Zahara, autora del mejor disco de 2021, ‘PUTA‘, anuncia una revisión del álbum llamada ‘REPUTA’. Se editará el 23 de septiembre e incluirá reinterpretaciones de la mayoría de las canciones del álbum, rehechas por otros artistas relevantes del panorama nacional.
Entre los nombres seleccionados, destacan por su popularidad y por lo ajenos que parecían al proyecto La Oreja de Van Gogh. Han realizado una reinterpretación de uno de los temas más pop y menos agresivos del disco, ‘Médula’. También llama mucho la atención la presencia de Carolina Durante en ‘Joker’, pues era un tema que referenciaba ‘Cayetano’ e incluía el sonido de una cacerolada. Son curiosas las aportaciones de Rodrigo Cuevas abriendo el álbum con el que era el último tema del tracklist original, Alizzz en ‘Berlín U5’, Delaporte, Shego o María José Llergo.
Zahara explica el disco así: «REPUTA es un disco con colaboraciones flipantes de unos artistas que me han roto el corazón. Han conseguido que en este disco no solo haya versiones y remezclas, sino también canciones que, aún llamándose igual que en PUTA, son completamente nuevas, tanto en música como en letra. Hay mucha electróncia, pero también pop, rock, una banda municipal y hasta reggaeton. Y no os lo vais a creer, sentido del humor».
Os dejamos con el tracklist resultante, dividido en 4 partes porque el vinilo será doble. Os recordamos que Zahara está embarcada en una gira llamada «LA PUTA RAVE», que visitará escenarios como Bosque Sonoro en Aragón, Río Babel en Madrid, Bilbao BBK Live, el FIB y un sinfín de ciudades más. Podeís encontrar las fechas en la web de Zahara.
1.-Dolores, con Rodrigo Cuevas y la Asociación Musical Ubetense
2.-Joker, con Carolina Durante
3.-La hostia de Dios
4.-Berlín U5, con Alizzz
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5.-Taylor, por Delaporte
6.-Merichane, con Shego
7.-Sansa, con María José Llergo
8.-Médula, con La Oreja de Van Gogh
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9.-Berlín U1, por Perarnau IV
10.-Taylor, por Producción Extintor (Marcel Bagés i David Soler)
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11.-Ramona, por Pretty Pretty 2000
12.-Flotante, por Cora Novoa
Lykke Li lanzó la semana pasada su quinto álbum ‘EYEYE‘, que aun sin ser su mejor disco, regala buenas canciones como ‘NO HOTEL‘, ‘YOU DON’T GO AWAY’ o ‘HUGHWAY YO YOUR HEART’. La artista sueca ha contado a NMY que está reimaginando el concepto del álbum para convertirlo en un «sueño ambiental, instrumental y sonoro».
En la crítica de ‘EYEYE’ que hizo JENESAISPOP, se arroja luz sobre la sensación de improvisación que transmite el álbum. «Las melodías realmente no son tan ambiciosas como las de ‘I Never Learn’. Más bien se echa en falta que Lykke juguetee más con ellas. Que les dé alguna vuelta. En su estado actual suenan algo planas». Parece que a la cantante también se le ha quedado ese sabor de boca, porque ahora quiere explorar los elementos más etéreos de las canciones, tocar los aspectos más psicodélicos.
Puede que esta nueva versión de ‘EYEYE’ sea un acierto, porque le puede aportar esa frescura que no tiene el disco original. «Quiero llegar a algo donde nunca he estado. Sentí que este era el camino más interesante para explorar». No es la primera vez que reelabora un trabajo discográfico. Su álbum ‘So Sad So Sexy‘, de 2018, también tuvo una hermana un año más tarde: ‘Still Sad Still Sexy’.
El pasado sábado (28 de mayo) se celebró la final de la Champions League, y para uno que vive en la capital española, el resultado del partido no pasó desapercibido. Justo antes del comienzo del encuentro, Camila Cabello tuvo su propio «halftime show» donde parece que sin ningún disimulo ella ya dio la victoria al Real Madrid. Cualquiera puede pensar que Camila Cabello solo quería animar a los españoles, con tanto ritmo latino, colores rojos y amarillos, ella vestida de blanco, y las palabras «HOLA» y «FAMILIA» bien grandes en el césped. Tras el show, el polémico comportamiento de los asistentes a lo largo de su actuación la ha llevado a expresarse en Twitter.
Camila interpreta cuatro de sus canciones más conocidas, ‘Señorita’, ‘Havana‘, ‘Bam Bam‘ y ‘Don’t Go Yet‘, además de un pequeño fragmento de ‘La Buena Vida’. Aunque con estas canciones sea difícil aburrirse, el show deja un poco que desear. Camila sale del túnel de vestuarios e interpreta las primeras tres canciones en un pequeño escenario ubicado en el lateral del campo.
Mientras ella canta en esa esquina, todo el ancho del terreno de juego lo cubre una gigante alfombra azul sobre la que bailan y dibujan palabras un grupo de bailarinas. Solo con ver el gran «HOLA» en el campo con el que da comienzo el espectáculo, parece tratarse de la ceremonia de apertura de los juegos olímpicos de Barcelona, o un Superbowl Halfitime Show de Gloria Estefan en los 90. Intentando hacer algo latino tradicional, le queda una cosa desfasada y que sabe a poco.
Sin embargo, la última canción es la que guarda la artillería. Camila abandona su posición y se une al resto de bailarinas en el centro del campo, donde cantan y bailan ‘Don’t Go Yet’ rodeadas de luces y fuegos artificiales. Un correcto final que endulza el sabor de boca justo antes del partido.
Es un poco triste fijarse en el sonido de fondo de la actuación y darse cuenta de que el público no deja de abuchearla a lo largo de todo el show, especialmente al final del mismo. La cantante mantuvo la compostura, pero no pudo morderse la lengua por mucho tiempo. Camila publicó dos tweets que acabó borrando, en los que arremete contra la afición en París. «No puedo creer que la gente estuviese cantando el himno de sus equipos tan alto durante nuestra actuación» explicaba, para concluir con «Muy maleducados, pero bueno, ¡me alegra que a vosotros os gustase!».
Camila Cabello calls out soccer fans for interrupting her opening performance at the 2022 UEFA Champions League Final:
“Playing back our performance and I can’t believe people were singing their teams anthem so loud during our performance… Very rude but whatever,” pic.twitter.com/bYfQ5eiNXQ
Este mes hemos visto aparecer en la lista de vinilos más vendidos del país ‘A Way Forward’, el segundo disco de Nation of Language. Tantas ganas había de que al fin llegase al mercado en el que parece su formato natural, el LP, tras su edición digital en invierno.
El trío de Brooklyn formado por Ian Richard Devaney, Aidan Noell y Michael Sue-Poi y sobre todo un montón de influencias eminentemente europeas se ha convertido en uno de los favoritos del público aficionado al synth-pop: también este mes han agotado entradas a su paso por Madrid y Barcelona. Lo suyo a veces puede caer en la imitación, pero como Måneskin en el rock, se han beneficiado de una falta absoluta de competencia en su estilo tan depurado, a día de hoy.
Como si se hubieran colado en el Kling Klang Studio a robar sintetizadores, Nation of Language recuerdan a los tiempos de Kraftwerk en canciones como ‘In Manhattan’; viniendo a la cabeza también el nombre de revivalistas post-punk como The Horrors en el single ‘Across the Fine Line’. Baladas como ‘Miranda’ y ‘Former Self’ han hecho las delicias de los aficionados al género, mientras que en ellos adquiere un nuevo sentido lo que en algún momento se llamó neo-romántico.
Más cerca de OMD que de toda la retahíla de maquillajes impostados, son atormentadas las letras de canciones como ‘Wounds of Love’. El mejor momento de ‘A Way Forward’ es ese en que Ian Richard, tras confesar que es incapaz de dejar de sufrir por las penas del corazón, se pregunta si alguna vez podrá dejar atrás «las heridas del amor». Acto seguido se responde a sí mismo: «¡No! ¡No! ¡No!».
Mejor aún es ‘This Fractured Mind’, que abre de manera gloriosa la cara B del disco cual hit del primero de Depeche Mode, tras otra a su vez increíble revisión de Human League llamada ‘The Grey Commute’. ‘This Fractured Mind’ sigue, pese a su eufórico ritmo, la senda deprimente de Nation of Language hablando de alcohol y muerte, planteando otra cuestión de angustia existencial: «¿Crees que podría simular mi vida, pero hecha de una manera mejor?».
En ‘A Word & A Wave’ la banda hablar de «quedarse dormido romantizando las penas del corazón en el centro de la ciudad», antes de que el disco se cierre con una producción que evoluciona del dream pop al synth-pop más constructivo, recordando que su música está siempre más próxima al optimismo que sus textos. Si toda esa pena que arrastran es la de haber nacido en un tiempo equivocado -un par de décadas más tarde de lo que debían-, la música les ayuda a olvidarlo.
El Primavera Sound incluirá una serie de eventos en celebración de la escena italiana llamado La Festa: The Italian showcase. Reunirá a tres artistas del país mediterráneo que nos ayudará a conocer su música, en concreto una que no tiene nada que ver con Måneskin ni tampoco con la canzone ni tampoco con Raffaella Carrá. Los artistas invitados son Her Skin, Nother y KOKO, y los tres actuarán el martes 7 de junio en el CCCB, el miércoles 8 de junio en la Sala Vol y en el escenario Night Pro del Primavera Sound durante el primer y segundo fin de semana del festival.
Si Nother y KOKO nos hacen pensar por momentos que estamos más bien ante la delegación islandesa de Primavera Pro (de ‘Lines‘ a ‘Sayonara‘), Her Skin es el proyecto de la cantautora Sara Ammendolia. Debutó con un álbum llamado ‘find a place to sleep’, más apegado a la guitarra acústica o incluso al ukelele y ahora ha terminado un segundo llamado ‘i started a garden’ que suena más próximo al revival de indie pop noventero de gente como girl in red, Hatchie y Phoebe Bridgers. En concreto ‘Confident’ va a ser nuestra «Canción del Día» hoy.
‘Confident’ es uno de los adelantos del disco ‘i started a garden’, al igual que otro tema llamado ‘Heavy Hearted’ que se ha publicado hace tan sólo unos días, versando sobre la imposibilidad de olvidarte de alguien cuando le tienes a mano en el móvil o te lo encuentras todo el rato. Her Skin, que cita entre sus referentes a gente como Big Thief, Vashti Bunyan, Mac DeMarco, Beirut y Joni Mitchell, habla en ‘Confident’ sobre el amor propio recordando que la “perfección no es real y está bien cagarla”. Por eso brilla tanto su estribillo «estos días siento que no hago nada bien», recitado en plan autoayuda, mientras por el tipo de guitarras, pueden venir a la mente bandas de shoegaze como Slowdive o Ride.
En el vídeo. vemos a Her Skin comiéndose una hamburguesa o una tostada, mientras la descripción del mismo en Youtube nos recuerda: «Está OK sentirse mal, está OK perder el tiempo, está OK usar las palabras equivocadas, está OK dejar todo sin titular». Her Skin, que ha estado este año también en el prestigioso festival SXSW, ha girado ya por países como Alemania, Francia o Hungría y, como te decimos, será uno de los talentos de 10 países diferentes que se podrá ver en muy pocos días en Primavera Sound.
Dedicamos el nuevo episodio de Revelación o Timo, el podcast de JENESAISPOP a hablar del regreso de los macrofestivales tras 2 años de pandemia. Tras Warm Up Murcia, Tomavistas, SanSan, Oh See Málaga… llega el momento de decidir a qué festival de verano ir. Están a punto Primavera Sound, Sónar, Paraíso Festival, Mallorca Live… y en julio será el turno de Bilbao BBK Live, Low Festival, FIB, Mad Cool, Río Babel, Vida Festival… Entre las sorpresas, Cala Mijas o Festival Brillante. El orden del día:
-La nueva diversidad en los carteles: festivales con Juan Luis Guerra, Rubén Blades, Dani Martín… como Cruilla y SanSan.
-El momento en que Amaral o Bunbury empezaron a hacer festivales.
-El odio irracional generado por Bad Bunny y J Balvin.
-Festivales finos que no invitan a Vetusta Morla ni a Love of Lesbian. El elitismo en algunos carteles.
-El Primavera Sound como mejor festival del mundo, como experiencia inabarcable y como franquicia.
-Carteles que funcionan al margen de su cartel: Sónar, Paraíso, Low Festival.
-El nuevo FIB después de la pandemia.
-Las franquicias heterocis de Mad Cool.
-La gran sorpresa de este año: Cala Mijas.
-Festivales que han nacido en pandemia: Festival Brillante, Bosque Sonoro…
-¿Mola ir acreditado a un festival a cambio de hacer crónicas?
Tras el devastador tiroteo ocurrido en Texas esta semana, Harry Styles ha decidido donar un millón de dólares a favor del control de las armas en los Estados Unidos. Junto con Live Nation, donará todo ese dinero proveniente de su ‘Love On Tour’ al fondo ‘Everytown for Gun Safety Support Fund‘.
El pasado martes, un joven de 18 años abrió fuego en la escuela Robb Elementary School de Texas, donde cursan niños de entre 7 y 10 años. Tras el tiroteo, el asesino fue abatido. En este episodio murieron 19 niños y 2 profesores, siendo el tercer tiroteo colegial más mortal en la historia de los Estados Unidos.
Harry Styles ha compartido su decisión en Instagram, junto a un mensaje que dice: «Al igual que todos vosotros, he estado absolutamente devastado tras el reciente tiroteo en América». Styles se ha unido a otros artistas como Taylor Swift, Madonna y Olivia Rodrigo en sus palabras contra el uso de armas.
Madonna, que tiene todavía hijos en el colegio, compartió una publicación donde no esconde su miedo y su enfado frente a esta situación. «No puedo ni imaginarme el dolor y la angustia que deben sentir los padres de estos 19 niños». Taylow Swift también ha querido compartir unas palabras en este momento tan delicado: «Llena de rabia y dolor, y tan rota por los asesinatos en Uvalde». «Por la forma en que nosotros, como nación, nos hemos condicionado a esta insoportable angustia».
Filled with rage and grief, and so broken by the murders in Uvalde. By Buffalo, Laguna Woods and so many others. By the ways in which we, as a nation, have become conditioned to unfathomable and unbearable heartbreak. Steve’s words ring so true and cut so deep. https://t.co/Rb5uwSTxty
No es ninguna novedad que los 80 están de moda en el pop, pero siempre sin perder de vista que vivimos en 2022. Minimal Schlager, en cambio, pasa de modernidades y se mete de lleno en los 80 sonando igual de frescos. El dúo formado por los hermanos españoles Alicia y Francisco comenzaron a hacer música en la cuarentena, dando vida a un synth pop que parece que les ha elegido a ellos más que ellos a él.
El dúo trabaja entre Londres y Berlín, y aunque su estilo sea el synth pop, beben del italo disco, el new wave y la noche berlinesa. Su compromiso con los 80 es total. ‘FMB’ parece sacada de la propia década, y es que a Alicia le encanta coleccionar sintetizadores analógicos, como reveló en una entrevista, lo que explica cómo logran ese sonido tan puro. ‘Disorder’ recuerda al instante a ‘Good Ones‘ de Charli XCX, y también podría utilizarse como base para Dua Lipa, pero esta lo actualizaría, y ese no es el objetivo de Minimal Schlager.
‘Before’ parece un regalo de Giorgio Moroder, aunque sorprende una voz a lo Kylie Minogue. Y siguiendo con Giorgio Moroder, el último single del dúo, ‘Euphoria’, es lo mejor de la banda. Con un aire más setentero, consigue un efecto parecido al de ‘I Feel Love’ de Donna Summer. Una pista para bailarla con sudor, invita a entregar completamente tu cuerpo al ritmo y al sonido.
En cuanto a sus videoclips, Minimal Schlager es muy fiel a su estética. Todos sus vídeos pertenecen a un mismo universo cinematográfico que a ellos les gusta comparar con Pulp Fiction, como declararon a un medio alemán. Aunque no canten en español, encontramos referencias a su cultura como el videoclip de ‘New Mirrors’, que imita la más mítica escena de ‘Un Perro Andaluz’, película de Luis Buñuel y Salvador Dalí.
El dúo espera poder lanzar su primer álbum este mismo verano. Además, estarán en la Sala Taro de Barcelona el 17 de septiembre.
Bad Gyal tiene una debilidad por el dembow jamaicano, pero es que le viene como un guante. La catalana acaba de lanzar el single ‘La Prendo’, un dembow que sin duda bailaremos este fin de semana, pero que además empodera a la mujer en un género donde suele dominar la retórica masculina.
Bad Gyal llega de haberla petado con su álbum ‘Warm Up‘ y el EP ‘Sound System: The Final Releases’. Todo eso junto con el reciente single ‘Flow 2000‘ hace preguntarse hasta cuándo puede estar Alba cosechando hit tras hit. ‘La Prendo’ supone un regreso al dembow después de una breve etapa más electrónica con su «sound system» y su ‘Nueva York (Toto)‘.
Aunque nadie se pueda aburrir con las canciones de Bad Gyal, su forma de cantar es generalmente calmada y no muy aguda. En cambio, en ‘La Prendo’ se la puede escuchar atreviéndose con otros registros y ritmos más rápidos cuando canta «Yo le dejo loco siempre con mi flow, to’ el mundo se sofoca cuando llego al club». Aunque en velocidad y agudeza es otra representante del dembow la que ostenta el título, Tokischa.
El videoclip de ‘Lo Prendo’ es el primer capítulo de una serie de vídeos que saldrán junto a los próximos singles. Está grabado en República Dominicana, y en él Bad Gyal es «la jefa de un gang de cigarreras que controlan el negocio de los puros artesanales», dice la nota de prensa. Los problemas llegan cuando Alba se da cuenta de que unos capos la han estafado con billetes falsos, y ella, que no se deja engañar, los persigue para saldar cuentas. Es ahí donde termina este primer capítulo, aunque al final se puede ver al coche de los capos en llamas, por lo que se avecina un final feliz para las chicas de Bad Gyal.
El siguiente capítulo de la serie y por tanto, el siguiente single de «la más pegá» es ‘Tremendo Culón’. Todavía no hay fecha de estreno. Por otro lado, la cantante comienza su tour 2022 hoy en Londres, con un show sold out.
Entre los regresos que menos esperábamos a estas alturas se encuentra el de Uffie. La cantante franco-estadounidense ha conseguido sacar su disco antes que Sky Ferreira, pero le ha costado 12 años. El primero también se hizo esperar más de lo debido. ‘Sex Dreams and Denim Jeans’ vio la luz en 2010, cuatro años después que Uffie lograra viralizar su hit ‘Pop the Glock’ en MySpace.
El disco no fue ningún éxito comercial, pero sí influyó a artistas que hoy consideramos clave para entender el pop de nuestro siglo, como Charli XCX (con quien colaboró en una de sus mixtapes de 2017) o SOPHIE. Al fin y al cabo, ‘Sex Dreams and Denim Jeans’ era un estupendo trabajo de pop moderno que coqueteaba con el synth-pop, el electro o el hip-hop de manera exquisita, y que contaba con la producción de maestros como Mirwais o Mr. Oizo.
Uffie no ha conseguido superar el hito de aquel ‘Pop the Glock’ cuya mezcla de electro, hip-hop y vocoders líquidos fascinaba a los amantes del pop más selecto. Sin embargo, en ‘Sunshine Factory’ tampoco ha querido repetir su fórmula. Por contra, se ha asociado con Toro y Moi y ha creado un disco de pop alucinado que sabe a fresa y a ácido. ‘Sunshine Factory’ es su particular «país de las maravillas psicodélico» en el que los dramas del mundo real no tienen cabida. Aquí el único drama es que a Peaches se le ha quedado el pito atrapado en una puerta, como cuenta en uno de los interludios. Y claro, no puede acudir a la fiesta. Aunque, francamente, tampoco se pierde la noche de su vida.
La paleta sonora de ‘Sunshine Factory’ se basa en aquel dance-punk que nos hacía bailar en torno a 2005 o 2006. La producción es lo-fi y sucia como en los primeros discos de Gossip o Bonde do Role, y las canciones buscan hacerte sentir que estás bailando en un garito de mala muerte. Es absolutamente el caso de la marrana ‘mvp’ (por sonido y letra), de esa ‘dominoes’ atiborrada de «espresso italiano» y, sobre todo, de la frenética ‘where does the party go?’, que rima «Madonna» con «marihuana» y después «marihuana» con «nirvana», y cuyo pegadizo estribillo reza «ya no puedo volver atrás, este año he colapsado como el MacBook». Los textos muchas veces no tienen sentido, y esa es su gracia.
A veces, las canciones de ‘Sunshine Factory’ abrazan las guitarras robustas del indie-rock noventero, como ‘prickling skin’, que no renuncia a la suciedad electrónica que impera en el álbum. Otras consiguen que Uffie no suene completamente anacrónica en 2022: ‘anna jetson’ llega tarde al sonido PC Music, pero llega, la dulce ‘a month of mondays’ podría ser de Charli XCX y ‘sophia’ convence con su sonido bedroom-house y el humor de su letra «U-U-U-Uffie bad and boujee / Shake it up and make a smoothie».
La filosofía de ‘Sunshine Factory’ es la de la despreocupación, y el disco suena completamente descuidado en el buen sentido, y también en el malo, porque las canciones rara vez dejan huella, aunque resulten entretenidas. La mejor del lote, sin duda, es ‘cool’. Irónicamente es la que menos tiene que ver con el estilo general del disco, pero también es la que más se acerca a darnos un nuevo single-hito de Uffie como lo fue ‘Pop the Glock’. En su caso, a ‘cool’ le basta un simple ritmo de pogo y unos punteos de bajo para convencernos de que Uffie es la persona más «cool» del planeta, como ya hiciera su primer hit.
Ocurrió en Roma la madrugada del 5 de marzo de 2016. Dos pijos veinteañeros -Manuel Foffo, un estudiante de Derecho hijo de un conocido empresario, y Marco Prato, un relaciones públicas hijo de un respetado profesor universitario- invitaron a Luca Varani, un chico de origen humilde que a veces se prostituía, a sumarse a la fiesta de alcohol y cocaína que se estaban pegando en casa de uno de ellos. La velada terminó con Varani asesinado a martillazos y cuchilladas. ¿El motivo? Ninguno. Quizás experimentar qué se sentía. No estaban seguros.
El crimen conmocionó a Italia y obsesionó al escritor Nicola Lagioia. Como Truman Capote en ‘A sangre fría’, Lagioia estuvo varios años siguiendo el caso, documentándose sobre sus protagonistas, entrevistando a sus amigos y familiares… Intentando buscar respuestas: ¿por qué matar a un chico al que apenas conocían? ¿Por qué esa forma salvaje de asesinarlo? ¿Por qué ese ensañamiento? ¿Fue a causa de las drogas, por aburrimiento de clase acomodada, por inconsciencia, por pura maldad?
El resultado de esa investigación es ‘La ciudad de los vivos’ (Literatura Random House), una excepcional crónica literaria, apasionante, absorbente (hacía tiempo que no devoraba un libro de casi 500 páginas con estas ansias) y llena de lúcidas reflexiones sobre el crimen de Varani y todo el ruido mediático que generó a su alrededor. El retrato de una amistad tóxica entre dos jóvenes profundamente narcisistas, con problemas de identidad sexual y llenos de frustraciones existenciales, habitantes de una ciudad tan hermosa e irresistible (Roma tiene gran protagonismo en el libro) como caótica y decadente.
‘La ciudad de los vivos’ también tiene mucho de autoficción. Siguiendo el camino abierto por Capote y desbrozado con maestría por otros como Emmanuel Carrere o Javier Cercas, Lagioia se suma a la polifonía de voces del relato describiendo cómo fue el proceso de elaboración del libro y cuáles fueron sus impresiones tras haberse asomado al abismo de la naturaleza humana. El escritor, como hacemos todos, se reconoce en la víctima. Es fácil temer que nos maten, que nos roben, que nos engañen… “Por favor, que no me pase a mi”. Pero también en los verdugos. Temer que un mal día, por inconsciencia, por un ataque de ira, por lo que sea, seas tú el agresor, el asesino. “Por favor, que no sea yo quien lo haga”.
‘La ciudad de los vivos’ es, sin duda, una de las crónicas criminales más impresionantes de los últimos años. Una extraordinaria novela de no ficción a la altura de clásicos del género como el mencionado de Capote o ‘El adversario’ de Carrere.
‘La canción que no quiero cantarte’ de Amaia y Aitana sube al número 1 de lo más votado de JNSP. Se convierte así en el 8º número 1 para Amaia de nuestra lista, pero tan sólo el 2º para Aitana, que hasta ahora solo había coronado el top con ‘Lo malo’ junto a Ana Guerra. Todo un mundo paralelo respecto a Promusicae, donde es habitual ver a Aitana en las primeras posiciones, pero no a Amaia.
La entrada más fuerte es para el segundo single de ‘Harry’s House’ de Harry Styles, seguida de lo nuevo de Santigold. Entran Superorganism, Death Cab for Cutie, Lidia Damunt y Metronomy.
Angel Olsen ha publicado hoy, 27 de mayo, un cover de Bob Dylan, concretamente de su canción ‘One Too Many Mornings’. El tema original es de 1964, y esta nueva versión está incluida en la banda sonora de la serie ‘Shining Girls’, producida por Apple TV+.
No es la primera vez que Olsen rinde homenaje a otros artistas versionando sus canciones. En su reciente EP ‘Aisles‘, la estadounidense versiona a Laura Branigan, Billy Idol, Men without Hats, OMD y Alphaville. En cuanto a la versión de Bob Dylan, Olsen lleva el tema folk a su propio terreno, dando con una canción vulnerable pero pacífica y tranquilizadora.
Angel Olsen donará todos los ingresos que genere con los royalties de ‘One Too Many Mornings’ a la organización estadounidense contra las armas Everytown for Gun Safety.
Su nuevo álbum ‘Big Time’ está a punto de ver la luz. El próximo 3 de junio se podrá disfrutar del disco que contiene los singles ‘Through the Fires’, ‘All the Goog Times‘ y el tema homónimo ‘Big Time’. Además, la artista visita España a principios de otoño. El 29 de septiembre actuará en La Riviera de Madrid y el próximo día, el 30 de septiembre, lo hará en la sala Apolo de Barcelona.
Demi Lovato finalmente se ha dado cuenta. Su carrera musical no podía seguir insistiendo en un pop que perdía interés por momentos. La primera chica Disney que decidió apostar por algo distinto como el rock fue Miley Cyrus, y ha sido todo un acierto. Ahora es Demi Lovato la que quiere probar con la guitarra y la batería. Selena Gomez, por su parte, sigue a lo suyo.
Demi publicó una foto hace unos meses donde escribía literalmente que ese era «Un funeral de su música pop». Detrás de ella y de su equipo asomaban todos los discos de oro y galardones que ha logrado con su música. La frase dejó intuir que la artista trabajaba en algo nuevo y distinto a lo que nos tiene acostumbrados, y el momento ha llegado. Demi Lovato ha publicado el teaser de su próximo single ‘Skin of My Teeth’, su nuevo tema rockero que verá la luz el próximo 10 de junio.
Lovato no ha inventado nada. Ni es la primera en pasarse al pop punk, ni llega pronto a la moda «dosmilera». Este giro no es algo muy arriesgado, pero puede que le de frescura y un empujón que necesita. La guitarra eléctrica no es nueva para ella, que ya la usaba sobre todo en sus dos primeros discos ‘Don’t Forget’ y ‘Here We Go Again’, pero en esta nueva etapa se acerca más al punk, a un pop-rock más adulto.
El director tailandés Apichatpong Weerasethakul, autor de obras tan celebradas como ‘Tropical Malady’ o la atrevida y preciosa Palma de Oro ‘Tío Boonmee recuerda sus vidas pasadas’ presentaba el año pasado en Cannes su primera aventura fuera de su país natal. Este proyecto llevaba años gestándose, más concretamente desde que Tilda Swinton, miembro del jurado en el certamen francés de aquel año, quedase prendada del estilo y narrativa de ‘Tropical Malady’.
Ambos artistas han estado en contacto, coincidiendo en diferentes festivales hasta que surgió ‘Memoria’, donde Apichatpong nos lleva a Colombia, un país culturalmente en las antípodas del propio. Allí, una botánica británica viaja desde Medellín a Bogotá para visitar a su hermana enferma. Durante los primeros minutos de este viaje sensorial que es ‘Memoria’, la cámara se sitúa en una habitación oscura. En la cama, Jessica (Tilda Swinton) duerme hasta que es sobresaltada por un ruido extraño. De esta manera, el director ya ha presentado el elemento principal sobre el que gira la película: ¿qué es este sonido y de dónde viene?
Durante todo el metraje Jessica intentará encontrar el origen de este sonido que solo ella es capaz de oír. Bajo esta premisa tan poética acompañamos a su protagonista y emprendemos un viaje inmersivo y profundo por los bosques colombianos. Era fácil ser escéptico ante la posibilidad de que Apichatpong se abriese al público internacional con una actriz famosa de protagonista y se desligase del habitual folklore tailandés tan arraigado a su cine, pero el director ha sabido no solamente trasladar su inimitable estilo a tierras extranjeras sino que ha logrado la que es probablemente su mejor obra. En ‘Memoria’ reside todo lo que hace especial a su cine, y sus obsesiones temáticas como la muerte y la reencarnación, están aquí presentes adquiriendo, quizá, más hondura que nunca.
Lo que hace Apichatpong es básicamente inventar un tipo de cine. Si la singularidad de sus obras anteriores nos dejaba claro que el cineasta es un auténtico visionario, ‘Memoria’ se encumbra como el más impresionante despliegue de imaginación, coherencia y audacia narrativa que se ha visto en tiempo. La pantalla respira con la misma fuerza con la que el estruendo sobresalta repentinamente a la protagonista. Es una de esas películas capaces de parar el tiempo, de transportarnos a un lugar mágico y desconocido del que saldremos siendo distintos. La intensidad con la que sacude su excelente tramo final nos recuerda que no solo hemos presenciado una obra maestra sino que su impacto nos va a acompañar durante semanas.
A la fuerza de sus imágenes y de la compleja narrativa del tailandés se suma la impresionante labor de una Tilda Swinton más allá del elogio. La suya es una interpretación que no parece tal cosa. A través de Jessica transmite la incomprensión y la soledad de un alma perdida y herida, que no comprende su lugar en el mundo. La actriz británica es una de esas intérpretes sin miedo a nada. Es una muestra infinita de amor por el cine y respeto hacia su profesión que se atreva a realizar –ella es la productora- películas con cineastas tan alejados del gran público como Apichatpong, y que además se aventure a actuar completamente en español, un idioma que no habla.
‘Memoria’ es cine eterno, cuyas cualidades cinematográficas apelan directamente a nuestros sentidos. Dejarse llevar por su ritmo pausado y ser recompensado con sus bellísimas imágenes y sus sugerentes sonidos es uno de los mejores regalos que nos ha dado el cine actual. Digna de verse y disfrutarse en la pantalla más grande y con el mejor equipo sonoro posible.
Este 26 de mayo se ha estrenado en Londres el concierto de de ‘Voyage‘ de ABBA. Los integrantes de la banda no actúan en el concierto, sino que lo hacen sus «avatares digitales». Había mucha curiosidad por averiguar cuán realistas serían estos avatares, y parece que mucho. De hecho, si daba la impresión que ‘Voyage’ sería un concierto de hologramas, realmente no lo es.
Versiones rejuvenecidas de Björn Ulvaeus, Agnetha Fältskog, Anni-Frid Lyngstad y Benny Anderson aparecen sobre el escenario como si fueran los años 70, proyectadas a través de una enorme pantalla rectangular, y las dos pantallas colocadas en posición vertical a ambos lado del escenario proyectan sus figuras ampliadas a la manera de un directo clásico. Sin embargo, las imágenes transmiten un aura tan futurista que a los críticos se les ha caído la «mandíbula al suelo» de la impresión.
Entre los medios de comunicación que han acudido al concierto de ABBA en Londres, The Guardian lo ha puntuado con 5 estrellas sobre 5, y ha augurado que ‘Voyage’ marcará un antes y un después en este tipo de directos. En concreto, el periodista Alex Petridis ha escrito que el concierto «está destinado a ser copiado». En el texto destaca que es «casi imposible reconocer que los avatares no son seres humanos reales».
Otro medio que ha flipado -con perdón de la palabra- con ‘Voyage’ ha sido The Huffington Post. Escribe que el concierto «te transporta a un universo en el que los mundos reales y digitales colisionan». Entre sus momentos favoritos destaca el de ‘Chiquitita’ animado con una puesta de sol. Entre los menos destacables nombra ‘Eagle’ y ‘Voulez-Vous’, en el que los «abbatares» son sustituidos por animaciones. El público aprovecha para ausentarse y acudir al bar.
El concierto de ‘Voyage’ deja más curiosidades. Como relata The National News, el concierto empieza con la melodía de ‘EastEnders’, en referencia a la ubicación de Queen Elizabeth Olympic Park en el este de Londres. Por otro lado, antes de la interpretación de ‘Waterloo’, Björn recuerda el momento en que Reino Unido le dio 0 puntos en Eurovisión.
Los propios integrantes de ABBA se encontraban en un palco para ver el estreno de su esperado concierto, y aparecieron en el escenario al final para dar las gracias al público. Entre los asistentes al estreno de ‘Voyage’ se encontraban también Kylie Minogue o la sueca Zara Larsson, que acaba de estrenar una versión modernizada de ‘Lay All Your Love On Me’.
Tracklist de ‘Voyage’
The Visitors
Hole in Your Soul
SOS
Knowing Me, Knowing You
Chiquitita
Fernando
Mamma Mia
Does Your Mother Know
Eagle
Lay All Your Love on Me
Summer Night City
Voulez-Vous
When All is Said and Done
Gimme! Gimme! Gimme! (A Man After Midnight)
Thank You For the Music
Don’t Shut Me Down
I Still Have Faith in You
Waterloo
Dancing Queen
The Winner Takes it All
Hace cuatro años que Calvin Harris y Dua Lipa unieron fuerzas para regalar ese mega-hit del verano ‘One Kiss‘. El DJ y productor ha vuelto a confiar en la voz de Dua Lipa para su próximo single, ‘Potion’, que ya está disponible.
‘Potion’ sigue en la estela del sonido ofrecido por Harris en ‘Funk Wav Bounces Vol 1‘. La nostalgia por el post-disco de los 80 sigue muy presente en la canción, que propone un sonido más relajadito y ligero de lo habitual. Mientras, Dua Lipa elabora su poción mágica a base de «conversaciones hasta altas horas de la noche, emociones eléctricas y un poquito de sexo». El rapero Young Thug emerge para dárselas de mujeriego y ricachón.
Calvin Harris ha hecho público el anuncio mediante un vídeo en sus redes sociales, donde muestra paso a paso cómo creó la canción. En el breve vídeo, Calvin hace una videollamada con Dua Lipa para pedirle que añada su voz al tema. En los únicos versos que se pueden escuchar, Dua Lipa canta «conversaciones nocturnas, emociones eléctricas, espolvoreado con un poco de sexo, y esa es la poción».
Los medios se están haciendo eco de que el rapero Young Thug forma parte de la canción también, pero de momento no ha habido ninguna confirmación por parte de los artistas. ‘Potion’ es un adelanto del próximo álbum de Calvin Harris ‘Funk Wav Bounces Vol.2’. Es el sucesor a ‘Funk Wav Bounces Vol 1’, álbum de 2017 que contiene hits como ‘Slide’ junto a Frank Ocean y Migos o ‘Feels‘ con Pharrell Williams, Katy Perry y Big Sean.
Fan Futura vuelve tras una primera edición que tuvo lugar en 2021 tras ser pospuesta un año debido a la pandemia. En 2022 el festival regresará a San Javier, Murcia del 26 al 31 de julio, para ofrecer «seis días de música en directo, actividades paralelas y de ocio, camping y deporte al aire libre, y por supuesto playa». Y con una apuesta firme por la sostenibilidad.
El cartel de Fan Futura cuenta con dos grandes cabezas de cartel. Por un lado, Bizarrap, uno de los productores de hip-hop del momento gracias al éxito de sus «sesiones» junto a artistas como Paulo Londra, Morad o Nathy Peluso, que se viralizan casi por defecto. Por el otro, el DJ Steve Aoki volverá a España para ofrecer una de sus celebradas sesiones de EDM.
El festival promueve también sonidos de «trap, hip-hop, neo-pop, indie, techno, house, reggae o dancehall» y, entre los artistas confirmados en el cartel, encontramos nombres tan dispares como los de Natalia Lacunza, que está a punto de sacar disco; los renovadores del flamenco Califato ¾, el rapero Maikel Delacalle, los adalides del post-punk VVV [Trippin’ You] o Rojuu.
Más nombres presentes en la programación son los de Soto Asa, Cruz Cafuné, Israel B, Cocco Lexa, Flaca, Chico Blanco, The Parrots, María Blaya, Ghouljaboy, Paranoid 1966, Juancho Marqués, Green Valley, Go Roneo, trashi, B Jones, Paula Cendejas, Daniel Sabater, Mainline Magic Orchestra, SAMURAÏ, Don Fluor y Nico B. Pronto se sumarán más confirmaciones.
Por otro lado, Fan Futura es uno de los primeros festivales del país que ha obtenido el certificado de sostenibilidad por Eventsost y el primero de la Región de Murcia. Las entradas siguen disponibles en su web.
Momentos Alhambra Distrito Sonoro se acerca a su recta final tras varias semanas de conciertos que han podido verse cada fin de semana en preciosos enclaves de Granada como el Palacio de Congresos, el Paseo de los Tristes o el Paseo del Salón. Grupo de Expertos Solynieve, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba o Juan Pinillo son algunos de los artistas que han actuado en el marco de la iniciativa Granada Sonora.
Además, este año, Momentos Alhambra ha apostado por celebrar conciertos íntimos en espacios singulares inspirados en los «tiny desk» estadounidenses. Conciertos exclusivos celebrados en restaurantes de la marca con magníficas vistas, como Mirador de Aixa o Carmen de San Miguel, y que el próximo 4 de junio concluirán su curso.
Será en esa fecha cuando los granadinos y visitantes que se acerquen al restaurante Carmen de San Miguel puedan disfrutar en exclusiva del recital de Alba Molina, que presentará su nuevo álbum ‘El beso’ producido enteramente por ella misma. El directo de Molina combinará los temas más representativos del álbum con algunos de los grandes éxitos de su carrera, sin olvidar los temas clásicos de Lole y Manuel, en un tono íntimo, elegante y pop, pero sin perder su toque flamenco. Para acceder al concierto de Alba Molina es necesario adquirir entrada. Por otro lado, el recital de Alba Molina contará con un menu especial ideado por el chef Jorge Mata que se podrá disfrutar a un precio final de 55 euros.
Más allá de los «conciertos diminutos», Momentos Alhambra seguirá su curso hasta el 10 de junio, eso sí, finalmente sin la actuación de Queralt Lahoz, que se ha cancelado. El 3 de junio, la dupla formada por Anni B Sweet y Los Estanques presentará su esperado disco conjunto, ‘Burbuja cómoda y Elefante inesperado’, que sale hoy viernes 27 de mayo. Y el 10 de junio será Ángel Stanich el encargado de poner el broche de oro al ciclo de Momentos Alhambra con la puesta de largo de su álbum ‘Polvo de Battiato’.
El distribuidor de música digital recordJet, fundado en 2008 con la idea de enriquecer el panorama digital con más «transparencia, justicia y libertad», es uno de los invitados para una ponencia en Primavera Pro 2022. Exactamente el 9 de junio, a las 14.00 en el CCCB, hablarán de la distribución transparente y justa para los artistas independientes.
Según nota de prensa, con recordJet los músicos pueden elegir entre diferentes modelos de distribución, donde se les paga hasta el 100% de los ingresos de las ventas. Otros servicios incluyen código de etiqueta, distribución física y prensado de CDs y vinilos, entre otros. Entre sus filas han estado Milky Chance y Alice Merton. En este artículo presentamos a 5 artistas en su roster. Algunos se presentan para los lectores de JENESAISPOP, hablan sobre recordJet y el último, el pintoresco dúo Anger, estará actuando en Primavera Sound.
Rodeo: b1n0 + PHOAC + Jordi Mora Rodeo es el proyecto del dúo de electrónica b1n0, de quien ya os hemos hablado en numerosas ocasiones, con el cantante y productor PHOAC, y también el ingeniero de mezcla y productor Jordi Mora. Su inminente trabajo debut se llama ‘Fake Friends’, incluyendo la canción titular, esta ya disponible en las plataformas de streaming. Entre sus influencias podemos imaginar a gente como James Blake o Arca, quizá con una voz más orientada hacia TV On the Radio o en España, John Grvy.
Nos cuentan: «Rodeo nace de un periodo de experimentación en el estudio de los b1n0 en el que acabaron saliendo unas canciones que nos encantaban pero no encajaban en nuestros respectivos proyectos. Conseguimos un sonido con una identidad que se separaba de lo que habíamos hecho hasta ahora, un discurso muy claro donde explicábamos lo que nos había pasado en un periodo de tiempo muy concreto. Pensamos que tenía vida propia y que tenía sentido darle forma de disco y empezar una nueva aventura en donde destinar todo el arte que sale cuando nos juntamos.
Al acabar el disco fue muy bonito conocer y conectar con Jordi Mora, ingeniero de mezcla y productor que se volcó y llevó el sonido a otro nivel, hasta el punto de representar un pilar clave en lo que hacemos y formar parte del proyecto. Por fin sentimos que es el momento indicado para compartir toda esta música con la gente y nos morimos de ganas de tocarlas en directo».
Sobre recordJet nos dicen: «Estamos muy agradecidos al trabajo de recordJet, sobre todo por darnos la oportunidad de entrar en nuevos mercados que de otra manera nos sería casi imposible. Es un lujazo trabajar con una distribuidora digital independiente que valora y ayuda a crecer a proyectos emergentes como el nuestro».
Santiago Latorre: la amistad y la performance Santiago Latorre ha publicado un álbum llamado ‘Architecture of Friendship’, con piezas entre el ambient, lo orquestal y lo cinético. Si nos dicen que, más que aragonés, es islandés y primo de Jóhan Jóhansson y de Jónsi, nos lo creemos. Este trabajo supone el retorno del artista tras haber estado retirado de lo performativo al sufrir una lesión en ambos brazos. En la última etapa, ha experimentado con sensores de movimiento sin contacto para el procesado de la luz y el sonido en tiempo real.
El álbum recibe tal nombre porque versa sobre la amistad y la espiritualidad de un grupo colectivo: «El grupo toma su nombre de las palabras de Hannah Arendt, quien tras ser acusada de falta de amor por los judíos, respondió:
“Tienes razón.
No amo a ningún pueblo
ni a los franceses, ni a los norteamericanos, ni a los judíos, ni a los negros.
Solo amo a mis amigos”.
Indica: «Conectando el interés compartido por el grupo en la construcción de ecologías creativas, la composición musical no jerárquica y la colectividad, este disco surge de una práctica necesaria de descanso, curación y cuidado. La secuencia de canciones se ofrece como bisagras para activar y ejercitar la empatía, las conexiones sensibles, para despertar la esperanza y recargar el entusiasmo, quizás incluso para fomentar el cuidado entre lo familiar y lo extraño». Atención al carácter folclórico del primer minuto de ‘I Want to Face Deception‘, con Los arrosecs de la vath d’Aussau.
Sobre recordJet nos dice: «recordJet es una distribuidora digital que da visibilidad a artistas independientes y nos ayuda a difundir nuestro trabajo en los medios especializados».
Dolphin Love: amor en medio de la nada Dolphin Love es el proyecto del joven Constantin Kopp, de 21 años, influido por gente como Tame Impala, Nick Murphy, Pond y Tom Misch. Sus composiciones buscan el bienestar personal, al margen de las presiones sociales, con la voluntad de dejar a un lado todas aquellas que son un lastre para nosotros.
‘999’ es un EP de 7 temas que Constantin Kopp, que ha vivido temporalmente en Australia, aunque la mayoría de sus seguidores se concentra en Alemania, nos presenta de la siguiente manera: «Los temas han sido escritos, grabados y mezclados por mí mismo en una pequeña habitación en medio de la nada (de donde soy). Imagina que ves todo lo que te rodea como una sola pieza. Desde otra perspectiva. Desde arriba. Desde algún lugar de tu mente. Siente la presencia en la que te encuentras ahora mismo. Siéntate y dale una oportunidad para que resuene en ti. Quizá sientas lo mismo que yo. Quizá no. Quizá te saltes todo este EP. Pero hará algo. Quería que cada pista fuera totalmente diferente. No sé si sigo alguna línea en este EP, pero se siente bien. Para mí era importante conseguir ese sentimiento particular en ese momento justo en las pistas. Sin pensar. Simplemente jugando con los sonidos. Eso es. Así es como me siento».
Sobre recordJet nos dice: «Para nosotros es una asociación perfecta, especialmente para los artistas que quieren dar sus primeros pasos en la presentación de su música al público. Aparte de la interfaz y el proceso de fácil funcionamiento en vuestro canal, es divertido mantener nuestra independencia y también conseguir nuestros lanzamientos en listas de reproducción importantes a través de vuestro apoyo activo. En general, es un comienzo maravilloso para una carrera de artista independiente a largo plazo. muchas gracias por vuestro apoyo y ayuda».
Roller Derby: carne de Madrid Popfest Desde Hamburgo, pero con una base de fans importante en territorios tan lejanos entre sí como México y Estambul, Roller Derby es un grupo inspirado por el dream pop, la música de los años 60 y 80, y nombres tan queridos por aquí como Angel Olsen, Beach House y Alvvays. Debutaron con ‘I Wish’ en 2020, de momento han publicado 7 canciones, todas las cuales suman cientos de miles de reproducciones, siendo ‘Starry-Eyed’ una de las más uptempo y contagiosas.
Nos cuentan: «Aunque Manu y Philine se conocían y hacían música juntos desde hacía tiempo, encontraron a Max por sus idénticos gustos y ambiciones musicales. Nuestro single de debut «I Wish» se publicó en octubre de 2020 y desde entonces hemos recibido muchos comentarios positivos, al principio solo a través de Internet, ya que no fue posible dar conciertos debido a la pandemia. Tocamos nuestros primeros shows en Hamburgo en el verano de 2021 hasta que nos dirigimos al SXSW en Austin, Texas, en marzo de 2022. Por ahora hemos lanzado siete singles, que han sido reproducidos en streaming más de un millón de veces. ¡Están previstos muchos conciertos, en Alemania y también en el extranjero! Estamos deseando ir a España algún día. También hemos creado una página web para nuestro último single ‘Starry-Eyed'».
Anger: la Austria más inclasificable Más inclasificable es Anger, la banda formada por Julian Angerer y Nora Pider, con un álbum a sus espaldas llamado ‘Heart/Break’ y una serie de canciones de cambios locos, que pueden pulular entre el electro, el trap, los 90’s o los ritmos tropicales, a veces incluso dentro de la misma canción. ¿Te gustará si te gustaban Die Antwoord y PXXR GVNG? ¿O más bien 2raumwohnung y Azúcar Moreno? Se definen como “Chico emo que encuentra a chica skater”, en una relación de amistad y amor que se palpa en su música, como se recoge en la web del festival.
La primera actuación de Anger en Primavera Sound será en el escenario Night Pro el 4 de junio a las 02:30h. También tendrán un concierto en el Day Pro el 7 de junio a las 12h en el CCCB, y el mismo día actuarán en Primavera a la Ciutat a las 21:50h.
Hoy viernes la playlist de novedades incluye varios regresos muy esperados. Calvin Harris ha publicado el primer single de su nuevo disco y Dua Lipa es una de las artistas invitadas. Además, Sky Ferreira ha vuelto con el primer adelanto de su segundo disco, que se ha hecho esperar una década; y M.I.A. ha inaugurado era con un tema que no es «el tema».
Entre los álbumes que ven la luz hoy se encuentra el de Liam Gallagher, anunciado el pasado mes de octubre (!!!). Sí, el futuro ha llegado. También salen dos de los trabajos colaborativos más esperados del pop estatal: por un lado, el de Los Estanques y Anni B Sweet. Por el otro, el de Rocío Marquez y BRONQUIO.
Otros que lanzan nuevo álbum son Wilco y Def Leppard. Cada banda por separado entrega exactamente su disco número 12. Además, Cupido propone una «sobredosis de amor» en su nuevo trabajo, Alfie Templeman lanza su esperado debut oficial y la irlandesa Wallis Bird vuelve con un nuevo largo que gustará a fans de St. Vincent.
El día de novedades deja un puñado de interesantes lanzamientos sueltos. Bad Gyal «te prende» en su nuevo single. Ginebras se sacan de la manga uno de sus estribillos más efectivos a costa de un chico que se viste como ‘Alex Turner’. Travis Birds recuerda a la mejor Bebe en ‘A veces sueño’. DAPHNI (Caribou) entrega otra cucada electrónica con ‘Cherry’. Belén Aguilera se acompaña de sintes ochenteros en ‘ANTAGONISTA’. En portada hemos estrenado el nuevo vídeo de BULEGO.
Como siempre repasamos algunas de las curiosidades que deja el día de lanzamientos. Por un lado, Gwen Stefani vuelve al reggae con ‘Light My Fire’, su colaboración con Sean Paul. Por otro, Kali Uchis versiona ‘Desafinado’ para la banda sonora de ‘Minions’. Además, Zara Larsson versiona ‘Lay Your Love All Over Me’ de ABBA tras asistir al estreno del show de ‘Voyage‘.
Puede que conozcas a Marina Herlop por su colaboración con Bn10 en la estupenda ‘AHH!‘. Su voz llevaba la canción a otro lugar, y es probablemente la herramienta más importante de su trabajo. Sus dos primeros discos, ‘Nanook’ (2016) y ‘Babasha’ (2018), se centraban en una fusión de voz, piano ambiental y abstractos detalles electrónicos. En ‘Pripyat’ la voz es aún más importante, pero también lo es el fondo electrónico. Es su primer disco grabado enteramente en ordenador.
Herlop es uno de los talentos más peculiares de la electrónica estatal. La catalana canta en un idioma completamente inventado, compuesto por sílabas que le proporcionan apoyo rítmico. ‘miu’ es su composición más lograda en este sentido. Inspirada en la música carnática del sur de la India, ‘miu’ se compone de un grupo de melodías vocales que se entrelazan y forman una dramática y fascinante polifonía, un conjuro decorado con beats propios de la IDM. Sin embargo, el trabajo vocal de ‘miu’ es tan importante que Herlop cierra ‘Pripyat’ con una versión «coral» de esta misma canción.
‘Pripyat’ -llamado como la ciudad fantasma ucraniana próxima a Chernóbil- encierra más sorpresas. Los pianos emergen ya en la inaugural ‘abans abans’, pero lo hacen distorsionados por un efecto «glitch». Desde el segundo cero queda claro que Herlop ha buscado no solo complicar su lenguaje sonoro, sino también elevarlo a un nuevo lugar. ‘abans abans’ cuenta con una melodía vocal elástica y cautivadora que hace pensar en Meredith Monk o en la española Fátima Miranda. Por otro lado, su base musical es un pequeño espectáculo de beats descompasados, efectos de ruido blanco y pianos. El conjunto hace pensar en las locuras de Tujiko Noriko o Juana Molina.
A veces, la música de ‘Pripyat’ parece ir en diferentes direcciones, pero siempre es evidente que lo hace de manera extremadamente pensada y elaborada. Incluso pop. ‘shaolin mantis’ sigue explorando la misma fórmula pero incorpora una base rítmica aún más contundente que hace pensar en un hip-hop deconstruido y abstracto. Y ‘lyssof’ presenta abundantes ganchos vocales que transmiten una energía ancestral. En contraste, la base musical juega con diferentes diseños sonoros que pueden recordar a Aphex Twin o Laurel Halo. Siempre tímidamente, porque Herlop maneja su propio estilo.
Herlop sigue investigando su nuevo sonido en la juguetona ‘ubuntu’, que incorpora más juegos vocales, beats a lo IDM, retazos de tecno y percusiones que parecen marimbas. Y finalmente sorprende con el canto religioso de ‘Kaddisch’, un conocido rezo de la religión judía, que Herlop lleva al terreno de lo cósmico. Su resbaloso fondo electrónico recuerda al trabajo de Arca con Björk, en especial a ‘the gate’. La única pega que se le puede poner a todo esto es la sensación de EP que deja un álbum con apenas 6 pistas originales y una autoversión. Por lo demás, Herlop se confirma como una artista a la que seguir de muy cerca.
M.I.A. ha estrenado ‘The One’, el primer single de su disco ‘MATA’, cuya fecha de lanzamiento se desconoce. La rapera había detallado que volvería con «powa powa», pero el trap de ‘The One’ suena genérico. En la línea, eso sí, de ese ‘FRANCHISE‘ con Travis Scott que lograba el número 1 de Estados Unidos hace unos meses. M.I.A. actúa el mes que viene en Primavera Sound.
Parece que ‘OHMNI 202091’, ‘CTRL’ y ‘BABYLON’ finalmente no formarán parte de este nuevo largo.
En una entrevista con Apple Music, M.I.A. asegura que uno de los temas que tratará ‘MATA’ será la «islamofobia» y «las guerras que suceden en Oriente Medio». Además, la artista cuenta que se ha vuelto cristiana. Asegura que tuvo una visión de Jesucristo. «Creativamente es una cosa muy loca porque mi mundo dio un vuelco. Todo lo que creía ya no era verdad». M.I.A. no saca disco desde 2016, año en que editó el irregular ‘AIM’.
El año pasado, M.I.A. habló sobre su próximo álbum en una entrevista. En resumen, dijo que será un trabajo menos político y más espiritual. «Estoy intentando dejar a un lado la parte política y centrarme en la espiritual», contó. «Sé que todo es político, pero después de sacar mis dos discos anteriores, ya había cambiado de mentalidad. Y pensaba que nunca iba a escribir otro disco».
M.I.A., que en el momento de aquella entrevista no está fichada en ningún sello, explica que no tenía intención de hacer ningún disco, pero que empezó escribiendo una canción y terminó escribiendo tres, cuatro, cinco… hasta completar un álbum.
Depeche Mode anuncian la muerte de su miembro histórico Andy Fletcher, a los 60 años, como consecuencia de «causas naturales». Esto último lo han confirmado fuentes cercanas a la banda a Pitchfork. La mujer de Andy Fletcher, Grainne Fletcher, había publicado en Instagram hace 5 semanas una foto de Andy en Urgencias con el brazo escayolado tras haber sufrido un accidente de bicicleta en Barcelona. Es su última actualización.
La noticia de la muerte de Andy ha saltado a través de las redes sociales, donde los Depeche Mode restantes, el vocalista Dave Gahan y el compositor histórico principal Martin L Gore, han compartido el siguiente texto: «Estamos muy impresionados y llenos de una tristeza que nos supera con la reciente muerte de nuestro amigo, miembro de la familia y compañero de banda Andy Fletcher “Fletch”. Fletch tenía un corazón de oro y siempre estuvo ahí cuando necesitamos apoyo, una conversación vívida, una buena risa o una pinta fría. Nuestros corazones están con su familia y pedimos que le tengáis en vuestros pensamientos y respetéis su privacidad en este momento tan difícil».
Influido primero por la escena post-punk y luego por la escena electrónica coetánea de Human League y OMD, Andy Fletcher montó la banda No Romance In China junto a su compañero de colegio Vince Clarke. Después, Andy -que ejercía de bajista- conoció a Martin Gore en un pub, y los tres terminaron formando Composition of Sound. Dave Gahan sería el último en sumarse, adoptando el nombre de Depeche Mode.
Tras la comentadísima marcha de Vince Clarke de la banda después del debut de Depeche ‘Speak & Spell’, Andy Fletcher obtuvo más protagonismo como multiinstrumentista. También ha sido considerado a menudo el portavoz de la banda y el que la ha mantenido unida en muchos sentidos, pese a no ejercer de compositor. Entre sus fans es muy recordado por sus sesiones de DJ y por fundar un pequeño sello dentro de Mute, del que muchos recordaréis a las fantásticas CLIENT.
En una entrevista de 2009 preguntaban a Andy Fletcher por la situación interna de Depeche Mode, la banda en «la que el que escribe, casi no canta; el que canta, casi no escribe»; y luego está «el que mantiene unida a la banda», pues se considera que Fletcher medió vivamente en Depeche durante los litigios de la banda en la era ‘Exciter’, sobre la composición, con un Gahan que cada vez quería más protagonismo. Fletcher respondía: «No es exactamente así. Creo que a veces es difícil para la gente mirar a una banda de electrónica y entenderlo. Es fácil ver a una banda de guitarras y entender quién es el bajista y quién el batería. Pero con las bandas de electrónica no es tan obvio. Tendemos a contribuir en todo. Por eso hay una situación como la nuestra».
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Rodeo es el proyecto del dúo de 
Santiago Latorre ha publicado un álbum llamado ‘Architecture of Friendship’, con piezas entre el ambient, lo orquestal y lo cinético. Si nos dicen que, más que aragonés, es islandés y primo de Jóhan Jóhansson y de Jónsi, nos lo creemos. Este trabajo supone el retorno del artista tras haber estado retirado de lo performativo al sufrir una lesión en ambos brazos. En la última etapa, ha experimentado con sensores de movimiento sin contacto para el procesado de la luz y el sonido en tiempo real.
Dolphin Love es el proyecto del joven Constantin Kopp, de 21 años, influido por gente como Tame Impala, Nick Murphy, Pond y Tom Misch. Sus composiciones buscan el bienestar personal, al margen de las presiones sociales, con la voluntad de dejar a un lado todas aquellas que son un lastre para nosotros. 
Desde Hamburgo, pero con una base de fans importante en territorios tan lejanos entre sí como México y Estambul, Roller Derby es un grupo inspirado por el dream pop, la música de los años 60 y 80, y nombres tan queridos por aquí como Angel Olsen, Beach House y Alvvays. Debutaron con ‘I Wish’ en 2020, de momento han publicado 7 canciones, todas las cuales suman cientos de miles de reproducciones, siendo ‘Starry-Eyed’ una de las más uptempo y contagiosas.
Más inclasificable es Anger, la banda formada por Julian Angerer y Nora Pider, con un álbum a sus espaldas llamado ‘Heart/Break’ y una serie de canciones de cambios locos, que pueden pulular entre el electro, el trap, los 90’s o los ritmos tropicales, a veces incluso dentro de la misma canción. ¿Te gustará si te gustaban Die Antwoord y PXXR GVNG? ¿O más bien 2raumwohnung y Azúcar Moreno? Se definen como “Chico emo que encuentra a chica skater”, en una relación de amistad y amor que se palpa en su música, como se recoge en la web del festival.
