Como cada miércoles renovamos nuestra playlist Sesión de Control, dedicada al pop nacional, comenzando con dos artistas valencianos. Leftee es un joven de 26 años, perteneciendo al colectivo Toxic Pop, que alterna dancehall y bakalao en el primer adelanto de su EP, que recibe el pizpireto nombre de ‘Nieto de la Ruta’. Por su parte, ‘No me vas a ver llorar’ es el single de adelanto del primer disco de Xenia, quien, inspirada por Molly Nilson, La Femme o Beach House, decidió juntar todas sus influencias en un primer EP llamado ‘Esfera’.
Precisamente Leftee es coproductor junto a Rare (también del colectivo Toxic Pop) del nuevo tema del madrileño Nevver. El proyecto de Javier Aparicio conecta house, pop electrónico, technopop e incluso bedroom pop. El tema se llama ‘Tiernos maullidos electrónicos’. Hablando de bedroom pop, el francés Oscar Anton ha escogido a dani para que cante con él en ‘homesick’ y ambos presentan esta semana el vídeo para este ‘homesick’ que quizá ya hayas escuchado. En el vídeo, pasean por Madrid.
Teo Planell avanza otra colaboración junto a Roy Borland, y otro featuring curioso es el de dos bandas de Barcelona y Madrid. ‘Soberana’ es el primer lanzamiento para el quinteto barcelonés HOLOGRAMMA tras el estreno de su primer trabajo el verano pasado, ‘La Última Revelación Que Diste Fue La Despedida’. Sus compañeros en este tema son el dúo electrónico de indie pop vangoura, que acaban de estrenar ‘Mudar la Piel’, su primer disco, donde hay colaboraciones con Ganges y Blackpanda, la primera de las cuales la puedes haber escuchado precisamente aquí en Sesión de Control.
Los veteranos Niños Mutantes estrenan un tema llamado ‘No has venido a sufrir’ que definen como «un abrazo a un amigo que está mal, bien jodido»; y Yawners estrena el segundo single de su álbum, un corte dedicado al cantante de Weezer, Rivers Cuomo. Completamos la playlist con la colaboración de Chica Sobresalto con Beth, el shoegaze de Salvana, la mezcla de tradición y experimentación de pablopablo o lo nuevo de Gáldrick. Gáldrick, con 0 oyentes mensuales a la hora de redacción de esta noticia, estrena hoy ‘El tren’, un tema que el joven autor Galdric de la Torre Ávalos, músico y escritor Doctorado en literatura Hispánica, define influido por Luis Eduardo Aute.
Beach House han llegado a su octavo álbum en plena forma, y ‘Once Twice Melody’ es otro gran obra que añadir a su discografía. Curiosamente, todo lo ensoñador que puede resultar escucharlos, no lo es necesariamente a la hora de hablar con ellos. Alex Scally es en ocasiones un entrevistado dificilillo, pero lo compensa gracias a sus respuestas cortas (a veces cortantes) y directas, que no se van por las ramas. Al contrario, sabe qué decir en cada momento y con qué palabras y, cuando quiere, se explaya hablando sobre la música de Beach House o sobre su relación con la industria de la música. Como siempre, un privilegio hablar con ellos, aunque avisamos que la pregunta sobre su colaboración (supuesta) con Kanye West se queda en el tintero.
Vuestro disco acaba de alcanzar el número 1 de ventas físicas en Estados Unidos.
La razón es que a nuestros fans les encanta tener nuestros discos en vinilo. Pero no somos el grupo más popular de Estados Unidos (ríe).
¿Estáis contentos de estar de gira otra vez?
Es maravilloso. Los conciertos (NdE: él dice «musical performances») son maravillosas, a nosotros nos encanta tanto tocarlos como ir a verlos. No podemos creer que hayamos podido volver al escenario… Realmente nunca jamás lo volveremos a dar por sentado.
No soy muy fan de los discos que salen por partes, pero en vuestro caso ha funcionado.
Este disco en particular es muy denso y viene bien escucharlo por partes, pero la razón principal por la que hemos sacado el disco de esta manera es que queríamos que sus dos partes quedasen bien representadas, porque es un disco doble. Cada lado del disco cuenta su propia historia. Y, por otro lado, nos apetecía sacar música al poco de terminarla. Habitualmente hemos tardado 9 meses o más en publicar un disco después de terminarlo, y creo que todos los artistas odian sacar música tanto tiempo después de terminarla porque es una práctica que obedece a razones puramente comerciales, porque tienes que enviar el disco a las prensas de vinilo, y pensar una fecha en la que el disco se vaya a vender mejor… No tiene nada que ver con el arte, y como todo el mundo sabe, comercialidad y creatividad son polos opuestos. Muchas veces los discos tardan tanto en salir que cuando lo hacen, los artistas ya están hartos de ellos. Y cada vez más artistas lo hacen, crean música y poco tiempo después la suben a las plataformas de streaming. Es una de las cosas que están cambiando en la industria para bien. Otras no…
Prince fue un pionero en ese sentido, en la época de los CDs él solo quería sacar un montón de música a su ritmo.
Siempre habrá gente que no tiene miedo a nada y hace lo que le apetece. Son héroes.
¿Por qué habéis producido el disco vosotros mismos en lugar de apoyaros en un productor?
Nunca hemos necesitado a nadie para producir los discos, nosotros siempre hemos estado en control absoluto de nuestra música y de cómo suena. Tenemos muy claras nuestras opiniones acerca de los arreglos y de las estructuras de las canciones que escribimos. Normalmente nos hemos apoyado en productores para que nos ayudasen con la grabación de los discos, pero en este caso no ha sido posible y lo hemos producido nosotros mismos porque, como te digo, realmente nos hemos solido bastar con nosotros mismos.
«Los videoclips son muy caros de hacer y muchas veces son malos»
En el disco ha participado una orquesta de cuerdas, ¿cómo ha sido trabajar con ella?
Nos lo hemos pasado muy bien trabajando con una orquesta de cuerdas. Por razones económicas no siempre es posible trabajar con orquestas, pero nosotros siempre hemos soñado con hacerlo y esta vez hemos podido cumplir nuestro deseo. Ha sido un privilegio. Si muchos artistas pudieran usar orquestas de cuerda cuando quisieran, probablemente se haría mucha música maravillosa. Las orquestas de cuerda emiten un sonido hermoso y poderoso.
¿Qué canciones habéis notado que están obteniendo mejor aceptación?
Es difícil decirlo, ‘Superstar’ es una de las canciones más digeribles del disco, tiene sentido que a la gente le guste especialmente. Tenemos diferentes tipos de fans: algunos conocen solo dos canciones, o tienen un único disco favorito, y luego están los fans a los que les gusta absolutamente todo lo que hacemos. En los conciertos cada noche la recepción es distinta también, depende de cómo esté yendo el concierto, la ciudad o en el recinto en el que estemos tocando, el tiempo que haga, las noticias que estén ocurriendo en ese momento y también del tracklist, porque no tocamos las mismas canciones todo el rato.
Molan las voces procesadas de ‘Runaway’. ¿Buscabais un sonido futurista?
Simplemente nos gustaba cómo sonaban.
¿No sacaréis videoclips para este disco?
No. Los videoclips son muy caros de hacer y muchas veces son malos. Necesitas muchos recursos, un equipo de rodaje, mil cosas… Y a menos que hagas el único vídeo bueno entre los 300 que salen cada año, a la gente le dan igual. Esta vez hemos pedido a una serie de artistas que nos gustaban que nos hicieran unos «lyric videos» animados para cada uno de los epés que hemos ido sacando. Nos gusta mucho cómo han salido y creemos que, con ellos, hemos aprovechado mejor nuestros recursos. Nos parece que las animaciones sumergen al público en el disco y a nuestro arte. Preferimos eso a gastarnos una pasta en rodar un vídeo que después es un rollo.
Lo pregunto porque vuestras canciones son muy cinematográficas, muy visuales.
Si tuviéramos un montón de pasta haríamos videoclips, pero no es el caso. ¿Has visto alguno de los «lyric videos»?
Alguno he visto, sí.
Me parece que son visuales muy atractivos, que juegan con el lenguaje… Ofrecen todo un mundo de maravilla y color, y algunos de ellos de hecho tienen un punto cinematográfico.
Me da la impresión que las letras de Victoria son bastante directas esta vez, no tan abstractas como en el pasado. Queda claro que habla de su relación con una persona, pero en muchos casos esta persona desaparece en el éter…
Es imposible hacer generalizaciones sobre las letras de todos nuestros discos. Hay muchos tipos de letras en este disco, algunas son obtusas, otras son poéticas, otras son directas, otras son juguetonas, otras son como oraciones… Decir que hay un estilo de letras que prevalece en el disco me parece holgazán. Tendrías que darme ejemplos concretos para probarlo, y yo te daría ejemplos que contradirían tu conjetura. Me parece que la has pensado solo a medias. Las generalizaciones funcionan cuando hay algo sobre lo que generalizar, pero no es el caso.
En Pitchfork has dicho que os quedan un mínimo de tres discos por grabar.
Era una broma. Obviamente no sabemos cuánto discos nos queda por hacer. No sabemos si vamos a hacer un disco más o diez. Por el momento nos encanta hacer música, nos lo pasamos muy bien y estamos muy agradecidos con simplemente tener un público que nos escucha.
Se anunció hace unas semanas.
¿Y la gente está diciendo que es una mala noticia porque Epic Games es una empresa más grande?
Sí, la gente está preocupada por que Bandcamp pueda perder su esencia, al ser una plataforma especialmente importante para los músicos independientes.
Sería una estupidez negar que esto pueda pasar, pero al mismo tiempo creo que surgiría otra plataforma centrada en apoyar a los artistas que la pueda reemplazar. Con suerte. De todos modos, como te decía antes, en general el capitalismo me genera bastante desconfianza. Yo no me puedo quejar porque he conseguido ganarme la vida con la música, pero el capitalismo suele ir a espaldas del arte, no suele priorizar a los artistas y por esta razón los artistas la siguen pasando canutas a día de hoy, porque ellos persiguen su visión y atrás hay una persona que intenta sacar provecho con ella. Es una batalla cósmica.
Pero algunos artistas sí ganan dinero, ¿no?
Sí. Como te digo yo no me puedo quejar, pero muchos artistas no ganan tanto dinero como merecen. Todo el mundo sabe que las plataformas no compensan a los artistas lo suficiente.
«No creemos que ‘Space Song’ sea nuestra mejor canción ni la más pegadiza»
‘Space Song’ se ha viralizado y va a por las 400 millones de reproducciones en Spotify. ¿Qué os parece el el éxito repentino de esta canción?
La industria cambia constantemente y ahora lo está haciendo delante de nuestros ojos. Hubo un tiempo en que los sellos lo controlaban todo, en una época se vendían muchos singles, en otra muchos CDs, después salieron los cantautores, la MTV… Ahora vivimos un cambio. Los chavales están descubriendo música gracias a TikTok, Instagram, programas de televisión… Las canciones suenan de fondo en estas plataformas y la gente las descubre de esta manera. Creo que estamos presenciando el final de la «broadcast era», cuando había una persona que controlaba lo que se escuchaba. A nosotros nunca nos han puesto en la radio. En alguna emisora universitaria a lo sumo, pero nunca hemos sonado en una emisora mainstream porque nuestras canciones no son lo suficientemente digeribles para ese tipo de plataforma, supongo.
Lo que ha pasado con ‘Space Song’ le ha pasado a otras bandas como la nuestra y demuestra que cuando colocas una canción delante del público, este la quiere volver a escuchar. El algoritmo está haciendo lo que la radio hacía antes y, gracias a este sistema, a nosotros y a otras bandas como la nuestra por primera vez nos está escuchando una audiencia mucho más grande. No sabemos por qué ‘Space Song’ ha sido la canción elegida para que estos nos ocurra… Ciertamente no pensamos que sea nuestra mejor canción, ni que sea especialmente pegadiza. Es solo una canción que escribimos y que ni siquiera fue single.
¿No consideras que las canciones de Beach House sean pegadizas?
No tenemos ni idea, nosotros solo hacemos lo que nos sale de manera natural y lo que nos gusta. Cuando escucho música pop soy consciente de que estoy escuchando canciones que son pegadizas e infecciosas, que se mueven rápido, son dinámicas y excitantes. Nuestras canciones no están diseñadas de esa manera.
El fotógrafo Mike Mora, esposo de Kelis, ha muerto a los 37 años como consecuencia de un cáncer de estómago que le fue diagnosticado hace un año y medio. La noticia la ha ofrecido Entertainment Tonight, con una portavoz pidiendo respeto por la privacidad de la familia.
Kelis y Mike Mora se casaron en 2014, tuvieron un bebé en 2015 y otro en 2020 (ella ya había tenido antes otro hijo con Nas). El último disco de Kelis se titulaba ‘Food’, trataba ciertamente sobre la comida y terminaba en nuestra lista de mejores álbumes de 2014. El matrimonio revelaba en un reportaje en 2020 que se habían convertido en agricultores y comían su propia comida, no por moda, sino por ser un “concepto africano”.
El último single de Kelis hasta ahora era ‘Midnight Snacks’, editado el otoño pasado, y de su portada se encargaba precisamente Mike Mora. En una de sus últimas actualizaciones de Instagram, Kelis contaba que estaba instalando un estudio de grabación en su granja.
Desde que se empezó a entrever que Rusia podía invadir Ucrania y después la invasión comenzó, Ucrania se ha disparado en las apuestas de Eurovisión. Al tiempo que la UER descalificaba a Rusia, y Ucrania sufre el asedio del ejército de Putin por tierra, mar y aire, todo el mundo ha entendido que el público europeo va a votar masivamente por este país, y quizá también el jurado. La RAI acaba de confirmar que Ucrania va a participar en Eurovisión y ya se ultima de qué manera.
Como muchos recordaréis, la representante ucraniana para el festival, Alina Pash, renunciaba a participar en Eurovisión tras verse incapaz de afrontar la presión social por supuestamente haber visitado Crimea en 2015. Automáticamente, la banda que ocupaba el 2º lugar en la final nacional ucraniana, la Kalush Orchestra, que de hecho había ganado en televoto, pasaba a representar a Ucrania. Con el país sumido en una dramática crisis de refugiados -en torno a 3 millones de personas ya han abandonado Ucrania-, cabía preguntarse si este país estaría para participar en Eurovisión, pero acaba de confirmarse que sí lo hará.
La RAI ha informado de que la Kalush Orchestra está a punto de grabar el «backup video» para poder participar. Lo harán no en Kiev, sino en una ciudad más próxima a una frontera occidental. Se trata del vídeo de refuerzo que las delegaciones nacionales preparan desde que hay pandemia. Así, en caso de no poder presentarse en el festival por razones de causa mayor (hasta ahora era el coronavirus), se podrá exhibir dicho vídeo del show en la semifinal y en la final.
Simona Martorelli, directora de relaciones internacionales de Rai, ha declarado que «la delegación ucraniana ha confirmado su presencia y hasta ahora ha cumplido increíblemente con todos los plazos. También se está preparando para hacer el vídeo de respaldo de la actuación, solicitado a todas las delegaciones en caso de que haya problemas y la delegación o parte de la delegación no pueda presentarse en Turín. Están teniendo algunas dificultades pero están tratando de hacer el vídeo, no en Kiev sino en otra ciudad más cerca de la frontera». Por su parte, Claudio Fasulo, subdirector de Rai1, ha dicho que el tema de este año pasa a ser la paz.
Esta información surge después de que el propio cantante de Kalush Orchestra, Oleh Psiuk, pusiera en duda su participación en el certamen, pues indicaba que Eurovisión era «muy importante para él, pero no tanto como la vida de sus familiares y amigos», como es lógico. «Estamos haciendo todo lo posible por ayudar a nuestro país. Un miembro de la banda está luchando por la defensa territorial de Kiev, y yo he fundado una organización de voluntarios para ayudar a la gente a encontrar alojamiento, desplazamiento o medicinas. Nuestro país se ha unido al máximo». También narraba que se encontraba muy lejos de su novia y que cada vez que sonaba una bomba, se preguntaba si ella seguiría con vida o no. «Quiero pedir a todos los que tengáis redes sociales que salgáis y habléis de esto. De verdad necesitamos que difundáis esta información. Hagamos un mundo de paz en 2022».
Ucrania tiene un historial fantástico en el Festival de Eurovisión desde que decidieron presentarse por primera vez en 2003: han ganado dos veces (Ruslana y Jamala en 2004 y 2016), han quedado en el puesto 2 en dos ocasiones (2007 y 2008), han sido top 3 en 2013 y el año pasado quedaron en el top 5 con la excelente actuación de Go_A. Nunca jamás han sido eliminados en semifinales y tan solo 3 veces han quedado por debajo del top 15 en la final.
Este año, Kalush presenta una apuesta que pulula entre la tradición -como a ellos les gusta- y el rap, con un tema llamado ‘Stefania’ en el que el narrador se dirige a su madre, y a los buenos recuerdos de la misma, en lo que sin duda muchos entenderán como una metáfora. En el perfil de KALUSH en Spotify en este momento puede leerse: “mientras escuchas música aquí, el pueblo ucraniano está muriendo por el ataque ruso”.
MUNA anuncian hoy que su nuevo disco sale al mercado el próximo 24 de junio. Será la continuación de su segundo álbum, que salía en 2019, ‘Saves the World’. El álbum nuevo, que por cierto se llama ‘MUNA’ a secas como reafirmación de sí mismas, se presentaba con el single ‘Silk Chiffon’ junto a Phoebe Bridgers (publicarán en su mismo sello) y ahora estrenan un nuevo sencillo llamado ‘Anything But Me’, a medio camino entre Haim y The Corrs.
Se trata de un divertido tema pop en cuyo vídeo vemos al grupo lo mismo bailar que sufrir un secuestro al modo de película de terror. La nota de prensa que acompaña a todo el lanzamiento lo explica: “en el pasado hemos permanecido en relaciones durante mucho tiempo, esperando hasta que las cosas están muy abajo para admitir que se han terminado. ‘Anything But Me’ es una canción sobre dejar a una pareja simplemente cuando no parece funcionar. Es sobre confiar en ti misma y en tus instintos lo suficiente para marcharte y dejar a alguien mientras aún os queréis, antes de que las cosas se pongan demasiado mal”.
01 Silk Chiffon [ft. Phoebe Bridgers]
02 What I Want
03 Runner’s High
04 Home by Now
05 Kind of Girl
06 Handle Me
07 No Idea
08 Solid
09 Anything But Me
10 Loose Garment
11 Shooting Star
El remix de ‘Cayó la noche’ permanece en el número 1 de la lista de singles española, y en el número 3 aparece la entrada más fuerte de la lista, que no es otra que la sonada (y cuestionable) colaboración de Bizarrap con Residente en la que el artista cubano dispara versos humillantes contra J Balvin. El vídeo sigue en el número 1 de Youtube España 12 días después de su estreno.
La siguiente entrada la firma el trapero canario Quevedo, que coloca ‘Nonstop’ en el número 25 y, a continuación, el reggaetonero colombiano Ryan Castro, que acaba de actuar en España dentro de su gira europea, ingresa en lista con ‘Jordan’, su tema de reggaetón que está triunfando en varios países de América Latina tras viralizarse en TikTok.
La lista deja aún más entradas relacionadas con las músicas urbanas (así en plural). ‘MUSEO’, la pista que abre la nueva «mixtape» de Rauw Alejandro, entra en el número 68, el reggaetón basicote de ‘Envolver’ de Anitta lo hace en el 71, y el nuevo trap de Rels B que recibe el título de ‘100 TRACKS’ aparece en el 74. Una rara avis entre tanto reggaetón es la entrada de ‘Hasta cuándo’ de FERNANDOCOSTA, que entra en el 85 con un sonido de rap clásico… pero el reggaetón vuelve por la vía de la fusión con el famenco en ‘La Magia’ de Galván Real y Raúl Camacho, la última entrada en el top 100 (95).
Falta por comentar dos entradas internacionales no españolas o latinoamericanas: ‘Bam Bam’ de Camila Cabello y Ed Sheeran entra en el 48 de la lista de singles española tras haber dejado debuts relativamente decepcionantes en sus dos mercados principales, Estados Unidos y Reino Unido, donde el tema es top 23 y top 22, respectivamente.
Finalmente, el rapero megatatuado de moda en Reino Unido, Central Cee, llega a la lista española con un tema de grime llamado ‘Eurovision’ en el que participan varios artistas de diversos países e idiomas, entre ellos el español Morad. El tema saluda desde el puesto 75 mientras su disco ha sido número 1 en las islas británicas.
Fangoria protagonizan el nuevo número 1 de álbumes en España con ‘Edificaciones paganas’, el segundo de los varios epés que tienen planeado publicar. El de ‘Edificaciones paganas’ supone el 6º número 1 de la carrera de Alaska y Nacho como Fangoria tras los conseguidos por ‘Existencialismo pop’ (el primer EP), ‘Extrapolaciones y dos preguntas’, ‘Canciones para robots románticos’, ‘Cuatricromía’ y ‘Absolutamente’.
La segunda entrada más fuerte en la lista la firma Stromae. ‘Multitude’, sobre el que acabamos de hablar con su autor, entra directo al top 6 tras haber debutado en el número 1 de Francia, Bélgica y Suiza, en el número 4 de Canadá y Alemania y en el número 10 de Italia. En Reino Unido se ha quedado en el número 94, pero ya haber entrado se puede considerar un relativo éxito, dadas las dificultades a las que suelen enfrentarse los artistas europeos para triunfar en el mercado anglosajón. De hecho, la de ‘Multitude’ supone su primera entrada en la tabla de álbumes británica.
La última entrada en el top 10 se la lleva la banda de rock progresivo Marillion con su última entrega, ‘An Hour Before It’s Dark’, que ingresa en el número 9, y dentro del top 30 aparecen también los nuevos lanzamientos de José Mercé (‘El Oripandó’ es número 18) y de la banda de heavy metal sueca Sabaton, que coloca su nuevo disco The War to End All Wars’ en el 28.
Otro lanzamiento destacado de los últimos días ha sido el nuevo disco de Band of Horses, el primero en seis años. ‘Things Are Great’ entra en el número 49, por lo que empeora ligeramente el dato del disco anterior, ‘Why Are You OK’, que debutó en el 31; y unos puestos por encima saludan Ciudad Jara (el nuevo proyecto de Pablo Sánchez de La Raíz) con su nuevo trabajo ‘Cinema’, que entra en el 45.
La Habitación Roja también han vuelto estos días con un nuevo álbum. ‘Años Luz II’, la segunda parte de su disco de 2021, entra en el número 54, por lo que no ha suscitado el mismo interés que aquel (27) ni que otros de sus lanzamientos previos, como ‘La moneda al aire’ (6), ‘Sagrado Corazón’ (10) o ‘Universal’ (14), lanzados entre 2010 y 2016. Eso sí, ‘Años Luz II’ es top 4 en vinilos.
En el 55, una de las grandes estrellas de la música latina, Marc Anthony, entra con su nuevo trabajo ‘Pa’lla Voy’, y la última entrada original la firma JC Reyes con ‘Vicios’, que entra en el 94. Finalmente, la última entrada que cabe comentar es una reedición de ‘It’s a Shame About Ray’, que entra en el 67.
En cuanto a vinilos, cabe mencionar dos entradas interesantes: ‘PAINLESS’ de Nilüfer Yanya debuta en el número 98 y la edición física de ‘Nuevo cancionero burgalés’ de La M.O.D.A. entra unos puestos por encima, en el número 59.
Después de tres singles que hemos ido conociendo estos últimos meses, el viernes 18 de marzo llega el tercer álbum de estudio de Rosalía ‘MOTOMAMI’. La promoción está siendo intensa, habiendo ofrecido una entrevista a Jimmy Fallon y actuado en Saturday Night Live durante la última semana, pero Rosalía va a dedicar esta recta final a su país natal visitando El Hormiguero el jueves y celebrando una firma de discos en Fnac Callao el viernes, en Madrid.
Este jueves 17 de marzo la cantante estará en El Hormiguero, que lo presenta temporalmente Nuria Roca tras el positivo en coronavirus de Pablo Motos. Alrededor de una hora después de finalizar el programa ‘MOTOMAMI’ verá la luz. Además, cabe recordar que a la 1:00 AM del viernes 18 de marzo Rosalía ofrecerá una actuación para presentar el nuevo álbum que se podrá ver desde TikTok.
Por otro lado, todos los que se acerquen a Fnac Callao y adquieran ‘MOTOMAMI’ en la precompra entre el 15 y el 16 de marzo podrán entrar en un sorteo de donde saldrán 100 afortunados que podrán conocer a Rosalía y conseguir su disco firmado. Para participar en el sorteo se debe mostrar el ticket de precompra en el mostrador de Servicio al Cliente de Fnac Callao y rellenar el cupón de participación. La firma tendrá lugar el viernes 18 de marzo, de 17 a 19h. Toda la información respecto a la firma de discos se encuentra en la web de Fnac.
mariagrep es el proyecto de la cantante y compositora de Santiago de Compostela María Gallego, que se dio a conocer en 2021 con un álbum de celestial R&B-pop llamado ‘Si un día’, para luego irse por otros derroteros igual de interesantes. Su canción más escuchada, ‘Marinero’, sigue la vía del synth-pop de los 80 sin olvidarse de pulsar el botón del autotune, y ‘Tirita’ ha vuelto a sorprender con un sonido diferente. Es la Canción Del Día de hoy martes.
De nuevo acompañada por CARREÑO a la producción, ‘Tirita’ avanza unos cuantos años respecto al sonido de ‘Marinero’ para fijarse en el pop británico de los 90, tan marcado por los ritmos tropezados del garage (ahora recuperados con gran éxito por PinkPantheress), perp su sonido futurista tampoco anda lejos de ese hyperpop que en España están representando artistas como Putochinomaricón o Conelli. mariagrep entrega además un estribillo improbablemente hipnótico y adictivo, con el que redondea uno de sus mejores singles. La propia Gallego nos cuenta qué canciones le han influido, y qué esperar de su próximo disco.
¿Qué has querido expresar con ‘Tirita’?
Habla de heridas que se vuelven a abrir en el momento menos esperado. Las tiritas de colores las relaciono con la inocencia de la infancia, cuando te caes y hasta te hace ilusión ponerte una tirita bonita. Poco a poco se van acumulando las heridas y ahí es cuando convergen las relaciones, los celos, la muerte…
La canción se sustenta en una base de breakbeat muy garage, pero luego también es muy hyperpop, ¿con qué influencias has trabajado para este tema?
Me encantan tres artistas de UK que siempre fueron una gran influencia para mí. Creo que ahí hay mucha más cultura del breakbeat y del drum ‘n bass y siempre me encantó. Destaco un tema de cada una donde también beben de estos estilos: ‘Ode to Killer T’ de Lava La Rue, ‘In My Mind’ de IAMDDB y Lenzman y ‘Switch’ de Biig Piig.
En el hyperpop es verdad que me cuesta un poco más entrar y creo que no manejo referencias súper concretas y claras en mi cabeza. Más bien proyecto una mezcla de todo lo que acabo escuchando. ‘SHADOW’ de Babii es un buen tema que puede también representar esta mezcla de estilos.
¿Qué podemos esperar de tu próximo proyecto?
Un megamix de sentimientos, ritmos y sonidos. Hablando de temas de los que la gente va a hablar hasta el fin de los tiempos porque son los que siempre nos harán sentir, pensar y dudar, pero siempre encontrando una nueva forma de expresarlo.
Repite la música en directo en uno de los parques más bonitos de Madrid, el Enrique Tierno Galván y su anfiteatro. Madrid Escena vuelve del 3 al 19 de junio con un total de nueve actuaciones confirmadas de momento, en un festival que tiene la forma de un ciclo de conciertos. Bajo la seguridad que ofrece el tiempo de Madrid en verano, este año se podrá disfrutar de Love of Lesbian (4 de junio), Robe Iniesta (11 de junio) y nombres internacionales como James Blunt (8 de junio) y Simply Red (9 de junio).
Aunque la música sea el principal atractivo del festival, durante los días de junio que dura el evento se organizarán diferentes actividades de arte, moda, gaming, deporte y un espacio infantil, todas en el parque Tierno Galván. Algunas de estas actividades son la meditación al aire libre o una jornada de competición de gaming de la liga LVP.
En cuanto al resto de eventos que conforman el cartel del Madrid Escena son Rock en Familia, la Goa (electrónica), Candlelight (música clásica), Diego el Cigala y Juanito Makandé, Back to the Orchestra (las grandes bandas sonoras del cine con 60 músicos sobre el escenario) y La Vida Moderna (humor).
Óscar Aranzueque, promotor del festival declara: “A pesar de la pandemia y los límites de aforos, en el 2021 decidimos embarcarnos en un viaje para ofrecer un festival heterogéneo. Nuestro objetivo es ofrecer a Madrid y a todo aquel que quiera acercarse a la capital un espacio en el que disfrutar de conciertos de una manera diferente a lo habitual, en el que la naturaleza y las diferentes actuaciones generen una sinergia única. Desde Madrid Escena decidimos trabajar por seguir ofreciendo, de una forma completamente segura, las mejores actividades y grandes conciertos a nuestra ciudadanía”. Y concluye: “Nuestra intención este año es apostar por un concepto exclusivo, pero no excluyente. Entendemos Madrid Escena como una nueva manera de apostar por la cultura para que el barrio, la ciudad y toda persona que lo desee pueda disfrutar de las virtudes de un evento de esta magnitud y que a su vez podamos exprimir todo su potencial año tras año”. Las entradas del festival se pueden conseguir a partir de hoy, 15 de marzo a las 12:00 a través de su página web.
Últimamente han sido muchos los discos cuyo concepto es un viaje por el mundo: lo hemos visto en discografías de artistas tan dispares como Stromae, Madonna o C. Tangana. Uno de los sencillos del álbum de BODEGA se ha presentado en 9 idiomas al mismo tiempo -todos ellos europeos-, pero ni por esas ‘Broken Equipment’ ha dejado de sonar en ningún momento a la misma ciudad. El sonido de la banda americana rezuma Nueva York por los cuatro costados y parece por tanto un concienciado homenaje únicamente a este lugar.
BODEGA son de Brooklyn como LCD Soundystem, a quienes recuerdan mucho en una de sus nuevas canciones, ‘Thrown’, y no están tan lejos de los Ramones de Queens ni de la Velvet Underground. Una de las pistas de este segundo álbum, ‘All Past Lovers’, recuerda a estas dos últimas formaciones tanto como a los Strokes. Al grupo formado por Ben Hozie y Nikki Belfiglio lo conocimos con un debut llamado ‘Endless Scroll‘ (2018) y tras un EP en 2019, ‘Broken Equipment’ supone su regreso, fiel a su filosofía combativa y contestataria.
Y digo filosofía con motivo. El álbum surgió de un club de lectura en el que se reunieron con amigos cercanos para estudiar las obras de una amplia gama de filósofos. Ahí mucho tuvo que ver el bajista Adam See, que es profesor de filosofía y puso sobre la mesa libros como ‘Ser y tiempo’ de Martin Heidegger y ‘Más allá del bien y del mal’ de Nietzsche, al que consideran «el Kanye West de su generación» por la controversia de sus palabras. Las letras por tanto hablan de la acción política (‘Doers’), de cuestiones como la religión (‘Statuette on the Console’, la canción que han grabado en inglés, holandés, francés, alemán, griego, italiano, portugués, español y ucranio para un EP), y de las grandes corporaciones capitalistas (‘NYC (Disambiguation)’).
Y lo hacen con una amalgama de sonidos influida por el punk-funk, que consiente algunos guiños de electrónica o incluso textuales a Daft Punk («bitter, harder, fatter, stressed out» en ‘Doers’), recordando a la desvergüenza con que en los 2000 se imitaron bandas de finales de los 70 como Gang of Four o Talking Heads. Radio 4 y bandas de un entorno más electro como Chicks on Speed pueden ser nombres que vienen a la mente al escuchar grabaciones como ‘Territorial’. La buena noticia para BODEGA es que sus canciones son sólidas como rocas, y son varios los singles que ya han salido y muchos los que podrían estar por venir. En ese sentido, por ejemplo, ‘How Can I Help Ya’ y ‘All Past Lovers’ suponen gratas sorpresas en el último tramo del disco, pues encierran tanto potencial como el mismísimo ‘Doers’.
Además, hay que poner en valor que BODEGA han decidido ampliar su paleta temática y si en ‘All Past Lovers’ hablan de las experiencias personales al margen de la sociedad, reconocen en ‘Pillar on the Bridge of You’ su primera canción de amor, reflexionando sobre lo que significa el arte en la pareja que forman Nikki y Ben, incluso desde el punto de vista erótico. El tema es una reflexión sobre su «filosofía actual doble sobre la naturaleza del amor erótico», lo que incluye primero su «potencial aniquilidor y autodestructivo», y después, un «propósito compartido»: «Creo que la relación erótica de Nikki y yo ha sido exitosa principalmente porque tenemos un proyecto compartido en BODEGA y los diversos proyectos de arte que trabajamos para hacer juntos», explica él estructurando su amor en párrafos en la nota de prensa.
Más allá aún, el disco se cierra con una rareza acústica -como en el anterior álbum lo fue la balada ‘Charlie’-, en la que Ben conversa con su madre, que murió hace unos años, en los tiempos de su debut. Aquí BODEGA miran al pasado con la ternura de unos Eels en ‘Cosas que nuestros nietos deberían saber‘. Seguro que no será la grabación más recordada de la banda. Sí, en cambio, una que les hace subir peldaños en la consecución de su identidad.
Hace casi un año que se anunció la colaboración conjunta de Rocío Márquez y Bronquio, dos dispares talentos de nuestro país. A ella la conocíamos por discazos como ‘El Niño’, ‘Firmamento‘ o ‘Visto en el jueves‘. A él le estamos conociendo por la música electrónica inclasificable -ahora R&B, ahora reggaetón futurista- que ha venido publicando durante el último par de años, lo que incluye colaboraciones lo mismo con Natalia Lacunza que con Vera Fauna, siendo algunas de sus producciones tan hipnotizantes como ‘Fui a comprar a la cárcel‘.
Su sello anunciaba tan pronto como el verano pasado que estaban «cocinando a fuego lento el que sería uno de los mejores discos de 2022» y ya queda menos para comprobarlo. La artista onubense y el jerezano se cruzaron en el homenaje que Monkey Weekend rindió al clásico ‘La leyenda del tiempo’, aunque entonces no colaboraron juntos, pero poco después de aquella cita, Bronquio se atrevía a remezclar la rodeña de Márquez ‘Empezaron los cuarenta’. Ahora sabemos que uno de los escenarios en que podremos verlos es el ciclo Momentos Alhambra Distrito Sonoro, que se divide entre conciertos de acceso libre durante varios viernes entre mayo y junio; y otros de aforo muy reducido y contacto más directo con los artistas, para los que sí hay entradas limitadas a la venta.
Así, podrán asistir los verdaderos fans a una ocasión tan especial, y la dupla entre Rocío Márquez y Bronquio formará parte de estos conciertos especiales, en concreto el sábado 14 de mayo a las 12 de la mañana en el Restaurante Mirador de Aixa, con vistas a Granada y a la mismísima Alhambra. Rocío Márquez adelanta a JENESAISPOP: «Está siendo muy interesante trabajar con Bronquio, el proceso ha tenido una dinámica totalmente nueva para mí. En una primera fase nos fuimos reuniendo durante semanas en casa y fuimos probando, jugando con distintos patrones, reconociéndonos en otras líneas… Tras meses de encuentros, comenzamos a seleccionar de entre todo el material que ya había. Lo fuimos perfilando y estructurando a partir de la armadura teórica que desde el primer momento nos había guiado, esta estructura nace de un trabajo en equipo más allá de nosotros dos. De Bronquio me quedan nuevas formas y focos de atención. Infinidad de posibilidades. Rienda suelta a la libertad».
Por su parte, Bronquio nos adelanta: «Este proyecto junto a Rocío Márquez me ha obligado a desmarcarme hacia otras sensibilidades artísticas distintas que han cambiado mi manera de trabajar de aquí para siempre. El flamenco ha sido la guía que nos ha llevado a un espacio nuevo que hemos hecho nuestro. El disco ya está masterizado y nos queda saber qué vamos a transmitir hacia fuera y hacia dentro con el show. Tenemos muchas ganas de la gira que empieza en Granada». No en vano, es que Bronquio tiene ya un tema llamado ‘Granada’ que puedes escuchar bajo estas líneas.
Entre los grupos que actuarán varios viernes de manera gratuita en Momentos Alhambra Distrito Sonoro están Grupo de Expertos Solynieve, Derby Motoreta’s Burrito Kachimba y Los Estanques junto a Anni B Sweet. A ellos podrás verlos en el Palacio de Congresos, el Paseo de los Tristes o el Paseo del Salón. Los conciertos en sábado serán en lugares exclusivos como restaurantes (Mirador de Aixa, Balcón de San Nicolás, Las Tomasas y Carmen de San Miguel), con entradas a la venta y barra libre de cerveza durante la actuación.
Tras el turno de Rocío Márquez y Bronquio, el sábado 21 de mayo será el turno de Valeria Castro, el sábado 28 de mayo de nuestra querida Queralt Lahoz y el 4 de junio de Alba Molina. Las entradas para los conciertos de pago están a la venta.
Este viernes ha publicado su primera canción un nuevo artista de Madrid llamado pablopablo. Lo ha hecho con un tema de menos de 2 minutos de duración que devanea entre el folclore nacional -la intensidad de un Manuel de Falla-, los grupos corales de los años 40 y 50 y la torsión que de la música de décadas pasadas podría hacer James Blake circa ‘Barefoot in the Park’. Se dice en los mentideros que pablopablo podría ser el James Blake español, lo cual no tiene por qué ser malo o perjudicarle: también conocimos a Sen Senra como «el Frank Ocean español» y al final su carrera está volando completamente exenta de comparaciones.
A pablopablo le habéis visto actuar frente a una multitud de 15.000 personas, pues forma parte del equipo de la gira ‘Sin cantar ni afinar’ de C. Tangana, realizando coros y como músico. Actúa a un Auto-Tune o similar pegado y en esa línea encontramos esta tímida canción de apenas 2 estrofas que sirve como declaración de amor: «Que me pregunten si te he querido, que me lo pidan por favor / Como una ola va a su roca, yo siempre vuelvo hacia tu amor». Oficialmente, ‘Azul Zafiro’ es «la declaración de un amor al que vuelves una y otra vez».
Se da la circunstancia de que en todas las fotos promocionales y en la portada del single de este primer tema, la imagen de pablopablo aparece distorsionada, como se han distorsionado las voces en la producción de la canción. Es lo mismo que vemos en el videoclip de Carlos Sáez, en el que de manera simbólica, vemos al artista deformado mirándose a sí mismo cual Narciso, solo para que al final se muestre al fin su rostro real, simbolizando probablemente la honestidad de los sentimientos a que apela. Es el momento en que empezamos de verdad a conocer al artista, cuya nota de prensa evita mencionar quién es su padre, un hombre que sabe mucho tanto de la tradición como de la experimentación: Jorge Drexler.
RTVE estrena a través de su web el vídeo para ‘SloMo’, la canción ganadora del Benidorm Fest y que por tanto representará a España en Eurovisión. La cadena ha organizado un evento online de una media hora de duración para presentar este vídeo que no llega a los 3 minutos, y que consiste en una sucesión de planos de Chanel bajo diversos chorros de agua que emulan el efecto de la lluvia. Algo que jamás se había visto a lo largo de la historia del pop.
‘SloMo’ parte, no obstante, con grandes posibilidades de dar a España una buena posición en el Festival de Eurovisión. Una vez que ha terminado el plazo para presentar las 40 canciones aspirantes, nuestro país mantiene un sólido 9º puesto en las apuestas, a la espera de comprobar cuál será la apuesta definitiva de la puesta en escena. A juzgar por el vídeo, y por supuesto por lo visto en Benidorm Fest, es seguro que la iluminación y la coreografía jugarán un papel fundamental.
Además, la polémica generada por la letra de ‘SloMo’ ha llegado a salpicar hasta a uno de los compositores de la canción, Leroy Sánchez, que ha respondido a los comentarios que hicieron Tanxugueiras hace unos días respecto al tema. Las autoras de ‘Terra’ respondían a una pregunta de Formula TV que «la letra no nos representaría si tuviéramos que ejecutar esa canción. Chanel no hizo la letra ni nada. Creemos que en el siglo donde estamos hay letras muchísimo más empoderadas que podían ir. Chanel no ha escrito la letra de ‘SloMo’ y las flechas deberían ir a otras personas». Tras escuchar estas declaraciones, el compositor Leroy Sánchez no dudó en contestar y publicó un tweet en su cuenta que dice: «Mucha flecha, pero poca puntería».
Pshycotic Beats, el proyecto de Andrés Costureras que viviera un absoluto momento de gloria cuando un tema de su repertorio fue incluido en la banda sonora de la exitosa serie estadounidense ‘Killing Eve’, está de vuelta con un nuevo álbum cuyo título se conoce desde hace varios años. ‘Festering’ llegará por fin en 2022, cuatro años después de ‘The Black Sea’, y después que su autor haya superado justamente los cuatro años «más difíciles» de su vida.
Cuenta el propio Costureras que ha estado «perdido y con pensamientos suicidas durante más de 25 años» pero que ahora «está feliz» y manda un mensaje de apoyo a quienes le estén leyendo: «A todos aquellos que sufren de enfermedades mentales, quiero decirles que no importa lo desesperados que estén, siempre hay tratamiento, posibilidades y una oportunidad para que la luz supere a la oscuridad. Pedid ayuda y luchad. Todo va a pasar. Nada es permanente. La oscuridad tampoco, la luz eventualmente saldrá de nuevo».
El músico madrileño incide en su victoria, y a victoria sabe también el primer single de ese nuevo disco que está a punto de publicar y que será totalmente electrónico. ‘Hammering Noises’ es un pepinazo de electro-disco que se mira en dos referentes muy concretos, por un lado, en el synth-pop de los 80 de gente como Erasure o New Order y, por el otro, en el acid-house de Mirwais (productor de ‘Music’ de Madonna, una de las mayores influencias de Costureras), al que tanto recuerdan las abrasivas líneas de sintetizador que emergen en la grabación, que como rayos láser van directas a perforarte el cerebro en el mejor de los sentidos.
‘Hammering Noises’ transmite cierta sensación de peligro con su contundente base electrónica, y la letra advierte de la llegada de una «enfermedad (que) se está calentando», de «drones que desencadenan una espiral» y lo «vigilan todo», y de un escenario de «maldad y vicio que se hace viral». Costureras percibe que la oscuridad le acecha, pero heroico vence al mal a golpe de synth-pop, clamando: «¿No te das cuenta de que la Tierra está temblando? / Así que libera el ciclo antes de que se rompa».
El primer single de ‘Festering’ avanza el que será el álbum «más importante de la carrera de Pshycotic Beats» en palabras de la nota de prensa. En el álbum, Costureras escribe cartas a su “yo niño”, en las que le advierte de lo que se le viene encima en un afán de dotarlo de herramientas para hacerle la vida algo más fácil, queriéndolo ayudar a salir de un inevitable apocalipsis de dolor y fuego».
“Con gran tristeza la familia Hurt llora la muerte de William Hurt, amado padre y ganador de un Oscar, el 13 de marzo de 2022, una semana antes de que cumpliese 72 años”. Así se despedía ayer de su padre el hijo de William Hurt, que padecía un cáncer de próstata terminal diagnosticado en 2018. Hurt fue uno de los actores más populares en la década de los 80, interpretando papeles como el que le otorgó el Oscar por ‘El beso de la mujer araña’, donde interpretó a hombre escaparatista homosexual, compañero de celda de un revolucionario izquierdista.
William Hurt nació en Washington en 1950 pero durante sus primeros años vivió en países como Pakistán, Somalia y Sudán por el trabajo de su padre. Aunque estudió Teología, no tardó en decantarse por la actuación y a los 22 años se matriculó en el conservatorio de artes Juilliard de Nueva York. La década de los 80 empezó con su actuación en ‘Fuego en el cuerpo’, un thriller erótico que lo catapultó a la fama y le ayudó a interpretar importates papeles ‘Reencuentro’, ‘Gorky Park’ o la propia ‘El beso de la mujer araña’.
Tras hacerse con el Oscar a mejor actor en 1985, Hurt fue nominado otras dos veces consecutivas los dos próximos años por su papel en ‘Hijos de un dios menor’ y ‘Al filo de la noticia’. Al final de la década también interpretó ‘El turista occidental’ de Kaskan y ‘Alice’ de Woody Allen, entre otras. Esta etapa tan exitosa fue también la más oscura para él, donde se refugió en las drogas y el alcohol para protegerse de la abrumadora fama. Llegó a rechazar papeles que pudieran volver a ponerlo en el punto de mira. Con el paso del tiempo, Hurt se fue relajando y buscando papeles más pequeños que también le proporcionaron una última nominación al oscar por ‘Una historia de violencia’, y en los últimos años se le ha podido ver en el mundo Marvel dentro del papel del general Thaddeus Ross en ‘El increíble Hulk’, ‘Capitán América: Civil war’, ‘Vengadores: Infinity War’ ‘Vengadores: Endgame’ y ‘Viuda Negra’.
El trío electrónico alemán Moderat vuelve a formar filas después de cinco años de inactividad para ofrecer al mundo su cuarto álbum de estudio ‘MORE D4TA’ y embarcarse en una nueva gira que pasará por el Sant Jordi Club de Barcelona y el Wizink Center de Madrid, los días 6 y 7 de noviembre respectivamente.
El grupo formado por el dúo Modeselektor (Gernot Bronsert y Sebastian Szary) y Apparat (Sascha Ring) visitará el Sónar de Barcelona y el BBK Live de Bilbao este verano, pero no será hasta otoño cuando la formación celebre sus dos conciertos propios en España, para los cuales ya se pueden adquirir las entradas en lasttour.org y seetickets.com. JENESAISPOP es medio oficial de esta gira, como podéis observar en cartelería.
La gira se celebra como parte de la promoción de su cuarto álbum ‘MORE D4TA’, que verá la luz el próximo 13 de mayo. El pasado viernes Moderat lanzó el segundo adelanto de este disco llamado ‘EASY PREY’, un viaje emocional de voces etéreas, fiel al minimalismo que caracteriza al trío y que da continuidad al primer single ‘FAST LAND’ lanzado el 11 de febrero. El futuro álbum fue creado durante la pandemia «que ha dejado huella en este disco y en los miembros de Moderat, que han reflexionado sobre la soledad, el aislamiento y el exceso de información vivido en estos dos años», dice la nota de prensa.
The Rolling Stones vuelven a los estadios para celebrar la gira ‘SIXTY’, en referencia a su 60 aniversario, que dará el pistoletazo de salida el 1 de junio en el Wanda Metropolitano de Madrid. El concierto será el único en España, y las entradas saldrán a la venta este viernes 18 de marzo.
La gira será la segunda sin el miembro y batería Charlie Watts, que falleció el pasado agosto a los 80 años, después de acompañar durante 53 años a los Rolling Stones. En la nota de prensa difundida por el grupo, los Rolling confirman que Steve Jordan volverá a ser el encargado de tomar su puesto.
‘SIXTY’ pasará por otros nueve países en un total de 14 conciertos, pero el viaje dará comienzo el 1 de junio en Madrid. Las entradas estarán disponibles desde las 10:00 del 18 de marzo a través de doctormusic.com, entradas.com, livenation.es, ticketmaster.es y lasttour.org, en un precio entre 50€ y 280€. También habrá una preventa para usuarios registrados en livenation.es entre el 16 de marzo a las 12:00 y el 17 a la misma hora, y en doctormusic.com entre el 16 de marzo a las 12:00 y el 17 a las 22:00.
Rosalía ha sido la última invitada musical a Saturday Night Live. Su nuevo disco ‘MOTOMAMI’ sale el viernes 18 de marzo y la cantante ha presentado en el programa estadounidense dos de sus sencillos, el polémico ‘CHICKEN TERIYAKI’ y el exitoso ‘LA FAMA’. La actriz Zoë Kravitz ha sido la anfitriona y se ha encargado de introducir las dos actuaciones.
Para ‘CHICKEN TERIYAKI’ la catalana ha actuado acompañada de dos bailarines y ataviada con un vestido rojo y una chaqueta motera colocada en un solo brazo. Su casual atuendo ha reflejado la despreocupación que transmite la canción, en concreto en la frase «me visto de cualquier manera», y Rosalía no iba a dejar de presentarla en el programa pese a las críticas divididas que ha recibido, dadas las varias referencias a Nueva York que contiene su letra. De hecho, Rosalía interrumpe la actuación hacia la mitad para expresar su fascinación por la ciudad.
La presentación de ‘LA FAMA’ ha servido de contrapunto a la crudeza de ‘CHICKEN TERIYAKI’ en varios sentidos. Rosalía ha cantado la canción sola, sin The Weeknd, y no ha perdido la oportunidad de lucirse vocalmente. Rosalía ha actuado ataviada con un abrigo abultado, un vestido y guantes blancos, y una especie de mantilla flamenca también blanca, y donde la chulería de ‘CHICKEN TERIYAKI’ ha representado la parte «MOTO» de la actuación, la ternura de ‘LA FAMA’ ha representado la parte «MAMI». Cabe recordar que ‘MOTOMAMI’ es un disco dividido en estas dos partes en su misma secuencia.
La de esta noche no ha sido la primera vez que Rosalía actúa en Saturday Night Live: el año pasado debutó en el programa de la mano de Bad Bunny, con quien presentó su éxito ‘LA NOCHE DE ANOCHE’.
La promoción de ‘MOTOMAMI’ en Estados Unidos continúa por tanto, tras la visita de Rosalía al programa de Jimmy Fallon, donde contó su anécdota con Harry Styles. El mismo 18 de marzo, Rosalía ofrecerá el primer concierto de presentación de ‘MOTOMAMI’ en TikTok.
Y precisamente en TikTok, Rosalía ha avanzado la letra íntegra de ‘Hentai’, la polémica canción de ‘MOTOMAMI’ que contiene la frase «te quiero ride como mi bike». Como para reírse de las críticas, Rosalía ha recitado la letra de ‘Hentai’ a modo de poema. El próximo single de ‘MOTOMAMI’ sale «en unos días».
Paulo Londra era uno de los artistas latinos más exitosos del momento. Llegó a ser el argentino más escuchado en Spotify. Sus singles y álbumes llegaban al número 1 de las listas españolas y rompían récords. Sus cifras en las plataformas de streaming eran -y siguen siendo- astronómicas. Colaboraba con gente del tamaño de Ed Sheeran. Pero en el mejor momento de su carrera, allá por 2019, Londra desapareció del mapa sin dejar rastro.
En esta época de consumo musical voraz, el trapero Paulo Londra lleva casi tres sin sacar disco. Ni siquiera single. ‘Homerun‘, su último álbum de estudio, vio la luz en mayo de 2019, y su último sencillo publicado, ‘Party’ con A Boogie wit a Hoodie, llegó unos meses después, en septiembre. Desde entonces, la nada. Desierto. El motivo es legal: Londra ha estado durante dos años sumido en una disputa contra su productora, Big Ligas, por los derechos de sus canciones.
En 2020, el autor de ‘Adán y Eva‘ comunicó su separación profesional del productor Daniel Oviedo, conocido por el alias de Ovy on the Drums, y del presidente de la productora/discográfica, Cristian Kristo Salazar, conocido por el sobrenombre de KristoMan. Londra los acusó de haberle hecho firmar mediante engaños un contrato de exclusividad que les permitía aprovecharse injustamente de su trabajo y perjudicarle a él, un contrato que caducaba en 2025 y en el que además Londra no constaba como «socio/artista» real según descubrió después.
El músico contó entonces: «Kristo vino con unas fotocopias, una lapicera cara y un filmaker, y me dijo que íbamos a hacer un video para subir a las redes, y entonces nos hizo ponernos de espalda y me dijo que firme unas fotocopias mientras nos filmaban. Pensé que era un simple vídeo y nunca pensé que eso fuese un contrato». También detalló que Ovy y Kristo se añadieron a los créditos de ‘Nothing on You’, su colaboración con Ed Sheeran, de manera injusta: «Ni siquiera en la canción con Ed Sheeran logré puntos de autoría correspondientes. Kristo y Ovy se agregaron puntos de esta canción, siendo que no hicieron el beat ni mi letra. Lo único que querían era estar entre cualquier acercamiento de Ed Sheeran a mí para bloquearme e impulsar sus propias carreras».
En noviembre de 2021, el caso se resolvió en los tribunales de manera amistosa y, tras dos años de infierno, Londra ha anunciado recientemente su feliz vuelta a la música tras haber firmado un acuerdo millonario con Warner Music Latina. El argentino ha comunicado que está «feliz por esta nueva etapa», y ha señalado: «Esperé y pasé por mucho para poder hacer lo que amo. He pasado por malos momentos, ahora llega el tiempo de los buenos, por eso he empezado a disfrutarlo». 2022 será, por tanto, el año de regreso de Paulo Londra: su nuevo material sigue en el cajón, pero por lo menos ya no habrá que pasar dos años y una pandemia para escucharlo.
Fernando de la Flor pasó de Gente Joven a Ofrenda Floral con un EP titulado ‘Las flores no me odian’ en 2019, editado por Kocliko Records. Este ‘Las espinas’ sería su debut “largo” (y el debut del sello leonés Discos La Mona), a pesar de que apenas dure 25 minutos. Debería haber aparecido en octubre de 2021, pero las largas esperas en las fábricas de vinilo han retrasado su publicación hasta el pasado mes de febrero.
Fernando explicaba en una entrevista en el Diario de León que estas canciones son fruto del confinamiento y la desgracia familiar. Su padre falleció en la primera ola de la pandemia, y este disco es homenaje y duelo. Un duelo que es más alegría por haberle tenido que pena por la pérdida. Y aunque, dice, ‘Las espinas’ marque un punto y aparte en su vida, musicalmente hablando, recupera la senda de Gente Joven, de la que parecía haberse apartado levemente en ‘Las flores no me odian’. Aquí Fernando recupera su sonido más clásico, ese que entronca a Family con Vainica Doble en baja fidelidad, con todas esas características que nos enamoraron desde el principio: canciones en apariencia simples pero de enorme calado emocional, su manera de cantar susurrada, queda y emotiva, con la voz de Beatriz replicando gran parte de los versos y esa manera de escribir tan suya, que convierte cada letra en un romance. Aunque también hay deliciosos escapes de la ortodoxia floral.
El duelo se hace patente nada más empezar. La primera, en la frente: ‘Las espinas’, la canción, es un dechado de sensibilidad, simple y directo, que recoge de manera hermosa la pérdida de los seres queridos: “Qué miedito me da hacerme viejo / sin padres ni hijos”, arrancan Fernando y Beatriz, pero acaban con cierta alegría por haber podido compartir tiempo y espacio con las personas amadas. A continuación ‘El iglú’ es una de las mejores canciones que jamás ha escrito Fernando, obsesionante y sincopada, de estribillo recogido y embrujado. ‘Guindos y Plagas’, es muy Vainica Doble o Cecilia, tan llena de rancio abolengo setentero e hispánico. Aquí es Elle Belga quién acompaña a Fernando.
‘El Cuerpo extraño’ sería uno de los, precisamente, deliciosos “cuerpos extraños” del disco, bañado de techno-disco lo-fi a la New Order, y la canción que más y mejor retrata el confinamiento: “Recomendadme series / mientras agonizo en la cama”, relata irónico y tierno Fernando, en contraste con el expreso deseo final de poder salir a bailar. O ‘Doble ciego’, que tras un inicio también espacial, rompe en una alegría rumbera cantada por David Rodríguez de La Estrella de David a dúo con Beatriz. ‘Macarras’ o’ ‘Amason’ son clásicas del saber hacer de Fernando, aunque ‘Amason’ (con Daniel Flamaradas) arranque con un guiño a la canción americana.
El cierre del disco es tierno, con la casi juglaresca (a la manera de Magnetic Fields) y alegre ‘Álamo’, donde Fernando y Beatriz se despiden entonando: “sigue adelante con un caballo bajo guirnaldas, rojas y blancas de una verbena, por un camino claro y bonito lleno de estrellas». Un final dulce, que quiere alejar las penas. Y que nos deja, una vez más, la sensación de que Fernando sigue dando vueltas a su universo, ofreciendo siempre las mismas canciones… Pero qué bien y qué bonitas las hace. Y cada vez mejor.
Thom Yorke ha estrenado ‘5.17’, una de las dos canciones que ha cedido a la serie británica ‘Peaky Blinders’. La otra se titula ‘That’s How Horses Are’ y sale el 3 de abril. El creador de ‘Peaky Blinders’, Anthony Byrne, anunció el mes pasado que Yorke y Greenwood habían participado en la banda sonora de la serie, que emite ya su sexta y última temporada.
‘5.17’ es otra balada lánguida de Thom Yorke, y en este caso viene dominada por el sonido del piano y el de una cama de cuerdas que crean un ambiente de suspense. El sonido onírico de ‘5.17’ recuerda al de la banda sonora de ‘Suspiria’ firmada por Yorke o al de baladas de Radiohead como ‘Pyramid Song’, y su título puede hacer referencia a un versículo de la Biblia.
Yorke no es muy dado a publicar material en solitario, pero en los últimos tiempos sí ha editado un álbum a solas, ‘ANIMA‘, y después también ha participado en la banda sonora de la película de ‘Motherless Brooklyn’, estrenada ese mismo año, con otra balada al piano llamada ‘Daily Battles’.
La nueva canción de Thom Yorke llega en el mismo año que su nueva banda de post-punk, The Smile, ha de publicar su álbum debut. De momento los singles ‘You Will Never Work in Television Again’ y ‘The Smoke’ ya están disponibles en las plataformas, y en directo el grupo ha presentado otro puñado de canciones que permanecen inéditas.
Los Enemigos están de gira tras los dos años de parón provocados por la pandemia, y por supuesto siguen presentando su disco ‘Bestieza‘, que salió a principios de aquel fatídico mes de marzo de 2020 y sobre el cual tuvimos oportunidad de hablar con la banda entonces, y cuya gira se hubo de posponer por la razón expuesta. Sin embargo, su regreso a los escenarios ha sido accidentado, al menos, en relación a uno de los conciertos programados en la gira.
El viernes, Los Enemigos tocaron en Santiago de Compostela y ofrecieron un concierto errático después que Josele Santiago se tomara dos veces su medicación por error, relata el grupo en un comunicado enviado por correo electrónico a los asistentes.
La doble toma de medicamento provocó una «reacción bomba» en Santiago, que mezcló letras de canciones y fue incapaz de terminar alguna canción durante el recital, informa La Voz de Galicia. No obstante, el grupo señala que Santiago «hizo todo lo posible para poder terminar el concierto a pesar de no encontrarse en las mejores condiciones», y el periódico gallego informa que el público se mostró mayormente comprensivo con la situación.
Ante las circunstancias, Los Enemigos se han disculpado con el público: «Después de dos años de espera anoche en Compostela no tuvimos nuestro mejor día. Somos muy conscientes de que no hicimos el concierto que os merecéis, y estamos muy jodidos por ello. Desde ya os pedimos disculpas».
Pero la cosa no se ha quedado en una disculpa y Los Enemigos han decidido compensar a la audiencia invitándola al bolo siguiente dado que «todavía hay capacidad para que muchos de los que estuvisteis ayer podáis disfrutar hoy», en referencia a los conciertos del viernes y el sábado. Además, el grupo ha anunciado que devolverá el dinero de las entradas a quien no haya podido o querido asistir al concierto del sábado. Un gesto que honra a Los Enemigos.
Omar Apollo es una de las nuevas estrellas del pop alternativo. Su single ‘Ugotme’ ha sido un éxito en las plataformas de streaming y especialmente su tercer trabajo ‘Apolonio’ le ha puesto en el mapa gracias a temas tan recomendables como ‘Want U Around’ o ‘Kamikaze’ que merodean un punto medio entre el pop, el funk y el R&B alternativo.
Tras haber colaborado con C. Tangana en ‘El Madrileño’, Omar está de vuelta este año con su cuarto álbum de estudio. ‘Ivory’ verá la luz el 8 de abril y cuenta ya con cuatro singles de adelanto: ‘Go Away’ salió el pasado mes de julio, la balada ‘Bad Life’ con Kali Uchis en noviembre, ‘Invincible’ con Daniel Caesar el pasado mes de febrero y ‘Killing Me’ es una de las novedades que ha dejado esta última semana.
Cuando aún se desconoce el tracklist oficial de ‘Ivory’ a pesar que queda tan solo un mes para su publicación, ‘Invincible’ pasa hoy sábado por nuestra sección «Canción Del Día».
Es una canción minimalista, en la que apenas una melodía de guitarra eléctrica íntima y un modesto beat electrónico que va emergiendo y sumergiéndose durante la grabación, acompañan a las voces de Caesar y Apollo, que cantan como dentro de una cueva, sumidos en la más absoluta oscuridad, abrazados por la reverberación. La canción transmite un enorme espacio, al que los intérpretes nos invitan con su voz.
El sonido de ‘Invincible’ quizá va acorde con su mensaje, pues la canción reflexiona sobre la muerte en el contexto de una relación. Caesar y Apollo terminan de manera inesperada dentro de una ambulancia y preguntan a su persona amada: «¿si me fuera, te darías cuenta?» Entre menciones a Frida Kahlo o al 2CB, ‘Invincible’ busca reconfortar en un momento de incertidumbre, y lo consigue.
