Tal y como anunciaron en sus redes sociales estos tres gigantes de la música, Black Eyed Peas, Shakira y David Guetta han lanzado hoy el single ‘DON’T YOU WORRY’, y es un viaje total a 2009. Pero, esto es un arma de doble filo.
Por un lado, el aspecto musical está totalmente desfasado, haciendo a los artistas parecer más desfasados de lo que en verdad estaban. Y es que todos han tenido sus éxitos recientes como ‘Te Felicito’, de la colombiana con Rauw Alejandro, o el ‘Heartbreak Anthem’, de Guetta junto con Galantis y Little Mix.
Por no hablar de los Black Eyed Peas, con exitazos como ‘RITMO (Bad Boys For Life)’ o ‘GIRL LIKE ME’, también con Shakira, pero igualmente muy distantes de lo que fueron en un momento, y no porque ahora sean un trío. En ‘DON’T YOU WORRY’ incluso utilizan el viejo truco de contar números en medio de la canción, y encima en español. Dos por uno. Solo les ha faltado enumerar capitales del mundo.
Por otro lado, es una canción positiva, fácil de escuchar y que es nostalgia pura para aquellos que hayan crecido con la música de estos artistas en su peak. ‘I Gotta Feeling’ y ‘Titanium’ son las primeras que se me vienen a la cabeza. Es ese tipo de canción. Que sea nostalgia pura significa que a toda esa gente este nuevo tema les va a transportar a tiempos mejores, y se puede acabar convirtiendo en un gran guilty pleasure. Por el momento, no me atrevo a decir si esto será un hit o no. Pero si hubiese salido una década antes, me atrevería a decir que, sin duda, sí.
En cuanto al vídeo de la canción, presenta una estética futurista -al menos lo que se entendía por «futurista» el siglo pasado-, entregándose a la temática intergaláctica. Sin duda, el videoclip más kitsch que te puedas echar a la cara en la tarde de hoy.
Ethel Cain es una de esas artistas con la que es fácil confundir persona y personaje. Su nombre de pila público es Hayden Silas Anhedönia, es decir, es improbable que sea real («anhedonia» es un término psicológico que alude a la incapacidad para experimentar placer) y su alias artístico se compone de dos nombres vinculados a la Biblia como son «noble» y «Caín». A día de hoy vive en una casa de la Alabama rural. No es una pop star al uso ni pretende serlo.
La estética del gótico americano (el llamado «Southern gothic«) y la religión forman dos de las bases del proyecto de Ethel Cain, que la artista pretende expandir con más discos, libros e incluso películas. Ethel Cain no es solo un personaje, es una saga. Un universo. Y dentro de este universo, Ethel Cain es la protagonista de ‘Preacher’s Daughter’, la primera entrega de una trilogía de álbumes que pretende narrar la historia de tres generaciones de mujeres.
El contexto en el cual se desarrolla la historia es la América profunda. El año es 1991. El padre de Ethel, el pastor más querido del pueblo, muere cuando ella cuenta tan solo 10 años. Una década después, Ethel se desencanta con la idea del sueño Americano cuando un vecino de su edad se suicida. Dispuesta a cambiar de vida, huye de casa y se enamora de un hombre que resulta ser caníbal y la asesina.
La vida de Hayden informa necesariamente la historia de ‘Preacher’s Daughter’. La artista se cría en el seno de una familia profundamente religiosa en un conservador pueblo de Florida, y vive una infancia «simple» hasta que, en la adolescencia, descubre que es gay y sufre el rechazo de sus convecinos. En torno a los 20 años, Hayden sale del armario como mujer trans y empieza a crear música coral experimental a través de los alias White Silas y Atlas. Finalmente se decanta por el de Ethel Cain porque representa la «intersección entre mis experiencias en el profundamente religioso sur de Estados Unidos y mis sueños por un Oeste americano salvaje y libre».
Las ideas de Hayden sobre la América profunda, el sueño americano, y sus experiencias con el lado oscuro de la religión o el abuso sexual, quedan plasmadas en un disco épico, que supera la hora de duración, y que Ethel compone y produce ella sola en su casa. Todas las canciones están bañadas en un reverb eclesiástico, muchas de ellas superan los seis minutos de duración, las baterías pretenden hacer vibrar a las montañas, y los diversos solos de guitarra eléctrica que se escuchan en ‘Preacher’s Daughter’ nos recuerdan que este no es un disco hecho para los tiempos de hoy.
‘Preacher’s Daughter’ trae a la mente discos como ‘Born in the U.S.A.’ de Bruce Springsteen o ‘Ultraviolence’ de Lana Del Rey, también el espíritu de Florence Welch sobrevuela las melodías porque precisamente Florence es la artista que empuja a Ethel Cain a crear música cuando escucha una canción de ella por primera vez en internet. El álbum habita los mundos del dream-pop, el rock gótico, el rock de estadios y el slowcore, entre otros, y lo hace sin que los códigos del pop comercial le interesen a Ethel lo más mínimo. La artista está fichada en Prescription Songs, la editorial de Dr. Luke, pero ella dice que cuando firmó no sabía a quien pertenecía el sello ni pretendía buscarlo porque «en la pandemia no estaba en condiciones de rechazar dinero». Hoy habla de Dr. Luke en términos no demasiado halagüeños. Y es clara: «no necesito a Dr. Luke para crear mi música, pero es que no necesito a nadie».
En ‘Preacher’s Daughter’, Ethel Cain se basta y se sobra para levantar una obra enorme en envergadura y calado emocional. Muchas de las canciones más emotivas que escucharás este año se encuentran en este disco. Sumida en una profunda soledad, Ethel recuerda con nostalgia un amor pasado en ‘A House in Nebraska’, uno de varios títulos ultra-americanos que contiene el elepé. En ‘Western Nights’ pone los pelos de punta su composición a piano y su historia sobre otro amor pasado que era violento con ella. ‘Hard Times’ relata los abusos sexuales que sufre de pequeña a manos de su padre, a quien se dirige para expresar que «estoy harta de que sigas atada a mí». En el melancólico country de ‘Thoroughfare’ conoce a Isaiah, quien será su último amor. Y ‘Sun Bleached Flies’ encoge el corazón hacia el final de la secuencia con una melodía sobrecogedora que apela a la iglesia y a Dios solo para concluir: «Dios te ama pero no lo suficiente como para salvarte».
La protagonista de ‘Preacher’s Daughter’ termina descuartizada, y sus restos conservados en una nevera. En la rockera ‘Strangers’, la última pista del álbum, de influencias metaleras y grunge, Ethel transmite desde el más allá un último mensaje de amor a su madre.
‘Preacher’s Daughter’ puede ser un trabajo difícil de digerir, poco estomagante, y lo es especialmente en sus momentos más crudos y oscuros, como el doom metal de ‘Ptolemaea’ que, entre susurros diabólicos y el zumbido de moscas, recuerda a cosas tan grotescas como la película ‘Begotten’. Por supuesto, el fondo de todo esto es que ‘Preacher’s Daughter’ es un disco necesariamente incómodo y espeluznante, tanto como esa distorsión de cinta de casete que se escucha en una de las pistas instrumentales. ‘Gibson Girl’, el primer single, es un tema sensual pero también siniestro que remite a la PJ Harvey más pantanosa, y ‘American Teenager’, el single POP del álbum, narra un suicidio, y traslada a un sonido muy Taylor Swift onda ‘1989’ una historia de decepción profunda con el sueño americano.
‘Preacher’s Daughter’ es otra obra de arte morbosa dedicada a la peor cara de América. No es la primera ni será la última. Sin embargo, en el disco ante todo se sobrepone un talento descomunal para escribir canciones capaces de encoger el alma y ponerte un dudo en la garganta. Si no te emocionas con ‘Preacher’s Daughter’ debe ser porque estás congelado en una nevera.
Cecilio G fue detenido la noche de ayer en el Sónar de Barcelona tras haberse «bajado los pantalones y masturbado» ante una joven y posteriormente agredido a un agente de seguridad y a un agente de los Mossos d’Esquadra, según cuenta el medio Metrópoli. Los Mossos no eran conscientes del incidente con la chica y acudieron al lugar porque el artista catalán estaba provocando altercados en una zona restringida del festival.
Según cuenta Metrópoli siguiendo las declaraciones de los vigilantes presentes, el altercado ha sucedido en la zona de Plaza de Espanya, donde Cecilio G «se ha bajado los pantalones delante de una chica», la cual posteriormente ha llamado a seguridad. Al llegar la ayuda, el trapero ha pegado «un puñetazo a un miembro de seguridad» y ha intentado dar un «cabezazo» a otro, para ser reducido después.
Durante su detención y entrega a los Mossos, el artista no paraba de lanzar «amenazas» y en el proceso ha agredido a un agente de la policía catalana. Según la información de Metrópoli, los técnicos del Servicio de Emergencias Médicas determinaron que este «debía ingresar en un centro hospitalario» ya que iba «bajo los efectos de la droga».
Actualmente, lo único que se sabe es que el artista está bajo disposición de los Mossos d’Esquadra. Esa misma tarde, a Cecilio se le había visto acompañado de la alcaldesa de Barcelona, Ada Colau, quien ahora probablemente esté tirándose de los pelos.
Samuraï, el proyecto de la joven madrileña Aroa Lorente, ha debutando con dos EP’s. El primero, ‘Lo bonito’, incluía un hit tan resplandeciente como ‘Sin freno’. En el segundo, ‘Lo que no cuentan’, que acaba de editar, conviven producciones de pop-rock, con sintetizadores y efectos como sacados de ‘Stranger Things’ (‘Entre tejados’) y ‘Lost’ (‘Tóxico’) y guiños al drum&bass sin abandonar el guitarreo (‘Como Me Voy A Olvidar’).
Tras el viral de ‘Tirando balas’, que supera los 3 millones de reproducciones, Samuraï comienza este finde una gira por Madrid -en concreto el sábado 18 de junio en Clamores- tras lo que aguardan festivales como FanFutura y Cooltural Fest, entre otros; y ciudades como Barcelona (14 de octubre), Valencia (18 de octubre), Córdoba (13 de enero), Granada (14 de enero), 20 de enero (Málaga) y Sevilla (21 de enero). Samuraï es la nueva invitada de nuestra sección «Meister of the Week», comisariada por Jägermusic, en la que un artista nos habla de una pasión oculta. En su caso son los gatos.
¿Por qué has elegido hablar de gatos para la entrevista?
Tengo una obsesión bastante linda con los gatos. Me siento identificada con ellos y, aunque no quiero parecer una loca, tengo un don con ellos. Fuera bromas, por la calle los gatos vienen a mí. Es una movida súper fuerte.
¿Por qué gatos frente a perros?
Supongo que porque me siento muy identificada, son seres a la par independientes y cariñosos. Amo a los perros igualmente, tengo cuatro (risas), pero creo que los gatos y yo tenemos una relación más profunda ¿Gatos o humanos?
Gatos. Siempre gatos.
Tenías un gato que también se llamaba Samurai. ¿Nos explicas por qué elegiste ese nombre y cómo terminó siendo el tuyo a su vez?
Era un gatito negro precioso que adopté y me hacía sentir muy bruja. Le llamé como a mí porque me pareció bonito el sentirme conectada de alguna manera con él. En realidad el origen de mi nombre es una anécdota súper básica (risas) Desde pequeña siempre mi mamá me hacía el típico peinado DE medio pelo suelto y arriba la otra mitad en un moño: muy parecido al que llevan los samurais. Un día fui al instituto con ese mismo peinado pero súper exagerado y mis amigas me empezaron a vacilar con que si parecía un samurai (risas) Desde entonces me han llamado Samu, supongo. Y por alguna extraña razón me pareció buenísima idea llamar así a mi gato, como si en verdad él fuera un formato físico de un alter ego mío (risas).
‘Tal para cual’, ‘Otro rollo’, ‘Te quiero’… Muchas de tus canciones hablan de amor. ¿Hay alguna que hayas dedicado a Samurai?
(risas) Hasta ahí no llego, pero vamos, que seguro que se las hubiera cantado alguna vez. Sí que recuerdo, el día que se perdió, ponerme a cantar súper dramáticamente a la nada llorando un montón
Recuerdo los primeros años de YouTube. Yo me pasaba horas viendo recopilaciones de gatos. Ahora me da la sensación de que no había otra cosa en YouTube. ¿Cuánto es el mayor tiempo que te has pasado viendo vídeos de estos y cuál es tu favorito/s?
Pues la verdad es que tiempo indefinido (risas) No sé cómo el algoritmo de instagram de los reels se me ha configurado para que me salgan solo vídeos de gatitos. Es increíble. Justo esta mañana he visto un video en el que un gato se metía en una pompa de jabón. INCREÍBLE. Es más, cuando estoy triste mi chico me envía vídeos de gatitos para que sonría. Y es inevitable (risas) soy una bebé con los gatos.
Seguro que tienes el móvil lleno de stickers de gatos pero, ¿cuál es el que más usas? ¡Ojalá puedas adjuntar alguna imagen favorita!
INCREÍBLE. Adjunto foto de mis stickers más usados. Literalmente increíble. Además, mi sticker más usado es el del gatito negro.
¿El gato negro trae mala suerte?
¡¡¡Para nada!!! Eso es un dicho super feo y discriminatorio de los gatos (risas) De hecho, son mis favoritos.
Los gatos son uno de los animales más elegantes. Tú, si pudieras quedarte con una cualidad de los gatos, ¿cuál sería?
La mirada gatuna. Sin duda. Esque te atraviesa. Intimidante e hipnótica
¿Te han inspirado de alguna manera en tu música?
No sé si el término es inspirar, pero sí que hago mucha referencia a los gatos en mis canciones, me gusta usarlos en metáforas o como manera de referirme a los enamorados. Justo creo que no han salido todavía ninguna de las canciones en las que utilizo ese término pero os puedo adelantar frasecillas sueltas: “Gatos con callejón propio, obvio que se notaba la tensión” y “Dos gatos entre copas”.
Bad Gyal ha lanzado hoy el segundo capítulo de su nueva etapa, ‘Tremendo Culón’. A finales de mayo la catalana lanzó ‘La Prendo’, a la que ‘Tremendo Culón’ sigue los pasos, tanto musicalmente como en dirección de arte. Solo hay que fijarse en la portada de los singles y en el estilo de los videoclips para saber que Bad Gyal tiene algo entre manos que, con suerte, podremos escuchar en su totalidad en no mucho tiempo.
Este nuevo tema está producido por El Guincho y Fakeguido, y prueba lo mucho que ha evolucionado artísticamente Bad Gyal desde su gran hit ‘Fiebre’ en 2016. La base de ‘Tremendo Culón’ es adictiva, el flow de Bad Gyal es adictivo y vaticino que no vamos a poder parar de bailarla este verano.
Bad Gyal ha acompañado el release del single con un videoclip que empieza justo donde acaba el de ‘La Prendo’, con Alba posando al lado del coche quemado de los capos que la estafaron en el primer vídeo, y que no acabaron muy bien. En esta nueva entrega de la Bad Gyal más gangster, ella y sus compinches se cuelan en una mansión en clave de strippers para robar el dinero de todos los que en ella están usando una bebida misteriosa, a medio camino entre un veneno y una poción del sueño.
Tras dos fines de semana de Primavera Sound que han pasado casi como un sueño es el turno de que Sónar vuelva a celebrarse como antes de la nueva normalidad. Desde este jueves, el festival de música electrónica de Barcelona está celebrando su primera edición en dos años y la primera jornada ha tenido lugar en plena ola de calor, que está dejando máximos de 43º en Cataluña, cuando además el Sónar de Día arranca en pleno mediodía. Por supuesto, el cobijo del sol bajo las carpas en el SonarHall (el escenario principal se encuentra en el exterior) es un «tonto el último» de diccionario pero, por suerte, el festival cuenta con diferentes salas de interior con las que huir del sofocante calor.
La primera jornada de Sónar tiene lugar también bajo la amenaza de una nueva ola de covid, la cual ya parece asomar las patas después que la última edición de Primavera Sound haya dejado varios positivos entre amigos y conocidos.
Circunstancias externas aparte, la música volvió a ser la protagonista en un Sónar de Día por el que lo mismo te cruzabas a Maria Arnal que a Samantha Hudson básicamente representando dos tipos de asistentes al festival (no fue casualidad encontrárselas ya que ambas actúan). Y pese a la ola de calor -y los elevados precios de las bebidas, 6 euros por una cerveza- valió la pena acercarse pronto al recinto de la Fira para presenciar en vivo el potente directo de b1n0. El afilado pop electrónico de Emili Bosch y Malcus Codolà cobró vida en directo, canciones como ‘BUM BUM’ arrollaron, y Marina Herlop apareció en el escenario para cantar su tema conjunto.
En una galaxia aparte, Depresión Sonora ofreció uno de los conciertos más significativos de su breve carrera. Emergió tímido en el escenario, mirando al suelo o al horizonte, como si fuera a hacer un concierto de shoegaze, pero la energía del público fue, poco a poco, sacando al «frontman» que lleva dentro. No podía ser de otra manera cuando la audiencia recibía canciones como ‘Apocalipsis virtual’, ‘Hasta que llegue la muerte’ o ‘Ya no hay verano’ como los auténticos himnos de post-punk que son. El madrileño animó el ambiente con una enérgica versión de ‘Fuego cruzado’ de VVV [Trippin’ You], canción que ha remezclado, y tocó ‘La casa del árbol’ por vez definitiva en Barcelona porque «se vienen cosas nuevas». ¿De verdad pretende jubilar tan pronto una de sus mejores canciones?
A la salida de Depresión Sonora el público vivió una de esas extrañas visiones que solo suceden en el Sónar. Si hace unos años Cecilio G entró en el recinto subido a lomos de un caballo blanco, decisión que provocó una merecida ola de críticas por su falta de sensibilidad con los animales, Rojuu lo hizo a su manera. Vestido de negro emo-satánico, el catalán emergió en el festival transformado en su propia versión de la Virgen del Rocío. Aposentado en un trono de madera y elevado en el aire desde una plataforma sostenida a hombros por una cofradía de nazarenos, el Rey Rojuu miraba a la plebe por debajo del hombro mientras un grupo de bufones brincaba alrededor. Por cierto, si es que acaso a alguien le importa esto ya, Depresión Sonora y Rojuu acaban de sacar tema conjunto.
Tras el «show» de Rojuu era momento de comprobar qué directo habían preparado Tarta Relena. Spoiler: al final, el público no pudo hacer otra cosa que ponerse de pie para vitorear y aplaudir el precioso espectáculo presentado por Helena Ros y Marta Torrella en el SónarComplex. Tarta Relena cautivaron a los presentes con su fascinante propuesta en la que combinan complicadas armonías y polifonías vocales, cantos medievales, letras poéticas cantadas en catalán, latín o mallorquín, y beats electrónicos capaces de hacer vibrar los asientos. Presentaron las canciones de ‘Fiat Lux‘, pero también otras viejas como esa ‘Figues’ que utiliza la melodía del estribillo de ‘Lionsong’ de Björk.
El concierto de Tarta Relena desplegó una elegante puesta en escena compuesta por un aro de luz gigante que cambiaba de iluminación según la canción, colocado detrás de ellas, y un puñado de pequeñas luces instaladas en el suelo a modo de velas creaban también un ambiente íntimo y litúrgico. Las catalanas actuaron o bien solas o bien acompañadas por un coro cuyos integrantes vestían la túnica típica de un coro de iglesia e iban completamente descalzos. Por su parte, las integrantes de Tarta Relena iban hechas un pincel, ataviadas con el mismo vestido de tubo cubierto de brillantes. Colocadas una al extremo de la otra, Helena y Marta ejercitaban los pulmones acompañadas tanto por su ordenador como por una vasija de barro. No hace falta explicar el simbolismo de esta decisión escénica.
Tras el escalofriante academicismo de Tarta Relena tocó sacudir las caderas con el revoltillo de ritmos de club y samples de Bollywood de Manara, que ofreció una sesión alegre y vivaz mientras llegaba la hora de ver a Eartheater. Había tanta cola frente al Cómplex que mucha gente entró por los pelos, otra se quedó sin verla y otra la vio solo al final. Alexandra Drewchin dio de unos de los conciertos más locos del día y probablemente de todo el festival.
La cantante emergió en el escenario completamente a oscuras, vestida con un «estúpido» trapo que la hacía sangrar en sus propias palabras; el diseño de luces fue un absoluto cuadro desde el principio hasta el final, y la artista parecía encontrarse en otra dimensión de la realidad que no era el del Sónar. Su show fue tan errático que pareció completamente improvisado. Reinó una energía punk que logró que el público retirara el culo del asiento y se pusiera de pie para acercarse al escenario y bailar los ritmos de trap electrónico de temas como ‘Supersoaker’. Sin embargo, cuando Alexandra cogía la guitarra y se ponía intimista quitaba el aliento. Los aullidos imposibles de ‘Beyond the Clavicle‘ y los gemidos de ‘How to Fight’, dos canciones que escribió en «este país» (refiriéndose a España) confirmaron que estamos ante una vocalista con tanta estrella como Lana Del Rey que, si quisiera, podría encoger el corazón del mundo entero.
El house-pop de Chico Blanco tenía gracia al principio, pero luego saturaba por su falta de imaginación. Los ritmos, más que hacer bailar, lobotomizaban el cerebro. Nada que no pudiera arreglar un show de Amnesia Scanner, que más que lobotomizarlo, devoraba el cerebro, lo masticaba y lo escupía en mil pedazos. Un show brutal en el sentido literal del término: bases electrónicas abrasivas y apabullantes, gritos desesperados atrapados en muros de distorsión, beats destructores capaces de arrancarte el cuero cabelludo, visuales poco menos que satánicos… Amnesia Scanner ofrecieron uno de los directos más distintivos del festival, y uno de los más memorables.
La jornada del jueves de Sónar en La Fira llegó a su final con los alegres ritmos de kuduro de Pongo y, finalmente, con la eufórica música disco-house-funk de Jayda G, a quien se véia absolutamente encantada de pinchar básicamente en el mejor momento del día, con el público dispuesto a aprovechar al máximo los últimos minutos de jornada. En el recinto de Sónar de Noche, Nathy Peluso ofrecía el concierto inaugural del Sónar. Hoy la veremos de nuevo.
En cuanto a canciones, destacan lo nuevo de Steve Lacy, Flying Lotus, FKA twigs, TSHA, Whitney, Chlöe, Self Esteem, Two Door Cinema Club, Santigold, beabadoobee, Röyksopp tan solo unos meses después de su último disco o Lana del Rey con Father John Misty. Esto último pertenece a una edición especial de ‘Chloë and the Next Century’, el último disco de Father John Misty. Por su parte, Lambchop anuncia nuevo álbum, del que avanza ‘Police Dog Blues’. Eminem y Måneskin han sacado sus canciones para la banda sonora de ‘Elvis’.
En cuanto al talento nacional, hay colaboraciones de Depresión Sonora y Rojuu y nuevo single de Soto Asa, François y Rorro. También de Chico y Chica, Grasias, Lisasinson, Ghouljaboy, Uniforms y Rothrigo, que estrena canción inspirada en los años 50. Las dos Mafaldas sacan single a la vez.
El pop internacional más desenfadado nos deja novedades de Icona Pop adaptando ‘You’re Free’ de Ultra Naté, Ana Mena cantando con Belinda, Camilo con Alejandro Sanz o Blas Cantó recordando que ‘El bueno acaba mal’. Lola Indigo presenta ‘Caramello’ con Rocco Hunt y Elettra Lamborghini y Black Eyed Peas, Shakira y David Guetta presentan ‘DON’T YOU WORRY’, así en mayúsculas. Entre las curiosidades del día, tema para las reediciones y compilaciones de Bowie y Madonna.
Tan sólo un año después de ‘Certified Lover Boy’, el álbum del año pasado de Drake que seguramente ya no recordabas, el canadiense acaba de publicar disco sorpresa. Se trata de ‘Honestly, Nevermind’, un álbum de 14 pistas encabezadas por una intro de 36 segundos y culminadas por una colaboración con 21 Savage llamada ‘Jimmy Cook’s’.
Lo primero que sorprende de ‘Honestly, Nevermind’ es que Apple Music lo ha catalogado como «dance». Y podemos entender por qué, pues tras la «intro», las dos primeras canciones, ‘Falling Back’ y ‘Texts Go Green’ aparecen enlazadas como si de una sesión se tratara. El disco casi al completo se dedica a los beats bailables influidos por el dembow y la IDM pero de manera muy sutil, ofreciendo una de las producciones más elegantes que recordamos a Drake. Incluso cuando ‘Currents’ se construye con muelles de cama, los sonidos no son zafios.
‘A Keeper’ es una de las producciones que mantienen ese pulso tan sofisticado, mientras ‘Massive’ es una de las sorpresas del álbum, pues se trata de un particular piano house. Hacia el final del álbum, aparecen otros elementos como la guitarra rhythm & blues de ‘Overdrive’, los chasquidos de ‘Down Hill’ y la guitarra R&B de ‘Tie that Binds’, pero manteniendo una coherencia que se venía echando de menos en los álbumes de Drake. El álbum mantiene buen ritmo hasta que llega la voz distorsionada de ‘Liability’, lo más parecido a una «balada».
El disco se cierra con el tema con 21 Savage, con cierto tinte jazzy con esos metales, un cambio de ritmo y finalmente las sonoridades de los últimos hits de Drake. En todo caso, en su conjunto, ‘Honestly, Nevermind’ suena como una agradable sorpresa, al menos por el momento, que además agradece su brevedad relativa: el álbum supera los 50 minutos, pero no incluye 21 ni 25 pistas como viene siendo habitual con Drake.
1.-Intro
2.-Falling Back
3.-Texts Go Green
4.-Currents
5.-A Keeper
6.-Calling My Name
7.-Sticky
8.-Massive
9.-Flight’s Booked
10.-Overdrive
11.-Down Hill
12.-Tie that Binds
13.-Liability
14.-Jimmy Cook’s (ft 21 Savage)
‘Let’s Say for Instance‘ es el primer disco de Emeli Sandé como artista independiente, desde que dejara Virgin en 2020, poco después de ‘Real Life’, su anterior trabajo. Sandé ha aprovechado para explorar muchos caminos y estilos que no estaban tan presentes en sus anteriores discos, dando como resultado uno de sus álbumes más vivos. Hablamos con ella sobre el proceso de creación de ‘Let’s Say for Instance’, sobre los pros y contras de estar en una multi vs ser una artista independiente, sobre el autotune, sobre la importancia para ella del amor y de la libertad para amar más allá de orientaciones, sobre cómo pensó que éste iba a ser su último álbum, sobre Eurovisión… o incluso sobre sacar una versión en español de uno de los temas de este disco
¿Qué ha significado para ti lanzar este disco?
Es un gran paso para mí, me siento ahora mucho más liberada y empoderada. Es como que se ha abierto un capítulo nuevo, un nuevo comienzo en el que puedo expresarme de muchas maneras. Si la gente me quiere seguir en este nuevo viaje, si quieren conocerme a mí y a todos los aspectos de mi vida, estaré encantada.
Es tu primer disco como artista independiente. Por un lado más libertad creativa, pero no sé si también te asusta perder la maquinaria de una multi, sobre todo de cara al público más general que te conoció por el tema con Guetta (NdR: ‘What I Did for Love’).
Ese miedo está, ¿pero sabes qué? He llegado a un punto de mi carrera, y de mi vida en general, en el que tengo que aceptar ese riesgo. Necesito ser 100% yo misma, necesito decir “esto es lo que soy, así soy yo”. Y tienes razón, a ver, la infraestructura de una gran discográfica la pierdes, posiblemente pierdes también posiciones altas en los charts… pero todo eso tengo que aceptarlo y plantear mi carrera sabiéndolo. En cuanto dejé Virgin, a principios de 2020, supe que iba a perder todos los privilegios que tenía con una major, pero oye, también iba a poder adquirir unos privilegios creativos que hasta ese momento no había tenido.
“No hay nada más importante que el amor”, cantas en ‘There Isn’t Much’. ¿Es esa canción la pieza central del álbum?
Puede ser, sí. Es que usamos tanto la palabra “amor” que se ha convertido en un cliché. Para mí, cuando digo “amor” hablo de esa fuerza, esa energía que te lleva a hacer cosas extraordinarias. Es algo muy poderoso.
Hay autotune en ‘Family’, pero no es una constante en el disco. ¿Por qué?
Durante el confinamiento pasé por una fase en la que quería manipular mi voz, quería experimentar con cosas nuevas, quería pensar en mi voz como un instrumento más que modificar en el ordenador. Sé que hay gente que se ha quejado de él, que dice que le quita peso a la canción, pero yo no lo veo así, yo veo que añade una textura que nunca había visto en una canción mía. Además, tenía claro que quería publicarla para recalcar el hecho de que es una época nueva para mí, y que cualquier regla o cualquier categoría que yo haya hecho para mi música anteriormente, ahora quiero romperla. Quería que eso fuese una declaración de intenciones de cómo yo estaba en un momento nuevo, pero no que todo el disco fuese así.
Cuando dejé Virgin, supe que iba a perder todos los privilegios que tenía con una major, pero también que iba a poder adquirir otros creativos que no había tenido
Tras ‘September 8th’ tenemos una sorpresa con ‘Look in Your Eyes’, una canción post-disco que nos puede recordar a Melba Moore y Cheryl Lynn. ¿Cómo fue el proceso con esa canción?
Muy divertido, me encantó trabajar con el productor de esa canción, Booker T. Hicimos casi una fiesta en el estudio, con comida, ron… (ríe). Y creo que pudimos capturar las sensaciones de esa fiesta en el estudio y ponerla en la canción. Para mí fue también cruzar un límite, o quitarme de las restricciones que yo me había impuesto… es algo que he querido hacer en todo el disco. Pensar “éste puede ser mi último disco, ¿por qué no probar esto? ¿Por qué no hacer lo que quiera? ¿Por qué reprimirme? ¿Por qué?”. Si no tenía nada que perder, quería probarlo todo.
¿Por qué pensabas que podía ser tu último disco?
Porque es mi primer disco independiente, además lo estaba haciendo auto-producido, estábamos en pleno confinamiento, no sabía si podría volver a hacer conciertos, si había luz al final del túnel… no sé, quise invertir ahí todo el dinero, porque decía “¿y si no puedo hacer otro?”. Era todo o nada para mí.
En la redacción nos han gustado mucho las armonías de ‘Wait for Me’, ¿qué nos puedes decir de esta canción?
Es una canción muy especial, fue la primera que mezclamos para el disco, así que se puede decir que fue la que puso en marcha todo el proyecto. La escribí con Chris, RACHET y Jake, que me enseñaron el beat, tenían una guitarra muy bonita, y me gustó mucho. Diría que ‘Wait for Me’ va sobre cómo la conexión entre dos personas no tiene por qué acabarse con un límite físico: ya sea porque alguien va a la guerra, o incluso a la muerte. La lealtad y la confianza de que esa persona te va a estar esperando sigue estando. Es un tema muy emotivo pero me gusta que también te de ganas de bailar… de hecho, me gustaría grabar una versión en español de esa canción, porque tiene ese toque español, ¿sabes? Nunca he hecho algo así, pero me gustaría, ojalá podamos sacarlo, y a la gente le guste.
‘Look what You’ve Done’ y la segunda parte de ‘Yes You Can’ tienen un ritmo breakbeat que recuerda a tu primera época. ¿Por qué dirías que ese estilo funciona tanto en Reino Unido?
El Reino Unido es un lugar un tanto único en cuanto a la mezcla de personas, sobre todo Londres o Bristol. Hay una escena rave muy interesante, me encanta el jungle, me encanta el drum&bass… y no sé, quizás puede ser porque encapsula los sonidos de todas estas personas y culturas distintas. También es un sonido que captura mucho la energía de Londres, es como muy ambicioso, muy “vamos, vamos, vamos”.
Pensamos que ‘My Pleasure’ es algo que Brandi o Aaliyah podrían haber hecho. ¿Te gusta especialmente el r&b de los 90?
¡Muchas gracias por eso! Me encanta, claro, yo crecí escuchando a TLC, Destiny’s Child, Brandi, Aaliyah… cuando tenía 16-17 me flipaba, y me ha gustado explorarlo.
¿Qué tal llevas la gira de presentación del álbum?
De momento está yendo genial la gira, la verdad. Estoy muy contenta, y sobre todo muy agradecida a todos los fans que siguen queriendo venir a hacer este viaje conmigo, en esta nueva etapa. Me siento mucho más libre así.
¿Viste Eurovisión? ¿Te gustaría presentarte?
Sí, sí que lo vi (ríe) estaba con mi pareja y lo vimos juntas, nos divertimos mucho. Me gusta ver canciones tan distintas, estilos tan distintos de países tan distintos. Y me gustó que no quedásemos los últimos otra vez. Pero no, no iría, prefiero verlo (ríe)
Me gustaría no tener que usar etiquetas, pero entiendo que también la sociedad sigue necesitando etiquetarlo todo y tener fronteras
Hemos hablado de la libertad creativa que has tenido con este disco, y no sé si también ha aumentado tu sensación de libertad en lo personal, al haber dicho abiertamente que estás saliendo con una mujer (NdR: Emeli lo comunicó este año). Además, puede contribuir también a la representación de niñas que estén creciendo y se vean reflejadas en ti.
He querido compartirlo porque, aunque parte de todo este proceso en los últimos años de romper con etiquetas o limitaciones incluiría esto, luego pienso en esas niñas que dices, y en lo difícil que es crecer sin referentes, sobre todo pensando en una niña negra. Te ponen una etiqueta si eres negra, te ponen una etiqueta si eres mujer, y ahora esto pues es otra categoría más en la que te ponen. Es importante la visibilidad, y no sentir vergüenza ni culpabilidad por amar a una persona o a otra. No es tanto “ésta es quién yo soy”, sino “ésta es mi vida en este momento, estoy enamorada, y sí, estoy enamorada de una mujer, ésta es una parte maravillosa más de mi vida, y no tengo que ocultarlo”. Me gustaría no tener que usar etiquetas, pero entiendo que también la sociedad sigue necesitando etiquetarlo todo y tener fronteras y esa rigidez… yo desde luego estoy contenta con mi vida, y si además puedo ser altavoz o representar a algunas personas y poder ayudarlas, estaré encantada de hacerlo.
Beyoncé había recurrido hace unos días a la vieja técnica de borrar todo cuanto hay en sus redes sociales para advertirnos de que su regreso era inminente. Esta vez, en cambio, no será un disco sorpresa, pues acaba de fecharlo.
Como puede verse en su perfil de Instagram, su nuevo proyecto ‘RENAISSANCE’ saldrá al mercado el 29 de julio. Al menos el «acto 1», de lo que se deduce que al menos hay un «acto 2». En el foro de Popjustice recuerdan que se rumoreaba que Beyoncé volvería con dos discos, del que este sería el primero, incluyendo 16 pistas, como puede verse en algunas plataformas.
También Tidal confirma que ‘RENAISSANCE’ de Beyoncé llegará el día señalado y en la web de Beyoncé puede reservarse el álbum o encargarse una caja especial por 39 dólares que incluye un CD, un libreto de 28 páginas y una camiseta.
Según informa en exclusiva Variety, el disco alternará géneros como el dance y el country. Citan a un insider que les ha indicado que entre los autores del álbum están Ryan Tedder (el de ‘Halo’ y OneRepublico) y Raphael Saadiq (Mary J Blige, D’Angelo).
Se tratará del primer trabajo de estudio de Beyoncé en 6 años, desde ‘Lemonade‘, si bien en este tiempo ha estado ocupada con varios proyectos, como comisariando la música de ‘El Rey León’, lanzando temas sueltos como ‘Black Parade’ o colaborando con gente tan pintoresca como Ed Sheeran en el hit ‘Perfect’ o J Balvin en una versión en Spanglish de ‘Mi gente’. Este ha de ser su gran «comeback», su gran «renacimiento», tras una serie de proyectos erráticos y la pregunta que se hace todo el mundo es si también será un proyecto audiovisual o tal cosa pasó de moda ya.
Netflix ha lanzado, por fin, el teaser tráiler de ‘Blonde’, el esperado biopic sobre Marilyn Monroe que sigue produciendo titulares a varios meses de estrenarse por la polémica que rodea a algunas escenas de la película, de las que se dice que contendrán partes de violencia sexual explícita. Descubriremos hasta dónde ha decidido llegar Dominik con la figura de Monroe el próximo 23 de septiembre, con el estreno mundial de ‘Blonde’ en Netflix.
Al menos, de momento, el director, Andrew Dominik, ha prometido que la película «ofenderá a todo el mundo» y se ha confirmado que mantendrá la calificación por edades NC-17, un escalón más respecto a la conocida calificación R. La diferencia entre las dos etiquetas es que en la calificación R los menores requieren ser acompañados por un adulto, mientras que en NC-17 se prohíbe el visionado a cualquiera que no sea mayor de 17 años, ya esté acompañado por un adulto o no.
Ana de Armas es la encargada de la titánica tarea de meterse en la piel de una de las figuras más emblemáticas del siglo XX, como es Marilyn Monroe. La película está basada en la novela homónima de Joyce Carol Oates, y el resto del reparto lo completan Adrien Brody, Julianne Nicholson, Bobby Cannavale y Sara Paxton, entre otros. ‘Blonde’ se proyectará por primera vez en el Festival Internacional de Cine de Venecia, que se celebrará entre el 31 de agosto y el 10 de septiembre.
El dúo de Chicago formado por Julien Ehlrich y Max Kakacek, Whitney, han anunciado su tercer LP, titulado ‘SPARK’, el cual estará disponible a partir del 16 de septiembre. Como suele ocurrir en estas ocasiones, el grupo ha aprovechado para anunciar también un nuevo single y vídeo junto con la fecha del álbum. La canción se llama ‘REAL LOVE’ y el videoclip, tan colorido y cute como es, es un reflejo genial del sonido del tema.
‘SPARK’ será la tercera entrega del grupo de indie folk, si se les puede considerar así, tras ‘Forever Turned Around’, de 2019. Esto, por supuesto, sin contar el álbum de versiones de 2020, ‘Candid’, y el recopilatorio de demos de su primer y exitoso álbum, ‘Light Upon The Lake’.
Este disco forma parte de la larga lista de proyectos afectados por la pandemia y el confinamiento, ya que, según cuentan Julian y Max, la situación les permitió ver cómo maduraban sus ideas y cómo crecía el disco poco a poco, sin la presión del éxito en sus mentes, lo cual les recordó al proceso que vivieron al crear su primer lanzamiento. Max lo resume en una frase: «Nuestra manera favorita de hacer discos, la manera en la que hicimos el primero».
Tracklist:
1. Nothing Remains
2. Back Then
3. Blue
4. Twirl
5. Real Love
6. Memory
7. Self
8. Never Crossed My Mind
9. Terminal
10. Heart Will Beat
11. Lost Control
12. County Lines
El álbum debut de una de las artistas de dance y house más interesantes del momento, TSHA, llegará a nuestros oídos el 7 de octubre bajo el nombre de ‘Capricorn Sun’. En el disco aparecerán Oumou Sangaré, Clementine Douglas y Mafro, pareja de la artista.
Podemos esperar un LP con tonos muy personales, y canciones que reflejan una serie de problemas tanto familiares como emocionales. Por ejemplo, uno de los tracks ya lanzados y que ha sido incluido en el álbum es ‘Sister’, un tema nacido a partir de que TSHA descubriese que tiene una hermanastra mayor que ella.
El single más reciente, ‘Giving Up’, también fue concebido, junto a su compañero Mafro, en un momento de dificultad emocional tan extremo como la pandemia, tal y como cuenta la artista londinense en su cuenta de Instagram.
Además del estrés derivado de la situación sanitaria, la artista y su pareja escribieron ‘Giving Up’ durante un periodo de tensión entre ellos en el que seguro que, al menos, se les pasó por la cabeza darse por vencidos, siguiendo el título del tema. TSHA explica lo que significa ‘Giving Up’ para ella: «Siento que esa canción es una manifestación de nuestras frustraciones en ese momento». El tema, a medio camino entre el Drum & Bass y Jamie XX, solo mejora con cada escucha, apreciándose cada vez más los pequeños detalles que TSHA suelta sobre el beat, y convirtiendo ‘Giving Up’ en nuestra canción del día.
Otras canciones que han logrado entrar en el tracklist del disco son ‘Power’ y ‘OnlyL’, y lo que nosotros no podemos entender es cómo ‘Change’ no está entre las elegidas, siendo una de las mejores piezas de TSHA. Ahora que estamos prácticamente en verano, este tema es de escucha obligatoria.
TSHA forma parte del line up del Paraíso Festival, el evento de electrónica que se celebra en la Universidad Complutense de Madrid los días 24 y 25 de junio. A este festival también asistirán otros artistas del género como Sofia Kourtesis, Moodymann o Shygirl. TSHA actuará el sábado 25 de junio.
Tracklist:
1. Galdem (Intro)
2. The Light
3. OnlyL feat. NIMMO
4. Water feat. Oumou Sangaré
5. Dancing In The Shadows feat. Clementine Douglas
6. Giving Up feat. Mafro
7. Anxious Mind feat. Clementine Douglas
8. Time
9. Power
10. Running
11. Sister
12. Nala (Outro)
Mientras el mundo se calzaba los mallots y los brilli-brillis en homenaje a la música disco, Andy Butler se enfrascaba en el disco menos Hercules & Love Affair de su carrera. Hubiera sido el momento de reivindicarse, bien en su registro más clásico, o bien modernizándolo. Sin embargo, ha decidido caminar en una dirección tan opuesta que hasta ha dudado si firmar este álbum como Hercules & Love Affair. Es tan personal en su exploración de temas como la familia, la infancia, la religión y la muerte que firmarlo como Andrew Butler habría sido una opción. Fue ANOHNI quien le animó a mantener su conocido alias. Y no porque sepa por experiencia propia que un cambio de nombre puede significar tu entierro en sentido figurado. Simplemente le espetó: «¿pero por qué no va a ser un disco de Hercules & Love Affair?».
Hercules & Love Affair han sido conocidos por su vinculación a la cultura LGTB+: han dado una visibilidad enorme a artistas trans cuando mucha gente pensaba no conocer ninguno, y también a causas como el VIH, cuando la gente desconocía lo que significa ser indetectable. ‘In Amber’ es también un disco LGTB+, sólo que en lugar de hablar de escapismo, se recrea en el lado más oscuro tras ese relato. Pueblan las letras sentimientos como la culpa (‘Repent’) o el rechazo familiar (‘Gates of Separation’, ‘Kill His Family’) e imágenes como el día del juicio final (‘The Eyes of the Father’). Las canciones se llaman cosas como “Oración Cristiana” y “¿Quién nos salvará ahora?”.
Ahora los referentes de Andy Butler son otros. Habla de su admiración por Brian Eno desde siempre, y dice haberse inspirado «no solo en Throbbing Gristle o Cabaret Voltaire» sino en bandas de punk y metal lideradas por mujeres como Sacrilege, Fear of God y también Killing Joke». Entre sus influencias está Dead Can Dance, algo muy palpable en este álbum de arreglos orquestales, exóticos y siniestros.
En el desarrollo de ‘In Amber’ ha tenido mucho que ver ANOHNI, que presta su voz al sentir de Butler en la mitad de los temas de este disco, y a su vez ha animado al mismo Andy a cantar. Conocida la deriva esquiva del proyecto de Hegarty, tiene todo el sentido que si ambos se reunieran no fuera precisamente para una recreación de su histórico llenapistas ‘Blind’, aún la mejor canción de 2008, por mucho que nos pese. El resultado es que, por un lado, temas como ‘Contempt for You’ o ‘Christian Prayer’ se crecen gracias a la afectada voz de ANOHNI, que les da un tono desesperado, suplicante. Y por otro, conocemos ahora a Andy Butler en un registro que le vincula a The National (‘Grace‘), Brett Anderson (‘Repent’) o David Bowie (‘Gates of Separation’).
La islandesa Elin Ey aporta un plus de variedad en ‘Dissociation’, una delicadeza con cuerdas que habría podido entonar la mejor Lou Rhodes. Como también aporta dinamismo la distribución de hits potenciales que de hecho casi, casi se pueden bailar a lo largo del álbum: ‘One’ aparece en segundo lugar y ‘Poisonous Storytelling’ en el penúltimo, resultando excitante en su valiente producción de percusiones y efectos. En ella, ANOHNI nos advierte del cuidado que hemos de tener con las nuevas narrativas en un momento político tan delicado. Y convence.
Las rocas en esta travesía serían canciones como ‘You’ve Won This War’, ‘Who Will Save Us Now?’ o ‘The Eyes of the Father’, el tipo de piezas que aportan más al concepto del álbum que a la historia de la música popular. No todo son temazos en un disco en general hermoso y con su detalle y significado, pero al menos ahora sabemos qué quería decir Andy Butler cuando le pidió a Madonna que hiciera música acorde a su edad. Ha llegado a su propio ‘Ray of Light’ exactamente a la misma edad que ella, los 39. No las tenía todas conmigo de que fuera a ser consecuente con su reclamo. Bienvenida, madurez. Adiós para siempre, hedonismo. A ver cuán fuerte le abraza el público fuera de las pistas.
Como es tradicional, o como lo era antes de la pandemia, mientras se celebra el Sónar, la Sala Razzmatazz desplegará una espectacular programación sobre todo de electrónica desde esta noche de jueves 16 de junio hasta el próximo sábado. Se incluirán grandes valores del techno, la música urbana y latina.
La fiesta comenzará esta noche cuando la agencia berlinesa Triangle tome la Sala 1 con una selección de lujo de su rooster, que incluirá a Rødhåd, Ellen Allien y Nene H B2B Christoph Faust. En la Sala 2, Objekt será el encargado de la selección de artistas, con la presencia de Juliana Huxtable, rRoxymore, Tutu y el propio Objekt.
Mañana viernes 17 de junio Ivorian Doll, la sensación UK drill del momento, realizará un live para encabezar un cartel en el que también estarán Drizzyclare, Drea y Toccororo. Mientras, la sala 2 se dedicará a la música latina, con reggaetón, dembow, cumbia, guaracha, bachata y demás, de mano de Fake Guido, Color, Yibril y el directo de la artista dominicana Lennis Rodríguez.
El hyperpop y el nightcore estarán presentes en la noche del viernes en la Sala 4, donde habrá 4 directos y 2 sesiones de Angel3000, Conelli, Gewrl, Klaus, Mixie y Turian Boy.
En cuanto al sábado 18 de junio, será la noche de Ben Sims y su sello discográfico, en la sala grande del club. El propio Sims estará haciendo un B2B con la española con base en Berlín Alienata. También se podrá ver el directo de Kink y los dj set de Steffi y Anita Kunst. En otras salas se podrá ver a Paula Temple, Anetha o Matrixxman.
Durante los meses de julio y agosto se celebrará un ciclo de conciertos gratuito en la Costa Brava. En concreto será en el emblemático resort Pola Giverola, de 4 estrellas. Para clientes del hotel y para quien quiera asistir, Pola Giverola será escenario de un total de 8 conciertos íntimos y exclusivos. Y gratis.
En nota de prensa defienden que «por su inmejorable ubicación, enclavado entre dos impresionantes calas de la Costa Brava, cada concierto supondrá una experiencia única gracias a la música, la brisa del mar y el ambiente».
El cartel incluye a Gabriela Richardson, quien ha trabajado con Alizzz en ‘Crime’ y con Yall en el multimillonario ‘Hundred Miles’, y quien acaba de pasar por Primavera Sound; también a Miqui Puig con su banda ACP, justo después de publicar un álbum que ya es inminente, incluyendo colaboraciones con Iranzu Valencia y Queralt Lahoz; y a The Free Fall Band.
El cartel se completa con Twin, Maria Jaume, Clara Gispert, Intana y Vic Mirallas. Tanto cliente alojado como externo podrá disfrutar de este ciclo de conciertos gratuito y al aire libre. Los días de concierto el parking de la cala, habitualmente de pago, será gratuito para los asistentes a los conciertos (hasta completar aforo). Así queda el calendario:
Jueves 07/07 Twin
Sábado 16/07 The Free Fall Band
Jueves 21/07 Maria Jaume
Sábado 30/07 Miqui Puig & ACP
Jueves 04/08 Gabriela Richardson
Sábado 13/08 Clara Gispert
Jueves 18/08 Intana
Sábado 27/08 Vic Mirallas
George Miller, alias Joji, ha recorrido un largo camino desde sus días en YouTube como Filthy Frank y Pink Guy. Tanto, que a veces parece imposible que sea la misma persona. Su primer álbum fue ‘BALLADS 1’, en 2018, seguido de ‘Nectar’ en 2020, su álbum más reciente. Puede que Joji esté preparando una tercera entrega en su discografía, aunque todavía es pronto para decir. Lo que sí es seguro es que Joji ha lanzado una de las mejores canciones de la semana y nuestra Canción del Día, ‘Glimpse of Us’, que además está arrasando entre el público.
‘Glimpse of Us’ es una balada de piano clásica con los toques de R&B que Joji acostumbra a implementar en su música. Toda la canción es melodía y letra, y no le hace falta nada más. Hacer canciones de este estilo, solo piano y voz, y esperar triunfar, es arriesgado en los tiempos que corren. Si una balada así no emociona, el público la va a encontrar aburrida. Es lo más fácil de pensar tras escuchar una canción lenta a piano, seamos realistas.
Provocar escalofríos y emocionar no es sencillo, pero cuando una canción lo consigue es una de las mejores sensaciones que puedes experimentar al escuchar música. Conexión total. No hay una fórmula definida para que esto ocurra, pero sería una mezcla de melodía, letra y algo más, que no sabría describir. Ese «algo más», lo tiene ‘Glimpse of Us’.
La letra desempeña bien su papel y busca los escalofríos, con unos versos en los que el protagonista no puede evitar pensar en su relación pasada, aun cuando cree que su pareja actual es «perfecta» («She’d turn the rain to a rainbow / When I was living in the blue / Why then, if she’s so perfect / Do I still wish that it was you?»), lo cual le lleva a ver imágenes de su antigua relación al mirar a los ojos de la chica con la que está ahora («Cause sometimes I look in her eyes / And that’s where I find a glimpse of us»).
Y para confirmar que esta canción tiene algo especial, solo hay que ver lo que ha conseguido tan solo a unos días de su lanzamiento. Recordemos, es una balada de piano. Sin más. ‘Glimpse of Us’ ha conseguido posicionarse, por primera vez en la carrera de Joji, en el Número 1 del Top 50 de Estados Unidos y en el Número 1 del Top 50 Global en Spotify. Habrá que esperar para ver en qué puesto debuta en Billboard, pero de momento pinta bastante bien. Joji ha acompañado el lanzamiento de la canción con un videoclip igual de devastador que la música, pero no tan directo.
La oferta incluye numerosos festivales que celebrarán la música pop, el regreso del house o la EDM, comenzando esta misma semana. Malta DLT es el primer evento que se celebra este mismo finde en la isla, concretamente entre los días 16 y 20 de mayo, encabezado por artistas tan queridos por aquí como Kaytranada y tan populares como WizKid. DLT es el acrónimo de “Days Like These” y se trata de un evento al que solo podrán asistir 3.000 personas de manera exclusiva. Habrá fiestas en lugares como Bora Bora Ibiza-Malta, Cafe del Mar Malta, Gianpula Village y Uno Malta, tanto con actuaciones como sesiones de DJ’s.
El siguiente, y al que nuestra redacción ya tuvo la suerte de asistir en el pasado, fue Isle of MTV. Se celebrará el 19 de julio, será su 14º edición ya, y en esta ocasión contará como cabezas de cartel con French Montana y DJ Marshmello. Es uno de los conciertos más masivos de Malta, se espera que se agoten las entradas, por lo que se recomienda la compra de abonos cuanto antes.
Entre los días 10 y 17 de agosto, Summer Daze Malta reúne a artistas populares de la escena pop, house y EDM, siendo la primera vez que se celebra desde 2019. Para conocer su cartel, permaneced atentos a su Instagram.
Al mismo tiempo, entre los días 13 y 16 de agosto, llegará la 5ª Edición de Glitch Festival, que promete volver “más grande, más fuerte y mejor” tras un par de años de parón. Incluye fiestas en lugares tan dispares como áticos, barcos y cuevas, aunque las actividades principales se concentran los días 14 y 15, con un evento final en barco el día 16. El cartel incluye a Honey Dijon (en la imagen principal), Ellen Allien, Nina Kraviz y un larguísimo plantel de decenas de dj’s.
Elrow Malta, que se define como “la fiesta más loca del mundo”, es una “explosión de luz, color y sonido” y se celebrará en Malta el 14 de septiembre, tras su paso por otros lugares del mundo. El mismo mes, pero entre los días 15 y 19, se podrá ver a Adam Beyer, Chris Liebing, DJ Rush, Joris Voorn, Maceo Plex y Monika Kruse en Drumcode Festival. Su eslogan es “resetear tu realidad” y además promete ofrecer su mayor producción y cartel hasta la fecha.
El departamento de Turismo de Malta recuerda que las mascarillas ya no son obligatorias para volar al país, que siempre estuvo a la cabeza en vacunación, ni tampoco en ninguno de los eventos musicales de este verano. Desde el 9 de mayo, se puede visitar Malta sin cuarentenas, simplemente con el certificado de vacunación o test negativo de covid-19.
Aitana continúa con su carrera al margen de ‘Mon amour (remix)‘ con zzoilo, ese hit que aún a día de hoy se resiste a morir en medio de la avalancha de singles que salen cada viernes (en este momento ocupa el puesto 41 de las canciones más escuchadas de Spotify España).
Después que ‘En el coche‘, ese single raro de Aitana que es en solitario, la catalana ha protagonizado una nueva colaboración. ‘mariposas’ es su nuevo single, y es compartido con el cantante italiano sangiovanni, conocido precisamente por la versión original de este tema, ‘farfalle’, que ha sido un éxito en Italia. Aitana aparece para añadir versos en español.
sangiovanni es uno de los talentos jóvenes al alza en Italia. El joven de Vicenza se dio a conocer tras su paso por el talent show Amici di Maria De Filipp (donde quedó segundo) y, este año, ha participado en el festival de Sanremo, donde ha competido con Mahmood y Blanco y con Ana Mena. En 2021 publicó su primer EP homónimo, que incluye sus más importantes éxitos, ‘malibu’ y ‘lady’, dos temas que suman juntos más de 200 millones de reproducciones en Spotify. Este 2022 ha salido a la luz ‘CADERE VOLARE’, su primer álbum.
‘farfalle’ ya era una producción cuestionable en su versión original por culpa de su manida melodía y de su aún más manido sonido de house-pop y eurodance noventero, que parece buscar colarse en alguna carroza del Orgullo precisamente en el mes de ídem. El público se la ha merendado con patatas y hoy suma cerca de 40 millones de reproducciones en Spotify, a las que hay sumar las 4 logradas por su adaptación al español. En el top 50 de Spotify España, ‘mariposas’ ocupa el puesto 12. Sin embargo, el ejercicio melódico que practica ‘mariposas’ es ligero… de no matarse mucho. Más que «mariposas» provoca tedio.
A favor de ‘mariposas’ hay que decir dos cosas. En primer lugar, su producción musical sí logra ser un poquito más elegante de lo esperado. En segundo, el videoclip ha quedado de lo más colorido y mono, tanto que da ganas de seguir viendo a Aitana en este contexto más clásico e italiano.
Santigold ha anunciado que su cuarto álbum de estudio, ‘Spirituals’, verá la luz del día el 9 de septiembre. Como complemento a la noticia, Santigold ha lanzado un nuevo single, y videoclip, llamado ‘Ain’t Ready’, coproducido por el mítico productor de las primeras mixtapes de The Weeknd, Illangelo. El primer single de ‘Spirituals’ fue lanzado el pasado mayo bajo el nombre de ‘High Priestess’.
La artista describe su nuevo single como «una de esas canciones en las que nada más abrir la boca toda la melodía fluyó» y cuenta lo complicado que fue encontrar la letra correcta para acompañar la música: «Me costó encontrar la letra apropiada al principio, pero cuando lo conseguí, y empecé a cantarla una noche que estaba sola en el estudio, lloré».
Para ‘Spirituals’, grabado principalmente durante la pandemia, Santigold no ha querido limitarse a la música y los vídeos, y ha decidido expandir sus medios artísticos a nuevos horizontes, entre los que se incluyen una nueva línea de cosméticos naturales y una marca de té, ambos proyectos con el mismo nombre de marca, ‘Spirituals’. La artista estrenará un podcast en el que conversará con otros artistas, y también está preparando una serie de productos literarios y cinemáticos: «Quiero seguir expandiéndome hacia todas las formas de arte y tengo muchas ganas de dejar que mi música me lleve a nuevos lugares».
‘Spirituals’ será el cuarto LP oficial de la artista estadounidense en seis años, tras ’99 Cents’ en 2016. En 2018, Santigold lanzó una mixtape de media hora para saciar las ganas de música de sus fans, ‘I Don’t Want: The Goldfire Sessions», centrada alrededor del dancehall.
Tracklist:
1. My Horror
2. Nothing
3. High Priestess
4. Ushers Of The New World
5. Witness
6. Shake
7. The Lasty
8. No Paradise
9. Ain’t Ready
10. Fall First
Renovamos nuestra playlist «Sesión de Control», dedicada al pop nacional o en castellano, comenzando con ‘El nido’, el himno de sororidad de la gaditana Musgö, cuyo vídeo estrenamos hoy. También son novedades recientes ‘La actriz más mala que hay’, otro adelanto sui generis del próximo disco de Chico y Chica, que continúa programado para este año 2022; y ‘La isla de Lesbos’, single del también próximo álbum de Javiera Mena.
Entre los temas colaborativos de la semana que no vimos venir está el reggaetoncito de la imparable mariagrep con Ant Cosmos, dos de nuestros artistas revelación favoritos de los últimos tiempos; o esa canción en que Anne Lukin se ha sumado a The Crab Apples, recordando a los rompepistas indie-rock de los primeros 2000. Por su parte, el disco de Yarea recién editado no le impide seguir publicando temas y ha estrenado ‘Algo azul’ junto a KICKBOMBO.
Teleclub sacan hoy en Elefant ‘Mi crush del autobús’, un tema de punk pop con teclados, aunque no tantos como el tema synth-pop de Dame Area, el dúo situado en Barcelona de Silvia Konstance y Viktor L. Crux, quien ha colaborado en proyectos internacionales. Minimal Shchlager estrenan la balada oscura ‘Forbidden Fruit’ e igualmente ochentera es ‘No lo sé’ de la mallorquina Sofia.
El rock lo encontramos en la banda almeriense de shoegaze palmeras negras, en su faceta más comercial Karavana, y en su faceta más indie pop, Flores de Uranio. La parte más electrónica nos la dan BUNE, TRISTÁN! y la colabo de Kora para TAURO. Completamos la playlist con el ‘Colocao’ de Ankli y el ‘Amor invisible’ de Los Fresones Rebeldes.
Solo han pasado catorce meses desde que Dry Cleaning lanzaron su álbum debut, ‘New Long Leg’, y los fans de la banda londinense ya pueden disfrutar de un adelanto de su próximo proyecto, además de tener una fecha de lanzamiento para la que esperar.
El segundo LP de Dry Cleaning, titulado ‘Stumpwork’, llegará el 21 de octubre con once nuevas canciones. ‘Don’t Press Me’ es el primer single del disco y, aunque dura menos de dos minutos, los amantes del material que Dry Cleaning ha lanzado hasta ahora seguramente estén contentos. La vocalista Florence Shaw explicó que la letra del estribillo se le ocurrió porque estaba intentando «escribir una canción para cantársela a mi cerebro». También está disponible un videoclip animado de la canción, dirigido por Peter Millard.
En ‘Stumpwork’ la banda promete continuar con las letras surrealistas por las que se caracterizan, añadiendo una capa de sensibilidad extra a la hora de hablar de temas como la familia, el dinero, la política, o la sensualidad. Esperemos que puedan soportar la presión de su álbum debut a sus espaldas, el cual fue un verdadero éxito, tanto en ventas como en recepción por la crítica, llegando al número 4 en la lista de éxitos de Reino Unido.
Tracklist de ‘Stumpwork’:
1. Anna Calls From The Arctic
2. Kwenchy Kups
3. Gary Ashby
4. Driver’s Story
5. Hot Penny Day
6. Stumpwork
7. No Decent Shoes For Rain
8. Don’t Press Me
9. Conservative Hell
10. Liberty Log
11. Icebergs
«Un disco es algo muy serio con su principio y su fin» es uno de los titulares que dejaba Natalia Lacunza en la primera entrevista que concedió a este medio allá por 2019, tras el lanzamiento de su primer EP ‘Otras alas‘. La navarra explicaba que le quedaba «rodar» mucho para poder componer un álbum con pies y cabeza, y que no entraba en sus planes crear uno en ese momento.
En los años próximos a su salida de Operación Triunfo, programa en el que quedó tercera finalista, Lacunza sacó dos epés y realizó diversas colaboraciones. Pero, sobre todo, quedaron muy claros sus objetivos como compositora. Desde el principio ha sido obvio su interés por componer obras cerradas, efectivamente con su principio y su fin, y ha tenido el buen gusto de colaborar con Guitarricadelafuente, Videoclub, Sen Senra, Anxo de Novedades Carminha, Cariño o Bronquio. ‘ep2‘ -el primer número 1 de ventas de la cuarentena- presentaba un sonido de pop atmosférico cuqui que remitía a gente como FKA twigs o James Blake, y volvía a ser un trabajo pensado y mimado.
Por si no quedaba claro que a Lacunza no le interesa lo más mínimo precipitar sus proyectos, su esperado debut oficial ha salido esta semana, en 2022, cuatro años después de la finalización del concurso. ‘Tiene que ser para mí’ es ese disco «serio», bien hecho, al que Lacunza aspiraba. Un disco que no contradice en absoluto el discurso que ha enarbolado desde los inicios: ‘Tiene que ser para mí’ cuenta con un único productor, Pau Riutort, conocido por su trabajo en Extraperlo o Beach Beach. A su vez, las composiciones de Lacunza suben varios peldaños de madurez.
La primera muestra de la transformación de Lacunza la daba ‘Nuestro nombre‘, un oscuro tema de synth-pop evidentemente inspirado en ‘Blinding Lights’, pero que nos descubría a una digna compositora de melodías calmas y depuradas, resultando un single estupendo que no vimos venir.
‘Nuestro nombre’ no forma parte de ‘Tiene que ser para mí’ pero su estilo melódico está muy presente en el álbum, por ejemplo, en el excelente indie-pop de ‘Todo lamento‘, con ese «olvida haberme conocido» que da ganas de tatuarse en la frente; o en el ufano single ‘Cuestión de suerte‘, el más synth-pop del disco, en un estilo que remite improbablemente a los WHAM! de ‘Last Christmas’ aunque no haya sido intencionado.
La sorpresa que da ‘Tiene que ser para mí’ es lo lejos que está su sonido de la contemporaneidad de los epés previos de Lacunza. Más bien, la mezcla de elementos acústicos y electrónicos de ‘Tiene que ser para mí’, así como el componente sereno y purificado de sus melodías, remite al trabajo de artistas de pop comerciales-pero-alternativos como Julieta Venegas, Jorge Drexler o Kacey Musgraves, a quien recuerda el emotivo soft-pop de ‘Mi sitio’. Y si ‘Todo lamento’ opta por un estilo de indie-pop británico, el siguiente single ‘Muchas cosas‘ acierta con su uso de guitarras tipo los Strokes. Eso sí, la producción de Pau Riutort nos lleva a nuestro tiempo, por ejemplo, en el hip-pop florido del tema titular o en el electropop con guitarras bedroom-pop de ‘No me querías tanto’, lleno de detalles.
‘No me querías tanto’ es probablemente la canción de ‘Tiene que ser para mí’ que más dará que hablar por su retrato de una relación tóxica que Lacunza ha superado o empezado a superar. Estos días se han viralizado unas declaraciones de la navarra en las que esta habla sobre la presencia, en los carteles de festivales, de artistas masculinos que han hecho «barbaridades» y que siguen apareciendo en «line-ups» de primer nivel. ‘No me querías tanto’ puede hablar de este asunto en concreto porque tiene el detalle de samplear un diálogo de la película de 1947 ‘Ojos en la noche‘, pero también admite una lectura más general (como la propia Lacunza ha reconocido) y universal, algo a lo que aspira todo el disco.
Si ‘Tiene que ser para mí’ es un trabajo bien cerrado a nivel musical, también lo es a nivel de letras. Atraviesa todo el disco el mensaje que Lacunza se encuentra en un lugar de satisfacción personal, tras haber pasado por varios años duros. El tema titular rima que «lo que ya me dolió, de oro se volvió», y ‘Mi sitio’ incluye el pareado «hace tiempo que sé cuál es mi sitio / ahora ya sé que no te necesito». La madurez de Lacunza le lleva en el jungle tipo PinkPantheress de ‘Todo va a cambiar’ a asumir con entereza que su vida ha cambiado para siempre ahora que es una persona famosa, y el disco se cierra con una letra tradicional de Los Moles (2001) aplicada a un «groove» de funk carioca delicioso y melancólico.
La constelación de referencias e influencias de ‘Tiene que ser para mí’ contribuye a crear una obra excelentemente cerrada y atada, en la que también cabe mencionar el bolero de ‘Tiempo atrás’, que ha co-escrito Silvana Estrada y termina con un final rítmico que recuerda al de ‘Nunca estoy‘ de C. Tangana. El álbum transmite esa misma sensación de satisfacción, de haber hecho las cosas bien, a la que ha llegado Lacunza para poder hacer el disco que tanto anhelaba.
moren es el proyecto musical de Judith Moreno, cantante y compositora de Barcelona a la que puedes haber descubierto por su aparición en la playlist de novedades en castellano Sesión de control. Su reciente single ‘de madrugada’ es tan solo el tercero de su carrera, aunque la artista suma otras dos colaboraciones con CAMPOS (‘lejos’) y alouest (‘Sin mí’) que encajan en su mundo íntimo y reconfortante.
Con un nombre escrito en minúsculas que no debe confundirse ni con el de Maren ni con el de mori, moren crea diminutas canciones de pop preciosista que destacan por su componente ultra intimista. Tanto que parecen grabadas debajo de una manta. Bedroom-pop extremo, se le podría llamar.
El primer single de moren es ‘mi penica’, tema que introduce a la audiencia en su atmosférico a la par que enrarecido mundo. La producción de Magalí Elizabeth Cáceres envuelve en una espesa bruma lo que no deja de ser un beat tropical, mientras los coros alienígenas de fondo acompañan un sencillo punteo de guitarra eléctrica. En ‘otro lado’ los mismos elementos de ‘mi penica’ emergen detrás de un animado arreglo de percusiones tipo palmas, mientras la emotiva ‘de madrugada’ refuerza el sonido no solo de la guitarra -que suena incluso un poco grunge- sino también del vocoder.
Las canciones de moren suenan tan pequeñas e íntimas que las letras pueden estar balbuceadas, mientras el procesamiento de voz hace pensar en los primeros trabajos de Billie Eilish, una referencia probable para moren dado que su biografía de Instagram reproduce la frase «dónde están los aguacates», el nombre original de la cuenta de Billie. Sin embargo, la producción electrónica trae a la mente más bien a nombres de hoy como rusowsky o la primera Natalia Lacunza.
La emotiva ‘de madrugada’, probablemente su composición más lograda hasta la fecha, incorpora unos efectos vocales que remiten al primer James Blake, prueba de que moren está sabiendo canalizar sus influencias, a la vez que busca su propio discurso en canciones que nos hablan de ser perseguida por el pasado, o de los males del amor.
