Anna von Hausswolff, la cantautora y organista sueca, es una de las compositoras de art pop gótico indispensables de la época actual. Entre sus obras esenciales se encuentra ‘All Thoughts Fly’, publicada en 2020. Ningún fan de Diamanda Galás, Nick Cave y Siouxsie Sioux, pero también de Julia Holter o Kate Bush, se la debe perder.
En diciembre de 2021, von Hausswolff se vio obligada a cancelar sus conciertos anunciados en iglesias francesas debido a protestas de grupos católicos fundamentalistas que acusaban a la artista de Gotemburgo de hacer música «satánica». La artista, entonces, lamentó que el «integralismo católico de extrema derecha» hubiera prevalecido sobre el arte y el amor.
Casi un lustro después de aquello, von Hausswolff detalla nuevo disco, ‘Iconoclasts’, y la noticia es que incluye colaboraciones de lujo de Iggy Pop, que participa en ‘The Whole Woman’, y Ethel Cain, quien interviene en ‘Aging Young Women’. ‘Iconoclasts’ incluye otras dos colaboraciones de Abul Mogard y Maria von Hausswolff, hermana de Anna.
El álbum se presenta con dos singles relativamente dispares. Por un lado, ‘The Whole Woman’ es una dramática balada que evoca las murder ballads de Nick Cave. En la canción, Anna e Iggy Pop interpretan a dos enamorados separados por el tiempo y el espacio, en concreto por un «océano» que parece representar, metafóricamente, algún tipo de distancia emocional.
Por su lado, ‘Stardust’ destaca por su intenso sonido de percusiones y órgano. De estilo ancestral, ‘Stardust’ parece exponer una crisis simultáneamente romántica y espiritual. El destinatario de la canción llora irremediablemente, mientras Anna busca romper con los límites de la existencia humana y trascender, buscar «algo más grande que esto». ‘Iconoclasts’ sale en Halloween, como el disco de Florence + the Machine.
Cualquiera puede ser víctima del ojo que todo lo ve de Google Maps, su función Street View, que permite recorrer virtualmente muchas calles del mundo en una vista panorámica en 360º. Post Malone, una de las mayores estrellas del pop del mundo, ha sido aparentemente captado por una cámara en París y, aunque su rostro aparece borroso, sus fans están convencidos de que se trata del autor de ‘Circles’. Tatuajes, vestuario, figura, ese gorro de cowboy dejado en una mesa… todo apunta a que es él.
La imagen es localizable buscando la dirección 330 Rue Saint-Honoré, en París, y accediendo al modo Street View. Al girar la vista en la esquina aparece una persona muy similar a Post Malone, sentada en una cafetería junto a otra, también con el rostro difuminado.
Billboard ha compartido la curiosa noticia en Instagram y Ryan Tedder, productor y líder de la banda OneRepublic, ha intervenido en los comentarios para confirmar que la figura avistada por Google Maps es la de Post Malone. ¿Por qué? Porque ha reconocido a su acompañante, quien no es otro que Louis Bell, productor de confianza del autor de ‘F-1 Trillion‘ (2024).
Según la información oficial de Google Maps, la imagen fue captada en mayo de 2024, y los fans creen que se realizó durante la visita de Post Malone a París, en exactamente esas fechas, para ofrecer un concierto privado en el museo del Louvre. El concierto tuvo lugar el 28 de mayo de 2024 y la dirección de la imagen está situada a 10 minutos del Louvre.
En otro orden de cosas, Post Malone continúa su gira Big Ass World Tour, que el 12 de septiembre de 2025 aterriza en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona. Él, mientras, ha tenido tiempo de realizar una campaña para SKIMS, la marca de ropa interior de Kim Kardashian.
Paul Weller ha presentado una demanda por discriminación contra la firma que gestionaba sus cuentas, Harris and Trotter. La firma de contabilidad y asesoría fiscal decidió dejar de trabajar con Weller después de que el músico manifestara públicamente que Israel está «cometiendo un genocidio» contra Palestina y defendiera el derecho de Palestina a la «autodeterminación».
La firma legal considera que las declaraciones de Weller, particularmente las que acusan a Israel de perpetrar un genocidio, son expresamente «contrarias a Israel» y que, «como firma con raíces judías y muchos socios judíos, no estamos dispuestos a colaborar con alguien que sostenga estas opiniones».
El ex líder de The Jam opina que la decisión de Harris and Trotter le discrimina ilegalmente por sus ideas o creencias personales. Por ello, ha decidido luchar su caso mediante acciones legales.
En la carta legal, Weller afirma que «siempre me he pronunciado contra la injusticia, ya sea el apartheid, la limpieza étnica o el genocidio» e insiste en que «lo que está sucediendo con el pueblo palestino en Gaza es una catástrofe humanitaria». Weller reafirma su convicción de que los ciudadanos de Palestina «tienen derecho a la autodeterminación, a la dignidad y a la protección bajo la ley internacional»; denuncia la «complicidad» de quienes intentan «silenciar» sus palabras, y señala que su decisión de emprender acciones legales busca ayudar a que «otros no sean castigados de manera similar por expresar sus creencias sobre los derechos del pueblo palestino”.
El mismo texto indica que Weller donará donará cualquier indemnización que reciba a los esfuerzos de ayuda humanitaria en Gaza.
Tras el megaviral de ‘Call Me Maybe’, en 2015 Carly Rae Jepsen publicó -contra todo pronóstico- una obra maestra del pop, ‘E•MO•TION‘. El disco cumplió su primera década de vida el pasado mes de junio, Carly acaba de recordar el álbum en un show íntimo en Los Ángeles, y ahora se ha anunciado que ‘E•MO•TION’ será reeditado por su 10º aniversario, incluyendo hasta 6 temas inéditos. Uno de ellos, ‘More’, ya está disponible y es un corte de pop-EDM que remite a las tendencias musicales de la época.
Los 6 temas inéditos de la reedición de ‘E•MO•TION’ incluyen cuatro temas originales y dos remezclas de ‘Run Away with Me’. Además, se añaden a la secuencia ‘Cut to the Feeling’, un single posterior, y los ya conocidos bonus tracks ‘Never Got to Hold You’ y ‘Love Again’.
19. More
20. Guardian Angel
21. Back Of My Heart
22. Lost In Devotion
23. Run Away With Me (Kyle Shearer Remix)
24. Run Away With Me (Rostam Remix)
Sin embargo, el origen de al menos tres pistas inéditas de la reedición de ‘E•MO•TION’ está generando confusión entre los seguidores de la cantante canadiense. La cuenta de fans CRJ Wiki asegura que ‘Back of My Heart’, ‘Lost in Devotion’ y ‘Guardian Angel’ pertenecen a sesiones de discos posteriores. Según esta cuenta, existen dos canciones inéditas de Carly llamadas ‘Back of My Heart’ y una de ellas suena en un documental sobre ‘E•MO•TION’, pero la que figura en el tracklist de la reedición no sería esa canción, sino una completamente diferente. Acorde a esta cuenta, tanto ‘Lost in Devotion’ como ‘Guardian Angel’ pertenecen igualmente a sesiones ulteriores.
Los créditos de estas cuatro canciones filtrados por CRJ Wiki pueden acercarnos ligeramente a la verdad. ‘More’ incluye autoría de CJ Baran, por lo que pertenecería a las sesiones de ‘E•MO•TION’ o ‘Dedicated‘ (2019). Por su lado, la participación de Imad Royal y Rogét Chahayed en ‘Lost in Devotion’ revela que esta canción se habría concebido en las sesiones de ‘Dedicated’ o ‘The Loneliest Time‘ (2022). Uno de los autores de ‘Guardian Angel’, Cole M.G.N., figura en los créditos de ‘The Loveliest Time‘ (2023). En cuanto a ‘Back of My Heart’, es la primera vez que el danés Joe Jeberg aparece como autor en una canción de Carly Rae Jepsen.
En el mundo del pop es habitual que una idea concebida en una etapa musical, sea rescatada y desarrollada en la siguiente o incluso reciclada después de muchos años. Es posible que este sea el caso de las canciones inéditas de ‘E•MO•TION’. O puede ser que, simplemente, a Carly, que ya publicó las caras B de ‘E•MO•TION» en 2016, ya no le quedasen más bonus tracks originales del disco que recuperar y haya decidido tirar de grabaciones posteriores. De alguna manera se asegura que la reedición de ‘E•MO•TION’ vale la pena.
Es una buena noticia que Alison Goldfrapp se dedique a los sonidos synth-pop y ochenteros en su etapa en solitario. Sus hipnóticas melodías y su envolvente voz sientan de lujo a unas producciones impecables que buscan aportar exquisitez a un pop cada vez menos interesado en la innovación. Sin embargo, junto a Will Gregory, las canciones de Goldfrapp parecían apuntar más alto; el tiempo ha demostrado que muchas de ellas se han quedado para siempre con nosotros.
Las canciones de Alison en solitario tienen buenos cimientos, pero no terminan de ser tan grandes como podrían. ‘The Love Invention‘ (2023), su debut en solitario, era un prometedor primer paso, y el disco ofrecía bastante material al que volver, sobre todo para cualquier fan del synth-pop, y aunque Alison terminara perdida dentro de su propio disco, entre producciones que podían ofrecer el espectacular acabado de ‘Gatto Gelato’.
En ‘Flux’, el segundo álbum en solitario de Alison Goldfrapp y el primero editado de forma independiente, las carencias de aquel debut salen a relucir, ya que Alison ha construido las canciones de ‘Flux’ en torno a melodía y letra, al contrario que las de ‘The Love Invention’, que se basaban en el ritmo. Las canciones de ‘Flux’ no están mal en absoluto; de hecho, están bien. Simplemente, no son extraordinarias ni tienen madera para sumar a Alison nuevos fans.
Melodías y producciones vuelven a transmitir un gusto sin igual. ‘Strange Things Happen’ es un precioso synth-pop en caída libre; suena completamente rendido al abismo, en el mejor de los sentidos. ‘Reverberotic’ es su cara opuesta, un peligroso vórtice de future disco que desafía a la pista de baile. Alison acierta volviéndose a rodear, en ‘Flux’, de James Greenwood y Richard X, pero contando también con Stefan Storm de The Sound of Arrows; juntos diseñan un sonido de pop sintético intachable, y el toque de cuerdas en pistas como ‘UltraSky’ es ideal.
Pero, aunque Goldfrapp apunta al «disco heaven» en ‘Flux’, muchas composiciones del álbum no alcanzan esa meta, aunque se quedan cerca. Algunas directamente reciclan melodías viejas de Goldfrapp, como ‘Sound & Light’, cuyos «la la las» están sacados de ‘Little Bird’; o ‘Ordinary Day’, que parece una canción extraída, igualmente, de ‘Seventh Tree‘, solo que disfrazada de disco futurista.
Los sintetizadores fluorescentes de ‘Hey Hi Hello’, el italo disco que abre el álbum, ofrecen una apertura correcta, aunque no tremendamente excitante, y ‘Cinnamon Light’ comete el mayor delito de todos: hacer sonar a Alison como la Kylie Minogue de Stock Aitken Waterman, pero con una canción que no habría pasado de cara B de la época.
‘Flux’ sabe a disco de nicho, de culto, tanto que los singles pueden no ser lo mejor de su repertorio: ‘Find Xanadu’ es un simpático homenaje a la película de Olivia Newton-John, pero la verdadera gema del álbum es ‘Play It (Shine Like a Nova Star)’, que fusiona el nudisco de los 2000 con las maneras del mejor (robo)pop sueco. Sin embargo, destaca a la fuerza dentro de un álbum de composiciones vaporosas como la niebla, y casi igual de inasibles.
En un mundo en el que no solo no hay programas de televisión que emitan videoclips, sino en el que las visitas a Youtube son cada vez más penosas, pocos artistas siguen preocupándose por el componente visual. Florence Welch es una honrosa excepción en una industria que solo busca la pasta a corto plazo y no la artisticidad en el largo. Hoy, una vez más, ha conseguido que el estreno de un single y un vídeo suyos, de manera simultánea, sea un acontecimiento. Solo habremos asistido 5.000 o 10.000 personas a dicho estreno en Youtube, pero no lo olvidaremos, como no hemos olvidado aún la primera vez que vimos el videoclip de ‘What Kind of Man’. Y esas cosas también contarán para algo. Por ejemplo, para vender entradas.
‘Everybody Scream’, que introduce el disco homónimo que saldrá a la venta por Halloween, funciona a 6 niveles, exactamente todos en los que se lo ha propuesto:
A nivel compositivo: ‘Everybody Scream’ es una composición de Florence Welch realizada esta vez junto a Mitski y Mark Bowen (miembro de IDLES), y co-producida por este último junto a la propia Florence y otros dos pesos pesados: Aaron Dessner de The National y el siempre meticuloso y elegante James Ford. De cierto corte blues y con un poco de energía punk, es hoy por hoy un tema con el que Black Keys solo pueden soñar. Destacan hasta 3 partes increíblemente pegadizas:
1.-los versos llenos de coros con palabras tan efectivas y conocidas por cualquier aficionado al pop, como DANCE, SING, MOVE, SHAKE, SCREAM, LOVE, LIVE, GO.
2.-el pre-estribillo que contiene el título de la canción
3.-el estribillo propiamente dicho, con su propia melodía
A nivel performativo: No parece casualidad que una de las mejores «performers» de la actualidad, es decir, Mitski, aparezca en los créditos de una canción que habla sobre actuar, sobre el escenario. Florence Welch es igualmente una de las artistas que mejor ha devorado arenas durante la última década, y pocas como ella volverán a hacerlo con una canción que habla literalmente sobre comerse el escenario.
«Iré a ti a la noche, harapienta y tambaleándome
Agitando el oro como si fuera una pandereta
Con un ramo de zarzas, retorcido y enredado
TE HARÉ CANTAR PARA MÍ, TE HARÉ GRITAR».
Sí, esto lo va a petar en directo.
A nivel ético: La lectura fácil de ‘Everybody Scream’ es que es una canción dedicada a sus fans, pero, oh, no sería una canción de Florence + the Machine si no tuviera ese punto tan turbio en melodía y producción. La canción termina con una outro hablando de brujería, hechizos, de magia que nos protege del mal.
¿Qué es el mal? En la era de las redes sociales, ¿hay algo más tóxico que la relación entre ídolo y fans, entre artista y «haters»? ¿Está venerando Florence la devoción que sienten hacia ella sus seguidores «gritando su nombre», «cada vez más alto», o le parece algo tan terrorífico como el videoclip? Seguramente, haya un poco de cada cosa. La verdad está en el medio.
A nivel visual: Autumn de Wilde, amiga de Elliot Smith, y directora de vídeos y conciertos de Beck, Arcade Fire, Decemberists o la propia Florence, se ha encargado del vídeo, con la marca de Florence + the Machine muy presente. Welch vuelve a destacar como actriz, convulsionando como una exorcizada en un vídeo que presenta una era abiertamente inspirada en el «folk horror». ‘Midsommar’, ‘La Bruja’, ‘Las colinas tienen ojos’ o ‘El bosque’ pueden ser una referencia, junto a otras que repasaremos próximamente en la sección Estética de videoclip.
A nivel coreográfico: Hemos hablado de la influencia del blues, de la estructura, de letra y de estética, pero Florence no elude el pop ni en cuanto a ganchos ni tampoco en unas coreografías más que cuidadas. Las brujas bailando tras Florence al principio del vídeo son como ver un concierto de Lady Gaga dirigido por Tarantino; después, ella hipnotiza en los planos en que baila sola, algunos de fuerte componente sexual, remitiendo a la caza de brujas en la Edad Media. Y qué decir de los momentos en que las actrices bailan poseídas. ¿Aún se hacen gif’s de videoclips? Porque este da para unos cuantos…
A nivel meta: ¿Alguien recuerda cómo terminaba el disco anterior, ‘Dance Fever‘? Con una serie de gente GRITANDO al término del tema llamado ‘Morning Elvis’. ‘Everybody Scream’ abrirá el nuevo álbum, conectando con el anterior, que versaba sobre el «bailar hasta morir» que se practicó en algunas sociedades entre los siglos XIV y XVII. ¿Es una continuación? Esto solo acaba de empezar…
Morgan Wallen, actualmente el artista número 1 en las listas de Estados Unidos, ha renunciado a presentarse a los Grammys, aún los premios más relevantes de América. Así lo ha desvelado el portal de exclusivas Hits Daily Double, y después lo ha confirmado Billboard.
Como saben todos los aficionados a la música pop, son los artistas y los sellos quienes han de presentar sus candidaturas, decidiendo las categorías (rock, pop, country…) y los singles que presentan a cada una. En el caso de Morgan Wallen, se ha sabido que no presentará ‘I’m the Problem’, ni ninguno de sus singles, a ninguna categoría. Y no es ninguna broma: estamos hablando de un álbum que ha sido número 1 del Billboard 200 durante varias semanas y que puede ser el álbum más vendido de todo 2025, a falta de lo que contenga el nuevo de Taylor Swift.
¿Qué pretende Morgan Wallen con esta jugada? Nadie tiene ninguna duda: decir a los Grammys que de ninguna manera va a contar con su presencia para una actuación o entregar un galardón. Vengarse por no haber recibido ningún reconocimiento en el pasado. Restarles credibilidad y todo el empuje que pueda.
Aunque no sea muy conocido en Europa, y menos aún en España, Morgan Wallen es el cantante (de country o no) más famoso de la década en Estados Unidos. ‘Dangerous: The Double Album’ (2021) vendió más de 6 millones de copias en Estados Unidos, y ‘One Thing at a Time’ (2023) los superó, con 7 millones de unidades. Sin embargo, los Grammys pasaron de ambos, incluso en las categorías de música country. Las únicas nominaciones de la Academia a su trabajo son para una colaboración con Post Malone. Y ahí es cuando resulta que cada parte tiene algo de razón.
De un lado, Morgan Wallen tiene que aprender que una entrega de premios se supone dedicada a la calidad. No a tu popularidad. Para eso otro, están los Premios Billboard, de los que tiene unos cuantos. Que los Grammys se dirijan a la calidad y no a las ventas o los streams ha sido una cuestión ampliamente discutida, pues al fin y al cabo son un programa televisivo que se debe a una audiencia masiva. Pero el caso de Morgan Wallen es de los extremos: ‘One Thing at a Time’ tuvo unas críticas nefastas. ¿Qué había que premiar exactamente?
De otro lado, no es que su trabajo con Post Malone sea especialmente mejor. Ni tampoco el de los nominados en las categorías country, una categoría menor, comentada solo de manera local, al menos hasta que llegó Beyoncé. Y ahí es cuando entra el factor «me enfado y no respiro». Porque Morgan Wallen puede mirarse en el espejo y decirse: «vale, sé que no soy Willie Nelson, ¿pero qué tiene Post Malone que no tenga yo?».
Su reacción recuerda a otros grandes damnificados por los Grammys. Tanto Drake como The Weeknd decidieron en distintos momentos de su vida no presentarse a los premios, tras haberse sentido ninguneados con obras anteriores que obtuvieron un enorme impacto. Abel Tesfaye llegó a llamarlos «corruptos».
Es curioso que los tres grandes casos ilustres de enfadados con los Grammys sean hombres. Mientras Björk y Katy Perry siguen sin premio ni grande ni pequeño, pero no pierden la esperanza y ambas continúan presentándose, ellos consiguen hacer sonar todo esto como una batalla «a ver quién mea más lejos». Se echa en falta un poco de humildad por parte de quien ya tiene el reconocimiento de la gente. ¿Son conscientes Drake, Tesfaye, Wallen, de que los Grammys les sobrevivirán y seguirán adelante, sin ellos? ¿De que algún día ellos pasarán de moda, como todos los artistas, y de que los Grammys seguirán ahí?
La gira de reunión de Oasis continúa siendo un éxito. Ha tenido críticas excelentes y les ha devuelto al número 1 de las listas británicas. Esta semana de nuevo su recopilatorio ‘Time Flies 1994-2009’ vuelve a ser lo más vendido de Reino Unido tras 623 semanas de permanencia, unos 11 años.
De momento ni Noel ni Liam han concedido entrevistas para reunir sus impresiones, ni por ejemplo para abordar cuánto durará esta reunión o si preparan nuevo material de estudio. El mayor de los hermanos Gallagher ha acudido a Talksport, un programa deportivo, dejándose llevar por su conocida afición al fútbol, y allí ha hablado de deportes… y un poquito también de su carrera musical.
Noel esquiva temas como el rumor sobre si el año que viene replicarán el mítico concierto de Knebworth, donde en 1996 congregaron a 250.000 personas, durante 2 días. Pero sí se deslengua un poco sobre lo impresionado que está con la reacción a los conciertos. Se le nota completamente superado, para bien.
Además de celebrar todo lo que se cantó y bebió en Dublín este fin de semana, reconoce que le tiemblan las piernas. Así expresa cómo se siente cuando sale: «vale, ¿puedo volver al backstage y volver a empezar de nuevo? He hecho estadios antes y todo eso, pero no me importa contaros que mi piernas se convierten en gelatina a mitad de la segunda canción».
Especialmente llamativo es lo bien que habla sobre Liam Gallagher. Sí, con lo que ha salido por esa boca, desde «me gustaba mi madre hasta que dio a luz a Liam» a «no escucho los discos de Liam porque no me gusta su voz». Pero quién te ha visto y quién te ve: «Liam lo está reventando. Estoy tan orgulloso de él. No podría estar haciendo estos estadios sin él como él los hace. Miro alrededor y pienso: «bien por ti, tío». Lo está haciendo increíble».
En especial, y al margen de sus cualidades vocales, explica que se le había olvidado lo divertido que Liam podía llegar a ser. Se nota que no le ha seguido mucho en Twitter estos 16 años de parón…
‘Willoughby’s Interlude’: 7:27. Ethel Cain hace muchas cosas en su último disco. En este caso, transgrede la noción de lo que un interludio puede o debe durar en la música pop. Popularmente, se asocia el concepto de interludio a un tipo de composición o grabación muy breve, cuando no directamente a notas de voz grabadas de forma improvisada. Un disco de Janet Jackson -la reina de los interludios- ha podido contener la misma cantidad de ellos que de canciones.
El ejemplo más extremo es ‘Janet.’, su disco de 1993: de 28 pistas, 14 son grabaciones cortas, recitados de apenas segundos. ‘Morning’ sirve de intro, pero la mayoría, como ‘Hold On Baby’ o ‘Sweet Dreams’, se consideran interludios y están colocados entre canciones, creando atmósfera. Más recientemente, Miley Cyrus ha tirado de ellos en su último disco.
Evidentemente, la intención de Janet siempre ha sido crear álbumes que transcurran en el estilo de una película. En el último largo de Ethel Cain, precisamente uno de los cortes, ‘Willoughby’s Theme’, evoca la composición principal de una banda sonora. Pero, aunque ‘Willoughby’s Theme’ dura menos (4:44) que ‘Willoughby’s Interlude’, uno es un interludio y el otro no.
El origen del interludio se remonta a los intermedios de la ópera y el teatro de siglos pasados, que dividían los actos a través de piezas musicales breves interpretadas durante este descanso. También denominado «entreacto», el descanso entre actos de una obra de teatro u ópera solía incluir la interpretación de una composición musical breve que hilaba un acto con otro. Según la RAE, estos interludios los «ejecutaban los organistas entre las estrofas de una coral, y modernamente se ejecuta a modo de intermedio en la música instrumental».
La evolución del interludio de la ópera y el teatro a la música popular ha quedado plasmada históricamente en discos de todos los géneros. En la música del siglo XX, artistas como Marvin Gaye en ‘God is Love’, o los Beatles en ‘Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (Reprise)’, colaban en sus discos composiciones que repetían pasajes musicales previos que unificaban la obra. El conocido «reprise» es, en esencia, un interludio.
Sin embargo, no porque una grabación sea extremadamente breve es un intermedio: ‘Wild Honey Pie’ (1968) de los Beatles no lo era aunque durase 52 segundos, ni ‘You Suffer’ (1987) de Napalm Death aunque fuera apenas un segundo de grito infernal, simplemente porque, dentro de sus respectivos álbumes, no cumplían esa función. ‘Fertilizer’ de Frank Ocean, en cambio, sí lo es aunque no lo explicite en su título. Ubicada entre dos grandes canciones del álbum, ‘Thinkin’ About You’ y ‘Sierra Leone’, ‘Fertilizer’ ofrece 39 segundos de música inspirada en los jingles televisivos. Como un anuncio publicitario colado en ‘Channel ORANGE‘ (2012), responde directamente al concepto del disco.
Precisamente el hip-hop y el R&B son los grandes géneros musicales -ambos de origen afroamericano- que han puesto en valor el interludio en la música pop. Su uso se remonta a los primeros mixtapes y pinchadas del género, y se parecía más a los tipos de interludios que se oyen actualmente, ya que no solo eran piezas musicales, sino también intermisiones habladas o gritadas. Por supuesto, el interludio adopta un carácter cómico en los conocidos «skits» que aparecen en discos de grupos como De La Soul en los 90. Últimamente, Eminem o Bad Gyal han incluido «skits» en sus obras.
Aunque Frank Ocean es autor de probablemente el peor interludio de la historia, ‘Facebook Story’, también le ha hecho justicia en ‘Solo (Reprise)’. Algunos interludios de R&B son verdaderas obras de arte, como ‘All Night Parking’ de Adele (prácticamente una canción) o ‘Wavy’ de SZA. ‘James Joint‘ de Rihanna es icónico: con ‘Wavy’ comparte compositor, James Fauntleroy (y se nota).
Ojo, quienes han puesto en valor el interludio lo han hecho también, en los últimos tiempos, de manera más o menos voluntaria: por un lado, la artista llamada Aaliyah’s Interlude (curiosamente, Aaliyah no era tan dada a incluir interludios en sus discos). Por otro, Rosalía: la pista titular de ‘Motomami‘ (2022) era un interludio. El pequeño trozo de jazz de ‘Saoko’, casi que también.
El rock tampoco ha huido del interludio. ‘Nangs’ de Tame Impala era directamente la pista 2 de ‘Currents‘. Uno de los cortes del último álbum de Carolina Durante se titula ‘Interludio’… ¿en homenaje a Extremoduro? Y el disco ‘Smells Like Children’ (1995) de Marilyn Manson incluía algunos tan provocadores y NSFW como ‘Fuck Frankie’. Marilyn Manson, cuidando la atmósfera.
En el último lustro, el concepto de interludio ha experimentado una nueva evolución gracias a las redes sociales. Los artistas ya no necesitan acudir al estudio para grabar 11 segundos de texto random; ahora pueden grabar notas de voz en WhatsApp e incluirlas directamente en sus discos.
Recientemente, tanto Ariana Grande en ‘Saturn Returns Interlude’ como Sen Senra en su trilogía más reciente o Aitana en ‘Cuarto azul‘ han utilizado notas de voz caseras para hilar narrativamente sus discos, a menudo de manera excesiva y nada creativa. Como si escuchar siete minutos de audio de voz en la vida real no fuera suficiente, los artistas llenan sus discos con mensajes de voz que solo les interesan a ellos.
El interludio funciona mejor cuando cumple el propósito de sostener una atmósfera radiofónica (‘Smoove Jones’ de Mya; sí, la de ‘Lady Marmalade’) o cinematográfica: en ese sentido, ‘Hurry Up Tomorrow‘, de The Weeknd, quien comparte con Lana Del Rey el interludio más reproducido en streaming, no sería el mismo disco sin sus interludios, básicamente porque no se entendería.
Judeline ha alcanzado hace un par de semanas el Disco de Oro por las 20.000 copias de ‘Bodhiria‘, sumando ventas y streaming. Su debut continúa en el top 75 español tras 42 semanas de permanencia: ya va a hacer un año de su lanzamiento y la gente lo sigue escuchando.
Eso no le ha impedido seguir publicando novedades este verano: ha sacado un excelente tema tipo Jeanette llamado ‘chica de cristal‘, una colaboración con Yerai Cortés y ahora mismo otra colaboración donde Sega Bodega es el artista principal. Se llama ‘PIKI’ y es muy representativa del sonido mutante del productor.
Con la voluptuosidad de la letra en castellano como denominador común, ‘PIKI’ comienza con unos beats propios de la era acid house. Al cabo de un minuto, el tema se pasa al techno. A los 2 minutos hay un fragmento que es puro italo, si no directamente una banda sonora de giallo, en ese momento sobre una base drum&bass que va apareciendo y desapareciendo. El hyperpop (¿o es trance, acaso hardcore?) emergen en el último tramo del tema.
Incluso hay un pequeño rastro de flamenco cuando Judeline cambia de melodía al final de un verso y dice eso de «La noche me aloca ya quiero tocarte / Tengo una cosita para regalarte». Fragmento que cierra la canción tras 4 minutos de viaje que resultan aventureros, quizá excesivos, no tan «pikis».
Veremos qué pasa con el tema en próximos días, pues se informa de que «vendrá acompañado de una cuidada campaña visual y una actuación en directo en el Riverland Festival, en Asturias, el 22 de agosto, donde ambos artistas interpretarán ‘PIKI’ por primera vez juntos». Os dejamos con otras fechas de la cantante:
22/08 – Riverland Festival, Asturias 24/08 – Cooltural Festival, Almería
4/09 – Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), Sevilla
5/09 – Fiestas de Alcorcón, Madrid
6/09 – Phe Festival, Tenerife
3/10 – Festival B, Barcelona
2/11 – Indigo Festival, São Paulo
Conocidos sobre todo por su tercer álbum, ‘Tracey Denim‘, que llevaron a Primavera Sound, bar italia anuncian su nuevo largo. La banda británica publicará el 17 de octubre un disco titulado ‘Some Like It Hot’, en homenaje a la película de Billy Wilder protagonizada por Marilyn Monroe, Tony Curtis y Jack Lemmon que en España se llamó ‘Con faldas y a lo loco’.
Según su sello, Matador, la coincidencia se debe a que contiene «romance, intriga, autodescubrimiento y éxtasis sobre rockeros lujuriosos, baladas borrachas y momentos indefinibles».
El segundo single de ‘Some Like It Hot’ tras ‘Cowbella’ es ‘Fundraiser’, nuestra Canción del Día hoy. Tiene varios encantos: un ritmo de finales de los años 70 propio de Gang of Four, una interpretación vocal muy Robert Smith, un contrapunto muy gracioso por parte de la co-líder Nina Cristante y una melodía que no puede resultar más Morrissey, sobre todo al final de cada estrofa.
¿Qué nos está contando cada uno? Él quiere escribir su nombre con spray, quiere conseguir su teléfono… y ella responde que no le conoce, ni en sueños. «Ni siquiera en mis pesadillas», añade. Tan pimpinelesco dúo cuenta con un vídeo protagonizado por el actor Matt King, que se pasea con unas flores sin saber a quién entregárselas. Por si esto no conformaba ya la canción más divertida de bar italia, volvamos a su título: «recaudador de fondos».
Por otro lado, Matador avanza cómo sonarán las canciones nuevas que han escrito entre los tres: «Cristante aporta la sensibilidad de una voz que pasa desde lo meloso (‘Marble Arch’) hasta un estado más poseído (‘rooster’). Fehmi va desde el barítono aireado y melancólico (‘Lioness’) hasta el histrionismo del masticador de micrófonos (‘omni shambles’). Fenton, un tenor tenue, puede virar entre el melódico místico y el soul de ojos azules en los mismos 8 compases (‘Plastered’)».
bar italia actúan el 23 de octubre en la Sala Apolo de Barcelona y el viernes 24 de octubre en la Sala MON de Madrid. Más fechas, en su web.
Tamar Braxton, hermana de Toni Braxton, miembro de The Braxtons, autora de ‘Love & War’, en su momento top 2 en Estados Unidos y además favorita de Lady Gaga, ha revelado en Instagram que ha estado a punto de morir. El pasado domingo sufrió un accidente que ni siquiera recuerda.
Ha contado en las Stories de Instagram: «Me está costando escribir esto, pero todo el mundo me está llamando y honestamente, ni siquiera puedo hablar, me siento muy débil. Estuve a punto de morir el domingo. Me encontraron en un charco de sangre con una herida en la cara. A medida que pasan los días, se vuelve peor. Me he fracturado la nariz, y he perdido algunos dientes y la movilidad».
Continúa: «el modo en que veo la vida ha cambiado por completo. A medida que mejore mi salud, mi viaje mental empezará. Rezad por mí, de verdad. Ni siquiera sé lo que ha pasado». Otros Stories recientes dan las gracias a «Dios por despertarla un día más» o comparten proverbios de la Biblia.
El último disco de Tamar Braxton data de 2017, aunque ha continuado sacando singles sueltos de vez en cuando. El último, ‘You On You’, ha salido este mismo año.
Los discos largos, antiguamente conocidos como «discos dobles», son recibidos con todo el recelo del público en 2025. En parte, porque la gente ya no puede mantener la atención más de lo que dure un Reels. En parte, porque demasiado a menudo fueron fruto de un exceso de confianza en las capacidades propias por parte del artista. Saludos a los Metallica de ‘Load’ y ‘Reload’, a Billy Corgan, a la Alanis del segundo disco, también a los Clash de ‘Sandinista!’ y a todos los que han aburrido con su playlist alternativa «¡si esto era un álbum simple muy bueno!».
Solo algunas veces, los discos dobles o largos han sido alarde de un estado de gracia absoluto. Sin ser este 11º álbum de Cass McCombs algo del tamaño de ‘Blonde on Blonde‘, sí ofrece una gran colección de canciones que cumple el objetivo anunciado por su equipo de resultar dos cosas muy necesarias en estos casos: «conciso» y «variado».
‘Interior Live Oak’ supone el regreso del cantautor californiano al sello Domino tras la reciente reedición de sus primeros trabajos, y de alguna manera su intención ha sido justo recuperar la frescura de sus inicios. Ha vuelto a llamar a dos de sus primeros músicos, Jason Quever (Papercuts) y Chris Cohen, ha regresado a la Bahía de San Francisco y ha titulado el álbum como un árbol de hoja perenne muy común en su tierra original.
Las 16 composiciones son fuertes como la hoja de este roble, pues se benefician de todo lo aprendido por McCombs en sus dos décadas de experiencia. El artista que nos enamoró con aquella maravilla titulada ‘Dreams-Come-True-Girl’ lo hace ahora con el romanticismo de ‘Strawberry Moon’ o esa elegía que abre, ‘Priestess’. En esta confluye el amor por los ídolos musicales y el amor por nuestros seres queridos más cercanos. Dedicada a una amiga que falleció, contiene referencias a Ella Fitzgerald y a John Prine, pues ella solía cantar ‘Angel from Montgomery‘. Un tema que suena como una influencia decisiva en este álbum.
Los distintos géneros fluyen sin exabruptos, produciendo la sensación de que Cass McCombs no dejará rincón de la americana sin explorar. La balada ‘A Girl Named Dogie’ termina entre solos de guitarra eléctrica y una especie de yodelling. En contraste con piezas de 6 y 7 minutos como la desértica ‘Who Removed the Cellar Door’ y «Lola Montez», siempre aparecen cortes de marcado carácter pop, muy breves y pegadizos, que nos hacen pensar en un artista más novel.
Las guitarras y la sección rítmica del single ‘Peace’ son pura alegría trotona. La rockera ‘Asphodel’ abre con brío el segundo LP en la edición vinilo, y otra canción accesible sin duda es ‘Juvenile’ al frente de lo que es la cara D. Un teclado de feria que ni Joe Crepúsculo protege esta composición marcada por los juegos de palabras sobre odiar el odio. «Me gusta que me gusten las cosas, no me gusta que me disgusten las cosas», plantea antes de entregarse a las contradicciones y a una lista de cosas que son una «mierda». «Everything sucks» sería un título alternativo para esta composición de corte adolescente.
La madurez de Cass McCombs se nota sobre todo, además de en la belleza y contención de arreglos, slide guitars, mandolinas y vientos y cuerdas muy puntuales, en unos textos a los que el pop no está acostumbrado. ‘I’m Not Ashamed’ recita: «Sobre todo, fue tu cabello brillando en la oscuridad / Trenzado, inmune al viento / ¿Qué puedo decir que el viento no haya oído ya? / Viniendo y yendo en sus caminos libertinos».
La mencionada ‘Who Removed the Cellar Door’ se arrastra buscando puertas por las cataratas del Niágara, los montes de Mississippi y los terrones de Tennessee; mientras en ‘Home At Last’, la batería parece representar la dificultad con la que ha conseguido llegar a casa; y la guitarra, su pesar por el camino.
Además, en el álbum no falta el humor: amén de ‘Juvenile’, tenemos ‘Miss Mabee’, que hace honor a su irónico nombre para describir a una mujer impredecible, que tan pronto «te ata una bota», como muestra que le «importas un pito». Entretenido, tierno, divertido, lleno de anécdotas, historias y personajes en las que sumergirse que quizá él quiera explicar en alguna entrevista venidera, ‘Interior Live Oak’ mantiene el listón alto en la carrera de Cass McCombs. ¿Escuchará el mundo? ¿Al menos el de California?
Bad Bunny recupera el número 1 de álbumes en España con ‘Debí tirar más fotos’ tras unas semanas rondando el top 3. Aitana, que había recuperado el top 1 con ‘Cuarto azul’ gracias a sus conciertos en grandes estadios, baja tan sólo al número 2. El álbum de Bad Bunny es 5 veces platino; y el de Aitana, platino.
La entrada más fuerte estos días es «Willoughby Tucker, I’ll Always Love You» de Ethel Cain, nuestro último Disco de la Semana, que llega directa al puesto 27 en España tras haber conseguido el puesto 2 en la lista de vinilos. Este ha sido el vinilo más vendido del país esta semana después del de Aitana. Además, el nuestro no es uno de los mejores datos internacionales para el segundo disco de estudio de Ethel Cain.
Este disco de Ethel Cain ha logrado el top 12 en UK, el top 14 en Estados Unidos, el top 16 en Alemania, el top 11 en Holanda y el top 5 en Australia. Los datos logrados son muy similares a los conseguidos por su anterior obra, ‘Preacher’s Daughter’, por lo que parece que su fama se asienta, su público permanece fiel, pero tampoco crece.
Por los pelos llega al top 100 español el nuevo álbum de Black Keys, ‘No Rain, No Flowers’, que se cuela en el puesto 66, siendo top 9 en vinilos. El disco es top 47 en Reino Unido y top 52 en Estados Unidos, lejos de sus tiempos multiplatino.
El público de Jonas Brothers está claro que mengua también: el grupo ni siquiera logra llegar al top 100 de España con ‘Greetings from Your Hometown‘. Lastrado por un bajo streaming y quizá una mala distribución del físico, el disco queda fuera de la lista española oficial. Sí sabemos que al menos se ha distribuido alguna copia porque el álbum aparece en el puesto 93 de LP’s.
En datos internacionales, el disco de Jonas Brothers es top 6 en Estados Unidos, top 55 en Canadá, top 63 en Holanda, y queda fuera del top 100 de Reino Unido pese a haber sido número 26 en ventas.
Volviendo a la lista oficial española, ‘Satirología’ de Kidd Voodoo llega al número 33; ‘Metal Forth’ de Babymetal al puesto 85; ‘Lost Americana’ de MGK al 87; y ‘Una valija en sentimiento’ de Kris R, al puesto 93.
Ahora que el cine de terror parece estar recuperando su esplendor gracias a películas tan aclamadas como ‘Weapons‘ o ‘Devuélvemela‘, Florence + the Machine ha decidido sumarse a la tendencia con un disco temático: ‘Everybody Scream’, que saldrá a la venta el próximo Halloween, el 31 de octubre. Horas después de este anuncio se ha estrenado el vídeo de la canción, de corte rock, en el que «todo el mundo grita», lit.
La banda capitaneada por Florence Welch ya había adelantado el inicio de esta nueva etapa con un impactante vídeo en el que Florence aparecía gritando como una posesa en un agujero en la tierra. Ha sido premonitorio.
También se ha revelado la portada principal y fecha de lanzamiento y se han habilitado los pre-orders del disco en sus distintos formatos, incluyendo ediciones en vinilo con cubiertas alternativas.
Florence no es extraña a crear álbumes conceptuales, ya que su obra anterior, ‘Dance Fever‘ (2022), se inspiraba en la plaga de baile que afectó Europa entre los siglos 14 y 17. Este era, claro, el disco post-pandémico de Florence.
No podemos pasar por alto, por otro lado, el evidente paralelismo entre los nuevos discos de Florence y Lady Gaga, dos artistas que han colaborado en el pasado. Especialmente la gira de ‘Mayhem‘ está orientada al terror y su paso por España coincide con Halloween.
Han transcurrido casi exactamente dos años y medio desde la última edición de esta selección personal de canciones que di en llamar «Flores en el Estiércol«. Lo cual no significa, todo lo contrario, que uno se haya alejado de la escucha de música o de la actualidad… aunque sí confieso que he sentido cierta liberación de esa presión por la urgencia y adelantar tal o cual lanzamiento.
En esta nueva selección con la que la sección resucita, de hecho, compilo canciones que me han atrapado (o yo las he atrapado a ellas, no sé bien) desde inicios de este año hasta ahora. Muchas están contenidas en estupendos álbumes que se publicaron en los albores de 2025, como los de C Duncan (romántico cantautor escocés que remite tanto a Richard Hawley como a Ron Sexsmith), Divorce (gran segundo trabajo de un combo a medio camino de Arcade Fire y Fleetwood Mac), Carmen Lancho (uno de los descubrimientos del año, a la que escuchábamos colaborar en ‘Jesucrista Superstar‘ de Rigoberta Bandini), Darkside (proyecto paralelo con Nicolas Jaar), los neoyorquinos caroline (cuyo tema estrella es un dueto con Caroline… Polachek), Hannah Cohen (con colaboraciones de Sufjan Stevens o Clairo) y Brian D’Addario (imperdible para los fans de su grupo principal, The Lemon Twigs).
Otras, están incluidas en discos que han visto la luz recientemente, como los de Van Morrison, Jamie Lidell, Foxwarren (soberbio regreso del proyecto con el que Andy Shauf se dio a conocer), Mocky y Billie Marten, alguno incluso hace apenas algunos días, como es el caso de los de Gwenno (quizá la ex-Pipettes con la más sólida carrera en solitario) o Cass McCombs (el soberbio ‘Interior Live Oak’, recién salido del «horno»). Y varias, en lanzamientos que tendremos entre manos en próximas semanas o meses, como los de Nourished By Time, Debbii Dawson, Linda Mirada, Geese (cuyo frontman es uno de los nombres-revelación de 2024, Cameron Winter), Wednesday, Nation of Language…
Y lo del subtítulo «Especial Verano 2025» es pertinente no sólo porque vea la luz ahora, a esperas de que esta «resurrección» alcance alguna periodicidad, sino también porque en la secuencia se entreverá cierto espíritu estival, con una estructura «juguetona»: aunque predominan subidones que remiten al asueto, a viaje, a sol y olor a mar o montaña (desde el gran single de Mark Ronson & Raye para este curso hasta la evocación campestre de los instrumentales Moonshiners, pasando por el dub luminoso de Pachyman o el soul contemporáneo de Curtis Harding), y hasta encontramos ciertos toques de hedonismo nocturno (los temas de TRISTÁN! & Calcutta, BAMBII o Polo & Pan invitan descaradamente a bailar); no olvida a aquellos que pasan la sofocante canícula en la metrópolis (dani dicostas, Escandaloso Expósito), para derivar en esa languidez del fin del estío, que culmina con nubes y tormentas como las de Tropical Fuck Storm (¡je!), Idiope & Maria Rodés o Racing Mount Pleasant.
Estilísticamente, aunque hay cierto predominio de sonidos clásicamente americanos (Chaparelle, Ally & J); toques de renovados C-86 (The Tubs), northern soul (Lucy Rose), jazz (BadBadNotGood) o french-touch (Marie-Flore) aportan variedad o color, sin olvidar el rico panorama de neo-folklore patrio con Lorena Álvarez, Los Estanques & Canijo de Jerez, Juventude o Nico Roig & Lucía Fumero. Hasta una bachatita lo-fi, la de Rebe, tiene cabida en una Flores en el Estiércol que confío sirva, quizá, como solaz para, al menos durante un par de horas, diluir en nuestra mente la devastación humana y natural que tanto duelen en estos días. Y que imprima en alguien algún recuerdo luminoso de este agosto de 2025.
Belle and Sebastian han anunciado una gira especial para celebrar el 30º aniversario de sus primeros discos, los celebrados ‘Tigermilk’ e ‘If You’re Feeling Sinister’. Se cumplirá, en ambos casos, el año que viene.
No es que los primeros discos del grupo sean a ciencia cierta los mejores de su carrera. Nuestra redacción así lo determinó en una votación hace 10 años, pero siempre hubo un apasionante debate al respecto, incluyendo otras obras suyas editadas entre 1998 y 2003. Como mínimo, ‘Tigermilk’ y «Sinister» son muy queridos entre sus fans por ser los primeros, y el germen de lo que vino luego.
El primer disco incluía maravillas como ‘The State I Am In’ y ‘She’s Losing It’, además de curiosidades como ‘Electronic Renaissance’. El segundo, la sobresaliente ‘Get Me Away from Here, I’m Dying’, una de las mejores composiciones de su carrera, así como el tremendo tema titular o ‘Like Dylan in the Movies’.
Belle & Sebastian han reservado dos noches por ciudad: la primera tocarán el primer disco completo, y una selección de hits; y la segunda noche tocarán el segundo disco completo, y una selección de hits.
París, Amsterdam, Berlín, Colonia, Dublín y Londres son algunas de las ciudades más cercanas a España en una gira europea que tendrá lugar entre febrero y abril del año que viene, antes de partir a Estados Unidos. Terminarán en su Glasgow natal. No obstante, hay esperanza para nuestro país (minúscula por calendario, eso sí): el grupo ha anunciado que faltan algunas ciudades por anunciar.
02-24 Bern, Switzerland – Bierhübeli
02-25 Bern, Switzerland – Bierhübeli
02-27 Paris, France – Le Grand Rex
02-28 Paris, France – Le Grand Rex
03-02 Amsterdam, Netherlands – Paradiso
03-03 Amsterdam, Netherlands – Paradiso
03-05 Berlin, Germany – Metropol
03-06 Berlin, Germany – Metropol
03-08 Stockholm, Sweden – Göta Lejon
03-09 Stockholm, Sweden – Göta Lejon
03-11 Oslo, Norway – Rockefeller
03-12 Oslo, Norway – Rockefeller
03-14 Copenhagen, Denmark – Amager Bio
03-15 Copenhagen, Denmark – Amager Bio
03-17 Cologne, Germany – Stadthalle
03-18 Cologne, Germany – Stadthalle
04-04 Dublin, Ireland – Olympia
04-05 Dublin, Ireland – Olympia
04-08 London, England – Royal Albert Hall
04-09 London, England – Royal Albert Hall
04-11 Manchester, England – Albert Hall
04-12 Manchester, England – Albert Hall
05-12 Mexico City, Mexico – Teatro Metropolitan
05-13 Mexico City, Mexico – Teatro Metropolitan
05-17 Miami, FL – Knight Concert Hall
05-19 Boston, MA – The Orpheum Theatre
05-20 Boston, MA – The Orpheum Theatre
05-22 New York, NY – The Rooftop at Pier 17
05-23 New York, NY – The Rooftop at Pier 17
05-25 Toronto, Ontario – Massey Hall
05-26 Toronto, Ontario – Massey Hall
05-28 Chicago, IL – Salt Shed
05-29 Chicago, IL – Salt Shed
06-01 Austin, TX – ACL Live at the Moody Theater
06-02 Austin, TX – ACL Live at the Moody Theater
06-05 Los Angeles, CA – Hollywood Palladium
06-06 Los Angeles, CA – Hollywood Palladium
06-08 Big Sur, CA – Henry Miller Memorial Library
06-09 Big Sur, CA – Henry Miller Memorial Library
06-10 San Francisco, CA – The Masonic
06-11 San Francisco, CA – The Masonic
06-26 Glasgow, Scotland – Kelvingrove Bandstand
06-27 Glasgow, Scotland – Kelvingrove Bandstand
Rels B mantiene el número 1 en España con ‘Tú vas sin (fav)‘. Es el primer top 1 para el mallorquín en España y además es disco de platino. Sin duda, es una de las canciones del verano.
La subida más fuerte de la semana es ‘Me mareo’ de Kidd Voodoo con JC Reyes. Pasa del puesto 14 al puesto 12 coincidiendo con la salida del nuevo álbum del joven artista chileno, cuyo nombre real es David León. Edita en su propio sello homónimo, Kidd Voodoo. En próximos días, este tema seguirá subiendo porque ya es top 4 en Spotify España.
La única entrada de la lista estos días es ‘Luces de colores’ de Omar Courtz, que ha de conformarse con el puesto 94.
Sorprende si acaso la reentrada de ‘Every Breath You Take’ de Police en el puesto 95, pues la lista española no es tan amiga como otras internacionales de canciones tan antiguas. Por supuesto, el gran clásico de Police está viviendo una nueva vida en redes desde hace tiempo y actualmente lo encontramos en el puesto 41 del Global de Spotify. Entre los países donde más está gustando este viral: Australia, Suiza, Bélgica, Irlanda, Italia… en líneas generales, la Europa continental.
En su momento, en 1983, ‘Every Breath You Take’ fue número 1 en UK y EE UU, y alcanzó el puesto 3 en España. Muy cuestionada a posteriori por el carácter «stalker» de su letra, la canción nunca ha sido realmente cancelada, mucho menos tras aparecer en ‘Stranger Things’, y camina firme hacia los 3.000 millones de streams en Spotify.
El imitador de un artista, por definición, nunca podrá ser más famoso que el artista imitado. Sin embargo, algunos se han creído tanto el personaje que se han acercado a vivir su misma gloria. Navi, icónico imitador de Michael Jackson, llegó a trabajar con el Rey del Pop. A otros iconos del pop como Elvis Presley o Madonna les han llovido imitadores y artistas de drag han actuado -y siguen actuando- recreando su imagen, voz y estilo.
Uno de los casos recientes más memorables es el la drag queen imitadora de Lady Gaga que, tras un concierto del Chromatica Ball, enloquecía al público después de que un guarda de seguridad la empezara a escoltar pensando que era la verdadera Gaga. La drag queen, Penelopy Jean, aclaraba a gritos que era una «drag queen», dejando al guarda completamente desconcertado.
La cultura de la imitación de artistas pop no surge de manera espontánea: en el mundo del drag forma parte de una larga tradición de expresión artística queer anclada en la parodia y el homenaje. Sin embargo, es inusual que un artista de drag desarrolle una carrera basándose en la imagen de un artista concreto, aunque existen casos de imitadoras de Isabel Pantoja en España (La Pantoja de Puerto Rico), o de Britney Spears en Estados Unidos (Derrick Barry).
Pero también hay que hablar de profesionales que imitan como parte de una economía del tributo, con conciertos en salas y teatros o incluso giras internacionales que generan millones en ingresos. El público consume este tipo de espectáculos como una forma de acercarse a artistas ya fallecidos o a aquellos cuya presencia resulta inaccesible, ya sea por razones económicas o por la dificultad de verlos en vivo. Amy Winehouse es un ejemplo reciente.
Algunos «impersonators» de artistas actuales son casi tan famosos como los imitados. Paige Neimann, por ejemplo, es la famosa imitadora de Ariana Grande. Y Justin Bieber cuenta con varios. En el caso más triste, uno de ellos, Tobias Strebel, falleció a los 35 años, tras haber invertido cerca de 100.000 dólares en operaciones de cirugía estética para parecerse al canadiense.
Pero los imitadores de Bieber continúan apareciendo. Esta noche, uno de ellos ha logrado actuar en un club de Las Vegas tras convencer al equipo de seguridad de que se trataba del propio cantante. El imitador, que irrumpió en el escenario del XS Nightclub sin camiseta, cubierto de tatuajes, con vaqueros, gafas de sol y el pelo rapado, actuó durante más de cuatro minutos antes de ser escoltado fuera del recinto. El club se dio cuenta de que se la habían colado leyendo comentarios de TikTok.
El impostor resultó ser el francés de 29 años Dylan Desclos, conocido en TikTok por su parecido físico con el intérprete de ‘Yukon’. Y aunque su aparición podría tratarse de una maniobra publicitaria de algún tipo, la web Casino asegura que varias personas han sido despedidas tras el incidente. En TikTok, varios usuarios lamentan que, tras el ataque terrorista de 2017, la seguridad en Las Vegas siga siendo deficiente y permita episodios como este.
La imitación simplemente abre a muchos una puerta hacia la oportunidad laboral. ¿Cuántos empleos ha generado la imitación de Elvis Presley? ¿Había otra vía profesional para el imitador de Freddy Mercury, Marc Martel? Desconozco si Desclos se gana la vida con esto, o si de momento solo ha decidido llevar su parecido físico con Bieber a sus últimas consecuencias. Lo seguro es que este incidente ha colocado su nombre -y su imagen- en los medios de todo el mundo. Dedicarse al show business es difícil, pero seguro que la visibilidad mediática ayuda.
Aunque hay maneras alternativas de imitar sin tener que liarla parda. En el último año se han vuelto tremendamente populares los concursos de «lookalikes» o dobles, a raíz de la visita de Timothée Chalamet a un evento de este tipo celebrado en Nueva York. Desde entonces se han convocado con éxito concursos de dobles de Harry Styles en Londres, Rosalía en París, Paul Mescal en Dublín o Zendaya en Oakland.
Estos concursos, convocados través de redes sociales, no requieren actuar, ni cantar, ni viralizarse, ni mucho menos la intervención de un programa de televisión; el único requisito es que los concursantes se parezcan al artista elegido. Aquí ya no se habla de imitación, sino de puro parecido físico. El público entonces decide al ganador. Normalmente no hay premio o se da un premio económico simbólico. Sin embargo, el actor Glen Powell llevó la idea al siguiente nivel, premiando a su doble ganador con la posibilidad de que un miembro de su familia protagonizara un cameo en su próxima película.
Por supuesto, nada de esto es nuevo: los concursos de imitadores o de dobles existen, como mínimo, desde principios del siglo pasado. Lo que demuestran casos como el del impostor de Justin Bieber o la drag queen que fue confundida por Lady Gaga es que siempre habrá personas dispuestas a llamar la atención o incluso a ganarse la vida imitando a otros artistas. Y también habrá quienes, al no estar extremadamente familiarizados con la imagen de una celebridad, caigan en la “trampa”, como aquel que lee una noticia de El Mundo Today y la toma en serio.
Amaral tuvieron la ocasión de telonear a Bob Dylan en 2004 durante una gira por España: algo que no olvidarán en su vida, sin lugar a dudas. El tour dejó, por el contrario, un sabor amargo por culpa de un bulo que ha circulado durante estos 20 años. Que a Bunbury le dio mucha rabia no haber teloneado a Bob Dylan; tanta, que le habría dedicado a Eva Amaral el tema ‘Puta desagradecida’.
Aquel tema incluido en ‘El tiempo de las cerezas’ decía cosas como «Te ganaste tu lugar con ingeniosa ingenuidad / No entiendo cómo eres capaz de sentirte peligrosa siendo tan vulgar» o «No conozco a nadie que mienta como tú / Con tanta disciplina, precisión y sinceridad».
Estos días Amaral han acudido a redes para pedir a Bunbury que aclare todo esto, después de que una cuenta llamada Izquierda Crítica volviera a traer a la actualidad el rumor. A esta cuenta contestaban: «En lugar de venir aquí a atacar y contar estupideces por qué no le preguntas a @bunburyoficial Creemos que es hora de que se cuente la verdad y de paso de que sus seguidores nos dejen en paz».
Y continuaban comentando en X: «Hartazgo grande de tanto ataque machista. Igual este hombre debería haber parado esto hace tiempo (…) Esto no es una cuestión de ser mejor o peor. Es una historia de acoso continuado por parte de algunos seguidores de @bunburyoficial Con insultos bastante misóginos y chungos y también amenazas. Todo en base a una historia que alguien se inventó. Basta ya!».
Bunbury ha cogido el guante y ha desmentido en su Instagram que ‘Puta desagradecida’ esté dirigida a Eva. Además, ha aprovechado para recordar cómo fueron los hechos en torno a la gira de Bob Dylan y sus sentimientos al respecto: «No me importa volver a insistir que en esa gira eran ellos los contratados para abrir a Dylan y que a mí me llamó Gay Mercader para sustituirles por un problema en la mano de Juan Aguirre. Yo me ofrecí para hacer los shows que faltaban. Cuando me comunicaron que Eva continuaría haciendo los shows sola, me alegré por ella, aunque a mí me hiciera ilusión abrir para Dylan. Amaral no me quitó el puesto en absoluto. Era suyo. Nunca me enfadé, porque no tenía motivos».
Sobre la canción en sí, aclara: «No acostumbro atender a rumorologías, ni dimes y diretes, ni atiendo a lo que se dice en las redes, pero me llega el malestar que ha mostrado el dúo Amaral por la insistencia e insultos que algunos les han hecho llegar a lo largo de los años. Sé que desde que se publicó la canción Puta Desagradecida en el álbum El Tiempo de las Cerezas en 2006 surgió el rumor de que estaba dedicada a Eva Amaral. Aunque el rumor no tenga una base sostenible, sino más bien todo lo contrario».
Continúa insistiendo después: «La canción no tiene nada que ver con ella. Es una canción a la manera de las canciones latinoamericanas de despecho que tanto me gustan. En ese mismo álbum grabamos Bravo, que es aún más dura. En todo caso, siento mucho el daño que le hayan podido ocasionar en todos estos años mensajes que les hayan mandado por redes sociales, aquellos que se tomaran tan en serio una rumorología, que yo no inicié y de la que no soy en absoluto responsable. Aún así, pido desde aquí el respeto que tienen y merecen. Amaral es un dúo de talento evidente y mayúsculo, a los que desde aquí envío mi admiración y disculpas por todo lo sufrido».
En lugar de venir aquí a atacar y contar estupideces porque no le preguntas a @bunburyoficial Creemos que es hora de que se cuente la verdad y de paso de que sus seguidores nos dejen en paz.
La campaña por el segundo disco de Olivia Dean va viento en popa. La cantante londinense de neo-soul tuvo ya bastante repercusión con su debut, ‘Messy’, que lideró el sencillo ‘Dive’. La nominaron a los Brits, incluso al Mercury, y aunque no ganó ni en un caso ni en otro, su nombre empezó a sonar también de manera internacional.
Su nuevo álbum se llama ‘The Art of Loving’ y le ha dado su primer top 10 en las listas británicas de singles.
La canción se llama ‘Nice to Each Other’, habla sobre respetar la independencia del ser querido dentro de una relación, y tiene un sonido más cercano al pop-rock de los 70 tipo Fleetwood Mac. También hay quien ha visto a Harry Styles en su referencia a Italia, dados los rumores no confirmados de que ambos mantienen o han mantenido una relación (Styles tiene una casa en dicho país). Parte de esos rumores vienen del Kalorama Madrid de 2024: Olivia Dean actuaba, Harry estaba entre el público.
En cualquier caso, ‘Nice to Each Other’ se ha intentado vender en Estados Unidos a través del programa de Jimmy Fallon.
La subida paulatina en listas de ‘Nice to Each Other’ este verano ha coincidido con el éxito de la colaboración de Dean con Sam Fender, que ha llegado al top 6. Pese a que el protagonismo de Olivia Dean en este otro tema titulado ‘Rein Me In‘ es limitado (su voz no aparece hasta la segunda estrofa), está plenamente acreditada en él, y su voz encaja perfectamente en este registro más folk y americano, próximo a Bruce Springsteen. Sobre todo con los vientos del final, que remiten definitivamente a otra época.
Y la tercera buena noticia para Olivia Dean es que el nuevo single de su disco, ‘Man I Need’ (el tercero tras un ‘Lady Lady’ que pasó más desapercibido), está arrasando también.
En este caso se trata de una canción más fiel al registro neo-soul con el que la conocimos, que versa sobre merecer el amor. No son las producciones de Olivia Dean ese zarpazo que eran los hits del género en los 60 o en los 70; a cambio nos ofrecen una amabilidad y un confort que se agradece en estos tiempos que corren. Para muestra, el vídeo de ‘Man I Need’, compuesto a través de varios planos secuencia; primo hermano de los dos anteriores.
Os hablamos de googly eyes a finales de 2023 a raíz de su single ‘Glad I Don’t Have To’. Su música transmitía entonces la innovación de la primera Imogen Heap, pero también la frescura de artistas de pop electrónico actuales como Tove Styrke o Cashmere Cat.
La creatividad de las producciones de googly eyes, unida a la eficiencia de sus melodías, pues ella al fin y al cabo tiene un pie metido en el mundo del pop comercial, han producido últimamente piezas tan recomendables como ‘Brand New Bitch’ o ‘Internet Star’. Ambas forman parte de ‘Starlet’, su minidisco de 2024.
La siguiente fase en la carrera de googly eyes es una colaboración con Tove Lo y Flume que se ha materializado en varias grabaciones durante el último año. La primera que se ha dado a conocer es ‘I Don’t Go Out’ y es la Canción Del Día de hoy.
‘I Don’t Go Out’ es una asombrosa muestra del excitante pop que estos tres artistas son capaces de crear juntos. googly eyes pone letra y melodía, Tove Lo probablemente ayuda en composición, y Flume hace de las suyas envolviendo la canción en un torbellino de distorsiones digitales. ‘I Don’t Go Out’ es una pieza que funciona gracias a sus contrastes: entre la dulzura de la melodía y la corpulencia glitch de la producción, entre la emoción pop y la experimentación sonora llevada al límite.
En el fondo, ‘I Don’t Go Out’ es una simple canción de amor sobre la sensación de confort y seguridad que genera la compañía de la persona amada. En el mundo de googly eyes, el sofá de casa es toda la discoteca que necesita, su «habitación VIP». El hook de la canción lo deja muy claro: «Yo no salgo si estoy contigo».
Las 92 fechas del ‘Lifetimes Tour’ de Katy Perry siguen su curso. No será hasta noviembre cuando la gira llegue a España, en este caso tanto a Madrid como a Barcelona; de momento, continúa recorriendo Estados Unidos de cabo a rabo.
En el concierto de este 17 de agosto en Carolina del Norte, los vídeos durante una de las actuaciones parecen capturar que la cantante recibe una descarga eléctrica mientras está siendo alzada por unos cables.
Este extremo no ha sido confirmado por Katy Perry ni por su equipo y su pierna durante ese segundo podría estar realizando un movimiento reflejo, aunque un tanto extraño tras el correspondiente tiempo de ensayos, entrenamiento y/o calentamiento.
Pese a la duda, es verano y varios medios como Vulture se han apresurado a recopilar todos los incidentes que han tenido lugar durante este ‘Lifetimes Tour’. Sobre todo el momento en que los hilos de la mariposa voladora fallaron, el día en que una jaula esférica se ladeó demasiado, aquella fan que cayó desmayada de repente y de manera fulminante…
El citado medio titula con humor si el tour está intentando atacar a su propia creadora, jugando además con el nombre de la gira, que era algo así como «de por vida» o «para toda la vida».
Incidents during Katy Perry’s ‘The Lifetimes Tour’:
• Nearly fell from giant ball prop • Nearly plummeted from floating butterfly prop • Electric shock • Fan collapsed onstage • Laser pointed at the singer • Fan crashed the stage • Tripped/slipped onstage pic.twitter.com/fuxyi59oi9
Maroon 5 ha sido, durante dos décadas, una máquina de éxitos globales… ¿por qué ya no lo es? La respuesta es compleja: probablemente entran en juego varios factores como la evolución (o estancamiento) de su propuesta musical, los cambios en las tendencias del pop y el modo en que la industria y el márketing han decidido posicionarlos.
‘Love Is Like’, octavo álbum de Maroon 5, demuestra que la banda capitaneada por Adam Levine no ha perdido el norte por completo. Simplemente, esta vez, las composiciones son correctas hasta el sopor y muy poco memorables, logrando que 27 minutos de música se hagan largos.
Si existe algún tipo de concepto detrás de ‘Love Is Like’ es el de recuperar el sonido de los primeros discos de Maroon 5, esos que coqueteaban con el hip-hop, el funk y el blue eyed soul antes de que la industria convirtiera a la banda antes conocida como Kara’s Flowers en un gigante del pop. En ese sentido es de agradecer que Maroon 5 entregue una obra breve y cohesionada.
Sin embargo, esta vez la fusión no produce himnos como ‘This Love‘ o ‘She Will Be Loved‘. Aquí, los temas que contienen la palabra «love», como ‘Love Is Like’ con Lil Wayne o ‘My Love’, son tan agradables como fáciles de olvidar. Maroon 5 trata de añadir profundidad a las canciones incorporando samples de temas antiguos de soul, como ‘Silly Wasn’t I’ de Valerie Simpson, que suena en el corte titular; o ‘You Know I Love You’ de Barbara Stant, insertado en ‘Burn Burn Burn’, pero los samples suenan tirados de forma superficial y el disco tampoco se compromete con esta idea.
Nunca ha sido necesariamente un problema que las canciones de Maroon 5 apunten abiertamente a la comercialidad, pero en ‘Love is Like’ predomina una sensación de vacío incluso cuando los cortes parecen tratar la propia vida de Levine, en concreto sus problemas maritales, como ‘Yes I Did’, que dice: «¿He cometido todo error que se podía cometer? Sí, lo hice. ¿He asumido la responsabilidad de todo? Sí, lo hice». No es casualidad que la tibia fusión reggae-pop de ‘Hideaway’ invite a «olvidar el pasado».
Pero no es tanto que temas como ‘All Night’ o ‘Priceless‘ coqueteen con los clichés del disco y el pop-funk, sino que las composiciones carecen de sustancia. ‘Priceless’, que cuenta con la colaboración de Lisa, cantante y rapera tailandesa de BLACKPINK, es el único corte del disco que ha tenido cierto eco, aunque limitado a algunos países asiáticos. Al igual que ‘143‘ de Katy Perry, ‘Love is Like’ ofrece una versión de Maroon 5 reducida a su mínima expresión, a un soplo de desvanecerse en la nada.
Algunas melodías incluso suenan enervantemente repetitivas, como las de ‘Burn Burn Burn’ y ‘Jealousy Problems’, que suenan seguidas en la secuencia; y, a pesar de la variedad de influencias (nudisco en ‘I Like It’, canción acústica en ‘California’), la fórmula de pop procesado de Maroon 5 esta vez no lleva las canciones de ‘Love is Like’ a su máximo potencial. El resultado es un álbum que no hace ningún honor a la música pop, y que parece un mero trámite.
Cargando ...
