Dos nuevos valores del urban español se han juntado para un temazo. Por un lado, Aleesha, la ibicenca afincada en Barcelona que no por nada es conocida como ‘La Patrona’. Por otro, la murciana L0rna, autora de la increíble ‘Mr. Sexo Beat‘.
Juntas, Aleesha y L0rna entregan ‘Superstar’, porque superestrellas son desde el día en que nacieron. Así lo afirman sobre este nostálgico beat de hip-hop de Manu Oliva y Jaasu que trae de vuelta el sonido crunk de los dosmiles. Ying Yang Twins, Lil Jon o Ciara han podido estar en su punto de mira.
El tema está lleno del descaro esperado. Aleesha, por su lado, presume de cochazo, pelazo, uñas y «cara de presumía». Y desafía: «Mi ex dice que estoy loca, y puede que sea verdad». En el estribillo cuela una referencia a ‘Who’s That Chick‘ de Rihanna y David Guetta. Al menos, lo es en nuestra cabeza. ¡Alguien tenía que reivindicar aquel temazo!
l0rna entra en el beat a mitad de canción con la chulería que la caracteriza. Además de presumir de confianza, disciplina y pasta en el bolso, manda un saludo a su colega Bea Pelea y otro a las «guapas» porque «las que envidian son feas».
‘Superstar’ es adictiva desde la primera escucha, gracias también a su minimalista beat, que va agregando elementos progresivamente: los rasgueos de guitarra acústica y la melodía de teclado que se fusionan en el estribillo emiten cierto eco arábigo.
El único elemento de ‘Superstar’ que no funciona es su forzada parte hablada, que incluye una broma sobre el miembro de un ex, igual de pequeño que un lápiz labial.
Verónica Echegui, actriz madrileña que saltó a la fama en 2006 con su papel protagonista en ‘Yo soy la Juani’ de Bigas Luna, que le valió una nominación a Mejor actriz revelación en los Goya, ha fallecido a los 42 años en Madrid, informa El País, como consecuencia de un cáncer.
Echegui, nacida en 1983, actuó en ‘Yo soy la Juani’ junto a Daní Martín, de El Canto del Loco. Después, volvió a ser nominada a los Goya por sus papeles de presidiaria en ‘El patio de mi cárcel’ (2008) de Belén Macías, y de profesora destinada a Nepal en ‘Katmandú, un espejo en el cielo’ (2011), de Icíar Bollaín, en ambos casos en la categoría de Mejor actriz principal. Aunque el Goya lo terminó ganando en 2022 como directora por el corto de ficción ‘Tótem loba’.
Echegui sumó papeles tan recientemente como en 2024, el de ‘Justicia artificial’ y, en el último lustro, había aparecido en ‘Explota Explota‘ (2020), el biopic de Raffaella Carrà; ‘Objetos’ (2022) o incluso en la segunda temporada de ‘Paquita Salas’, donde encarnó a la actriz vasca Edurne Bengoetxea, una parodia de Miren Gaztañaga. Echegui participó también en videoclips musicales como ‘Quizá‘ (2018) de Joe Crepúsculo.
Los eventos de escucha colectiva de álbumes -conocidos como listening parties- resisten a la era de las playlists y al supuesto déficit de atención. Se han consolidado como una forma de socializar en torno a un artista favorito y disfrutar de discos de manera “exclusiva”, antes que la mayoría. Artistas como Aitana los han convertido en acontecimientos masivos, mientras tiendas de discos de todo el mundo, por ejemplo, El Genio Equivocado, en Barcelona, recurren a ellos para reunir a melómanos en su espacio, recientemente en torno al último álbum de Ethel Cain.
Luego están los eventos de «música a ciegas«, muy populares en los últimos tiempos. En estos encuentros el público escucha, en la oscuridad, álbumes al completo, normalmente clásicos de la historia de la música de artistas como Radiohead, Depeche Mode o, entre las últimas incorporaciones al canon, Rosalía o Taylor Swift. Estos eventos no tienen un fin promocional, sino puramente recreativo.
Los artistas celebran escuchas exclusivas de discos como una manera de premiar la lealtad y el apoyo de sus fans. Entre los últimos en sumarse a la moda está Blood Orange, que estos días ha presentado su nuevo álbum, ‘Essex Honey’, en varias ciudades del mundo, incluida Barcelona.
En el espacio Nica de Casa Bonay, un selecto grupo de seguidores de Dev Hynes, que han accedido al espacio previa reserva de entrada, se reúne para descubrir en primicia las canciones del álbum. El lugar, con cortinas y sillones rojos iluminados por una luz cálida, mantiene abierto el bar para quien quiera acercarse por una cerveza. El ambiente es de escucha atenta pero relajada: no se trata de una ceremonia solemne: la sensación es de estar en casa compartiendo música con amigos, aunque con el respeto que exige enfrentarse a material inédito, casi como si se tratara de un secreto.
El espacio también destaca por su calidad de sonido, algo que se percibe claramente al escuchar ‘Essex Honey’, un álbum rico en matices de jazz, indie-pop, R&B y folk, y tan inquieto que las canciones pueden incluir diferentes géneros y estilos dentro de sí mismas. Algunas, como la conocida ‘Somewhere in Between’, recurren a constantes cambios de ritmo y secciones musicales, pero la atmósfera se mantiene siempre tan urbana como melancólica. Hynes concibe el álbum como una exploración del duelo y una reflexión sobre su juventud, y como un intento de procesar estas emociones dentro de un contexto de «duelo y pérdida colectiva».
La versión presentada en el evento fluye sin pausas, lo que hace que a veces resulte difícil seguir cada canción. Desde el inicio con la hipnótica ‘Look at You’, el público recibe la música ensimismado, cerrando los ojos, ladeando la cabeza, observando tímidamente la reacción del resto de asistentes. La mayoría escuchamos el disco sentados en el suelo, pero otros se relajan en sillones y sofás. A mí se me escapa una sonrisa escuchando la preciosa composición pastoral ‘Countryside’, pero la sensación general es que el público se deja envolver por la música y sus detalles.
La música de ‘Essex Honey’ es variada, mutante, escurridiza. De pronto ‘Lost of England’ incluye violines que introduce un acelerado beat de breakbeat; de pronto las voces de Caroline Polachek y Lorde emergen, inconfundibles, en la bellísima ‘Mind Loaded’. ‘Life’, la canción más sexy («quiero verte desnuda toda la noche») pasa del slow jam R&B a la guitarra minimalista en un pestañeo: la voz de Tirzah encuentra de repente su lugar, sonando tan cálida como siempre.
Como si Dev Hynes quisiera repasar décadas de historia de la música o incluso su propia carrera como artista y productor, ‘Essex Honey’ no teme pasar de la electrónica de ‘Westerberg’ al indie-pop de ‘The Train (King’s Cross)’, que remite a su etapa como Lightspeed Champion, pero sobre todo recorre por su sangre una influencia del jazz evidente en la instrumentación -clarinetes, flautas, cuerdas de todo tipo- y el carácter fluido y libre de las composiciones. Y ‘(I Listened) Ever Night’ incluso introduce percusiones con ecos a la samba, solo para pasar a la pista de baile inmediatamente después. ‘Essex Honey’ se publica este viernes.
Las giras internacionales son tremendamente exigentes, y si no, que se lo digan a Kylie Minogue, que este fin de semana ha sido captada sufriendo un “pequeño colapso respiratorio” tras finalizar su reciente concierto en Ciudad de México, un episodio que, por fortuna, quedó en un susto.
Kylie habría experimentado un malestar posiblemente relacionado con el agotamiento y la altura de la capital mexicana, según cuenta Muzikali Records. “La artista, siempre profesional, fue atendida rápidamente por su equipo tras bambalinas, recostándose para recibir auxilio”, señala la publicación.
El clip que circula en redes sociales muestra a Kylie cerrando el show radiante. Sin embargo, al retirarse del escenario comienza a sentirse indispuesta: se coloca la mano al pecho, parece perder estabilidad y, según se ve en las imágenes, se pone de frente y cae, posiblemente asistida por un guardia de seguridad. No queda claro en el vídeo si llegó a desmayarse.
Kylie no ha comentado el episodio en redes, pero ha seguido publicando contenido con total normalidad y buen ánimo, por lo que parece que se encuentra recuperada del pequeño percance.
Gracias al usuario @timeout por compartir el vídeo en nuestros foros.
@muzikalirecords ¡Kylie Minogue deslumbra en el Palacio de los Deportes! 🌟 Anoche, la reina del pop-disco, Kylie Minogue, de 57 años, hizo vibrar a más de 20,000 fans en el Palacio de los Deportes de la Ciudad de México con su esperado Tension Tour 2025. Tras 14 años de ausencia, la australiana ofreció un espectáculo lleno de energía, nostalgia y coreografías impecables, interpretando éxitos como Can’t Get You Out of My Head, Padam Padam y Love at First Sight, además de temas de su aclamado álbum Tension. El show fue un derroche de glamour y profesionalismo, consolidando su reinado en el pop mundial. Sin embargo, al finalizar, Kylie sufrió un pequeño colapso respiratorio, posiblemente por el agotamiento y la altura de la CDMX. La artista, siempre profesional, fue atendida rápidamente por su equipo tras bambalinas, recostándose para recibir auxilio. Los fans expresaron su preocupación y apoyo en redes, destacando su entrega total en el escenario. ¡Kylie, eres una diosa! 💖 #TensionTour#KylieMinogue#CDMX♬ sonido original – Muzikali Récords
Ava Max ha hecho su tercer disco para probarse a sí misma que era capaz de hacer música sin su ex pareja, Cirkut. inverness y Pink Slip son los productores que han demostrado que Henry Russell Walter no es precisamente insustituible. El electropop de Ava Max tiende a lo genérico y este ‘Don’t Click Play’ no se deshace de eso. Su mérito es conseguirlo con gracia.
Este título que además da nombre al álbum puede ser premonitorio, pues ya nos hemos dado cuenta de que este no va a ser el proyecto más exitoso de Ava Max, pero sí pretende ser irónico. El pre-estribillo dice «no le des al play, no lo pongas, porque te va a encantar y vas a querer ponértelo dos veces». Algo que funciona con esta producción adictiva que, durando 2 minutos, invita a la escucha «en repeat».
Hay dos claves para ello: un «Dum-dum, da-da» que se pega como un chicle, como ya sucedía en el mítico ‘Tom’s Dinner’ de Suzanne Vega y tantas otras canciones a lo largo de la historia del pop. Y luego, la tristeza con que Ava Max se hace eco de las críticas que ha leído en X.
Dice el espectacular segundo verso: «En X es un tema de conversación constante: «ella es una imitación de Gaga cantando samples». ¿Pero no puede ‘Kings and Queens’ quedar bien junto a ‘Poker Faces’? Me estoy queriendo a mí misma, por mucho que lo odies».
Este coger el toro por los cuernos roza lo sublime. Lo único que no le perdonamos es que no haya videoclip para el día del estreno. ¿Os imagináis que Lady Gaga recogiera el guante y se animara a participar en un remix o en una presentación en directo de la canción, interpretando justo ese segundo verso? Con Gaga inmersa en la gira de ‘MAYHEM’ parece poco probable, pero por pedir que no quede…
El festival Riverland de Asturias ha vivido este fin de semana un extraño episodio cuando Bb Trickz ha irrumpido en el escenario durante la actuación de la rapera castellonense Metrika, acompañada de su equipo, para increparla y agredirla.
En un vídeo que circula en redes se puede ver a Bb Trickz subir al escenario, arrebatarle el micrófono a Metrika de forma brusca y espetarle: “¿Tú no me dijiste que me ibas a robar los racks?”. En la jerga del hip-hop, el término racks hace referencia tanto al éxito como a fajos de billetes.
El incidente escala hasta el punto que uno de los acompañantes de Bb Trickz lanza un vaso con agua y hielo contra la cabeza de Metrika. Según el testimonio de la propia rapera en otro vídeo compartido en redes, el enfrentamiento continuó en los camerinos:
“Me han mojado el pelo, pero el mánager de Bb Trickz se ha llevado un puñetazo en la boca. Ella se encerró en el camerino y hasta que no la sacaron por la fuerza… Es lo que hay, ¿no? Ya la pillaremos, ya la pillaremos”, declara Metrika.
El festival Riverland se ha celebrado este fin de semana, del 22 al 24 de agosto, en Arriondas, Asturias, con Rusowsky, LaBlackie, Barry B o Mushkaa también entre los nombres confirmados.
Que Dios -o quien sea- se apiade del resto de los mortales, si Wolf Alice, que fueron nominados al Mercury Prize con su primer disco, lo ganaron con el segundo, y fueron número 1 en UK con el tercero, han tenido problemas de autoafirmación. Ya lo decía Björk, que «no hay mapa ni brújula» capaz de ayudar a entender el «comportamiento humano».
‘The Clearing’, el cuarto álbum del grupo británico, se presenta como el primero en el que Wolf Alice se han aceptado como banda, se han planteado qué querían hacer y lo han llevado a cabo. La idea principal ha sido centrarse en la sencillez de las canciones, dejarlas a piano si así es como habían surgido y -lo más singular-, elaborar un disco sobre la «performance» como concepto, lo que explica su espectacular portada.
‘Thorns’ abre el álbum justo enfrentándose al proceso compositivo, con todo lo que eso conlleva de «narcisista» y de «masoquista». El single ‘Bloom Baby Bloom’, en el que Ellie Rowsell se ha planteado cantar «como Axl Rose pero en chica», contiene otra parte del concepto, cuando el pre-estribillo dice algo así como «mírame cómo lo intento de fuerte, estoy harta de intentarlo tanto». Esta especie de mambo raro no tiene continuidad en un álbum que rehúye de más efectos jazzy o de improvisación, para rendirse, en general, al folk y al soft rock de los años 60 y 70. Ese «aceptarse como banda» parece significar que no tienen por qué ponerse una chupa de cuero, sino que pueden hacer lo que quieran.
Los discos de Wolf Alice siempre han sido variados, nunca han sido la banda de grunge que aparentaban por imagen, y ahora esa diversidad la encontramos en canciones como ‘Just Two Girls’, a medio camino entre ABBA y las producciones de Ian Catt para gente como Saint Etienne. Pero en general el álbum llama la atención por lo poco rockero que es, a destacar la bellísima guitarra de ‘Leaning Against the Wall’ -un tema surtido de matices electrónicos-, o el piano que manda en ‘Play It Out’, que habla sobre la pérdida de la fertilidad, y ‘Midnight Song’, sobre encontrarte con la niña que fuiste.
Porque de alguna manera ‘The Clearing’ también habla sobre la identidad del artista es que una canción como ‘White Horses’ encaja a la perfección en este álbum. En ella la voz principal no es la de Ellie, sino la del batería Joel Amey, que bucea en el origen de sus antepasados, por los que se ha preguntado siempre al haber sido su madre y su tía, adoptadas. La melodía y la progresión de la canción, totalmente setenteras, son espectaculares, y Ellie Rowsell no tiene de qué preocuparse. Hacer segundas voces puede ser muy gratificante, porque implica que sólo tienes que cantar la mejor parte de una canción, y aquí Rowsell está exultante, elevando un tema que ya estaba muy arriba desde el principio. Ahí es cuando más te acuerdas de cuánto sumaban juntos Buckingham, Nicks y McVie.
En cuanto al concepto, el grupo ha hecho un esfuerzo por introducir palabras y elementos relacionados con la «actuación» en canciones que parecían no tener tanto que ver. «¿Es el amor nuestra más perfecta performance?», plantea ‘Leaning Against the Wall’, y a continuación ‘Passenger Seat’ versa sobre las canciones que unen.
Finalmente, ‘Bread Butter Tea Sugar’ y ‘Safe in the World’ pueden resultar más planas en una parte central que suele ser la más difícil de rellenar en un trabajo, pero el grupo logra equilibrar las cosas dejando para el final dos de los tres singles que llevamos: ‘White Horses’ y el ya «fan favorite» que supone ‘The Sofa’. Un tema que acepta la posibilidad de ser diferentes cosas en la vida, por ejemplo «salvaje» o por ejemplo «una zorra» cuando te enfadas. Wolf Alice superan la presión de tener que mostrarse como «una preciosa reina intelectual» o un grupo «salvaje» pidiendo un pequeño respiro. La sección de cuerdas se lo concede. Misión cumplida.
Bad Gyal ha sacado un puñado de singles este año que han terminado formando parte del repertorio de su gira de verano, el Bikini Badness Tour, que se ha presentado en festivales como Mallorca Live o Arenal Sound. Entre ellos se encuentra su dueto con Omar Courtz, ‘Comernos‘, ya Doble Platino en España. Pero también ‘Da Me’, que suma un Disco de Platino.
‘Da Me’ ha alcanzado el puesto 7 en España, actualmente ronda el top 20 y, como habéis destacado en los comentarios de JENESAISPOP, destaca por contar con un chulo videoclip, probablemente el mejor de toda la carrera de Alba Farelo.
El videoclip de ‘Da Me’ está diseñado para lucir el esculpido físico de Bad Gyal, pero la producción de TORSO es especialmente original en su uso de efectos especiales, que transforman la moderna y minimalista casa del vídeo en un organismo desbordado de deseo sexual.
‘Da Me’, que acredita como composición principal a Spread Lof (Kali Uchis, Sebastián Yatra) es otra fusión de estilos latinos de Bad Gyal, esta vez, de reggaeton y bachata. Esta fusión, bajo producción de Jorge Millano (Nicky Jam, Maluma) y Cromo X (Daddy Yankee, C. Tangana), funciona gracias a los expertamente introducidos cambios de ritmo que aceleran y desaceleran la canción.
El pegadizo estribillo coral de ‘Da Me’ destaca en la discografía de la artista catalana, que, en la declaración «en el sexo eres especialista» entrega otro de sus hooks infalibles. La rima siguiente gustaría a Becky G: «Me lo entra, lo siento / Pa ese tamaño estoy lista».
Hace más de 10 años, en los foros de JENESAISPOP ya se hablaba del k-pop como un género con potencial de éxito internacional, en contraste con el más peculiar j-pop. En aquel momento, el viral ‘Gangnam Style’ de Psy ya había abierto las puertas del k-pop al mundo, pero aún pasarían años hasta que este género musical -que también es una industria en sí misma- se convirtiera en un auténtico fenómeno global gracias al éxito de BTS y BLACKPINK.
Y, aun así, el k-pop seguía siendo de nicho, como demostraba el desempeño comercial de ciertos singles o álbumes que se catapultaban al número 1 en su primera semana para después desplomarse. El éxito descomunal de ‘K-Pop Demon Hunters‘ demuestra que el k-pop ha dejado definitivamente de ser un producto de mero fenómeno fan, para convertirse en una exportación cultural absolutamente mainstream y global.
‘K-Pop Demon Hunters’ -en España ‘Las guerreras del k-pop’- ejemplifica además cómo el público infantil puede definir fenómenos culturales. Es un producto familiar, dirigido a niños, y estos lo están visualizando en bucle hasta el punto de que la película, dirigida por Maggie Kang y Chris Appelhans, está en camino de convertirse en la más reproducida de la historia de Netflix. Y con razón: ‘K-Pop Demon Hunters’ es una obra animada muy bien hecha, que funciona en varios niveles y tiene capas.
La película narra la historia de un exitoso trío de k-pop, Hunter/X, que caza demonios para preservar el bien en el mundo. Rumi (Arden Cho), Mira (May Hong) y Zooey (Ji-young Yoo) son las cantantes de este grupo, que con sus voces y canciones mantienen sellado el Honmoon, la barrera mágica que separa el mundo humano del de los demonios. Cuando un grupo masculino de k-pop, los Saja Boys -demonios encubiertos- intenta imponer la maldad en la Tierra, se desencadena la trama y una serie de complicaciones que pondrán en riesgo la amistad de las protagonistas.
El primer gran acierto de ‘K-Pop Demon Hunters’ es ser un musical cuyas canciones no solo tienen el peso esperado en la narrativa, sino que resultan lo suficientemente pegadizas como para haber irrumpido en listas oficiales (‘Golden‘ es ahora mismo la canción más exitosa del mundo). Estas canciones no son extraordinarias a nivel de composición ni producción, pero resultan efectivas y divertidas acompañadas de los atractivos y coloridos visuales en 3D, que, como en ‘Soda Pop’, hacen que “los ojos hagan pop”: y, a la vez, funcionan por sí solas, extraídas de su contexto.
La cinta también logra un buen equilibrio entre drama, humor y fábula transmitidos a través del prisma moderno del pop coreano y la animación digital. Si bien la comedia “goofy” la sitúa firmemente en el terreno del público infantil, no deja de ser, en el fondo, una alegoría comprensible para cualquier espectador que transmite una lección importante: la necesidad de aceptarse a uno mismo, con sus virtudes y defectos, y la manera en que ocultarlos solo genera demonios que seguirán apareciendo aunque intentes ignorarlos.
Más allá de la acción y la animación, ‘K-Pop Demon Hunters’ tiene fondo. Su elemento fantástico se inspira en el chamanismo coreano, y en la trama también se percibe un comentario claro sobre la propia industria del k-pop y la manera en que explota y deshumaniza a sus ídolos (visible en la figura de la mánager de Rumi). Por otro lado, la película acierta al esquivar la típica trama romántica, poniendo el foco en la aceptación personal, en la importancia de la ayuda mutua y, al mismo tiempo, en preservar la independencia de sus personajes.
Vale la pena también detenerse en el aspecto técnico y visual de ‘K-Pop Demon Hunters’, ya que su frenético ritmo logra que el entretenimiento no decaiga. En parte, gracias a su uso de la clásica técnica «smear», un recurso de animación y efectos visuales usado principalmente para transmitir velocidad. Hay quien recomienda ver la película a mitad de velocidad para apreciar sus esmerados detalles visuales. Es posible conectar con ‘K-Pop Demon Hunters’ con el corazón, pero también con la mente, y ahí radica la clave de su éxito.
Un día Kae Tempest le puso un par de maquetas nuevas a su colega, el productor Fraser T Smith, y este no dudó en sincerarse: «no creo que esto sea lo que debería salir de ti ahora mismo. Mejor vamos a empezar otra vez y veamos qué pasa». De esa honestidad en el estudio pueden salir grandes obras, y el quinto disco de Kae Tempest es una tan decisiva que recibe el nombre de ‘Self Titled’. No es que la haya llamado ‘Kae Tempest’, es que ha escrito ‘Self Titled’ en el lomo como para advertir de cuánto va a revelar de su propia historia.
‘Breathe’, que dura 6 minutos y es por mucho el tema más largo, contiene un verso tan revelador como este:
«Fui un chico al principio,
luego llegué a la pubertad y tuve que ser una chica,
de verdad que intenté ser alguien que se adaptara al mundo».
Efectivamente, ‘Self Titled’ es un disco que de manera muy explícita habla sobre la transición del artista que conocimos como Kate Tempest, primero se reconoció como persona no binaria, y finalmente, como hombre trans.
‘I Stand on the Line’ habla sobre vivir una «segunda pubertad a los 37» y ‘Know Yourself’ afronta el tema de estar presentando una nueva voz, contraponiendo su voz actual a un sample de su voz de pequeño. «Vuelvo al niño que fui, buscando un adulto / me vi allí, y le cogí de la mano», dice en este tema para cuyo vídeo se ha contado con una veintena de personas trans y no binarias, que podéis encontrar acreditadas en Youtube.
Por supuesto y como siempre, su propio viaje personal se extiende a lo social, porque como dice en la mencionada ‘Breathe’, su historia también es la de sus amigxs que viven en Londres. Y las de otras personas del mundo, atended: «¿Por qué con todos los problemas que tenemos que resolver, los cuerpos de las personas trans están siempre en la agenda?», se pregunta ‘I Stand on the Line’. «Mientras nos sigan matando por nuestras diferencias, tenemos que seguir viviendo, tenemos que sobrevivir», plantea la misma letra, en referencia a la alta tasa de suicidio en la comunidad.
‘Statue in the Square’ habla de cruzarse con alguien que obviamente nunca ha visto a una persona trans, y es una canción brevísima, que pide ser escuchada en bucle porque su estribillo es tan bueno que no da tiempo a disfrutarlo: «Nunca quieren cerca a una persona como yo, pero cuando me muera, me pondrán una estatua en la plaza».
La transición de Tempest se expone desde diferentes prismas, como el echar de menos tu pasado, o la imposibilidad de tener hijos. Lo primero se plantea en ‘Prayers to Whisper’: «He visto pasar a alguien que llevaba tu chaqueta, me ha dolido recordar la chica que conocí, pero al menos ya no sufres más». Y lo segundo aparece en la evocadora y profunda ‘Bless the Bold Future’, cuyo fondo pulula entre la espiritualidad de Enigma y Jean Michel Jarre. El tema se pregunta si de todas formas merecía la pena tener un bebé teniendo en cuenta «el estado del planeta».
El paso a lo social, de una manera más general, aparece en la rapera ‘Diagnoses’, de beat chorra pero mensaje serio. El estribillo es una enumeración de enfermedades mentales que termina preguntándose si no tenemos un «sobrepronóstico» de nosotros mismos, cuando lo que está mal es el mundo.
Ante este nuevo aluvión de ideas, Fraser T. Smith, que ha trabajado lo mismo con Dave que con RAYE, opta por un fondo a menudo trip hop, un registro en el que Tempest siempre ha estado cómodo, compuesto por bases y pequeños arreglos de cuerda o piano. Si la segunda mitad del disco, una vez pasa el interludio ‘Everything All Together’, resulta algo más plana (‘Forever’, ‘Till Morning’), la primera es absolutamente vibrante gracias a las ideas desplegadas en ‘Know Yourself’, un pop que se convierte en electrodisco, o la synth-pop ‘Sunshine on Catford’, que parece una canción de Pet Shop Boys.
Connie Constance aporta su bonita voz en ‘Hyperdistillation’, y también colaboran en el álbum Tawiah (‘Bless the Bold Future’), Tom de Chemical Brothers (‘Know Yourself’, ‘Diagnoses’) y Young Fathers (‘Breath’), pero es Neil Tennant quien se queda el featuring más distintivo del álbum por lo bonita que resulta dicha y dichosa canción de amor: «Nunca supe lo poco que sabía hasta que te conocí. Nunca supe lo perfecto que era todo, hasta que fui perfecto para ti».
Varias reseñas de ‘Self Titled’ apuntan a que este es el mejor disco de Kae Tempest. Es imposible decidir si es más relevante la decadencia de Europa o la historia de una persona trans. Como dice él, el modo en que la libertad de las personas trans está en el foco es absurdo. Sobre todo si recordamos que estamos viviendo un genocidio en directo y que un estafador ha terminado gobernando el país más poderoso con el beneplácito de las redes sociales y tres oligarcas. La carrera de Kae Tempest está exhibiendo que todo está relacionado.
¿Quién habría imaginado que, de 18 concursantes de Operación Triunfo, solo unos pocos lograrían dedicarse a la música? En absoluto esto ha ocurrido en 25 años de historia del programa. Por alguna razón, para algunos, que Lucas Curotto y Cris Helia hayan terminado desempeñando empleos «ordinarios», no relacionados con la industria musical, o relacionados de manera tangencial, es motivo de humillación y burla en redes sociales.
Fue parecido a presenciar el fin del mundo cuando Lucas Curotto, finalista de Operación Triunfo 2023, fue visto trabajando de camarero en un bar de Madrid. El mundo colapsará en cuanto descubra que su compañero de edición, Cris Helia, está realizando un espectáculo musical en un restaurante canario. Helia fue captado recientemente disfrazado de bogavante.
Ambos no han podido responder a las críticas con más elegancia, afirmando que los ingresos generados de sus empleos actuales les permiten financiar su música. Cris Helia, dando una lección de clase, ha invitado a su hater -que tuvo el descaro de tirarle veneno por privado- a entrar al restaurante y presenciar su show.
No voy a ser yo quien niegue que sorprende ver a dos personas que alcanzaron cierta fama televisiva hace dos años gracias a su talento musical, de vuelta a la vida (relativamente) anónima. Ninguno ha logrado desarrollar una carrera musical masiva. Sin embargo, las personas que se burlan de ellos desde el anonimato de las redes ignoran que la realidad de Cris y Lucas es la del 99% de los artistas y músicos de todo el mundo. Muchos de ellos no concursan en Operación Triunfo, es cierto. Pero muchos de ellos tampoco tienen la valentía de exponerse en un programa televisivo y buscar una oportunidad a través de esa vía.
La industria musical es -sorpresa- extremadamente competitiva, y la mayoría de músicos que se dedican profesionalmente a este oficio lo hacen desde el anonimato. Hay millones de músicos activos en todo el mundo, pero no todos pueden acceder a contratos discográficos, a programas de televisión o a tocar en festivales, simplemente porque no hay espacio ni demanda para todos. Según un informe reciente de la Unión de Músicos en España, más del 60% de los músicos tiene uno o más empleos adicionales a la música para poder sostenerse. Y ahí la responsabilidad de Lucas y Cris ha sido diferenciarse y destacar en la industria, algo que tristemente no han conseguido. Y no pasa nada.
Ni cabe decir que los artistas que logran fama masiva y reciben ingresos millonarios son una minoría: la mayoría de músicos permanecen en nichos locales o regionales y trabajan en educación musical, producción, eventos o empleos fuera de la música para sostenerse. No es solo que no sean Taylor Swift o C. Tangana, es que muchas bandas de indie que aparecen continuamente en revistas especializadas, logran cierto renombre y ganan premios, no se dedican a la música exclusivamente y desempeñan empleos en otros sectores.
Lucas y Cris son el blanco fácil porque han estado expuestos mediáticamente, al contrario que la mayoría de músicos profesionales del mundo. Sin embargo, su situación laboral es resultado de una industria incapaz de absorber todo el talento que existe y no tiene que ver con su talento, sino con la misma estructura de la industria musical. Ellos, por supuesto, se han defendido públicamente, pero les dignifica simplemente trabajar, y quienes tratan de humillarlos no hacen más que proyectar una visión tremendamente miope y reducida del éxito. Ellos -y tantos como ellos- siguen siendo artistas estén en la cima o no.
Conan Gray es una de las superestrellas de la era actual del streaming. ‘Heather’, single extraído de su debut de 2020, ‘Kid Krow’, es uno de esos temas que superan los 2 mil millones de reproducciones en Spotify, y los números de ‘Maniac’, ‘Memories’ o ‘The Cut that Always Bleeds’ son igualmente impresionantes.
Gray es, además, uno de los artistas asociados a Dan Nigro, productor de Olivia Rodrigo y Chappell Roan. Junto a Nigro, Gray ha producido su cuarto álbum, ‘Wishbone‘, que acaba de ver la luz.
El repertorio de ‘Wishbone’ se construye sobre un sonido que hibrida pop-rock, rock alternativo y folk-pop. ‘Vodka Cranberry’ es uno de sus himnos, y la Canción Del Día para hoy sábado.
‘Vodka Cranberry’ se caracteriza por su estribillo coral. También es una sentida composición que mezcla guitarras acústicas y cuerdas dramáticas a la manera del brit-pop de los noventa. A pesar de su tradicional estructura, composición e instrumentación, ‘Vodka Cranberry’ logra destacar convirtiendo la bebida que da título a la canción en un símbolo de desamor. Un cóctel que, en el mundo de Conan Gray, encarna el dolor de una ruptura inminente. ¿Será su respuesta a ‘Espresso’ y ‘Diet Pepsi’?
Quizá por haber bebido demasiado ‘Vodka Cranberry’, Gray no escatima en sentimentalismo. «Sé que me odias, he mirado tu foto y llorado como un crío; habla, no me hagas esperar, si no vas a cortar lo nuestro, lo haré yo», lamenta. La canción invita a cantar a pleno pulmón, y Gray se anota el mérito de incluir el adjetivo «imbécil» en la letra y lograr que suene natural.
‘The Subway’ es el 2º número 1 en JNSP de Chappell Roan, tras haberlo logrado por primera vez hace unos meses con el relanzamiento de ‘Pink Pony Club’. Su gran hit ‘Good Luck, Babe!’ quedó en el top 10 en su momento. La artista ha sumado más del 50% de los votos en las Stories de Instagram. La canción ha sido número 1 en Reino Unido, número 3 en Estados Unidos y número 94 en España.
Ethel Cain, Julieta y Demi Lovato llegan esta semana al top 20 mientras Zara Larsson, HUNTR/X y Bakar llegan al top 40.
Sabrina Carpenter esperará hasta el lanzamiento de ‘Man’s Best Friend’, su nuevo disco, para extraer un segundo single que suceda en listas a ‘Manchild‘, que cumple casi tres meses de vida. ‘Manchild’ se mantiene en el número 15 en Estados Unidos, en el 25 en Reino Unido y en el 20 en el global de Spotify, pero no ha igualado el impacto de ‘Espresso‘, ‘Please Please Please‘ y ‘Taste‘, de momento, y a pesar de que cuenta con probablemente el mejor vídeo del año.
‘Tears’, el corte 2 de ‘Man’s Best Friend’, servirá de segundo sencillo, y lo sabemos porque Carpenter ha anunciado el estreno de su videoclip, que se producirá el mismo día que el del disco, el 29 de agosto.
El avance del vídeo revela una pieza de gran factura, y una estética de cine clásico estadounidense que deriva en terror. Puede ser la continuación del vídeo de ‘Taste’, que también se lanzó de cara a Halloween hace un año.
En el teaser de ‘Tears’, Carpenter se recompone de un accidente de coche; ha chocado con un árbol y caído en la hierba seca. A pesar del accidente, Carpenter mantiene el glamour vistiendo sombrero y tacones de color blanco perla y un vestido lápiz de color azul claro. Cuando se levanta, Sabrina descubre frente a ella una casa de madera y, a continuación, un trueno retumba en el cielo y un rayo corta la oscuridad, iluminando fugazmente la fachada de la casa.
La inspiración de ‘Tears’ esta vez parece apuntar a Hitchcock… ¿y también un poco al cine colonial de los años 30 y 40? Habrá que verlo antes de sacar conclusiones.
Hotline TNT, la banda de rock neoyorquina, es la última en retirar toda su música de Spotify, citando valores incompatibles con los de la empresa sueca. En un breve comunicado firmado por sus cuatro integrantes, Will Anderson, Lucky Hunter, Haylen Trammel y Mike Ralston, el grupo asegura que «la empresa que se presenta como la guardiana de toda la música grabada ha demostrado, sin lugar a dudas, que no se alinea con los valores de la banda de ninguna manera», y defiende que «un mundo más cool es posible”. La obra de Hotline TNT puede escucharse en servicios como Apple Music o Bandcamp. En Spotify, lo único accesible por ahora es un concierto registrado por el sello Audiotree
Hotline TNT explicará su decisión de abandonar Spotify el 5 de septiembre en una transmisión en vivo que podrá seguirse a través de Twitch, Youtube e Instagram. Durante el telemaratón de 24 horas, Hotline TNT venderá 500 copias de ‘Raspberry Moon’, su último disco, y, en palabras de Stereogum, «conversará con artistas, periodistas, dueños de tiendas de discos y otros sobre su música nueva favorita, las fuentes para descubrirla y sus sentimientos sobre Spotify».
La decisión de Hotline TNT llega apenas dos meses después de la salida de ‘Raspberry Moon’, publicado el pasado 20 de junio.
Grupo conocido por su estilo shoegaze, Hotline TNT es autor de tres álbumes largos, los dos últimos, ‘Carthweel’ y ‘Raspberry Moon’ editados en Third Man, el sello discográfico de Jack White. El primero, ‘Nineteen in Love’, fue un lanzamiento independiente.
Dijon es uno de los grandes valores del underground estadounidense desde que en 2021 lanzara su interesante debut, ‘Absolutely‘, que emparejaba su rasposa voz con producciones de folk, R&B, neo-soul y góspel que sonaban como diamantes en bruto, aunque todavía demasiado convencionales para destacar.
En ‘Baby’, su segundo disco, publicado por sorpresa y sin singles, Dijon da dos tazas de su estilo particular y entrega una de las obras más innovadoras del año. El artista de Baltimore, de origen guameño, convierte el estudio en el laboratorio de un genio loco y somete sus canciones a toda clase de experimentos.
Su firma sonora ya era perceptible en ‘Swag‘ de Justin Bieber, donde ejerció como co-productor, pero en ‘Baby’ desata todo el potencial de su propuesta musical. Su sonido crudo y la naturaleza fluida, casi de collage, de sus producciones son llevados al extremo ya en la pista inicial, ‘Baby!’, pero Dijon Duenas también cuida las melodías: en ‘Higher!’ contrastan con el componente alucinógeno de la producción, mientras que en la preciosa balada ‘Rewind’ conmueven sin filtros. Aquí la influencia de Bon Iver, con quien Dijon colaboró en su último disco, resulta innegable.
Aunque ‘Baby’ no es un disco de singles, sino una obra cohesionada que funciona como un todo, algunas pistas logran una alquimia perfecta de inmediatez pop y experimentación musical. ‘Yamaha’ se corona con un guiño a la perfección ochentera e incluye un genial sample de ‘O Superman‘ de Laurie Anderson en sus primeros segundos.
‘Yamaha’, entre percusiones grandiosas y gritos claustrofóbicos, reivindica la aceptación de los sentimientos propios y refleja un álbum también crudo en lo emocional. Dijon expone fragmentos de su vida: su paternidad en varias pistas, el deseo sexual y reproductivo («It’s kinda sexy, let’s go make a baby», canta en ‘Another Baby!’), la reconciliación con su padre en la experimental y densa ‘My Man’, o el recuerdo de una amistad pasada en ‘Rewind’: donde antes había abrazos, ahora solo queda distancia.
Pero en ‘Baby’ no hay distancia, sino un deseo constante de conexión humana. La música suena procesada, editada, dada la vuelta de arriba abajo; de algún modo, Dijon hace al oyente testigo del proceso creativo. El ladrido de un perro se cuela en ‘Loyal & Marie’ y las experimentaciones desbordan en los interludios, composiciones menos definidas, puras investigaciones sonoras en busca de la siguiente dirección.
Dijon brilla cuando se entrega al pop, y ahí resulta imposible no hablar de la influencia de Prince. Una inspiración que (de)construye a su manera en la rítmica ‘Another Baby!’ (esos gritos «here comes the baby» son puro Prince; queda claro que la idea de crear bebés lo inspira) y que culmina en ‘Automatic’: no puede ser casualidad que esta canción comparta título con una de ‘1999’. Cuando el acorde de sintetizador funk se abre paso, el álbum alcanza la gloria.
‘Baby’ concluye con la balada romántica ‘Kindalove’, que vuelve a remitir a Bon Iver. Sin embargo, la obsesión del disco con el groove, sus fusiones de R&B, guitarras y neo-soul y, sobre todo, los requiebros vocales y el falsete de Dijon recuerdan al estilo de otra gran mente del R&B: D’Angelo. Nadie esperaba que Duenas, tras colaborar puntualmente con Charli XCX y BROCKHAMPTON, y ser sampleado en un tema de Kanye West, fuera el próximo gran innovador del pop. Bienvenido.
No, los festivales de la temporada aún no han llegado a su fin. Una cita tradicional de las últimas semanas del verano es Coca-Cola Music Experience, que celebra ya su 15ª edición. Un festival por el que han pasado artistas del tamaño de Måneskin en su momento de mayor fama, o Rauw Alejandro antes de llenar arenas, y que vuelve a celebrarse en el Espacio Iberdrola Music de Madrid. Será los días 12 y 13 de septiembre y a un súper precio como observamos en su página web: 38 € la entrada de día y 70 €, el abono. Traducimos: menos de lo que cuestan muchos conciertos en grandes recintos.
Desde JENESAISPOP recomendamos 8 imprescindibles, a los que hay que sumar a gente como Mayo, uno de los concursantes más interesantes que han salido de OT, o Marc Seguí, cuyo ‘Tiroteo’ se acerca ya a los 1.000 millones de streams.
Viernes: J Balvin
El hombre que revolucionó la música latina con canciones como ‘Mi gente’ y discos como ‘Energía’ o ‘Vibras’ acaba de publicar una de las entregas más libres y creativas de su carrera. El notable ‘Mixteip’ incluye concesiones a la salsa por la vía de Gilberto Santa Rosa y un precioso recuerdo a su obra maestra con Bad Bunny, ‘La canción’, que recibe el nombre de ‘PGBL’. Pronto, ‘Zun Zun’ será presentada también en los VMA’s de MTV.
Viernes: Viva Suecia
Llevan dos años en el top 30 oficial de discos en España con ‘El amor de la clase que sea’, llenan en la capital recintos para 15.000 personas con varios meses de antelación, y ya ultiman el lanzamiento de su próximo álbum. ‘Dolor y gloria’ y ‘Deja encendida la luz’ han sido los adelantos del que será uno de los discos más exitosos de la próxima temporada en España. Al tiempo.
Viernes: Trueno
Que la música en directo es una forma de conectar con los demás e incluso con nosotros mismos es algo que hemos podido vivir en los conciertos del argentino Trueno, en ocasiones con un inesperado punto orgánico por parte de su crew. Seguro que no faltan hits de su disco ‘El último baile’, que ya ha desvelado su edición deluxe. En un festival siempre lleno de sorpresas, ¿cabría esperar algún featuring especial en su set?
Viernes: Daniela Blasco
CCME no ha desatendido cierta querencia por dos cosas muy necesarias: Benidorm Fest y la diversidad. Tras la sonada actuación de Chanel hace unos años, este año la apuesta es Daniela Blasco. Ganas de ver qué es capaz de hacer la intérprete de ‘Uh nana’ en su tiempo de concierto.
Sábado: Lola Índigo
Viene de llenar estadios en tres ciudades de España, donde ha actuado para más de 120.000 personas. Lola Índigo es una de las estrellas del pop mayúsculas de nuestro país, y sobre el escenario de CCME volverá a repasar hits como ‘La reina’, ‘Sin Autotune’, ‘La niña de la escuela’… ‘MOJA1TA’ ha logrado ser una de las canciones del verano.
Sábado: María Becerra
Quien llena estadios en Argentina -una de las mayores cunas de hits recientes para nuestro país, como también se ve en Trueno- es María Becerra. Ha colaborado con Balvin, con Tini, con Enrique Iglesias, con el propio Trueno, con Nicki Nicole, y ha triunfado en solitario con temas como ‘Corazón vacío’. Por cierto, María fue una de las artistas invitadas en el remix de ‘La reina’ de Lola Indigo y ambas actúan el mismo día. Ahí lo dejamos.
Sábado: Carolina Durante
Otros que no hay manera de que salgan de los primeros puestos de las listas españolas son Carolina Durante. Su último álbum, ‘Elige tu propia aventura’, ya es disco de oro, y Diego lo ha defendido en directo, pese a su lesión de rodilla, con uñas y dientes. Tras haber actuado para 60.000 personas en unas fiestas populares de la ciudad, una nueva oportunidad de vibrar con temazos como ‘Joderse la vida’ o ‘Normal’.
Sábado: Leire Martínez
Sin duda, Leire Martínez ha sido una de las mujeres del año en España. Las primeras imágenes de sus actuaciones en solitario son pura adrenalina. ‘Mi nombre’ es una canción totalmente arrolladora sobre la libertad y la independencia, su repertorio de base es también historia de España, y además está sumando a su carrera colaboraciones tan inesperadas como la recientemente realizada junto a Saiko. Se acabó infravalorar a Leire Martínez.
Os dejamos con el cartel completo por días: Viernes 12 de septiembre: J Balvin, Viva Suecia, Trueno, Luck Ra, Micro TDH, Yami Safdie, Alvama Ice, Malmö 040, La Cendejas, Daniela Blasco y Mafalda Cardenal. Sábado 13 de septiembre: Lola Índigo, María Becerra, Tiago PZK, Carolina Durante, Álvaro de Luna, Leire Martínez, L-Gante, Marc Seguí, Lucía de la Puerta, Mayo y Perro Negro.
«Cuando corresponda, lo contaré todo. De momento, ‘Don’t Click Play'». Este es el mensaje que ha aparecido en las redes de Ava Max al tiempo que ha publicado al fin su nuevo disco, cuyo título hay quien está interpretando como una rebelión contra su discográfica.
Ava Max no ha esperado mucho para contarlo todo, pues de manera simultánea se ha publicado una entrevista exclusiva con Rolling Stone en la que lo cuenta todo. O eso creemos a día de hoy.
La artista habla sobre lo duro que ha sido cambiar de management, y sentirse traicionada por dos de sus personas más cercanas: Cirkut, su exnovio, productor y mano derecha, y Madison Love, su antigua amiga y co-autora. Estos han iniciado una relación juntos al romper Cirkut y Ava Max, aparentemente retratada en el single ‘Spot a Fake’, que al final ha sido descartado de este ‘Don’t Click Play’.
Ava Max no habla de manera explícita sobre ellos, pero en absoluto los evita: «He hecho este disco porque quería demostrar que puedo hacer el álbum de mis sueños sin mis últimos colaboradores. Sé que mis fans saben lo que ha pasado: fui traicionada y me rompieron el corazón. De verdad que me ha dolido». Se abre sobre lo mal que lo ha pasado, incluso llorando durante semanas. Dice que «casi se pierde a sí misma». «No podía entrar en un estudio sin llorar, me llevó un mes y medio estar a gusto grabando sin él. Pero al final encontré un par de productores increíbles con los que trabajar y somos como familia».
La artista también reconoce haber desaparecido tras una actuación del 4 de julio que le resultó «incómoda», y reconoce haber estado deprimida. «Tuve que dar un paso atrás porque estaba intentando contentar a todo el mundo». Pero dice sentirse mejor en estas últimas semanas, y con ganas de preparar la gira, que asegura pospuesta, no cancelada.
Respecto a su sello, es parca en palabras («no puedo controlar el modo en que se promociona mi música. Puedo controlar lo que hago yo»), pero sí deja otro tremendo titular cuando se reconoce como «la artista grande peor gestionada de la historia». «Así es como se siente, eso se dice en comentarios», añade.
Puestos a contarlo todo, Ava Max habla también sobre por qué el nuevo single homónimo ‘Don’t Click Play’ menciona que la hayan comparado tanto con Lady Gaga, hasta el punto de parecer «un sample suyo». «Los comentarios sobre todo han sido una locura. Y constantes. Por eso los he puesto en ‘Don’t Click Play’. Era importante para mí (…) Nunca me meto con nadie en mi música. Es empoderador unir a las dos bases de fans».
Finalmente, Ava Max aclara que ‘Don’t Click Play’ no es una invitación a no escuchar el disco, precisamente: «la gente está confundida sobre el título. Significa «no le des al play si no quieres, porque al final, este álbum lo he hecho solo para demostrarme que podía hacerlo». En otro punto asegura: «Soy la razón de que exista ‘Sweet but Psycho’ y ‘Kings & Queens’. Porque puse mi historia en ellas y trabajé duro en ellas. Mucha gente cree que no podría hacer una canción de pop sin mis colaboradores».
Hoy 22 de agosto se publica un buen puñado de discos muy esperados, como los nuevos trabajos de Wolf Alice, Laufey y Deftones o el debut de Sombr. A estos hay que añadir lanzamientos igualmente interesantes de Ava Max, Nourished by Time, Teyana Taylor, TOPS, Mac DeMarco, Jon Batiste o Ciara.
El pop se prepara para Halloween con nuevos singles de Florence + the Machine y Anna von Hausswolff (ambas publican disco ese día), mientras Doja Cat arranca la era de su próximo álbum protagonizando la Canción Del Día. Además, siguen llegando adelantos de los próximos proyectos de Jamie Woon, Sigrid, bar italia, Wednesday o Purity Ring. Carly Rae Jepsen reedita su tercer disco.
Ciñéndonos al pop nacional, no solo Belén Aguilera y Ede siguen desgranando sus inminentes álbumes, sino que presentan chulas colaboraciones, por un lado, Aleesha y l0rna y, por otro, Judeline, que se alía con el productor escocés Sega Bodega. También hay singles de LaBlackie, Kidd Keo o Hoonine.
Como cada viernes cae alguna sorpresa en la playlist, como la colaboración de SG Lewis y London Grammar, o el crédito póstumo de SOPHIE en el nuevo single de LIZ. Además, nueva música de Amber Mark, Royal Otis, ADÉLA, Daniel Caesar, Leigh-Anne, Mr. Eazi, Metrika… ¿Falta algo en la playlist? Cuéntanos y dinos tus novedades favoritas en los comentarios.
En una industria musical permanentemente enamorada de los años 80, era hora de que alguien recuperara un sonido diferente de la época. Doja Cat ha decidido que el post-disco-pop de Jimmy Jam & Terry Lewis (productores de Janet Jackson y Alexander O’Neal) vuelve a tener cabida en el mainstream y lo demuestra lanzando un temazo llamado ‘Jealous Type’ que renueva el sonido de éxitos como ‘The Pleasure Principle‘, ‘Criticize‘ o ‘I Didn’t Mean to Turn You On‘ de Cherrelle, pero que tampoco renuncia al rap que la ha dado a conocer.
‘Jealous Type’, la Canción Del Día de hoy, es un torpedo de pop-disco sintético y funk de Mineápolis a lo Prince que nunca adivinarías producido por Jack Antonoff, pero así es. En la canción, Doja lidia con su inseguridad en una relación que no se termina de materializar y, aunque dice que sus celos no hacen daño, en el rap de la canción reconoce que se le ponen los «ojos verdes» de la «envidia».
Doja remata ‘Jealous Type’ con una pedazo de nota sostenida que lleva la canción a la gloria, y lo presenta con un videoclip más ochentero que los ochenta.
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La información sobre el nuevo trabajo de Doja Cat sigue llegando con cuentagotas. De hecho, la que se suponía la portada oficial del álbum ‘Vie’ no lo es. Doja dice que la portada oficial del disco todavía no se ha realizado. La imagen floral sería una de las portadas alternativas de las ediciones de vinilo. A lo largo de las próximas semanas revelará nuevas ediciones y detalles a razón de uno por semana. Así al menos lo indica la artista en redes.
‘Vie’ contendrá 15 pistas, verá la luz el 26 de septiembre y hace unas semanas se avanzaba en V Magazine que sería «rico en texturas retro y con un fondo sonoro cargado de varias influencias de los años 70 y 80”.
La artista se está explayando sobre lo que ella entiende por música pop: «sé que puedo hacer música pop y el pop es simplemente lo que es popular. Empieza a ser una cosa vista como un deporte por la gente que lo mira por encima, disfrutándolo, pero quizá no respetando lo que es, que es música. Lo ven como si fuera una especie de fútbol para chicas y gays».
Lil Nas X va a pasar el fin de semana en prisión, acusado de haber agredido a un policía en la madrugada del miércoles al jueves en Los Ángeles. El artista fue primero esposado por la policía y después trasladado a un hospital a las 4 de la mañana.
Estaba caminando en calzoncillos y con botas de cowboy, haciendo catwalk como si estuviera sirviendo en una pasarela, cuando algunos transeúntes decidieron llamar a la policía. Primero fue llevado a un hospital ante lo que parecía una sobredosis según los paramédicos, pero al recibir el alta, ha pasado a estar detenido.
Según TMZ, para que se establezca una fianza y pueda salir, tiene que comparecer ante un juez y eso ya no podrá pasar hasta el próximo lunes. En otro tipo de delitos menores, es posible salir antes, pero al haber de por medio una supuesta agresión a un policía, no es una opción.
TMZ publicaba un vídeo del rapero previo a la detención, diciendo algo sobre que se iba a una fiesta y también unas fotos en las que se coloca una señal de tráfico en la cabeza. La policía encontró a Lil Nas X caminando en la mitad de la carretera, le esposaron y después decidieron llevarle al hospital.
Las últimas noticias musicales de Lil Nas X son una serie de singles sueltos entre los que destacamos un ‘Hotbox‘ que por desgracia no ha conseguido entrar en listas. El proyecto al que pertenece, ‘Dreamboy’, no está fechado, y hoy por hoy, incluso parecía algo abandonado.
Un día después de actuar en Madrid por sorpresa el pasado mes de junio, de manera gratuita para fans e invitados, Wolf Alice hablaron con la prensa para promocionar su cuarto disco, ‘The Clearing’. Ellie, Joff, Theo y Joel no se separan en dos grupos para atender a los periodistas como otras bandas. Los cuatro prefieren asistir al completo a cada entrevista, que tratan con mimo y ganas de hablar de su nueva obra.
Bromistas de vez cuando pero a su vez serios y preocupados por encontrar la palabra exacta, explican detalles de letras, producción y la relación con el mundo que nos ha tocado vivir. El disco iba a salir el viernes 29 de agosto, pero se ha adelantado una semana, quizá por la coincidencia con lo nuevo de Sabrina Carpenter, algo que llegué a plantearles. Esta conversación tiene lugar antes de que sepamos eso, o incluso de que se edite ‘The Sofa’ como segundo single.
En este disco hay muchos pianos y sonidos folkies. No hay demasiadas canciones de rock. ¿A qué se debe?
Ellie: «Hemos intentado escribir lo que yo creo que son canciones de pop, solo que las vamos vistiendo de manera diferente. Esta vez muchas han salido del piano, y en lugar de ir pasando partes del piano a las guitarras y a los sintetizadores, las hemos dejado tal cual. No son tan diferentes. Tan solo depende de cómo las vistas».
Joff: «Nunca hemos sido una sola cosa, en ninguno de los discos. Siento que esta vez simplemente hemos encontrado una paleta sónica que seguir. ‘Blue Weekend’ es lo que es y después de llevarlo de gira durante tanto tiempo, te sale hacer algo diferente. Tenía muchas capas en lo sónico y el proceso de grabación fue muy intenso, a decir verdad. Personalmente yo intenté encajar muchas programaciones por aquí y detalles por allá. Esta vez ha sido bastante liberador enfocarse en la simplicidad de las canciones».
Me sorprende mucho lo citados que suelen ser Fleetwood Mac, aunque haga tanto que no saquen nada. ¿Os gustan tanto como parece escuchando el disco?
Joff: «Son clásicos, ¿no? Es difícil encontrar a alguien que te diga «No me gustan Fleetwood Mac». Yo desde luego no conozco a nadie».
Varios: «Alguien que no mole nada». «¡Si alguien te dice eso, huye!» (risas)
Joff: «Eran tan brillantes… Tenían algo del mundo alternativo y eran experimentales, pero todos eran grandes músicos y las canciones son simplemente increíbles. Todo esto junto en un solo grupo. Cuando tienes un grupo en el que no hay un autor sino que hay varios y todos buenísimos, todos son grandes músicos… Es la tormenta perfecta. No creo que sean un grupo de culto. Son uno de los grupos que más han vendido de todos los tiempos. A veces se nos olvida, pero así es».
No hay tantos grupos que suenen como los Beatles, pero sí como ellos, por ejemplo, Haim. Es algo que me pregunto un montón. Me parece muy curioso.
Ellie: «Es verdad, es muy interesante. A mí es que me gustan las canciones pop de amor y me gusta mucho el sonido de la música folk, con sus guitarras y demás. Había pasado por alto o se me había olvidado que hubo un momento en la música de los 70 en el que las guitarras no sonaban agresivas, altísimas, y aun así eran canciones uptempo, animadas. Son una mezcla muy agradable de cosas que me gustan. A veces se te olvida escuchar cosas así o, como dices, a los Beatles, con una mentalidad más moderna».
Anoche disteis un concierto sorpresa en Madrid. Fue un show de rock… no como el álbum. ¿Esto no es una presión para vosotros, para luego ir a festivales, hacer canciones más rock?
Joff: «Sí, el directo siempre es así. Creo que incluso las canciones que no han sido grabadas así terminan sonando más enérgicas y aptas para el escenario. Es lo más natural».
Theo: «No creo que tengamos esa presión, por un montón de razones. ¿Cómo defines el rock, por ejemplo? Es una palabra en la que no te puedes adentrar. Porque, de hecho, yo creo que estas canciones están destinadas al escenario, lo sentíamos así al grabarlas, y lo estamos viendo tocando temas como ‘The Sofa’, que nos salió muy fácilmente anoche. Y además, hay canciones más rock en discos antiguos que son más difíciles de llevar al escenario de lo que yo me imaginaba. Es que depende de lo que entiendas por un concierto de rock».
Sé que Wolf Alice hacéis muchas cosas distintas, incluso bailables. ¿Pero creéis que hay una identidad sónica concreta en este álbum?
Ellie: «Esta vez hemos sido más conscientes de hacer algo cohesivo, pero sin buscarlo, ni apegarnos a esa idea de manera religiosa. No queríamos perjudicar las canciones para que fueran otra cosa. Más bien hemos sido conscientes de estar encontrando algo y hemos seguido ese camino. Me gusta que haya cohesión, pero no hasta el punto de que sea aburrido».
Me gusta mucho ‘White Horses’, pero no sé si va a ser single o no [NdE: dos meses antes de que lo sea]. Supongo que ya tenéis definida una estrategia.
Joel: «Te sorprendería. El próximo single va a ser ‘The Sofa'».
¡No puede ser! ¡No intentéis hacer un ‘Tusk‘! ¡Recordad que fue un flop en lo comercial!
(risas) Theo: «Estamos muy orgullosos de ‘The Sofa’. De hecho, me encanta lo valiente que es sacar ‘The Sofa’ como single. Cuando estamos hablando de las influencias del disco o los periodistas nos hablan del disco, oigo mucho de lo que dicen en ‘The Sofa’. Eso es una razón para que salga antes que el álbum. Creo que contiene lo de Fleetwood Mac, las decisiones de sonido que hemos hecho, las limitaciones, y el hecho de que hayamos buscado algo diferente. Al final la canción se vuelve totalmente maximalista, pasan muchas cosas».
Joff: «Cuando haces un disco, nunca sabes qué va a pasar hasta que sale. Una de las cosas más increíbles de la cultura actual es que no sabes qué canción se va a quedar con la gente. En el último disco, por ejemplo, me sorprendió mucho la acogida de ‘Delicious Things’. Recuerdo tocarla y me vi superado por el modo en que tanta gente seguía la narrativa de una canción tan larga. Ese es el poder de que cuando sacas algo, las cosas puedan cambiar. Es algo muy especial. Es divertido ver cómo la gente las recibe».
A mí me ha gustado ‘Just Two Girls’, pero no sé yo si representará el disco muy bien. Y ‘Midnight Song’, pero claro, no es un single. ¿Qué me podéis contar sobre ‘Just Two Girls’? Me ha hecho pensar en Saint Etienne, que es algo que nunca me había pasado con Wolf Alice. ¿Los conocéis?
Varios: «Sí, sí».
Ellie: «Es una canción que depende mucho de la letra y de la melodía. No se hizo ninguna demo, simplemente fue seguir la historia y la letra, y ahí estaba. Llegó hacia el final del álbum. Queríamos algo animado y al menos líricamente lo era, la enseñé esperando que alguien la llevara hacia algún lado y salió muy rápido. Es una canción muy divertida».
No tengo las letras del disco aún, pero llama mucho la atención que el disco empiece hablando de ser narcisista y masoquista. Es divertido también. ¿Por qué abrís el álbum con ‘Thorns’?
Ellie: «Por su música parecía encajar como apertura. Se beneficia de alguna manera de la experiencia de ‘Blue Weekend’ y empieza donde este acabó. Va sobre explorar qué es ser un performer, o una autora de canciones. Va sobre sacar eso antes de empezar otro disco, en plan «¿de verdad vamos a hacer otro disco?». Y ahí estás, haciéndolo otra vez. Sí. La performance es un tema importante en el disco».
Y de ahí la portada.
Ellie: «Exacto. Pero contrastándolo todo con el hogar, la familia y el amor. Muchas cosas con las que sopesarlo. Siempre hablamos también de la reflexión sobre una misma, el poder, la amistad… pero eso está más rebajado esta vez».
¿Qué me podéis contar de los detalles de producción? Varias canciones van creciendo y ‘Play It Out’ tiene estos sonidos electrónicos al final. ¿Es un álbum muy detallista?
Joff: «Hemos sido bastante detallistas. Queríamos presentarlo como el disco de una banda tocando instrumentos reales, pero tampoco queríamos que fuera como un disco vintage. Por eso una de mis cosas favoritas en el álbum son esos momentos de sintetizador como ‘Play It Out’, o el sentido cinematográfico que tiene ‘Leaning Against The Wall’. Eso creo que sitúa el disco en 2025 en lugar de realizar una oda a un período concreto. Creo que es importante para nosotros tener un poco de todo».
Theo: «Claro. Recuerdo tener esa sensación cuando Ellie mandó la maqueta. Y pensamos en no meterle sintetizadores porque en 1971 no los habría llevado o algo así. Y no teníamos nada así en el disco. Así que para mí es un momentazo».
Joff: «Se trata de buscar los contrastes, pero sin sacrificar nada. Estableces unos parámetros, y te los saltas alguna vez».
«Esta década será recordada por la gente que creó en su habitación, y luego ya fue a un gran estudio»
Ahora que habéis hablado de 2025, ¿por qué creéis que se va a recordar toda esta década?
Theo: «Veo muchísima gente explorando por su cuenta, que parece haber surgido en su habitación y, después de ser artista, ha entrado en un estudio por primera vez. Es muy interesante ver cómo la escritura se ha desarrollado. Hay unos cuantos ejemplos, pero con Steve Lacy fue una de las primeras veces que vimos un éxito masivo con algo así, sin que sonara estúpido. Es como lo de Mk.gee, Alex G o incluso Jack Antonoff, que es una persona que asociarías a la cultura de guitarras, pero lo que hace son canciones pop. Y todo esto que te digo es diferente entre sí. Es como hacer cruces de todo y escoger con cuidado pequeños trozos de diferentes técnicas. En mi caso es toda esta corriente de crear en tu habitación y después llevarlo a un gran estudio».
Joff: «Es la democratización de la tecnología».
¿Qué creéis que habéis aportado vosotros? ¿Qué será recordado de los discos que lleváis?
Joff: «¡Yo los recordaré! (risas) Este que hemos hecho ahora es mi disco favorito de todos los que hemos hecho».
«Es la primera vez que, sin complejos, hemos intentado ser un grupo de verdad. Antes incluso veíamos un «grupo» como algo malo, tipo «ahora tenemos que llevar chaquetas de cuero»
¿En serio? ¡Pero los artistas siempre decís lo mismo!
Joff: «Es que creo que es la primera vez que, sin complejos, hemos intentado ser un grupo de verdad. En otras ocasiones hemos intentado capturar un sentimiento o hemos hecho cosas en canciones, y siempre teníamos miedo de si era rock, o de si estar en un grupo era algo malo, en el sentido de «ahora tenemos que llevar chaquetas de cuero». Ese tipo de cosas. Y esta vez me he dado cuenta de que somos un grupo y estoy orgulloso y muy confiado en mí mismo. Hemos dado un paso adelante en el sentido de pensar «esto es lo que hacemos, se nos da bien y vamos a intentar hacerlo sin autodesprecio o escondiendo cosas en la producción. Es una cuestión de confianza. Esas son mis impresiones del disco, aunque sé que la gente lo escuchará y sentirá otra cosa».
Ellie, ¿qué me dices de las voces, por ejemplo en ‘Midnight Song’, que son tan bonitas? ¿Las has grabado como siempre?
Ellie: «También esta es la primera vez que me he ocupado de lo que quería y he disfrutado de ir al estudio. Normalmente es «vamos a intentar esto. Y esto otro. Y esto otro», o estábamos totalmente desconcertados. En plan «ni lo voy a intentar, solo voy a seguir mi instinto porque tengo demasiado miedo de dar muchas vueltas». No sé, siento que es la primera vez que he considerado mi propia diversión en lugar de estar en plan «no sé quién soy». Ha sido muy especial. Eso te lo da el tiempo. Hemos vivido muchas experiencias, de algunas puedes aprender. Y no creo que haya aprendido tanto de las experiencias hasta que ha llegado este álbum. Antes hacíamos los discos y ya. Y esta vez ha sido como «¿qué quiero hacer?».
¿Os ha llevado mucho tiempo este disco, comparado con otros?
Joff: «Creo que ha sido la vez que más hemos tardado. Una vez llegó Greg [Kurstin] serían como tres meses. El primer disco fue muy rápido, fueron como seis semanas, o así».
Ellie: «Nos ha llevado mucho tiempo, yo creo. Cuando cuento cuánto tardamos en hacer algo, la gente me mira, en plan, estupefacta (risas)».
¿Estáis todos de acuerdo en que este es vuestro mejor disco?
Ellie: «Sí, este. Te tiene que gustar lo que estás presentando en ese momento. Si no, pues no lo sacarías. Quizá cuando seamos abuelas podamos decir que es otro».
Theo: «No, de verdad que lo es. Lo pienso de manera genuina».
Joel: «Nos hemos implicado mucho, ¿sabes? Todos estábamos tan metidos e ilusionados que hubiera extrañado que alguien no lo estuviera».
Joff: «Cuando seamos abuelas, yo seguiré queriendo escuchar este. Será un shock que no me apetezca (risas)».
Theo: «Como ha dicho Ellie, le hemos puesto tanta emoción… Ha sido como hacer una película, muy cansado incluso físicamente. Y como ha dicho Joff, es muy gratificante escuchar este disco».
Joel: «Me lo he puesto en el avión».
Ellie: «¡Yo ya no lo tengo!».
Joff: «¡Yo tampoco!».
«Antes la industria era una dictadura. Había dos radios y dos programas de televisión. Con TikTok los sellos tienen menos control sobre lo que engancha a la gente»
¿Cómo habéis vivido la evolución de la industria? Todo esto de las playlists, el reach…
Joff: «Es interesante. Lo positivo es que más gente tiene acceso a la música. Hay mucha gente rabiosa, yo creo que es la gente que está en la cima, porque hay menos dinero en cada detalle. Pero por el contrario creo que la gente se gasta más dinero que nunca en música, solo que se distribuye en más sitios, ¿sabes lo que quiero decir? Creo que más gente tiene la oportunidad de ser escuchada, que subir contenido es muy fácil por la tecnología y esas barreras se han roto a la hora de acceder a un estudio, a un sello, todo esto. Así que es muy emocionante. Es más democrático que nunca. Y con plataformas como TikTok los sellos tienen menos control sobre lo que engancha a la gente. Así que es muy interesante. Las grandes instituciones ya no son las que mandan. Es la gente. La dinámica ha cambiado».
La verdad que por ejemplo nunca adiviné que Beach House terminarían con streams tan altos.
Theo: «Es lo que decíamos de que la gente escoge los singles. Puedes tener tu momento cualquier día. Es una dinámica interesante que la gente pueda estar al mando. Antes la industria era una dictadura. Había dos radios y dos programas de televisión».
Una pregunta tonta: Sabrina Carpenter acaba de anunciar que va a sacar disco a la vez que vosotros. ¿No os preocupa que os deje sin número 1, especialmente en vuestro país, Reino Unido? ¿No es importante para vosotros?
Ellie: «Es importante para el sello y yo quiero que estén contentos. Pero para mí no, la verdad. Lo importante es lo que el disco signifique para la gente y cuánto les guste. Los números son cosas del sello, algo que mirar para ellos, quizá».
Joff: «Mi ambición con este disco es que siga en la cabeza de la gente una semana después de su salida, eso sería lo genuino, que la gente volviera a él a redescubrir cosas. Espero que el proceso de escucha pueda trascender, aunque como ha dicho Ellie, también mucha gente ha puesto fe en nosotros desde la perspectiva del negocio y sí importa a un montón de gente».
Es una locura ahora mismo, la de discos que solo están en listas una semana.
Ellie: «Así es. Y de repente sale alguien como Chappell Roan, que ha sido número 1 un año después de salir. Eso es emocionante. Nunca sabes cuándo va a pasar. Era algo del pasado. Pero volvió. Es muy inspirador».
«Chappell Roan es un talento superior. Y Charli XCX con AG Cook es de lo más emocionante que hemos vivido»
¿Disfrutáis del mainstream?
Joff: «A mí me encanta. El otro día vi a Chappell Roan en Primavera Sound. Es un talento superior. Es increíble».
Creo que ella misma ha dicho que fue uno de sus mejores conciertos.
Ellie: «Sí».
Joff: «Es de lo mejor que he visto. Es una cantante increíble».
Theo: «Y una gran compositora. Como el pop mainstream de Charli XCX con la producción de AG Cook, eso es lo más emocionante que hemos vivido. Aunque no sea música de guitarras es muy emocionante para nosotros».
Siempre habéis sido muy eclécticos musicalmente, pero aun así me sorprende. Incluso físicamente me lleváis al grunge de los años 90, a los tiempos de mi adolescencia…
Ellie: «A mí no me importa. Si es bueno, es bueno».
Joff: «Las canciones son las canciones. Queríamos hacer las mejores canciones posibles para el disco y transmitirlo en directo. No nos importa cómo nos vistamos nosotros, me va a gustar si eres buen tipo, un amante de la música real, un buen músico».
Esto en los 90 no era así.
Joff: «Qué rollo».
Theo: «Hay un mundo ahí fuera. No tiene sentido para mí ser así».
Brent Hinds ha muerto en un accidente de moto en la noche de este miércoles 20 de agosto, cuando solo tenía 51 años. Al parecer, como informa la prensa local, una furgoneta se ha saltado un «ceda el paso» en Atlanta provocando una colisión de vehículos que ha resultado fatal.
Brent Hinds ha sido co-líder y guitarrista de Mastodon desde el año 2000 hasta este 2025 en que le echaron del grupo, no sin cierta polémica. En concreto, comentó en Instagram que sus compañeros de grupo eran «personas horribles».
En cualquier caso, estuvo presente en discos tan relevantes para el metal progresivo como el debut del grupo ‘Remission’ (2002) o ‘Leviathan’ (2004) y más tarde en ‘The Hunter‘ (2011) -que presentaron en España– y ‘Once More ‘Round the Sun‘ (2014). Su último largo data de 2021.
Al margen de que sus guitarras, amplis, pedales y efectos han sido meticulosamente estudiados en el mundo del metal (curiosamente empezó tocando el banjo), Brent era también un personaje capaz de poner en riesgo su vida por una fiesta, o de colgar en redes cosas como el «Mastodong«, un consolador gigante tallado por él mismo. Que el grupo tenía su humor quedó claro cuando crearon también el «Asstodong» en la era «twerking», a pesar de venir del mundo del metal. También sacaron un split con Feist.
El grupo no ha dejado de compartir un mensaje de dolor, dejando las diferencias de los últimos tiempos: «Nos encontramos en un estado de profunda tristeza y dolor… anoche, Brent Hinds falleció a causa de un trágico accidente. Estamos desconsolados, conmocionados y aún intentando procesar la pérdida de esta fuerza creativa con quien compartimos tantos triunfos, hitos y la creación de música que ha conmovido a tantas personas. Acompañamos en el sentimiento a la familia, amigos y fans de Brent. Os pedimos que respetéis la privacidad de todos en estos momentos difíciles».
Jack White ha vuelto a arremeter duramente contra Donald Trump, después de que el Director de Comunicaciones de la Casa Blanca, Steven Cheung, calificara a White de «perdedor» y de artista «acabado». Todo ello a pesar de que, en 2024, La Casa Blanca utilizó ‘Seven Nation Army’ de los White Stripes en un vídeo promocional de la campaña de Trump. El grupo entonces demandó a Trump, pero retiró la denuncia «sin perjuicio» cuando el republicano ganó las elecciones.
¿El origen de las palabras de Cheung? White había criticado la nueva decoración del Despacho Oval vista durante la reciente reunión de Trump con el presidente ucraniano Vladimir Zelensky. Según White, el histórico despacho, lleno de oro, parece ahora el «camerino de un luchador profesional».
Ante el ataque de Cheung, White ha decidido responder publicando un largo texto en Instagram en el que enumera todos y cada uno de los motivos por los que Trump le parece un «farsante» y un «fascista de medio pelo».
Cheung había declarado que White es un «fraude disfrazado de artista», y White ha contestado que el verdadero fraude es Trump. White asegura que Trump aparenta ser «humano», cristiano», «patriota» y «buen líder», pero que en realidad es un «estafador» que ha vivido de engaños, fracasos financieros y manipulación durante décadas. Además de acusarlo de ser un racista y fascista que utiliza «métodos de la GESTAPO» para detener a personas migrantes, lo responsabiliza de muertes por su «inacción durante la pandemia» y de haber usado su poder solo para beneficiar a millonarios y a su propia imagen.
White denuncia que quienes apoyan a Trump lo hacen solo por el «fanatismo del sistema bipartidista», no por razones inteligentes o morales. Y aunque resalta que él «no es demócrata», sino un artista y empresario independiente, dice haber vivido suficientes años como para reconocer que Trump es «un estafador barato y un saqueador» del pueblo.
White indica, además, que ser insultado por la Casa Blanca le parece «un honor», porque «cualquiera que Trump apoye o admire es un villano que no aporta nada a los demás, solo toma lo que le beneficia a sí mismo».
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