‘Te arrepentirás’ comienza con unos golpes de batería que remiten al ‘You Know I’m No Good’ de Amy Winehouse, y un diálogo extraído de ‘Kika’ entre Rossy de Palma y su hermano violador. El director Pedro Artola (autor de clips para Guitarricadelafuente o Sen Senra), recoge estas dos referencias y las traduce visualmente: Jedet con un peinado a lo Amy cantando por una Barcelona de aire retro que podría haber filmado Almodóvar.
Jedet pasea su desamor y amargura por un estiloso mundo decadente de colores pastel. El director utiliza una estética -sobre todo en la escena de la oficina- que parece inspirada en el cine de Aki Kaurismaki. Incluso el personaje que habla por teléfono recuerda a los actores de las películas del autor finlandés.
Justo a mitad del vídeo, la historia da un vuelco. La cantante aparece muerta en un ataúd tras ser… ¿apuñalada por un lanzador de cuchillos? Jedet sube a un cielo de ambientación grecolatina que está habitado por varias mujeres trans vestidas con los colores de la bandera transgénero. Un paraíso de sororidad que se rompe con una escena llena de simbolismo: la cantante aparece atada (oprimida) por unas figurillas que representan el canon occidental, de herencia grecolatina, de la belleza femenina.
En esta semana holgazana en que parece que nadie quería sacar gran cosa por si acaso a Adele le daba por pasarse por los Grammy y estrenar algo -lo cual no ha sido el caso-, vamos a recuperar uno de nuestros Discos Recomendados de 2021 para hacerlo «Disco de la Semana». En este caso se tratará de ‘Spare Ribs‘, aprovechando que hemos podido mantener una charla telefónica con Sleaford Mods, que publicaremos estos días. De momento el single ‘Nudge It’ es nuestra «Canción del Día».
‘Nudge IT’ es el típico tiro 100% Sleaford Mods, a medio camino entre The Clash, Blur y el fraseo de un Mike Skinner de The Streets, en el que en este caso han colaborado con Amy Taylor de Amyl & the Sniffers. Se trata de un tema de vocación punk y callejera que el dúo pasea por esas calles británicas a las que constantemente apelan en su música.
Jason Williamson se burla en este tema de alguien a quien llama «mimo» por estar jugando «mierdas», mientras Amy Taylor se suma para decir que no va a dar nombres pero que sí va a meter baza por «placer, fama y dinero». En el NME, contaba Jason con humor: «Me ha dicho Andrew sobre el final, que cuando Amy y yo cantamos juntos, le recuerda a ‘Grease'». Y aunque obviamente está de broma, lo cierto es que es una de sus canciones más accesibles.
No son pocos quienes intuyen en ‘Nudge It’ una canción de beef contra IDLES, a quienes se ha acusado de apropiarse del discurso de la clase obrera. En la citada entrevista se niegan a dar nombres, pero sí reconocen que esta canción es para ese tipo de grupos que se hacen fotos «en vaqueros a media asta contra pilares de hormigón» para parecer obreros. Sleaford Mods dicen que no tienen problema con la gente que se apropia de un discurso obrero con respeto, pero creen que hay artistas que llegan a ese discurso sin siquiera darse cuenta o ser conscientes de que lo están haciendo. Un tema que ha sido llamado por Gigwise el ‘Common People’ del siglo XXI, pero que además funciona melódicamente desprovisto de significado.
Está previsto que Sleafor Mods actúen el 23 de octubre en Madrid y el 24 de octubre en Barcelona.
Taylor Swift ha vuelto a ganar el Grammy a Álbum del Año por ‘folklore‘. Se trata de la tercera vez que se hace con el premio después de haberlo conseguido con ‘Fearless’ y ‘1989’. Aunque lo perdió de manera muy visible contra Daft Punk el año de ‘Red’, y llevaba unos años sin hacerse con el premio (los de ‘Lover’ y ‘reputation’), es la primera vez que una cantante femenina gana 3 veces el Grammy a Álbum del Año. Iguala a gente como Stevie Wonder o Frank Sinatra, y deja atrás a Adele. Sólo ingenieros y mezcladores han ganado este premio 4 veces: Tom Coyne, Serban Ghenea y John Hanes.
Taylor no ha sido la gran ganadora de la noche porque no se ha hecho con más galardón que este. ‘everything i wanted’ de Billie Eilish fue la grabación del año mientras la olvidada -si bien escalofriante- ‘I Can’t Breath’ de H.E.R. fue la canción del año. El disco de pop de la temporada 2020 fue ‘Future Nostalgia’ de Dua Lipa, derrotando al propio ‘folklore’. Aunque todo esto pueda parecer una mala noticia para Beyoncé, la cantante sumó 4 Grammys menores, llegando a 28 en el total de su carrera y batiendo un récord histórico para una mujer.
Entre estas sonadas victorias y otras bajo estas líneas, todo esto implica que fue una noche eminentemente femenina, pues hay que buscar las excepciones en categorías como la latina (donde ganó Bad Bunny) o el rock, a medias. The Strokes han ganado el mejor disco de rock del año por ‘The New Abnormal’. ¿A quién derrotaban? A Fontaines D.C y Michael Kiwanuka, entre otros. Pero la mejor canción de rock no era de Phoebe Bridgers, ni Tame Impala, ni Big Thief (?) ni la reconocida Fiona Apple, sino ’Stay High’ de Britanny Howard, que ya en otras ocasiones se había revelado como una de las favoritas de la academia.
Fiona Apple estaba entre las primeras ganadoras de los Grammy al hacerse con el premio a Mejor Álbum Alternativo por ‘Fetch the Bolt Cutters’, derrotando a Beck, Phoebe Bridgers, Britanny Howard y Tame Impala. Además, la cantante también ha podido ganar la mejor actuación de rock con ‘Shameika’. Beck se queda el consuelo del mejor ingeniero por ‘Hyperspace’.
El mejor disco de rap ha sido ‘King’s Disease’ de Nas, mientras la mejor actuación de rap ha sido para ‘Savage’ de Megan Thee Stallion con Beyoncé, quien también ha ganado el mejor videoclip por ‘Brown Skin Girl’ y el mejor R&B por ‘BLACK PARADE’. Kanye West se hizo con el mejor disco cristiano por ‘Jesus Is King’.
La mejor actuación de pop de un dúo o grupo ha sido ‘Rain on Me’ de Gaga con Ariana Grande; mientras en la remozada categoría de Progressive R&B, Thundercart ha ganado con ‘It Is What It Is’. La mejor canción para una película o similar ha sido ‘No Time to Die’ de Billie Eilish, para la peli no estrenada de James Bond. En las categorías electrónicas/dance, este año el gran ganador ha sido Kaytranada con ‘Bubba’ y ’10%’ junto a Kali Uchis.
Grabación del año: Everything I wanted – Billie Eilish
Álbum del año: Folklore – Taylor Swift
Canción del año: I Can’t Breathe – H.E.R y Tiara Thomas
Artista revelación: Megan Thee Stallion
Mejor álbum pop: Future Nostalgia – Dua Lipa
Mejor actuación pop en solitario: Watermelon Sugar – Harry Styles
Mejor actuación pop en dúo o grupo: Rain on Me – Lady Gaga con Ariana Grande
Mejor álbum de rap: King’s Disease – Nas
Mejor canción de rap: Savage (Remix) – Megan Thee Stallion ft Beyoncé
Mejor actuación de rap: Savage (Remix) – Megan Thee Stallion ft Beyoncé
Mejor video musical: Brown Skin Girl – Beyoncé
Mejor álbum pop tradicional:American Standard – James Taylor
Mejor álbum de pop latino o urbano: YHLQMDLG – Bad Bunny
Mejor álbum de rock latino o alternativo: «La conquista del espacio» – Fito Páez
Mejor álbum de música regional mexicana (incluida tejano): «Un Canto Por México, Vol. 1» – Natalia Lafourcade
Mejor álbum tropical latino: «40» – Grupo Niche
Mejor álbum de R&B:Bigger Love – John Legend
Mejor actuación de R&B: Black Parade – Beyoncé
Mejor canción de R&B: Better Than I Imagined – Robert Glasper, Meshell Ndegeocello & Gabriella Wilson
Mejor álbum de rock: The New Abnormal – The Strokes
Mejor canción de rock: Stay High – Brittany Howard
Mejor actuación de rock: Shameika – Fiona Apple
Mejor álbum de música alternativa: Fetch the Bolt Cutters – Fiona Apple
Mejor álbum de música country: Wildcard – Miranda Lambert
Mejor actuación de country en solitario: When My Army Prays – Vince Gill
Mejor actuación de country en dúo o grupo: 10,000 Hours – Dan + Shay & Justin Bieber
Mejor banda sonora original para medio visual: Joker – Hildur Guðnadóttir
Mejor canción original para medio visual: No Time to Die («Sin tiempo para morir»)- Billie Eilish y Finneas
Mejor grabación dance: «10%» – Kaytranada ft Kali Uchis
Mejor álbum dance/electrónica: Bubba – Kaytranada
Mejor actuación de metal: Bodycount – Bum Rush
‘Clamor’ es el segundo disco de Maria Arnal i Marcel Bagés, que llega cuatro años más tarde que el fundamental ’45 cerebros y 1 corazón’. Pero lejos de cualquier atisbo de continuismo, ‘Clamor’ es una muestra del universo rico y denso del dúo. Un disco hermoso y complejo que genera sensaciones y preguntas infinitas… Aunque el tiempo de la entrevista no lo sea, lamentablemente. Pillo a Arnal i Bagés en mitad de la vorágine promocional de ‘Clamor’, saliendo de una televisión y camino de otra entrevista. Marcel bromea, está preocupado por su coche. «Se me ha pasado el tíquet», me explica, en referencia al aparcamiento de la zona azul. Y todos sabemos que, en Barcelona, el control de los tíquets de aparcamiento es implacable… El cansancio del dúo es palpable, pero aun así se muestran locuaces.
¿Cómo o de dónde surge el concepto de ‘Clamor’? Porque detrás de ’45 cerebros y 1 corazón’, el punto de partida fue la noticia sobre el descubrimiento de la fosa común de la Pedraja. Pero, ¿hay algún hecho concreto que disparara ‘Clamor’?
Maria Arnal: «En el caso de ’45 cerebros…’, el proceso fue muy diferente. Habíamos estado dos años y pico recopilando canciones que tocábamos en directo. Algunas sabíamos seguro que irían en el disco, otras eran las que teníamos que crear. Y sabíamos muy claro que el concepto era cómo nos relacionamos con la memoria, qué es la memoria, qué es la tradición, cómo se expande, cómo se explora, cómo se experimenta con ella. Trabajar con los archivos [de voz], pero no reproducir, no hacer arreglos «típicos». Era esta especie de caldo al que le hacía falta historias que lo juntaran. Y ’45 cerebros…’ era una muy buena historia para entrar en todas estas ideas, porque hablaba al final del silencio, del tabú y de una lucha social que no se había explicado. Y queríamos, de alguna manera, aprovechar y hablar de ella. Era una manera determinada de hacer memoria.
En este segundo disco es muy diferente. ¿Por qué? Porque se acabó la gira y se acabó el disco y tuvimos que inventarnos historias nuevas. Entonces, el punto de partida es más personal. Yo me encontraba en una situación de separación, de cambio de vida y de etapa muy grande, y me interesaba mucho, en aquel momento, trabajar sobre la idea de incertidumbre que hay en esos momentos de limbo que hay en la vida, en que todavía no estás renaciendo de una situación de pérdida, pero sientes que te tendrás que crear una nueva realidad. Y en este espacio intermedio, me parecía que había cosas… La intuición del disco era muy clara: que las historias del disco tenían que explicar el sentir que hay en este espacio de limbo. Pasa que en 2018 se para todo porque la gira es muy intensa, y no hay tiempo para parar ni para «pensar en», y se ha de aprovechar la visibilidad y la posibilidad de tocar en EEUU, Lima, diferentes sitios…»
Marcel Bagés: «¡Kazajistán!».
Arnal: «En 2019 nos encontramos que, tras descansar, hemos de empezar a trabajar en el disco. Y la idea de punto de partida conceptual ya está clara: hablar de estos espacios entre el final y el principio a diferentes escalas: a nivel personal, a través de las letras sin decirlo claramente. A nivel de sonido, cambiando esta sonoridad. Y después, a nivel colectivo -o global- en un mundo que está cambiando radicalmente, que de alguna manera también está en un limbo. Lo que pasa es que, con la pandemia, muchas de estas emociones, que al final ya las hemos sentido en nuestra vida, no de manera tan generalizada, que ya las hemos sentido -de incertidumbre, de cambio, de inseguridad, de vulnerabilidad…- pues ahora están a flor de piel; pero a flor de piel de todo. Incluso de los pájaros (risas). Todos nos sentimos en un momento de cambio muy fuerte…»
Pero aparte de la temática, encuentro una evolución muy grande en cuanto a sonido. Mientras el anterior estaba más basado en la guitarra, era más acústico, más enraizado en el canto popular. Y ahora hay mucha electrónica, y mucha música basada en la voz. ¿Era la idea?
Arnal: «Totalmente. Esos eran los dos puntos de partida sólidos».
Bagés: «Teníamos claro que queríamos trabajar mucho el tema de las voces. Así como en el primer disco en algunos temas hay recursos guitarrísticos, de manipulación de la guitarra con el ordenador, en este queríamos trabajar mucho las voces en esta línea; es decir, que no sólo hubiera una voz solista y un coro acompañando, sino ir mucho más allá: coger las voces, procesarlas, manipularlas, para que tengan funciones muy diferentes de las que hasta ahora habíamos trabajado. Por otro lado, también queríamos trabajar el aspecto rítmico. En el disco anterior hicimos ‘Tú que vienes a rondarme’, nos sentimos muy cómodos, nos gustó mucho y queríamos explorar en esta dirección. Y tan pronto como nos pusimos a trabajar cogimos cajas de ritmos, sintetizadores, samplers, etc etc, y trabajamos mucho en esta vertiente. Enriquecimos mucho más el universo sónico del grupo».
Escuchándolo, hay un par de nombres que me vienen a la cabeza, que son Björk, especialmente en ‘Medúlla’, disco basado en voces…
Arnal: «Totalmente referencia. ‘Medúlla’ y hasta ‘Biophilia’, porque en ‘Biophilia’ ella intenta hacer una cosa muy difícil. Creo que es uno de sus discos menos valorados, porque es muy visionario. Intentaba hacer lo que era un proyecto educativo, de divulgación científica, pero a través de la música, y un poco de amor a la vida, que es lo que quiere decir el título ‘Biophilia’, que es esta patología o como le quieras decir (risas). El caso es que en ‘Medúlla’, muchas ideas de arreglos de voces, vienen de allá. Y también de otros personajes que no sé si eran referentes de Björk, que son muy antiguas, como Hildegarda de Bingen, que es esta compositora, botánica y monja visionaria del s. XI, que también tiene unas composiciones vocales increíbles. A nivel de voces, hay muchas otras referencias; Holly Herndon, con quien ha sido increíble colaborar. Como no podíamos colaborar con Hildegarda (risas). Ni con Björk…
Y sobre Holly, que tiene este proyecto, Spawn, que es un software de I.A aplicado a la voz…
A: «¡Es que el Spawn es una de las voces del disco! ¡Está en la Sibila!».
¿Cómo surgió la colaboración con ella?
A: «Este es un disco en que todas las intuiciones que hubo desde el principio, todas se han acabado cumpliendo, aunque no de manera fácil. Con la pandemia, algunas han pasado por muchas curvas. Con Holly fue porque una de las colaboraciones «raritas» del disco fue con Jose Luis de Vicente, que es comisario e investigador cultural. Él monta un festival llamado «Tentacular» en El Matadero, y en 2019 invitó a Holly. Con Jose Luis empezamos a trabajar cuando teníamos claro hacia donde queríamos llevar el punto conceptual [del disco]. Él había comisariado una exposición llamada «Després de la Fi del Món» («Después del fin del mundo»). Me pareció muy guay la sensibilidad que había, me gustó mucho cómo se había planteado. Así que le dije a Jose Luis de quedar una vez al mes, explicarle mis ideas, las letras que tenía a medias… y así fueron surgiendo esas ideas que acabarían apareciendo en ‘Clamor’ -que, entonces, no sabíamos que sería ‘Clamor’ -. Pero él ya tenía una intuición, porque me decía que en ‘Tú que vienes a rondarme’, las ideas que quería explicar yo, ya estaban en este verso: «todas las voces del universo con nosotros»… A veces la gente que está contigo, lo ve más claro que tú mismo…
En cualquier caso, Jose Luis le dijo a Holly que estaba trabajando en un proyecto musical que igual le interesaba. Así que enviamos a Holly un e-mail super currado sobre ‘El cant de la Sibil·la’, quién es la Sibila, el planteamiento que teníamos del disco. Y ella nos dijo: «vale, enviadme lo que tengáis». Así que el trabajo era concretarlo. Grabamos una maqueta en estudio para intentar seducirla al máximo (risas). La adaptación de la letra la hice con Eduard Escoffet, que es un gran conocedor de ‘El cant de la Sibil·la’. Quitamos la parte más moralista y católica. Y la usamos como una metáfora, certidumbres en el momento en que tienes una revelación. Eso es lo que quiere decir Apocalipsis en griego, «revelación». Holly conectó al máximo con esta visión. Su idea era coger la Sibila, sacarla de la iglesia y llevarla a un campo de cabras. Nos fuimos a buscar las cabras a Badalona, pasamos un día en Ripoll, grabamos dentro de un río…
La versión de ‘El cant de la Sibil·la’ se basa mucho en la de Maria del Mar Bonet. Pero la versión que teníamos era demasiado horizontal. Necesitábamos verticalidad y pensé que se tenía que conseguir con los coros. Contacté con las Tarta Relena y cogí de inspiración la ‘Sibil·la galaica’ de Jordi Savall. Así que es una especie de esqueje mutante de Sibilas. La idea era hacer una Sibila visionaria en forma y sonido, para poder contribuir a la tradición milenaria».
A pesar de que ‘El cant de la Sibil·la’ es la única canción tradicional del disco, sí que veo que hay mucha estructura de canción popular, como en ‘Ventura’, ‘Jaque’, ‘Tras de ti’…
Bagés: «Hombre, forma parte de nuestro imaginario. Y al haber trabajado tanto tiempo con esa línea, también te impregna en el momento de hacer canciones».
A: «Estaba muy claro que queríamos hacer canciones originales. Pero no rechazar lo que habíamos hecho hasta entonces, sino experimentar por algún lado en que no lo hubiéramos hecho aún».
¿Cómo encarasteis el reto de empezar los temas desde cero?
A: «Tenía claras muchas ideas. Por ejemplo, en ‘Milagro’, tenía claro que fueran décimas, que es un tipo de composición que Violeta Parra utilizaba mucho. Las canciones siempre tienen este elemento más cósmico, más poético. Algunas me costaron mucho. He quedado muy contenta. Y con ganas de escribir más. He cogido más seguridad en el tema de las letras. Hasta pienso en empezar a escribir para otra gente».
¿Hay alguien en concreto que te gustaría mucho que cantara una canción tuya?
A: «Mmmm… sí. Voces muy diferentes a la mía. (pausa) Ahora no se me ocurre nadie pero… ¡me encantaría!».
«Un microorganismo puede poner en jaque toda nuestra existencia»
’45 cerebros y 1 corazón’ tiene un trasfondo político muy fuerte, pero aquí queda más escondido, más sutil.
A: «A mí me gusta, porque este disco no habla de política desde la lucha más, digamos, mundana, sino desde el punto de vista interior y desde la pregunta, que ahora es súper radical, que es: «¿Cómo cuidamos?». Y cómo no ponernos en el centro del mundo, sino en la piel de algo tan radical como… una hormiga, o un árbol. Porque ya sabemos que incluso algo que no vemos, como un microorganismo, puede poner en jaque toda nuestra existencia. Y esta es la idea del disco, pero explicada desde la vulnerabilidad, de dejar el pedestal. Y eso explicado desde muchas escalas. Como músicos, poniéndonos en un sitio distinto al habitual».
B: «Es igual de político al final, porque es cómo entendemos la relación con todo lo que nos rodea».
«Este disco habla de política desde el punto de vista interior»
Es un disco que da sensación de atemporalidad. No parece anclado en este tiempo. Sin embargo, está grabado durante la pandemia, aunque no parezca un disco «pandémico». ¿Cómo os afectó?
B: «Bueno, comenzó antes y acabó después de la pandemia…»
A: «La idea era hablar de inicios y principios, que hemos vividos muchos en nuestras vidas, que esas emociones nos han de servir para los años que vienen. Que viviremos crisis [a nivel global] muy fuertes, ojo».
Volvamos a las voces. También hay mucho uso y referencias a las voces no humanas.
A: «Nos preguntábamos, ¿quiénes son los Alan Lomax de las voces no humanas? Fuimos encontrando archivos increíbles. Hay un tipo que ha creado un «macrófono», un micro para grabar los sonidos de la Tierra geológica. O un ingeniero muy importante, llamado Bernie Krause, que se obsesionó en grabar los sonidos de la Tierra; grabó el sonido de un bosque antes y después de ser talado, o de un arrecife de coral antes y después de morir. Y hay mucho más silencio. Y una manera de medir cómo el mundo está cambiando y se están extinguiendo muchas voces, es a través del silencio progresivo de los bosques. Hay una canción que habla de esto, que es como el revés de ‘Clamor’, que es ‘El gran silencio’. Que es el silencio del universo».
A mí ‘El gran silencio’ me parece el reverso de ‘Tú que vienes a rondarme’. Parten de las referencias al universo, (la sonda Voyager en una, el telescopio de Arecibo en otra). Pero en lo que ‘Tú que vienes a rondarme’ es euforia, en ‘El gran silencio’ es todo lo contrario.
A. ‘Tú que vienes a rondarme’ es más de cortejo y ‘El gran silencio’ es más ciencia-ficción. Está basada en un relato de Ted Chiang. Es una historia explicada desde el punto de vista de un loro que vive al lado del telescopio de Arecibo, que lo destruyeron hace dos meses. Y quería una canción que hablara de esto, ya que todo el disco habla de ponernos en el lugar de otras formas de vida. Lo hicimos desde el punto de vista de ese loro.
«El mundo está cambiando y se están extinguiendo muchas voces»
El impacto de ’45 cerebros y 1 corazón’ fue enorme a nivel crítico y popular. ¿Pensáis que el disco anterior fue una losa en el momento de grabar este?
Los dos: «¡¡Qué va!!».
B: No, ha sido una suerte; sacar un disco sabiendo que hay mucha gente esperándolo, es mucho mejor que tener que llamar a un montón de puertas sin que te hagan caso».
En tiempos de covid-19, qué mejor que recordar y rendir tributo a nuestros mayores. ‘Revelación’ es un EP de 7 canciones cuyos 20 minutos de duración están principalmente entonados en castellano, la lengua de los abuelos paternos de Selena Gomez, a los que ha visitado regularmente al menos hasta que empezó la pandemia. La cantante cuenta que hablaba español con fluidez hasta los 7 años, pero que perdió el hábito cuando empezó a ir al colegio, y que ahora está utilizando sus raíces para llevar su voz a otro sitio, y «sentir que no está siendo juzgada».
¿Quizá porque no sabe muy bien lo que está diciendo? En ‘Revelación’ Selena Gomez se ha calzado el disfraz de ‘La Isla Bonita‘; ha sacado la chequera para rodearse del productor estrella de Bad Bunny y J Balvin, Tainy; y se ha puesto un profesor de español y otro de canto para ejercitar la voz una hora cada día antes de la grabación. Pero la sensación es más de «Timo» que de «Revelación».
Dos son los problemas de este disco. Por un lado, la pobreza del español de Selena Gomez. La cantante suena involuntariamente cómica cuando suelta proclamas random como ‘Dámelo to’, parece argentina sin querer cuando convierte en llana la palabra «bésame» y definitivamente suena sin alma en canciones como ‘Buscando amor’. En esta, cada frase parece haber sido grabada en una sesión aparte, desproveyendo al tema de cualquier tipo de «flow». Extrañamente desubicada al principio de la secuencia, ‘De una vez‘, que ya ni parece un single, termina sin que aciertes a comprender por qué una canción sobre empoderamiento puede sonar tan desinflada y tristona. En lugar de animar, deprime.
Por otro, Tainy no ha aportado al disco su versión más imaginativa: sus beats son conservadores y manidos en un momento en el que las modas están virando hacia otro lado. El último disco de Bad Bunny es más pop-rock. Ya hace 2 años que Cardi B bailó salsa acercándose a la tradición, o lo hizo Camila Cabello cantando ‘Havana’, provocando una pequeña oleada de acercamientos al son cubano, la bossa, la bachata, y un excitante etcétera. ‘Revelación’ llega tarde en ese sentido, aportando prácticamente nada, y menos cuando decide cerrarse con una colaboración de DJ Snake, por mucho que las trompetas destaquen.
Salva los muebles ‘Baila conmigo‘, un divertido diálogo con Rauw Alejandro que está siendo un merecido hit: es una canción pimpinelesca y teatrera en la que ambos saben sacar partido al hecho de que Selena Gomez de hecho no hable español. Más del humor «no entiendo mucho, pero baila conmigo» es lo que se echa de menos en este EP que no nos termina de mostrar a esa Selena Gomez de discurso centrado e interesante, más adulto, que intuimos en exitazos como ‘Lose You To Love Me’, y que estamos leyendo en las entrevistas. Desconocemos si será cierto que se va a retirar en pocos años, como ha sugerido en el reportaje en profundidad de Vogue, pero sí hemos visto en dicha entrevista a una artista que se arrepiente de no haber votado hasta 2020, que tiene un discurso político, que dice que no habla de su fe porque trae mala prensa, que no tiene miedo de contar que se ha pasado toda la pandemia llorando. ¿Dónde está esa Selena Gomez en este desaguisado?
Esta semana se ha publicado el nuevo disco de Nick Jonas, que ha venido presentado por singles como ese ‘Spaceman’ que da nombre al álbum, y que se ha quedado muy lejos de alcanzar el impacto de viejos hits como ‘Close’, con Tove Lo. Los 5 añazos que han pasado desde ‘Last Year Was Complicated‘ (irónico título ahora mismo), pueden haber tenido algo que ver. De momento, ninguno de los singles ha llegado siquiera al top 100 en Reino Unido ni Estados Unidos.
En cualquier caso, el intento más digno, si bien no el más exitoso, ha sido ‘This Is Heaven’, el sencillo que salía una semana antes del álbum y que se interpretaba en vivo en Saturday Night Live. Una actuación sostenida en sus coros cercanos al soul y al góspel, y en ese maravilloso solo de saxo que contiene la grabación, en el programa tocado por Lenny Pickett, director musical de SNL. Mientras, antes y después, Nick Jonas hacía muecas. ‘This Is Heaven’ es, en cualquier caso, nuestra “Canción del Día” hoy.
Relacionada con la moda synth-pop que han llevado a las playlists de éxito The Weeknd y Dua Lipa, ‘This Is Heaven’ es una canción bastante ochentera, con una línea de bajo y una serie de sintetizadores que podríamos vincular al italodisco. A nadie sorprendería que Robyn o Klas Åhlund estuvieran detrás de todo esto, si bien es Greg Kurstin quien ha producido esta grabación. El co-autor de ‘Hello’ y ‘Chandelier’ exprime aquí más bien su registro pop, curtido junto a Lily Allen, Kylie Minogue, Carly Rae Jepsen o en su olvidado proyecto The Bird & The Bee.
Como cada año, las nominaciones a los Grammy han traído cola. Entre falta fulanito y falta menganito, y con el objetivo de arrojar un poco de luz a estos tiempos tan amargos, en este artículo señalamos algunos de los aciertos de la selección para la ceremonia que se podrá ver esta noche… sin olvidarnos de sus fallos.
5 aciertos de los Grammy 2021
1.-El reconocimiento a Dua Lipa
Después de ver cómo no era la reina de la noche ni en los VMA’s ni en los EMA’s, donde triunfaba más bien Lady Gaga, que también se lo merece por otro lado, han tenido que llegar los Grammy para reconocer que este ha sido el año de Dua Lipa. Singles perfectos, performances espectaculares antes y después de la pandemia, un disco de remezclas que dio que hablar, sorpresas en forma de temas sueltos, colaboraciones de ensueño… Dua Lipa no está nominada solo en las subcategorías pop, sino que ‘Don’t Start Now’ está nominada a Grabación del Año y a Canción del Año, y ‘Future Nostalgia‘ a Mejor Disco. Seguro que no se hace con los premios principales, porque es un artefacto pop y además británico, pero ojalá dé la sorpresa y deje a un par de puretas con un palmo de narices. Si algo salvaba 2020, ese algo ha sido Dua Lipa.
2.-Haim, nominadas a Disco del Año
Haim, en su momento nominadas a Mejor Artista Revelación, Grammy que perdieron en favor de Sam Smith, vuelven por todo lo alto a la ceremonia con una nominación a Mejor Disco del Año por el excelente ‘Women in Music Pt III’. Misteriosamente, tal álbum no ha conseguido ser nominado en la categoría en que se presentaba, la Alternativa, donde le han ganado la batalla Fiona Apple, Beck, Phoebe Bridgers, Brittany Howard y Tame Impala. Misterios de subcategorías a los que ya se enfrentó Lorde, y que al menos servirán para dar visibilidad a las hermanas Haim cuando más lo necesitan: el disco no ha funcionado nada bien desde el punto de vista comercial, cuando es bueno incluso en lo anecdótico.
3.-Coldplay, nominados a Disco del Año
Los Grammy no deberían estar ahí solo para subrayar que los discos de Taylor Swift y Dua Lipa han sido un éxito, sino para rescatar álbumes a los que ha ido mal o no tan bien pero merecían la pena. Desde luego no esperaba ver reconocida por aquí a la británica FKA twigs cuando por alguna razón ni en los Mercury la han querido; pero me alegro mucho de que la Academia haya rescatado un álbum olvidado que editorialmente le encaja mucho más. Se trata del notable e interesante ‘Everyday Life‘, en el que jugaban con sonidos procedentes de distintas culturas y apostaban por un sonido más introspectivo en joyas como ‘Daddy’ o ‘Champion of the World’. Eso sí, como a Haim, no les han querido en la subcategoría en la que su equipo ha decidido presentarles, en este caso Rock, donde se ha preferido a Fontaines D.C., Kiwanuka y The Strokes, entre otros. La verdad es que ‘Everyday Life’, muy rock no es… pero tampoco es que encajara en pop ni en alternativo.
4.-Las 3 nominaciones de Fiona Apple
Tendemos a recibir las nominaciones de los Grammy como si fuera la lista de lo mejor del año de Pitchfork, así que el hecho de que ‘Fetch the Bolt Cutters’ no esté nominado a Mejor Disco del Año genera impotencia. Sin embargo, este es el año en el que Fiona Apple ha recibido un mayor número de nominaciones, 3, desde que en 1998 la nominaran a Mejor Artista Revelación y ganara su único Grammy, por ‘Criminal’. Con este paupérrimo CV, era una verdadera fantasía esperar que los Grammy se rindieran a un disco que estuvo como 15 minutos en las listas de éxito: celebremos los 3 posibles premios de Fiona, porque por trayectoria, podían haberla dejado perfectamente fuera. ¿Estamos seguros de que este es mejor disco que ‘The Idler Wheel…’?
‘Fetch the Bolt Cutters’ tiene buenas opciones de hacerse con el Premio a Mejor Disco Alternativo, cosa que no logró ‘The Idler Wheel…’, pues también se ha reconocido a ‘Shameika’ en las subcategorías de rock. Ojalá la veamos al menos en la ceremonia.
5.-Fontaines DC y otros perdidos en subcategorías
Las categorías rock, alternativa y electrónica vuelven a ser tan excitantes como casi siempre gracias a las nominaciones que han recibido discos como los de Fontaines DC (que son británicos y tienen una repercusión en Estados Unidos muy limitada), Michael Kiwanuka, The Strokes, Tame Impala o Brittany Howard por el olvidado ‘Jaime’. En electrónica encontramos los estupendos discos de Arca y Disclosure junto a ‘Bubba’ de Kaytranada, quien recibe una chanante nominación en Revelación.
5 pinchazos de los Grammy 2021
1.-¿Por qué no está nominado The Weeknd?
El gran escándalo de la noche es la ausencia de The Weeknd en cualquier tipo de categoría. Es un tanto extraño que ‘Blinding Lights’ esté ausente de las categorías principales, pero lo es más que no la hallemos en ningún tipo de subcategoría. ¿Qué ha pasado? The Weeknd exige transparencia, se rumorea que la negociación para que actúe en la ceremonia ha sido desagradable debido a la interferencia de la actuación programada en la Super Bowl, y la Academia lo niega, subrayando que las nominaciones llevan encargadas semanas.
Pero hay más. The Weeknd nunca ha sido favorito de los Grammy: apenas tiene una decena de nominaciones en una carrera de ya 10 años y multitud de singles, vídeos, mixtapes, discos y colaboraciones, y solo ha ganado el premio 3 veces en las subcategorías de Urban y R&B, nunca en las principales. ‘Can’t Feel My Face’ fue nominada a Grabación del Año pero perdió y ‘Starboy’ -la canción- ni siquiera fue nominada.
Hay un tercer punto interesante: su equipo ha presentado todo su material de este año a la categoría Pop según las filtraciones. La categoría “Urban”, donde él ganó con sus discos ‘Beauty Behind the Madness’ y ‘Starboy’, ha pasado a llamarse “R&B Progressive”. No ponemos en duda que su equipo haya hecho bien porque ‘After Hours’ es un disco de música pop y no de «R&B Progressive» sea lo que sea eso, pero el asunto ha podido descolocar a los académicos enfrentándose a una situación nueva. Ahí va un dato: todos los nominados a Mejor Disco de Pop del año son blancos: Harry Styles, Taylor Swift, Lady Gaga, Dua Lipa y Justin Bieber.
2.-¿Por qué no está nominado Bob Dylan?
Bob Dylan produce la segunda gran noticia de la noche al estar ausente de toda nominación, incluida la de Álbum del Año, por un disco tan aceptado como ‘Rough & Rowdy Ways’. De nuevo, ahondemos en la decisión de su equipo, que ha sido postularlo a la sección “Best Americana Album”. Parece que en la categoría en la que se ha nominado a Courtney Marie Andres, Lucinda Williams, Hiss Golden Messenger, Sarah Jarosz y Marcus King no ha gustado mucho o no lo han entendido así.
Bob Dylan ha sido nominado alguna vez a Mejor Disco de Americana (‘Together Through Life’) pero últimamente había calado mucho más en la categoría de “Mejor Álbum de Pop Vocal Tradicional”, donde ha sido nominado en 2016, 2017 y 2018. También hay que apuntar que aunque el artista tiene bastantes Grammys, nunca ha sido el favorito de la Academia. Tuvo que esperar 3 décadas de actividad para recibir el premio a Disco del Año por ‘Time Out of Mind’ (1997) y jamás ha sido nominado a Mejor Canción. Por si alguien se lo pregunta, su equipo ha presentado a «Canción del Año» el tema de 17 minutos que se considera la obra maestra del álbum, ‘Murder Most Foul’.
3.-Bad Bunny, relegado a la categoría latina
La crítica común que produce los Grammy, la más manida, es que cada vez se parecen más a los MTV VMA’s, y puede ser cierto, pero en ese sentido la Academia ha fallado relegando a los reyes de la música latina a las categorías latinas. Bad Bunny tiene dos tristes nominaciones, una muy merecida a Mejor Disco Latino de Pop por ‘YHLQMDLG‘ y otra más inexplicable por ‘One Day’, pero merecía mucho más si en cierta medida se premia la popularidad. ‘YHLQMDLG’ permanece en el top 40 del Billboard 200 casi 40 semanas después de su edición, es decir, una repercusión incluso superior a la de ‘Future Nostalgia’. Grammys, poneos las pilas: la música latina no se va a ir a ningún lado y menos después de las cifras de Shakira y J.Lo en la Super Bowl del año pasado.
4.-Beyoncé, la más nominada de la noche
Después de 2, casi 3 discos impecables, como fueron ‘Beyoncé’, ‘Lemonade’ y en menor medida ‘4’, Beyoncé parecía intocable. Cual Rey Juan Carlos, ahora está en una situación de semi exilio, entre featurings random con Ed Sheeran, la banda sonora de ‘El rey león’, las críticas a la película ‘Black Is King’ por mostrar una idea irreal de África y el disco de The Carters que nadie recuerda. ‘Black Parade’ no está nada mal, pero no deja de ser una sucedánea de ‘Formation’… ¿Tiene algún sentido que la Academia nomine 9 veces a Beyoncé justo en el año en que todos nos preguntamos de qué manera borrar todo lo que ha hecho últimamente para volver a convencernos de que es la mejor? Que ‘Beyoncé’ y ‘Lemonade’ no recibieran el galardón a Álbum del Año y ahora nos cuenten que Beyoncé es lo más no parece sostenerse por ningún lado.
5.-La ausencia de Angel Olsen
Entre todos aquellos que se presentaron y no fueron seleccionados para las categorías alternativas, y donde podemos mencionar a Rina Sawayama (gran ausente en Mejor Revelación), Grimes, Perfume Genius y Moses Sumney, voy a destacar el caso de Angel Olsen. Entiendo que es complicado llegar a ser nominado en Mejor Disco Alternativo, categoría en la que se ha presentado ‘All Mirrors’, si eres un artista británico, pero Olsen es de North Carolina, y empieza a no entenderse muy bien qué le falta que sí tengan otros niños mimados de los Grammy como Beck y Bon Iver. El tema postulado por su equipo para las categorías de «canción» era el titular. Con él os dejamos.
Por más que insista Stuart A. Staples, el nuevo álbum de Tindersticks sí parece “un disco de pandemia”. Porque si bien la imposibilidad de realizar una gira el año pasado para presentar el aún reciente y notable ‘No Treasure but Hope’ devino en el tiempo necesario para trabajar en nueva música, este ‘Distractions’ no puede evitar cierto halo de improvisación y de pasatiempo con sustancia.
Es cierto que en él el quinteto británico aprovecha la coyuntura para hacer probaturas y experimentaciones varias que, quizá de haberse madurado más, no hubieran visto la luz de esta manera. Más cercanos al trabajo en solitario del propio Staples, el minimalismo apoyado en cajas de ritmo esqueléticas (algún ritmo, como el de ‘The Bough Bends’, incluso parece partir de un básico beatboxing vocal), guitarras afiladas y cierta gelidez ambiental, casi kraut, gobierna en cortes como ‘Man Alone (Can’t Stop the Fadin’)’ (“Sucumbiendo a la ciudad, sucumbiendo a esta mentira”, canta Stuart en lo que parece un regreso lírico a la gris Inglaterra de 2020 tras su periplo por las islas griegas) y el antes citado corte final. Largos y divagantes, jugando con la intensidad, presentan a unos Tindersticks irreconocibles, alejados de su clásico sonido orquestal y clásico. Si este solía traer a la palestra al Scott Walker de ‘1’ a ‘4’, el nuevo casi está más cerca de ‘Tilt’, por entendernos.
Pero en realidad ‘Distractions’ no supone un viraje tan radical, y Staples, Coulter y compañía vuelven a hacerse del todo reconocibles en cortes nuevos como en la bonita balada a piano y reverb que es ‘Tue-moi’ (en la que solo chirría el algo torpón francés) o el spoken word ambiental de ‘I Imagine You’, donde el trasfondo de un “fantasma esperando a ser liberado” que vive en el salón no parece hablar de otra cosa que de la soledad de alguien confinado. Es en ese aspecto lírico donde podemos encontrar cierta conexión con las versiones de temas ajenos que completan el disco, mucho más que meros rellenos.
Curiosamente, son esas “covers” lo mejor del álbum de largo. Y no solo porque sean canciones soberbias de Neil Young, Dory Previn y Television Personalities, que lo son, sino por la capacidad del grupo británico para hacerlas suyas y coserlas con nuevo significado a estas “distracciones”. Así, ‘A Man Needs a Maid’ se convierte en una letanía con un tamiz que recuerda levemente al Cohen tardío (también por sus estupendos coros soul femeninos) que dota de un nuevo significado al anhelo de compañía en estos tiempos… no sin cierta reminiscencia de la misoginia tradicional del papel de la mujer como “sirvienta del hombre”.
Quizá por eso cobra tanto sentido la elección de ‘The Lady with the Braid’ de la Previn: en ella, la peculiar cantautora norteamericana se ponía en la piel (y aquí lo hace Stuart) de una mujer que engatusa a un compañero porque no quiere dormir sola, coqueteando con unas tendencias suicidas que suaviza como “una broma”. La cadencia country-folk de la original se transmuta aquí con un ritmo asíncopo de sabor casi jamaicano y, sobre todo, una coda final que duplica los tres minutos y pico originales con un apasionante diálogo entre cuerdas y un intrépido bajo. En cuanto a la adaptación del tema de Dan Treacy, el post-punk desaparece del todo para convertirse en una tan vivaz como esquelética muestra de soul-folk. Un himno anti-nuclear cuyos versos ahora cobran aquí sentido como expresión de la fragilidad y desamparo del ciudadano en una crisis.
Por todo lo expuesto, ‘Distractions’ queda en la discografía de Tindersticks como algo más que un disco anecdótico. Cierto es que solo logra emocionar parcialmente –poco bagaje para una banda que lo ha hecho tanto y tan bien–, pero funciona como disco de transición, abriendo nuevas vías que quizá deriven en álbumes con mucha más enjundia, a la altura de un nombre que permanece desde hace décadas entre la aristocracia musical del ámbito independiente. Y con toda justicia.
Un arquitecto llamado Javier Rubio Donzé, sobrino nieto de Javier Carvajal Ferrer, y a su vez hijo y sobrino de otros arquitectos, ha abierto un apasionante hilo en Twitter que sirve de guía turística de la ciudad. Y es bastante importante para comprender el disco si recordamos que este se presentó en un restaurante en el que el menú era un cocido madrileño, el Restaurante Lhardy, fundado en 1839, que aparece en el vídeo de ‘Comerte entera’.
Hay referencias obvias, como el pirulí en ‘Tú me dejaste de querer’, el viaducto de la Calle Bailén en ‘Un veneno’ y ‘Cambia!’ o el Palacio de Oriente en ‘Comerte entera’, pero hay otras que van a servir sin duda para redescubrir la ciudad o descubrírsela a algunos.
Javier Rubio Donzé habla en dicho hilo, a raíz también de ‘Comerte entera’, de cómo la Casa Carvajal fue un exponente del racionalismo brutalista y de la arquitectura de hormigón que se hacía en los 60, concebida dicha casa como un homenaje a la Alhambra de Granada. Aclarando eso sí, que Javier Carvajal renegaba del término «brutalismo». También habla de esta corriente a raíz de ‘Los Tontos’ con Kiko Veneno, pues el vestíbulo de dicho vídeo es el de Torres Blancas de Sáenz de Oiza, un edificio deslumbrante que todo aquel que haya pasado alguna vez por Avenida América recordará.
Entre los espacios más conocidos, se habla de la chocolatería de San Ginés fundada en 1894 que sale en ‘Un veneno’ (muy recurrente en el mundo musical porque es muy próximo a la Sala Joy Eslava), la Filmoteca en ‘Te olvidaste’, la Puerta de Alcalá en ‘Nominao’ y las Torres de Madrid y el Edificio España en ‘Tú me dejaste de querer’. Pero más desconocido por ejemplo es el Bar Palermo que sale en ‘Nominao’: un garaje en un chalet de Arturo Soria. Javier Rubio Donzé asegura que el ascensor es en cambio el del Mercado de la Cebada, impresión que comparto pese a que no consta en los agradecimientos, como sí el Bar Palermo.
El Bar Ruano, perdido en el Barrio de la Concepción, es por alguna razón el de ‘Cuándo Olvidaré’, en el que aparece un acabado Imanol Arias malhaciendo de Pepe Blanco. Es relativamente cercano al Tanatorio de la M30, por lo que podría haber alguna relación metafórica.
Dos de las anécdotas más curiosas nos las deja el vídeo de ‘Tú me dejaste de querer’, pues por un lado muestra las viviendas de la EMT construidas para sus empleados durante los años 40, y también el extinto enchufe de las Torres de Colón, recordando el arquitecto que tales torres se construyeron de arriba a abajo (y no al revés), sufriendo transformaciones como el odiado enchufe, y hablando ahora del conflicto que hay con el nuevo diseño. El álbum termina por todo lo alto con ‘Hong Kong’ en una azotea que permite contemplar el Edificio Castellana 81, conocido como Edificio BBVA. Un recorrido fascinante con el que se ha querido redondear el nombre del disco y, ahora también, del artista.
C. Tangana, alias "el madrileño", junto a Little Spain ha realizado un auténtico homenaje a la ciudad de Madrid en su último disco. Voy a hacer un hilo arquitectónico hablando de algunas de las postales de la Villa y Corte que aparecen en sus videoclips.
Tras dos discos principalmente enfocados en experiencias difíciles y duras, el tercer álbum de Japanese Breakfast, ‘Jubilee’, se presenta con la que probablemente sea su canción más alegre y bailable hasta la fecha. ‘Be Sweet’ es pegadiza y encantadora desde el primer segundo, donde Michelle Zauner se muestra vulnerable y le pide a su pareja que sea más cariñosa y le preste más atención para que así ella pueda dejar de estar “atrapada en sus sentimientos, sobre-pensando en la verdad”.
“Recompénsame, sabes que es mejor” precede al estribillo en el que se repite eufóricamente: “Sé dulce conmigo / quiero creer en ti / quiero creer en algo”. Todo ello bajo un estilo synth-pop de los 80 por ahora insólito en la cantante y que le sienta de maravilla. Así como también hay mucho de nostalgia ochentera/noventera (algo que tan de moda está últimamente: ‘Stranger Things’, ‘It’, ‘Dark’, etc.) en su divertido videoclip, que emula a ‘Expediente X’.
La canción transmite ese subidón que supone estar enamorado e ilusionado por alguien, especialmente al comienzo de una posible relación, cuando más idealizas a la otra persona. Y sí, es un sentimiento muy naíf, pero ¿quién no lo ha sentido alguna vez? ¡Y lo bonito que es sentirlo en el momento! Por otro lado, ‘Be Sweet’, en su segunda estrofa, también sirve como una invitación a hacer las paces después de una discusión “reconoce tus errores y te vuelvo a dejar entrar / no te des cuenta demasiado tarde, siempre te he querido”. El resultado es un temazo tan tierno y dulce –valga la redundancia- como explosivo.
‘Punto muerto’ de Miss Caffeina con Ana Torroja es el nuevo número 1 de JENESAISPOP, representando la primera ocasión que ambos artistas ocupan esta plaza. ‘Ingobernable’ de C. Tangana sube al puesto 2 y ‘Ya no siento nada’ de su colega Alizzz sube al puesto 3. Varios artistas entran directos al top 10 gracias a las nuevas normas y son Zara Larsson, Silk Sonic, No Rome con Charli XCX y The 1975 y St Vincent. En la parte baja de la tabla encontramos también a Nick Cave con Warren Ellis, girl in red, James y Julien Baker. Esta semana ha sido eliminada ‘Don’t Start Now’ de Dua Lipa después de 71 semanas: se ha quedado a poco de superar el récord de ‘On Hold’ de The xx, que aguantó 75 semanas con nosotros. Recordad que podéis escuchar la playlist con las 40 canciones del top y las 10 candidatas a entrar de cada semana, así como por supuesto votar por vuestras canciones favoritas, aquí. Los votos son sometidos a una fórmula matemática que beneficia a las novedades y perjudica a las canciones a medida que pasan las semanas.
Después de lo ocurrido en 2020 con ‘Parásitos’ (premios a la Mejor película y la Mejor película extranjera), este año podría darse otra curiosa carambola en los Oscar: ‘Minari’ podría ser el primer filme estadounidense en ganar el Oscar a la Mejor película sin estar hablado mayoritariamente en inglés. Esta particularidad ya ha causado una primera paradoja (o contradicción con tufo racista, como queramos): ‘Minari’ se ha convertido en la primera película estadounidense en ganar el Globo de Oro a la Mejor película de habla no inglesa.
Y es que ‘Minari’ es 100% estadounidense. La produce Plan B, la oscarizada productora de Brad Pitt (‘Infiltrados’, ‘12 años de esclavitud’, ‘Moonlight’). La dirige Lee Isaac Chung, nacido en Denver. Y está rodada y ambientada en Arkansas. Y, además, trata de un tema muy estadounidense (aunque a algunos se les olvide y crean que llevan siglos allí): la inmigración. En este caso, la coreana. El director, quien se dio a conocer con una película también bastante singular (la ruandesa ‘Munyurangabo’), ha contado en este filme su propia historia familiar, la de su infancia durante los 80 en una granja de Arkansas donde su padre intentó vivir cultivando hortalizas.
‘Minari’ (título que hace referencia a un tipo de vegetal asiático parecido al berro) es la clásica historia sobre el “sueño americano”. No es muy original, ni tiene una gran fuerza dramática ni un estilo especialmente llamativo. Pero funciona bastante bien. Es un relato sencillo y delicado sobre la familia, articulado a través de una eficaz tensión argumental: las dificultades para mantener un equilibrio entre la búsqueda de la prosperidad material y el cultivo de la armonía familiar, entre la obsesión y la razón, entre la persecución de los sueños y el peligro de desatender la realidad hasta el punto de convertirla en una pesadilla.
La gran virtud de esta película es su sutileza. A pesar del tipo de drama, la combinación inmigración-choque cultural-América profunda no da lugar a grandes tragedias personales, explosivos conflictos raciales, enormes catástrofes emocionales o gigantescos exabruptos demagogos. La película fluye como el río donde la abuela siembra los minari: de forma sosegada, sorteando con elegancia las piedras que van apareciendo en el camino.
Algo parecido a como está siendo su carrera en los premios. ‘Minari’ no está salpicando mucho, pero lo mismo acaba mojando la oreja a otras que se han tirado a bomba, como ‘Mank’ o ‘El juicio de los 7 de Chicago’. Si no fuera por la excelente ‘Nomadland’, una película de espíritu y tono algo similar a ‘Minari’, podría incluso dar la sorpresa.
‘El mal querer‘ es sin duda uno de los discos que ha cambiado el siglo XXI y motivo de sobra para que como obra de culto y fenómeno de masas sea objeto de debate. Por ello varios autores se han unido en un libro llamado ‘Ensayos sobre el buen querer’, para su análisis y el de su autora y el resultado se publicará este 22 de marzo, como informan los compañeros de Mondosonoro. Entre los autores hay firmas conocidas en el periodismo musical como Javier Blánquez (autor de los imprescindibles libros ‘Loop’), está Bruno Galindo y el experto en flamenco y últimamente escudero de Niño de Elche Pedro G. Romero.
La sinopsis del libro se pregunta «qué convierte a Rosalía en uno de los fenómenos musicales y culturales más apabullantes y ricos del siglo XXI», dentro de una colección en la que antes se ha hablado de series de televisión, videojuegos, superhéroes, cómic, novela negra, leyendas urbanas, Stephen King o el trap.
Dice la nota de prensa: «este libro también quiere ser una constelación proteica e híbrida de talentos periodísticos, reflexivos, poéticos y críticos en torno al fenómeno Rosalía. Así, algunos de los autores de este volumen abordan la relación de su música con el flamenco y el nuevo flamenco, lo natural y lo artificial, la tradición y el apropiacionismo, la industria y el azar, o la imposible asimilación de esta artista a los géneros y etiquetas al uso. Otros se centran en sus vínculos con distintos contextos creativos: de los ámbitos de la moda y el arte contemporáneo al de la poesía lorquiana o la tradición mística española, sin olvidar un necesario excurso hacia una teoría estética de lo que supone «sacar las uñas»».
Siguen: «Otras autoras, por su parte, entran de lleno en distintos ejes conceptuales del trabajo de Rosalía: desde su perspectiva feminista y su relación con el deseo hasta su dimensión social y su interés por el imaginario quinqui y la topografía poligonera. El libro comienza a cerrarse con una suerte de retrato poliédrico de la artista catalana (las claves familiares, educativas, geográficas y culturales de su creatividad) y también de algunas otras cantantes de su misma generación que destacan por su capacidad para experimentar y ampliar nuestro campo de expectativas sonoras. Por último, el volumen concluye, como no podía ser de otro modo, con la propia Rosalía contándose a sí misma».
La lista completa de autores es la siguiente: «Martha Asunción Alonso · Javier Blánquez · Mery Cuesta · Marilena de Chiara Agustín Fernández Mallo · Bruno Galindo · Berta Jiménez Luesma · Reinaldo Laddaga Isabel Navarro · Pedro G. Romero · Marisol Salanova · Cristian Segura».
Antonio Baños, el que fuera cabeza de lista de la CUP en las elecciones al Parlamento de Cataluña de 2015, siendo después elegido diputado y renunciando a su acta a la postre por la deriva de las negociaciones, es una de esas personas que ha llegado a ser «trendig topic» por las razones muy equivocadas. En concreto un tuit sobre un artículo sobre la joven americana Amanda Gorman, cuya traducción al catalán de un poema ha costado el trabajo a Victor Obiols. ¿El problema? En dicha imagen se veían dos pestañas abiertas: una con orgías y otra con bien de «scat japonés». Los chistes sobre «Baños», hipotéticos nuevos partidos catalanes y memes varios no se han hecho esperar. Algunos, al final de estas líneas.
Se da la circunstancia, como muchos sabéis, de que Antonio Baños es un histórico de la escena independiente de Barcelona desde hace décadas, tras haber pasado por grupos como Marta y Los Grifos, Los Mentirosos y, desde 1989, Los Carradine. Con estos ha editado discos como ‘Sospechoso tren de vida‘ (2007) y ‘Academia rocanrol’, este último con grabaciones de entre 2008 y 2009 e ideado con la colaboración del ilustrador Juanjo Sáez.
Curiosamente, ha sido Pepo Márquez de The Secret Society quien le ha tirado el mejor cable a Antonio Baños en Twitter: «Quien conozca a @antoniobanos_ sabe que esto es un trolleo de primera categoría, marca de la casa. Y que ahora llevará horas y horas muerto de risa». Juzguen ustedes mismos.
A mí siempre me ha caído mal Antonio Baños pero me parece que tiene todo el derecho de ver lo que le dé la gana en su ordenador; criticarle por eso es muy cutre y demuestra más mojigatería que otra cosa.
Quien conozca a @antoniobanos_ sabe que esto es un trolleo de primera categoría, marca de la casa. Y que ahora llevará horas y horas muerto de risa. pic.twitter.com/hUmQ03dJdj
Este domingo se celebra una nueva edición de los Grammys y The Weeknd debe de estar que trina: la ceremonia tiene muy buena pinta. A falta de que haya alguna actuación sorpresa, lo cierto es que no la necesitan. Por allí ya sabemos que estarán actuando Dua Lipa, Taylor Swift, Billie Eilish, Bad Bunny, Bruno Mars con Anderson .Paak… y un largo etcétera.
Abel Tesfaye está entre los grandes ignorados de las nominaciones. Muy injustamente. Sobre todo si recordamos que Beyoncé es la más nominada de la noche, con 9 posibles premios, sin haber editado realmente nada significativo el año pasado con la salvedad de una ’BLACK PARADE’ medio interesante, pero que no ha logrado instalar en el imaginario colectivo.
The Weeknd, crecido tras el buen recibimiento de su puesta en escena en la Super Bowl, ha decidido boicotear la ceremonia para siempre. Según un comunicado que reproduce The New York Times: “a causa de los comités secretos, no permitiré que mi sello presente mi música a los Grammys”, indica secamente, recordando que es decisión de las discográficas presentar singles o discos.
Una decisión que quizá lamente en el futuro, teniendo en cuenta que compite con décadas de tradición, que no se van a ir a ningún lado. Todo lo contrario. Si bien la audiencia de los premios puede estar en declive, la crítica que se realiza a los premios es diametralmente opuesta a los intereses de Tesfaye: que cada vez se parezca más a una ceremonia de los Premios MTV. El reconocimiento a Billie Eilish, de hecho, ha sido para tratar de acercar la Academia a un público más joven e interesado en las tendencias, sin perder un ápice de su prestigio.
La organización incluso había respondido en noviembre a The Weeknd, descartando cualquier tipo de relación entre la confirmación del artista en la Super Bowl y las nominaciones, como se rumoreaba, indicando que estas se habían votado antes de que se supiera que Tesfaye actuaría en el intermedio.
Conocemos a Camilo por el remix de ‘Tattoo’ con Rauw Alejandro, por la colaboración con Ozuna, por su temita con Reik y Farruko, por otra colabo con Pablo Alborán que también tiene ritmillo reggaetón, porque fue co-autor de ‘Sin pijama’, y sobre todo la joya de la corona: su hit ‘Tutu’ con y sin Shakira, en el que rima «nadie como tú tú» con «buscu» (¿del verbo buscar?).
Luego es de agradecer que en realidad sus discos no estén inundados de featurings desesperados y ritmos homogéneos. En su repertorio hay cierta querencia por la música de raíz cuyo mayor exponente es ‘Ropa cara’, una canción en la que una base mitad reggaeton mitad “trap” se va entregando al son cubano, ritmo en el que se explaya al final. Es su mejor grabación y la que nos ha terminado de llamar la atención sobre este disco.
Este segundo álbum internacional del colombiano tiene canciones hechas a imagen y semejanza de las modas, pero también una balada a piano que quiere durar tantos años como las de Alejandro Sanz: por algo ‘Manos de tijera’ se ha situado como pista 3 de todo esto, apareciendo en la secuencia mucho antes que los singles principales del álbum, que se han reservado para la segunda mitad.
También antes de que escuchemos el obligado momento sexy -que ciertamente lo es- junto a Evaluna Montaner, ‘Machu Picchu’, hay espacio para Los Dos Carnales con su corrido ’Tuyo y mío’, y para unas trompetas mariachis en ‘Mareado’, una canción cuyo estribillo fluye entre lo fetichista y lo «disgusting»: «Me huele a ti por todos lados».
Camilo se esfuerza un poco por ofrecer una visión ligeramente progresista de todo esto, como muestra la primera frase de ‘Tuyo y mío’, que es «dicen que detrás de todo hombre siempre hay una gran mujer, pero yo no estoy de acuerdo, porque tú estabas siempre delante»; si bien lo que más promueve es el romanticismo clásico. Esta canción habla de despertar juntos por las mañanas, estar con alguien «la vida entera», hasta «viejito», y concluye: «qué bonito sería un hijo tuyo y mío». Al fin y al cabo, el disco se abre con una canción en la que las «ingenieras» y las «cirujanas» dan besos y arrumacos en lugar de hacer puentes y operaciones.
En los créditos de ‘Mis manos’ aparece frecuentemente Edgar Barrera, mano derecha de Maluma, pero la variedad musical (el hit ‘BEBÉ’ es una bachata) y la escasez de «manos» en los créditos empuja el álbum más bien hacia los territorios de un compositor tipo Juanes. Bigote aparte, Camilo quiere ser más un autor que un «fucker», y este es un simpático segundo disco con el que asentar esa idea. Mejor que el primero, donde ‘Tutu’ ocupaba el 20% de la secuencia, cuando aquí todavía nos queda por hablar del descacharrante gancho instrumental de ‘Vida de rico’ y de la despedida tradicional con la balada ‘5 pa las 12’.
Año de transición para unos Premios Odeón que intentaban hacerse un hueco en la industria musical una temporada antes de la pandemia, recibiendo severas críticas por su foco en quien menos lo necesita, las tres multinacionales. Esta nueva edición ha tenido que celebrarse sin ceremonia presencial, a través de Instagram, con todo lo deslucido que esto pueda quedar.
Era además el año en el que los galardones trataban de aproximarse muy tímidamente al underground, a través de nuevas subcategorías, como la alternativa, dejando tibios resultados. La La Love You han sido el mejor artista revelación alternativo -después de unos 500 años de carrera- por encima de Rodrigo Cuevas, Delaporte, Ginebras o Alizzz (a quien C. Tangana dedicó su galardón); y nada menos que Vetusta Morla, distribuidos por Sony y tan solo gracias al decepcionante remedo de ‘Mismo sitio distinto lugar’ que hicieron con ‘MSDL Canciones dentro de canciones’, se han hecho con el Premio Odeón a Artista Alternativo, por encima de Sen Senra, quien habría lucido mucho mejor en el palmarés dada su creciente popularidad (casi 1 millón de oyentes en Spoti) y su contrato con un sello independiente tan fundamental e importante ahora mismo en la industria como es Sonido Muchacho. El mejor álbum de música alternativa ha sido ‘De vent i ales’ de Txarango.
En el año más difícil para Bunbury, en plena crisis de imagen por su apoyo a manifestaciones vinculadas con el negacionismo de la pandemia, los Premios Odeón han decidido que el mejor disco de rock de 2020 era ‘Posible’, un álbum de ecos Nick Cave y del último David Bowie que no estaba mal. Me gustó su tono profundamente confesional y de asunción de la derrota, con textos para analizar en profundidad sobre qué se esconde detrás del artista. Pero el álbum no podía pasar más desapercibido por las listas y entre sus mismos fans, para empezar porque Enrique ya ha sacado otro disco.
La mejor canción «urbana» no es ‘Tú me dejaste de querer’ de C. Tangana ni siquiera después de haber conseguido 4 discos de platino en pocos meses, sino ‘Mil tequilas’ de Chema Rivas, de nuevo cojeando en criterio: ni se estaba premiando lo mejor ni lo más popular. Ni nada parecido a los Grammy ni a los AMA’s ni a los Billboard. Puchito sí se hacía con el premio a mejor artista urbano, una de las pocas alegrías junto a la entrega de un premio a María José Llergo como revelación en flamenco o a Dua Lipa y Bad Bunny en el plano internacional; mientras el mejor disco de «urbana» era ‘Back to Rockport’ de Kidd Keo, por encima de Dellafuente, Kase.O o Nathy Peluso. Una confusa aproximación al público de la calle, consumidor de Youtube, de criterio difuso.
Entre lo poco emocionante o divertido que ha pasado por esa alfombra roja de los Stories ha sido María Jiménez, premiada en la categoría de flamenco, diciendo que se va a hacer una lámpara de metacrilato con la estatuilla. Cuando los Odeón sueltan estas limosnas en subcategorías «flamencas», «urbanas» y «alternativas», recuerdan mucho a los Grammy, ceremonia en la que se ha criticado mucho el poco protagonismo histórico del hip hop o ahora la música latina, en las categorías principales. Pero cuando llegan los premios principales, el criterio se diluye en el batiburrillo. A veces se premia a lo más popular y a veces no, casi nunca a lo mejor. Más bien todo lo contrario.
Aceptemos que ‘+’ de Aitana y Cali y El Dandee es la canción del año para alguien, pese a haber sido algo menos exitosa que ‘Tú me dejaste de querer’, y que Pablo Alborán es el mejor artista pop del año o un artista de pop, siquiera, ahora que se ha acercado un poquito a la electrónica, ¿pero en qué planeta pueden vivir unos galardones en los que se considera que ‘En tus planes’ de David Bisbal es el mejor álbum de música pop del año? A menudo nos preguntáis por qué reseñamos estas cosas, pero merece la pena hacerlo para hablar con conocimiento de causa: ‘En tus planes’ no es el disco de pop del año, sino un disco mojigato y aferrado penosamente al amor tradicional, sostenido en featurings como el de Sebastián Yatra, el de Aitana o el de Juan Magan. Un álbum desesperado por el éxito desde su mismo planteamiento que pudo ser el más vendido -que lo fue en 2020 entre los españoles solo por detrás de Bad Bunny-, pero jamás equiparable, por supuesto a ‘El mal querer‘ o, en otros premios internacionales, a artistas comerciales capaces de dar todo de sí mismas, como Adele, o reinventarse, como Taylor Swift. Si este va a ser el criterio, ¿durarán los Odeón mucho más que los Premios Amigo?
Palmarés de los Premios Odeón:
Artista Odeón Pop: Pablo Alborán
Artista Odeón Revelación Pop: Nil Moliner
Mejor Álbum Pop: David Bisbal (En tus planes)
Mejor Canción Pop: Aitana & Cali y (El Dandee – +)
Artista Odeón Urbano: C. Tangana
Artista Odeón Revelación Urbano: RVFV
Mejor Álbum Urbano: Kidd Keo (Back to Rockport)
Mejor Canción Urbana: Chema Rivas (Mil Tequilas)
Artista Odeón Rock: Leiva
Artista Odeón Revelación Rock: Marlon
Mejor Álbum Rock: Bunbury (Posible)
Artista Odeón Flamenco: María Jiménez
Artista Odeón Revelación Flamenco: María José Llergo
Mejor Álbum Flamenco: Israel Fernández & Diego del Morao (Amor)
Artista Odeón Alternativo: Vetusta Morla
Artista Odeón Revelación Alternativo: La La Love You
Mejor Álbum Alternativo: Txarango (De Vent i Ales)
Artista Odeón Latino: Bad Bunny
Artista Odeón Internacional: Dua Lipa
Mejor Videoclip: Ana Mena y Rocco Hunt (A un paso de la luna)
Mejor Directo: Los artistas y profesionales que hacen posible la música en directo.
Premio Odeón de Honor: Raphael
Premio Odeón al mejor Proyecto Covid: Stay Homas
Hoy se publican nuevos discos de Nick Jones, Axolotes Mexicanos, The New Raemon, Tu Otra Bonita, Marinah, My Expansive Awareness y el EP en castellano de Selena Gomez. Otro que saca EP es ARON, el actor conocido por su papel en ‘Élite’. También sale ya el disco de remezclas sobre ‘Suddenly’, el excelente último trabajo de Caribou.
Este jueves han salido temas de Zahara, Manel o un remix de Paul McCartney con Dominik Fike. Macca se dispone a revisitar su último álbum junto a gente como St Vincent, Phoebe Bridgers y Blood Orange.
Entre quienes también han estrenado nuevo tema están Everything Everything, Jorja Smith, Ibeyi para una banda sonora, London Grammar, Xenia Rubinos o Alba Reche en compañía de Fuel Fandango. Entre las curiosidades, la versión de Tkay de los Pixies, lo nuevo de Yarea o la canción para cortar el hipo de Verde Prato.
Completamos la playlist de novedades con Guillem Roma con Sílvia Pérez Cruz, US Girls, Sharon Van Etten con IDLES, Vic Mirallas, BRUNA, LP, The Anchoress con el líder de Manic Street Preachers, Núria Graham, Corea La Buena, Sarria, La Cebolla, Ahlamalik, Machine Gun Kelly, Ptzaeta, Ant Cosmos, Brisa Fenoy por partida doble, La La Love You, ROSÉ, Imagine Dragons, Ede con Xoel López y Bizarrap.
Cualquiera que siga a Zahara en redes sociales se habrá dado cuenta de su admiración por Taylor Swift. Cada vez que la artista americana saca un disco, sube un millón de Stories aproximadamente, con las diferentes fotos promocionales, sus temas favoritos, etcétera. Como para desearle suerte en los reñidos Grammy del domingo, esta tarde a las 19.00 Zahara ha estrenado un tema simplemente llamado ‘Taylor’, que está inspirado en Swift. Y tiene su gracia porque justo ‘MERICHANE’, un tema de empoderamiento feminista, anti-abusos y antiacoso, había recordado a la era ‘reputation’ de Taylor Swift en nuestros foros.
La primera en la frente: Zahara comienza esta canción indicando: «Ya me lo dijo Taylor: “somos yonkis del cariño ajeno” / necesitamos el aplauso del extraño / hemos dejado nuestra paz en sus manos». ‘Taylor’, una balada que pronto incorpora un bombo, recordando poderosamente al proyecto paralelo de Zahara, _juno, es una canción que habla de odio y amor, a veces hacia uno mismo, con una interpretación vocal asfixiante con la que Zahara expresa el dolor de no ser uno mismo (una misma) por miedo a que no sea «lo que esperan de mí»:
«No sé qué es lo que quieren de mí
qué es lo que quiero yo
nadie me pregunta a mí».
Zahara ha explicado en Instagram que escribió ‘Taylor’ influida por un documental de Taylor Swift en el que se dio cuenta de que ambas habían pasado por experiencias similares. El vídeo dirigido por Guillermo Guerrero sigue a pies juntillas la estética de ‘folklore’, terminando de convertir la canción en algo realmente emocionante. ‘Taylor’ es el tercer adelanto del nuevo disco de Zahara, que ya sabemos que saldrá el próximo 30 de abril gracias a su campaña de cartelería callejera. Tras ‘MERICHANE‘, llegaba la experimental ‘canción de muerte y salvación’.
Parece un poco gratuito que alguien haya hecho un documental de Billie Eilish a estas alturas de su carrera cuando, pese a su tremendo éxito, prácticamente acaba de empezar. Eso es lo primero que a uno se le viene a la cabeza antes de ponerse ‘Billie Eilish: The World’s A Little Blurry’: no ha pasado el tiempo suficiente como para que se dedique una película entera a su carrera, pero la realidad, es que hay un enfoque más concreto de lo que se quiere contar. El documental se centra en el proceso creativo de su álbum debut, ‘When We All Fall Asleep Where Do We Go?’, la gira y, básicamente, el salto al estrellato mundial que le supuso. Pero sobre todo y por lo que más merece la pena es por la manera en la que se humaniza a Billie, presentándola siempre como una chica de 17 años muy unida a su núcleo familiar y con una visión muy clara de su arte, de lo que quiere y lo que no quiere compartir con el mundo.
En ese sentido, está por encima de la mayoría de este tipo de documentales que suelen funcionar solamente como una plataforma para promocionar a los artistas. R.J. Cutler realiza una labor interesante, ya que no busca descaradamente hacer de Billie una persona particularmente simpática, sino que su forma de reflejar su personalidad en pantalla siempre resulta bastante realista. Sin embargo, progresivamente se establece un entendimiento total entre la cantante y el espectador que consigue acercarnos y empatizar de lleno con una de las estrellas más atípicas dentro del mainstream.
La educación que recibió, desde casa y sin ir nunca al colegio, claramente le ha influido a la hora de ser la persona que es. El apoyo de sus padres y su hermano Finneas, que desde pequeña la educaron en la música y dejaron que se desarrollara artísticamente, han sido –y siguen siendo- claves en su emergente carrera. ‘The World’s A Little Blurry’ es sobre todo un documento perfecto para los fans de la cantante, pero también funciona a modo de curiosidad para aquellos a quienes intrigue ver cómo funciona la mente de una de las figuras más refrescantes en el pop actual. Además de la cercana relación con su familia, también se cuenta lo poco que le gusta escribir canciones, lo dura que a menudo es consigo misma y, por supuesto, su relación con la fama. El disco lo grabó junto a su hermano en su habitación en la casa donde lleva viviendo desde siempre, y se puede ver en numerosas ocasiones cómo van surgiendo ideas por parte de ambos o cómo Billie va pensando a la vez en los videoclips y la estética. Tiene una visión total de qué planos quiere, qué va a salir y cómo se va a montar, por lo que ha acabado dirigiendo ella misma varios de esos videoclips.
Algunos de los grandes momentos son cuando se muestra su admiración hacia Justin Bieber, de quien era la mayor fan desde que era una niña. En este documental de Billie Eilish aparece la primera vez que se pone en contacto con ella para colaborar en su versión de ‘bad guy’, su reacción cuando le conoce en persona por primera vez en el Coachella o cuando este le videollama para felicitarla por su victoria en los Grammy. Pero la situación más divertida se da cuando en el mismo festival californiano, antes de la actuación de Billie, Katy Perry habla con ella mostrándole su apoyo y aprovecha para presentarle a “su prometido”. Ambos la abrazan, le dan ánimos y le dicen que la admiran, pero cuando se van, Billie no tiene ni idea de que la pareja de Katy Perry era Orlando Bloom y se pensaba que “era un tío que Katy Perry había conocido”.
Algo que sale a la luz en el documental y que la cantante nunca había hecho público es que tuvo una breve relación con el rapero Brandon Quention Adams, a quien ella llama Q y cuya ruptura le afectó enormemente. Hay una escena después de que esto pase en la que está con una amiga y pone y canta ‘Glad He’s Gone’ de Tove Lo, que es todo un “mood”. Pero la apretada agenda de Billie le impidió recrearse en su corazón roto, ya que estaba en mitad de su gira, y cuando estás envuelta en esa espiral de fama, en muchas ocasiones estás obligado a dejar tus emociones a un lado.
Lo peor de ‘The World’s a Little Blurry’ es su metraje, que se dilata sin sentido y del que fácilmente podría recortarse un buen porcentaje; y no porque lo que cuente no sea interesante, sino porque seguiría siéndolo y contaría lo mismo sin detenerse tanto en detalles que no aportan demasiado. Pero más allá de eso, está por encima de la media de este tipo de documentales, y sobre todo, viendo el talento que tiene Billie Eilish creando música, genera unas expectativas altas sobre lo que podrá hacer en los próximos años. La película sirve como celebración de que una artista adolescente con un estilo tan personal y grabando canciones desde su habitación se haya convertido en un fenómeno de masas. 7.
Mientras los fans de Madonna se preguntan si algún día llegará a Netflix o de alguna otra manera el concierto de la gira de ‘Madame X‘, y sobre todo si después de un año de edición, quedará en él algo de su fascinante magia en vivo; su pareja debuta en el mundo musical. Se trata de Ahlamalik Williams, bailarín en el ‘Rebel Heart Tour’ de Madonna, y también en el show de Michael Jackson organizado por el Cirque du Soleil. Con él, M ha confirmado su relación en fechas tan señaladas como Navidad y el Día de San Valentín.
Este fin de semana su primer tema llamado ‘West Side’ ha aparecido en las plataformas de streaming sin causar excesivo revuelo: apenas 1000 reproducciones a nivel mundial en Spotify y 4000 en Youtube media semana después, todo ello a pesar de haber contado con dos pesos pesados en la producción.
Son Mike Dean, conocido por sus trabajos con Kanye West o la misma Madonna en ‘Rebel Heart‘, y un hombre de su confianza, Sean Solymar, que ha trabajado con Mike Dean por ejemplo en el disco de 070 Shake o en ‘DAYTONA’ de Pusha T.
Tras gastar toda esta pasta en estas dos personas, sorprende la dejadez en el lanzamiento: es como si esperaran que se viralizara solo, cosa que no va a suceder. El tema se publicaba en domingo, ajeno a las playlists de las novedades de los viernes, nadie del equipo de Madonna ha enviado una nota de prensa al respecto, y toda su promoción es un post de Instagram de Ahlamalik en el que Ella se ha dignado a dejar un comentario indicando: «Esta canción es tan…» y un corazoncito negro.
‘West Side’ es una canción escrita únicamente por Ahlamalik Williams sin coautorías y editada bajo el paraguas de Ahlamalik, su propio sello, nunca Boy Toy. Si Madonna visitó al mánager de The Weeknd, bien no fue por esto, o fracasó en el intento. Por lo demás, es un tema de base de trap old school y coros pasado por el Autotune, cuyo fondo trata de construir cierta sensación de claroscuro, mientras él mantiene cierto optimismo: «si prestas atención a las estrellas, ellas te alinearán». ¿Quedará todo esto en anécdota, puede haber vídeo de superproducción en ciernes conocida la vinculación de Ahlamalik con grandes marcas como Stella McCartney y, más aún, puede haber dúo acaso? Gracias a Torrezna en el foro de Madonna por el aviso.
El colectivo californiano Peach Tree Rascals continúa el camino hacia su EP de debut, ‘Camp Nowhere’, que saldrá el día 26 de marzo, con un nuevo single que os presentábamos hace unos días en la playlist de novedades semanal “Ready for the Weekend”. Todo ello después de haber sumado casi 200 millones de reproducciones en Spotify con la agradable ‘Mariposa’.
Algo sobrevuela también, en este caso unas sencillas animaciones, en el vídeo para este ‘LEAVE ME’ que busca y consigue ser un dechado de buen rollo. Si en ‘OOZ’ encontrábamos una especie de mezcla de Weezer y ritmos actuales, muy apta para los tiempos en que encontramos a Rivers Cuomo brillar como pocas veces este siglo en una canción de Avalanches; los coros neo-soul son el bonito fondo de esta agradable producción.
Su inspiración última podría ser Stevie Wonder, mientras la percusión recuerda poderosamente a la Amy Winehouse de ‘You Know I’m No Good’ o ‘Tears Dry On Their Own’, por el camino de la Motown. Todo ello a su vez en sintonía con la nueva ola de indie y R&B alternativo cercana a un Mac DeMarco o en España, un Sen Senra. Peach Tree Rascals están definitivamente en la línea inclasificable de Dominik Fike.
Explica el rapero y cantante Tarrek sobre el inminente EP: «‘Camp Nowhere’ nace de la idea de que mucha gente ha estado usando el aislamiento de la cuarentena para profundizar en sí mismos y descubrir qué es realmente importante para ellos. Para algunos, ha sido un descubrimiento… un nuevo hobby, o sentir que es la hora de mudarse a un nuevo lugar». Una filosofía que encontramos en ‘LEAVE ME’, pues la canción indica que pasa de malas vibraciones: «no quiero perder el tiempo, solo me importan mis cosas», si bien su estribillo quiere decir justo lo contrario de lo que indica, en imperativo, el título del tema: «¿Encontrarás a otro? Sé que quieres dejarme, pero por favor no me dejes ir».
Ajenos a etiquetas, y para muestra esa foto promocional en la que parecen una boyband, da igual de dónde, los americanos Peach Tree Rascals, hijos de inmigrantes palestinos, filipinos y mexicanos, celebran la vida tras entender que esta bien pudieran ser dos días.
‘45 cerebros y 1 corazón’ fue un bólido celeste que estalló en la atmósfera de esta galaxia mediana con tal fuerza que era de temer que su luz cegadora quemase toda la obra posterior de Maria Arnal i Marcel Bagés. Pero ellos no se han dejado arredrar. ‘Clamor’ es otro cuerpo celeste de gran brillo, pero de diferente cualidad, porque en la naturaleza de Arnal i Bagés no mora el estatismo o lo acomodaticio. Ya hicieron un salto descomunal en su primer disco desde sus orígenes recuperando tonadas tradicionales. El “siempre un poco más lejos” ha sido su lema.
Producido de nuevo por David Soler, este disco se cimenta, como el anterior, en la voz portentosa de Maria, el celo musical de Marcel y un nutrido grupo de colaboradores, juntos en el afán de hallar una suerte de «canción total». ‘Clamor’ es un disco más experimental que su predecesor, aunque aún sigue enraizado en la canción popular hispánica, pero de manera menos obvia. Hay poca guitarra y sí mucha investigación sonora. ‘Clamor’ se sustenta en la electrónica, los sonidos de la naturaleza y, sobre todo, en el uso de la voz como instrumento, siguiendo la estela de eminencias como Björk o Holly Herndon. No en vano, la islandesa parece el punto de partida, especialmente su obra en ‘Medúlla’ o ‘Biophilia‘. Y la norteamericana es mucho más que una influencia; es, también, colaboradora en ‘El cant de la Sibil·la’. Y, como ambas, el dúo aspira y logra conjugar la vanguardia y el riesgo con la emoción.
Emoción, pero quizás menos acción. En ‘Clamor’ llama la atención la aparente ausencia de política. ’45 cerebros…’ era un disco tremendamente combativo, construido sobre la idea de la memoria, de la de los vencidos especialmente. Aquí no hay un punto de partida tan determinante. Las letras son más elípticas, más crípticas. Arnal es la escritora de casi todo el disco, y el planteamiento parte de sus experiencias, vivencias y lecturas. Lo colectivo está, pero escondido entre su subjetividad; sus letras son alegatos naturalistas, hablan de ecología o feminismo, pero sus proclamas son poéticas antes que discursivas.
‘Clamor’ sí que se abre, por eso, con un esplendor similar a su primer álbum. ‘Milagro’ hace la función que en su día realizó ‘Canción total’, como puerta de entrada mágica y arrebatada al universo del disco, pero con una visión menos cáustica. Porque en ‘Milagro’ hay emoción y compasión. «Que la vulnerabilidad me haga más libre, más justa», canta Maria y nos remite a Violeta Parra, a quien se vincula por el uso de décimas, que solía usar la chilena. La vocación por la canción popular no se extingue aquí: aunque piezas originales, la tradición está bien presente en ‘Ventura‘, su «canto de lavanderas», en palabras de Arnal; ‘Tras de ti’, pura copla o ‘Jaque’ (con Kronos Quartet). La única adaptación de un canto tradicional es ‘El cant de la Sibil·la’, una obra litúrgica medieval que se canta en la Misa del Gallo sobre todo en Mallorca, y que deviene hechizo místico y vocal gracias a la producción de Holly Herndon.
Pero en ‘Clamor’ también hay estrellas fugaces que son puro pop. ‘Fiera de mí‘, el primer single, es una de las piezas donde se juega más con las voces. Juguetona y luminosa, hace sorna con la idea de animalidad como reacción ante una humanidad paradójicamente deshumanizada. ‘Meteorit ferit’ contiene un delicioso guiño a los últimos Manel, tanto en la forma de la canción y en la manera de cantar de Maria, que parece imitar a Guillem Gisbert. Pero el fulgor es máximo en un tramo final portentoso, en que vuelve a relucir la influencia de Björk, pero la imperial, la de ‘Post’ u ‘Homogenic’. Está el reverso a ‘Tú que vienes a rondarme‘, que es ‘El gran silencio’. Si ‘Tú que vienes…» era, en palabras de Maria, una canción de cortejo sobre la base de la sonda Voyager, Arnal i Bagés tiran otra vez de las referencias espaciales, pero esta vez para narrar la desaparición implacable de la diversidad biológica. Lo que en ‘Tú que vienes…’ era gozosa celebración, en ‘El gran silencio’ es ansiedad, a pesar de su belleza evanescente. Este final cósmico se remata en ‘Hiperutopia’, un guiño a ‘Hyperballad’ de Björk, electrónica sensual y mágica, con la voz de Maria arrebatada murmurando: «totes les coses que no sé com explicar», perfecto resumen del disco que nos deja flotando en el espacio exterior.
’45 cerebros y 1 corazón’ fue un disco grande e irrepetible y ya hace mucho que dejó de ser de Arnal y Bagés para instalarse en el imaginario colectivo; es nuestro, de la gente. Y está bien que así sea y así se quede. Pero ‘Clamor’ es mucho más que «el segundo disco». Es una obra que apela tanto a lo visceral como a lo intelectual y que cuesta mucho, mucho de abarcar en sus múltiples facetas, dados su derroche musical y lírico. Arnal i Bagés han confirmado de manera contundente que ellos también son mucho más que su primer largo.
‘Himno de España’, con su mención a Villarejo y con una melodía que recuerda -quizá involuntariamente- a ‘Club de Egipcios’ de Dinarama, es una colisión de varios géneros que su sello Sonido Muchacho identifica como «flamenco, funk, rap, krautrock y afrobeat». El colíder Iñaki López lo define así: “una idea de juntar mundos y dividirlos entre una parte más solemne y vehemente, como lo es la tradición poética española, y otra más pícara». Entre las influencias, un concierto de homenaje que hicieron a Las Grecas, Bambino, Chunguitos… y unos directos de Pata Negra del documental titulado ‘El rock de los gitanos’. SPOILER: no será la canción más inmediata del disco que van a sacar pronto, y que se llama precisamente ‘Kokoshca’ porque pretende ser su álbum definitivo.
En ese álbum encontraremos temas tan pop y directos como ‘Te sigo esperando’, por lo que sin duda lo de complicarse la vida presentando su álbum con una de las canciones más esquivas es una decisión política. Mucho más que el mismísimo título de la canción, y desde luego mucho más controvertida que mencionar el «voto al PP», como hacen en otra de las composiciones del próximo disco.
En su línea siempre algo difusa e involuntaria entre «queremos ser accesibles, pero sin traicionar al underground», el single de presentación de ‘Kokoshca’ se reserva lo mejor no para un hipotético estribillo, sino para la explosión de los segundos finales. Ahí en el vídeo hay no solamente funk y «mucho calor», sino hasta coreografía en el videoclip (que recorre España cual película de Bigas Luna). Ardemos en deseos de celebrar este enorme clímax en vivo.
Antes, hemos asistido a 4 minutos libres y anti-playlists, en los que han cabido bromas internas (“le vamos a meter a eso un cañonazo de ritmo que va a ser la puta bomba”), humor universal («lo siento si no estoy muy flamenco») y una letra algo extraña que hace un paralelismo entre «el conflicto entre mente y corazón» y la España traicionada «por la iglesias, castas y fuerzas armadas». La fiesta, como el vídeo, acaba no a lo grande sino en un pequeño club, y es el donostiarra Dabadaba. Un sitio con un lugar histórico en el underground, ¿pero lo identificará todo el mundo?
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(@mescojono) 
