‘Un verano sin ti’ de Bad Bunny sigue siendo el disco más popular del país, y mantiene el número 1 de Promusicae una semana más, mientras ‘MOTOMAMI’ de Rosalía araña un puesto más con motivo de la gira del álbum. Es número 2, un lugar por encima de ‘El Madrileño’ de C. Tangana, que también gana un puesto en perjuicio de ‘Harry’s House’.
Las entradas de la semana se limitan a dos: ‘Toast’ de Neil Young & Crazy Horse -grabado en 2001, publicado ahora- llega al puesto 37 (en UK es top 23), y ‘Freedom’ de Journey al 92. Esta última una posición similar a la conseguida en Reino Unido (87) y Estados Unidos (88) por el 15º disco del grupo.
Tras sus actuaciones en Mad Cool, sube ‘Dance Fever’ de Florence + the Machine al puesto 55 y reaparece ‘Calambre’ de Nathy Peluso en el puesto 74. Como fe de erratas podemos apuntar que la semana pasada comentábamos que Imagine Dragons volvían al top 10 con motivo de su paso por Mad Cool, pero en realidad se trataba de una edición que aunaba ‘Mercury-Act 1’ y ‘Mercury Act 2’.
Superorganism publican esta semana su segundo disco, un ‘World Wide Pop’ en el que mantienen el original sonido de su debut homónimo, al tiempo que suman la co-producción de nombres como Stuart Price. Es un curioso álbum que NO les acercará al mainstream pero que cuenta con un original elenco de colaboradores, de Stephen Malkmus de Pavement a CHAI pasando por samples de décadas remotas.
Hace unos meses dos de los cerebros del grupo pasaron por Madrid para promocionar este álbum que ha de consolidar a Superorganism en el panorama. Son Orono Noguchi, más retraída y callada pero siempre capaz de sentenciar cuando habla, y Harry, más dicharachero y bromista. El humor de Orono es permanecer muy seria en medio de afirmaciones como «no estoy siempre de buen humor, más bien a las malas», mientras Harry sonríe todo el rato. ‘World Wide Pop’ es el «Disco de la Semana».
Empezáis el disco diciendo que «el fin se acerca», el álbum trata sobre el fin del mundo…
Harry: «El primer tema establece cuál será el tono del disco, que va sobre la dualidad de disfrutar del éxito y la excitación de las novedades, pero también sobre el miedo de que todo se acabe de repente. Es una canción tipo «bienvenido de vuelta», también sobre contemplar cómo tu ego se desmorona en un agujero negro de soledad (risas)».
Y la canción final se llama nada menos que ‘Everything Falls Apart’.
Harry: «¡Pero creo que es optimista!».
Orono: «Es capcioso».
Harry: «Es la conclusión del álbum, igual que el primer tema es el principio. Si escribes un ensayo, habrá una introducción y una conclusión. Estas dos canciones son la introducción y la conclusión. El mensaje es que las cosas se desmoronan pero podemos superarlo».
Superorganism para mí era un grupo divertido, pero por lo que veo, no lo es tanto.
Orono: «Las canciones pueden transmitir buenas vibraciones pero yo no estoy siempre de buen humor. Estoy de un modo neutral o incluso a las malas».
Harry: «Eres un ser humano como todo el mundo».
Orono: «Sí, totalmente».
Harry: «No confíes en quien siempre esté de buen humor. ¿De dónde saca la gente la energía para eso? Hay una reflexión sobre esto en el disco. A veces las vibraciones son buenas y genial, pero a veces no lo son. Queríamos explorar los extremos de cosas realmente buenas y cosas realmente malas, como la soledad. La sociedad ha experimentado todo esto también en los últimos años».
¿En qué canciones creéis que están los Superorganism más tristes?
Harry: «‘Oh Come On’ es melancólica. Triste no es la palabra…»
Pero melancolía era la palabra que implicaba «depresión» antiguamente, al menos en España.
Orono: «Tenía depresión cuando la escribí, así que me vale…»
Harry: «Es menos agresiva la palabra. «Triste» puede ser «enfadado». «Melancólico» es otra cosa que esa canción captura. De manera natural hacemos canciones rápidas y melódicas. Las melodías vienen a nuestra cabeza así, de manera que nunca vamos a sonar como una canción triste de Radiohead (risas), pero aun así, expresamos sentimientos diferentes».
Nunca vamos a sonar como una canción triste de Radiohead (risas), pero aun así, expresamos sentimientos diferentes
¿Son importantes las letras para vosotros? Me extraña incluso preguntaros tanto por ellas, pero hay muchas frases que me han llamado la atención en este disco.
Orono: «Muy importantes, como creativos. La letra es tan importante como la música, como el packaging del disco, el concierto en vivo también… Está todo relacionado».
Harry: «Pasamos mucho tiempo midiendo el nivel, si lees las letras habrá cosas que te sorprendan. Intentamos no ser demasiado conscientes al escribir, pero sí intentamos ser considerados, cuidar las cosas. Si quieres sólo una canción pop ahí estará, pero si quieres algo más profundo también lo encontrarás».
¿Qué nos podéis contar del packaging del disco?
Orono: «He profundizado mucho en él, lo he ido desarrollando durante la pandemia. No sabía cómo hacer arte visual más allá de mi portátil, pero he diseñado todo en torno a un concepto elaborado dividido en 2 partes. Cuando te compras el disco se abre un nuevo diseño que está debajo, hay «huevos de Pascua» que vas descubriendo: la gente tiene que comprárselo. Me ha llevado 3 años hacerlo. Son diferentes en CD y vinilo, así que ha sido un trabajo muy duro».
Harry: «Hemos sido fans de artistas antes de artistas. Es muy guay cuidar estas cosas. Hemos colgado en las redes círculos en blanco y la gente tenía que ir adivinando qué significa eso, qué iba a aparecer en el diseño dentro de los círculos, nos ha encantado. Cuando era más joven, quería saber todo de los grupos que me gustaban, como la conspiración sobre la muerte de Paul McCartney (risas), y ahora nosotros buscamos cuidar todas esas cosas».
Veo que en el diseño hay muchos animales y las letras hablan de «los niños del Planeta Tierra». ¿Hay un mensaje ecologista o de cambio climático?
Orono: «Sí, pero no de manera explícita».
Harry: «Ese tema (‘World Wide Pop’) tiene un sample creo que es de Carl Sagan, sobre naves espaciales de los 70, hablando sobre la sociedad humana, lo alienígena… Es sobre mirar el planeta y pensar quiénes somos. Es uno de los temas del disco. Intentamos no ser explícitamente políticos, pero nos interesa la sociedad, la naturaleza y eso se refleja en el álbum».
¿Por qué no queréis ser más explícitos?
Harry: «Muchos artistas lo son, algunos son elocuentes y lo expresan mejor. Nosotros podemos escribir sobre lo que sabemos. También es verdad que cuando te metes a escribir de algo que pasa ahora, en un momento concreto, te estás refiriendo a un período de tiempo muy pequeño. Puedes escribir sobre Donald Trump, pero en 500 años será una página muy pequeña de la historia. Así que si escribes algo muy específico, puede resultar corto de miras. Pero si escribes en general, creo que conectas con un rango más amplio de una manera artística».
Puedes escribir sobre Donald Trump, pero en 500 años será una página muy pequeña de la historia. Así que si escribes algo muy específico, puede resultar corto de miras
¿Cuántos miembros sois en el grupo?
Harry: «5».
¿Son 3 los que se han ido?
Harry: «Son cambios de la vida… Al principio ni siquiera intentamos ser una banda. Hicimos una canción sobre hacer una banda, éramos un colectivo, todo pasó muy rápido, a la gente le interesó… Esto al final sí que es una banda, pero nosotros nos veíamos como un colectivo y sabíamos que podía ser cambiante. También dijimos que podía sumarse gente, pero luego nos dimos cuenta de que no era muy práctico (risas). Han pasado cosas en el mundo y hay gente que se ha dado cuenta de que la banda no era una prioridad. No ha habido grandes problemas, más allá de eso».
Presumías de ser de diferentes partes del mundo, pero tampoco es que sea muy práctico…
Orono: «Bueno, eso todavía lo hacemos así: yo estoy en Japón, él en Londres, otros en Australia…»
Harry: «Puede ser duro, pero ahora mismo nos funciona. Tenemos tiempo y energía. Ya sé que no vale para todo el mundo».
¿Habéis escrito el disco sobre todo por mail?
Harry: «Sí, también juntos, jams en Chicago como la de ‘Oh Come On’, hemos trabajado con productores en sus habitaciones de casa, en Japón, en América… de todas las formas posibles».
Llama la atención que hayáis contado con Stuart Price, me gusta mucho lo que hace, pero para vosotros nunca lo hubiera imaginado. ¿Para qué le necesitáis? Ya teníais vuestro sonido con el primer disco, y excepto en ‘Don’t Let the Colony Collapse’ no le intuyo tanto.
Harry: «Produce 7 canciones, tampoco todas. Él tiene su sonido, sé lo que quieres decir, es un músico increíble, pero también es un gran productor, y su trabajo no es poner su sello en el artista».
Orono: «Nosotros intentamos hacer mainstream en nuestra cabeza, y como él ha trabajado con esta gente, sabe cómo llevarnos ahí».
Harry: «Nos volvemos un poco locos, nosotros hacemos la música en casa. Bueno, él también, pero quiero decir que nosotros hemos aprendido a producir viendo tutoriales de Youtube, nos vemos como artistas amateur y teníamos la oportunidad de producir con alguien de renombre».
Orono: «Hizo un remix para alguien de nuestro sello, Dominos, y creo que así fue como entramos en contacto».
Harry: «Nos dijo que era fan, hablamos por Zoom de manera abstracta sobre música. Le dijimos lo que hacíamos, lo que intentábamos hacer, le mandamos las canciones y nos decía: «esto es lo que pienso». Ya habíamos escrito casi todas las canciones, así que puso su toque mágico de sintetizadores o lo que sea. Ha sido como una colaboración».
Así que ya le gustabais de antemano.
Harry: «No nos dijo nada de que el primer disco pudiera ser mejor, dijo que le molábamos. Todas las colaboraciones que hay en el disco han salido de manera natural, no a través de sellos o algo así. Estamos abiertos a colaborar, pero que la gente entre en tu mundo».
En el álbum está Stephen Malkmus, que no es el tipo de persona que te mete en el mainstream…
Harry: «Sí, quedamos. En el primer álbum le nombramos en todas las entrevistas».
¿Qué discos suyos admiráis más?
Orono: «Me ha encantado su disco ‘Traditional Techniques’, estaba obsesionada con él».
Harry: «Ahora mismo diría que mi disco favorito de Pavement es ‘Brighten the Corners’, pero todos me gustan, depende de cuándo me pregunten».
¿Habéis tratado su voz?
Harry: «Las dos cosas, queríamos encajarle en la producción, pero tampoco le dimos una pauta de lo que queríamos, le mostramos la canción y le pedimos que aportara su visión, la cual fue una locura. Es una de esas cosas difíciles de describir».
Cuando hemos entrevistado a The Go! Team, hablan mucho del tiempo que pasan buscando samples, escuchan mucha música. ¿Cómo trabajáis a nivel producción? ¿Vosotros escucháis también una salvajada de música o sois más autores?
Harry: «Nos suelen relacionar con bandas como The Go! Team o Avalanches, porque hay similitudes. Es un honor porque nos encantan, pero es engañoso porque nosotros no escribimos a partir de samples. Escribimos con una guitarra acústica o incluso al piano. Es más tradicional, y luego construimos la producción a partir de eso. No sé cómo trabajan Avalanches, que son unos genios, me vuelan la cabeza, pero nosotros construimos la producción en torno a la canción, y no al revés».
Nos suelen relacionar con The Go! Team o Avalanches. Es un honor, pero es engañoso porque nosotros no escribimos a partir de samples
Es gracioso porque en una canción podéis decir la palabra «explosión» y a continuación suena una «explosión».
Orono: «Muchas veces es muy por asociación: «esto me recuerda a esto, vamos a ponerlo».
Harry: «Es un poco infantil».
Orono: «Es como un patio de colegio».
Harry: «Es divertido porque durante 2 semanas hemos hecho versiones a piano de canciones, para unos acústicos en los que tocábamos ‘Teenager’, ‘On and On’ y «crushed». Nos dimos cuenta de que sonaban bien y eso es por el modo en que escribimos».
Habladme de ‘Teenager’, no sé si es una crítica del eterno adolescente o una crítica al edadismo . ¿Os veis cantando esta canción con 60 años, o 70 y 80?
Si la interpretas de cierta manera…
‘Teenager’ habla de la fetichización de la adolescencia en las redes sociales, pero solo es una observación
¿Y si quiero ser un eterno adolescente?
Orono: «Ni siquiera digo eso, es una observación en torno a las redes sociales. La gente joven quiere ser hoy la persona más popular, en Youtube, y demás. Es un comentario sobre eso, es sobre la fetichización de la adolescencia en las redes sociales».
Harry: «Es como cuando cantábamos ‘Famous’ en el disco anterior. Mucha gente nos decía: «yo no quiero ser famoso». La canción no era «quiero ser famoso» sino un comentario sobre ser famoso, como esta canción es sobre ser adolescente. Solo es una observación».
¿Habéis dicho que queréis ser mainstream pero no famosos?
Harry: «Somos contradicciones andantes».
Orono: «Yo no quiero ser famosa. Mientras nosotros podamos hacer la música como la queramos hacer… Intento no estresarme mucho sobre la fama, porque al final del día no es lo que importa».
Harry: «Ponemos nuestros egos en el trabajo, en la música, tienes que tener ego para ser artista, pero no queremos adoración, gente en el hotel esperándonos y haciéndose fotos con nosotros. Pero queremos que todo el mundo escuche nuestra música con cascos. Es un poco pretencioso igual, pero es como nos sentimos».
Todos somos adictos al móvil y nos frustra, pero no le decimos a la gente que tire el móvil. Es un mensaje para nosotros mismos
Supongo que ‘Put Down Your Phone’ es más o menos lo mismo…
Harry: «También es una observación, no le decimos a la gente que tire el móvil. Es un mensaje para nosotros mismos».
Orono: «Todos somos adictos al móvil».
Harry: «Y nos frustra. Intentamos apañárnoslas para no mirar el móvil tanto, no creo que sea saludable mirar las noticias todo el rato, es muy estresante. Intento no mirar el móvil una hora y media antes de acostarme, implica mucho ruido. Hacemos esfuerzos para desengancharnos, pero la canción es el conocimiento de una situación, en la que nosotros no somos una excepción, no vivimos aislados ni nada así».
Entre los featurings del disco hay incluso actores, como Gen Hoshino. ¿Alguien que se resistió?
Orono: «Queríamos a Kanye».
Harry: «Pero nadie que intentáramos (dijo no). El sello y el management son muy buenos. Lo más difícil ha sido liberar samples, como el de ‘It’s Raining’. Cuando les presentamos la canción, casi les podías ver disimulando el eye rolling (risas) Tienes que averiguar qué porcentaje de derechos cedes y fue como «ya estamos otra vez». Como cuando en ‘Black Hole Baby’ sale gente hablando. Llevó 6 meses averiguar de quiénes eran las voces que suenan exactamente, pero creo que hemos conseguido todo gracias a nuestro equipo».
Ninguna generación se entiende sin la música que la representa. ‘Cómo mandarlo todo a la mierda‘, la nueva serie de HBO Max, ha cuidado especialmente la línea artística en ese sentido. Otras series juveniles presentan una amalgama de estilos, modernos y retro, indies y todo lo contrario, que parece fruto del azar, o más bien de imperativos editoriales. A veces no pega absolutamente nada lo que escuchamos con la personalidad de los protagonistas que vemos en la pantalla.
No es el caso. Los selectores musicales de ‘Cómo mandarlo todo a la mierda’ han parecido escuchar las inquietudes del guión, y si la serie contiene mensajes de desarraigo social, búsqueda de uno mismo, falta de oportunidades… eso es exactamente lo que nos transmite la banda sonora. Música que se ha concentrado en torno al llamado género urbano, con nombres actuales tan queridos como Trueno y Ptazeta, o el de la desaparecida Gata Cattana.
Destaca la apuesta por la actriz Malva Vela. Junto a Naira Lleó es la gran protagonista de la serie, y además cuenta con una carrera musical propia con guiños al R&B y al flamenquito. Ha colaborado de hecho con gente como Lin Cortés, por ejemplo en una ‘Malva Marina‘ que recordaba a la hija prácticamente desconocida y enferma de Pablo Neruda, a la que descubrió leyendo a Lorca. Un EP publicado este año llamado ‘Rúbrica X’ contiene ese ‘Malva Marina’, ‘Ofelia’, que es el tema que suena en ‘Cómo mandarlo todo a la mierda’, y tres temas más, ‘Helen K’, ‘Frida’ y ‘Chavela’. Sus títulos dicen algo sobre sus inquietudes, ¿verdad?
Otras de las canciones con mayor protagonismo en el curso de ‘Cómo mandarlo todo a la mierda’ son ‘OASIS’ de la rapera Santa Salut, ‘In the City’ de Goa, ‘Be Yourself’ de Ptazeta o ‘Gigantes’ de Miranda y Acción Sánchez. ‘OASIS’ es una canción que habla de fragilidad, de anhelo, de miradas que se cruzan en medio de una rayada, estupenda en sus cambios de ritmo. ‘In the City’, un tema de rock que conecta a los seguidores de los Strokes con los de Depresión Sonora a día de hoy. ‘Be Yourself’, una maravilla con ritmazo que nos habla de drag queens y bounce como el mejor pepinaco de Beyoncé. ‘Gigantes’, un tema lleno de sensibilidad.
Además de nombres tan importantes y exitosos como Anier, hay que reivindicar otros tan interesantes que la serie puede descubrir a un público más amplio. «Yo sufrí mucho por no valorarme», comienza la mitad murciana mitad madrileña Nieto666 su relato en ‘M3’. Además, aparecen también algunos de los productores más interesantes del underground patrio, como es el caso de rusowsky o Leftee. El primero, perteneciente al sello Rusia IDK como Mori o Ralphie Choo, aparece junto a Çantamarta en la palmera y veraniega ‘Liit’. Y Leftee, miembro del colectivo valenciano Toxic Pop, aparece en este caso con un curioso registro vintage ochentero, ‘Como una rockstar’. Gran manera, la de esta playlist tan bien cohesionada, de acercarse a las voces de unos músicos con las ideas claras y una línea artística más que bien definida.
Nacho Vegas continúa con la gira de presentación de ‘Mundos inmóviles derrumbándose’, que le llevará por ejemplo este próximo 29 de julio -el viernes de la semana que viene- a Madrid. Será en Noches del Botánico y con teloneros de lujo: Laura Sam y Juan Escribano. Las entradas están a la venta.
El artista sigue repasando viejos éxitos y promocionando su nuevo disco. El último eslabón ha sido el vídeo de ‘Ramón In’, una de sus canciones más confesionales, lo cual es mucho decir para el autor de ‘El ángel Simón’; y también atrevidas, lo cual es mucho decir para el autor de ‘Dry Martini SA’. Una historia de un amigo que murió en años recientes, salpicada de sexo y drogas, y cuyo vídeo está protagonizado por Sandra Fernández, actriz y modelo que apareció en el capítulo final de ‘Veneno’.
‘Ramón In’ es hoy nuestra “Canción del Día”, entre su letra descarnada, el desenlace épico aportado por guitarras eléctricas y voces ahogadas y ahora la película de Cortexiphan Prods que suma imágenes de archivo extraídas del canal de Youtube de la transformista asturiana Greta Luchino. Un entorno LGTB+ de deliciosa decadencia que sirve para ilustrar una letra que nos hablaba de sexo oral y consumo de drogas.
Nos contaba Nacho Vegas sobre esta canción en una entrevista hace unos meses: «Es sobre un amigo que murió en 2018. Yo quería que fuera lo que llaman el «focus track», que yo lo llamo el «fuckin track», pero en la oficina y los amigos a que consulto porque no se me da muy bien lo de los singles, no lo veían». Cuando le comentaba que un tema sobre sexo y muerte no solía ser elegido como single, respondía: «Eso me decían, pero con las burradas que se cantan ahora… ¿por decir que me la chupó en un contexto bonito, que no es ni siquiera pornográfico? Oigo auténticas burradas. Volveremos sobre ‘Ramón In’, quiero hacer un vídeo más adelante».
Para sorpresa de nadie, la sesión número 52 del argentino Bizarrap es el nuevo número 1 de singles en España. Esta vez acompañado del canario Quevedo, Bizarrap ha viralizado ‘BZRP Music Sessions #52’ desde el día de salida. Con tan solo unas horas de conteo, el tema era número 8 en España la semana pasada y esta sube al puesto 1 certificada directamente como platino. Será uno de los mayores hits de todo 2022, puede que incluso a nivel global.
La colaboración de Bizarrap y Quevedo ha pulverizado récords. En concreto en Spotify España, donde conseguía 2,58 millones de streamings en tan solo un día, antes de subir a 2,59 millones de reproducciones un día después. Muy lejos quedaba el récord de ‘Tú me dejaste de querer’ que un día ostentó C. Tangana con 1,6 millones de reproducciones.
Bizarrap ya había sido número 1 en España con sus colaboraciones con Paulo Londra y Morad, además de haber triunfado con Nathy Peluso y Tiago PZK, pero esta vez va a ir un paso más allá con la que parece que puede ser la canción del verano, incluso por encima de la media docena de hits del último disco de Bad Bunny.
‘BZRP Music Sessions #52’ -es costumbre que estas sesiones no tengan más título que su número de serie- narra un encuentro nocturno de manera trepidante, como trepidante es el crash al que se refiere. Sobre una serie de teclados sorprendentemente turbulentos, Quevedo cuenta la historia de una chica que acaba de conocer en Buenos Aires, ella se acerca, perrean toda la noche, y él la termina invitando a Canarias «sin equipaje ni billete de vuelta». «Quééééééédate» es su meloso y melódico estribillo y «Que ya no quiero nada que no sea contigo» una de las sencillas frases que el público ha hecho suyas con los brazos abiertos.
La aceptación de la canción ha sido tal que, tras entrar en el puesto 5 a nivel mundial, el tema ha escalado hasta el número 1 global de Spotify, por encima de Harry Styles y Kate Bush. Acompañan especialmente las cifras de Argentina, Chile, Colombia, México… países todos en los que es número 1 en Spotify, pero ojo, el tema aparece ya en el 130 de Spotify Estados Unidos y en las listas de países como Suiza y Portugal. Es la primera vez que un artista español, es decir, Quevedo, forma parte del número 1 global de Spotify.
Aunque Quevedo y Bizarrap están capitalizando la actualidad, hay otras entradas que comentar en la lista española de singles: ‘Normal’ de Feid llega al puesto 17, ‘Así bailaba’ de Rigoberta Bandini y Amaia se cuela en el puesto 41, ‘Suelta’ de Jay Wheeler y Mora en el 51, ‘La Loto’ de TINI, Becky G y Anitta en el 78 y ‘Mamá me dice’ de Morad en el 84.
Titus Andronicus han anunciado la fecha de salida de su esperado séptimo álbum, ‘The Will To Live’, que estará disponible el próximo 30 de septiembre. Esta revelación ha sido acompañada por la salida del primer single del LP, titulado ‘(I’m) Screwed’, y que también llega acompañado de un videoclip dirigido por Ray Concepcion.
El nuevo álbum está producido por Patrick Stickles, cantante y compositor de la banda, y Howard Bilerman, productor de artistas tan importantes como Arcade Fire o Leonard Cohen. Además, el arte promocional del disco está elaborado por la reputada ilustradora Nicole Rifkin.
Titus Andronicus repite la formación que ha tenido en sus últimos dos discos, ‘A Productive Cough’ y ‘An Obelisk’, convirtiéndose en la formación de la banda que ha durado de forma más consistente. Al mismo tiempo, ‘The Will To Live’ fue creado en gran parte para ayudar a procesar la muerte del teclista y primo de Stickles, Matt Miller, en 2021.
Tracklist:
1. My Mother is Going to Kill Me
2. (I’m) Screwed
3. I Can Not Be Satisfied
4. Bridge and Tunnel
5. Grey Goo
6. Dead Meat
7. An Anomaly
8. Give Me Grief
9. Baby Crazy
10. All Through the Night
11. We’re Coming Back
12. 69 Stones
Charlie Puth ha salido definitivamente del bache. ‘Light Switch‘, el primer single de su próximo disco, ha triunfado pese a que su sonido de pop chicle no es el más relevante actualmente en las listas de éxitos y, aunque con ‘That’s Hilarious’ ha pasado poca cosa, el cantante acaba de obtener otro hit con ‘Left and Right’. Su disco ‘CHARLIE’ sale el 7 de octubre.
‘Left and Right’ es el tercer single de ‘CHARLIE’ y está llamado a ser el mayor éxito de Puth en esta era por encima de ‘Light Switch’. El secreto es que es una colaboración con Jungkook de BTS, y ya se sabe que los fans de la banda surcoreana se saben movilizarse como nadie. En un mes, ‘Left and Right’ supera los 100 millones de reproducciones en Spotify y se mantiene en torno al top 10 de canciones más escuchadas en la plataforma a nivel global.
El secreto, también, es una composición simpática y agradable por parte de Puth y de su mano derecha Jacob Kasher. La melodía de ‘Left and Right’ parece inspirada en la de ‘Every Breath You Take’ de los Police y, sobre una línea de bajo muy parecida a la del éxito de 1983, Puth crea otra de esas canciones que actualizan los 80 sin caer en la nostalgia. Mientras, él y Jung Kook cantan sobre un amor tan intenso que les atormenta y que «ocupa todos los rincones de (su) cabeza».
No obstante, el disco de Charlie Puth estará inspirado en una ruptura, y Puth dice que es un disco «nacido en internet» y creado no a solas, sino delante de sus fans. Contará con 12 pistas, de las cuales solo se conocen los singles publicados.
Santander Music ha añadido una jornada extra e independiente a su programación por primera vez en su historia. Además de los conciertos que se llevarán a cabo del 4 al 6 de agosto en la Campa de la Magdalena, el recinto volverá a abrir el domingo 7 de agosto para recibir a Leiva en la gira de presentación de su último trabajo, ‘Cuando te muerdes el labio’.
La organización del Santander Music ya ha confirmado que el directo de Leiva tendrá la duración y el contenido habitual del resto de conciertos de la gira. El festival en realidad terminará el sábado 6 de agosto y, por esto, el show extra de Leiva no se ajustará a las limitaciones de tiempo típicas de los festivales.
‘Cuando te muerdes el labio’ se publicó a finales de 2021 y Leiva lo estrenará en directo en Santander el próximo 7 de agosto con un precio especial para los que asistan al festival durante el fin de semana. En esos tres días la Campa de la Magdalena recibirá a los artistas programados para el Santander Music, entre los que se encuentran Alizzz, León Benavente, El Columpio Asesino, Los Estanques y Anni B Sweet y Xoel López.
Las primeras novedades sobre el Benidorm Fest 2023 ya están saliendo a la luz gracias a una rueda de prensa organizada hoy para adelantar los primeros detalles del evento musical. De momento, las novedades más importantes son los fichajes de Mónica Naranjo y Nacho Cano. Naranjo actuará como presentadora del festival, mientras que el exmiembro de Mecano presidirá el jurado nacional.
María Eizaguirre, directora de Comunicación y Participación de RTVE, ha anunciado la mayoría de las sorpresas para el próximo Benidorm Fest. Ha empezado aclarando que el evento contará con el mismo número de galas que la edición anterior -dos semifinales y una final- y con la noticia de Mónica Naranjo como presentadora. La cantante ha intervenido en la rueda de prensa en una videollamada para dedicar unas palabras bonitas al Benidorm Fest: «Estando en México vi que el Benidorm Fest fue mágico y volvimos a enamorarnos del evento musical más grande de Europa».
Además, Naranjo también se ha acordado de Chanel, quien también estaba presente en el acto de esta tarde, y ha exclamado un «¡Te quiero Chanel!», que ha sido correspondido por la finalista de Eurovisión: «Me hace mucha ilusión que tú seas la presentadora, eres una grande de la música española y también te quiero mucho».
Se ha confirmado que el polémico sistema de votación del año pasado se repetirá de manera exacta en el Benidorm Fest 2023. Habrá un jurado profesional con una parte internacional que tendrá un peso del 50%, un televoto de un 25% y un jurado demoscópico con el otro 25%. Eva Mora, jefa de la Delegación de Eurovisión RTVE, ha comentado que les «interesa saber lo que piensa la gente».
Habrá dos participantes más que el año pasado, haciendo un total de 16 artistas. Estos se repartirán de forma equitativa entre las dos semifinales y en la gran final ocho de ellos lucharán por la victoria. Eizaguirre ha insistido en que el jurado internacional tendrá bastante peso en las votaciones y ha revelado que uno de los miembros será Christer Björkman. Nacho Cano será presidente del jurado nacional y también le ha dedicado unas palabras de cariño a Chanel: «Con ella a la cabeza, España ha vuelto a donde tenía que estar en Eurovisión».
Por último, se han confirmado las fechas en las que tendrá lugar el evento. La primera semifinal se celebrará el 31 de enero, la segunda semifinal el 2 de febrero y la esperada gran final se realizará el sábado 4 de febrero.
Mabel podría conseguir esta semana el primer número 1 en álbumes de su carrera (en Reino Unido) con ‘About Last Night…’, su segundo larga duración. Es una buena noticia para «Meibel» pero lo sería más si el disco fuera interesante. No es el caso.
No a todos los artistas les brota arte por los poros como a Kate Bush, pero los inicios de Mabel eran prometedores, y su hit ‘Don’t Call Me Up‘ era excelente. Sin embargo, su debut no cumplió las «altas expectativas» depositadas en ella ni tampoco lo hace este segundo trabajo, en el que la personalidad de Mabel queda más diluida si cabe. En ‘About Last Night…’ es imposible saber quién es ella como artista, cuál es su voz, exactamente qué tiene que ofrecer que merezca la pena. Más bien, en el disco, Mabel se sigue mimetizando con la masa.
Esto no es un problema si lo que buscas en el pop es un simple divertimento con el que pasar el rato. ‘Let Them Know‘, el primer single, es un efectivo homenaje a los 90 de RuPaul y Madonna, producido por SG Lewis, que no samplea ‘Supermodel (You Better Work)’ aunque lo parezca, ‘Good Luck’ con Jax Jones es otro single dance efectivo que sudar en el gimnasio, y ‘Let Love Go’ sobresale por la vía del latin-house… a pesar que el rap de Lil Mecca esté metido con calzador.
Pero el disco, que supuestamente narra una noche de fiesta de Mabel desde que se prepara para salir hasta que entra en la discoteca, se encuentra con su ex, «llora en el baño» y sus amigos le animan a pasar de él y seguir bailando, tiene sus más y sus menos. ‘Shy’ integra buenas influencias del R&B de los 2000, pero el dance-pop de ‘Animal’ y ‘Definition’ suena genérico e incluso anacrónico, el single ‘LOL’ parece de las peor Little Mix y… ¿cuántas copias de ‘Blinding Lights’ van ya? ‘Overthinking’, desde luego, no es la mejor de ellas.
Mabel dice que crear ‘About Last Night…’ le ha ayudado a creer en sí misma como compositora, algo que necesitaba después de leer mensajes crueles en internet que le hicieron dudar sobre su propio talento. No cabe duda de que Mabel sabe escribir una buena canción de pop, si no, no estaría donde está. El problema es que su firma es invisible y que las canciones de ‘About Last Night…’ suenan estancadas en algún punto entre 2012 y 2014. Extraña que ni la participación de MNEK, RAYE, SG Lewis o Galantis haya sido suficiente para armar un disco más excitante y actual. Queda uno que olvidar como una mala noche, en un día de resaca.
Los fans de Rihanna amanecen esta mañana revolucionados porque la cantante ha decidido etiquetarse en las plataformas de streamings con el que ha terminado siendo su mayor hit. Al menos en Spotify, la canción más escuchada de Rihanna es ‘This Is What You Came For‘, pero hasta ahora, aparecía en ella tan sólo como un «featuring» de Calvin Harris. Desde hoy, ambos aparecen como artistas principales.
‘This Is What You Came For’, que curiosamente tiene un crédito de Taylor Swift, supera los 1.300 millones de reproducciones, por encima de ‘Work’ y ‘Needed Me’, que superan los 1.000, y una serie de canciones de Rihanna en torno a los 900 millones de streamings, como es el caso de ‘Umbrella’, ‘We Found Love’, ‘Love On the Brain‘ y ‘FourFiveSeconds’.
Se desconoce por qué Rihanna ha decidido etiquetarse en esta canción después de tantos años, pero hay quien cree que su equipo busca mejorar sus estadísticas de cara al inminente lanzamiento de algún single, extremo que no ha sido confirmado.
Por otro lado, en las últimas semanas Rihanna tiene un nuevo viral. Se trata de una de las canciones de su último disco ‘ANTI’, ‘Woo’. El tema se ha viralizado en TikTok, en concreto con el pitch alterado como podéis escuchar bajo estas líneas, y por tanto su versión normal ha aparecido en playlists sobre virales de TikTok y en playlists como «big on the internet». Pronto superará los 100 millones de reproducciones sin haber sido siquiera single.
Marcus Mumford está entre las novedades de la semana que os presentamos en la playlist “Ready for the Weekend” el pasado viernes. La canción estrenada es una delicatessen acústica llamada ‘Cannibal’ que emparenta con los momentos más intimistas de su banda primigenia, Mumford & Sons.
Lo que no sabíamos es que el vídeo de ‘Cannibal’ estaba dirigido por Steven Spielberg, siendo nada menos que el primer videoclip que el director de ‘ET’, ‘Parque jurásico’ o más recientemente ‘West Side Story’, realizaba. El vídeo en blanco y negro es en gran medida un primer plano de Marcus Mumford que se aleja primero y se vuelve a acercar a él después, para realzar el momento épico de la composición.
El vídeo se compartió el finde pasado sin que se revelara quién era el director del clip. Es ahora cuando Marcus Mumford ha acudido a Instagram para explicar que Steven Spielberg grabó este vídeo en una toma y con su móvil en el gimnasio de un instituto de Nueva York. En concreto el pasado domingo 3 de julio. En la imagen compartida en Instagram se puede ver de qué manera rudimentaria se ha realizado ese travelling: con una silla de oficina.
El disco recibe el nombre de ‘(Self-Titled)’, ha sido coproducido por Blake Mills e incluye colaboraciones de artistas de bedroom pop como Phoebe Bridgers y Clairo y también Brandi Carlile. El disco saldrá el 16 de septiembre.
01 Cannibal
02 Grace
03 Prior Warning
04 Better Off High
05 Only Child
06 Dangerous Game
07 Better Angels
08 Go in Light [ft. Monica Martin]
09 Stonecatcher [ft. Phoebe Bridgers]
10 How [ft. Brandi Carlile]
Uno de los festivales más longevos de España, Pirineos Sur, ha logrado uno de los inicios más multitudinarios de toda su historia en su vigesimonovena edición, con más de 13.500 entradas vendidas. El festival oscense comenzó el pasado viernes 15 de julio y se celebrará cada fin de semana hasta el 6 de agosto, con actuaciones de Nathy Peluso, Robe, la M.O.D.A. o Tanxugueiras, entre otros.
El viernes 15 y el sábado 16 Pirineos Sur logró dos sold outs, que serían 4.900 entradas, con las actuaciones de Estopa, Rayden, Maruja Limón y Residente. Ayer, el festival de casi 30 años logró vender 3.500 entradas para los shows de Dubioza Kolektiv y Zoo, que desempeñaron una energética mezcla de rock, dub, hip hop y música balcánica.
El próximo pase del festival comenzará el jueves 21. El público podrá disfrutar ese fin de semana de los shows de Macaco, Tanxugueiras, Fuel Fandango, Amadou & Mariam y Crystal Fighters, quienes ya visitaron Lanuza hace 15 años, en 2007. En los dos findes restantes tomarán el escenario artistas como la M.O.D.A., Rozalén, Ara Malikian, Robe o Nathy Peluso.
The Weeknd, de nombre real Abel Tesfaye, tendrá su primer gran papel en televisión gracias a la nueva apuesta de HBO Max, ‘The Idol’, creada por el mismo Tesfaye, Reza Fahim y Sam Levinson, el creador de la archiconocida ‘Euphoria’. De momento se desconoce la fecha de estreno, pero ya podemos echar el primer vistazo en su tráiler oficial.
Descrita en el adelanto como «la historia de amor más sórdida de todo Hollywood’, se sabe que The Weeknd interpretará al líder de una especie de secta que comienza una relación con una cantante comenzando en el mundillo, a la cual interpretará Lily-Rose Depp. A juzgar por el tráiler, lo que está claro es que a esta miniserie de seis capítulos no le faltará ni drogas ni sexo, dos constantes de la discografía de Tesfaye.
El resto del reparto está completado por nombres como Anne Heche, Suzanna Son, Steve Zissis y Elizabeth Berkley. Además, entre el elenco se encuentran dos sorpresas también salidas del mundo de la música, como son Troye Sivan y una de las integrantes de BLACKPINK, Jennie Kim, quien aparece de fondo en una de las escenas del frenético tráiler.
‘The Idol’ saldrá en HBO Max este 2022 y significará el debut actoral de The Weeknd como actor principal. Tesfaye ya había aparecido con un cameo en la cinta de 2019 protagonizada por Adam Sandler, ‘Diamantes en Bruto’, y le había prestado su voz a algunos personajes en series como ‘Los Simpson’ y ‘Padre Made in USA’.
Aquí vivía yo (Joan Vich Montaner)
Joan Vich ha vivido de todo en el FIB. Ha estado 25 años trabajando en el festival. En los inicios, en 1995, cuando se celebraba en el velódromo. Durante el esplendor de principios de siglo, cuando se convirtió en el festival indie de referencia (repasar los carteles de esa época da vértigo). Y hasta durante la discutible deriva de la última década como paquete vacacional para turistas británicos (botellón para hooligans dirían los más críticos). Vich empezó como camarero y terminó de codirector. Un cuarto de siglo de vivencias que desgrana, con prosa ágil y notable capacidad evocadora, en su recomendable ‘Aquí vivía yo’.
Como era de esperar, el libro ofrece un jugosísimo anecdotario. No decepcionará a quienes busquen saber qué pasó el año en el que Morrissey dio la espantada, en el que Stuart Murdoch conoció a su mujer y madre de sus hijos entre el público (la española Marisa Privitera) o en el que Pedro Sánchez, recién elegido presidente del gobierno, fue a ver a The Killers en el Falcon 900B. Sin olvidar, claro está, lo que se cocía en la mítica piscina del backstage. Pero tampoco defraudará a quienes busquen algo más. ‘Aquí vivía yo’ funciona también muy bien como crónica emocional y musical, como emotivo recorrido por un festival que forma parte de la memoria sentimental de muchos de los que estamos leyendo estas páginas. 7,5.
Facendera (Óscar García Sierra) Uno de los debuts más aplaudidos del año. ‘Facendera’ (término asturleonés que significa trabajo comunitario) narra una historia ambientada en la cuenca minera leonesa contada desde un after en un piso de Madrid. Como una suerte de ‘Las mil y una noches’, el narrador le cuenta a una chica cuentos sobre su pueblo –sobre coches tuneados, cierres de minas, tráfico de ansiolíticos, sexo en descampados, desindustrialización, desempleo, desesperanza- mientras ella le va interrumpiendo haciéndole preguntas que ayudan a completar el relato y proporcionan información sobre la naturaleza de su relación.
Amadrinado por la desaparecida editora Belén Bermejo (quien le editó el poemario ‘Houston, yo soy el problema’ y a quien está dedicada la novela), Óscar García Sierra muestra en ‘Facendera’ sus extraordinarias dotes como narrador, manejando las distintas voces y líneas narrativas con enorme soltura. Y también como poeta (Oscar quería ser rapero pero le daba vergüenza), salpicando el texto con metáforas de las de subrayar y quedarte un rato pensando en ellas. Una novela sobre gente que se encierra en el baño con la tapa del váter bajada, que dice más sobre la despoblación y la desigualdad territorial que toda esa avalancha de discursos paternalistas y nostálgicos sobre “la España vaciada”. 8,5.
Gallinas (Jackie Polzin) Otro debut fantástico. La norteamericana Jackie Polzin ha escrito una novela muy especial. Una reflexión sobre la fragilidad, el dolor y la belleza de la vida a través de la narración del cuidado de cuatro gallinas ponedoras. ¿Otro libro más sobre urbanitas que se van al campo a cultivar hortalizas, cuidar un gallinero y “encontrarse a sí mismos”? Nada de eso. Aquí no hay brasa neorrural ni gente abrazando árboles. Lo que hay es la descripción detallista de la cría de aves de corral como metáfora de la existencia, como alegoría para hablar entre líneas sobre cuestiones más profundas.
Ambientada en un pueblo de Minnesota azotado por temperaturas extremas, ‘Gallinas’ está protagonizada por una mujer joven dedicada al cuidado casi obsesivo de cuatro gallinas en el patio trasero de su casa. Con una prosa muy liviana y delicada, y un fino sentido de la ironía, Polzin narra el día a día de esta mujer durante un año. Una narradora anónima, a quien descubriremos herida por un hecho traumático, y que utiliza la avicultura como vía de escape de una realidad dolorosa e insatisfactoria, y como terapia para superar su aflicción. Una joya. 8,3.
Nunca delante de los criados (Frank Victor Dawes) Coincidiendo con el estreno de ‘Downton Abbey: Una nueva era’, segunda secuela cinematográfica de la popular serie británica, y del actual debate sobre la regulación del trabajo doméstico, la editorial Periférica ha publicado este ensayo que se ha convertido en un pequeño sleeper, en un éxito sorpresa. ‘Nunca delante de los criados’ desmonta el mito del universo plácidamente jerárquico de la sociedad victoriana y eduardiana, plagado de señores íntegros y criados felizmente solícitos, que se ha popularizado en la ficción.
Frank Victor Dawes, hijo de una criada que comenzó a servir a los 13 años, publicó un anuncio en el Daily Telegraph en 1972 solicitando a personas que hubieran trabajado como sirvientes que le enviaran cartas relatando sus vivencias. A través de los más de 700 testimonios que recibió, el autor hace un interesantísimo recorrido por la historia del servicio doméstico británico, lleno de reveladores testimonios que hacen de su lectura una experiencia enormemente amena. El libro es un relato desmitificador, el retrato de un mundo marcado por la desigualdad y la injusticia social más absolutas, que te vacuna contra toda tentación de caer en la nostalgia ingenua o reaccionaria. 7,8.
Enya (Chilly Gonzales) El nombre del canadiense Chilly Gonzales va siempre asociado al calificativo de “reputado pianista”. Se lo ha ganado: sus celebrados discos ‘Solo Piano’, sus colaboraciones con Jarvis Cocker, Daft Punk, Feist… Nadie le puede acusar de tener mal gusto. Pero Chilly tiene un secreto: es escuchar “sail away, sail away, sail away” y subirle un no sé qué por el cuerpo que le llena de calma y felicidad. Le encanta Enya. Le entusiasma ‘Watermark’. ¿Debería sentirse avergonzado por disfrutar, siendo un “reputado pianista”, de la artista más popular, que más discos ha vendido (80 millones nada menos), de la música new age?
‘Enya’ es la respuesta a esa pregunta. Este pequeño ensayo no es una biografía sobre la cantante irlandesa (aunque se hable de ella y de su música) sino fundamentalmente una reflexión, en primera persona, sobre los placeres culpables. Un estimulante y muy ameno acercamiento al eterno debate entre música para escuchar y música para oír, entre la música que apela a la inteligencia y la que apunta al corazón, entre el consenso general y el gusto particular, entre la confesión del placer culpable como ejercicio de ironía posmoderna o como sincero acto de reconocimiento sin coartadas intelectuales. 7.
El mago (Colm Toibin) No es la primera vez que el irlandés Colm Toibin, conocido por novelas como ‘Brooklyn’ (2010) o ‘El testamento de María’ (2014), retrata la vida de un gran escritor cuya obra estuvo condicionada por las vivencias de una homosexualidad reprimida. Ya lo hizo con Henry James en la magnífica ‘The Master: Retrato del novelista adulto’ (editada por Lumen, como casi toda su obra) y ahora vuelve a hacerlo con el alemán Thomas Mann en la también extraordinaria ‘El Mago’.
El célebre autor de ‘Muerte en Venecia’ es retratado por Toibin a través de una biografía novelada que se adentra con mano maestra en la intimidad del personaje. ‘El mago’ hace un recorrido por la vida pública de Mann –su éxito literario (ganó el Nobel en 1929), su oposición al nazismo, sus años en el exilio- pero también por la privada. A través de sus diarios (publicados póstumamente), el autor recrea la esfera íntima del escritor, marcada por la ocultación de su orientación sexual, y su intensa vida familiar (se casó con una rica heredera y tuvo seis hijos). Un ámbito doméstico donde abundan los conflictos (con su hermano, el también escritor Heinrich Mann), las tragedias (con varios suicidios) y el salseo, ya que sus hijos mayores, Erika y Klaus, fueron los reyes de la cabaretera Alemania de Weimar. Uno de los libros del año. 9.
La desaparición de Adèle Bedeau (Graeme Macrae Burnet) No podía faltar una novela negra. Ahora que Georges Simenon parece estar viviendo un revival (se ha estrenado la adaptación cinematográfica ‘Maigret’ y las editoriales Anagrama y Acantilado están reeditando su obra) nada mejor que zambullirse en las páginas de la más simenoniana de las novelas policiacas actuales.
‘La desaparición de Adèle Bedeau’ es la primera novela del escocés Graeme Macrae Burnet, autor de la finalista del premio Booker ‘Un plan sangriento’ (editada también por Impedimenta). El libro es un intenso thriller rural, ambientado en una pequeña ciudad francesa de provincias, que juega de forma muy ingeniosa con los clichés del género. Un director de banco tímido y solitario se obsesiona con la camarera de un bistró. La camarera desaparece y el director de banco se convierte en el principal sospechoso para un inspector de policía con muchos demonios en el armario. A partir de esta premisa, el autor despliega una trama oscura y melancólica, que termina con un epílogo metaliterario que hará las delicias de los conocedores del cine criminal de Claude Chabrol. 7,5.
Hijas de la Resistencia (Judy Batalion) Los relatos sobre la resistencia contra los nazis siempre han tenido nombres masculinos y franceses. Pero hubo más. Algunos tenían nombres femeninos y judíos. La escritora Judy Batalion, columnista del New York Times, Vogue o Washington Post, ha rescatado del olvido a estas mujeres polacas que lucharon contra Hitler. Su resistencia fue minoritaria y poco relevante en términos militares, pero existió. Fue un combate enormemente desigual protagonizado por jóvenes que se resistían a perder la dignidad y la esperanza en el futuro, a bajar la cabeza e ir a los campos de exterminio “como ovejas al matadero”.
A través del protagonismo de una joven resistente y superviviente del Holocausto, el libro ofrece una apasionante crónica de las actividades subversivas llevadas a cabo por la resistencia judía en Polonia. Testimonios de mujeres que lucharon contra los nazis de diversas maneras -curando a partisanos heridos en los bosques, matando de un tiro en la cabeza a oficiales alemanes disfrazadas de inocentes campesinas- hasta conformar un relato que cuestiona el mito de la pasividad de los judíos frente al Holocausto. Unas historias emocionantes y terribles que serán llevadas al cine de la mano de Steven Spielberg con guión de la propia Batalion. 7,5.
Incendiario (Michael Cannell) En enero de 1957, los neoyorquinos lanzaron un suspiro de alivio. “La mayor cacería en la historia del departamento”, como la denominó el jefe de la policía, había concluido. “Mad Bomber” había sido arrestado. El “loco de la bombas” llevaba 17 años colocando artefactos explosivos por toda la ciudad: en la estación Grand Central, la Biblioteca Pública, el Radio City Music Hall… La policía estaba tan desesperada que, aunque les parecía absurdo, casi como consultar a un vidente, recurrieron a los servicios de un profesional atípico: un psiquiatra. Acababa de nacer la perfilación criminal como herramienta policial.
El periodista Michael Cannell realiza en ‘Incendiario’ una minuciosa crónica del caso de “Mad Bomber”. Una exploración, desde distintos ángulos –la policía, el psiquiatra James A. Brussel, la prensa y el propio “incendiario”-, de unos sucesos que sentarían un precedente: “Mad Bomber” como padre de otros terroristas solitarios (el ejemplo más famoso sería el de Ted Kaczynski, más conocido como “Unabomber») y Brussel como precursor de los psicólogos de la Unidad de Análisis de Conducta creada en Quantico (Virginia) en la década de 1970, y que aparece en la añorada serie de Netflix ‘Mindhunter’. 7.
La playa de los ahogados (Domingo Villar) La inesperada muerte de Domingo Villar a los 51 años nos ha dejado huérfanos de su gran creación: el inspector vigués Leo Caldas. Da la casualidad de que los tres libros que dedicó al personaje –‘Ojos de agua’, ‘La playa de los ahogados’ y ‘El último barco’ (recomendada en estas páginas hace tres años)- han acompañado tres de mis veranos. No podía dejar de hacerle un pequeño homenaje.
Las tres son novelas negras estupendas: entretenidas, inteligentes, atmosféricas… Construidas con minuciosidad y precisión. Narradas con paciencia, atrapando poco a poco la atención del lector como el “orballo” que va calando la ropa sin que te des cuenta. Son tres intrigas criminales que se van desentrañando por medio de conversaciones, de preguntas a testigos y sospechosos (Villar es un maestro de los diálogos). Tres enigmas que se vuelven cada vez más interesantes gracias a la fabulosa descripción de ambientes (Vigo y su ría) y a las pequeñas historias personales que le permiten al autor reflexionar sobre las relaciones humanas. ‘La playa de los ahogados’ es la más famosa (hasta se hizo una adaptación cinematográfica), y la más recomendable para iniciarse en el universo, fatalmente interrumpido, de Leo Caldas. 8’2.
Con un tercer disco publicado el 3 de abril de 2020, es decir, en lo peorcito de la pandemia, un EP nuevo de Empress Of es un movimiento necesario para volver a poner el proyecto de Lorely Rodriguez en el mapa. Aquel ‘I’m Your Empress Of‘ pasó desapercibido pese a las buenas críticas, por lo que este disco de 5 canciones es una buena forma de resetear y empezar de cero.
Sobre todo porque contiene suculentas novedades. Empress Of es uno de esos proyectos de música pop que han pululado entre la música más comercial y el underground, sin que la artista o las circunstancias hayan terminado de equilibrar la balanza hacia un lado o el otro. Carly Rae Jepsen, Tove Lo, Troye Sivan o Jessie Ware son algunos de los artistas que podríamos situar en una disyuntiva parecida. Este EP es un claro giro hacia la música más accesible, como el que ha dado Jessie Ware, aunque en este caso, no hacia un género concreto como en el caso de Jessie supuso la música disco. Aunque al principio lo parece.
Y es que ‘Save Me‘ parece, efectivamente, la canción más disco que ha entregado nunca Empress Of gracias a que es la primera vez que ha incluido cuerdas de verdad en una producción suya. El resultado en este caso es más Alizée -más años 2000- que retro -no tan años 70-, gracias a los trucos de producción de voces tratadas y demás implementados por Empress Of junto a BJ Burton, que ha sido su escudero en este caso.
A continuación, la estupenda ‘Dance for You’ nos remite a los territorios de Kylie Minogue o Sophie Ellis-Bextor: una canción bailable estupenda que propone la pista de baile como forma de recomposición. «Un cuerpo hecho de cristal, cuando me rompo, puedo arreglarme con celeridad».
‘Save Me’ se completa con un tema de registro agudo y producción que podrían haber aplicado Hot Chip (la playera ‘Turn the Table’); la más tristona ‘Kept Up’, sobre la eterna búsqueda del amor; y la medio industrial ‘Cry for Help’, que cierra entre más dudas sobre sí misma («no tienes que estar muy cerca para averiguar que ya no soy yo misma»), algo más próxima a Ladytron. Estas 3 últimas canciones igual no son el golpe en la mesa que reconduce una carrera y que tarde o temprano necesitará Empress Of; lo que sí podemos decir es que ‘Save Me’ y ‘Dance for You’ sí tuvieron madera para serlo aunque los mandamases de Spotify no acompañaran demasiado relegando estas dos grandes canciones a las playlists indies. ¿Esto no es música pop?
Ellie Goulding ha estrenado esta semana un single llamado ‘Easy Lover’, en el que ha invitado a Big Sean a cantar la segunda estrofa. Se trata del avance que nos llevará hacia su 5º disco, el primero desde ‘Brightest Blue‘, que salvó los muebles en 2020 por su recopilación de singles ajenos al disco a modo de bonus tracks (al CD2 se añadieron temas con Diplo y Swae Lee, Juice WRLD y Lauv, entre otros).
El nuevo tema se asienta en una base ochentera como las que tantas alegrías han dado recientemente a The Weekend (o antes a la propia Goulding), y tiene su pegada. Su abrasiva producción nos hace pensar en bandas sonoras de mediados de los 80, tipo John Hughes.
También tiene su aquel el mensaje sobre lo que es “ser fácil”. Hay un momento en que Big Sean ironiza sobre ello: “Ya sé que dicen que todo lo fácil no merece la pena / y todo lo que vale la pena no va a ser fácil”. Entonces continúa: “cometí errores que no puedes decir que repitiera, y no estaría aquí si no te necesitara”.
Ellie Goulding ha explicado que escribió este tema junto a Julia Michaels sobre «la vieja historia de enamorarse de alguien genial y guapo que no siente lo mismo por ti» y sobre «volver una y otra vez a una persona peligrosa para sentirme viva, y a pesar de que sabes que ha hecho daño a otras personas antes que a ti».
Dejando de lado el chiste «fácil» sobre si la canción es «fácil» a su vez, ‘Easy Lover’ tiene uno de esos vídeos que restan más que suman a la canción. En el videoclip vemos a Ellie Goulding disfrazada, interpretando varios personajes, en lo que desconocemos si es una metáfora de su propia evolución musical a lo largo de los años. La cantante se cuelga la guitarra eléctrica que en el estudio ha tocado el productor Greg Kurstin según revelan los créditos de Tidal, pero que casi no suena, mientras el mundo se pregunta por qué no ha sacado partido de esta eufórica producción con algo un poco más divertido y veraniego, y menos extraño.
Lewis ofMan es el proyecto del músico francés Lewis Delhomme, conocido por temas como el tropical ’Siesta Freestyle’ (en castellano con Alicia Te Quiero) y ‘Flash’, así como por las canciones de su disco ‘Sonic Poems’, publicado este mismo año.
‘Move Me’, hoy nuestra «Canción del Día», es una colorida y luminosa grabación de neo-soul, inspirada claramente en los años 70, que devuelve a Carly Rae Jepsen a su registro más pop y accesible. Incluso hay un poquito de French Touch. Se trata de una canción desenfadada y despreocupada, que curiosamente narra la historia de un amor que no pudo ser, aunque no sea lo que sugiera la melodía. Parece que Lewis ofMan se alegra tanto de su encuentro, que el simple hecho de que la historia de amor pudiera ser real, le reconforta.
Mientras Carly Rae Jepsen ha contado en nota de prensa que descubrió a Lewis ofMan en plena pandemia y que la motivó mucho a salir adelante en periodo tan difícil, esto es lo que cuenta Lewis ofMan sobre ‘Move Me’: «Mientras vivía en Florencia, hice una fiesta especial en la que alguien me sacudió el corazón. Recuerdo esos ojos azules insanos, pero el destino no se puso de nuestra parte, ambos estábamos atascados en nuestras propias vidas y no pudimos mezclarlas. El día después, escribí ‘Move Me’ lleno de sueños y pasiones, y quería gritárselo al mundo».
Sobre la implicación de Carly, narra: «Hice una sesión con Carly esa misma noche, sintió la canción de manera instantánea, y me mandó grabaciones de su bonita voz e ideas adicionales. Tenía mucho sentido hacer este dueto juntos, porque va sobre un encuentro muy bonito».
Jane Birkin tenía que actuar anoche en los Veranos de la Villa de Madrid, en presentación de su último disco ‘Oh!, pardon, tu dormais…’. Sin embargo, como informa el Ayuntamiento de la ciudad, el show, que apenas se había promocionado durante las pasadas semanas, ha tenido que ser cancelado en el último momento «por indisposición de uno de los músicos».
Sin embargo, sigue en pie el concierto de este martes 19 de julio en Barcelona en el festival Grec (anfiteatro de Montjuïc) y las entradas están a la venta. Jane Birkin además, ha concedido estos días una entrevista a El País en la que habla sobre cómo ha afrontado una leucemia o el ictus que sufría el septiembre pasado. “Ahora tendrías que verme, estoy muy hinchada por la cortisona que tomo por mi enfermedad”, bromea al periodista.
Jane Birkin explica cómo su último disco surgió de una idea de una obra de teatro: «Este concierto es distinto, el disco es más pop-rock, está basado en textos míos, de una obra de teatro que escribí y representé hace muchos años sobre una mujer que no puede dormir y despierta al hombre a su lado en la cama para hablar con él (…) Mi amigo el cantautor y productor Etienne Daho me convenció para convertir los textos en canciones, que luego han tomado direcciones distintas al material original». Se aprecia muy bien en el vídeo de ‘Oh! Pardon tu dormais…’
Asimismo, aunque cuenta que todo lo que sucedió en los años 70 le parece muy lejano, aún tiene unas palabras de elogio hacia Gainsbourg, que como siempre, ocupa buena parte de la entrevista. “Es el mayor escritor francés de su época. Un autor de la altura de Apollinaire y Baudelaire. Con muchos parecidos con Boris Vian. Todos los que han venido después han estado influidos por él. Era un hombre extraordinario. Y muy divertido. Tuve mucha suerte con él, me lo enseñó todo”. Además, niega que fuera feo, preguntada por el periodista: “¡No, era guapo y muy sexy! Me encantaban su torpeza, su timidez, su vulnerabilidad, su humor y su inteligencia”. Jane Birkin también habla en la entrevista sobre el estado terminal en que se encuentra Françoise Hardy.
Lady Gaga ha iniciado esta noche la gira de ‘Chromatica‘ en Düsseldorf, Alemania. El tramo europeo de ‘Chromatica Ball’ incluye paradas en Estocolmo, París, Arnhem y Londres. Desgraciadamente España no es uno de los países incluidos en la gira. Después de Londres, Lady Gaga presentará ‘Chromatica’ en Estados Unidos y Canadá, además de en Tokio.
El esperado ‘Chromatica Ball’ cuenta con un diseño de escenario inspirado en la arquitectura brutalista, como la propia Gaga ha explicado este domingo en un vídeo subido a Instagram. En el mismo vídeo, Gaga ha señalado que el lema de la gira es «battle for your life», una de las frases contenidas en la letra de ‘Babylon’, la pista que cierra su último álbum.
El concierto se ha dividido en varios actos y se ha compuesto por un total de 20 canciones, como revela Setlist.fm, entre ellas ‘Just Dance’, ‘Poker Face’, ‘Born this Way’, ‘Telephone’, ‘Shallow’ y, por supuesto, una mayoría de pistas de ‘Chromatica’, pero ninguna de ‘ARTPOP’ o ‘Joanne’. ‘Hold My Hand‘, la balada de Gaga para ‘Top Gun: Maverick’, ha concluido el show.
Pese a la inspiración brutalista, el ‘Chromatica Ball’ ha vuelto a ser un desfile de «looks» tanto vanguardistas como clásicos, y entre los cuales se ha colado un homenaje a la legendaria drag queen Pepper LaBeija. Por otro lado, los visuales proyectados en pantalla han vuelto a ser tan espectaculares como siempre, si bien esta vez parece que no narran ninguna historia, según se lee en foros.
A falta de vídeos oficiales de la gira, os dejamos con algunos que ha subido el público a Instagram de ‘Alice’, ‘Rain on Me’, ‘Babylon’, ‘Shallow’, etc.
Lizzo es una de las personas más divertidas del pop actual, tanto que su reciente monólogo en Saturday Night Live puede considerarse uno de los mejores de la historia. Estoy obsesionado con el momento en que presenta a su madre, esta saluda a cámara y Lizzo afirma: «¡no la veo hace años!» Por suerte, Melissa Jefferson también se preocupa por que su música sea igual de divertida. «No quiero estresarte, pero te necesito» o «te voy a hacer un Lorena Bobbitt» son dos de las frases contenidas en su nuevo disco, titulado ‘Special’ porque así es como se siente ella y quiere que se sienta su público.
Ese cruce entre amor y humor propio está muy presente en ‘Special’. Lizzo sabe reírse de sí misma porque otros lo han hecho a su costa, y finalmente es ella quien está riendo última. ‘The Sign’, la pista inaugural de ‘Special’, avisa que a Lizzo «la ves venir porque está bien gruesa», hay un tema llamado ‘I Love You Bitch’ tal cual sacado de un tuit, y la frase inicial ‘About Damn Time‘ es casi igual de buena que la de ‘Truth Hurts‘, y casi igual de icónica.
‘Special’ es el cuarto álbum de Lizzo, pero es el segundo publicado a través de una multinacional, y sus créditos vuelven a ser un conglomerado de nombres imposible de abarcar. Entre ellos se encuentra el Max Martin, para el que ‘Special’ ha debido ser otro de sus trabajitos. Afortunadamente, la unidad de la que carecía ‘Cuz I Love You‘ es una virtud de ‘Special’ pese a su variedad, lo cual incluye un inaudito sample de Beastie Boys en el trap saltarín de ‘Grrrls’, otro de Ms. Lauryn Hill en la balada Motown de ‘Break Up Twice’, la única contribución de Mark Ronson al disco; y otro de Coldplay en el tema homónimo que cierra el disco.
‘About Damn Time’, el éxito de ‘Special’, muy inesperado pues empezó fatal en las listas hasta que TikTok le salvó el culo, es otro divertimento disco de Lizzo, aunque yo me quedo con el remix de Purple Disco Machine. Más interesante es el homenaje al primer Michael Jackson de ‘Everybody’s Gay’, que no solo recuperara el significado antiguo de la palabra «gay» sino que básicamente pide ser una canción de Jessie Ware. ‘I Love You Bitch’ incluso coquetea con el italo disco. Lo hace de manera menos decidida que The Weeknd, pero funciona.
Como su LP anterior, ‘Special’ vuelve a ser un disco en el que los singles están muy claros y lo demás palidece en comparación. Entre ellos hay que destacar también ‘Grrrls’; la balada soul ‘Special’, que será para siempre una de las canciones más identificas de Lizzo por su mensaje «eres especial, aunque estés rota, eres perfecta»; y, sobre todo, el efectivo y divertido homenaje a los 80 de Olivia Newtwon-John que es ‘2 Be Loved (Am I Ready)‘. Sin embargo, Melissa defiende sus «album tracks» con soltura. Por ejemplo, ‘Naked’ la sigue acercando dignamente a la Motown esta vez por la vía de Solange (inspiración reconocida), y ‘Birthday Girl’ es otra de esas cancioncillas simpáticas que tan bien se le dan.
Basta echar un vistazo a cualquier web de reseñas para ver a ‘Separación’ en todas las listas de las mejores series del año. La ficción creada por el debutante Dan Erickson y dirigida por Ben Stiller y Aoife McArdle (conocida por sus videoclips para U2 o Coldplay), se ha convertido en la gran sorpresa de la temporada, en la serie estrella de Apple TV+. ¿Qué tiene ‘Severance’ para haber logrado este aplauso generalizado?
Primero, una premisa argumental irresistible. ‘Separación’ narra la historia de varios empleados de una gran empresa que se han sometido a un procedimiento quirúrgico para separar sus recuerdos de la vida laboral y la personal. Una trama de ciencia ficción distópica muy sugerente que se sustenta en cuatro grandes interrogantes: ¿por qué esos oficinistas han accedido voluntariamente a disociar su mente? ¿Quiénes son fuera de la oficina (solo conocemos al protagonista)? ¿En qué consiste su trabajo? ¿Cuáles son las intenciones de la empresa más allá de conseguir que los problemas personales de sus empleados no afecten a su desempeño profesional?
Segundo, una fabulosa puesta en escena. ‘Separación’ podría haber sido otro thriller más que sigue la estela de ‘Black Mirror’, otra distopía tecnológica y tardocapitalista que no va a ningún lado (como ocurrió con ‘Maniac’), otra intriga de conspiraciones que, partiendo de una buena idea, termina estirándose hasta el aburrimiento. Sin embargo, el trabajo de dirección de Stiller y McArdle ha conseguido transformar un guión con un desarrollo algo rutinario y tópico, en una experiencia visual y dramática enormemente sugestiva.
Los cineastas contraponen dos estilos visuales antitéticos que funcionan como alegoría de la separación mental del protagonista. Por un lado, una oficina laberíntica, de diseño aséptico, minimalista y retrofuturista, tan “limpio” como la mente de sus empleados, filmado por medio de encuadres geométricos y sinuosos trávelin de seguimiento. Por otro, una realidad exterior de luz mortecina, arquitectura anodina y espacios que transmiten soledad y depresión, pero rodada con más cercanía y calidez compositiva.
Tercero, el equilibrio entre los diferentes tonos. ‘Separación’ funciona igual de bien como esquinada comedia de oficina que como intrigante thriller conspirativo, como afilada sátira sociopolítica que como terrorífica fábula de ciencia ficción. Basta un ejemplo: la extraordinaria escena del baile. Una secuencia capaz de unir la comicidad de ‘The Office’ con el horror sociopolítico de Orwell, la angustia existencial de Kafka, y la extrañeza y melancolía de Charlie Kaufman. Sin olvidar otro referente que, quizá no sea directo pero sí generacional, producto del zeitgeist millennial: la estupenda novela de Helen Phillips ‘La hermosa burócrata’.
Y cuarto, los cliffhangers. ‘Separación’ ha usado esta controvertida estrategia narrativa para mantener el interés de los espectadores semana a semana. Yo no soy muy partidario, sobre todo cuando son tan facilones y bruscos que parece que simplemente han cortado una secuencia por la mitad. Pero lo cierto es que han contribuido a generar una gran expectación alrededor de la serie. Obviamente, dado el sabor agridulce que nos deja el final de la temporada, la segunda ya está confirmada.
beabadoobee protagoniza uno de los lanzamientos del pasado viernes con ‘Beatopia’. El disco está inspirado en un mundo imaginario que Beatrice Kristi Laus ideó cuando era una niña, y del que llegó a diseñar un mapa que contenía nombres de continentes y países, e incluso un alfabeto propio.
Como el debut de beabadoobee, ‘Beatopia’ es otro ejercicio de nostalgia noventera y dosmilera, como demuestra el sonido de singles como ‘See You Soon’, ‘Talk’ o ’10:36, este último en la línea de Garbage. Y nostálgico también es el último single. ‘Sunny day’ es la Canción Del Día.
Si beabadoobee es conocida por recuperar el sonido guitarrero de los 90, en ‘Sunny day’ prueba algo distinto: una canción R&B. Ella quería sonar como la primera Nelly Furtado, y la adorable ‘Sunny day’ nos lleva a esa época tanto como a la de All Saints: su ligero beat R&B, combinado con el sonido de una guitarra acústica, remite a ‘Pure Shores’.
En ‘Sunny day’, beabadoobee trata de ser una mejor amiga, pero está deprimida y no sale de casa, por lo que espera encontrarse mejor el día de mañana. «No he estado tan ocupada pero no te estoy ignorando», canta, «te llamaré por la mañana cuando te despiertas, quizás mañana estemos bien, cuando haga sol».
El vídeo de ‘Sunny day’ es otro baño de nostalgia. beabadoobee se adentra en un microcosmos mágico lleno de plantas, flores y setas psicodélicas. Durante su paseo se hace amiga de una rana cantarina. Posibles referencias visuales: ‘Viva Forever’ de Spice Girls, ‘Honey to the Bee’ de Billie Piper o ‘Isobel’ de Björk. Todo queda en el pasado.
Roger Waters, co-fundador de Pink Floyd, ha dicho que es más importante «de lo que The Weeknd y Drake serán jamás» en una entrevista con un medio canadiense.
El contexto es el siguiente. Waters acaba de dar dos conciertos en Toronto y no entiende por qué ningún medio local los ha reseñado. Uno de esos conciertos coincidía con el de The Weeknd, que terminó siendo cancelado debido a un corte eléctrico.
En su charla con The Globe and Mail, Waters pregunta al periodista Brad Wheeler por qué el medio no ha cubierto al menos uno de sus recientes conciertos en Toronto, y el periodista responde que a él se le asignó reseñar el show de The Weeknd y que, de todas maneras, el medio ya no cubre tantos conciertos como antes. En su defensa, el periodista informa a Waters que intentó entrevistarle antes de uno de sus conciertos y que su solicitud fue denegada, y le recuerda que, de todas formas, le está entrevistando en ese momento.
Waters responde: «No sé quién o qué es The Weeknd porque no escucho mucha música. La gente me ha dicho que es un artista muy importante. Bien por él, no tengo nada en contra de él pero ¿no habría sido posible cubrir su concierto una noche y el mío otra noche?» Waters matiza que no está atacando personalmente a The Weeknd pero que le parece «raro» que los medios no cubran sus conciertos porque «soy más importante de lo que The Weeknd o Drake serán jamás, por muchos millones y millones de streamings que ellos tengan».
Recientemente, Pink Floyd ha sido noticia por publicar su primera canción nueva en décadas, en solidaridad con Ucrania. ‘Is This the Life We Really Want?‘, el último álbum en solitario de Waters, vio la luz en 2017.
Uno de los debuts más aplaudidos del año. ‘Facendera’ (término asturleonés que significa trabajo comunitario) narra una historia ambientada en la cuenca minera leonesa contada desde un after en un piso de Madrid. Como una suerte de ‘Las mil y una noches’, el narrador le cuenta a una chica cuentos sobre su pueblo –sobre coches tuneados, cierres de minas, tráfico de ansiolíticos, sexo en descampados, desindustrialización, desempleo, desesperanza- mientras ella le va interrumpiendo haciéndole preguntas que ayudan a completar el relato y proporcionan información sobre la naturaleza de su relación. 
Otro debut fantástico. La norteamericana Jackie Polzin ha escrito una novela muy especial. Una reflexión sobre la fragilidad, el dolor y la belleza de la vida a través de la narración del cuidado de cuatro gallinas ponedoras. ¿Otro libro más sobre urbanitas que se van al campo a cultivar hortalizas, cuidar un gallinero y “encontrarse a sí mismos”? Nada de eso. Aquí no hay brasa 
Coincidiendo con el estreno de ‘Downton Abbey: Una nueva era’, segunda secuela cinematográfica de la popular serie británica, y del actual debate sobre la regulación del trabajo doméstico, la editorial Periférica ha publicado este ensayo que se ha convertido en un pequeño sleeper, en un éxito sorpresa. ‘Nunca delante de los criados’ desmonta el mito del universo plácidamente jerárquico de la sociedad victoriana y eduardiana, plagado de señores íntegros y criados felizmente solícitos, que se ha popularizado en la ficción.
El nombre del canadiense Chilly Gonzales va siempre asociado al calificativo de “reputado pianista”. Se lo ha ganado: sus celebrados discos ‘
No es la primera vez que el irlandés 
No podía faltar una novela negra. Ahora que Georges Simenon parece estar viviendo un revival (se ha estrenado la adaptación cinematográfica ‘Maigret’ y las editoriales Anagrama y Acantilado están reeditando su obra) nada mejor que zambullirse en las páginas de la más simenoniana de las novelas policiacas actuales. 
Los relatos sobre la resistencia contra los nazis siempre han tenido nombres masculinos y franceses. Pero hubo más. Algunos tenían nombres femeninos y judíos. La escritora Judy Batalion, columnista del New York Times, Vogue o Washington Post, ha rescatado del olvido a estas mujeres polacas que lucharon contra Hitler. Su resistencia fue minoritaria y poco relevante en términos militares, pero existió. Fue un combate enormemente desigual protagonizado por jóvenes que se resistían a perder la dignidad y la esperanza en el futuro, a bajar la cabeza e ir a los campos de exterminio “como ovejas al matadero”.
En enero de 1957, los neoyorquinos lanzaron un suspiro de alivio. “La mayor cacería en la historia del departamento”, como la denominó el jefe de la policía, había concluido. “Mad Bomber” había sido arrestado. El “loco de la bombas” llevaba 17 años colocando artefactos explosivos por toda la ciudad: en la estación Grand Central, la Biblioteca Pública, el Radio City Music Hall… La policía estaba tan desesperada que, aunque les parecía absurdo, casi como consultar a un vidente, recurrieron a los servicios de un profesional atípico: un psiquiatra. Acababa de nacer la perfilación criminal como herramienta policial.
La inesperada muerte de Domingo Villar a los 51 años nos ha dejado huérfanos de su gran creación: el inspector vigués Leo Caldas. Da la casualidad de que los tres libros que dedicó al personaje –‘Ojos de agua’, ‘La playa de los ahogados’ y ‘
