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Rocío Márquez y Bronquio ganan el Premio Ruido 2023

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Rocío Márquez y Bronquio se han hecho con el Premio Ruido a Álbum nacional del año por ‘Tercer cielo’. La personal fusión de flamenco y electrónica creada por el dúo daba lugar efectivamente a uno de los discos destacados de 2022, el 9º mejor del año para JENESAISPOP.

El equipo de Premio Ruido comenta lo siguiente sobre el disco galardonado: «‘Tercer cielo’ es una obra de máximo nivel, con unas abrumadoras sacudidas de percusión y programación que jalonan todo el disco mientras se intercalan con la voz, que llega contenida en todo momento. Su mezcla única provoca un drama insinuado y menos obvio, añadiendo una generosa dosis de clase y sutilidad para transmitir el desgarro y el misterio flamenco.

Cante y electrónica se dan la mano de manera excepcional en un álbum que va en tantas direcciones a la vez, insinúa tantos caminos y ofrece tantas llaves que puede decirse que ha enseñado un nuevo universo, como lo fue en su momento el ‘Omega’ de Enrique Morente y Lagartija Nick».

Sobre ‘Tercer cielo‘ nosotros os contamos: «Sobre el papel, lo de mezclar folclore con vanguardia corre el peligro de repetirse tanto que deje de ser vanguardia. ‘Tercer cielo’, el disco conjunto de la cantaora Rocío Márquez con el productor de electrónica Bronquio (Santiago Gonzalo), viene para defender que las posibilidades al respecto son infinitas. Más que cerrar puertas por una cuestión de saturación en el mercado, las abre en muy diferentes direcciones».

Con su victoria, Márquez y Bronquio se imponen a Rosalía, que acaba de ganar un Grammy internacional por ‘MOTOMAMI’ y quizá no necesitaba este premio (de los cuales ya acumula dos); a Rigoberta Bandini, a Nacho Vegas, a Carolina Durante, a Jorge Drexler y a promesas como Guitarricadelafuente o Menta, entre otros nominados que igualmente merecían la distinción.

La ceremonia de Premio Ruido se ha celebrado esta noche, presentada por Chica Sobresalto y el actor Gorka Aguinagalde. La cita ha contado con las actuaciones de Los Estanques y Anni B Sweet, Biznaga y ZETAK, además del concierto sorpresa de la propia Chica Sobresalto.

NEEIV, el DJ malagueño que viste a las «divas» de funk carioca

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NEEIV es un joven DJ y productor de Málaga que estos días está de gira, y el viernes 10 de febrero pincha en la sala Razzmatazz de Barcelona, a partir de las 1.00 horas, dentro de la agenda de la fiesta Fuego, junto a sus compañeros Hoodini y Lemonboy. Las entradas están disponibles en la web de la sala.

El artista de 24 años se especializa en los ritmos del funk carioca, los mismos que encontramos en una de sus mejores producciones, ‘Azul’, tan chill, en realidad, como promete su título. ‘Contratiempo’, una colaboración con Love in the Endz y Blue Canarinho, es especialmente atmosférica y sugerente, aunque NEEIV también puede sonar tan agresivo como lo hace en ‘Gyal’ o ‘Bonde’.

Conocido por sus «edits» y remixes, NEEIV también ha mostrado gusto por remezclar a las divas del pop. Entre las producciones que ha subido a Soundcloud se encuentra un EP llamado ‘Divas’ que se compone de remixes de funk carioca de ‘Hips Don’t Lie’ de Shakira, ‘Toxic’ de Britney Spears y ‘Diva’ de Beyoncé. La portada del EP no tiene pierde alguno.

En cualquier caso, a NEEIV le interesa «moverse entre géneros», como cuenta su biografía, y también entre épocas porque, entre los temas que el DJ andaluz ha adaptado recientemente, se encuentran ‘Unholy’ de Sam Smith y Kim Petras o incluso ‘MOTOMAMI’, el interludio de Rosalía. En su página de Soundcloud están disponibles sus sets.

Barriendo para casa, uno de sus remixes recientes, y el único disponible en Spotify, es del tema ‘The Way You Make Me Feel’ de Sofia Coll, artista a la que has podido escuchar en la playlist Sesión de control. Al remix se subía nada menos que Rakky Ripper, a la que acabamos de ver en Benidorm Fest.




Rihanna da nuevos detalles sobre la Super Bowl y nueva música

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A falta de 3 días para la Super Bowl y la esperadísima actuación de Rihanna, que tendrá lugar en la madrugada del domingo al lunes, la estrella del pop ha realizado una conferencia en Apple Music para brindar nuevos detalles sobre el evento y actualizar el estado de su nueva música.

Rihanna asegura estar tan centrada en la importante actuación que «me he olvidado totalmente de San Valentín» y de que «mi cumpleaños está llegando». Empezó comentando su decisión de llevar a cabo algo tan importante como el descanso de la Super Bowl, tras no haber pisado un escenario en siete años. Sin embargo, apunta que «es importante para mí hacer esto este año», nombrando como prioridades la «representación» y que «mi hijo vea esto».

En cuanto a como van a condensar la gran lista de hits de la de Barbados, que van desde ‘Pon de Replay’, hasta ‘Work’, pasando por ‘Only Girl (In The World)’, la superestrella afirmaba que ese ha sido «el mayor desafío»: «Va a ser una celebración de mi catálogo de la mejor manera en la que podríamos haberlo hecho», aseguraba la superestrella. Además, avisaba de que «hemos tenido que dejar de lado algunos temas, pero creo que hemos hecho un muy buen trabajo de reducción», para un número con una duración de 13 minutos.

Rihanna ha hablado sobre la importancia de la Super Bowl en relación a sus raíces culturales en Barbados, reiterando el tema de la «representación», especialmente para «inmigrantes» y «mujeres negras»: «Nunca podría haber adivinado que llegaría hasta aquí, así que es una celebración de eso. Estoy emocionada por tener a Barbados en el escenario de la Super Bowl».

Fenty también habló sobre uno de los temas más candentes en relación a su figura: su nueva música. Al responder a la pregunta sobre cuál es su situación actual respecto a la creación musical, esta respondió que «me siento abierta»: «Estoy abierta a explorar, descubrir y crear cosas nuevas para mí. Cosas diferentes. Cosas extrañas. Raras. Quizás mis fans no le encuentren el sentido. Quiero divertirme con la música», declaró Rihanna.

Roger Waters regraba ‘The Dark Side Of The Moon’ desde cero

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En la misma semana en la que Roger Waters recibía una invitación por parte de Rusia para hablar sobre la guerra en la ONU, en la cual reiteró su creencia de que el conflicto fue provocado por Ucrania, y en la que tanto David Gilmour como su mujer le dedicaban unos punzantes tuits tachándole de «antisemita, mentiroso, ladrón, hipócrita, evasor de impuestos, misógino y megalómano»; el exmiembro de Pink Floyd declaraba en una entrevista con The Telegraph que había estado regrabando el clásico ‘The Dark Side Of The Moon’, uno de los discos más vendidos de la historia, «desde cero» y sin el conocimiento de sus antiguos compañeros de grupo.

Además de la sorprendente noticia sobre el icónico álbum de Pink Floyd, en la entrevista Waters también habló de temas como China, Spotify, Ecuador, Israel, Biden, Putin o su amistad con Gorbachov, aunque, como indica el entrevistador, este había sido convocado para hablar sobre el disco. Sobre este, Waters aseguraba que todavía le faltaban algunos detalles, pero le reprodujo la versión completa al periodista de The Telegraph, Tristram Fane Saunders.

La nueva reimaginación de Waters estaba programada para ser lanzada en marzo. Sin embargo, apuntan que finalmente ha sido retrasado hasta mayo y, aunque Waters no tiene «ni idea» sobre los problemas de copyright que puedan surgir, aseguran que el lanzamiento «va a ocurrir». Recordemos que Waters dejó Pink Floyd en 1985, pensando que ese sería el fin de la banda. Lo que ocurrió fue que los miembros restantes siguieron haciendo giras y discos durante muchos años más, y quedándose así legalmente con el nombre de Pink Floyd.

«Yo escribí ‘The Dark Side Of The Moon’, vamos a dejarnos de toda esta mierda de ‘nosotros'», juraba Waters. Por otro lado, pese a haber escrito todas las letras del LP, está acreditado con la composición de tres de los diez temas, tal y como señala Fane Saunders. Sobre la nueva versión, este comentó que ‘Time’ suena «maravillosa» con el envejecido timbre de Waters, que ‘Breathe’ ha sido reemplazada por un «magnífico y tranquilo groove acústico» y que ‘Money’ está teñida de un rollo «country», pudiendo ser «un corte tardío de Johnny Cash». Otras de las diferencias más notorias es que ahora el disco tiene a Waters hablando por encima de todos los tracks instrumentales.

‘Ghosts Again’ es el mejor single de Depeche Mode desde ‘Precious’

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Hoy es un día muy importante para los seguidores de Depeche Mode. Hoy ha acabado la infernal espera (una de ellas). Después de un camino aparentemente infinito de cuentas atrás que llevaban a otras cuentas atrás que llevaban a otras cuentas atrás, atrapando a los «little depechers» en un laberinto infinito de números regresivos que parecía no acabar nunca, hoy por fin ve la luz su nuevo single.

Por suerte, no ha sido ninguna decepción. ‘Ghosts Again’, el sencillo de presentación de ‘Memento Mori’, el disco que Depeche Mode publican el 24 de marzo (la cuenta atrás definitiva), merece mucho la pena. Se trata de un medio tiempo que parece tenebroso, pero que se alza más luminoso de lo que esperábamos.

Dave Gahan nos está cantando, entre versos poéticos típicos de los autores de ‘Enjoy the Silence’ («Wasted feelings / Broken meanings»), que «algún día volveremos a ser fantasmas». Sin embargo, la melodía, su crescendo, sus posibilidades bailables, nos están indicando que aún no somos esos «fantasmas». Vigoroso y edificante, es el mejor single de Depeche Mode desde su último gran clásico, ‘Precious’ (2005), por mucho que ‘Wrong’ nos entrara por los ojos gracias a su espectacular vídeo.

Por otro lado, el carácter poético del texto, escrito por Martin Gore junto a Richard Butler, se corresponde con un vídeo en blanco y negro inspirado en una partida de ajedrez. Este será el primer trabajo discográfico de Depeche Mode como dúo, pues llegará al mercado tras la muerte de Andy Fletcher, uno de los miembros fundadores del grupo. Os recordamos que Depeche presentarán este trabajo tanto en el Primavera Sound de Madrid como en el Primavera Sound de Barcelona.

Burt Bacharach definió la melodía perfecta

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‘I Say A Little Prayer’, ‘Anyone Who Had a Heart‘, ‘Raindrops Keep Fallin On My Head’, ‘Close to You‘, ‘What’s New Pussycat?’… Lleva un tiempo asumir que todas esas canciones que parecieron estar siempre ahí fueran creadas por la mismas dos manos. Pero fue el caso de Burt Bacharach, fallecido a los 94 años, en su casa de Los Ángeles, por causas naturales. Y es un consuelo saber que uno de los mejores compositores de todos los tiempos ha fallecido en paz. La misma paz que nos ha dado su música a lo largo de tantísimas décadas. Lo cual no quiere decir que su música fuera «tranquila», ni «fácil».

Poco amigo de la etiqueta «easy listening» que se le asoció, Burt Bacharach explicaba que sus canciones, aunque asociables al pop y responsables de vender millones de copias, eran de todo menos «fáciles». Fue un gran conocedor del jazz -le interesaba la bossa nova-, y muy amigo de los cambios de acordes inesperados, como prueba el giro en la segunda mitad de «Raindrops» («But there’s one thing I know…») o su aventurero final a la trompeta. Alteraciones que le venían de manera natural.

Perfeccionista hasta el punto de hacer a Cilla Black grabar 32 tomas de ‘Alfie’, explicaba hace unos años por qué no había grabado nunca con Frank Sinatra. Este le colgó el teléfono porque Bacharach no entendía su manera de grabar: «Él entra en la sala. La banda está lista. Hacen una toma. Dos. Y hecho. No sé cómo pueden hacer eso. Mis canciones no son tan fáciles como las que estaba haciendo Frank». De hecho, su letrista Hal David, fundamental para su obra como os contamos a su muerte en 2012, y Burt nunca llegaron a escribir una canción del tirón, con la excepción de ‘I’ll Never Fall in Love Again’. Las otras docenas se las llevaban a casa y las trabajaban una y otra vez. En la BBC explicaba cómo todo podía empezar con un par de golpes de trompeta, para luego ir añadiendo ritmo, orquesta, arreglos.

Nacido en Kansas City en 1928, Bacharach aprendió a tocar el piano gracias a las clases que le dio su propia madre, que también era pintora. Solía bromear con lo malo que era tocando este instrumento en la banda del instituto, pero todo cambió cuando hizo la mili en Alemania y empezó a trabajar para el cantante Vic Damone. Conoció a Marlene Dietrich en Las Vegas y esta la invitó a tocar con él en Varsovia. Bacharach voló hasta allí y se encontró a la actriz en la pista de aterrizaje entre la nieve con un pañuelo de Dior y una botella de vodka. Fue una apuesta personal de ella y cuando finalmente triunfó, compró 50 copias de un periódico para repartirlas por ahí en plan “os lo dije”.

De vuelta en Estados Unidos, Bacharach conoció a Hal David en el icónico Brill Building de Nueva York, de donde salieron grandes artistas como Carole King. ‘Story of My Life’ fue el primer éxito de músico y letrista en las listas country en 1957. El pop vocal de la inolvidable ‘Magic Momens’ sucedió. Pero sería el descubrimiento de Dionne Warwirck el punto de inflexión, pues ella cantaría muchas de sus canciones más populares, como ‘Walk On By’ o ‘I Say a Little Prayer’. Desde entonces lloverían los éxitos y los números 1. Cuando le preguntaban qué canción ajena le habría gustado escribir, decía que ‘Ain’t No Mountain High Enough’, quizá porque casi todas las demás así de enormes habían salido de su puño y letra.

Burt Bacharach continuó escribiendo bandas sonoras durante los 70 y los 80, por las que recibiría Grammys y Oscars, como el de ‘That’s What Friends Are For’, bajando poco a poco de perfil. Ya no eran los tiempos en que una composición suya sustituía en el número 1 a otra composición suya, pues fue el primer autor que conseguiría este récord en Reino Unido. Pero aún publicaría trabajos interesantes como ‘Painted from Memory’ (1998) para Elvis Costello, y sobre todo fue una referencia absolutamente primordial para gente como Adele, Amy Winehouse o Rumer, con la que llegaría a colaborar.

A pesar de haber sido conocido como autor de grandes clásicos atemporales y bandas sonoras, en los últimos tiempos también realizó una serie de giras en las que llegó a entonar él mismo algunas canciones. A Madrid hace algo más de una década no solo trajo su piano, y varios vocalistas para interpretar temas como «Close to You», sino que él mismo ejerció de cantante en alguna pieza como «Raindrops», portando un modesto look de americana, vaqueros y bambas blancas. Siempre le recordaremos así. Guapo, sonriente, talentoso. El tipo de músico que definitivamente estuvo en este mundo para hacer de él un lugar mejor.

María Escarmiento / ☆ COSAS DE BRUJAS ☆

Hace rato que en España se cuece un pequeño movimiento de hyperpop en castellano, compuesto por un grupo de artistas inspirados en el sonido de Charli XCX y SOPHIE, entre otros, que buscan su hueco en la industria musical. PUTOCHINOMARICÓN le ha dado una pátina social y también cómica; PauByChance se ha atrevido a samplear el ‘Blue’ de Eiffel 65, Conelli es uno de los fichajes del sello valenciano VLEX, dedicado a este sonido; y Rakky Ripper ha ido tan lejos de llevar el pepinazo de ‘TRACCIÓN’ al prime time televisivo.

En este contexto tan interesante para el underground nacional, María Escarmiento busca también su sitio. La madrileña, que se dio a conocer durante su paso por Operación Triunfo 2018 (sobre todo por la polémica de la letra homófoba de Mecano), comenzaba a labrar su carrera por la vía del reggaeton, dándole su toque arábigo (‘Amor amargo’) o industrial (‘Castigo’). Desde 2022, Villar se ha pasado al hyperpop, y la cosa le ha funcionado probablemente mejor de lo que esperaba.

A pesar de haber publicado dos epés y más de una decena de singles, María nunca había dado con un tema realmente emblemático o identificativo. Hasta hace muy poco. ‘PUEDES CONTAR CONMIGO‘, su versión hyperpop de La Oreja de Van Gogh, ha funcionado y lleva 4 millones de streamings en Spotify. El mérito de la canción empieza y acaba en que a nadie se le había ocurrido antes, pero a veces no hay que tomarse el pop tan en serio, y esto es lo que hace esta versión.

¿Qué aporta María Escarmiento, por tanto, al hyperpop español? ‘COSAS DE BRUJAS’, su primer disco, da una idea. Las producciones no andan precisamente sobradas de imaginación y siguen a rajatabla el manual del hyperpop: autotune extremo, sintes sacados del trance y el eurodance de finales de los 90 / principios de los 2000, ritmos makineros, melodías ultravitaminadas… Después, el álbum sí incluye canciones correctas en lo suyo y alguna sorpresa.

‘MEJORES QUE AYER’ es uno de los singles evidentes en todo su chute de electroclash carbonatado, y su estribillo «sabes lo que quiero pero no me lo das» promete funcionar tanto en las pinchadas como el de La Oreja. En una faceta más emotiva, ‘CRISTALES’ se muere de amor frente a una producción fácilmente asociable a Hannah Diamond, y ‘PREFIERO’ con Natalia Lacunza es la mejor «hiperbalada» del disco. Al final, el trallazo de ‘SOBRE TODO DE MÍ’ lleva el disco casi bien arriba, como hacía Charli XCX en su álbum pandémico.

El desamor inspira las letras de ‘COSAS DE BRUJAS’, de ahí que muchas de sus canciones, de hecho, lleguen cargadas de emoción. Villar ha sacado de single ‘QUIERO VERLO TODO AZUL’, engañoso en su inicio a piano, y directamente «abraza el dolor» en otro de los cortes más divertidos, ‘DEMASIADO CALLADO’. Por su melodía, ‘LLORABA TANTO’ es una favorita personal.

Las sorpresas de ‘COSAS DE BRUJAS’ no superan el impacto de la versión de La Oreja, pero nunca habríamos adivinado que el disco empezaría sonando a Oklou: sucede en ‘TUS DETALLES’, que después evoluciona hacia el trip-hop. Luego, Arca parece la influencia evidente en ‘CREO QUE HOY NO ME APETECE QUERERME MORIR’, el corte menos inspirado del conjunto. Aunque para sorpresa ‘ME MIRABAS’, un apañado bolero.

María Escarmiento ha buscado su hueco en el reggaeton, y ahora lo busca en el hyperpop en este disco de debut. Con un sonido evidentemente desfasado, un facsímil absoluto, ‘COSAS DE BRUJAS’ llega a rebufo de un movimiento ya bastante consolidado que otros han cultivado antes. Por lo menos no se olvida de divertir en sus mejores momentos. Y, dado el historial punki de Escarmiento, quizá no debería sorprendernos que este sea ahora su sonido. ¿No es el hyperpop el punk de nuestro tiempo?

La gira conjunta de Owen Pallett y Hidden Cameras, 20 años después de ‘Smell of Our Own’

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The Smell of Our Own‘, el segundo disco de Hidden Cameras, es uno de los álbumes seminales (LOL) de las últimas décadas en nuestra redacción. Como tal, fue uno de los destacados en el libro ‘Un viaje por 200 discos clave del siglo XXI‘ que aglutinaba lo mejor de 2000 a 2019.

Este 2003 el disco de folk eclesiástico de letras sexuales y orgiásticas, y también románticas a su manera, cumple 20 años. Por tanto se anuncia una reedición de lujo para el 14 de abril que constará de un doble vinilo en color amarillo y que contendrá demos, b-sides y grabaciones de sesiones en vivo. De momento, podemos disfrutar de una rara actuación de ‘Ban Marriage’ y de un documento nunca visto de su primera sesión de radio interpretando ‘Boys Of Melody’.

A su vez, se anuncia un tour conmemorativo que comenzará en España, en concreto en marzo en Barcelona, pasando después por Valencia y Madrid, y llegando a varios lugares de Portugal -por si os pilla más cerca-.

Además, Owen Pallett será el telonero del tour. Primero actuará él, después tocarán Hidden Cameras y finalmente ambos se unirán en el escenario. Lo podréis comprobar el 20 de marzo en La Nau de Barcelona, el 21 de marzo en el Loco Club de Valencia, y el 22 de marzo en El Sol de Madrid. Las entradas están disponibles en Houston Party.

Por otro lado, se ha recuperado el documento en que Geoff Travis descubre a Hidden Cameras en 2002. Y también la película documental filmada en el mismo año ‘Music Is My Boyfriend‘. Tras su paso por Londres, el film se podrá ver en Suecia en abril.

Nuevo tracklist del disco:
1.Golden Streams
2.Ban Marriage
3.A Miracle
4.Animals Of Prey
5.Smells Like Happiness
6.The Day Is Dawning
7.Boys Of Melody
8.Shame
9.Breathe On It
10.The Man That I Am With My Man
11.Fear O Zine Failure – B-Side
12.Boys Of Melody – CBC Session
13.Smells like Happiness – 4 Track Demo
14.Shame – CBC Session
15.Day Is Dawning – CBC Session
16.The Dying Galatian – B-Side
17.Heavy Flow of Evil – B-Side
18.Ban Marriage – 4 Track Demo
19.Breathe On It – CBC Session
20.A Miracle – 4 Track Demo

Fechas de la gira europea y británica de The Hidden Cameras 2023:
20 de marzo – La Nau, Barcelona, España
21 de marzo – Loco Club, Valencia, España
22 de marzo – El Sol, Madrid, España
24 de marzo – gnration, Braga, Portugal
25 de marzo – Teatro Viriato, Viseu, Portugal
29 de marzo – Tremor, Azores, Portugal
30 de marzo – Culturgest, Lisboa, Portugal
31 de marzo – Auditorio Espinho, Espinho, Portugal
2 de abril – TBC, Copenhague, Dinamarca
3 de abril – Teatro Savoy, Helsinki, Finlandia
4 de abril – Silent Green, Berlín, Alemania
5 de abril – Kulturhuset, Estocolmo, Suecia + proyección de «Music Is My Boyfriend»
8 de abril – Whelen’s, Dublín, Irlanda
10 de abril – EartH Theatre, Londres

El magnífico folk preciosista de María Jaume, de gira con AIE

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La cantautora María Jaume, nacida en Mallorca pero afincada en Barcelona, publicaba en 2022 su segundo disco, un notable álbum de 22 minutos llamado ‘Voltes i voltes’. Hoy 9 de febrero habrá una presentación en Madrid de mano de AIE (Artistas en Ruta), que este mes también reparte conciertos de Biznaga, Rocío Sáiz, Jimena Amarillo y Lady Banana, entre otros, por todo el país. A María Jaume le espera, además de la capital, Valencia (sábado 11 de febrero), Tàrrega (domingo 12 de febrero) y Barcelona (jueves 16 de febrero). Detalles, aquí.

El disco de María Jaume es rico en melodías luminosas y preciosistas que devanean entre el indie y la música mediterránea. Beben incluso de la bossa nova, como es el caso de ‘Dunes de cous-cous’, ya sugerente desde su mismo título, emparentable con aquella aproximación al género que hicieron Saint Etienne en ‘Side Streets’.

Los singles principales del álbum son ‘2008’, ‘Me desplom’ y ‘A final de mes’. ‘Me desplom’ confirmaba un giro pop respecto a lo que encontramos en su debut ‘Fins a maig no revisc’ (2020), que produjo Pau Vallvé. Allí estaba ‘Autonomia per principiants’, una pieza que arranca acústica y luego se levanta, y se acerca al millón de reproducciones en Spotify.

Ahora María Jaume exprime esa vena pop con esa ‘Me desplom’ y sobre todo ‘A final de mes’, la canción más inmediata del conjunto, no tanto por su colaboración con Núria Graham, como por su contagiosa línea de piano y sus efectos electrónicos en contraste con las guitarras eléctricas.

El mini álbum -mini en duración, maxi en emociones también por sus letras ácidas e irónicas- incluía una colaboración con Miquel Serra; la delicatessen de 1 minutito ‘Procés natural’ y toda una curiosidad para cerrar. ‘Magnetic Fields‘ es una adaptación muy libre de ‘I Don’t Want To Get Over You’ de la genial banda de Stephin Merrit. El álbum fue producido por Lluís Cabot (Da Souza) y grabado por Víctor Ayuso (Renaldo & Clara).


‘Nochentera’ de Vicco ya es un hit en España

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Como se fue viendo venir en las semanas previas al Benidorm Fest, ‘Nochentera’ de Vicco será la gran beneficiada de su paso por el certamen. No logró ganar, quizá porque nadie veía algo tan local ganando el Festival de Eurovisión («¡sube, Mari, sube!»), pero ha continuado escalando posiciones como la canción más escuchada por el público, superando a la que fue la primera favorita, Fusa Nocta.

Como comentamos en el podcast en directo sobre Benidorm Fest, ‘Nochentera’ entró al top 200 de Spotify España en los albores de su paso por la semifinal; después subió al top 100, tras su paso por la final ha rondado el top 30, y ahora mismo ha dado un nuevo paso escalando al número 25 de Spotify España. Y más importante que su viralidad natural es el apoyo de las playlists más grandes de Spotify.

Desde hace 4 días, ‘Nochentera’ aparece al fin en la playlist de audiencia millonaria Éxitos España, y también ha sido destacada en «Pop con Ñ» nada menos que en 2º lugar (1 millón de followers). ¿Qué significa esto? Que continuará subiendo. Es seguro, por tanto, que pronto tendremos un top 40 oficial español en Promusicae, y que de hecho estamos ante uno de los éxitos de la temporada de primavera-verano. Ahora solo queda comprobar qué tipo de perfil desarrolla Vicco: si pronto hay nuevo single o disco, o se hace un Chanel.

En cuanto a la ganadora, Blanca Paloma, también ha tenido su momento de fama en el top 100 de Spotify España, llegando al puesto 78. Aunque no sabemos si aparecerá por la lista oficial de Promusicae, porque ha caído en días sucesivos y parece a punto de abandonar el top 200. Ayudarán y mucho sus reproducciones en Youtube España, donde es número 1 y número 2 en la sección Música, con 1 millón de reproducciones para cada vídeo (final y semifinal).

Podcast en directo sobre Benidorm Fest

Jessie Ware se desmelena en la exultante ‘Pearls’

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Jessie Ware ha detallado su nuevo disco, muy esperado pues ‘What’s Your Pleasure?‘ fue claramente uno de los Mejores Discos de 2020, exactamente el 2º mejor de ese año para la redacción de JENESAISPOP, solo por detrás de Dua Lipa.

El quinto álbum de estudio de Jessie Ware llevará por título ‘That! Feels Good!’ -aparentemente una respuesta a la pregunta que planteaba el título del elepé anterior- y saldrá el 28 de abril. El título de ‘That! Feels Good! también es rabiosamente camp, tanto como el nuevo single que Jessie nos regala hoy.

Tras el pelotazo (musical, no comercial) de ‘Free Yourself‘ llega ‘Pearls’, una nueva producción de Stuart Price que juega con el sonido de la música disco de los 80, y recuerda al ‘Take Me Home’ de Cher (que luego versionó Sophie Ellis-Bextor), modernizada, eso sí.

Plenamente comprometida con esta etapa disco de su carrera, Jessie entrega una canción exultante, eufórica y divertida, rebozada en purpurina, con la que busca desmelenarse en la discoteca hasta que las «perlas» de su collar le vuelen por los aires. Jessie también quiere llegar a la «luna», a la que llega gracias a los agudos imposibles que realiza en el estribillo y que, en sus propias palabras, se lo harán pasar canutas cuando le toque cantar la canción en directo.

La propia Jessie comenta ‘Pearls’: «Es una canción disco que no se toma demasiado en serio a sí misma, pero que te exige bailar. Está inspirada en divas como Donna Summer, Evelyn Champagne King, Teena Marie y Chaka Khan y supongo que intenta mostrar -con ligereza- todos los sombreros que intento llevar (normalmente al mismo tiempo). Es la segunda canción que escucharéis de mi colaboración con Stuart Price y Coffee -con la maravillosa incorporación de Sarah Hudson- y espero que os dé una idea de lo bien que nos lo pasamos trabajando juntos.»

Así queda el (breve) tracklist de ‘That! Feels Good!’:
01 That! Feels Good!
02 Free Yourself
03 Pearls
04 Hello Love
05 Begin Again
06 Beautiful People
07 Freak Me Now
08 Shake the Bottle
09 Lightning
10 These Lips

Sesión de Control: Varry Brava, ODDLIQUOR, Najwa, Isaac et Nora…

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Renovamos nuestra playlist Sesión de Control, dedicada al pop nacional o en castellano, comenzando por dos novedades suculentas: por un lado, Varry Brava estrenan su primer single tras el éxito de ‘Raffaella’, y ‘Bambú’ es más latino de lo que esperabas. Bad Gyal, incluida. Por otro, el productor ODDLIQUOR presenta la que se define como su canción más íntima, para él ‘Pisando charcos’ es directamente «un abrazo».

Blackpanda, que han escrito el single de Agoney para Benidorm Fest, publican un nuevo tema de ritmos funky, ‘Como si nada’. También entre los habituales de la sección, el irresistible pop electrónico de Ganges, el pop-rock ochentero como recién salido de La Bola de Cristal de ‘Usted estuvo aquí’ de Rayo, el tema rock de Najwa Nimri y el electro de Rocío Sáiz.

El canario Muyaio estrena la tropical ‘El Algoritmo’ en presentación de su segundo disco. Aunque para tropical, lo nuevo de la madrileña Sandra Bernardo, la sensual ‘Kalimba’. Te gustará si te gusta Kali Uchis. En cambio, Safree, que a veces hemos conocido en música más de raíz, opta en ‘Lipstick Morao’ por el electropop.

Entre las sorpresas de la semana, el sample que Iván Ferreiro y Tanxugueiras se han marcado del programa de Félix Rodríguez de la Fuente. La canción se llama casi como el programa ‘La humanidad y la tierra’, y por supuesto Antón García Abril está debidamente acreditado. También Ricky Falkner, coproductor a su vez junto a Martí Perarnau IV de lo nuevo de Anne Lukin.

30s40s50s ha resultado ser el grupo de David Otero (ex Canto del Loco), Bely Basarte y Tato Latorre. Lucas Jesús, ex Joe La Reina, ha sacado un tema de electrónica reptante con los coros de Amaia de Kokoshca, que para no dar lugar a errores con su amiga Romero, se hace llamar Ama Ia.

Os presentamos igualmente a los niños virales franceses Isaac et Nora (atentos fans de Jeanette); los granadinos Nievla desde Casa Maracas, el sello de Los Planetas; el nuevo single de la revelación Triquell; al cantautor Victor Gato, que además es el técnico de sonido de nuestro podcast y estrena la tremebunda ‘Fantasmas’; a la cantautora rock St Frances, angloespañola; y la electrónica de Angela Pardal.






Blanco destroza el decorado de San Remo… ¿e imita su videoclip?

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El festival de San Remo ha comenzado esta semana y ha dejado un protagonista inesperado. El cantante Blanco acudió al certamen para presentar su nuevo single, ‘L’Isolla Delle Rose’. Lo hizo a duras penas porque el cantante no escuchaba su voz por los auriculares y, en lugar de cantar como pudiera, decidió pagarlo con el atrezzo, como preso de la ira, liándose a patadas con las flores que decoraban el escenario.

A la actuación de Blanco le siguieron los abucheos del público, y el cantante se excusó argumentando que «tenía problemas en el retorno y decidí disfrutarlo de todos modos» porque, dice, «a veces, no tienes que seguir el guion».

Más tarde, Blanco publicó una disculpa a la «ciudad de las flores» en forma de poema: «He caído… Me he roto la cara y lloro. Y después… Río, río, río, río, río, río y grito. Porque no soy perfecto como me querías, pero finalmente soy yo mismo».

Como indica RTVE, casualmente el «enfado» exhibido por Blanco sobre el escenario de San Remo se parece al que muestra en el videoclip de ‘L’Isolla Delle Rose’, en el que el cantante aparece ensangrentado y, también, destrozando unas flores rojas que decoran una casa. ¿Cuánto hay de márketing en todo esto? ¿Mejor nos creemos la fantasía?

Como el público eurofán recordará, Blanco representó a Italia en Eurovisión el año pasado, junto a Mahmood, con el baladón ‘Brividi’. En la final de Eurovisión, Blanco y Mahmood quedaron sextos. Sin embargo, Blanco solo ha acudido esta semana a San Remo como artista invitado.

Curiosamente, entre quienes sí participan este año en San Remo se encuentran las queridas Paola & Chiara. Cantan ‘Furore‘.

Quién es Samara Joy, la joven voz del jazz y revelación en los Grammy

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Samara Joy ha dado una de las grandes sorpresas en los Premios Grammyde este año, llevándose el galardón a ‘Mejor Artista Nuevo’ por delante de Måneskin, Omar Apollo, Wet Leg o Domi & JD Beck, los cuales se alzaban como los favoritos, en un principio. El resultado no ha sido tan diferente. Al igual que los integrantes de Domi & JD Beck, Samara Joy es una joven artista, de 22 años, y su especialidad es el jazz.

Joy tiene una voz clásica, a lo Nina Simone o Sarah Vaughan, perfecta para ser desplegada en canciones como ‘Can’t Get Out Of This Mood’ o ‘Guess Who I Saw Today’. Ambas están incluidas en el segundo disco de la cantante neoyorquina, ‘Linger Awhile’, que también se ha llevado el Grammy a ‘Mejor Álbum Vocal de Jazz’. Este fue lanzado en septiembre, es el primer disco de la artista en Verve Records y está compuesto por 10 canciones ya consolidadas, tales como ‘Round Midnight’ (Thelonious Monk) o ‘Someone to Watch Over Me’ (George Gershwin).

Denominada en su web oficial como «la primera estrella cantante de jazz de la Gen Z», Samara Joy creció en el Bronx escuchando, sobre todo, la música de la infancia de sus padres, tal y como ha descrito ella misma. Tiene un legado musical que comienza con sus abuelos, quienes actuaron con el grupo de gospel The Savettes, y que llega hasta su padre, cantante, productor, compositor y colaborador de Andraé Crouch, considerado «el padre de la música góspel moderna».

Joy continuó el legado familiar cantando en la iglesia y uniéndose a una banda de jazz en el instituto. Tras ingresar en la Universidad Estatal de Nueva York se especializó en canto y fue en esta época en la que lanzó su disco debut, titulado ‘Samara Joy’. Desde entonces, consiguió actuar en el programa ‘The Today Show’ gracias al éxito de la canción ‘Stardust’ y empezó a convertirse en una estrella de Tik Tok, con casi 300.000 seguidores. Ahora que con tan solo 22 años ha conseguido sus primeros dos Grammy, se postula como una artista a la que tener en cuenta en el futuro.

Morrissey piensa que Capitol está «saboteando» ‘Bonfire Of Teenagers’

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Morrissey ha comunicado en una carta en su web que está empezando a pensar que Capitol Records, su anterior sello, está «saboteando» intencionadamente su nuevo disco, el polémico ‘Bonfire Of Teenagers’.

Aunque el exlíder de los Smiths se fue de la discográfica en diciembre del año pasado, ha asegurado que Capitol se está negando a lanzar el disco y a devolvérselo a su autor. Además, sugiere que el sello firmó con él exclusivamente para hundir la salida del LP: «Capitol Records no lanzará, después de todo, el disco ‘Bonfire Of Teenagers’ de Morrissey de 2021», escribía Moz.

Este indica que aun habiendo sido firmado, «no ha habido ninguna mención de Morrissey en la web de Capitol o en su plantilla de artistas», y ha admitido que «aunque no cree que Capitol Records haya adquirido ‘Bonfire Of Teenagers’ con el propósito de sabotearlo, está empezando a creerlo». El mensaje termina con un enlace a una publicación de Medium en el que argumentan por qué el estado actual de Morrissey, sin ninguna discográfica que le acoja, «prueba una falta de verdadera diversidad en la música».

Recientemente, Miley Cyrus exigía ser eliminada del disco, para el cual había prestado su voz en la canción ‘I Am Veronica». Sin embargo, el cantante explicaba posteriormente que la salida de Miley se debía a «motivos que no tienen nada que ver conmigo». Concretamente, la razón era que la de ‘Flowers’ había «tenido una riña enorme con alguien del círculo», de la cual Moz no dio más detalles.

Django Django anuncian disco doble y estrenan cinco temas

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Django Django han anunciado la salida de ‘Off Planet’, su quinto disco, que será un LP doble y será publicado en cuatro partes a lo largo de los próximos meses, como hicieron Beach House con ‘Once Twice Melody’. ‘Off Planet’ tendrá colaboraciones de parte de Self Esteem, Jack Peñate, Stealing Sheep, Toya Delazy, Isabelle Woodhouse, Refound, Yuuko y Bernardo. Estará disponible de forma íntegra el 16 de junio.

La primera parte ya se puede escuchar en plataformas y está formada por cinco canciones, de las cuales ‘Complete Me’ es el single oficial, en colaboración con Self Esteem. La banda británica ha indicado que el instrumental de ‘Complete Me’ «fue creado en algún momento durante 2020 o 2021 mientras el mundo seguía en cuarentena». También cuentan que está inspirada en el hip hop y house de los 90.

‘Off Planet’ será el quinto disco de Django Django tras ‘Glowing in The Dark’ (2021), que fue nuestro Disco de la Semana por aquel entonces, ‘Marble Skies’ (2018), ‘Born Under Saturn’ (2015) y ‘Django Django’ (2012).

Tracklist:
Wishbone
Complete Me ft. Self Esteem
Osaka
Hands High ft Refound*
Lunar Vibrations ft Isabelle Woodhouse
Don’t Touch That Dial ft. Yuuko
Back to Back ft. Patience
Squid Inc
Come Down
Golden Cross
No Time ft. Jack Penate
A New Way Through
Galaxy Mood ft. Toya Delazy
The Oh Zone
Dead Machine ft. Stealing Sheep
Dumb Drum
Fluxus
Slipstream
Who You Know ft. Bernardo
Black Cadillac
Gazelle

Charles & Eddie revivieron el soul clásico en ‘Would I Lie To You?’

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En esta nueva entrega de Hit de Ayer rescatamos un perfecto ejemplo de “one hit wonder”: el dúo estadounidense Charles & Eddie y su éxito mundial ‘Would I Lie To You’. Una canción que también ilustra muy bien ese revival noventero del sonido soul clásico que fue la seña de identidad de este grupo.

El californiano Eddie Chacon llevaba años peleando por hacerse un hueco en la escena discográfica neoyorkina, pero no había pasado de grabar una versión tecno-funk de ‘All You Need Is Love’ de los Beatles (sí, eso es posible). En 1990 conocería a su futuro partenaire musical de manera totalmente cinematográfica: un día, al montarse en el C Train del metro de Nueva York, vio a un desconocido que llevaba un disco de vinilo de Marvin Gaye bajo el brazo (‘Trouble Man’). Le abordó, empezaron a hablar, y para su asombro resultó que no sólo ambos eran músicos, sino que al igual que él Charles Pettigrew tenía también un pre-contrato con Capitol Records. En ese momento el sello todavía no sabía muy bien qué hacer con ellos, así que tras su instantánea conexión iniciaron su proyecto conjunto con la bendición del A&R del sello Josh Deutsch, escribiendo canciones a medias y preparando un primer disco que llegaría en agosto de 1992 (‘Duophonic’).

La fórmula de hacer pop con fuerte inspiración del soul clásico y una producción relativamente orgánica para 1992 resultó un éxito por lo inusual de la propuesta para el sonido que se estilaba entonces en los charts. En la producción de Deutsch para ese debut tenía un papel fundamental -además de los valiosos arreglos vocales de Charles y Eddie- el legendario teclista Amp Fiddler (habitual de Funkadelic, Jamiroquai y hasta Prince) que tocó todos esos pianos y órganos Hammond que retrotraían la estética sonora del disco a los años 60. Hasta hubo sitio en un par de canciones para el legendario-si-fuera-más-conocido Paul Griffin (músico de sesiones y responsable del piano en canciones tan fundamentales como ‘Like a Rolling Stone’, ‘American Pie’ o ‘Brown Eyed Girl’).

El single de lanzamiento del disco estaba cantado: ‘Would I Lie To You?’ era la canción con más gancho de ese digno debut. Aparte de su preciosa melodía, recurría a trucos muy efectivos, como comenzar directamente con el estribillo, o a guiños clásicos como el mítico redoble de la Motown (minuto 00:59). La combinación de la voz solista de Charles -tan Smokey Robinson- y los falsetes de Eddie, completaban esta encantadora fórmula:

A lo largo del invierno el sencillo escaló puestos hasta arañar un nº 13 en los Hot 100 de Billboard, y se clasificó bastante arriba en numerosas listas de Europa. Su vídeo también se vio mucho en MTV Europe durante todo el invierno, propulsando el lanzamiento de dos singles más (‘N.Y.C.’ y ‘A House Is Not a Home’) que tendrían menos impacto. Pero cuando llegó su segundo elepé (‘Chocolate Milk’, 1995), Josh Deutsch decidió abandonar el sello y sin su apoyo el disco se hundiría sin el menor impacto. En dos años se habían separado, y una tentativa de reunión con el cambio de siglo se frustraría definitivamente cuando Charles falleció inesperadamente en 2001 víctima de un cáncer.

A Eddie Chacon le costaría prácticamente dos décadas retomar su trayectoria en solitario. Sin embargo, lo haría de una manera tremendamente interesante: su disco de 2020 ‘Pleasure, Love and Happiness’ lo gestó junto a John Carroll Kirby (colaborador habitual de Frank Ocean y Solange) y contiene fascinantes piezas de pop experimental con ribetes de soul tan bonitas como ‘Wicked World’. Un proyecto que le ayudaría a pasar página de ese legado noventero que al parecer pesó mucho a Chacon todos estos años, con una sensación de éxito frustrado y duelo por su compañero fallecido.

‘Would I Lie To You?’ suena en la entrega nº 423 de Popcasting, el podcast de Jaime Cristóbal, disponible en este enlace.

The Go! Team / Get Up Sequences Part Two

La segunda parte de un disco que ya pasó desapercibido, hasta 2 años después, no es un plan muy apetecible en la carrera de The Go! Team. El colectivo de Brighton liderado por Ian Parton nos ofrece una nueva mezcla de vitalidad eléctrica y ritmos de viejo hip hop en singles como ‘Divebomb’; mientras otra parte del álbum se entrega al soft pop más melódico, con delicias como la primera parte de ‘Train Song’. Lo de siempre.

‘Get Up Sequences Part Two’ es un disco influido por el Brexit que quiere llamar a la acción política sin resultar evidente. Ese es el cometido principal de ‘Divebomb’, que es calificada por The Go! Team como una «canción protesta». Puede ser también un pequeño punto débil, en tanto que las melodías de la banda son más expertas en buscar el buen rollo e insuflarnos alegría de vivir, que en lanzarnos furiosos a las calles para rebelarnos.

Lo seguro es que continúan siendo detonadoras. Casi 20 años después de su seminal debut ‘Thunder, Lightning, Strike‘, The Go! Team continúan con cosas que decir a través de producciones personales como la de ‘Stay and Ask Me In A Different Way’, en la que las voces ahogadas por el noise pop se combinan con el sonido de bombas cayendo (o algo así).

Más flautas, más samples y sensación de caos gobiernan para llevarnos lo mismo a Brasil que a Hawái, en temas inclasificables -con la marca Go! Team-, como ‘The Me Frequency’ o ‘Going Nowhere’. La segunda parte de la mencionada ‘Train Song’ vira en busca de algún tipo de sorpresa en la última franja del álbum.

No esconde ‘Get Up Sequences Part Two’ muchísimos argumentos para convencer de vuelta a alguien que lleve 10 o 15 años sin escuchar un disco de Go! Team. Ni tampoco vergüenzas que nos hagan arrepentirnos de haberles dedicado nuestro tiempo una vez más. ‘Getting to Know (All the Ways We’re Wrong for Each Other)’ es una canción de amor que abrazarías en manos de La Casa Azul; ‘Sock It To Me’, encantadora en la parte de las cuerdas (y en su título); ‘Look Away, Look Away’, una buena intro para aquel que se anime a escucharles por primera vez.

Sophie Ellis-Bextor «rompe el ciclo» con su nuevo single

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Sophie Ellis-Bextor ha anunciado que su nuevo disco saldrá el 2 de junio. ‘Hana’ es la tercera parte de la trilogía de álbumes que Sophie ha estado publicando en los últimos tiempos, una trilogía que empezó con el lanzamiento de ‘Wanderlust‘ en 2014 y que continuó con la llegada de ‘Familia‘ en 2016.

Si el primero de estos discos se inspiraba en la cultura soviética, el segundo ponía el pie en América Latina. Y en ‘Hana’, Ellis-Bextor viaja a Japón, país que la cantante visitó por primera vez en 2020, antes de la pandemia. De hecho, una de las pistas incluidos en el largo se titula ‘Tokyo’, cuenta la nota de prensa.

Sin embargo, ese no es el single de ‘Hana’ («florecer» en japonés, o «pétalo») que conocemos hoy. ‘Breaking the Circle’, una nueva producción de Ed Harcourt, como las de los dos discos anteriores, de hecho «rompe el ciclo» de la etapa disco de Sophie, y apuesta por un sonido más orgánico de pianos, baterías y vientos, un sonido que se aproxima al trip-hop pero que no abandona la majestuosidad del pop clásico, muy presente en los últimos trabajos de la artista.

‘Breaking the Circle’ es un tema que se zambulle en «lo desconocido» y que, además, tiene el buen gusto de incluir una referencia a ‘The Twilight Zone‘, la serie británica de culto. En palabras de Sophie, se inspira en «esos momentos nocturnos en que te cuestionas todo pero de repente sientes un chute de adrenalina frente a lo que te depara el mañana», así como en esas «conversaciones filosóficas que tienes a las tres de la mañana, en las que todo parece posible».

El sonido de ‘Breaking the Circle’ sorprende, decimos, porque no tiene nada que ver con el del single dance ‘Hypnotized‘, el reciente single de Ellis-Bextor, ni mucho menos con los directos ‘Live from the Kitchen Disco’ con los que la cantante entretuvo a sus fans durante el confinamiento.

‘BELLODRAMA’ o «bollodrama»: Ana Mena anuncia su disco

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Ana Mena ha anunciado que su nuevo álbum, ‘BELLODRAMA’, saldrá el próximo 24 de marzo. Será su segundo disco, y el primero desde que la cantante malagueña arrasara con la discotequera ‘Las 12’ con Belinda, y triunfara con ‘Música ligera’, su canción más italiana. Después, Mena participaría en Sanremo, que precisamente se está celebrando estos días.

A falta de conocer el tracklist oficial de ‘BELLODRAMA’, el primer single ‘Un clásico‘ -una adaptación del italiano Ernia- formará parte de él a buen seguro. Es una de las mejores canciones publicadas por Ana Mena.

Más que la fecha de ‘BELLODRAMA’ está dando que hablar su título, que junta dos palabras, como ‘MOTOMAMI’ o ‘ARTPOP’, aunque se presta más a la confusión. Algunos han leído «BOLLODRAMA» sin pensárselo dos veces, y este título alternativo ha sido rápidamente «trending topic». Una persona ha argumentado que Mena «podía haberlo llamado “Bollodrama”, pero le tiene miedo al éxito». Las lesbianas de Twitter, unidas por Ana Mena.

‘BELLODRAMA’ traerá las «confesiones de una diva doliente», como ha descrito el estilista Dav Martens en Instagram, y Mena las presentará en directo el día 21 de abril, en la sala Razzmatazz de Barcelona, dentro del ciclo Guitar BCN.

El fin de semana pasado, Mena actuó en la gala final de Benidorm Fest, donde presentó ‘Un clásico’ y no olvidó de levantar el ambiente con ‘Las 12’, una de las Mejores Canciones de 2022 que podéis encontrar en el Anuario.

Mena no para, por tanto. Solo en 2022, la cantante estrenó ‘Duecentomila ore’, ‘Mezzanotte’ y ‘Cuando la noche arriba’, y colaboró con Pablo Alborán en ‘Ave de paso’, con Abraham Mateo en ‘Quiero decirte’, con Dorian en ‘No dejes que pase el tiempo’, con Macaco y Bejo en ‘La guerra de los besos’…

Ya se cuelgan «sold outs» en La Plazuela

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La Plazuela es una de las bandas andaluzas que más están dando que hablar últimamente. Lo suficiente como para haber colgado el cartel de «todo agotado» en su último concierto en Madrid, acompañada de un «hype» que el grupo lleva cultivando unos pocos años. Procedente de Granada, la banda ya es bastante conocida en Andalucía, pero no se va a quedar ahí.

El mismo año en que escuchamos por primera vez ‘Noches de Bohemia’, 1998, nacen Manuel Hidalgo Sierra (alias Indio) y Luis Abril Martín (alias Nitro), que forman La Plazuela. La referencia a Navajita Plateá viene a cuento de que el dúo reconoce que su música se inspira en el flamenco fusión que sonaba en España en los 90. Ellos citan a Manzanita, Pata Negra, Ketama y «todos los cantaores que nos gustaban en ese momento», como Camarón y Enrique Morente. Su propósito es celebrar la cultura andaluza y modernizarla.

Así, las canciones de La Plazuela pueden acreditar a Lorca como autor y, a la vez, incorporar una base electrónica de Chico Blanco. El productor de house granadino ha colaborado habitualmente con La Plazuela, así como Antonio Narváez, productor de Dellafuente, mientras las canciones, con títulos como ‘La antigua judería’ o ‘Perico el de la Tomasa’, apelan a una nostalgia eminentemente andaluza. Pasado por el filtro electrónico, La Plazuela traen ese flamenco fusión a nuestro tiempo.

Cuenta Indio que le «explota la cabeza» cuando descubre no solo la electrónica, sino también el sentimiento de comunidad perteneciente a esta cultura. Pronto, el grupo compone uno de sus grandes himnos, ‘Tangos de Copera’, que mezcla flamenco con ritmos garage y acid house. Es su tema más ravero, ahora que las raves de Granada están en el punto de mira. Le sigue de cerca ‘La antigua judería’, mientras ‘Las campanas del olvido’ insiste en el sonido Navajita… por la vía del big beat, cuando menos lo esperas.

Pero la fiesta no determina el repertorio de La Plazuela. Con Juanito Makandé crean otro de sus singles más populares, ‘Realejo Beach’, de ritmos disco-funky a la española, divertidísimo en ese estribillo «solito me he quedao yo / después de la primavera». ‘La Tarara’, basada en un poema de Lorca, es una de sus composiciones más clásicas y emocionantes. Y ‘El lao de la pena’, su single más reciente, suma más argumentos a favor de que La Plazuela continúen su ascenso.

Con mucho tino, para la producción de ‘El lao de le pena’ La Plazuela han contado nada menos que con BRONQUIO, autor junto a Rocío Márquez de uno de los Mejores Discos de 2022, a su vez entregado a la hibridación de flamenco y electrónica. Con otra base ultra noventera, además de guitarras flamencas, voces robotizadas y un estribillo redondo, Indio y Nitro le cantan a la pureza de su tierra, porque «la moda de Madrid a Graná no nos llega» y «lo que es puro en la tierra se queda». La Canción Del Día de hoy, ‘El lao de la pena’ es otro de los muchos aciertos absolutos de La Plazuela. Y sí, habrá disco: ‘Roneo Funk Club’ sale en marzo.







La rumbita chuche de Rosalía: ¿irresistible, o más bien olvidable?

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Parte de la redacción evalúa ‘LLYLM’, el nuevo single de Rosalía, que ha entrado al top 4 en España:

«Si algo se puede decir de Rosalía es que nunca se repite. Es impredecible saber por dónde va a salir. No hay muchos artistas en activo que tengan esa capacidad para sorprender a cada paso que dan. ‘LLYLM’ puede que no tenga el carácter revolucionario de ‘MOTOMAMI‘, pero también supone algo distinto para la cantante y es, nuevamente, otro gran acierto. Es una composición en spanglish luminosa, dominada por palmas y un ritmo rumbero contagioso que sirve como la enésima muestra de su oído privilegiado para las melodías adictivas.

Ese estribillo en inglés aflamencado, simple, efectivo e infeccioso es un caramelo; el puente remitiendo a Lole y Manuel le otorga un inesperado y sentido giro; la bellísima voz de Rosalía embelesa a cada segundo. El combo es sencillamente irresistible. ‘LLYLM’ es un tema pegadizo, refrescante y bien producido, que, aunque no suponga ningún punto de inflexión en su catálogo, es un más que bienvenido soplo de aire fresco». Fernando García

«El single de Rosalía no me ha enganchado nada. Curiosamente contaba a Max Martin entre sus compositores, aunque en los créditos oficiales (al menos en los de Youtube), el sueco ya no aparece. Su impronta no es tan evidente, aunque tampoco lo era en ‘Blinding Lights’… y es Rosalía quien impregna ‘LLYLM’ con su burbujeante personalidad, entre frases en spanglish y otras que se entienden más o menos.

Una canción de rumbita bubblegum, se podría decir, que aporta nuevos sabores al repertorio de Vila Tobella, más rosa y chuche, pero que, a nivel compositivo, de fortaleza melódica, queda atrás de sus mejores momentos. Vamos a tenerla hasta en la sopa, ya que está asociada a la nueva campaña de una conocida marca de refrescos. No descarto que se me termine pegando, a la fuerza, eso sí. ¿Y soy el único que al leer las siglas piensa en esto?». Jordi Bardají

Madonna contesta a las críticas por su aspecto en los Grammy

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Madonna fue una de las protagonistas en la noche de los Grammy, aunque por otros motivos. La cantante dio un discurso sobre la importancia de transgredir las normas en el pop y, a continuación, presentó la actuación de ‘Unholy‘ de Sam Smith y Kim Petras. Pero no habría sido noticia si no hubiera sido porque su aspecto físico (en concreto su cara) llamó la atención de muchos. Titulares como «la nueva cara de Madonna» empezaron a copar los medios.

La cantante ha decidido contestar y, de nuevo, ha traído el edadismo a colación, como ya ha hecho otras veces, incluso cuando apenas contaba 35 años y ya se enfrentaba a críticas similares.

«En lugar de centrarse en lo que dije en mi discurso, donde daba las gracias a artistas como Sam y Kim por su valentía, mucha gente prefirió hablar exclusivamente sobre las fotos en primer plano que salieron de mí y que estaban hechas con un objetivo de lente largo, que distorsionaría la cara de cualquiera».

Continúa: «Otra vez me veo atrapada en la mirada del edadismo y la misoginia, que tanto domina el mundo en el que vivimos. Un mundo que se niega a celebrar a las mujeres que pasan de los 45 años y que siente la necesidad de castigar a una mujer que sigue siendo fuerte, trabajadora y aventurera. Nunca me he disculpado por ninguna de las decisiones creativas que he tomado ni por mi aspecto o manera de vestir, y no voy a empezar ahora».

«Los medios me han denigrado desde el comienzo de mi carrera», explica, «pero entiendo que todo esto es una prueba y me alegra ser la persona que allane el camino para que todas las mujeres que vienen detrás de mí lo tengan más fácil en los años venideros. En palabras de Beyoncé: «No romperás mi alma». Con ganas afronto más años de subversión, de empujar los límites, enfrentándome al patriarcado y, sobre todo, disfrutando mi vida».

En el mismo texto, Madonna empieza diciendo que ella quería entregar el premio a Álbum del año, pero «pensé que sería más importante presentar a la primera artista trans que actúa en los premios. Un momento histórico»; refiriéndose a Petras.

Pitchfork castiga el último disco de Måneskin con un 2

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Pitchfork lleva años labrándose la reputación como uno de los medios musicales más exigentes en cuanto a las reseñas de discos se refiere. Le ha tocado el turno a Måneskin, cuyo nuevo LP ha sido valorado con un doloroso y redondo 2. Solo hay que leer la frase destacada para saber qué problema han encontrado con ‘RUSH!’: «La banda de rock italiana se ha convertido en una sensación global. Su nuevo disco es absolutamente terrible en todos los niveles concebibles».

Esta bajísima puntuación va en contra de la tendencia de opiniones sobre el proyecto, tal y como refleja Metacritic, donde ‘RUSH!’ tiene una nota media de 71, basándose en 14 reseñas profesionales. Además, la nota de los usuarios en la misma web no se aleja mucho, plantándose en un 6.9. Por otro lado, en JENESAISPOP puntuamos el proyecto con un 6, señalando que «el mayor lastre es que al haber tanta canción y tan heterogénea a veces se encalla y algunos temas parecen poco más que relleno».

La crítica de Pitchfork también incluye afirmaciones tan duras como aquella que habla de las influencias de la banda, descritas como «cánticos de ‘Seven Nation Army’ en un partido de fútbol, seguido de cerca por los Red Hot Chili Peppers de su última etapa, seguido extensamente por nada»; o aquella en la que se compara la canción ‘MAMMAMIA’ con «los ensayos de una banda de cuarto de primaria» y con las «migrañas».