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¿Qué está pasando con el precio de las entradas de los conciertos?

Por
Sebas E. Alonso
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Quedan entradas para ver a Beyoncé en el Estadi Olímpic de Barcelona. Eso sí, la más barata cuesta 312 € en pista. La misma situación la encontramos en el concierto de Madonna en el Palau Sant Jordi de este año. Quedan 2 entradas a 793 € para el 1 de noviembre, aunque la cantidad de tickets varía según el día.

Una de las noticias que dejan estos precios ha sido el fuerte encarecimiento de las entradas de pista, respecto a las de grada. Parece que la industria ha tardado 50 años en darse cuenta de que ver al artista de cerca tiene más valor. ¿Pero en qué momento el mercado se ha vuelto loco en cuanto a todos los precios? ¿Por qué, además, las entradas cambian de precio según el día? La economía vive un escenario de inflación generalizado, causado por la guerra de Ucrania y la crisis energética, que afecta a varios sectores, no solo a la música en vivo. Pero este mercado está desbocado por más razones.

Después de la pandemia, hemos comprobado cómo la avalancha de eventos ha trastocado el mercado. Muchos artistas han tenido que reubicar sus giras, con todo lo que implica a nivel logístico en cuanto a reservas de vuelos y hoteles. La subida de precios y el exceso de oferta se ha llevado por delante tours de gente de tamaño medio como Santigold, Animal Collective o Kelly Lee Owens, que veían inviable realizar una gira. Sin duda ha subido el coste del montaje, el coste de la luz, el coste de los viajes y el alojamiento.

El verano pasado había tal Cristo liado en cuanto a montaje de escenarios de festivales en España que los técnicos de espectáculos alertaron de una «oferta excesiva» que ponía «en peligro la seguridad» -como se vio en el accidente de O Son do Camiño-. Denunciaban igualmente que se habían «disparado los cachés».

Los cachés de algunos artistas se han disparado, eso seguro. El modelo de negocio ha cambiado drásticamente desde los años 80 y 90, cuando artistas como Madonna y Bruce Springsteen vendían 20 millones de copias de sus discos de éxito. Todo aquel pastizal que ingresaban por ventas de millones de copias se ha ido al garete cuando ahora las ventas de sus últimos álbumes pululan entre el medio millón y el millón de copias: en la era streaming la mayor parte de sus ingresos proceden de la música en directo.

Es también el caso de gente joven como Taylor Swift o The Weeknd, cuyos precios para ver en gira se han disparado lo mismo, y de todo el mundo en la industria con alguna excepción como Rihanna, que ha encontrado su mayor fuente de ingresos en la cosmética; o Dr. Dre, que arrasó con sus cascos Beats By Dr Dre. Pero la mayoría vive de la música en vivo.

El modelo de negocio ha cambiado drásticamente y ahora está en la música en directo

Por otro lado, hay ciertos artistas de primer nivel que no están ya dispuestos a que sus entradas se vendan en el mercado secundario a precios desorbitados. Durante años esta situación ha permanecido en el mercado sin ser regulada, pese a algún tímido intento, y todos recordamos grandes dramas al respecto. Fans de Lady Gaga que habían comprado entradas falsas a las puertas del Palacio de los Deportes de Madrid, gente llorando a las puertas de un concierto de One Direction porque los tickets adquiridos en el mercado secundario eran duplicados y no habían permitido el acceso.

La entrada PLATINUM -esa que estamos viendo a 400, 800 y más de 1.000 € en algunos casos- es la respuesta de la industria a esta situación. Un «para que otro se quede el beneficio de mi propio concierto, me lo quedo yo». Es cierto que Ticketmaster, la ticketera de los artistas gigantes, se ha introducido en el mercado secundario, pero no posee todas las plataformas, y este es su propio mecanismo de defensa ante lo que podríamos considerar la demanda del mercado. Las entradas PLATINUM presentan un precio dinámico, como el de la reserva de vuelos y hoteles, como el de Uber, ofreciendo la entrada al mejor postor, lo cual casi se lleva por delante la carrera de Bruce Springsteen, de imagen tan «obrera».

En efecto la programación de su gira por Estados Unidos con entradas incluso a 5.000 dólares le valió titulares negativos en todo el mundo. Es el escándalo de «las entradas solo para los ricos». El de los especuladores. Su mánager Jon Landau tuvo que salir al paso en declaraciones recogidas por New York Times: «En contra de lo que se ha dicho, solo un número muy pequeño de entradas se ha vendido por 1.000 dólares o más. El verdadero precio de entrada medio es de unos 250 dólares. Creo que en el mundo de hoy, es un precio justo para ver a uno de los más grandes artistas de su generación, reconocido de manera universal». Ticketmaster situó en un 88% las entradas vendidas a precio «normal» y sólo en un 11% las entradas que se habían vendido «en formato PLATINUM». En otras palabras, se aseguran la venta del 88% de los tickets y especulan durante meses -hasta que llega el evento- con el resto.

La entrada PLATINUM es la fórmula de los artistas para quedarse lo que les estaba arrebatando el mercado secundario

También hay que recordar que la promotora se queda un pequeño porcentaje del dinero de las entradas y que la mayor parte va para los artistas y la producción del evento, que en los casos de los que hablamos, también es millonaria. Hasta el punto de que en ocasiones se pone en duda su rentabilidad. Madonna tuvo que explicar en Jimmy Fallon que su gira por teatros, con decenas y decenas de personas sobre el escenario, sí había sido rentable, pero la verdad es que no lucía muy convencida. Quizá quiera ahora redimirse con unos cuantos tickets PLATINUM a precio de oro.

En otra onda por completo, encontramos las declaraciones que acaba de realizar Robert Smith, que se ha negado a formar parte de la «porquería avariciosa de los tickets PLATINUM». El tuit del líder de The Cure no ha podido ser más claro, al pronunciarse en contra del «precio dinámico»: «Todos los artistas tienen la opción de no participar. Si ningún artista formara parte, dejaría de existir».

También ha criticado duramente los gastos de gestión de decenas de euros. «Para ser claro, el artista no tiene manera de limitarlos. He estado preguntando cómo se justifican. Si obtengo algo parecido a una respuesta coherente, os lo haré saber». En España la FACUA abrió un expediente sobre gastos de gestión tras recibir numerosas quejas. Sobre todo porque si se cancela un evento, no se devuelven.

En Estados Unidos es solo uno de los muchos puntos debatiéndose en el Congreso, entre denuncias de oligopolio -casi monopolio- tras la fusión de Ticketmaster y Live Nation, que operan el 80% de los grandes conciertos. Como apuntan en el podcast de El País, la indignación en torno a este tema ha propiciado un extraño acuerdo entre republicanos y demócratas. Pero Joe Berchtold de Live Nation se defendía en su testimonio para el Congreso asegurando que «el precio y la estrategia de las entradas la determinan los artistas y sus equipos. Respecto a los gastos de gestión, la mayoría van para el recinto del concierto, no para Ticketmaster».

Ticketmaster se defiende de las acusaciones de oligopolio; Antonoff defiende a los artistas

Parece diferir Jack Antonoff, productor de Taylor Swift, que ha pedido que se deje de criticar a los artistas, porque no son los responsables: «Ya sabéis la razón. No es «a causa de los artistas». Lo único que voy a decir con un micrófono abierto es que todo el mundo tiene que relajarse respecto a los artistas, porque ya sabemos quién es el que está haciendo las cosas imposibles». Además, pedía que los conciertos no fueran un libre mercado. «Sería realmente sucio. Cobra lo que creas que es justo, pero si para una persona 50 dólares no es nada, para otra es más de lo que pueda gastar (…) El momento en el que todo fluctúa es el momento en que esto se convierte en un libre mercado raro que es lo que no queremos».

La entrada de los fondos de inversión en festivales, como en España se ha visto en Primavera Sound, Sónar o FIB, para competir precisamente con Ticketmaster y Live Nation, ha sido otro punto determinante en la deriva del mercado. Y recientemente Alfonso Lanza de Primavera Sound defendía en una entrevista el precio de sus abonos -a 325 euros- asegurando que fueron mucho más baratos para sus primeros compradores -el público fiel del festival-; que el Primavera es un gigante a la altura de Glastonbury y Coachella y que es más barato que ambos; y que las entradas para ver solo a Depeche Mode ya pueden costar 400 dólares para un concierto de su gira en Estados Unidos, mientras que en este festival puedes verlos junto a otras decenas de bandas, en su día correspondiente, ahora mismo por 125 euros.

En otros puntos de vista, también hay que escuchar la opinión de aquellos artistas que están viendo cómo no les resulta rentable hacer según qué giras. De manera marciana, la gira europea de Yeah Yeah Yeahs -de regreso tras una década- tiene solo 4 fechas. Y es peor para los británicos desde el Brexit. El grupo Easy Life, que algunos recordaréis por su hit ‘skeleton’, explicaba hace poco que tenían que cancelar una gira americana porque iban a perder con ella 30.000 libras, incluso aunque con algunos conciertos habían hecho «sold out». «Hemos intentado todo lo que hemos podido hacerlo funcionar, reducir costes y tratar de justificar costes insanos, pero no somos capaces de recuperar la inversión. Girar es lo que más nos apetece hacer, pero el mundo cuesta 10 veces más de lo que solía».

Algunos artistas están cancelando sus giras por el incremento de los costes y el exceso de oferta

El NME reportaba que algunos visados han pasado de costar 460 dólares a 1.615 dólares, casi cuatro veces más. También es interesante un detalle dado por Easy Life: su compañía les habría dado esas 30.000 libras que iban a perder en otros tiempos de la industria, cuando se vendían discos. O se los habrían dado «para hacer vídeos en TikTok». ¿Pero para hacer una gira que no les iba a reportar ingresos? Olvídate de eso.

En este nuevo escenario de artistas incapaces de salir de gira y otros enriqueciéndose más que nunca, es preciso hablar de la subida de la desigualdad tras la pandemia, también entre los usuarios. La inflación ahoga a las clases más desfavorecidas, que no pueden comprar un litro de aceite de oliva a 7 €. Pero los más favorecidos han salido fortalecidos porque no han tenido en qué gastar su dinero durante 2 años en los que no se podía viajar ni hacer gran cosa.

El mensaje agorero económico constante desplegado en los medios de comunicación deja la idea de que «la economía va mal» al 70% de los españoles. Sin embargo, el 59% reconoce que su situación económica es «buena». El 4% dice de hecho que su situación personal es «muy buena». Lo cual confirma la buena evolución del empleo. Si al 63% de la gente en un país como España le van las cosas entre bien y muy bien, eso explica por qué hay tantas personas gastándose 200 € en ver a The Weeknd. O comprando entradas de Madonna masivamente en lo que parecía su peor momento de popularidad. Al menos hasta que la burbuja explote. Algo que nadie sabe cuándo o si sucederá, pues llevamos unos 4 años esperando que llegue tal lobo.

Algunas voces llaman a la huelga de macroconciertos, como la de Fernando Navarro. Pitchfork pide que apoyemos al artista pequeño, a las ticketeras pequeñas y habla de la rentabilidad de Bandcamp. Pero el fenómeno parece incontenible para los mayores artistas del mercado. Solo hay una Madonna. Solo hay un Bruce Springsteen. Solo hay una Beyoncé. Solo hay un The Weeknd. Y algunos de ellos nos visitan por primera vez en 7 años. En los próximos tiempos es el público quien habrá de decidir hasta dónde es capaz de aguantar con esto: si está dispuesto a que este macroconcierto de pop-rock sea «la nueva ópera» o «el nuevo Madrid-Barça», o el asunto cae por su propio peso.

Gara Durán es la última gran promesa del pop sensible

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Gabriel Carey
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Con nada más que tres canciones, Gara Durán ya se postula como una de las promesas más emocionantes del underground. Tras darse a conocer a mediados del año pasado con ‘Cuesta Respirar’, esta artista madrileña de 23 años ha demostrado poseer una inmensa sensibilidad, la cual suele transmitir a través de su piano y su delicada voz. Este sábado 18 de marzo Gara actuará en la Sala Clamores de Madrid.

Ella viene de una familia de músicos, por lo que desde pequeña ha estado escuchando de todo, «desde óperas y zarzuelas hasta el más puro pop, rock o funk». Empezó con el piano a los 5 años, pero no fue hasta los 17 cuando descubrió que su voz era especial. Valiéndose de su guitarra, sus teclas y su iPad, Gara Durán grabó sus primeras maquetas.

‘Hadas’, lanzada a finales de 2022, sigue la estela que dejó ‘Cuesta Respirar’: unas calmantes melodías llenas de texturas con las que es fácil entrar en trance. Sin embargo, su último single sigue un camino diferente.

‘Puntería’, con la colaboración de Barry B, es una pieza más desenfadada y prueba que Gara no quiere encasillarse en sus canciones más sentidas, sino que puede trasladar su magia a otros estilos. ‘Puntería’ tiene ritmos reggaetoneros, pero mantiene la esencia de sus dos anteriores lanzamientos.

La Sala Clamores de Madrid podrá disfrutar de estos tres temazos, y seguramente de algunos inéditos, este sábado 18 de marz. Las entradas están disponibles aquí.

Diplo dice que «recibir una mamada no es tan gay»

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Sebas E. Alonso
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Diplo ha sido invitado al podcast de Emily Ratajkowski, ‘High Low’, en el que la actriz, conocida por su papel en ‘Perdida’ y por aparecer en el vídeo de ‘Blurred Lines’ de Robin Thicke, entrevista al DJ y productor.

Uno de los momentos que más está circulando por las redes es aquel en el que habla de su sexualidad. Ratajkowski ha ocupado portadas al declararse bisexual y afirmar que «no cree en lo hetero». De hecho la descripción del programa sitúa a Diplo como «el primer cis blanco» que visita este espacio.

Quizá por aquello de adaptarse al entorno, en una especie de «allá donde fueres, haz lo que vieres», el productor de ‘Lean On’ llega a decir: “estoy seguro de que un tío me ha hecho una mamada alguna vez. Seguro. 100% sí”. Sobre la gran cantidad de público gay que le sigue, afirma: “son tíos que están buenos, pero no sé si eso va a ser lo que me va a mandar totalmente al lado gay».

Cuando Emily le pregunta cómo se identifica en el espectro sexual, responde: “Creo que la mejor respuesta que tengo es que no soy no gay. Hay un par de tíos con los que podría salir, que podrían ser mis compañeros de vida. Es más la sensación que me dé el tío, y no el género”. Asimismo, entre las risas incrédulas de la presentadora, añade que «recibir mamadas no es tan gay».

Este «highlight» puede escucharse en torno al minuto 22 del programa.

Alaska contesta a las palabras de Jorge Javier Vázquez

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Gabriel Carey
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Alaska ha contestado a las palabras que Jorge Javier Vázquez le ha dedicado a ella y a Mario Vaquerizo en un artículo de Lecturas. Durante un photocoll en Tenerife, la vocalista de Fangoria ha compartido su punto de vista sin echar más leña al fuego: «Mi opinión es la contraria de lo que él cuenta, pero es mi opinión. Y esa es su opinión. Y faltaría más que una persona que escribe en un medio y firma su artículo no pueda hablar de lo que quiera». Alaska cuenta que las palabras del periodista no le han dolido, «porque no me siento retratada», y añade que no le han sorprendido pero que tampoco se las esperaba, «pero muchas veces puedes leer por detrás las cosas y vivo en este mundo».

En sus declaraciones, Alaska recuerda que JJ y ella nunca han sido amigos, pero que el periodista siempre ha tratado «maravillosamente» a Mario y a ella, y añade que Vázquez es «un gran entretenedor».

Jorge Javier había cargado contra Alaska y Mario Vaquerizo en su última columna para la revista Lecturas, a raíz de las inclinaciones políticas del dúo. Bajo el título de «Alaska y Mario, la gran decepción», el presentador de ‘Sálvame’ ha reprochado a la cantante su colaboración con Federico Jiménez Losantos y al líder de Nancys Rubias su complicidad con Ayuso tras el viral anuncio de la Comunidad de Madrid.

«Este es el post que más me va a costar escribir desde que estoy en Lecturas por lo que han significado en mi vida sus protagonistas», comienza la carta el presentador catalán, antes de valorar que «tal y como se están desarrollando los acontecimientos», el post era inevitable. Jorge Javier continuaba dirigiéndose a las recientes declaraciones de Mario en ‘Déjate querer’, en las que este aseguraba sentirse «identificado» con sus abuelos porque ahora «no puedes decir lo que piensas».

Entonces, el presentador abordaba el tema de Alaska y su sección de crónica rosa en el programa de Federico Jiménez Losantos en esRadio: «¿Crees que no podemos decir lo que pensamos? Entonces parece que escuchas poco a tu mujer compartiendo micrófono con un ser cuya única virtud conocida es vomitar falsedades e imputar falsos delitos con la misma facilidad que se dictan los números del euromillón».

Este continúa hablando del «dolor» que le produce ver a Alaska «en ese círculo» y reprende a ambos, y en especial a Mario, por «compadrear» con «representantes de un partido que se opone a la consecución de derechos y libertades» de las mujeres y el colectivo LGTBI+, cuando precisamente «gran parte de la gente que os adora pertenece al colectivo». Jorge Javier también tiene para Ayuso, a quien describe como «una señora a la que le gustas porque estás casado con una mujer, pero que sería poco probable que te hubiera contratado si fueras gay», hablándole directamente a Vaquerizo.

En la parte final del post, el presentador lamenta quedarse «sin argumentos» para defender a la pareja y asegura no entender «que Alaska trabaje con uno de los mayores propagadores del odio de este país»: «Esta Alaska no tiene nada que ver con la Alaska que yo amé», concluye Jorge Javier, antes de recordar que las elecciones están al caer y que «la libertad está muy bien cuando la pueden ejercer todos».

Muere Bobby Caldwell, cantante de ‘What You Won’t Do For Love’

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Gabriel Carey
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Bobby Caldwell, el cantante detrás de la clásica ‘What You Won’t Do For Love’, ha fallecido a los 71 años. Así lo ha explicado su esposa, Mary Caldwell, en su cuenta de Twitter: «Bobby ha fallecido en casa, tengo el corazón roto para siempre». Esta también ha aclarado que la causa de su muerte ha sido por una enfermedad que le ha acompañado durante los últimos «6 años y dos meses».

Tras pasar años tocando en bares y grabando maquetas en Los Ángeles, Caldwell se dio a conocer con ‘What You Won’t Do For Love’ en 1978. TK Records, un sello de Miami, vio potencial en su estilo, pop con sabor a jazz, y le dieron luz verde para grabar con libertad su álbum debut. El disco fue todo un éxito. Años después, en 1981, el sello entró en bancarrota y Caldwell continuó escribiendo y grabando éxitos para otros artistas, incluidos Chicago o Boz Scaggs.

Con la llegada del hip hop, su huella cultural creció de forma importante. The Notorious B.I.G. sampleó ‘My Flame’ en el clasicazo ‘Sky’s the Limit’, J Dilla usó un flip de ‘Open Your Eyes’ en la canción ‘The Light’ de Common, y multitud de artistas, como 2Pac o Aaliyah, usaron algún elemento de ‘What You Won’t Do for Love’ para sus temas propios. Además, la canción ha sido versionada por muchos artistas, entre los que figuran Junior Boys y Jessie Ware.

Questlove, Portishead, UMO… defienden la batería de Meg White

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Gabriel Carey
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Meg White, fundadora y exbatería de The White Stripes, ha sido objeto de controversia en redes después de que un usuario de Twitter reavivase el debate sobre su particular estilo en la batería, calificándolo como «terrible». White dejó la banda en 2011 y ha sido criticada a menudo por el mismo motivo. Sin embargo, la mayoría opina diferente.

Ya en 2002, Jack White habló sobre las críticas hacia su exmujer: «Aprecio otros baterías que tocan de forma diferente, pero no es mi estilo ni lo que funciona para este grupo». Ahora, el usuario Lachlan Markay ha vuelto a echar por los suelos el trabajo de Meg White en un tweet ahora borrado: «La tragedia de los White Stripes es lo buenos que podrían haber sido con un batería medio decente. Lo siento, pero Meg White es terrible y ninguna banda es mejor por tener una mierda de percusión», comentaba Markay creando un debate instantáneo.

Después de que el tema ya estuviese en tendencias, algunos músicos como Questlove, Geoff Barrow de Portishead, Laura Jane Grace o UMO se sumaban a la conversación. El batería de The Roots dijo que el comentario de Markay estaba «totalmente fuera de lugar», mientras que la vocalista de Against Me! comentaba que «la simplicidad con alma siempre será más impresionante que la virtuosidad técnica». Karen Elson, exmujer de Jack White, también se sumó al debate: «Al periodista que le faltó el respeto, mantén el nombre de la exmujer de mi exmarido fuera de tu puta boca».

Finalmente, y tras el aluvión de críticas recibidas, Lachlan Markey borró su tweet inicial y publicó una disculpa: «Se trataba de una opinión desmesurada sobre The White Stripes y White como batería y era, admitámoslo, simplemente horrible en todos los sentidos. Simplemente equivocada», finalizaba el usuario.

Bad Bunny canta Ariana Grande y Harry Styles con James Corden

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Gabriel Carey
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Bad Bunny protagonizó anoche la famosa sección de Carpool Karaoke en el programa de James Corden, The Late Late Show. El artista puertorriqueño habló sobre algunas curiosidades de su carrera y cantó, como suele ser normal en este espacio, algunos temas de otros artistas, como Ariana Grande y Harry Styles.

Benito comenzó relatando sus inicios como artista, revelando que su primera idea para su futura carrera en la música era ser «el tipo de artista que no enseña su identidad»: «Quería utilizar una máscara de conejo», comentaba Bad Bunny antes de cantar ‘DÁKITI’ y ‘I Like It’ a pleno pulmón. Al ser preguntado por su actuación en los Grammy, este confirmó que casi no llega a tiempo para el número musical, que era el que abría la ceremonia.

El de ‘Un Verano Sin Ti’ también le dedicó un retrato a James Corden, dada su pasión con el dibujo cuando era pequeño, que acabó pareciéndose más a Donald Trump que al presentador británico. La primera sorpresa llega con ‘Break Free’ de Ariana Grande y Zedd. En cuanto suena el tema, Bad Bunny se emociona: «Creo que esta es la canción en inglés de la que mejor me sé las letras», cuenta antes de ser interrumpido por el estribillo y volcarse totalmente en él.

En la parte final de la entrevista, Corden le pregunta al puertorriqueño sobre su aparición en la WWE y Bad Bunny acaba describiéndolo como «el mejor día de mi vida». Aprovechando la ocasión, las dos personalidades acabaron en un ring de boxeo, en el que se les unió el famoso Rey Misterio, de la WWE. Finalmente, vuelven al coche para terminar el programa con ‘As It Was’.

Sesión de Control: Nenas, La Plazuela, María José Llergo…

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Sebas E. Alonso
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Renovamos nuestra playlist de pop español o en castellano Sesión de Control, con algunas de las novedades que se han publicado en los últimos días. Es el caso de ‘Tencontrao’, el tema de María José Llergo de ritmo reggaetonero; o la colaboración de Pucho de Vetusta Morla con El Columpio Asesino, como todos sabéis, de despedida en los próximos meses.

Hoy mismo se publica un nuevo single del grupo de moda, La Plazuela; también el segundo single de lo nuevo de Musgö, y el nuevo tema experimental de Perarnau IV, no contento con haber lanzado el segundo álbum de _juno en los últimos días.

Igualmente hay nuevos temas de artistas tan queridos por aquí como Queralt Lahoz, Lorena Álvarez, Socunbohemio o Mujeres, que han firmado junto a Rombo un tema un tanto Bowie. ANTIFAN está presentando su nuevo álbum con mucho de rock y una sitcom que va por el episodio 2.

Todos los fans de Carolina Durante y los Strokes no os podéis perder el tema llamado ‘Radio 3’ de Toldos Verdes. El pop comercial onda EBS-LOVG está representado por Grasias y su tema ‘Arde Europa’. Y hablando de pop comercial, Ciberchico y Daniel Daniel han versionado ‘Déjame’ de Los Secretos.

Por su parte, la artista novel Sofía V apuesta por el bedroom pop y la producción a lo James Blake. En la imagen principal, Nenas, el proyecto queer de Celia Spellman, que presenta su segundo tema, ‘xfa’. Completamos la playlist con otro tema de Alérgicas al Polen, ‘Estrella del pop’, y el tema de Emil et il que pasa de sonar cantautor a tornar en cuasi-trance, ‘Qué me queda’.






Iberoexperia se pospone por «saturación de festivales en Madrid»

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Jordi Bardají
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El festival madrileño Iberoexperia ha anunciado que pospone su segunda edición por «saturación de festivales en Madrid». Evidentemente no mencionan ninguno pero en los próximos meses aguardan en la capital los carteles de Tomavistas, Mad Cool, Río Babel y ciclos como Noches del Botánico, entre otros eventos. Entre los artistas confirmados en el cartel de Iberoexperia 2023 se encontraban Mala Rodríguez, Carlos Sadness y Javiera Mena, además de Muerdo, Branko, MAM, Chancha Vía Circuito o Guacamayo Tropical.

El festival pasa de celebrarse en mayo de 2023 a septiembre de 2024. Así lo ha comunicado el festival en redes: «Después de una primera edición en la que disfrutamos de una experiencia inigualable, teníamos muchas ganas de repetir IBEROEXPERIA este año con todos vosotros.

Pero ante todo, queremos ser transparentes: la situación de los festivales de música en la capital está muy saturada y no hemos podido cumplir con los objetivos que nos habíamos marcado para 2023.Creemos que hay momentos en los que es mejor dar un paso atrás para volver con más fuerza y poder celebrar IBEROEXPERIA tal y como se merece.

Por eso, nos vemos obligados a posponer el festival a los días 6 y 7 de septiembre del 2024 en IFEMA Madrid. Seguimos luchando contra viento y marea para cumplir con lo prometido y ofreceros un evento que celebre nuestra diversidad repleto de la mejor música, la gastronomía y culturas iberoamericanas. ¡Os esperamos con muchas ganas el año que viene!

Desde la organización, lamentamos las molestias ocasionadas y esperamos volver a reencontrarnos el año que viene».

The Blaze / JUNGLE

Por
Jordi Bardají
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The Blaze se han metido al público en el bolsillo con una atractiva propuesta audiovisual que se compone de dos elementos. Por un lado, sus canciones de dance emotivas apelan al alma festivalera con subidones eufóricos diseñados para el disfrute colectivo. Por otro, sus espectaculares videoclips, como el de ‘TERRITORY’, cuentan historias atípicas protagonizadas por minorías étnicas, o simplemente por personas no blancas (el vídeo de ‘DREAMER’ se ha rodado en Dakar), que sobreviven con el apoyo de su propia comunidad.

Los vídeos de Jonathan y Guillaume Alric buscan resaltar la humanidad compartida entre todos nosotros, al margen de las supuestas diferencias -culturales o económicas- que nos separan. También son esenciales para entender su éxito. Musicalmente, la música de The Blaze por sí sola no transmite la misma emoción. Las canciones de ‘DANCEHALL‘, su primer disco, aducían una evidente falta de imaginación en la producción, que caía en los clichés de la electrónica festivalera, y el mismo problema acusa ‘JUNGLE’.

No se puede decir que The Blaze tengan exactamente un sonido que puedan llamar propio. ‘EYES’ era un primer single digno. También era una (buena) imitación de Jamie xx. Solo el gusto del dúo -compuesto por dos primos- por distorsionar sus voces bajándole el pitch se acerca a ser una seña de identidad, en un disco que de hecho empieza pareciendo de otro grupo directamente. ‘LULLABY’ es un remanso de paz y serenidad en la pista de baile, ‘CLASH’ otro corte de house iluminado por el sol que apetece escuchar cerveza en mano… Sus méritos se acaban aquí, resultando funcionales, correctos.

El disco se reserva sus mejores momentos para más adelante. ‘DREAMER’ es un single digno de la popularidad de The Blaze en el que por fin los sintetizadores hacen ligeras cosquillas, mientras el grupo nos habla de «abrir la puerta del amor» en lugar de cerrar fronteras. Poco a poco, ‘JUNGLE’ va cumpliendo con la promesa de su título y ofreciendo algo de peligro en las producciones. Es cuando estas añaden un punto electro, como en ‘HAZE’ o ‘MADLY’, cuando resultan excitantes de verdad. Así, de la emotiva ‘LONELY’, por la que caben más clichés tipo «al amor es ciego» en pos de la bondad del ser humano, pasamos al desquicio total de ‘SIREN’, que suena inspirada en ‘Homework’, el primer álbum de Daft Punk, para bien.

No es un delito que grupos como The Blaze hagan house populista. Al fin y al cabo, son ellos quienes llenan las pistas de los festivales y no descartaría que estemos ante el nuevo gran grupo de la electrónica mundial que pueda hacer frente a Moderat. Pero se echa en falta que la música de The Blaze venga acompañada de producciones igual de interesantes que sus videoclips. Cuando el disco acaba con ‘DUST’, es imposible no responder a su subidón con un «eye-rolling». Sí, funciona, pero eso ya lo sabías.

Black Eyed Peas y Bad Gyal se suman a Mallorca Live

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Jordi Bardají
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Mallorca Live Festival suma hoy nuevos e importantes nombres a su programación, entre ellos el último gran cabeza de cartel que quedaba por desvelar. Black Eyed Peas es el grupo confirmado que se añade a la jornada del viernes.

El trío formado por will.I.am., Taboo y Apl.de.ap presentará su último álbum, ‘ELEVATION’, el que contiene el éxito ‘DON’T YOU WORRY‘ con Shakira y David Guetta. Uno de tantos que el grupo, uno de los más exitosos de la historia, ha acumulado en su larga trayectoria y que sería imposible mencionar en una sola línea: ‘Where is the Love?’, ‘Pump It’, ‘Meet Me Halfway’, largo etcétera, seguro no faltarán en su concierto.

El jueves da la bienvenida a la segunda y última confirmación de hoy, la de Bad Gyal. La catalana, cada vez más arriba, pues acaba de ofrecer los conciertos más importantes de su carrera en los recintos más importantes de Madrid y Barcelona, presentará en Mallorca su anunciado disco ‘La joia’, que sigue sin fecha de lanzamiento confirmada.

Entre los grandes nombres que ya conocíamos en el cartel de Mallorca Live se encuentran Bomba Estéreo, los imparables Chemical Brothers, The Kooks, Moderat, Quevedo y Vetusta Morla, entre otros igual de interesantes como Peggy Gou, Black Rebel Motorcycle Club, Viva Suecia, The Dandy Warhols, León Benavente, Ginebras o rusowsky, entre otros.

Todos ellos -y más que quedan por confirmar- estarán en la próxima edición de Mallorca Live, que se celebra entre los días 18 y 20 de mayo en el Antiguo Aquapark de Calvià. Las entradas de día y los abonos se pueden adquirir desde 59 euros en la web del festival.

C. Tangana escribirá el himno del Celta por su centenario

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Jordi Bardají
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C. Tangana será el autor del himno del Celta por su centenario. Así lo ha confirmado el icónico Club de Fútbol de Vigo en sus redes sociales. Allí, la cuenta del Celta ha compartido la imagen de una lona oficial desplegada sobre un edificio que muestra la captura de pantalla de un tuit que C. Tangana envió en 2021, en el que se ofrecía a escribir dicho himno. Con su réplica «¡Dálle, Pucho!», el Celta ha confirmado definitivamente la elección de C. Tangana.

El mensaje de Pucho respondía a una encuesta en la que Radio Vigo proponía cuatro nombres que podían firmar el himno del Celta, los de Iván Ferreiro, Siniestro Total, Carlos Núñez y Tony Lomba y Eladio. El autor de ‘Tú me dejaste de querer’ tiró su ficha y ha funcionado. El año pasado, el cantante declaró que si la afición no estaba de acuerdo, no seguiría con el proyecto. Sin embargo, su elección se viene rumoreando desde entonces.

La confirmación de C. Tangana es lógica no solo por la publicidad que dará al Celta a nivel internacional. Aunque él es madrileño, se ha hecho llamar El Madrileño y ha puesto la cultura madrileña en el mapa global, casi toda su familia es de Galicia. De hecho, él es celtista declarado por influencia de su padre, el periodista vigués Antón Álvarez, y Faro de Vigo fue tan lejos de publicar una genealogía llamada «Los ocho apellidos gallegos de C. Tangana» que nombraba a muchos de sus antepasados. Incluso recuperaba un registro de su tatarabuelo, al parecer, el primero de la familia que se mudó a Madrid. A él debemos, en parte, ‘El Madrileño’, uno de los mejores discos de la historia del pop español.

Depeche Mode desafían la guerra con poesía y vals

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Jordi Bardají
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En dos semanas llega a las tiendas el nuevo disco de Depeche Mode, ‘Memento Mori’. El ahora dúo compuesto por Dave Gahan y Martin Gore ha publicado dos adelantos del disco, ‘Ghosts Again‘ y ‘My Cosmos is Mine’. El primero es un single oficial, el segundo un track promocional que merece igual atención.

La muerte es el personaje protagonista de ‘Memento Mori’, pues está presente en unas letras que Depeche Mode empezaron a escribir antes incluso del repentino fallecimiento de Andy Fletcher, su tercer integrante histórico, en mayo del año pasado. Entonces ya había estallado la guerra de Rusia contra Ucrania, y ‘My Cosmos is Mine’ es una de esas canciones que hablan de la guerra de manera elegante, poética incluso, sin soflamas políticas ni letras que se puedan considerar «de protesta».

En el corte de apertura de ‘Memento Mori’, Depeche Mode ponen el foco en el yo interior y hablan de cómo la guerra destruye nuestro propio «cosmos», nuestro universo personal, y nos roba la vida que nos pertenece. Dave Gahan canta una serie de imperativos -«no juegues con mi mundo, no te metas con mi mente, no cuestiones mi espacio-tiempo»- y desafía a la guerra con su propia humanidad.

Al contrario que ‘Ghosts Again’, ‘My Cosmos is Mine’ no presenta la estructura de un single convencional. La producción es siniestra y opresiva, una de las más oscuras firmadas por Depeche Mode -y ya es decir- y el gancho llega en el que podríamos considerar el puente de la canción. Es donde la palabra «guerra» aparece explícita y repetida varias veces, y donde Gahan pide que no haya «más muertes sin sentido». A su vez, el ritmo se anima y adopta un tempo cercano al vals. En un momento de siniestra alegría muy propia de David Lynch, da la impresión de que Gahan ha empezado a bailar con la mismísima muerte.

Como despertada de un sueño, a continuación, ‘My Cosmos is Mine’ vuelve a su tempo arrastrado, como si fuera una canción de post-rock aplicada al lenguaje electrónico de Depeche Mode. ‘My Cosmos is Mine’ es una composición excitante de Gahan y Gore que quizá no vaya a sumarse a su larga lista de hits clásicos, pero que continúa por el buen camino abierto por ‘Ghosts Again’: quizá el nuevo disco de Depeche Mode sí va sorprendernos.

Bad Bunny da un éxito a Gorillaz… ¿merecido?

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JNSP
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Esta semana ‘Tormenta’ sube al top 20 de la lista española de singles. ¿No es un milagro ver a una banda anglosajona como Gorillaz entre reggaeton y reggaeton? El responsable es lógicamente el Rey Midas del Pop actual, Bad Bunny.

Por si fuera poco, el tema acaba de ser añadido a la todopoderosa playlist de Spotify Today’s Top Hits. El tema ha llegado a ser número 12 en el Global de Spotify y no sería raro verlo aparecer por las listas británicas o estadounidenses oficiales tarde o temprano. ¿Pero es lo mejor que encontramos en ‘Cracker Island’ de Gorillaz? La producción ha causado cierta animadversión entre los «haters» de Bad Bunny, que defienden otros temas del disco antes. Sin embargo, parece estar funcionando en el plano comercial. Ya sabéis, si Janet Jackson colabora con Daddy Yankee, es que está «desesperada». Pero todo bien si Gorillaz trabaja con Bad Bunny. En este artículo os ofrecemos una opinión a favor de ‘Tormenta’ y otra en contra.

«El propio Damon Albarn era consciente de lo loco de juntar a Gorillaz con Bad Bunny, asegurando que quiso hacerlo “porque podía”. Lo bueno es que no se queda en un capricho sin gracia: ‘Tormenta’, grabada en Jamaica y encargada de abrir lo que fueron las sesiones del disco, aprovecha el potencial que tiene Benito cuando se pone melódico (lo hemos visto en ‘Trellas’, ‘La Canción’) y cuando se pone chill (‘Ojitos lindos’, ‘Me fui de vacaciones’).

El portorriqueño baja los bpm para acercarse a un punto que suena como esperaríamos que sonase el choque entre los mundos de la no-banda y el Conejo. Con Tainy, Remi Kababa Jr, y Greg Kurstin aquí implicados, el reggaeton está pero está atenuado, y, a su vez, en el mundo de los Gorillaz hay un extra de sabor cuando Bad Bunny pronuncia eso de “aprovéchame hoy, que mañana me voy”. Para mí es un sí». Pablo Tocino.

«Como todo lo que toca Bad Bunny, ‘Tormenta’ está destinada a convertirse en un éxito. Es buen momento para ello: ahora que comienza el buen tiempo, el aire tropical que recorre toda la canción la hace ideal para escucharla tomando algo en una terraza mientras da la brisa, pero es una de esas a las que no se le prestaría demasiada atención. Intentando desgranar algo más allá que esa sensación agradable, el dúo Gorillaz / Bad Bunny se queda en tierra de nadie.

No hay nada particularmente destacable ni en la automática producción ni en los versos del puertorriqueño, sorprendentemente carentes de todo el carisma e ingenio que le caracteriza. Es más, podría pasar perfectamente por un remix de un descarte de ‘Un verano sin ti’, que aunque no molesta, no lleva a ninguna parte en su monotonía total. Lo que queda es algo cercano a la nada; tan ligero e insignificante como una brisa veraniega». Fernando García.

¿Qué te parece Tormenta de Gorillaz y Bad Bunny?

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El nuevo de Miley Cyrus será top 1 en UK, pero no en EE UU

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Sebas E. Alonso
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‘Endless Summer Vacation’ de Miley Cyrus será el nuevo número 1 de ventas en Reino Unido, casi con total seguridad. Durante el fin de semana se vendió el equivalente a 11.370 unidades en las islas. De ellas, casi 6.000 copias fueron en soporte físico, 2.000 descargas y 3.000, los puntos de streaming.

Su mayor competidor es ‘UK GRIM’ de Sleaford Mods, pero Miley casi dobla su número de copias (6.220) y además ella está lógicamente mucho más fuerte en streaming, por lo que la diferencia se verá aumentada a lo largo de la semana. ‘TRUSTFALL’ de P!nk en el número 3 queda demasiado lejos con 3.000 copias durante el finde.

Otro escenario completamente diferente encontramos en Estados Unidos, donde el sólido número 1 de ‘Flowers‘ durante días, semanas, meses no ha servido de tanto. ‘Endless Summer Vacacion’ va a vender el doble que ‘Plastic Hearts’ en su primera semana, pero no va a servir siquiera para ser número 2.

Con unas 112.000 copias estimadas, Miley quedará en el top 3 por delante de ‘SOS’ de SZA, pero por detrás de ‘Ready to Be’ de las surcoreanas Twice, que estará por encima de las 150.000. Y en el número 1 permanecerá intratable la gran estrella del country Morgan Wallen, que tras vender medio millón de unidades en su primera semana, venderá 245.000 en la segunda.

La buena noticia es que Miley mejorará tímidamente las cifras de ‘Plastic Hearts’, que fue top 2 en el Billboard 200 pero con menos copias y graves problemas de distribución en el Black Friday de 2020. En cualquier caso, los 4 millones de copias y los números 1 a ambos lados del Atlántico de ‘Bangerz’ (2013) quedan de momento muy lejanos. Os dejamos con la «Backyard Session» de ‘River‘.

Termina ‘The Last of Us’: pros y contras del fenómeno de la temporada

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Joric
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Craig Mazin lo ha vuelto a lograr: ‘The Last of Us’ ha creado tanta expectación o más que su anterior serie, ‘Chernobyl’ (2019). Quién iba a pensar que el director de la flojísima ‘Superhero Movie’ (2008) y guionista de todo tipo de secuelas del montón –de ‘Scary Movie’, ‘Resacón’, ‘Las crónicas de Blancanieves’- se iba a convertir en uno de los creadores más aclamados de HBO.

La adaptación del famoso videojuego de Naughty Dog (conocidos también por la saga ‘Uncharted’) ha contado con el propio creador del juego, Neil Druckmann, como showrunner, el mismo músico -el oscarizado Gustavo Santaolalla (‘Brokeback Mountain’, ‘Babel’)- y una nómina de directores envidiable y bastante sorprendente, con mucho autor europeo: Ali Abbasi (‘Holy Spider’), Jasmila Zbanic (‘Quo Vadis, Aida?’), Kantemir Balagov (‘Demasiado cerca’)…

Lo mejor de ‘The Last of Us’
1. ¿Otra historia de zombis en un mundo posapocalíptico? ¿Más tramas sobre epidemias e infectados? ¿No hemos tenido ya bastante con el coronavirus? A priori, ‘The Last of Us’ no lo tenía fácil para interesar a un público fuera de los fans del videojuego. El tema está sobadísimo (el juego tiene ya 10 años) y nuestro fatigado mundo pospandemia no invita a seguir haciendo ficción sobre estos temas. Sin embargo, la serie, gracias a una sabia mezcla de tensión dramática, vibrante acción survivor, cuidada ambientación, inesperados requiebros narrativos, personajes carismáticos, nostalgia musical (Depeche Mode, Linda Ronstadt, A-ha) y sugestivos comentarios sociales, consigue atrapar nuestra atención desde el primer minuto.

2. El casting es un enorme acierto. A diferencia del videojuego, protagonizado por los típicos personajes estereotipados de siempre –macho alfa blanco con hija rubita y teen mona diseñada para alimentar las fantasías sexuales de los gamers (todos esos que se han quejado de que Ellie sea interpretada por la “poco atractiva” Bella Ramsey)-, la serie ha optado por más diversidad, más matices y más profundidad psicológica. Tanto Ramsey como Pedro Pascal (amén de los secundarios) están fantásticos. La relación que establece la pareja a lo largo de los capítulos, narrada con gran sutileza y riqueza dramática, es uno de los grandes puntos de interés de la serie.

3. Las fugas narrativas. Una de las ventajas del formato serie es su potencialidad para la experimentación narrativa. El hecho de poder contar una historia a través de varios capítulos permite a los creadores tomar una serie de decisiones de guión -desvíos, quiebros, saltos en el relato principal- que en el cine mainstream, por su duración y conservadurismo creativo, están cada vez más ausentes. En ‘The Last of Us’ hay varias de estas ramificaciones. Una de las más destacadas, la relación entre Ellie y su amiga Riley del séptimo capítulo, ya aparecía en la expansión del videojuego ‘Left Behind’. Pero, sin duda, la más relevante ha sido la del capítulo tres, una hermosa historia de amor entre dos hombres que era casi como una película independiente dentro de la serie.

4. Su capacidad para generar debates. Enlazando con el punto anterior, la aparición en ‘The Last of Us’ de personajes homosexuales, físicamente no normativos, comunas “comunistas” o una simple copa menstrual ha generado una serie de reacciones en contra en las redes sociales muy ilustrativas del momento sociopolítico en el que vivimos. Jóvenes señoros, principalmente, lloriqueando enfadadísimos porque les han fastidiado su videojuego favorito con tanto “marica”, tanta “bollera”, tanta “fea”, tanta “gorda” (se lo han llamado a Melanie Lynskey) y tantas alusiones a la sangre menstrual (la que salpica cuando la niña apuñala cuellos a diestro y siniestro no parece importarles tanto).

Lo peor de ‘The Last of Us’
Después de los tres primeros capítulos, la serie pierde algo de fuelle. Los capítulos cuatro (descarado episodio de transición) y cinco dan la sensación de estar demasiado alargados. Lo que narran se podía perfectamente haber contado en uno solo. Además, en el capítulo seis, se recurre a un cliffhanger tan facilón como innecesario. ¿A estas alturas del audiovisual televisivo jugando con este tipo de artimañas?

De esta manera, cuando la narración flojea, sale a relucir el defecto básico de la serie: su escasa originalidad. ¿No es ‘The Last of Us’ poco más que una versión de ‘La carretera’ con zombis? Lo bueno es que estos bajones son muy pocos. Y a partir del episodio siete casi no los tiene, con un crescendo que llega hasta el estupendo final, donde la relación de los dos personajes principales termina por consolidarse transformándose en una preciosa historia de amor paternofilial. Obviamente, la segunda temporada está confirmadísima. ¡Deseando verla!

Popcaan anuncia concierto en La Riviera de Madrid

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Gabriel Carey
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Popcaan ha anunciado la gira europea de ‘Great Is He’, su último disco, e incluye una parada en España. La gira de 13 fechas comienza el próximo sábado 6 de mayo en París y finalizará en nuestro país con un concierto en La Riviera de Madrid el 25 de mayo.

El reputado artista de dancehall interpretará su nuevo álbum al completo, que incluye los temas ‘We Caa Done’ con Drake, ‘Skeleton Cartier’ o ‘Aboboyaa’ con Burna Boy. Popcaan pasará por París, Dublín, Glasgow, Bristol, Tilburgo, Bruselas, Zúrich, Estocolmo, Oslo, Copenhague, Berlín y Frankfurt antes de actuar en España.

Las entradas para el concierto de Madrid estarán a la venta a partir de este viernes 17 de marzo a las 10h de la mañana, en Live Nation y Ticketmaster, desde 25€. Además, las personas registradas en Live Nation podrán acceder a una preventa exclusiva un día antes, el jueves 16 de marzo a la misma hora.

Courtney Love denuncia falta de mujeres en el «Hall of Fame»

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Gabriel Carey
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Courtney Love ha denunciado en redes la escasa representación femenina en el Rock & Roll Hall Of Fame, apoyándose en las palabras de la periodista Jessica Hopper, y ha compartido una conversación de texto que tuvo con Dave Grohl en relación a su temprano ingreso en el museo del rock.

Hopper compartió un artículo en Twitter titulado ‘El Rock & Roll Hall Of Fame celebra a las mujeres del rock’ junto a una respuesta en la que cuestionaba la veracidad de ese titular: «719 inclusiones en el Hall of Fame y solo 61 son mujeres», denunciaba la periodista. Tras establecer que las mujeres representan solamente un 8,48% de todos los ingresos del Hall of Fame, Hopper comentó que «es asqueroso cuando tienes peores datos que los de las mujeres en emisoras de country (10%) y los de los headliners femeninos en festivales grandes (13%)».

La vocalista de Hole compartió los datos dados por Hopper en sus redes, al mismo tiempo que mostraba una conversación con el líder de Foo Fighters sobre el tema: «Diviértete en el Hall of Fame, Dave. Asegúrate de guardarle el sitio a Tina Turner y Carole King, las cuales llevan siendo elegibles alrededor de 30 años cada una», le escribía Courtney Love al exbatería de Nirvana. Grohl ha ingresado dos veces en el Rock Hall of Fame: la primera con Nirvana en 2013 y la segunda en 2021 con su banda actual.

«Las mujeres esperan una media de 18 años para ser nominadas, mientras que los hombres esperan 5 minutos, tal y como han evidenciado Foo Fighters», reposteaba Courtney Love mientras daba las gracias a Jessica Hopper «por hacer las mates». La polémica llegaba después de la presencia femenina en la selección de nominados para ingresar en el Rock & Roll Hall of Fame de este año, entre las cuales se encuentran Kate Bush, Sheryl Crow, Missy Elliot, Cindy Lauper, Gillian Gilbert y Meg White.

Morgan Wallen arrasa y ocupa la mitad del top 10 del Hot 100

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Gabriel Carey
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Morgan Wallen ha vuelto a arrasar en las listas estadounidenses, como ya hizo con el lanzamiento de ‘Dangerous: The Double Album’ en 2021, uno de los discos más vendidos de ese año. Su nuevo álbum, compuesto por nada más ni nada menos que 36 temas, ha debutado en el número 1 del Billboard 200 tras vender 500.000 copias en una semana. Además, con ‘One Thing at a Time’ Wallen también ha conseguido ocupar la mitad del top 10 del Hot 100.

De esta forma, ‘One Thing at a Time’ se ha convertido en el segundo disco número 1 del cantante estadounidense y en el disco más vendido en su primera semana en lo que llevamos de 2023. Por si fuera poco, el artista de country también se ha hecho con su primer hit número 1 en el Billboard Hot 100, con ‘Last Night’.

Morgan Wallen es el primer artista de country clásico en lograr ocupar la mitad del top 10 en una sola semana, y el sexto artista en general en conseguir esta hazaña. Las canciones de ‘One Thing at a Time’ que ocupan los puestos más altos del Hot 100 son, además de ‘Last Night’, ‘One Thing at a Time’ (#10), ‘Thinkin Bout’ Me’ (#9), ‘You Proof’ (#8) y ‘Thought You Should Know’ (#7). Los puestos del 2 al 6 son ocupados por ‘Flowers’, ‘Kill Bill’, el remix de ‘Die For You’, ‘Boy’s a liar, Pt.2’ y ‘Creepin».

Morreo / Alegría

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Sebas E. Alonso
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Que nadie piense que por cantar con Soleá Morente en un tema dedicado a Pansequito -que salió horas antes de su muerte-, Morreo son unos advenedizos en esto de rescatar el folclore patrio. Su primer single salió hace 3 años, antes de ‘El Madrileño‘, por poner un ejemplo cualquiera, y ver -y escuchar- al dúo formado por José Carlos Luna y Germán Marchena, es saber que llevan los años 70 corriendo por las venas. Visten como recién salidos de Gente Joven, van por ahí con tote bags de Smash o Lole y Manuel; si vienen al podcast de nuestra web, es para hablar de los álbumes clásicos de Cher.

Su aproximación a los 70 es muy particular. En su primer disco ‘Fiesta nacional’ convivía el gusto por la canción melódica y cierto deje flamenco con la psicodelia anglosajona de finales de los años 60 y principios de los 70. Este segundo álbum, ‘Alegría’, suma influencias poco exploradas, aunque coetáneas. Ahora escuchando su música también podemos hablar de Susana Estrada y de Raffaella Carrá. Dos nombres mucho menos habituales entre los artífices del pop actual.

Mocedades continúan siendo un referente en canciones como ‘Propina’. Ellos bromean, respecto a su colaboración con Adiós Amores (otras grandes seguidoras de la música de otros tiempos), «haber sido ABBA por minutos». Pero la circular ‘Los turistas’, en su canto a la nostalgia y en su reivindicación contra la gentrificación (“Los turistas invadieron toda la capital, el brillo de este sitio se apagó como un volcán”) tiene más de las bandas sonoras de los 60 de Antón García Abril que del cuarteto sueco. Y su ritmo nos lleva más bien a los éxitos de Los Chichos.

Si ‘Propina’ explica de alguna manera la portada del álbum con su referencia a «ropa tendida oliendo a azahar», la colaboración con Soleá Morente en la mencionada ‘Pansequito’ podría justificar el título del largo. Y es que entre composiciones que sí hablan de desamor o despecho, ‘Pansequito’ se refiere al poder curador de la música, hablando sobre volver a «levantarnos» después de «tropezar». Un espíritu positivo que también encontramos en la melodía final, la de la canción titular.

Pero la verdadera gracia de ‘Alegría’ es cómo se amplían sus influencias, sin traicionar sus máximas estéticas, sin de hecho moverse de década. Es cierto que ‘La flor de mi jardín’, como bolero, quizá emparentado con clásicos como ‘Historia de un amor‘, carece de la garra propia del género. Pero tanto ‘Mambo’ como ‘Pichamán’ son sendos tantos que no habrían encajado tanto en su disco de debut. La primera recuerda a Gainsbourg y a la era del destape en España, a través de saxos, susurros y samples. Hacen falta más canciones que hablen de sexo y no sea necesariamente sobre un beat de reggaeton. De hecho se echan de menos arrebatos así en la secuencia de este disco de portada pulcra.

En cuanto a ‘Pichamán’ -y a la Carrà le habría encantado salir en un tema llamado así-, contiene cierto afán de superación en medio de un desamor que nos ha dejado dañada la autoestima. Son sus teclados los que nos convencen de que tal cosa como salir adelante será posible, tan juguetones y pizpiretos como se han mostrado en otros puntos del álbum, como en la costumbrista ‘La higuera’ o en la tarareable ‘Mosquito’.

El abuelo de Germán, con nombre más folclórico imposible -José Marchena- es quien suena sampleado al principio de ‘Sol y sombra’, que luego se inclina hacia Los Brincos de ‘Flamenco’. El dúo explica en el encarte de su vinilo que este álbum está dedicado a sus abuelos por ser “la verdadera Alegría de nuestras vidas”. Por haberles enseñado un par de cosas que saben sobre la música, suponemos. Añadamos también que han hecho un disco lozano de todo ello, petardo en el buen sentido de la palabra, que no nos habla tanto de la pandemia (¡gracias!), como de tener hambre. Suena mucho mejor.

Bienvenidos a la discoteca de Yung Bae

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Jordi Bardají
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Yung Bae es uno de los grandes supervivientes de la era del vaporwave. Corría el año 2014 cuando el joven productor estadounidense publicaba el clásico del future funk ‘BAE’, un trabajo lleno de esplendorosos ritmos disco y samples sacados del city pop japonés. Desde entonces, la carrera de Dallas Cotton solo ha ido en ascenso y el artista ha publicado varios discos y colaborado con gente como The Knocks, Mike Posner o Channel Tres.

En los últimos tiempos, Yung Bae se ha marcado un considerable hit en las plataformas de streaming con ‘Bad Boy’, que suma cerca de 84 millones de streamings en Spotify. Era su primer single en una discográfica multinacional, Arista Records, y avanzaba su divertido disco ‘Bae 5’, el que contenía gemas disco como ‘Pacific Standard’ o ‘Welcome to the Disco’.

Más recientemente, Yung Bae ha publicado nuevo álbum, ‘Groove Continental: Side A’, en el que participan otros artistas invitados como Cosmo’s Midnight, Sam Fischer o hasta Jon Batiste, ganador del Grammy a Álbum del año (y al que pronto escucharemos en el nuevo largo de Lana Del Rey). ‘Silver and Gold’ y ‘L.O.V.E.’ se encuentran entre los mayores éxitos de este disco que venía a alegrarnos el verano con su colección de ritmos de funk, hip-hop, disco y soul.

El marinero Yung Bae (así se ha dejado ver en el arte visual de esta era) presentará ‘Groove Continental: Side A’ en España este mismo fin de semana. Será el 18 de marzo en el club La (1) de Razzmatazz de Barcelona. Las entradas siguen disponibles y ningún fan del daytime disco, por tanto de Poolside, o de las fiestas diurnas de Glove o Soundeat, debería perdérselo.








Laura Pausini «arriesga cero» cuando más lo necesitaba

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Jordi Bardají
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Laura Pausini es una de las artistas que han publicado nueva música esta semana. ‘Un buen inicio’ marca el, sí, inicio de una nueva etapa en la carrera de la cantora italiana, una etapa que, de momento, no le da la espalda a la nostalgia: la portada de ‘Un buen inicio’ utiliza el mismo logo que aparecía en las de los primeros discos de Pausini publicados en los 90.

Un detalle de lo más «cool», el de la portada de ‘Un buen inicio’, que no viene acompañado por una canción excitante en absoluto. ‘Un buen inicio’ es el típico medio tiempo pop-rock que suena diseñado al milímetro para sonar en las emisoras de la radiofórmula española (e italiana). Es una canción correcta, pero cuando Pausini canta eso de «sabes tú adonde va la vida arriesgando cero / se queda en media verdad, como una estatua de hielo», no puedes evitar pensar que ese es su caso, porque ‘Un buen inicio’ arriesga eso, cero.

Y eso que era un buen momento para probar algo diferente. Pausini acaba de ganar un Globo de Oro por ‘Io Si’, la canción principal de la película ‘La vida por delante’, que también recibía una nominación al Oscar, y se ganaba los corazones de toda Europa co-presentando la última edición del Festival de Eurovisión. Sin embargo, la autora de ‘La soledad’ ha vivido unos últimos años difíciles en los que ha llegado a pensar que su carrera podía estar acabada.

En redes ha contado: «Como muchos de vosotros en estos años de pausa, he tenido mucho tiempo para dedicar a mis pensamientos, a hacerme preguntas sobre mi pasado y posible futuro. Debo reconocer que me he sentido perdida varias veces, quizás sugestionada por personas cercanas de mi trabajo que me han hecho entender que ya no creían en mí. Sea como sea, me costó más de dos años encontrar el valor para no escuchar más a esas palabras que, como las bombas, dejaban cicatrices».

En El Hormiguero, Pausini dejaba unas declaraciones parecidas en las que expresaba la incertidumbre que ha vivido con su carrera. La artista llegó a pensar, llegado el treinta aniversario de su debut, que ya no tenía nada que decir. Sin embargo, aún la curiosidad por descubrir qué deparaba su futuro profesional le impedía dar su carrera por terminada.

Sería una pérdida para el pop que Pausini ya no tuviera nada que decir, aunque quizá ya nadie espera realmente que cante o escriba otro ‘Entre tú y mil mares’, otro ‘Se fue’, otro ‘Amores extraños’… ¿pero no era este el mejor momento para salir de la zona de confort y lanzar una canción que no sonara a lo de siempre?

‘To be honest’ es otro golpe de genio de Christine and the Queens

Por
Jordi Bardají
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Christine and the Queens ha dado una de las sorpresas de las últimas semanas anunciando un nuevo disco que será triple. ‘PARANOÏA, ANGELS, TRUE LOVE’ sale el 9 de junio y contará con hasta tres colaboraciones de su amiga Madonna.

El primer adelanto, ‘To be honest’, borra de un plumazo cualquier duda que pudiera generar el álbum anterior de Christine and the Queens, el extraño pero interesante ‘Redcar les adorable étoiles‘. Es la Canción Del Día para este martes.

‘To be honest’ es una de las canciones más oscuras jamás publicadas por Christine and the Queens. También es una de las más hermosas. Sobre una base de synth-pop industrial que marca el tempo con el sonido de una puñalada electrónica, Christine nos habla sobre «perderse en sus pensamientos», amar pero «tener miedo de matar» o sobre haber sufrido tanto que se siente como si viviera dentro de una película, como si fuera «un extraño». Sin embargo, él no pierde la pasión ni su capacidad de amar con toda la intensidad del mundo.

De intrigante desarrollo, ‘To be honest’ es una de esas canciones que transcurren libres, sin estructura convencional. El carisma vocal de Christine nos mantiene absolutamente atrapados en su interpretación, y la luz solo empieza a asomar en la grabación con la entrada de una emocionante melodía de guitarra eléctrica, que emerge como para sanar el alma de Chris y expiarle de sus males.

El artista francés no ha dejado de presentar ‘To be honest’ en directo, en otra de esas actuaciones apasionadas que le conocemos. Antes había estrenado su videoclip oficial, rodado en blanco y negro, e inspirado en el cine de los años 20 y 30.

Amatria: editar a otros artistas siendo artista

Por
Sebas E. Alonso
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El nuevo invitado de nuestro podcast «Revelación o Timo» es Amatria, que en breve estrenará un nuevo single titulado ‘Llámame loco’ en avance de su próximo álbum. Un disco que le sacará de la crisis creativa en que le sumió la pandemia. Y parte de esa crisis se debió a ver cómo su sello Vanana Records, creado junto a Él y Ella DJ’s y Pau Paredes, crecía y crecía con los fichajes de Ginebras y Karavana. Amatria nos habla de su faceta empresarial, los conflictos que le ocasiona o el porqué de no tener ánimo de lucro. ¿Es un error o un acierto?

También tratamos con el artista otras cuestiones como las malas críticas en la prensa (¿es mejor no reseñar un disco de un artista novel que no te ha gustado nada?), la omnipresencia del folclore (Amatria ha incluido un tema de este tipo en todos sus álbumes desde su debut hace 10 años, siendo pionero al respecto), o la caída de los prejuicios en cuanto a estilos musicales. Ginebras pusieron una piedra muy grande en la derriba del «guilty pleasure» con el lanzamiento de ‘La típica canción‘.

Hablamos de cómo ‘Chinches’ -cuyo vídeo estrenamos en JENESAISPOP– NO ha terminado siendo la canción más popular de Amatria, de cómo condiciona una carrera la paternidad, de aquel podcast de «Música para follar» en el que participó hasta Amaia, de cómo lidiar con la fama y los selfies, o de cómo evitar ligar cuando tienes pareja y eres una persona pública. Amatria encabeza junto a Siloé el Vid Festival, que celebrará la cultura manchega el 29 de abril en Daimiel (Ciudad Real). La programación diurna será gratuita y la nocturna vale 20 euros. Entradas e información sobre las 14 bodegas colaboradoras, en la web oficial.

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