Hoy 10 de septiembre salen los nuevos discos de Kacey Musgraves, Low, Saint Etienne, J Balvin, The Vaccines, la revelación Yebba, Sleigh Bells, Bomba Estéreo, 박혜진 Park Hye Jin (foto), Matthew E. White, Common, Amyl and the Sniffers, Masked Wolf, Elvis Costello, Mago de Öz o baby keem, la nueva promesa del rap que colabora por segunda vez con el mismísimo Kendrick Lamar en una de las pistas de su nuevo trabajo.
También ven la luz el ¿esperado? ¿temido? ‘The Metallica Blacklist’ y por fin llega a las plataformas de streaming el álbum homónimo de Aaliyah. Antes, Lorde ha sorprendido con la publicación de un EP compuesto por canciones de ‘Solar Power’ cantadas en maorí.
‘Shivers‘ de Ed Sheeran es el single destacado de la semana en el plano comercial, pero desde luego no el único en lo que a lanzamientos importantes se refiere. Lana Del Rey ha adelantado su segundo disco de 2021 con un cuarto single de final inesperado, Radiohead han anunciado una suculenta reedición conjunta de ‘Kid A’ y ‘Amnesiac’ que traerá canciones inéditas como la que han dado a conocer esta semana, Troye Sivan abre la playlist con la que es una de sus mejores canciones de manera inmediata y Eddie Vedder -conocido por ser el cantante de Pearl Jam- ha estrenado el primer single de su tercer disco en solitario.
Estos días hemos escuchado temas nuevos como el que ha juntado a MUNA y Phoebe Bridgers (para muy bien) o el del actor Jaime Lorente (para no tan bien). También ha salido un nuevo tema de Big Thief, un nuevo rompepistas de Planningtorock (que ha firmado una de las mejores remezclas en el disco de Lady Gaga) o el enésimo adelanto del disco que Tirzah publica a principios de octubre.
A ellos se suman nuevos lanzamientos de Josef Salvat, Rufus T. Firefly, Remi Wolf, María José Llergo, LISA (integrante de BLACKPINK), Morgan, Sabrina Carpenter, Chloë (la integrante de Chloe x Halle se aventura en solitario), Holly Humberstone, ghouljaboy con Depresión Sonora, Hayden Thorpe, Kero Kero Bonito o RAY BLK. Entre las curiosidades del día, Gepe versiona ‘Bagdad’ de Rosalía y Vengaboys hacen lo propio con ‘1999’ de Charli XCX y Troye Sivan, llevándosela totalmente a su terreno.
Una semana después del regreso de ABBA, todavía no sé si hemos asumido lo que representa. Los rumores apuntaban a una gira de hologramas, a algún tema suelto que seguramente sería un descarte de tiempos pasados, quizá a algún nuevo recopilatorio, rara vez a un álbum al completo, que es lo que nos encontraremos el próximo 5 de noviembre, respondiendo al suculento nombre de ‘Voyage’.
Las dos canciones de adelanto han sido recibidas con ilusión por cientos de miles de fans. Exactamente 230.000 personas se conectaron en directo a Youtube un jueves a media tarde solamente para comprobar qué diablos iban a comunicar. El vídeo de presentación abría las puertas de la esperanza y todo su contrario, en sintonía con la banda que nos dejaba algunas de las melodías más memorables de la historia del pop, y también algunos de los momentos más kitsch. Por un lado, aparecía una gente random bebiendo champagne dentro de una piscina; por otro, gente llorando por todas las esquinas grabando con sus móviles las imágenes de tan esperado regreso, mientras otras cámaras les grababan a ellos a su vez. En los rótulos, alguien había decidido que el país Iceland se llamaba directamente Island (casi como en islandés). En esa conexión con varios países para demostrar la universalidad y la trascendencia de ABBA, alguien parecía haber determinado que Islandia es La Isla, como ABBA es El POP. Ambos palíndromos, no por casualidad.
No siempre ABBA fueron un grupo tan gigante. Por supuesto, siempre tuvieron éxito, al menos desde que ganaron el Festival de Eurovisión en 1974. En Reino Unido, todos sus álbumes desde ‘Arrival’ (1976) hasta el último hasta ahora, ‘The Visitors’ (1981), fueron número 1; consiguieron varios top 20 en Estados Unidos; hicieron de ‘Dancing Queen’ un top 1 global, incluido Estados Unidos (en España quedó en el top 12); y en resumen vendieron millones de copias. Unos 150 millones de discos, se estiman.
Pero no fue hasta que pasó el tiempo cuando el público pareció darse cuenta de la magnitud de su legado. El recopilatorio que todo el mundo de cierta generación tuvo por casa en cualquier tipo de formato, el llamado ‘Gold’, data en verdad de 1992, cuando ya era evidente que el grupo se había separado aunque tal cosa jamás se había anunciado de manera oficial. De hecho, ABBA llegaron a hacer una pequeña actuación acústica en 1986, luego coincidieron en el 50º cumpleaños de Görel Hanser (de su sello en Suecia) en 1999, acudieron al estreno de ‘Mamma Mia’ en 2008 e inauguraron un restaurante en 2016. Pero aunque ellos pasaran años y años sin verse, sus canciones seguían sonando a través de películas como ‘Priscilla: Reina del Desierto’ o ‘La boda de Muriel’, siendo versionadas y adaptadas por gente tan dispar como Sinéad O’Connor, Madonna y la Comisión Europea. Se han vendido 30 millones de copias de tal «greatest hits», aunque antes y después han editado muchos otros; ‘Gold’ ha sido siempre un fijo de las listas anglosajonas, y exactamente lleva ahora mismo 1.009 semanas en el top 100 británico y 185 semanas en el Billboard 200, siempre más complicado para un grupo sueco.
Así, los dos temas nuevos han sido devorados por el paciente público, alcanzando el top 50 del Global de Spotify. Para venir de Björn Ulvaeus y Benny Andersson, dos autores que componían con la máxima de grabar solo lo que podían tararear y memorizar sin escribirlo, para asegurar que la música fuera buena y perdurara en el tiempo, los dos nuevos temas no están a la altura. Ni ‘I Still Have Faith in You’ ni ‘Don’t Shut Me Down’ estarán entre sus 20 mejores canciones, si bien hay que apuntar que la segunda, sin ser el single principal, está funcionando mejor de manera orgánica; y que ambas cuentan con el encanto de mantener su sonido, las voces de Agnetha Fältskog y Anni-Frid Lyngstad completamente en su sitio, y también esa euforia navideña que tanto les caracterizó.
No es casualidad que ellos, como Enya cuando le toca, vuelvan por Navidad, pues desde 1976 hasta 1981, los 5 discos que sacaron salieron en otoño, con la excepción de ‘Voulez-Vous’. De alguna manera se había intentado que ‘Voulez-vous’ fuera un himno de disco veraniego en julio de 1979, como así se consiguió, si bien en el álbum después había de todo, y lo mismo te aparecía la balada ‘Chiquitita’ que una canción de rock medio electrónica como la electrizante ‘Does Your Mother Know’ o la espiritual ‘I Have a Dream’, que podía haber cantado Nana Mouskouri. Y una curiosidad, por cierto: pese a lo que veis en Spotify, el hitazo ‘Gimme Gimme Gimme (A Man After Midnight)’ en verdad no perteneció a este disco: procedente de otro de sus muchos «greatest hits» como inédito, se añadió a la edición CD de ‘Voulez-vous’ ya en los años 90.
Y es que aunque ABBA siempre hayan sido recordados como «dancing queens» por el enorme impacto de dicho tema contenido en ‘Arrival’ (1976), sus discos eran bastante viajeros y variados. Cada vez más influidos por la deriva del rock de los años 70, como los Fleetwood Mac que tras ‘Rumours’ (1977) no hicieron ‘Rumours 2’ sino ‘Tusk’ (1979), también hicieron cosas diferentes. ‘The Album’ en 1977 fue el disco con el que acompañaron una película musical, dejando números tan teatrales como ‘I’m a Marionette’. Y en 1981, justo después de ‘Super Trouper’, se despidieron con un álbum llamado ‘The Visitors’ en el que merece la pena detenerse, no solo porque fuera el último hasta ahora. El doble matrimonio entre los miembros se había disuelto ya, aun así los chicos hicieron a Agnetha cantar una letra según la cual la equivocada era ella (‘One of Us’), y se entregaron a cierta experimentalidad y psicodelia desde la misma ‘The Visitors’ hasta la madurez y meticulosidad que rezuma la producción electrónica de la final ‘Like an Angel Passing Through My Room’ (de nuevo me refiero al vinilo de la época, no a la reedición CD con bonus).
El legado de ABBA dejaba material suficiente para la revisión más allá de unos cuantos singles de éxito. Y eso incluye el factor kitsch que conllevó el éxito mastodóntico ‘Mamma Mia’ o, de manera más anecdótica, aquel disco en español llamado ‘Gracias por la música’ que se hizo especialmente para Latinoamérica, y porque ‘Chiquitita’ siempre fue el mayor hit de ABBA en España (top 3). Imprescindible ver aquellos vídeos con las chicas cantando en castellano, sin poder apartar la mirada más que unos pocos segundos del teleprompter de la época para leer la letra, sólo Dios sabe transcrita cómo.
Respecto a su atuendo, no hace tanto que aparecieron en los medios diciendo que se disfrazaban «de tarados» con el único propósito de la desgravación fiscal. Que también parece un cometido en 2021 al comprobar de qué guisa han vuelto, con unos trajes prestos para la realidad virtual tipo parchís, de bolas colgantes, sólo que con el color de Björn sin encajar en la partida -su cabeza, tampoco-, pareciendo más su propio avatar que él mismo.
Poco habituales en las listas más elitistas de lo mejor de los 70 y los 80 o del siglo XXI, la imaginería popular fue convirtiendo a ABBA en leyendas año tras año, viendo cómo las canciones habían sobrevivido al mismísimo amor de sus miembros entre sí. Aunque fue Agnetha Fältskog quien en 2013 aseguró que había «que aceptar que ABBA jamás volverían porque somos demasiado viejos y han pasado demasiados años desde que lo dejamos», Anni-Frid siempre pareció la más distante. También había sacado, como Agnetha, sus discos en solitario, sobre todo para el mercado sueco, pero dio en casarse con un conde/príncipe, recibiendo sendos títulos, cogiendo sus cosas y yéndose a vivir a un castillo de Suiza, manteniendo buena relación incluso con la Reina Silvia de Suecia. Por si ABBA ya parecían poco alcanzables de por sí. Tras la muerte de su esposo Prince Ruzzo Reuss en 1999, Anni-Frid continúa viviendo en el mismo país junto a su nueva pareja, y aun así, ella también ha podido grabar sus voces para este ‘Voyage’, aunque lo de subirse a un escenario lo vaya a dejar para los avatars, como sus colegas.
Arlo Parks se ha hecho esta noche con el Mercury Prize por su disco ‘Collapsed In Sunbeams‘, del que ha interpretado esta noche en vivo el tema ‘Too Good’, como podéis ver sobre estas líneas. Un total de 12 artistas han competido esta noche con sus respectivos discos para ganar el Mercury Prize y sus 25.000 libras, algunos nominados por primera vez, como la propia Arlo Parks y Celeste, y otros repitiendo por tercera vez, como Wolf Alice y Laura Mvula.
Precisamente la noticia ha sentado como un jarro de agua fría a Laura Mvula, autora de ese gran disco llamado ‘Pink Noise’. Inmediatamente acudía a Twitter para protestar: “Me roban. Mucho (…) El Mercury Prize puede borrar mi número”. Cuando alguien le sugería que se alegre por Arlo Parks, su respuesta era: «no me estás entendiendo».
13 horas después, y tras recibir algunas críticas, ha añadido: “no espero ser entendida por el público británico. Sabía que me llamarían cosas después de compartir mi dolor un poco (pretendía ser irónica)”. Mvula había interpretado en la ceremonia el tema ‘Church Girl’.
Otras actuaciones de la noche fueron Wolf Alice tocando ‘Smile’, Celeste con ‘Strange’ y Mogwai con ‘Ritchie Sacramento’, entre otros. Ni que decir tiene que SAULT, adscritos al misterio perpetuo, no actuaron.
Lauren Laverne fue de nuevo la anfitriona de la ceremonia que se celebraba en el Eventim Apollo de Londres. Entre algunos de los miembros del jurado se encontraban Michael Kiwanuka, ganador del año pasado con ‘KIWANUKA‘, Anna Calvi, Annie Mac y Jamie Cullum.
Medios como ‘The Guardian‘ o ‘BBC‘ coincidían en la nominación de Alrlo Parks como una de las favoritas. Además, el NME revelaba las posibilidades de las casas de apuestas en cuanto al ganador de esta edición unas horas antes del inicio de la ceremonia. Las apuestas colocaban en sus favoritos a Arlo Parks y a SAULT. Esta era la lista de nominaciones actualizada según las previsiones iniciales de William Hill, una casa de apuestas online del Reino Unido. Como veis, se han cumplido:
Camila Cabello ha aprovechado su actuación en el ‘Live Lounge’ de BBC Radio 1 para interpretar una versión propia del éxito de Olivia Rodrigo, ‘Good 4 U’. Una cover, para simplificar.
«Lo mezclé un poquito en el salón en vivo de @bbcradio1», escribió Camila en su perfil de Instagram hace un par de días, y añadió: «Por la reina», refiriéndose a Olivia Rodrigo y evidenciando el respeto que le tiene. Lo de la mezcla es cierto, aunque ha respetado la esencial original de la canción, la artista ha hecho suyo el tema, vistiéndolo del estilo y ritmo latino que la caracterizan.
Cabello se rodeó además de trompeta, trombón, guitarra y percusión, entre otros instrumentos, para interpretar la canción. Sorprende que no se haya colado ninguna españolada al estilo ‘Señorita’. Y aunque muchos medios de comunicación le están dando muy buen acogida, es cierto que la gracia de una cover es llevar el tema original a un terreno radicalmente diferente, y en este caso no llega a notarse del todo esa magia.
Sin embargo, como aperitivo a la espera del lanzamiento de su próximo álbum, ‘Familia’, no está nada mal. Además, ya podemos verla en por Amazon Prime Video poniéndose en la piel de la princesa Cenicienta en una versión que parece que va a romper bastante con la historia original, sobre todo por la actitud «soñadora», como la ha descrito Camila, del personaje de la princesa.
Hay una magia en el tipo de melodías y el tipo de sintetizadores del italo disco que no entiende de tiempo ni de espacio, y está pasando de generación en generación. Más de 10 años después del revival experimentado en ‘Drive‘, de considerable calado social, continúan emergiendo proyectos en una línea similar, aunque sea un poco por accidente. Es el caso de Cabiria, el proyecto de Eva Valero, que, encerrada con sus propios sintes y plugins, desconocía el trabajo de gente como Chromatics y Linda Mirada, y sólo empezó a descubrirlos cuando le llovieron las comparaciones con ellos al publicar su disco de debut. Un álbum de título tan divertido y poliédrico como ‘C’est Lindy On’.
Aún a cargo de toda la composición y toda la producción de este álbum, Cabiria muestra una evolución clara en ‘Ciudad de las dos lunas’ por la vía de la sofisticación y la profesionalización. La mejora en ese sentido se percibe en la nitidez con que suenan ahora los teclados, dejando momentos realmente resplandecientes por ejemplo en el puente instrumental de la canción titular, tan eufórico; y también en la calidez que cada vez se percibe más en su voz.
A toda la fantasía de sintetizadores oníricos, bajos electrizantes y paisajes de neón se suma el lirismo que pueden apuntar al género también las guitarras eléctricas, presentes e importantes en ‘Abrigo de sol’ y ‘Después de medianoche’; y de manera muy especial el juego de saxos en pistas como ‘El desencanto’ o ‘Fantasma’. Esta última con un videoclip pasado por el programa de Toni Rovira bastante pizpireto.
Son varios los singles con potencial en ‘Ciudad de las dos lunas’: ‘Via Torino’ es una de las pistas más bailables y nostálgicas al mismo tiempo («todas las canciones que planeamos hacer se quedaron flotando aquél andén»). Un pasaje de ‘DISCO-CAFÉ’ busca la fuerza y la atemporalidad de un himno de Mina (recuerda un poquito a ‘Se telefonando’). ‘Si pudieran hablar’, en verdad el tema más popular del álbum de momento, te encantará si te has criado con la inestimable compañía del sello Elefant, y además te repele la masculinidad tóxica, si es que ambas cosas no están íntimamente relacionadas. «Ay, si estas copas pudieran hablar / cansas más que las pelis de Godard», es una de sus frases estrella, junto a «No me daba algo tan igual desde la coronación en la Casa Real».
No son aptos para todo el mundo unos textos que nos hablan de «lentejas pasadas» (‘Fantasmas’) o de la búsqueda de algo que «le guste a su gato» (‘Algo de valor’). A veces suenan algo inconclusos. Otras en cambio están a la altura de lo que promete la música. ‘El desencanto’ es una canción más dream pop, un poco más Beach House y más ‘Twin Peaks’, que comienza con una imagen tan potente como la de «la ausencia de valor literario entre tú y yo». Entre lo doméstico y lo épico, más cerca de la deliberada modestia de Sally Shapiro que del mayor apogeo de M83, Cabiria tiene las armas para hacerse con una audiencia quizá no masiva pero sí muy fiel.
Los chicos de The Wanted regresan después de siete años de parón y tras un primer intento fallido el año pasado por motivos de la pandemia y de salud de uno de sus miembros, Tom Parker. Ahora han anunciando un nuevo disco con sus «grandes hits» y un concierto benéfico para finales de este mes.
«¡¡Allá vamos!! Estamos MEGA emocionados de anunciar que estamos DE VUELTA», escribieron ayer en su cuenta de Instagram, comentando brevemente sus nuevos proyectos. Su nuevo disco, ‘Most Wanted-Greatest Hit Album’, saldrá a la venta el próximo 12 de noviembre y ya puede reservarse pinchando en este enlace.
El tracklist completo todavía no se conoce, pero incluye sus dos número 1 en Reino Unido y Estados Unidos, ‘All Time Low’ y ‘Glad You Came’, el tema central de la banda sonora de ‘Ice Age 4’, ‘Chasing The Sun’, y otros éxitos como ‘Lightning’, ‘Lose my Mind’, ‘Walks Like Rihanna‘, ‘I Found You’ o ‘Could This Be Love’.
Y en lo que respecta al concierto benéfico, se celebrará el 20 de septiembre en la sala de conciertos Royal Albert Hall (Londres). El concierto fue organizado por Tom Parker, uno de los miembros de la banda, después de que le fuera detectado un tumor cerebral y al descubrir que solo el 1% del presupuesto nacional de investigación contra el cáncer se destina a los tumores cerebrales. Además, también hizo un documental para Channel 4 y Stand Up To Cancer titulado ‘Tom Parker – Inside My Head’. Todos los fondos se destinarán a la prevención y detección de la enfermedad y a la investigación de nuevas terapias.
Carl Bean, el predicador, pastor y activista pionero gay que grabó varios singles en el sello Motown y fundó la iglesia protestante liberal Unity Fellowship Church Movement dirigida a la comunidad afroamericana LGBTQ+, ha fallecido a los 77 años después de una «larga enfermedad», ha confirmado The Guardian citando un comunicado de la mencionada iglesia.
Abiertamente gay en una época mucho menos aceptante que la actual, Bean publicó su versión del himno disco gay ‘I Was Born this Way’ a finales de los 70, en cuya letra declaraba «soy feliz, nada me preocupa, soy gay, he nacido así» o «soy gay, no es mi culpa, es un hecho, he nacido así». El tema alcanzó el número 15 en la lista de Dance Club Songs de Billboard, donde permaneció hasta 8 semanas y, de manera notable, terminaría inspirando ‘Born this Way‘ de Lady Gaga, tanto el single como el álbum publicados en 2011.
«‘Born this Way’, mi canción y mi álbum, estaban inspirados en Carl Bean, un activista religioso negro y gay que predicó, cantó y escribió canciones sobre «haber nacido así»», explicó Lady Gaga hace unos meses en un evento por el décimo aniversario de su segundo álbum de estudio. «Su trabajo más temprano data de 1975, 11 años antes de que yo naciera». Stefani Germanotta comentó la inspiración ya en 2011 durante varias entrevistas promocionales de ‘Born this Way’.
Escrita en realidad por Chris Spierer y Bunny Jones, ‘I Was Born this Way’ fue popularizada primero por el cantante Valentino, que la llevó al número 1 de las listas disco de Reino Undo, y su influencia es previa a la llegada de Lady Gaga, pues artistas como Pet Shop Boys o Stuart Price la han versionado, remezclado o sampleado. Bean, que desde el inicio de los 80 era también activista por las personas pacientes de sida, publicó sus memorias, ‘I Was Born This Way’, en 2010.
Jaime Lorente, uno de los actores más queridos del elenco de ‘La Casa de Papel‘ y ‘Élite‘, medido en términos de millones de followers (14), también quiere ser cantante. Oyente de «rap y músicas urbanas», así en plural, Lorente ha grabado un EP de 5 canciones de ambiente nocherniego, llamado ‘La noche’, ideado junto al productor Pablo Gareta, conocido por su trabajo con Natos y Waor y Toteking.
En el single que ahora mismo encontramos «trending» en Youtube, ‘Saturday’, todos los esfuerzos se dedican a hacer subrayados con boli rojo, luego rotuladores flúor y luego directamente kamikazes tachones negros, del carácter atormentadísimo de la composición.
Como teniendo en mente al C. Tangana en modo mártir, pero con un poso de los OBK que hablaban con el demonio en ‘Lucifer’ -juro que tenían una canción llamada así-, Lorente nos cuenta que él solo «sabe caer», que tiene «ojeras al amanecer» y que le pesan los muchos «recuerdos de ese Saturday» (sic). En la segunda estrofa, el «rap» apunta a domingueros tipo Bloodhound Gang. A los 3 minutos, parece que el tema acaba… pero vuelve a por más. ¿Acaso una currada metáfora sobre ese ansia por caer y caer?
Esa imagen de decadencia que no se debe a más males del mundo que el desamor, redundan con el vídeo dirigido por León Santana, oscuro como el tizón. El susurrante Jaime Lorente, de voz ahogada y deliberadamente afónica, tipo Detective Colombo, sufre y suda, pone cara de malo y conduce con cara de preocupación, mientras se fuma un cigarro. Así termina posando junto al título de la canción, totalmente ajeno a que, desde ‘Mare of Easttown‘, los personajes más complejos ya no fuman, sino vapean.
Lorde ha lanzado un EP con versiones de canciones de ‘Solar Power‘ cantadas en maorí, la lengua aborigen de Nueva Zelanda. Las canciones escogidas son ‘The Path’, ‘Solar Power’, ‘Stoned at the Nail Salon’, ‘Fallen Fruit’ y ‘Oceanic Feeling’. Es un lanzamiento solidario cuyos beneficios serán destinados a dos organizaciones benéficas de Nueva Zelanda.
En un comunicado, Lorde ha explicado que ella no es maorí, pero que los neozelandeses «crecen con elementos de esta visión del mundo» y que, como representante global de Nueva Zelanda que el público la considera, era «importante para mí poder decir que esto es lo que nos hace ser quienes somos». En especial destaca la «elegancia» de este idioma.
No es la única noticia sobre Lorde relacionada con versiones que ha surgido esta semana. La cantante es portada del nuevo número de Vogue USA y, junto a la entrevista, se ha publicado una actuación en directo de Lorde grabada en un bosque y dirigida por Alfred Marroquin. Lorde canta ‘Fallen Fruit’ pero da la sorpresa cuando decide versionar ‘Break the Ice’ de Britney Spears en una clave similar a ‘Melodrama‘. Lanzado como single a principios de 2008, ‘Break the Ice’ no fue el mayor éxito de ‘Blackout‘ (2007) pero sí es un «fan favorite».
En otro orden de cosas, Lorde ya no actuará en los MTV Video Music Awards que se celebran el próximo 13 de septiembre. Se desconocía el motivo, que la autora de ‘Royals’ ha explicado por fin: ha dicho que planeaba una «performance de baile íntima» pero que no tuvo en cuenta los protocolos anti-covid y que, por tanto, la actuación ya no iba a ser «lo que había soñado», así que ha preferido retirarse de la ceremonia porque «no puedo hacer algo que sea menos que increíble para vosotros».
Cuando Justin Timberlake publicó su debut en solitario, ‘Justified’, en 2002 yo seguía en el colegio, y cuando lanzó el segundo ya iba a tercero de la ESO. En aquel momento parecía que había pasado una vida entera. Naturalmente, el artista que veía en la pantalla del televisor cantando ‘SexyBack’ cuando sintonizaba la MTV antes de irme a clase a sumergirme en la incomodidad de mi adolescencia no era el mismo que me había hecho bailotear unos años atrás con ‘Rock Your Body’. Justin había madurado, llevaba traje y presentaba una música que sonaba a algo nuevo.
Cuando escuché ‘FutureSex/LoveSounds’ por primera vez me costó digerir su contenido. Me pareció una masa densa de sonido que me apetecía poco escuchar. En esta época para mí quien molaba era Nelly Furtado y, ahí viene una «unpopular opinion»: nunca he sido fan de ‘Cry Me a River‘ y ‘FutureSex/LoveSounds’ claramente partía del sonido de aquella canción (algo que el propio Justin confirmaría) para desarrollarlo de manera mucho más profunda y expansiva. Claro está, el segundo disco de Justin ofrecía muchas otras cosas, hasta el punto que se atrevía a jugar con la duración de las pistas como pocos se atrevían a hacer entonces. Era un disco de pop progresivo en el sentido literal del término.
El sonido de ‘Cry Me a River’ fue el punto de partida de ‘FutureSex/LoveSounds’ y la primera canción que nació de las sesiones con Timbaland y su mano derecha Danja, de manera nada casual, fue ‘What Goes Around…/…Comes Around’, una composición que duraba el doble, pues estaba dividida en dos partes, incorporaba cuerdas orientales (en concreto, el baglamá turco) y, de nuevo, estaba dedicada a Britney Spears a pesar de que Justin reconocía en la grabación estar «harto de hablar del tema» (seguro que no tanto). La canción fue un gran éxito en listas y su espectacular producción no ha perdido un ápice de vigencia 15 años después, los mismos que han pasado desde que ‘FutureSex/LoveSounds’ viera la luz un 8 de septiembre de 2006.
Curiosamente, si algo ha demostrado Justin a lo largo de su carrera es que en absoluto está «harto» de hablar de su relación con Britney Spears. Por suerte, ‘FutureSex/LoveSounds’ no es el disco de un chico que sigue con el corazón roto porque lamenta que su novia le ha puesto los cuernos aunque ha olvidado que él (supuestamente) se los puso a ella primero (lo cual convertiría ‘Cry Me a River’ en un fraude pero eso lo dejamos para otro día), sino el trabajo de un muchacho soltero que tiene muchas ganas de ligar. Y ‘FutureSex/LoveSounds’ transmite dos cosas: por un lado, las ganas de Justin y Timbaland de hacer un pop rompedor que establezca las reglas del «futuro» (como efectivamente hará) y, por el otro, una confianza absoluta en su propia sexualidad con la que cualquiera que lo desee puede verse reflejado.
El primer single de ‘FutureSex/LoveSounds’ se llamaba ‘SexyBack’: no hay más que añadir. No sé si Justin trajo «lo sexy de vuelta» pero, desde luego, este es uno de los singles más irresistibles que ha publicado en su vida, un balazo de electro-funk repetitivo y machacón que, de tan extraño, de tan sucio, de tan inelegante, solo puedes rendirte a él. Fue el avance perfecto para un álbum que era mucho más complejo de lo que parecía. A través de la adictiva ‘SexyBack’ entrabas en un mundo de ritmos funk resbaladizos, sintetizadores de trance que te volaban los sesos, bases de beatboxing que parecían hechos por robots, influencias de la new wave, el rock alternativo y la música tradicional oriental y también concesiones más clásicas al R&B y al soul que no desentonaban en el conjunto. Timberlake entregaba un álbum que te pedía ser escuchado entero, una experiencia.
Desde el segundo cero, ‘FutureSex/LoveSounds’ es un disco que se regodea en su exuberancia. La pista de apertura, ‘FutureSex/LoveSound’, te hace surfear sobre una base de funk metálica y resbalosa que incorpora destellos de new wave y se apodera de todo tu cuerpo para no dejarte ir. Cuando, en el estribillo, Justin canta que tiene a una chica a punto de hacerle una mamada te das cuenta de que este no es el disco sexy que prometía el título, pero da igual porque la música es imparable: El single ‘My Love’ (en el álbum adjunto a un preludio de percusiones tipo carnaval) era estelar, una sobrada de talento en el que encontramos elementos de R&B, trap y trance al servicio de una melodía adictiva como la heroína; la producción de ‘Sexy Ladies’ hizo lo imposible: renovar el sonido de Prince cuando el propio Prince se negaba a hacerlo, y ‘LoveStoned / I Think She Knows’ elevaba el sonido «beatbox» de Timbaland a un nuevo nivel de majestuosidad: la producción incorporaba cuerdas y decidía cerrarse con una coda inspirada en Interpol que sigue poniendo los pelos de punta.
Como cualquier disco de pop que se precie, la primera mitad de ‘FutureSex/LoveSounds’ molaba mucho más que la primera. No voy a ser yo quien diga que la segunda mitad es una sucesión de hitazos a la altura de la primera porque no lo es, pero Timberlake y Timbaland sí logran mantener el nivel entregando una serie de canciones por las que otros matarían. El crank con Three-6 Mafia de ‘Chop Me Up’ suena más a 2005 que a 2006, más a 50 Cent que a este disco, pero su estribillo «little lady / you got me just off of your melody» se pega como una lapa, el sugerente funk a la James Brown de ‘Damn Girl’ con will.I.am., tan polvoriento que parece rescatado de un viejo vinilo, es toda una antesala de lo que ofrecería Bruno Mars y ahora Silk Sonic unos años más tarde; la producción de ‘Summer Love’ corta más que muchas navajas y el álbum se cierra con tres baladas que no están mal.
La primera de ellas, ‘Until the End of Time’, asimila con gusto influencias de las baladas R&B de los 80 (‘The Beautiful Ones’ de Prince es una influencia obvia detectada ya entonces) y logra salir como single a finales de 2007 con Beyoncé como artista invitada (Justin, el Ed Sheeran original). Justin no sale nada airoso de la letra de ‘Losing My Way’, en la que interpreta a un drogodependiente llamando Bob que se pregunta «qué ha ido mal en su vida», dejándonos una letra de lo más pueril. Cuando llega el baladón de soul ‘(Another Song) All Over Again’ queda claro que ya no estamos en el mismo disco que hemos empezado una hora antes, pero Justin baja la persiana con gusto y elegancia. Es, sin embargo, lo contrario a lo que sucede en ‘FutureSex/LoveSounds’, un trabajo que se propone machacar (como hace Justin con la bola de discoteca en la portada) y triturar sonidos de la música bailable como quiere, de manera salvaje, para convertirlos en algo nuevo. Escuchado en el «futuro» no cabe duda de que lo consigue.
Lana del Rey ha presentado ‘Arcadia’ como uno de los singles principales de su próximo álbum, ‘Blue Banisters’. En la superficie, se trata de otra canción tranquila y aparentemente monótona sobre uno de sus temas más trillados, Los Ángeles. Sin embargo, al ahondar en ella encontrarás una producción rica con varias imágenes interesantes. Musicalmente, por encima de las cuerdas que aparecen tímidamente al término del estribillo y los vientos que dominan al final (posiblemente conformen la siguiente pista en el álbum, la 4, llamada ‘Interlude -The Trio’), destaca el piano de Drew Erickson, si bien es el sintetizador que toca él mismo el que lleva el tema hacia los territorios del dream pop en su estribillo. Por eso, es uno de los temas más lynchianos de Lana, lo cual tiene gracia porque David es otro gran fan de la ciudad.
En cuanto al texto, destaca el bonito el cambio de melodía en el estribillo (“all roads that lead” y “I can’t sleep tonight”). Aquí, Lana del Rey está cantando que su cuerpo es un “mapa de Los Ángeles”: en la imagen más resultona, su pecho es “la Sierra Madre”; sus curvas, son San Gabriel. El estribillo dice: “no puedo dormir en casa esta noche / mándame al Hilton Hotel / o a un cruce en la colina / soy una chica perdida / encontrando su camino hacia Arcadia”.
Pero ojo al desenlace de la canción, porque Lana no parece «perdida» en absoluto: en la outro se queja de que ha sido elevada “90 metros”, solo para ser derribada de ese pedestal después, y anuncia que se “marcha”, como llegó, midiendo “1,72”. Habla expresamente del “odio que ha recibido”, concluyendo: “gracias por aquello, rezaré por vosotros, pero necesitaréis un milagro, América”. Por si hiciera falta más, en el vídeo hace la señal de la victoria, y finalmente una peineta.
Parece, con toda esta declaración de intenciones, que ‘Blue Banisters’, el nuevo disco de Lana del Rey, es una realidad después de todo. No salió en primavera, no salió el 4 de julio, pero ahora se anuncia para el 22 de octubre. Por tanto, tendremos 2 álbumes de Lana este 2021 tras la edición de ‘Chemtrails Over the Countryclub’ a principios de año.
Al facilitar el tracklist, Lana nos indica que las 3 canciones editadas a la vez y anteriormente estarán por aquí. De hecho, ya conocemos las 3 primeras pistas del álbum: este comienza con ‘Textbook’, continúa con ‘Blue Banisters’ y sigue con ‘Arcadia’. ‘Wildflower Wildfire’ aparece en la segunda mitad. Como siempre, más información, en nuestro concurrido foro de Lana del Rey.
Blue Banisters:
01 Textbook
02 Blue Banisters
03 Arcadia
04 Interlude – The Trio
05 Black Bathing Suit
06 If You Lie Down With Me
07 Beautiful
08 Violets for Roses
09 Dealer
10 Thunder
11 Wildflower Wildfire
12 Nectar of the Gods
13 Living Legend
14 Cherry Blossom
15 Sweet Carolina
Los primeros segundos de ‘Sometimes I Might Be Introvert’ son colosales: la percusión apunta a marcha militar, una sección de vientos se incorpora antes de un coro de voces de ultratumba, una sección de cuerda aguarda. Son los detalles más llamativos, que no los únicos del primer minuto de ‘Introvert’, el single que conocíamos hace unos meses de Little Simz, conquistándonos al instante. A veces un exceso de arreglos orquestales genera rubor y sonrojo, pues puedes encontrarte con nada cuando la pompa explota. Otras, anticipa o acompaña a cosas más grandes todavía, y este disco lo es.
La rapera Simbiatu Abisola Abiola Ajikawo, más conocida como Simbi, y más conocida aún -aunque no tanto como debería- como Little Simz, llega a su cuarto disco, habiendo sido el tercero, ‘Grey Area’ en 2019, su gran punto de inflexión. ‘Sometimes I Might Be Introvert’ es un álbum muy bien armado con el que se sitúa a la altura o incluso por encima de compañeros de generación como Stormzy y Dave, ambos número 1 en Reino Unido. Ya sólo falta comprobar si la gente le prestará a ella la misma atención que a ellos.
‘Sometimes I Might Be Introvert’, también abreviable como ‘SIMBI’ al igual que ella misma, es un disco que habla sobre racismo y muchas cosas más. Es un álbum excelentemente producido que no cuenta con cientos de manos, sino más que nada las de su hombre de confianza, Inflo, últimamente asociado al fenómeno crítico de la temporada pasada, SAULT. Y es un álbum muy bien adornado por una portada llamativa y unos vídeos cuidados y llenos de significado. Sobre todo ello -y sobre su propio carisma- brillan el flow y los mensajes que Little Simz lanza al mundo a lo largo de esta multitud de pistas.
‘Woman’, segundo single, es una de las composiciones más relevantes, pues se trata de un tema de homenaje a otras mujeres, con citas expresas a creadoras tan distintas como Donna Summer y Shirley Bassey, pero también a mujeres de diferentes culturas, expresamente de Jamaica, Tanzania o la India. Es uno de los cortes que cuenta con Cleo Sol, parece que definitivamente miembro de los misteriosos SAULT. Su vídeo, uno de los más interesantes de este año, reúne a una serie de mujeres como las jefas, haciendo reflexionar al espectador sobre si realmente tal imagen es impactante, revolucionaria, reivindicativa… o debería ser el pan nuestro de cada día.
Los temas tratados en el álbum van del núcleo familiar más íntimo a lo universal. ‘I Love You, ‘I Hate You‘ es otro de los grandes pilares, versando sobre la difícil relación que Little Simz ha mantenido con su padre, y a continuación atendemos a la historia de un primo de la artista, ‘Little Q’, que fue apuñalado en cierta ocasión. La rapera se pone en su piel y habla en primera persona de manera cruda: «Toda esa mierda cambió cuando tuve un encuentro con la muerte / pensé que las puertas del cielo se abrían cuando aquel cuchillo estaba en mi pecho / No verás las cicatrices mentales, sólo las físicas / pero el chico que me apuñaló, estaba tan dañado como yo». Durante la promoción del disco, la artista ha recordado que no todos los jóvenes de Londres han tenido tanta suerte como su primo.
Por otro lado, un tema de amor tan puro como ‘I See You’ (pista 10) aparece para aligerar la enorme carga política de ‘Standing Ovation’ (pista 9), un corte que habla de «soldados inmortales», «líderes negros», «curadores divinos» y «creyentes mal pagados». En ese sentido, la producción y toda la dirección artística es un toma y daca hecho con muy buen gusto, gran equilibrio y cierta línea narrativa: las últimas frases de ‘Two Worlds Apart’ (pista 3) nos llevan de camino hacia ‘I Love You, I Hate You’ (pista 4). Las cuestiones de las que habla Little Simz son graves, y sus rapeos son abrumadores, si bien eso tiende a contrastarse con unos arreglos y samples exquisitos, a veces dulces, y unas letras que nos van animando hacia la positividad y el optimismo.
Los recursos de Little Simz y su amigo Inflo son exuberantes. En ‘Two Worlds Apart’ encontramos una pieza que podría haber firmado el primer Kanye West, basada en un sample de ‘The Agony and the Ecstasy’ de Smokey Robinson. Kendrick Lamar y Lauryn Hill son también referencias evidentes -a veces quizá demasiado-, si bien en otras ocasiones los beats y cuerdas nos llevan hacia otro lado. ‘I Love You, I Hate You’ tiene tanto de la electrónica noventera como de Marvin Gaye; el teclado de ‘Speed’ vuela loco, a su libre albedrío; y la agresiva ‘Rollin Stone’, un tanto más grime, da paso a ‘Protect My Energy’, en verdad un funky de principios de los años 80 tipo Prince.
¿Cuáles son los puntos flacos? El objetivo más manido serían los interludios, aquí muchos de ellos entonados por la actriz Emma Corrin, conocida recientemente por su excelente interpretación de Lady Di. Solo que aquí esos interludios aportan una majestuosidad que ni ‘The Crown’. Uno de ellos se llama ‘The Rapper That Came to Tea’, lo cual tiene su gracia, además con un texto que pregunta «cuál es el precio que merece tu libertad», para contestarse: «todavía puedes alcanzar las estrellas, no importa dónde estés». Más arriba aún, los arreglos sublimes, de nuevo, como para llenar el Royal Albert Hall, y más allá.
En verdad, el mayor inconveniente de ‘Sometimes I Might Be Introvert’ es el modo en que se apaga poco a poco, especialmente después de la dupla nigeriana que Little Simz ha construido en honor a sus orígenes: ‘Point and Kill’ con Obongjayar y ‘Fear No Man’. Las baladas ‘How Did You Get There’ -con su punto góspel- y ‘Miss Understood’, sin estar mal, no logran evitar la sensación de que el largo lleva terminando demasiado tiempo, como una película a la que le pican 10 minutos en algún lado. Sin esa mínima sensación de caída hacia el final, podríamos tener entre manos el ganador del Mercury de 2022. Sí, el de dentro de justo un año.
Richard Ashcroft ha compartido hoy los detalles de su próximo trabajo discográfico. Se titulará ‘Acoustic Hymns’, su primer volumen saldrá el 29 de octubre e incluirá 12 versiones acústicas de algunos de los temas clásicos del cantante.
El disco se lanzará a través de RPA/BMG y puede reservarse ya pinchando aquí. Pero no solo incluirá canciones de la carrera en solitario de Ashcroft, sino que también contará con algunas de su tiempo como líder de la banda The Verve.
Entre las 12 pistas del disco se encuentra una versión totalmente nueva de ‘This Thing Called Life’, canción original de su álbum ‘United Nations Of Sound‘, y una colaboración con Liam Gallagher en ‘C’mon People (We’re Making It Now)’, original del álbum debut de Ashcroft, ‘Alone With Everybody’.
Este es el tracklist completo del volumen 1:
Bittersweet Symphony
A Song For The Lovers
Sonnet
C’mon People (We’re Making It Now)
Weeping Willow
Lucky Man
This Thing Called Life
Space & Time
Velvet Morning
Break The Night With Colour
One Day
The Drugs Don’t Work
Ashcroft también ha anunciado una serie de shows especiales a lo largo de los próximos meses después de retirarse, entre otros, del Festival Tunes In The Dunes tras infectarse de coronavirus. Ahora tiene programadas dos actuaciones los días 16 y 17 de octubre en el London Palladium, cuyas entradas están agotadas, y otra en el estadio M&S Bank Arena de Liverpool el día 29. Las entradas para el Royal Albert Hall (Londres) el 1 de noviembre también están agotadas.
Eddie Vedder ha lanzado hoy su nuevo single, ‘Long Way’, a través de Seattle Surf/Republic Records. Este sencillo es el primero del que será su tercer álbum en solitario, llamado ‘Earthling’.
El trabajo de creación de esta nueva canción lo ha realizado el propio Vedder en colaboración con el productor Andrew Watt, que ganó el Grammy en 2021 como Productor del Año por su trabajo con Dua Lipa, Ozzy Osbourne y Miley Cyrus, entre otros. Sin embargo, no es la primera vez que el líder de Pearl Jam trabaja en solitario: el cantante es el autor de canciones como ‘Guaranteed’ o ‘Society’ y de álbumes como ‘Into the Wild’ (2007) y ‘Ukelele Songs‘ (2011).
Aunque ‘Long Way’ ya está disponible, todavía se desconoce la fecha de lanzamiento del álbum al completo. Lo que ya se puede reservar por adelantado pinchando aquí es un vinilo especial de edición limitada de 7 pulgadas con ‘Long Way’ y la canción ‘The Haves’ que Vedder ha anunciado a través de su cuenta de Instagram, pero tampoco se conoce la fecha oficial de lanzamiento.
Y en lo que respecta a su grupo, la gira Pearl Jam Tour tiene programadas actuaciones en algunos festivales durante septiembre y octubre. El Sea.Hear.Now. Festival el 18 de septiembre y el Festival de Ohana, el día 25 en solitario y el 26 con su grupo. También repetirán en dicho festival los días 1 y el 2 de octubre. Puedes ver las fechas completas de la gira y comprar las entradas aquí.
Es, desgraciadamente, una de las noticias de la semana: el actor estadounidense Michael K. Williams ha sido hallado muerto en un apartamento de Williamsburg, Nueva York, a la edad de 54 años. Se sospecha que el actor ha sufrido una sobredosis de heroína.
Conocido por su papel de Omar Little, un astuto atracador de narcotraficantes homosexual residente en Baltimore, en ‘The Wire’ (2002-2008), Michael K. Williams es considerado uno de los mejores actores de televisión de su tiempo y no solo por dicho papel, calificado como el «más memorable en una serie llena de personajes memorables», y por el que Barack Obama se rindió a sus pies, sino también por otros considerados igual de buenos o casi, como sus roles de Chalky White en ‘Boardwalk Empire’ y de Montrose Freeman en ‘Lovecraft Country’.
Era especialmente característica la cicatriz facial de Michael K. Williams, resultado de una brutal pelea en la que se vio involucrado a los 25 años. El actor llegó a declarar que la cicatriz le había cambiado la vida y así fue: cuando el rapero Tupac descubrió una foto de él en una agencia de actores le invitó a aparecer en la película ‘Bullet’ (1996), la segunda de su carrera. El actor nacido en Brooklyn terminaría participando en más de 50 películas y 25 series de televisión, de ‘Ley y orden’ y ‘CSI’ a ‘12 años de esclavitud‘, entre muchas otras.
Últimamente, Williams había hablado públicamente sobre sus problemas de adicción y de salud mental y afirmado que había empezado a acudir a terapia para «desentrañar al crítico en mi cabeza y el modo en que este ha afectado a mis acciones, a cómo respondo a ciertas situaciones, a mis relaciones».
Renovamos nuestra playlist de pop nacional y en castellano «Sesión de Control» con novedades tan interesantes como el primer single del nuevo disco de Algora. Esta vez Víctor opta por una balada medio a piano medio electrónica llamada ‘Días de nieve’ que nos introducirá en su álbum ‘Pódium’, que sale el 29 de octubre. A continuación, cambio radical con Rakky Ripper, la granadina autora de ‘Neptune Diamond’, que ha presentado otro adrenalínico tema llamado ‘donde stas??’. Otro proyecto inspirado por el hyperpop es el de molly moon. La fiesta continúa con ‘Sabes a verano’ de shakeitmila y Mararia, pasada plenamente por el Autotune, que nos habla de «mear borrachas entre palmeras», entre otras cosas. Ankli, por su parte, se pide un ‘roncola’.
Paco Moreno ha estrenado un mini disco de 7 canciones llamado ‘Rumba o nada’ en el que se presenta como un Kiko Veneno contemporáneo si es que tal cosa no es redundante en sí misma. Buenatarde, ex Hazte Lapón, publica también un disco breve de 9 pistas titulado ‘La extrema belleza’, del que destacamos la pista ‘Sensación de pertenencia’.
Niña Polaca han estrenado un tema con visos de himno generacional, con esa referencia a WhatsApp, ‘Nora’. Vetusta Morla entran en la carrera de los Goya con la banda sonora de ‘La hija’, una «nana» muy particular. IZAL han sacado un tema sumergido en la electrónica de los 90, que recuerda un poquito a los territorios de León Benavente. Parade avanza su mini LP ‘¿Chispa o calambre?’ con un tema de rockabilly electrónico llamado ‘Cuando luchan los Kaiju’. Los canarios MILC presentan su segundo disco con ‘Nocturno de las ovejas’, un tema que destaca tanto en su riff guitarrero como en sus teclados. El rock de la vieja escuela sigue vivo con El Capitán Elefante, que sacan un tema con Gabriel de la Rosa de Shinova que habla de “hipsters”, “punkis” y demás, referenciando a Mecano.
La esquiva cantante Babi, una de nuestras artistas favoritas nacionales del último par de años, presenta nueva canción llamada ‘Cocaína’, no exenta de sus típicas melodías envolventes. El nuevo single de Don Patricio mete en el mismo saco a Miró, Van Gogh, Don Omar, Tego Calderón, Wutang Clan, Tupac, el CBD y el TNT. Acompaña Lucas Otero. La Zowi proclama “yo soy arte como el MOMA” en ‘Dolce & Gabbana’, su tema colaborativo con Gallagher (ni Liam ni Noel).
El peruano Diego Trip presenta tema entre el R&B y el synth-pop, junto a Fernanda Perochena. También R&B es el corte de ODDLIQUOR con Maikel Delacalle. El versátil Ant Cosmos presenta ahora reggaetón, ‘Toda la noche’. El dúo vangoura estrena un melódico tema de “urban” junto a Ganges.
En una faceta más acústica, encontramos al gallego Ronroneo, en la estela de José González, que comparte ‘Simplemente soy’, su tercer tema, tras la buena aceptación de ‘Inmensamente frágil’. Más sesentero y aquí un poquito Fiona Apple, Flores, que continúa presentando los temas de su debut. Con referencias al indie catalán y al pop británico de los 80, ha debutado esta semana Asori, el proyecto de Enric Ayguadé.
Completamos la playlist con Eva Calyza, a la que conocimos por su adaptación de ‘La tarara’, que estrena otro tema de R&B acústico, ‘Desde el precipicio’; agosto, un dúo formado por María y Nacho, desde Alicante y León, con referencias como Arlo Parks, Clairo o Angèle; y Escuelas Pías, que cierran con su serie de EP’s especial “plantas” con las 4 canciones de ‘Plantas alucinógenas’, encabezadas por la romántica y misteriosa ‘Metros cuadrados’, de sonido dream pop y shoegaze. Finalmente, no nos resistimos a incluir la versión de ‘Wish You Were Gay’ que se ha marcado en castellano Mon Laferte.
MUNA estrenan nuevo single, el primero que publican en el sello de Phoebe Bridgers, Saddest Factory, cuya página web no tiene ningún desperdicio. La autora de ‘Punisher‘ se lleva a las chicas de gira a partir de hoy y precisamente es la artista invitada en este ‘Silk Chiffon’ que es hoy la Canción Del Día.
Las autoras de ‘Saves the World‘ y la autora de ‘Stranger in the Alps’ presentan un tema de pop-rock con sintetizadores deslumbrante y eufórico a rabiar que dedican a los chavales y las chavalas queer. En concreto buscan que sea la banda sonora de «su primer beso gay», en palabras de la guitarrista de MUNA Naomi McPherson. En un mundo en el que las agresiones homófobas están, desgraciadamente, a la orden del día, como se está viendo últimamente en España, MUNA y Phoebe defienden una sexualidad adolescente vivida con naturalidad, como debería ser, y no condicionada por la homofobia, como sucede hoy en día.
El título de ‘Silk Chiffon’ alude a que el tacto de ese beso es tan suave como la «gasa de seda». Porque dentro de que la canción es intensa y enérgica, su historia apuesta por la ternura. La cantante de MUNA, Katie Gavin, lleva los labios pintados con «pintalabios de fresa» y observa el «vestido de seda» de una chica que «baila con el viento». En el que parece también el verano de su vida, Phoebe patina por la ciudad mientras la brisa acaricia su falda y ella «no tiene que preocuparse por nadie». Si ‘Silk Chiffon’ es un estado de ánimo, es la felicidad.
El videoclip de ‘Silk Chiffon’ es apropiado a su sonido y mensaje. Inspirado en la película adolescente de 1999 ‘But I’m a Cheerleader‘, en la que la protagonista descubre que es lesbiana una vez es internada en una institución que realiza terapias de conversión, el vídeo ha sido dirigido por Ally Pankiw y cuenta con el cameo del cómico, escritor y actor Caleb Hearon.
Jamie Spears, padre de Britney Spears, presentará este miércoles una petición formal en un juzgado de Los Ángeles para solicitar el fin de la tutela de su hija, a través de la cual ha ejercido control sobre la vida y las finanzas de Britney desde hace 13 años. En la actualidad, Jamie ejerce de guardián de sus finanzas y la abogada Jodi Montgomery de la «persona». La noticia supone un avance respecto a la decisión de Jamie, comunicada el pasado 12 de agosto, de renunciar a su papel como tutor de los asuntos económicos de Britney para trasladárselo a manos de otra persona. Pedía 2 millones de dólares.
Según los documentos legales filtrados a la prensa y citados por NBC, el padre de Britney considera que la artista «tiene derecho a que este Tribunal considere ahora seriamente si esta tutela ya no es necesaria», ya que «sus circunstancias han cambiado hasta tal punto que es posible que ya no existan motivos para el establecimiento de una tutela». El documento indica que no es necesario llevar a cabo una evaluación psicológica para poner fin a la curatela.
«La Sra. Spears ha manifestado a este tribunal que quiere recuperar el control de su vida sin las barreras de seguridad de una tutela», indica la petición. «Quiere ser capaz de tomar decisiones sobre su propia atención médica y poder decidir cuándo, dónde y con qué frecuencia recibe terapia. Quiere controlar el dinero que ha ganado con su carrera y gastarlo sin supervisión ni vigilancia. Quiere poder casarse y tener un hijo, si así lo elige. En resumen, quiere vivir su vida como elija sin las limitaciones de un curador o de un procedimiento judicial».
La abogada de Jamie, Vivian Lee Thoreen, señala que «como el señor Spears ha dicho una y otra vez, lo único que quiere es lo mejor para su hija, (y) si la señorita Spears quiere poner fin a la tutela y cree que puede manejar su propia vida, el señor Spears cree que debería tener esa oportunidad».
El abogado de Britney, Matthew Rosengart, ha calificado de «victoria» para Britney la decisión de Jamie pero ha insistido en que esta no implica que el padre de la cantante no vaya a seguir siendo investigado por abusos y mala gestión financiera. «Si el señor Spears cree que puede esquivar la justicia y la rendición de cuentas, incluida una declaración jurada y la respuesta de preguntas bajo juramento, está equivocado», ha anunciado. La próxima audiencia judicial sobre el caso, donde se valorará la petición de Jamie, tiene lugar el próximo 29 de septiembre.
Radiohead ha anunciado el lanzamiento especial de algo que han llamado ‘KID A MNESIA’ de cara al próximo 5 de noviembre. Se trata de un tripe álbum de formato múltiple que reedita sus álbumes ‘Kid A’ (2000) y ‘Amnesiac’ (2001).
Aunque no solo engloba su cuarto y su quinto álbum, también incluye el estreno de un tercer disco recientemente compilado y que han llamado ‘Kid A Mnesiae’. El material exclusivo de este futuro lanzamiento se compone de las sesiones «desenterradas» tanto de ‘Kid A’ como de ‘Amnesiac’. Además de las versiones y los cortes alternativos, también incluirá un tema nunca antes escuchado ‘If You Say the Word’, que ya está disponible, y una grabación inédita de estudio de ‘Follow Me Around’.
El tracklist de canciones extra de ‘Kid Amnesiae’ es el siguiente:
Lado 1:
LIKE SPINNING PLATES (versión de ‘WHY US?’)
UNTITLED V1
FOG (versión de ‘AGAIN AGAIN’)
IF YOU SAY THE WORD
FOLLOW ME AROUND
Lado 2:
PULK/PULL (versión de ‘TRUE LOVE WAITS’)
UNTITLED V2
THE MORNING BELL (en la versión negra)
PYRAMID STRINGS
ALT. FAST TRACK
UNTITLED V3
HOW TO DISAPPEAR INTO STRINGS
La colección completa de ‘KID A MNESIA’ estará disponible en configuraciones que incluyen por un lado una edición limitada de vinilo color crema (180g) con tres LP: ‘Kid A’, ‘Amnesiac’ y ‘Kid Amnesiae’, más un libro de arte de tapa dura de 36 páginas. Por otro lado, una edición limitada y numerada de 5000 de dos cintas, en la cinta 1: ‘Kid A’ y ‘Amnesiac’ y en la cinta 2: ‘Kid A Mnesiae’ con cinco caras B de la era ‘Kid A’ y ‘Amnesiac’ y un folleto de 36 páginas.
También habrá un vinilo rojo de edición limitada exclusivo independiente de tres discos, el vinilo negro de tres LP, tres CD y formatos digitales de 3 volúmenes. Y además, en la víspera del lanzamiento, en el 4 de noviembre, Canongate lanzará dos libros de arte de Thom Yorke y Stanley Donwood que catalogan las obras visuales creadas durante la era ‘Kid A’ y ‘Amnesiac’.
Aitana y Zzoilo han tenido el mayor incremento de puntos esta semana y eso les ha permitido ser número 1 en la lista de singles española con su remix de ‘Mon Amour’, tema original de Zzoilo. Farruko ha bajado al top 2 con ‘Pepas’ y Rauw Alejandro se mantiene en los puestos 3 y 4 con ‘Todo de ti’ y ‘Cúrame’, respectivamente.
Por su parte, la entrada más fuerte de la semana en la lista ha sido para Bizarrap y Chucky73 en el top 33 con la Music Session número 43 de Bizarrap. En el resto de nuevas entradas, Jc La Nevula y Atomic Otro Way entran en el puesto 45 con su colaboración ‘Buscate Otro’; en el número 60 se posicionan María Becerra y Becky G con su dúo ‘WOW WOW‘; les siguen en el puesto 78 Nicky Jam y Jhay Cortez con su tema ‘Magnum’; en el 83 ha entrado el trío de Delaossa, J.Moods y Kiddo con ‘Veneno; en el 87 ‘Combo La L’ de Beny Jr y El Guincho, y en el puesto 96 entran Dimelo Flow, Sech, Lenny Tavarez, Dalex, Rich Music LTD, Justin Quiles, De La Ghetto y Arcangel con ‘Se Le Ve’.
Ningún tema de ‘DONDA’ de Kanye West logra llegar al top 100 español, ni siquiera el dúo con The Weeknd, pese a que por lo visto en Spotify España, ‘Hurricane’ debió quedar cerca. Una única reentrada en el puesto número 82 para Rocky RD, Myke Towers y Nicki Nicole con el remix de ‘Ella No Es Tuya.
Rauw Alejandro continúa en el top 1 de la lista de álbumes con ‘VICE VERSA‘, C. Tangana sustituye a Olivia Rodrigo en el segundo puesto con su disco ‘El Madrileño’ y Camilo sube un puesto esta semana, del 5 al 4, con ‘Mis Manos’.
A pesar de todo, la entrada más llamativa ha sido la de Kanye West, ya que ha sido la más fuerte llegando al top 5 con su álbum ‘DONDA‘, su último disco que, aunque ha tenido bastante éxito en las listas de streaming, llevaba más de un año retrasándose. El disco es top 1 en mercados como Estados Unidos y Reino Unido, entre otros, sin apoyo del formato físico. Kanye ya había sido número 5 en España con su álbum ‘ye’ en 2018, por lo que iguala su mejor marca.
Por otra parte, el mayor incremento de esta semana ha sido para Aitana y sus ’11 RAZONES’, que ha quedado muy cerca de West, en el número 9.
Las nuevas entradas son abundantes. Halsey ha entrado en el top 12 con su disco ‘If I Can’t Have Love, I Want Power‘; le sigue Nicky Jam con ‘Infinity’; más abajo, en el puesto 24, entran OneRepublic con ‘Human’; en el 49 ha entrado María Becerra con su álbum debut ‘Animal‘; CHVRCHES llegan al puesto 52 con ‘Screen Violence‘; The Beach Boys entran en el 77 con ‘Feels Flows The Sunflowe’; en el 84 Leprous con ‘Aphelion’; Alex Gárgolas en el 94 con ‘Gárgolas Forever’ y finalmente, en el puesto 98, Turnstile con ‘Glow On’.
La única reentrada esta semana ha sido para Niall Horan con su disco ‘Heartbreak Weather’ en el puesto número 91.
A veces los discos son capaces de transmitir una enorme pasión por la música. Es el caso de ‘Sabes el camino que elegí’, el segundo trabajo de ORTIGA, el proyecto del gallego Manuel González González, antes integrante del dúo de cumbiatune Manuel & Esteban. En un momento de la música española en que la tradición goza de especial popularidad, ORTIGA, que ha colaborado con Rodrigo Cuevas, ha preferido embarcarse hacia América Latina para ofrecer a la audiencia su peculiar visión de la cumbia, el merengue o la salsa y excavar su propio sonido dentro de estos estilos. Un sonido a rebosar de autotune y teclados «MIDI» que no olvida lo más importante: divertir.
Las canciones de ORTIGA suenan vitales y calurosas, te invitan a la verbena con un cálido abrazo, pero tampoco temen sonar artificiales y plásticas debido a ciertos instrumentos usados. En ese punto de encuentro se desarrollan las composiciones de ‘Sabes el camino que elegí’, que parten del sonido explorado por el compostelano en su debut oficial ‘Chicho & Sus Chichas‘ para llevarlo a un lugar más maduro y evolucionado que decide abrirse a nuevas ideas.
El álbum se abre con ‘A veces’, un emocionante merengue en el que encontramos capas de funk o incluso balearic y cuyo sonido tiene todo un precedente en la discografía de El Guincho. Otra de las piezas clave de ‘Sabes el camino que elegí’ es ‘Que mais dará’, una anhelante bossa nova en la que ORTIGA parece plantear que las cosas más importantes en la vida son el amor y la música, la cual decide bailar «apretadito como si el mundo se fuera acabar».
La intensidad de las emociones es el motor de ‘Sabes el camino que elegí’, hasta el punto de que el merengue de ‘Nanana‘, el single principal, decide desarrollarse hacia un «in crescendo» que explota en un solo de guitarra distorsionada arrollador, hecho para volar cabezas. La instrumentación vibra con especial alegría en ‘Ex-jipi’, un tema en el que Manuel «pasa de 0 a 100» bailando tecno y que incluye coros masculinos que responden a las frases de ORTIGA a gritos, antes de concluirse con una locura vocoderizada inclasificable.
Hay otros sabores en ‘Sabes el camino que elegí’, como la voz de Miguelito García de Derby Motoretas Burrito Kacihmba en la ‘Salsa de piraña’, 100% impregnada vocalmente por el espíritu de ‘Hilo negro’, o la rumbita de final de verano de ‘Ynsddsts’ («yo nunca sé donde estás»), sabores que animan la escucha de un trabajo bastante homogéneo en lo instrumental pero cargado de particularidades que hacen destacar las canciones por separado. Mención especial merece la cumbia de ‘Un buen chico’, escrita desde la misma filosofía de música irresistible que persigue este divertido disco.
M. Night Shyamalan ha sido durante años uno de los cineastas más polémicos, asentado en un constante «Revelación o Timo» que él mismo parece gozar como un enano. El director tan premiado por ‘El sexto sentido’ se ha embarcado en películas siempre prestas al debate, como ‘La joven del agua’ o ‘Múltiple‘, fiascos como ‘After Earth’, algún acierto como ‘La visita‘ o recientemente la serie ‘Servant’…
La cinta que ha estrenado este verano es 100% Shyamalan, dejando que la gran pregunta que quepa hacernos en 2021 sea: ¿tenemos ganas de continuar debatiendo sobre sus idas y venidas, aciertos y desaciertos, siendo todos ellos a menudo los mismos?
‘Tiempo’ parte, como es usual, de una gran idea por la que imaginas matar en los estudios de Hollywood, esta inspirada en la novela gráfica ‘Castillo de Arena’ de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters, en España editada por Astiberri. Unos veraneantes en una playa se enfrentan a un misterio inexplicable que les lleva a la muerte con la rapidez de un «slasher», produciendo graves conflictos entre ellos. Algo pasa con el «tiempo» en este misterioso «marco incomparable», además en una cinta que se estrena en un verano todavía dominado por el miedo, por cierta sensación de inseguridad en todos nuestros destinos vacacionales. ¿Estaremos realmente a salvo y nos relajaremos de vacaciones… o era mejor idea quedarnos en nuestra santa casa?
Lamentablemente, y como también es demasiado usual, Shyamalan no profundiza en los personajes presentados, ni siquiera a través del carisma de Gael García Bernal y Vicky Krieps, y el espectador no tiene -ejem- tiempo ni lugar para empatizar realmente con ellos antes de que se vean al límite. El director, que hace unos años en entrevista con JENESAISPOP hablaba con naturalidad sobre el humor en sus películas («siempre me ha gustado tener humor en ellas, es algo con lo que siempre he jugado»), no logra dejar claro cuándo va en serio y cuándo hay un poco de humor involuntario, en una resolución de conflictos que implica desde partos, raperos a contorsionismo, pasando por los obligados «plot twists».
Concebible también como un «escape room» ahora que están tan de moda, y por tanto adaptable a teatros mainstream y experimentales, ‘Tiempo’ es otra película entretenida y palomitera de Shyamalan, con su final lleno de sorpresas y subrayados. Tras su visionado, eso sí, la cuestión más inquietante es: ¿sabrá Shyamalan que podría realzar los diálogos de sus guiones con ayuda de otra persona? Por supuesto que lo sabe. Simplemente no quiere.
Pese a la pandemia y a la inacción de las administraciones, la música en directo no se detiene en España y el circuito AIEnRUTa Artistas presenta la programación de su ciclo de conciertos de 2021, conformado por más de 100 conciertos confirmados de septiembre a diciembre.
El ciclo de septiembre ya ha arrancado con el concierto de la artista revelación Tiburona en La Lata de Bombillas de Zaragoza, el pasado 4 de septiembre, pero la artista volverá a actuar el 11 de septiembre en el Urban Fest de Getafe, en cuyo escenario se subirán también Machete en Boca, Spin Offs y Zetak (foto), que tocarán el mismo día; y ORTIGA, que ha publicado una de las canciones más divertidas de la pasada primavera, acaba de lanzar su segundo disco y actuará el 12.
Más allá del mencionado festival, Magali Saré se subirá al escenario el 10 de septiembre en el Octubre de Valencia y el 30 en la Cochera Cabaret de Málaga, Los Mejillones Tigres el 11 de septiembre en la calle El Pozo de Madrid y, más adelante, el 30 de septiembre en La Fábrica de Choco de Vigo o Beselch Rodríguez el 17 de septiembre en el Clavicémbalo de Lugo y el 18 en Patio del Corsario de Valladolid.
Por otro lado, Víctor Coyote tocará el 17 en la calle Lazaro Carreter de Madrid y el 23 en la Cochera Cabaret de Málaga, Ferran Palau presentará ‘Parc‘ el 19 de septiembre en el Teatro Jovellanos de Gijón y María de Juan actuará el 24 de septiembre en la calle Valderbernardo de Madrid y el 25 en La Chica de Ayer de Salamanca.
MAGALI SARÉ 10/09/2021
OCTUBRE, VALENCIA
LOS MEJILLONES TIGRES 11/09/2021
CC EL POZO, MADRID
MACHETE EN BOCA 11/09/2021
URBAN FESTIVAL, GETAFE, MADRID
SPIN OFFS 11/09/2021
URBAN FESTIVAL, GETAFE, MADRID
ZETAK 11/09/2021
URBAN FESTIVAL, GETAFE, MADRID
ORTIGA 12/09/2021
URBAN FESTIVAL, GETAFE, MADRID
BESELCH RODRIGUEZ 17/09/2021
CLAVICEMBALO, LUGO
VICTOR COYOTE 17/09/2021
CC. LAZARO CARRETER, MADRID
BESELCH RODRIGUEZ 18/09/2021
PATIO DEL CORSARIO, VALLADOLID
FERRAN PALAU 19/09/2021
TEATRO JOVELLANOS, GIJON
VICTOR COYOTE 23/09/2021
COCHERA CABARET, MALAGA
MARIA DE JUAN 24/09/2021
CC VALDEBERNARDO, MADRID
MARIA DE JUAN 25/09/2021
LA CHICA DE AYER, SALAMANCA
LOS MEJILLONES TIGRES 30/09/2021
LA FABRICA DE CHOCO, VIGO
