que habéis hecho posible esta oportunidad. Nos vemos muy pronto», ha expresado el cantante.
Usher también ha aprovechado el anuncio para revelar que su noveno álbum de estudio saldrá el 11 de febrero de 2024, mismo día que su actuación en la Super Bowl. Se titulará ‘Coming Home’ y supondrá su primer trabajo discográfico desde 2016.
Desde que el 8 de mayo de 2022 diera el pistoletazo de salida a su gira ‘Cuando no sé quién soy’, Amaia Romero ha ido recorriendo España para promocionar su segundo trabajo discográfico. Anoche, esa gira concluía en la que iba a ser su parada más importante: el WiZink Center de Madrid, donde esperaban más de 10.000 personas.
El concierto tendría sorpresas y aumentaría considerablemente su duración con respecto a los del resto del tour, tal y como avanzaba la propia artista al inicio del mismo. Confesaba que su primer WiZink tenía que ser especial, y ese fue el principal objetivo durante sus casi dos horas. Como venía siendo costumbre, el concierto abría con ‘Bienvenidos Al Show’, pero pronto llegarían los cambios. El primero de ellos, dedicado a sus amigas de Pamplona que estaban presentes entre el público, cantando el tema de su primer disco ‘Todos Estos Años’, que reconocía que había tenido bastante abandonado.
En realidad, Amaia regresó en numerosas ocasiones a su álbum debut, ‘Pero No Pasa Nada’. Aparte de las frecuentes ‘El Relámpago’, ‘Nuevo Verano’ (con un pequeño guiño al inicio del otoño) y ‘Quedará En Nuestra Mente’, la artista interpretó la ya mencionada ‘Todos Estos Años’, ‘Nadie Podría Hacerlo’ en acústico y ‘Quiero Que Vengas’.
Por otro lado, Amaia volvió a mostrar que donde realmente se siente cómoda es frente al piano, y fue ahí cuando regaló algunos de los momentos más emotivos del concierto. Repitió el mashup de ‘La Canción Que No Quiero Cantarte’ y ‘Ave María’, volvió a su preciosa versión de ‘Fiebre’ de Bad Gyal y sorprendió con una cover de ‘Piel Canela’ de Eydie Gormé y Los Panchos, que dedicaba a sus padres por su 34 aniversario. Sus trucos de magia al piano terminaron con una maravillosa interpretación de ‘Cuando zarpa el amor’ de Camela.
Además, la que se convirtiera en ganadora de Operación Triunfo en 2017 aprovechó para cantar un trozo de ‘El Árbol’, como ella llama a la canción por ahora sin título que formará parte de la serie ‘La Mesías’, donde debutará como actriz. «Encajaba perfecta con la serie», revelaba al WiZink.
Ainhoa Laucirica
Ainhoa LauciricaHaciendo alusión a su tema ‘Yo Invito’, Amaia invitó a todos a su concierto final. Rigoberta Bandini cantó junto a Amaia ‘Así Bailaba’, Alizzz apareció para hacer lo propio con ‘Sexo en la playa’ y ‘El Encuentro’, el productor Víctor Martínez se subía al escenario para acompañarla con la guitarra durante ‘Yamaguchi’, Rojuu interpretó con ella ‘Quiero Pero No’ y la extraña ausencia de Aitana durante ‘La Canción Que No Quiero Cantarte’ se suplió con la presencia de Samantha Hudson.
Nadie echó de menos la espectacularidad que hoy día se exige en la mayoría de conciertos. Amaia despidió su gira a lo grande con tan solo su voz, el piano y la guitarra. «Porque sé que al final todo pasa y morirá, quedará en nuestra mente y ya está», cantaba para despedirse de su primer WiZink. Sin embargo, su música quizá perdure más de lo que ella misma cree.
Gracie Abrams es una de esas artistas emergentes que entienden más que nadie a las nuevas generaciones. Desde su preciosa ‘I miss you, I’m sorry’ en 2020, que le sirvió como carta de presentación de lo que acabaría definiendo su música desde entonces, la artista ha optado por melodías calmadas y melancólicas en las que ensalzar su composición. Lo hizo en su EP ‘This Is What It Feels Like’ y lo ha vuelto a repetir este año con su primer trabajo discográfico: ‘Good Riddance’.
Dentro de su álbum debut brillan canciones como ‘I know it won’t work’, ‘I should hate you’ o la pista que cierra el disco, ‘Right now’. Sin embargo, uno de sus mayores logros es ‘Where do we go now?’, su segundo single. Bajo la ayuda del productor Aaron Dessner, el tema sigue la estela minimalista que ya caracteriza su música, refugiándose en un pop alternativo que demuestra que, a veces, menos es más.
La canción cuenta las idas y venidas de una relación que no tiene futuro pero que, pese a ello, se sigue haciendo daño con mentiras piadosas que la alejan de la realidad. La cantante reflexiona sobre si merecería o no la pena volverlo a intentar, situando al oyente en mitad de una de esas recaídas. Es precisamente ese punto de la historia el que da sentido al repetitivo «¿A dónde vamos ahora?» del estribillo, en el que Abrams emula esos pensamientos que no te dejan dormir por la noche regresando una y otra vez.
El tema enarbola con orgullo su linealidad y crea una atmósfera perfecta que hace destacar a Gracie Abrams como compositora. «No queda nada aquí / Nuestros mejores años están atrás / Qué forma más brutal de morir / Pero tú siempre la eliges», canta en el segundo verso. Después se romperá en el puente, donde lleva la narrativa más allá y se desahoga terminándolo con un contundente y sincero «Pero te echo de menos».
Aunque ‘Where do we go now?’ acaba sin respuesta y no conocemos a dónde van esta vez los dos amantes de la relación, sí que podemos contemplar el camino al que ha optado dirigirse Gracie Abrams. Y ese camino pasa por una tremenda dedicación hacia sus letras y lo que quiere contar. Parece que, además, también tendrá otras paradas: la artista visitará Barcelona y Madrid el 18 y 20 de octubre con su ‘Good Riddance Tour’.
«End» podría ser el título de cualquier disco de post-rock. Sobre todo desde que Danny Boyle vinculara al género el acecho de la muerte en ’28 días después’, las sensaciones límite son indisociables de esas «explosiones» de guitarra, en contraste con los escasos momentos de descanso. Esa falsa sensación de paz que casi siempre esconde un estallido aún peor.
Explosions in the Sky dedican su nuevo álbum a casi todos los tipos de final, excluyéndose a sí mismos: su carrera sigue ya con nuevos proyectos precisamente televisivos (lo de las bandas sonoras y las series está siendo un salvavidas para multitud de artistas). Los finales de que nos hablan se refieren a la muerte, a algún tipo de relación, o al tipo de desenlace que invita a un nuevo principio lleno de esperanza.
Así, las composiciones reciben títulos como «Salir Adelante» (‘Moving On’), que es de las que ofrece un destello de optimismo a través de preciosos punteos de guitarra, como el que se inicia en el minuto 1.35. También tenemos «Seres Queridos» (‘Loved Ones’), con un piano bellísimo al estilo de los que solían grabar los donostiarras La Buena Vida junto a Iñaki de Lucas. ‘Peace or Quiet’ es otro de esos momentos «pacíficos», «tranquilos», de aceptación, antes de que las cosas vuelvan a ponerse feas en la segunda mitad de la canción.
Musicalmente, ‘End’ es más rico cuanto más recoge los resultados de los experimentos de su predecesor ‘The Wilderness’. La intención de la banda ha sido revisitar sus inicios pero con las texturas aprendidas por el camino. El «single» ‘Ten Billion People’ abre con sintetizadores en combate con una potentísima sección de batería a cargo de Chris Hrasky. Después, el disco no es tan variado, dejando cierta sensación de déja-vu hacia lo propio o lo ajeno, como sucede con ‘All Mountains’, cuya primera mitad comparte melodía con el tema principal de Angelo Badalamenti para ‘Twin Peaks‘.
El álbum se cierra con dos temas llamados «La Lucha» (‘The Fight’) y «Nunca va a parar» (‘It’s Never Going to Stop’), con mensajes ambiguos, abiertos a las interpretaciones como lo ha sido toda su carrera. El piano del último puede traerte un vaso medio vacío o medio lleno, según el día, y no todas las melodías tienen la maestría de consentir las dos cosas al mismo tiempo. ¿Qué no parará nunca: el mundo que nos hace daño, o nuestras ganas por enfrentarlo?
Explosions in the Sky actúan el 19 de noviembre en Barcelona, el 20 de noviembre en Madrid. Entradas a la venta aquí.
El presidente del gobierno en funciones, Pedro Sánchez, ha recibido a Supersubmarina en la Moncloa. Se trata de una de las escasísimas apariciones públicas de la banda desde que el 14 de agosto de 2016 sufriera en Baeza un accidente de tráfico que paralizaría su carrera.
La fotografía, publicada en redes sociales por algunos miembros de la banda, muestra a los compañeros del grupo posando junto a Sánchez frente a la Moncloa. Según revela Jaime Gandía a través de Instagram, «que un presidente del gobierno nos invitase a pasar un rato de charla con él en el Palacio de la Moncloa no formaba parte de mi lista de checks». «Sin embargo, si algo he aprendido (por suerte o por desgracia) en estos 36 años de vida que tengo, es que poco o nada le importa al destino esa maldita lista», añade.
El artista confesó que fue un orgullo para toda la banda haber podido disfrutar de una velada como aquella, donde comenta que el único propósito fue compartir un rato ameno entre amantes de la música. También escribe que trataron la buena situación de la escena musical indie en España, aunque sin dejar pasar la oportunidad de proponer alguna que otra mejora al respecto. Pedro Sánchez siempre se ha considerado un gran seguidor del grupo y tiene algunas de sus canciones en sus playlists de Spotify.
Supersubmarina ya tuvo un encuentro privado el pasado 14 de agosto, cuando se cumplían justo 7 años del accidente. En la publicación que subía Jaime Gandía a Instagram, desvelaba que cambiaba «por primera vez las cuerdas de mi guitarra porque saben lo que les espera».
En los últimos años, la carrera de Mitski ha cambiado considerablemente. Desde la publicación del sublime ‘Be the Cowboy’ y sus muchas canciones virales en TikTok, la cantante ha tenido que enfrentarse a una nueva forma de vida, una en la que ya no es una cantautora semi-desconocida, sino toda una figura pública con miles de fans. Los estresantes engranajes de la industria musical y la presión de haber perdido parte de su libertad tras la fama, hizo que tuviera que alejarse una temporada y replantearse la forma en la que quería hacer música. ‘Laurel Hell’ llegó cuatro años más tarde con el sonido más pop de su carrera, un disco tan discreto como intermitentemente explosivo y muy influido por el synthpop ochentero.
Su sucesor, ‘The Land Is Inhospitable and So Are We’, ha aparecido mucho antes de lo que podría esperarse y es, en primer lugar, toda una declaración de intenciones artísticamente hablando. Mitski se desprende del alma pop de sus dos anteriores trabajos y en su lugar ofrece una obra rupturista con todo su sonido previo.
Aquí, la cantante sustituye los sintetizadores que tanto ha usado recientemente y las guitarras distorsionadas de ‘Puberty 2’ y ‘Bury Me at Makeout Creek’ por delicadas guitarras acústicas, secciones orquestales de cuerda y coros teatrales. Todo ello con una clara inclinación hacia tonalidades country y americana que, pese a haber coqueteado con esos géneros en el pasado, nunca había sido tan evidente como aquí (mudarse de Nueva York a Nashville seguramente haya tenido algo que ver en adentrarse a explorar este tipo de texturas). En este sentido de búsqueda constante, de inconformismo sónico, su concepción del arte recuerda bastante a gente como Angel Olsen, que ha hecho de su estilo indómito un rasgo característico de su música.
El universo de ‘The Land Is Inhospitable…’ se abre con ‘Bug Like an Angel’, una sugerente balada folk que nos traslada a la barra de un bar donde la narradora está atrapada en su adicción al alcoholismo, reflexionando sobre sus cuestionables elecciones vitales y sabiendo que prometerá cosas que no va a cumplir. “Al hacerme mayor supe que era una bebedora / a veces una bebida se siente como familia”, admite segundos antes de que el coro irrumpa repitiendo la palabra “familia”. Es una efectiva y devastadora introducción a ese lugar desesperanzador del título. ‘Buffalo Replaced’ funciona de manera similar: es la canción que le sirvió a Mitski como referencia para encontrar el tono del proyecto, cuya función en la secuencia parece ser principalmente la de crear atmósfera.
El tema sobre el que orbita ‘The Land Is Inhospitable…’ -el amor como supervivencia, como el único legado que tenemos y que podemos ofrecer como especie- aparece por primera vez de manera evidente en la extraordinaria ‘Heaven’, una elegante y poética producción orquestal donde la voz de Mitski brilla con una intensidad radiante. En la bonita balada lounge ‘My Love Mine All Mine’ canta sobre cómo todo es efímero y, de nuevo, inhóspito -la tierra y nosotros-, y sobre cómo lo único que le pertenece en este mundo es el amor que tiene que ofrecer. Porque amar es lo más importante que podemos hacer, incluso si el amor acaba, como en la magnífica ‘Star’, donde lo compara con una estrella que sigue resplandeciendo después de morir.
Por supuesto, en el proyecto también encontramos algunos de los temas que más han obsesionado a Mitski a lo largo de su carrera, como la soledad y la culpa, el desprecio a uno mismo, la autocompasión. En la apasionada y desgarradora ‘I Don’t Like My Mind’ afirma: “No me gusta que me dejen sola en una habitación con todas sus opiniones sobre las cosas que he hecho”. Es el tipo de poesía de la desolación que tan bien sabe hacer; reducir a unas pocas palabras sentimientos y situaciones de máxima complejidad. Sus letras siempre han destacado en ese ámbito con su característica narración cinematográfica, así como su gran oído para las melodías melancólicas. ‘The Deal’ es un gran ejemplo de esto, con sus bellísimos pasajes de violines acompañando a la cálida voz de Mitski con esa sorprendente percusión al final.
El álbum culmina con dos piezas excelentes: ‘I’m Your Man’, una apabullante y atmosférica balada country que bien podría ser la banda sonora de un western siniestro y que hace protagonistas al árido paisaje de esa tierra peligrosa e inhóspita, incluyendo ladridos de perros o el canto de las chicharras en una noche silenciosa; y ‘I Love Me After You’, en la que sí encontramos señas de identidad de la antigua Mitski como esa distorsión final de guitarras.
‘The Land Is Inhospitable…’ es un proyecto sombrío y complejo, donde la cantante logra algunas de sus composiciones más sofisticadas y majestuosas. Somos seres inhóspitos, difíciles, con sentimientos contradictorios e incomprensibles, pero, aunque solo sea de forma temporal, nos tenemos los unos a los otros. No hay nada más importante que eso y nadie que lo exprese de manera más bella que Mitski.
El día de salida de ‘Tension’, el nuevo álbum de Kylie Minogue, la cantante retiene la máxima posición de nuestra lista. En X, la autora de ‘X’ se ha llevado el 39% de los votos. Casi puede con ella Sufjan Stevens en la semana en que se ha conocido su enfermedad neurológica… pero no. ‘Will Anybody Ever Love Me?’ se llevó el 33% de los votos en la red anteriormente conocida como Twitter.
Muchas son las entradas en el top 10: Romy, James Blake, Róisín Murphy y DJ Koze, Mitski y The Chemical Brothers con Beck. Al top 40 más por los pelos llega lo nuevo de Poppy.
Kylie mantiene el top 1 de lo más votado de JNSP con ‘Tension’, pese a competir contra sí misma con ‘Padam Padam’. ‘Tension’ se ha llevado el 43% de los votos, por un 19% de “Padam” en el “desempate de Twitter”.
Recomendamos siete películas que se han estrenado directamente en plataformas o que pasaron por las salas (si es que se vio en más de una) sin pena ni gloria. Un ejemplo: la fabulosa ‘Trenque Lauquen’ la vieron, según datos del Ministerio de Cultura, 455 (afortunados) espectadores.
Mona Lisa y la luna de sangre (Ana Lily Amirpour)
A los cines españoles les gusta tanto Ana Lily Amirpour como a José Manuel Soto la democracia. Casi nadie quiere estrenar sus películas. Da igual que reciban premios en Venecia, en Sitges, y que su cine sea muy accesible y disfrutable (la directora es de origen iraní pero no es ninguna imitadora turra de Kiarostami). Tras el hipnótico cuento de vampiros skater ‘Una chica vuelve a casa sola de noche’ (estrenada de tapadillo durante el verano de 2015) y el lisérgico western posapocalíptico ‘Amor carnal’ (Netflix), su nuevo largometraje llega de nuevo directamente a plataformas.
‘Mona Lisa y la luna de sangre’ es una fábula con destellos de thriller fantástico y comedia protagonizada por “una chica que vuelve a casa sola de noche” (noche con luna de sangre) después de escaparse de un sanatorio mental. Aquí la chica también es rarita: una inocente adolescente con poderes telequinéticos. A partir de esta premisa argumental, Amirpour exhibe sus “superpoderes” como directora: un estilo visual hiperestilizado y muy sugerente, un batido de referentes muy bien mezclados, un discurso racial y de género fantásticamente integrado, y una irresistible banda sonora a cargo de Daniele Luppi. 8. Disponible: Amazon Prime
Trenque Lauquen (Laura Citarella)
Como hemos dicho, casi nadie la vio en su estreno en salas, pero es una de las grandes películas del año. Es cierto que la duración no ayudaba: cuatro horas y media (aunque se pasan volando). Pero, ¿por qué no la estrenaron en dos partes como se presentó en San Sebastián y han hecho en Filmin? El tercer largometraje de ficción de Laura Citarella, presentado en Venecia, ha supuesto su consagración internacional. La cineasta argentina ha rodado una película desbordante de ingenio, sabiduría narrativa y placer por adentrarse en los laberintos de los relatos multiformes con historias que se abren a otras historias.
‘Trenque Lauquen’ (título que hace referencia al nombre de una ciudad de la provincia de Buenos Aires) es una película de misterio sobre la desaparición de una bióloga. A partir de este suceso, la directora tira del hilo narrativo y comienza un itinerario que avanza, salta, se detiene, retrocede… por los caminos más inesperados y lúdicos: de la absorbente intriga detectivesca al emotivo melodrama romántico, de la comedia lynchiana a la ciencia ficción costumbrista, del relato epistolar decimonónico al monólogo confesional radiofónico. Una maravilla destinada a convertirse en obra de culto. 9. Disponible: Filmin
Reality (Tina Satter)
Qué poco me apetecía ver esta película: dramaturga que debuta en el cine adaptando su propia obra de teatro sobre un tema de filtraciones a lo Snowden, protagonizada por una actriz, Sydney Sweeney, que siempre me había parecido bastante limitada. Gracias a las entusiastas críticas de The Guardian o IndieWire me puse a verla (se acaba de estrenar) cuando ya no tenía previsto incluir ninguna película más en esta selección. Menos mal. ‘Reality’ no tiene nada que ver con el telefilme de tarde “con denuncia” que me había montado yo en la cabeza.
El caso es conocido, pero si no sabes nada, mucho mejor. Así podrás entrar a ciegas en el entramado dramático que propone el filme. ‘Reality’ es un drama policial construido a partir de la recreación de la transcripción real del interrogatorio que le hicieron dos agentes del FBI a la veterana del ejército estadounidense y traductora de la NSA Reality Winner, el 3 de junio de 2017. Un fascinante ejercicio de esgrima verbal, de juegos del ratón y el gato, que plantea interesantísimos dilemas éticos y morales. Ah, y la “limitada” Sydney Sweeney está fantástica. 8. Disponible: Filmin
Ninjababy (Yngvild Sve Flikke)
Otro estreno que no vio casi nadie. ‘Ninjababy’ es una comedia dramática (premio a la Mejor comedia del Cine Europeo) que aborda el tema de la maternidad no deseada sin ningún tipo de condescendencia ni moralismos. La directora Yngvild Sve Flikke (conocida por la serie ‘Home Ground’), recoge los convencionalismos de este tipo de ficciones y los hace pedazos con una espada ninja. Pero no solo con ánimo destructivo y provocador, sino también como forma de reflexionar a contracorriente sobre un tema muy sensible moralmente.
La directora dibuja el conflicto de esta joven embarazada a través de varios elementos: un guion muy medido, que se mueve con mucha soltura entre la comedia desenfadada y el drama íntimo; una puesta en escena ágil y juguetona, que incluye escenas de animación (el filme está basado en la novela gráfica ‘Fallteknikk’ de Inga H Sætre); una atractiva selección de canciones de la escena indie noruega (Pom Poko, Hajk, Frøkedal); y la fabulosa interpretación de la actriz Kristine Kujath Thorp, en su primer papel importante antes de consagrase con ‘Sick of Myself’. 7,5. Disponible: Movistar+
Hierve (Philip Barantini)
Antes de dedicarse por completo al cine, el actor Philip Barantini estuvo trabajando durante 12 años como chef en un restaurante. Fruto de su experiencia con los fogones fue el cortometraje ‘Punto de ebullición’, su premiado debut en la dirección (disponible en el canal TVCortos de Prime Video). ‘Hierve’ es la versión ampliada del corto, con la que el director también obtuvo varios reconocimientos (fue nominada a cuatro Bafta).
Rodada en un solo plano secuencia (real, no falseado en montaje), ‘Hierve’ es un inmersivo drama culinario con ingredientes de thriller, una “pesadilla en la cocina” protagonizada por el siempre excelente Stephen Graham (‘The Virtues’, ‘El irlandés’). Barantini recrea el tenso servicio de una noche en un restaurante de moda londinense para contar, por un lado, el drama personal de un chef sobrepasado por el estrés, un hombre a “punto de ebullición”, y, por otro, para elaborar una eficaz metáfora sobre temas como la precariedad laboral, el racismo, el mundo influencer o la competitividad salvaje del capitalismo extremo. Una angustiosa velada cocinada a fuego lento. ¡Sí, chef! 7,5. Disponible: Filmin
Friedkin Uncut (Francesco Zippel)
Podíamos haber recomendado la pionera en la representación LGTB+ ‘Los chicos de la banda’ (Filmin, Prime), los dos exitazos que le convirtieron en una leyenda del Nuevo Hollywood ‘French Connection’ (Disney) y ‘El exorcista’ (en octubre se reestrena en cines por el 50 aniversario), obras de culto vilipendiadas en su día como ‘Carga maldita’ (Filmin) y ‘A la caza’ (horrible título de ‘Cruising’, Filmin), el thriller ultraochentero que supuso su (tímida) resurrección ‘Vivir y morir en Los Ángeles’ (en Blu-Ray) o su tremendo canto del cisne ‘Killer Joe’ (en España solo en DVD).
Pero qué mejor que este ligero pero valioso documental para acercarnos, a modo de introducción, a la figura y la obra del recientemente fallecido William Friedkin. Ellen Burstyn, Wes Anderson, Matthew McConaughey o Quentin Tarantino, quien en su ‘Meditaciones de cine’ demuestra su amor por las películas del cineasta, son algunos de los testimonios que acompañan a este retrato de quien fue marido de Jeanne Moreau (de quien no se hace mención, por cierto). Un retrato quizás demasiado reverencial pero muy entretenido y plagado de anécdotas, articulado por medio de las declaraciones, lúcidas y ocurrentes, del propio director. 7. Disponible: Movistar+
Beautiful Beings (Guðmundur Arnar Guðmundsson)
Para terminar, una recuperación. Filmin ya ha incorporado a su catálogo ‘Beautiful Beings’, una de las mejores películas vistas en el reciente Atlántida Film Fest. El director de ‘Heartstone, corazones de piedra’ (2016) vuelve a demostrar su enorme capacidad para dirigir actores jóvenes y capturar los sentimientos y emociones asociados al universo adolescente. ‘Beautiful Beings’ se podría ver casi como su secuela (hasta el cartel se parece). De nuevo, cuenta una historia de iniciación y amistad entre varios chicos marcada por el difícil entorno familiar en el que vive cada uno. Un clima de violencia doméstica y desamparo extremos reflejado por el director –quien se ha basado en sus propias experiencias de joven en los 90- con gran fuerza dramática.
Rodada con cámara en mano, nerviosa y cercana, buscando la fisicidad de los personajes, ‘Beautiful Beings’ explora las relaciones entre un grupo de adolescentes poniendo el acento en la amistad que se crea entre ellos. Un sentimiento de fraternidad, de férrea hermandad, que les sirve como refugio, como lugar donde sentirse seguros y acompañados. Aunque el filme está narrado con un naturalismo crudo y brutal, Guðmundsson lo rompe de vez en cuando incorporando elementos oníricos que funcionan como la visualización de los temores de uno de los protagonistas. Magnífica. 8,2. Disponible: Filmin
Shakira se las ha apañado para, a sus 46 años, seguir estando en el foco principal. En una industria que relega a las mujeres a un segundo plano cuando pasan los 30 años, la carrera de la artista está pasando por una de sus etapas de mayor éxito. Shakira llega de recibir el premio Vanguard en los VMAs, donde hizo una actuación de más de 10 minutos, además de haber logrado siete nominaciones para la próxima edición de los Latin Grammy. En una entrevista para Billboard, la cantante aborda estos y más temas.
«Me siento como un gato con más de nueve vidas; cada vez que creo que no me puede ir mejor, de pronto cojo un segundo impulso», reconoce Shakira. Desde su ‘Te Felicito’ junto a Rauw Alejandro en 2022, la cantante ha vivido un claro resurgimiento que desembocó en la ‘Bzrp Music Sessions, Vol. 53’ de principios de este año. «Ahora estoy en una etapa de supervivencia, es como sacar la cabeza fuera del agua. Y es una etapa de reflexión».
Hits Don't Lie 💃 For over a year, @shakira has thrown convention and expectations to the wind — turning pain into pop music gold.
Para la cantante, su éxito reciente no es casualidad. Reconoce que desde que terminó su relación sentimental con Piqué ha tenido la posibilidad de dedicar más tiempo a hacer música. «La cosa es que estaba entregada a él. A la familia, a él. Me resultaba muy difícil atender mi carrera profesional estando en Barcelona. Era complicado logísticamente conseguir colaboraciones allí. Tenía que esperar a que coincidieran las agendas o a que alguien se dignara a venir». Shakira comenta que ahora que está en Estados Unidos, si tiene una idea puede colaborar inmediatamente con quien quiera.
Shakira confiesa que, para ella, su carrera era una tercera prioridad. Su último álbum, ‘El Dorado’, salió hace seis años. «Ahora puedo sacar música a un ritmo más rápido, aunque a veces pienso que ser madre soltera no es compatible con el ritmo de una estrella del pop. Tengo que acostar a mis hijos, ir al estudio de grabación; todo se hace cuesta arriba». La artista comenta que le gusta ser una madre presente y necesita estar en todo momento con sus hijos, pero que, aparte de eso, también tiene que ganar dinero.
La cantante asegura que siempre ha priorizado el amor, lo que la despreocupaba de sacar nueva música, ya que estar con su familia era lo que realmente la hacía feliz. «Creía en el ‘hasta que la muerte nos separe’. Mis padres llevan juntos, no sé, 50 años, y se aman como el primer día. Por eso sé que es posible. Es lo que quería para mí y mis hijos, pero no sucedió».
"Sometimes I think being a single mom and the rhythm of a pop star aren’t compatible. I have to put my kids to bed, go to the recording studio; everything is uphill.
Pese a su despunte actual, Shakira reconoce que ni es feliz ni piensa que todo el mundo pueda acceder a la felicidad, ya que considera que «está reservada a un número muy selecto de personas y no puedo decir que forme parte de ese número ahora mismo». «La felicidad es un lujo, una comodidad. Algunas personas nacen para ser felices, y otras nacen para hacer cosas, servir a la comunidad. No lo sé», añade.
En cuanto a sus planes de gira, la artista dice que se encuentra trabajando en ella y deja caer que podría ser una gira de grandes éxitos. Su último tour fue en 2017 y 2018, cuando recorrió el mundo con su ‘El Dorado World Tour’. «Cuanta más producción haya, mayor será el precio de las entradas. Quiero que las entradas sean asequibles. Pero para mí, lo más importante es el repertorio. Por eso creo que [mi próxima gira] será la gira de mi vida, porque tengo muchas canciones».
Sin embargo, este momento repleto de triunfos no es suficiente para que Shakira vea esta época de manera positiva. «Creo que nada puede compensar el dolor de destruir una familia. Por supuesto, tengo que seguir adelante por el bien de mis hijos; esa es mi mayor motivación. Pero mi mayor sueño, más que coleccionar discos de platino y Grammys, era criar a mis hijos con su padre. Superar los obstáculos y envejecer juntos. Ahora sé que eso no lo voy a conseguir».
La última visita de Harry Styles a Madrid fue completamente caótica. El cantante, que se encontraba en mitad de su ya finalizada gira ‘Love On Tour’, hacía parada en el Iberdrola Music, recinto de conciertos abierto en el distrito de Villaverde. Ahora, a las diversas quejas de los asistentes por la falta de organización se ha sumado una multa de hasta 19.000 euros por superar los niveles de ruido.
El concierto se celebró el pasado 14 de julio con más de 65.000 asistentes, según la promotora del evento. Sin embargo, las horas previas fueron una pesadilla para muchos de ellos. La cola para entrar al reciento era kilométrica y, para colmo, las altas temperaturas propiciaron que la gente tuviera que acampar con sombrillas y paraguas para protegerse de la ola de calor. Hasta los bomberos tuvieron que acudir para refrescar a las personas y evitar desmayos.
Una cola de un kilómetro esperando en mitad de Villaverde para ver a Harry Styles.
🎤Llega el esperado concierto de Harry Styles, el nuevo rey del pop, en Madrid
👨🚒Las colas para ver al cantante son kilométricas y, debido a las altas temperaturas, los bomberos refrescan la zona con mangueras ⬇️ pic.twitter.com/MDQUOLelDY
Meses más tarde, Somos Madrid confirma que se ha multado a la organización con 19.000 euros por incumplir la normativa y superar los niveles sonoros permitidos. La promotora, que tan solo organizó este evento y el Mad Cool 2023 justo una semana antes, ha sido multada por ambos. El lunes también se comunicó que, por el ruido ocasionado, el Mad Cool recibiría una multa de 22.000 euros.
El alcalde de Madrid se manifestó el martes al respecto, detallando que «cuando hay una denuncia vecinal o sencillamente de oficio, nos personamos para medir exactamente el número de decibelios que hay en la ciudad de Madrid. Si se supera, se tramita el correspondiente procedimiento sancionador».
Nuestro Disco de la Semana es ‘Supernova‘, una amalgama inclasificable de géneros que su propio autor cataloga como «collage». Ralphie Choo es un joven de 23 años que esta semana ha comprobado cómo la prensa incluso internacional se deshacía en elogios hacia su propuesta. O cómo Rosalía compartía su álbum.
Hablamos con el hombre detrás del proyecto, Juan Casado Fisac, sobre cómo está viviendo estos días, el colectivo al que pertenece rusiaIDK, o el que puede ser el futuro de la música a nivel internacional. ¿Puede tener España un protagonismo cada vez mayor?
Hace una semana del lanzamiento de tu disco, ¿cómo has vivido estos 7 días?
Ha sido una semana frenética, no me ha dado tiempo de pensar nada… Ha sido noticia buena tras noticia buena, casi que las he estado esquivando. Llegaba tanta info, todo el mundo me hablaba para felicitarme, me petaba un poco la cabeza… Pero ha sido un trabajazo llegar a este punto, así que también estoy muy contento.
Duele un poco a los ojos leer que tu proyecto es «bedroom pop» o incluso hemos leído «flamenco», cuando la gracia es que tu música va de un género a otro de una estrofa al estribillo, o son cosas totalmente desestructuradas. ¿Te sientes afín a algún género en realidad?
No, lo que busco es romper esa barrera y cruzar plazas. Coger esta cosa del flamenco y mezclarla con esta cosa de la samba, de la bossa, del R&B… mezclarlo todo y hacer un collage, crear una imagen, una composición totalmente nueva. Quizá desde cerca la composición se ve algo borrosa, pero desde lejos acabas de ver todo el cuadro, toda la composición.
¿De adolescente estabas más apegado a algo?
De chaval escuchaba mucho flamenco y música clásica. Paco de Lucía, Händel, Bach, incluso compositores barrocos. Mozart… Luego en la uni fui descubriendo más cosas. No tenía una cultura musical muy rica hasta que cumplí 17 años, cuando entré en la universidad. Por cierto, la gente está diciendo que estudié ingeniería química y estudié música. Tocabas la trompa, ¿no?
Sí.
En el disco metes sonidos de pianos y flautas. ¿Son orgánicos o digitales?
Todos los vientos, metales, maderas y pianos están grabados, son sonidos orgánicos. Yo he tocado el piano, drummie las flautas. Luego, hay un montón de samples grabados con el móvil, y después procesados. Un salero, una espátula, cuchillos, de todo. Hemos aprovechado a tope lo que tenemos. ‘Tangos’ está hecho todo con menaje de cocina.
En Bandcamp hiciste una versión muy libre de Rosalía y Ozuna. Pitchfork te ha comparado con Travis Scott y Playboi Carti… ¿Pero qué canción o qué disco realmente te cambió la vida?
Sin duda, ‘Blonde’ de Frank Ocean es el disco que más he escuchado, al que más atención he prestado con una escucha activa. No es por comparar, pero con ‘Supernova’ pasa lo mismo que con ‘Blonde’, que cada vez que escuchas más las canciones descubres nuevos detalles. Lo vas madurando poco a poco y pasas de una canción favorita a otra. El proceso del álbum ha sido así, ha habido mucho tiempo de espera entre las primeras demos y las finales, muchos singles publicados de por medio…
¿En qué plazo de tiempo se ha creado el disco?
Entre un año y medio y dos.
«La gente católica lee la Biblia para orientarse en la vida, y yo leo este ‘Juan Salvador Gaviota'»
El disco empieza con un tema llamado ‘Juan Salvador Gaviota’. Sampha está a punto de publicar una canción titulada igual. ¿Qué significa este libro para ti?
Algo así como la Biblia. La gente católica lee la Biblia para orientarse en la vida, y yo leo este libro. ‘Juan Salvador Gaviota’ es un libro que me ha ayudado a abrir horizontes. Es una fábula, es un cuento para niños, pero recoge muchas cosas que nos sirven a los adultos. Para mí, es como una nueva religión. Si tuviera que creer en algo, creería en ‘Juan Salvador Gaviota’ porque me ha ayudado a creer en mí.
¿Cómo surgió el colectivo RusiaIDK?
En 2017 o 2018 nuestro manager Manuel, que, en ese momento, está trabajando como A&R en Sony, descubre a mori y se enamora de él. Descubre que hay todo un grupo de chavales que están grabando su música en casa y subiéndola a agregadoras musicales, ni siquiera a plataformas oficiales. Poco a poco encuentra a rusowsky, rusowsky y y yo nos hacemos colegas… Es una relación de amigos que ha ido forjando con el tiempo, es una relación de amistad, cariño y admiración.
¿Hay una simbiosis musical entre todos vosotros?
Tenemos gustos muy parecidos, hablamos de música todo el tiempo, nos compartimos cosas, pero luego cada uno es de su padre y de su madre, trabaja a su manera, necesita más tiempo para hacer una canción o menos. Comulgamos en el mismo sitio, pero cada uno tenemos nuestros propios retos e intenciones.
A mori le descubrí por sus colaboraciones con Natalia Lacunza. Ella fue de las primeras personas que dijo que lo que hacíais era básicamente el futuro del pop español.
Sí, ella es de las primeras personas que, estando en el foco, colaboró con nosotros. Rusowsky y ella de hecho llegaron a trabajar juntos en el estudio y a colaborar en una canción, que no sé lo que ha pasado con ella. Mucha gente ha ido apoyando Rusia IDK, gente a la que le sigue peña y que puede actuar como prescriptora.
C. Tangana colaboró con rusowsky. Y Rosalía te sigue en Instagram. ¿Tienes contacto con alguno de ellos?
Con Pucho he estado una vez en el estudio currando, pero no era para un proyecto suyo. Tuve el placer de conocerle y charlar con él, y estar con él en su hábitat. Rosalía me ha felicitado por el álbum y lo compartió en los stories. Le dije que era una de las mayores inspiraciones del álbum. Ojalá nos encontremos en algún momento en el estudio.
Hay parecidos con ‘Motomami’, en ese rompimiento del género constante, la disrupción continua.
Esas son las directrices de la música que viene ahora. Ya has escuchado todo y ahora toca hacer un trabajo más de collage.
«Ya has escuchado todo y ahora toca hacer un trabajo más de collage»
El pop collage se ha convertido en el presente, en aquello que antes imaginábamos sería el futuro. ¿En tu cabeza era así también el futuro del pop?
No, simplemente he estado trabajando en hacer cosas que me sonaban bien y que me parecían un camino curioso a seguir. Ahora hay un fenómeno de reducir el tiempo de las canciones, pero es una estética y una moda y seguramente pasará. En el futuro, a lo mejor habrá temas de 7 minutos con 200.000 cambios. Nunca se sabe lo que va a pasar.
¿De qué parte de Madrid es el colectivo? Con lo gentrificado que está el centro, es difícil imaginar por ejemplo Malasaña como centro de operaciones de vuestra música.
TRISTÁN vive en casa de sus padres, Martín (more) vive con rata de internet y con otros compañeros. Rusowsky, Barry y yo vivimos juntos en la misma casa, entre Nuevos Ministerios y Tetuán. DRUMMIE vive solo.
«Ahora hay un fenómeno de reducir el tiempo de las canciones, pero es una estética y una moda y seguramente pasará»
¿Cuáles son vuestros clubs o bares favoritos de la ciudad?
Frecuentamos mucho la Taberna Gaztelupe, tienen muy buena carne. Vamos a El Doble, en la calle Abascal. Vamos a bares muy españoles y castizos, muy madrileños, donde te ponen raciones de mojama y lomo, o una lata de mejillones. En la presentación del disco, en el catering solo había chistorra, tortilla de patatas y cosas así.
Celebramos que canciones como BULERÍAS, MÁQUINA CULONA, GATA… estén recopiladas en un proyecto concreto, como es este álbum, ¿pero no tenías miedo de que lo mejor del álbum fuera lo ya conocido? ¿Has estructurado el disco pensando en distribuir los singles a lo largo de toda la secuencia?
Ha sido un híbrido entre cómo hemos ido haciendo las cosas y cómo se han ido dando… ‘Bulerías’ se hizo en una semana, no estaba dentro del álbum y, de repente, es la canción que mejor resume el disco. Lo de Mura Masa iba guay a nivel estratégico para que la peña de fuera descubra cosas de España. Obviamente quería que ambos estuvieran dentro del disco. Que peguen más o menos eso ya es cosa del público, yo mi trabajo ya lo he hecho. No me molesta que escuchen más ‘Maquina culona’ que ‘TOTAL9NOSTALGIA’. Me encanta descubrir las reacciones del público.
¿Te ha sorprendido alguna reacción del público?
Me encanta ver reacciones del disco en Youtube, de gente como Proyecto 14. Todos suben “experiencias” y no “reacciones”. Uno de ellos dijo que, normalmente, cuando escuchas música en el día a día, esa música entra en tu rueda vital y participa en tus actividades diarias, pero que ‘Supernova’ te invita a disfrutar de una experiencia, a cerrar los ojos y disfrutar, y eso me encantó.
¿Tú escuchas de esta música de esta manera o tienes poco tiempo?
Escucho música todo el tiempo, desde que me levanto, es una tarea que hago, dedicar tiempo a escuchar cosas, a analizar, de manera no pasiva sino activa, tomando nota de lo que escucho, para probarlo en mis propias canciones.
¿Cuál es tu favorita de las que no habían salido? ¿Quizá ‘Beso Bruma’? ¿O alguna de las que parecen interludios o instrumentales?
‘TOTAL90NOSTALGIA’ porque es un viaje, es la explicación de todo el viaje desde que eres un chaval y no entiendes por qué pasan las cosas, simplemente las aceptas y no te preocupas, hasta que creces y empiezas a experimentar la ansiedad. Ya sabes, todo este tema de la salud mental del siglo XXI… Entonces haces un resumen de todo lo que te ha pasado, te preguntas cómo te has convertido en lo que eres. Yo era un chaval desconocido, no es que nadie apostara por mí, pero realmente nadie sabía quién era, prácticamente no tenía oyentes, y de repente todo ha cambiado, hasta el punto de que Rosalía ha compartido el álbum.
«Creo que desde España vamos a pegar un portazo importante dentro de poco»
Hay un precedente en El Guincho. Pitchfork reseñó su disco ‘Alegranza’ en 2007. Entonces no era nada habitual que un artista español fuera reseñado en un medio anglosajón. Curiosamente él terminó produciendo a Rosalía. Pero ya no nos sorprende tanto que tú salgas en Pitchfork, se ha normalizado.
Todo el mundo se piensa que en Estados Unidos es otro rollo, que todos son unos genios, que es la catedral de la historia de la música, y cuando vas te das cuenta de toda la riqueza que hay en España. Nosotros ya hemos madurado todo el folclore, y a ellos solo les ha llegado Rosalía. En España tenemos un producto selecto. Nos queda mucho aún que enseñar al mundo. Creo que vamos a pegar un portazo importante dentro de poco. Es la misión de ‘Supernova’ también, que se entere el mundo quién es rusowsky, quién es DRUMMIE, quién es Barry B…
Personalmente no conocía a Paris Texas, ¿qué canción suya o qué lanzamiento suyo es tu favorito?
‘Panic’ o ‘Bullet Man’. Hace poco han sacado el álbum ‘Mid Air’. Los descubrí a través de nuestro A&R de Los Ángeles, Jackson Harris, que es el que ha estado “pusheando” a los mandamases de ahí para que escuchen a un jambo de 200.000 oyentes mensuales.
Me ha sorprendido la colaboración de Wet, no me la esperaba. Es un grupito así de culto, muy suave…
Tienen un sonido muy atmosférico y yo escucho muchísimo ambient. Descubrí ‘Blades of Grass’ y la escuché durante dos meses seguidos. Puede ser la canción que más escuchado en todo el año.
¿Qué ambient escuchas?
Yves Tumor, Boards of Canada, Apex Twin (una referencia en la portada), Dean Blunt, Bernard Herrmann, Sushumu Yokota, Radiohead, Marina Herlop, pablopablo…
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A mori le descubrí por sus colaboraciones con Natalia Lacunza. Ella fue de las primeras personas que dijo que lo que hacíais era básicamente el futuro del pop español.