Nada más llegar al recinto del Fòrum, me topo con “Unsilence Gaza”, una especie de túnel negro que reproduce el sonido de la guerra (bombas, aviones) de Gaza en su interior. Es un proyecto de las oenegés Casa Nostra, Casa Vostra y de Novact, ideado por el ingeniero palestino Oussama Rima. Y me genera estupefacción. ¿Es una instalación necesaria para concienciar a la gente del horror de Gaza? ¿O es una atracción morbosa, frívola y ventajista al filo de la actualidad? Todavía lo estoy decidiendo.
Hinds abren con ‘Story of an Artist’ de Daniel Johnston. Y su primera canción es, claro, ‘Hi, How Are You?’ Están bien arropadas por una bajista y una batería. Me ponen un poco nerviosa cuando se dirigen al público… ¡en inglés! Lo divertido es que a esa hora apenas se ven asistentes extranjeros. Su esforzado pop-punk va discurriendo alegre y saltarín, con Perrote y Cossials mostrando desparpajo y mohínes continuamente.
Christian Bertrand
Hay puntos álgidos como una coreada ‘Boom Boom Back’, sin Beck: la magia del Primavera no llega a tanto. Se preguntan por la cantidad de ex que tenemos en el Primavera y dedican su “única canción de amor”, ‘Good Bad Times’, a las amigas «porque cuantos más ex tenemos, más las queremos». Celebran que las cabezas de cartel sean mujeres, y lo certifican haciendo una versión “a la Hinds” de ‘Girl, So Confusing’ (ft Lorde) de Charli xcx. No será la única: también cae ‘Spanish Bombs’ de los Clash, con morcillas sobre Barcelona y el Primavera. Perrote nos explica que lo pasaron putas durante la pandemia, que estuvo “a punto de destruirlas”. Pero que de ahí han sacado a su bajista y batería, una amistad más fuerte y una canción, la sensible y referencial ‘Superstar’. Acaban con ‘En forma’, haciendo posturitas de culturista. Son tan divertidas como a veces repelentes, pero hay que reconocerles que no pierden ni la frescura ni los ánimos.
Christian Bertrand
Guille Milkyway es el gran vencedor de la jornada, a pesar de que a su hora apenas hay asistentes foráneos. Pero sí un nutrido público de autóctonos dispuestos a corear la última coma. La Casa Azul es ahora una máquina de hits y de conciertos espectaculares, aunque la hora temprana (aún es de día) amortigua su propuesta visual. Guille lleva dos tarimas enormes que también funcionan como pantallas con sendos programadores encima, una batería estándar y otra electrónica y una enorme pantalla trasera. Abre con ‘No hay futuro’ y empieza la fiesta. ¡Y confeti! ¡Y fuegos artificiales! ¡Y exitazos a cascoporro! ¡’No más Myolastán’! ¡’Los chicos hoy saltarán a la pista’!
Guille es a día de hoy un maestro de ceremonias bastante apasionado. Esta noche está desatado con su teclado-guitarra. Hay euforia, hay más fuegos, hay ‘ATARAXIA’. También hay, claro, ratos para sus canciones doméstico-melancólicas, como ‘El momento’. Pero la fiesta vuelve con ‘Esta noche sólo cantan para mí’ y el desfile de imágenes de ídolas de la música de todos los tiempos: aparecen Beyoncé y las Ronettes, Nina Simone y Lorde. Un temazo, si me preguntan, que además enlaza con ‘Podría ser peor’, cima de la tristeza de La Casa Azul y hit incontestable, porque el público se desmanda más, hay más fuego y más confeti. Y rematan con ‘Cerca de Shibuya’ y el himno que escribió sobre “la gente que se reía de nosotros”, en palabras de Guille, ‘La fiesta universal’. Pero el jolgorio máximo llega con ‘La revolución sexual’. La alarga, presenta a la banda y mete el sample de Chi-Lites ‘Are You My Woman?’ (el de ‘Crazy in Love’). Cierra con ‘Nunca nadie pudo volar’, entre house machacón, euforia, más fuego y más confeti. Guille y la banda se quedan un rato saludando al público mientras suena un remix de ‘Podría ser peor’ y la gente se queda bailando y cantando. Un gran baño de masas. Se lo merece.
Christian Bertrand
Para la hora de Caribou aparece absolutamente todo el mundo. El recinto que hasta hacía un momento era manejable, se convierte en incómodo: baños imposibles, amigos que se quejan de que no pueden ni pillar comida… Suena ‘Pump up the Volume’, porque Caribou arranca con ‘Volume’. Volumen que está algo bajo: hemos salido un momento del gentío y a ver quién es el guapo que regresa. Y en la parte de atrás del escenario el sonido no acaba de llegar.
Ya es de noche y eso ayuda a los espectaculares juegos de luces que trae Dan Snaith. Ellos son los protagonistas, mientras Snaith se dedica, aplicado y algo taciturno, a la batería electrónica, a las programaciones y a cantar ocasionalmente. Todo es muy atmosférico, contemplativo. Y ¡pam! cae ‘Odessa’ a las primeras de cambio. Una maravilla de canción que baña en rojo, pero se sigue oyendo flojo. Entre el gentío moviéndose, hablando y el volumen algo escaso, cuesta meterse en el concierto. Así que emprendemos un acercamiento lateral. Sabia decisión. Mejor sonido, mejor visión, menos gente molesta. Encima, aquí se acaba lo contemplativo y arranca la zapatilla, muy bien recibida. El batería se luce a redobles entre vitoreos del público. Hay pausas, subidones, derivas de house trotón y una estupenda ‘Broke my Heart’ que sube de luces e intensidad. Lo mejor es sumergirse, bailar, dejarse llevar. Cada vez la música y los audiovisuales son más ruidosos, machacones… Hasta que culmina en el himno ‘Can’t Do Without You’. Hay palmas entre el público, es un bonito momento de celebración comunal. Dan se levanta, el público bota, todos cantamos. Un gran cierre.
Melody ha acudido a El Hormiguero para hablar de su paso por Eurovisión. Ha sido su primera entrevista en televisión tras su actuación en Basilea, la primera tras la polémica cancelación de su entrevista en La Revuelta, y la primera tras su aún más polémica rueda de prensa.
Pablo Motos no ha eludido la cuestión que todo el mundo esperaba y ha preguntado a Melody directamente por el conflicto de Israel y Palestina. Le ha preguntado si no se ha manifestado sobre el tema porque no se ha sentido cómoda, y Melody ha vuelto a aclarar que está «en contra de las guerras» y de que «mueran niños y gente inocente», pero también ha señalado que la política se le «va de las manos» y que hay ciertas «palabras técnicas» que desconoce.
De manera extraña, Melody ha apelado a su pasado como estrella infantil para explicar que ella siempre «ha estado dispuesta a ayudar, desde chiquitita», y que las letras de sus canciones «hablaban de los niños, de que había que cuidarlos». A continuación, se defiende de las «desagradables» críticas que ha recibido por parte de gente que «no la conoce», y asegura que, el que la conoce en persona, sabe que «yo no puedo ver la tele y ver esas cosas porque me ponen fatal».
A continuación, Melody reconoce su desconocimiento en materia política: «Yo no puedo hablar de ciertos temas porque no soy política, soy cantante, y hay cosas que se van de las manos; hay palabras técnicas que no las utilizo en mi día a día». Melody, sin embargo, vuelve a señalar su posición «en contra de las guerras» y razona que «en el mundo no se debería permitir que mueran niños y gente inocente».
“Te criticaron por no posicionarte con lo de Israel y Palestina, ¿tuviste miedo a meter la pata?”
La respuesta de Melody: la cuñadiva, cobarde y zarrapastrosa.
La intervención de Melody en El Hormiguero ha arrancado con una actuación musical, en la que ha interpretado ‘Esa Diva’ y su nuevo single, ‘El Apagón’. Para el inicio de ‘Esa Diva’, Melody ha aparecido colgada de unas cortinas rojas.
Billboard ha actualizado su lista con su selección de los 100 mejores himnos LGTBIQ+ de la historia. En ella están todos los artistas que te puedes imaginar y muchos más, ya que el medio estadounidense solo ha permitido una canción por cada artista. Lady Gaga lidera la lista con ‘Born this Way’, mientras que en el top 10 también aparecen Chappell Roan, Frank Ocean y Madonna.
Uno de los puestos más polémicos es justamente el décimo, ocupado por ‘Good Luck, Babe!’. Sin embargo, llama la atención que uno de los himnos más reconocidos de la historia, como es ‘I Will Survive’ de Gloria Gaynor, se quede justamente un puesto por detrás. Elton John, con ‘I’m Still Standing’, y Donna Summer, con ‘I Feel Love’, se quedan fuera del top 10.
En este sí encontramos el ‘True Colors’ de Cyndi Lauper (#9) o el ‘Vogue’ de Madonna (#7). También se ha cuidado que haya un equilibrio entre los clásicos, como ‘I’m Coming Out’ de Diana Ross (#3) o ‘You Make Me Feel (Mighty Real)’ de Sylvester (#2), y los himnos de las nuevas generaciones, tal y como ‘Immaterial’ de SOPHIE (#4) o ‘Chanel’ de Frank Ocean (#6).
Top 10 de los mejores himnos LGTBIQ+, según Billboard:
1. Lady Gaga – ‘Born This Way’
2. Sylvester – ‘You Make Me Feel (Mighty Real)’
3. Diana Ross – ‘I’m Coming Out’
4. SOPHIE – ‘Immaterial’
5. Brandi Carlile – ‘The Joke’
6. Frank Ocean – ‘Chanel’
7. Madonna – ‘Vogue’
8. Against Me! – ‘True Trans Soul Rebel’
9. Cyndi Lauper – ‘True Colors’
10. Chappell Roan – ‘Good Luck, Babe!’
Amaia ha vuelto a protagonizar una actuación viral en el programa ‘That’s My Jam’. Esta vez, reimaginando cómo sonaría uno de los mayores éxitos de Shakira al estilo del cante jondo y deslumbrando con su voz flamenca, lo cual no es muy habitual.
Cuando el programa de Arturo Valls se emitía en Movistar Plus+, Amaia sorprendió con una versión flamenca de ‘Ni tú ni nadie’ de Alaska y Dinarama que se hizo viral en redes y que recibió los elogios de la propia autora. Anoche, en una de las diversas pruebas en las que participan los equipos de celebridades, Amaia volvió a brillar.
«Yo no canto flamenco, lo voy a hacer como pueda», contó Amaia antes de arrancarse a cantar. La versión de ‘Las de la intuición’ comenzó con unas palmas a las que enseguida se unen unos arreglos de guitarra. Es en el estribillo cuando Amaia libera todo el vozarrón que lleva dentro. Durante la ovación unánime del plató, Amaia tampoco dejó de ser ella misma: «Madre mía, qué vergüenza me da esto», soltó.
Con motivo de sus dos conciertos en el Estadio Metropolitano de Madrid, Ed Sheeran rompió una de sus propias reglas para visitar el programa de David Broncano: «Conozco el programa y esto es nuevo para mí porque normalmente no voy a programas si estoy de gira», comentó el británico.
Es por esto mismo que lo que se emitió ayer por la noche fue grabado el sábado por la mañana, para aprovechar que Sheeran solo tenía ese rato para hacer la entrevista. Como de costumbre con los invitados internacionales, Broncano fue traduciendo la conversación en directo para el público, pero en esta ocasión también pusieron subtítulos.
Después de una deliciosamente absurda conversación sobre rinocerontes, hámsters y pelos púbicos en los espaguetis, Sheeran destacó el humor del programa y lo comparó con lo que hay en los programas de su país: «En Inglaterra no podrías hacer esas preguntas de qué prefieres. Me gusta que podáis llevar al límite el humor», confesó.
El cantautor británico presentó en directo las canciones ‘Azizam’ y ‘Old Phone’, pero el momentazo del encuentro fue la actuación conjunta con Grison, que con su pedalera, su guitarra y su habilidad con el beatbox ayudó a Sheeran a improvisar sobre la canción ‘Don’t’.
Que venga uno de los artistas más escuchados del planeta ya es noticia, pero es que no hace entrevistas cuando está de gira. Y encima dice que esta mierda es mejor que muchos programas a los que ha ido por la libertad con la que hablamos aquí de todo. #LaRevuelta@edsheeranpic.twitter.com/ZK7g93w8CQ
Cuando vienen invitados grandes hay que sacar la cubertería cara. La pregunta mítica del QUÉ PREFIERES había que sacarla hoy. Yo sigo teniendo dudas porque a la broma está claro qué responder. #LaRevuelta@edsheeranpic.twitter.com/2AlH6fP0IX
Que Grison está ahí soltando sus chistes cada día y ya es famoso por ello, pero el tío es que es campeón del mundo de loop station y puede tocar perfectamente con tótems como Ed Sheeran #LaRevuelta@edsheeranpic.twitter.com/8dKMsxCwxY
La próxima edición del festival Cruïlla, que se celebra los días 9, 10, 11 y 12 de julio en el Parc del Fòrum de Barcelona, ha revelado hoy sus horarios. Gracie Abrams, Sex Pistols con Frank Carter, Alanis Morissette y Thirty Seconds To Mars son los cabezas del cartel, que cuenta con más de 50 artistas.
Cruïlla ha confirmado también que contará un año más con cuatro grandes escenarios dedicados a la música: Estrella Damm, Occident, Vueling y Vichy Catalan, además del escenario Vallformosa, donde tendrá lugar una nueva edición del Cruïlla Comèdia con grandes cómicos locales e internacionales.
De esta forma, el miércoles 9 de julio gavina.mp3 (Estrella Damm) y Modelo (Vichy Catalan) se encargarán de inaugurar el evento a las 17h, mientras que Gracie Abrams finalizará la noche a las 21:30h. El jueves, Sex Pistols feat. Frank Carter harán lo mismo a las 23h en el escenario Estrella Damm.
El viernes 11 y el sábado 12 la programación ya se extenderá hasta las 5 de la madrugada. Thirty Seconds To Mars comenzarán a tocar a las 23:20h del viernes, que terminará con la fiesta de Vive La Fête a las 03:35h. El sábado, por otro lado, Alanis Morissette saldrá al escenario Damm a las 23h. Elyella despedirán el festival a las 03:30h. Entradas disponibles en la página web oficial del evento.
El segundo álbum de Matt Berninger versa sobre la depresión y el bloqueo creativo, dos de las inspiraciones comunes en las letras del líder de The National, la segunda muy presente estos últimos años. El escenario en ‘Get Sunk’ es, en cambio, distinto: el artista se ha mudado a Connecticut junto a una hija adolescente y su mujer, se ha dedicado a pintar, a ver películas y a fumar marihuana, conectando con su yo adolescente. Los tiempos en que pasaba veranos con tíos y primos en una granja de Indiana.
«Indiana» aparece hasta 17 veces en las letras, a destacar su protagonismo en ‘Frozen Oranges’, un tema plagado de fruta e imágenes bucólicas; pero también en ‘Junk’ o ‘Inland Ocean’, donde viaja para ver a una vieja amiga que ya no está donde la recordaba.
La nostalgia y el paso del tiempo son temas inevitables cuando te sientas a preguntarte qué ha sido de tu vida. ‘Breaking Into Acting’ recuerda a un niño que sabía «llorar a propósito». ‘Bonnet of Pins’ es un reencuentro con una mujer que quisimos y por la que no han pasado los años. Y ‘Little By Little’ es un homenaje a nuestros padres y madres, empapado de la tristeza que supone que se vayan consumiendo «poco a poco». Los siguientes seremos nosotros.
La búsqueda de respuestas y de la propia identidad lleva a Berninger a escribir letras largas, algo nihilistas, de algo parecido a «spoken word», como es el caso de ‘Nowhere Special’. Y finalmente a terminar el disco con una poética reflexión titulada ‘Times of Difficulty’: «en tiempos de sufrir por amor, emborráchate / en tiempos de lágrimas, ahógate / en tiempos de vergüenza, olvida / En tiempos de mal tiempo, mójate».
‘Get Sunk’ deja de lado el guiño soul y los teclados del primer disco en solitario de Matt Berninger. Esta vez no produce Booker T Jones sino Sean O’Brien, con quien se ha reunido una vez a la semana para trabajar en sesiones de 5 o 6 horas hasta culminar la grabación. Ha re-escrito letras viejas que tenía anotadas hace tiempo, y sobre todo ha trabajado el disco con una decena de músicos amigos, lo que incluye algunos miembros de The National y The Walkmen.
Destacan a los coros Meg Duffy (Hand Habits) y Julia Laws (Ronboy), la primera en el single ‘Breaking Into Acting’; la segunda convirtiendo en maravilla ‘Silver Jeep’. Con una filosofía muy minimalista que sustituye crescendos efectistas por muy medidos arreglos de viento que apenas parecen estar ahí, el disco solo se viene arriba en la muy necesaria ‘Bonnet of Pins’, la única canción llenaestadios en el sentido Springsteen de la palabra.
El toque trip-hop de ‘No Love’, y el bucle suave de ‘Inland Ocean’ contribuyen a esa sensación de «disco de sábado» que buscaba Matt Berninger. ‘It’s Saturday’ fue el título provisional de este trabajo durante un par de años, por el modo en que dedicaba «paseos en bicicleta», «salidas a nadar» y «batidos de fruta» a tratar de recordar quién es el bueno de Matt y de dónde viene. «A veces nos tenemos que ahogar para volver a aprender a respirar» es la filosofía que se esconde tras su título definitivo.
El Primavera Sound arrancó ya el lunes con una oferta inabarcable. Conciertos en varias salas, pero un solo cuerpo para disfrutarlos. Ante el reclamo de Pete Doherty, me decido por la sala Paral·lel 62. Los primeros en tocar son los neerlandeses Real Farmer. Gustan gracias a su post punk brutote, preciso, animado y… un pelín genérico. Pete Doherty está entre el público y no pierde comba. De hecho, es quién más lo vive. Y la gente aprovecha para hacerse/le fotos. Real Farmer emocionan cuando, hacia el final del concierto, su bajista recita el poema ‘This Is Why We Dance’ del poeta palestino Mohammed el-Kurd.
Sacrificamos la segunda propuesta de la sala, Warmuscher, para ir a cenar antes de Doherty. Grave error. Deberíamos haberle sacrificado a él. Se adelanta al horario previsto y llegamos con el concierto empezado. No está Mike Joyce a la batería, que le ha acompañado en su gira británica, sino un tal Rafa que parece no saberse las canciones. Van desacompasadísimos ambos, de hecho. Pete tira de voz y de carisma para un set improvisado de rockabilly. Lo cual no estaría mal si no pareciera que tanto él como el batería están en los cursos iniciales de sus instrumentos. ‘Can’t Stand Me Now’ se reconoce por el canturreo del público, que básicamente son hooligans encantados de la vida. Tras media hora de raca-raca y digresiones varias, me largo con sensación de tomadura de pelo.
El martes en el Apolo la cosa fue mucho mejor. Christopher Owens, solo con la guitarra eléctrica y con bien de reverb, ofrece una imagen opuesta a la de Doherty. Se le ve frágil y enfermizo. Sin embargo, es ese aspecto de estarse a punto de romperse lo que dota de encanto a su actuación. Ayuda que el público guarde un respetuoso silencio. Su concierto es en gran parte de versiones: canta una doliente de ‘Trash’ de Suede; se calza la armónica a lo Dylan para ‘I Need You’ de Tim McGraw; me rindo y emociono cuando los focos lo iluminan cual halo santo y Christopher se arranca con ‘Ladies and Gentlemen We Are Floating in Space’ de Spiritualized.
Clara Orozco
Trevor Powers, Youth Lagoon, viene con un bajo y un batería, que ocupan el centro del escenario, mientras él se medio esconde en un lateral al teclado. Trevor desgrana su dream-pop, entre The Radio Dept. y los Mercury Rev de ‘Deserter’s Songs’. El concierto está basado principalmente en su disco ‘Rarely Do I Dream’. Y, como en el disco, el concierto nos invita a flotar: el reverb a saco en la voz de Powers otorga un aspecto onírico a la actuación, aunque la contundencia de la batería nos ata al suelo.
Nilüfer Yanya abre nada menos que con ‘My Method Actor’. En directo consigue darle a sus canciones gran intensidad, llevarlas a un terreno más concreto y carnal, sin perder su atmósfera misteriosa. Ella no se sale del papel de cantautora tras una guitarra, seria y concentrada. Pero no le hacen falta alharacas extra, porque esta noche vence con sus canciones embrujadas, su voz y una banda muy buena, donde destaca la teclista-saxofonista.
Nilüfer confía lo suficientemente en su repertorio para tocar ‘Like I Say (I runaway)’, lo más cerca que tiene de un hit, la tercera. Pero la mejor quizás es la maravillosa ‘Blinding’. Entre su voz, los punteos de guitarra y el saxo, nos lleva a otra dimensión. La seria Nilüfer no puede evitar sonreír cada vez que la vitoreamos. Y por si no lo amábamos lo suficiente, nos remata con la versión de otra diosa: ‘Rid of Me’ de PJ Harvey; una versión tan morosa como furiosa. Es esa furia y potencia las que se conjugan en la final ‘midnight sun’, donde la comunión entre ella, la banda y el público es casi total. Magia absoluta.
Ethel Cain ha lanzado ‘Nettles’, el primer adelanto de su próximo disco, ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’, que se pone a la venta en agosto. Una maqueta de ‘Nettles’ lleva circulando en internet desde 2021, y ahora sale la versión definitiva.
‘Nettles’ es la puerta que abre la historia de ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’, precuela de ‘Preacher’s Daughter‘ (2022). Si aquel disco narraba el asesinato de su protagonista, Ethel Cain, a manos de su pareja caníbal, «‘Willoughby Tucker» viaja a la adolescencia de Ethel y su relación con el personaje nombrado en el título del álbum.
Ethel Cain ha explicado que, después del drama acontecido en ‘Preacher’s Daughter’, en ‘Nettles’ le apetecía volver a «un momento de dulzura». ‘Nettles’ vuelve a estar llena de imágenes dramáticas y emocionalmente duras (un Willoughby hospitalizado, a punto de morir; Ethel lidiando con sus traumas personales) pero es, a la vez, el recuerdo nostálgico de una bonita relación. El «verdor» de la América sureña dibuja un paisaje idílico que contrasta con el sufrimiento de ambos personajes.
Es igualmente sereno y plácido el sonido de ‘Nettles’, cuya composición se ajusta a la faceta de Ethel Cain próxima a la Americana y el country. La instrumentación incluye, además de guitarra, piano y batería, banjo y fiddle irlandés. Con todos estos elementos, Cain crea una de sus prodigiosas baladas que emprenden un largo y enriquecedor viaje en el que la imagen de las «ortigas» parecen simbolizar la dualidad del amor, esa belleza que duele.
Ethel Cain presenta ‘Willoughby Tucker, I’ll Always Love You’ en España a finales de 2025. Las fechas -ya agotadas- son el 7 de noviembre en la sala Razzmatazz de Barcelona y el 8 de noviembre en el Teatro Eslava de Madrid.
Big Thief, ahora un trío formado por Adrianne Lenker, Buck Meek y James Krivchenia tras la salida del bajista Max Oleartchi, ha anunciado nuevo álbum, ‘Double Infinity’, que verá la luz el 5 de septiembre. Irónicamente, parece que ‘Double Infinity’ no será tan extenso como el disco anterior, ‘Dragon New Warm Mountain I Believe In You‘ (2022), pues se compondrá de nueve cortes.
‘Incomprehensible’, el primer adelanto de ‘Double Infinity’, se basa en un inquieto y marcado ritmo de batería, pero incluye los arreglos de guitarra y cuerda típicos de la obra de Big Thief. Lenker ha explicado que, cuando empezó a escribirla, durante un viaje en coche, en su cabeza era una «gran canción de rock ‘ n roll», pero que al final quedó en una composición «más tranquila».
Autobiográfica, como las mejores letras de Lenker, ‘Incomprehensible’ empieza narrando la visita de la artista a casa de su abuela en Minnesota, donde creció. Lenker y su pareja viajan en coche al aeropuerto, pero pierden el avión, y deciden tomar el camino largo desde Minnesota hasta su destino final, atravesando Canadá. Mientras su pareja duerme, Lenker contempla la naturaleza desde la ventana.
Pronto, ‘Incomprehensible’ se convierte en una reflexión sobre el paso del tiempo y en una celebración de la vejez: Lenker va a cumplir 33 años y no entiende por qué la sociedad le ha hecho creer que es mayor. A Lenker, las canas que caen ya sobre sus hombros le parecen «preciosas» y le evocan a sus mayores: «Mi madre y mi abuela, y mi bisabuela también, se arrugan como el río, se endulzan como el rocío / Tan plateado como las escamas del arcoíris que brillan azul y púrpura, ¿cómo puede la belleza que está viva no ser también verdad?»
Una preciosa oda a la vida, como solo Big Thief saben hacerlas, ‘Incomprehensible’ ofrece un contraste entre la belleza cotidiana de su letra, y el ánimo inquietante de su propuesta musical. ¿No suena ‘Incomprehensible’ incluso oscura y misteriosa, a pesar de haber nacido durante una travesía a través de uno de los panoramas más bellos de Estados Unidos?
Jessie J ha compartido que le han diagnosticado un cáncer de mama en estadio temprano y que se tomará un descanso para someterse a una cirugía. La cantante de ‘Price Tag‘ explica que recibió el diagnóstico antes del lanzamiento de ‘No Secrets’, uno de sus últimos singles, y que no estaba segura de comunicar la noticia porque «sé que los medios exagerarán la historia». Sin embargo, ha indicado que para ella era importante compartir la noticia con sus seguidores.
Jessie J subraya la palabra «temprano», es decir, el cáncer le ha sido detectado en una fase inicial. Aún así, requerirá tratamiento.
«El cáncer es un asco en cualquier forma, pero me aferro a la palabra «temprano». Me he estado haciendo pruebas todo este tiempo. Solo quería ser honesta y compartirlo. Primero, porque egoístamente, no hablo lo suficiente sobre ello. No lo estoy procesando, porque estoy trabajando mucho. También sé que compartir este tipo de cosas me ha ayudado en el pasado, porque otras personas me han dado su amor y apoyo, o me ha contado sus propias historias. Soy un libro abierto. Me rompe el corazón que tanta gente esté pasando por tanto, por cosas similares o peores. Esa es la parte que me mata». En la sección de comentarios, personalidades británicas como Leigh-Anne o Gaby Roslin mandan a Jessie su apoyo.
Bryan Adams es una de las superestrellas musicales más peculiares de la historia. Artista superventas, especialmente durante los 80 y 90, se estiman sus ventas globales -de discos y singles- en torno a los 100 millones de copias. Si no has escuchado sus desgarradas baladas ‘Heaven’ o ‘(Everything I Do) I Do It for You’, es que has vivido en una cueva o todavía no has nacido. Paralelamente, Adams ha desarrollado una prestigiosa carrera como fotógrafo de celebridades, y por su lente han pasado desde la Reina Isabel II de Inglaterra hasta Lana Del Rey. Amigo durante una breve época de Amy Winehouse o la Princesa Diana, Adams es probablemente la persona con mayor capital social que he entrevistado.
Adams es cortante al hablar de Lady Di en esta entrevista; de aquella amistad «hace mucho tiempo» y tiene razón: han pasado 30 años. Su nuevo disco, ‘Roll with the Punches‘, el decimosexto de su carrera, la industria musical o su identidad de rockero (nunca le digas a Adams que hace pop), forman el grueso de esta conversación. Adams saluda en un simpático español -aunque reconoce no dominar el idioma- y es generoso recordando a Amy, pero 15 minutos de charla dan para poco. La gira de Adams por España se compone de las siguientes fechas:
Miércoles 4/6/25 – Alicante – Área 12
Viernes 6/6/25 – Pamplona – Navarra Arena
Sábado 7/6/25 – Ávila – Músicos en la Naturaleza 2025 (FEST)
Domingo 8/6/25 – Mérida – Teatro Romano
Martes 10/6/25 – Málaga – Auditorio Cortijo de Torres
Jueves 12/6/25 – Santiago – O Son do Camiño (FEST)
Este es el primer disco completo que publicas a través de tu propio sello, Bad Records. Ni siquiera has recurrido a una discográfica independiente. ¿Ya no te interesa trabajar con sellos?
He investigado muchos sellos, mi instinto me decía que este disco tenía que editarlo una discográfica multinacional. Sin embargo, todos los contratos que he leído son muy malos; ninguno favorece al artista. Así que he decidido hacerlo por mi cuenta. Creé Bad Records en 2013 y he visto que ahora es el momento adecuado de darle uso. Además, últimamente he acabado en posesión de mucha de mis discos antiguos, que estaban bajo contratos viejos, y necesitaba cobijarlos en algún lado. Así que tiene sentido tener toda mi música en un único sitio.
Has dicho que los contratos actuales son horribles. ¿Qué los diferencia de los contratos que firmaste en los 80 o 90?
Se dan muchos factores. Cuando llevas mucho tiempo en la industria musical, no quieres ceder el control de tu música así como así. Los contratos actuales están enfocados en la música digital y el streaming, pero no benefician al artista. A menos que seas un artista joven en el que la discográfica invierte de manera especial, un sello es como un banco con tasas desfavorables.
El disco propone un sonido puramente pop-rock. ¿Has buscado un sonido depurado de melodías y guitarras? ¿No te interesa la fusión de estilos?
Soy un artista de rock. He crecido escuchando no solo rock pesado, sino también a los Beatles, Rolling Stones, blues-rock… El disco simplemente refleja la música que he escuchado toda la vida. No considero que sea pop en absoluto; es puro rock. Hoy en día ya no se escuchan guitarras en la radio, y este es un disco hecho con guitarras y baterías. La música que suena en la radio ahora se crea en un ordenador.
¿Echas de menos que el rock tenga presencia en radio?
No sigo modas, solo hago lo que sé hacer. Este disco está compuesto por las diez mejores canciones que he podido escribir en el último año y medio.
¿Estás al tanto de las novedades musicales? ¿Percibes que el rock sigue presente en el underground?
Sin duda, hay una escena underground, pero siempre ha existido. Me gusta ser un artista independiente porque sé que ya no encajo en el mainstream. Me importa un bledo.
‘Be the Reason’ o ‘A Little More Understanding’ promueven un mensaje empático, de respeto al prójimo. ¿Te han inspirado las últimas noticias políticas o más bien la soledad en las redes sociales?
Las últimas noticias políticas me han inspirado sin duda. Las letras del disco abordan esos temas. La canción titular habla de recibir golpes pero seguir adelante, y ‘A Little More Understanding’ trata sobre ver las cosas desde la perspectiva de otra persona. Todos los temas están inspirados en circunstancias personales, pero también en lo que está ocurriendo en el mundo.
Taylor Swift, con la que has actuado, te inspiró a regrabar tu música. Ahora que ha recuperado sus másters, ¿cómo ves tú el panorama actual para los artistas en cuanto a la propiedad de su obra? ¿Crees que es un camino que más músicos deberían seguir?
No sé si Taylor Swift cambiará el panorama para todos los artistas jóvenes porque a los sellos no les interesa ceder el control de la música. A las discográficas les interesa mantener la propiedad. Si eres un artista joven, tendrás que luchar mucho para recuperar el control sobre tu música. Cuando eres independiente, no tienes que lidiar con eso. Por otro lado, un artista joven debe entender que si la industria no apoya su propuesta, quizá no llegue a donde quiere. Hay que estar dispuesto a ceder el control para llegar a algún lado. Taylor Swift ha podido comprar sus másters pagando una suma asombrosa, pero es su situación particular, la mayoría de artistas no se lo pueden permitir.
«No me considero un artista de pop en absoluto»
Otros artistas jóvenes han defendido su decisión de no controlar su música porque saben que, al firmar con una discográfica, se convierten en una inversión que puede funcionar o no.
Es un riesgo que tomas: puedes ceder el control y esperar que funcione, o no. Es un juego de dados.
Tu carrera como fotógrafo es asombrosa. Fotografiaste a Amy Winehouse y pasaste ratos con ella. ¿Recuerdas alguna anécdota o conversación?
Fotografié a Amy tres o cuatro veces y pasamos ratos juntos en el Caribe. Fue muy difícil ver a alguien con tanto talento tirarlo todo por la borda. Cuando pienso en Amy, me lleno de tristeza; muchas de las cosas con las que lidiaba tenían que ver con su crianza y con rodearse de las personas equivocadas. Amy solo quería que alguien la quisiera.
«Fue muy difícil ver a alguien con tanto talento tirarlo todo por la borda. Cuando pienso en Amy Winehouse, me lleno de tristeza»
¿Le preocupaba la exposición mediática?
No lo sé.
Fuiste amigo de la Princesa Diana. ¿Ella escuchaba tu música? ¿Recuerdas qué escuchaba?
Sí, escuchaba mi música, pero no recuerdo cuál era su canción favorita. Eso fue hace mucho tiempo.
Dices que eres rockero y que no haces pop, pero tu single con Melanie C, ‘When You’re Gone’, era muy pop. ¿Qué opinas de ella ahora?
Es una muy buena canción. Es rock y pop a la vez, ¿qué hay de malo en eso?
Nada en absoluto. Solo me preguntaba qué lugar ocupa para ti esa canción en tu discografía.
Es muy buen tema. Es una mezcla de pop y rock porque Melanie es pop y yo soy rock. Fue una buena unión.
Tienes 6 fechas en España. ¿El directo se centra en tu nuevo disco, tocarás el disco completo, o es más bien un repaso por toda tu discografía?
Esta es la tercera vez que vengo a España en un año. En la gira de ‘Roll with the Punches’ tocamos tres canciones del nuevo disco; en el resto del concierto repasamos las canciones que todo el mundo conoce y que llevo tocando cientos de años.
En una de las canciones del nuevo disco de Aitana, la titulada ‘EX EX EX’, la cantante referencia su propio tema ‘Las babys’ y a continuación dice estar escuchando «en el coche una de Karol G». Esta simpática cita me ha hecho recordar lo necesitada que sigue España de exportar un/a artista que llene en Latinoamérica los estadios que Carolina Giraldo o Benito Antonio llenan aquí. Por supuesto tenemos a Rosalía, por supuesto tenemos el nada despreciable caso de Rels B y aquellas 65.000 personas que congregó en Ciudad de México, pero hacen falta muchos más ejemplos y más constantes, dado el dominio actual del castellano en las listas globales.
Aitana, además de llenar estadios en nuestro país, es una clara aspirante a seguir creciendo en ese sentido, y para muestra cómo se ha vinculado a Torres y Rengifo, co-productores de ‘Despacito’. ‘CUARTO AZUL’ es el cuarto álbum en que ha trabajado con ellos; van cuatro de cuatro.
El tándem que forma con Andrés y Mauricio, desde los tiempos de ‘Teléfono’ y ’11 razones’, ha dado lugar a cosas muy dispares. Tras varios registros medio rockeros, baladescos, tropicales… el que mejores resultados artísticos ha reportado a Aitana es el synth-popero. Como ella diría, «bailando para no llorar más». Y le funciona. Da igual qué remix logre colar en listas globales o cuán fuerte lo intente colaborando con gente como Myke Towers: donde más credibilidad está obteniendo es en los sonidos ahijados de ‘Blinding Lights’.
Ya se vio en ‘alpha‘, un disco electrónico bastante 90’s, influido por la música que escuchaban familiares mayores, y se ve en ‘CUARTO AZUL’, donde Aitana ha incluido dos de los singles más brillantes y pulcros de toda su discografía. Ambos creados desde el despecho y relaciones que no cumplen las expectativas, cuesta decidir cuál es mejor, si ‘6 DE FEBRERO‘ o ‘SEGUNDO INTENTO‘, este último un tanto HI-NRG, con el acabado no de Mauricio y Andrés, sino de Nico Cotton. Dos singles muy bien pulidos, ejemplo del mejor pop mainstream que se ha hecho recientemente en nuestro país.
No son excepciones en este disco. Nico Cotton también se encarga de producciones igualmente sofisticadas como ‘DUELE UN MONTÓN DESPEDIRME DE TI’ o la mencionada ‘EX EX EX’, de nuevo de reminiscencias ochenteras y dance. En la misma línea destacan ‘EN EL CENTRO DE LA CAMA’, producida por Kuinvi; ‘CONEXIÓN PSÍQUICA’, por DallasK; o ‘DE 1 BESO A 2 BESOS’, por Casta. Es difícil dilucidar dónde se puede encontrar el próximo hit: hay bastantes candidatos.
Otra cuestión son las baladas. En este disco hay muchas más que en ‘alpha’. Aitana viene de presentar un documental en el que habla sobre la depresión, de afrontar varias rupturas y a su vez de tener que enfrentarse a una prensa rosa que asume que, si está sola, no debe de estar muy feliz. Ocaña tenía que abrirse en canal y por eso ha dividido el álbum en dos: una primera parte más tristona, y una segunda dedicada a la supervivencia, ambas separadas por un interludio de lo más gráfico. Sin embargo, casi todas las baladas de la primera mitad entorpecen la experiencia: ‘¿Para qué volver?’ recuerda demasiado a ‘Love Yourself’, el tema que Ed Sheeran donó muy generosamente a Justin Bieber; ‘CUARTO AZUL’ a ‘Angels’ de Robbie Williams; y ‘CUANDO HABLES CON ÉL’, ya un hit entre sus seguidores, a Alejandro Sanz.
Criticar la inclusión de hasta 19 canciones es un cliché: ya sabíamos todos desde mucho antes de escuchar el disco que todo el mundo diría que el álbum sería mejor con la selección de las 10 o 12 mejores pistas. Pero es cierto: ‘TRANKIS’ con Barry B y ‘SUPERESTRELLA’, sobre la fama, son un poco menos divertidas de lo que presumen, y ‘LA CHICA PERFECTA’, con su referencia a La Agrado, un personaje de Almodóvar, es más que nada una canción de Fangoria. Resulta muy extraña como pista final de un álbum confesional de Aitana en el que hasta había aparecido un tema para un abuelo cantaor que no conoció (‘MÚSICA EN EL CIELO’).
Por eso, ‘CUARTO AZUL’ no es necesariamente mejor que ‘alpha’. Sin embargo, sí nos presenta a una artista cada vez más creíble, que habla con honestidad sobre cómo se ha sentido durante estos últimos años, tan difíciles para ella. La gente se entretendrá averiguando a qué ex dirige cada barra, quién tenía los ojos azules que la volvían loca, con quién llegó a cantar sobre compartir cama. Pero lo más interesante y de lo que tanto pueden aprender sus fans es de la historia de supervivencia. «Si esto está mal, que se jodan», proclama ‘CONEXIÓN PSÍQUICA’. «Tú eres una diosa de mujer, una chula, una diabla», trata de convencer ‘LÍA’. «Ya estoy mejor, creo que ya pasó lo peor / Veo que ya no hago tanto drama», concluye felizmente ‘EN EL CENTRO DE LA CAMA’.
Ariana Grande, Dua Lipa, Pedro Pascal, Sabrina Carpenter y Christina Aguilera se encuentran entre los más de 100 artistas que han firmado una carta pública en defensa de la protección de la línea telefónica para la prevención del suicidio entre jóvenes LGBTQ+. En Estados Unidos, esta línea opera bajo el nombre de 988 Suicide and Crisis Lifeline e incluye un recurso específico de apoyo para jóvenes LGBTQ+.
El Gobierno de Estados Unidos, a través de la Administración de Donald Trump, está considerando retirar la financiación federal a esta línea telefónica, que es atendida por profesionales especializados, a pesar de las altas tasas de suicidio e ideación suicida registradas entre los jóvenes LGBTQ+ en el país.
Estos artistas han declarado que «no piensan callarse» ante una nueva amenaza contra los derechos de la población LGBTQ+ en Estados Unidos. “Como artistas, creadores y figuras públicas, nuestras plataformas conllevan una responsabilidad. Y hoy, esa responsabilidad es clara: debemos alzar la voz para proteger la salud mental y la vida de los jóvenes LGBTQ+”, reza el texto suscrito también por Marina Diamandis, Ethel Cain, Tove Lo, Diplo, Julia Michaels o los actores Jamie Lee Curtis, Daniel Radcliffe y Josh Hutcherson.
«Esto va de personas, no de política», sigue el texto. «En un momento de profunda división, dejemos que esto sea algo en lo que todos podamos estar de acuerdo: ningún joven debe quedarse sin ayuda en su momento más oscuro. Si se les quita este salvavidas, los jóvenes LGBTQ+ reciben el mensaje de que no merece la pena salvar sus vidas. Nos negamos a aceptar ese mensaje”.
Con el apoyo de The Trevor Project, la organización sin fines de lucro en Estados Unidos que brinda servicios de apoyo y prevención del suicidio específicamente para jóvenes LGBTQ+, y que ha impulsado la carta, estos artistas piden «a la administración y al Congreso que hagan lo correcto: restaurar y proteger la financiación de los Servicios Especializados para Jóvenes LGBTQ+ del 988 Suicide & Crisis Lifeline en el presupuesto del año fiscal 2026”.
No solo Joseluis está recuperando las guitarras del indie de los noventa en su primer disco. Antes que él, el momento incómodo -el proyecto de la madrileña Malena Fernández- ha explorado ese mismo sonido en su debut, ‘Soy consciente’, que ha vinculado su sonido con el de Mitski, artista que -de manera nada casual- es mencionada en el single ‘Estoy enamorada de ti‘.
En 2025, el momento incómodo está publicando una serie de singles sueltos y uno de ellos, el gran ‘Hay un hueco bajo tu cama y está lleno de mierda‘, ha sido Canción Del Día en JENESAISPOP. Hoy asignamos este mismo título al nuevo single de Fernández, ‘Un cuarto ordenado’.
Malena dice que ‘Un cuarto ordenado’ es la canción «más íntima de esta serie de canciones que he sacado en lo que va de año». Esta intimidad se transmite a través de la imagen de una habitación ordenada, que viene a simbolizar una claridad de ideas. En ese entorno limpio, aseado y organizado, Malena es finalmente capaz de reflexionar sobre una persona que ya no forma parte de su vida: «Si algún día decides volver, espero que no encuentres un sitio mejor del que conoces», canta. Las guitarras eléctricas centellean y luego rugen como en una canción de Sonic Youth o los primeros Radiohead.
el momento incómodo ha promocionado ‘Un cuarto ordenado’ con un videoclip realizado en stop motion con figuras de plastilina, creado por Pablo Huici, Diego Cárdenas y la propia Malena Fernández. Es un acompañamiento visual adorable y colorido para la canción.
Os recordamos que el momento incómodo es uno de los nombres confirmados en la próxima edición de Mallorca Live, que se celebra la semana que viene. Toca el viernes 13 de junio a las 22.15.
Ochoymedio ha desvelado la programación inicial de su 25 aniversario, que incluye conciertos en distintas salas de Madrid entre el 2 de octubre (Mujeres) y el 11 de diciembre (Triángulo de Amor Bizarro). Aunque el cartel aún no está completo y se anunciarán más nombres en los próximos días. JENESAISPOP es medio colaborador.
De momento, la agenda pone los dientes largos: Mala Rodríguez celebrará también 25 años de su debut, ‘Lujo ibérico’, el 16 de octubre en ESLAVA, Los Punsetes tocarán ‘LPIV’ el 23 de octubre en la BUT, Delafé y Las Flores Azules se presentarán el 24 de octubre en ESLAVA y SVSTO presentará ‘CRISIS‘ el 31 de octubre en la BUT.
Además, hay conciertos confirmados de Los Fresones Rebeldes, que repasarán ‘Yo fui un Fresón Rebelde Adolescente’; el artista revelación Teo Lucadamo, Ladilla Rusa, Pepe y Vizio, L Kan + La Monja Enana o Samantha Hudson, que trae nuevo disco, ‘Música para muñecas’.
Así queda la programación del 25 aniversario de Ochoymedio anunciada hasta el momento:
2 octubre BUT- MUJERES tocando «Un sentimiento importante”
3 octubre BUT- DAME AREA – SAL DEL COCHE
16 octubre ESLAVA – MALA RODRIGUEZ – 25 ANIV LIJO IBÉRICO
17 octubre CHANGO – LOS FRESONES REBELDES presentan “Yo fui un Fresón Rebelde Adolescente”
23 octubre BUT – LOS PUNSETES tocandod LPIV
23 octubre ESLAVA – McENROE
24 octubre ESLAVA – DELAFÉ Y LAS FLORES AZULES
30 octubre BUT – TEO LUCADAMO
30 octubre RIVIERA – BÁNDALOS CHINOS
31 octubre BUT – SVSTO
7 noviembre BUT – LADILLA RUSA
7 noviembre CHANGO – MIQUI PUIG
14 noviembre BUT – CYCLE
14 noviembre CHANGO – LA MILAGROSA
16 noviembre RIVIERA – PEPE Y VIZIO
20 noviembre BUT – SAMANTHA HUDSON
21 noviembre BUT – GALERNA
29 noviembre UPPER – L KAN + LA MONJA ENANA
11 diciembre BUT – TRIANGULO DE AMOR BIZARRO
Lorde recupera el número 1 de JNSP con ‘What Was that’ por la mínima. En las Stories de Instagram ha obtenido el 29% de los votos frente al 28% del tema de Guitarricadelafuente. La entrada más fuerte corre a cargo de Belén Aguilera, mientras pablopablo y Saint Etienne llegan al top 10 de nuestra lista.
Otras entradas de la semana son Karol G, Renée Rapp y joseluis y MORA con C. Tangana, que aun siendo número 1 en España, llegan tan solo al top 40.
Arca se suma a las cancelaciones de la próxima edición de Sónar 2025. Aunque Arca no ha confirmado el motivo de su cancelación, esta llega en medio de la polémica por la relación societaria de Sónar con la financiera proisraelí KKR, conexión establecida a través de la figura de Superstruct Entertainment, empresa que controla varios festivales de música de España e internacionales (Sónar ha aclarado que su vínculo con Superstruct es meramente administrativo y que ningún beneficio de las entradas del festival llega a KKR). Arca actuaba en Sónar de Noche.
Junto a Arca, suprime su intervención en Sónar 2025 el grupo Rone x (LA) HORDE with Ballet National de Marseille. Por otro lado, Richie Hawtin presentará un DJ set creado para la ocasión, en lugar de actuar como Plastikman.
En respuesta a las cancelaciones, Sónar 2025 anuncia nuevas incorporaciones a su programación, las de Angel Molina, Modeselektor DJ set y Perel.
En total ya son 36 los artistas que han cancelado sus actuaciones en Sónar 2025, entre ellos Juliana Huxtable, patten o Sofia en la programación de Sónar de Día, y ERYA, oma tomem o Sega Bodega (por motivos de salud) en la de Sónar de Noche.
La edición número 32ª de Sónar se celebra del 12 al 14 de junio de 2025, incluyendo Sónar de Día en la Fira de Montjuïc y Sónar de Noche en la Fira Gran Via.
‘Por ahora para siempre‘ ha sido hasta hace poco nuestro Disco de la Semana. Estos últimos días en que sobrevivimos como podemos de festival en festival hemos podido hablar con joseluis por teléfono sobre los detalles de su creación. Estamos ante un disco excelente en el que, curiosamente, ‘Navajas de Albacete’, el tema con el que le conocimos, ya no tiene cabida. Hablamos con joseluis, de 28 años, sobre el porqué de esta decisión, de qué manera Sony no ha intervenido en un disco que en parte el sello se ha encontrado ya mezclado, o sobre el humor en mitad de unas composiciones altamente sensibles y a veces incluso un poquito atormentadas.
joseluis actúa el 20 de junio en la Sala El Sol en Madrid junto a Casero como parte de Sound Isidro, y también en otros eventos como Vida Festival o Ebrovisión. No dejéis de seguirle en Instagram.
¿Qué tal estás? ¿Cómo estás viviendo el lanzamiento del disco?
Muy contento, no me esperaba una acogida como la que está teniendo. Yo estaba un poco embajonado porque después de haber terminado el disco, viene estar oyendo mezclas, hacer vídeos… el resto de mil cosas que van aparte de la música. Estaba un poco embajonado. Y hay gente que te escribe diciéndote que le parece increíble, tu misma review, que me parece súper generosa y muy acertada en muchas cosas… Yo empecé con «Navajas», fueron saliendo los singles ‘Guapo’, «Miedo» y ‘Fortuna’ y a priori eran un poco inconexos. Sentía como que el disco no tiraba, no tiraba. Para mí el disco no tiene singles evidentes, sino que funciona como un todo. Y ahora sí veo que mucha gente que antes estaba reticente, ha escuchado el disco entero y ha entrado completamente. Y me han dicho: «tío, no me esperaba esto». Cada uno tenía en su cabeza otra cosa.
¿Qué quieres decir con que sentías que «el disco no tiraba»?
He hecho un disco que es como un experimento con gaseosa, con Sony, y pensé que ahí se iba a quedar, porque tampoco iba a haber nadie que pudiera entrar en él. O sea, tampoco nadie: siempre hay gente para todo. Pero como que no se le iba a dedicar mucho interés. Porque encima salía el mismo día que pablopablo, que lleva haciendo música mil años, y lo mío es un debut. Y era como «a ver quién cojones escucha un disco ahora», «esto ha sido una malísima idea». Yo no me veo artista de singles o de playlists. Los artistas que yo escucho no son de playlists. Y también me revienta cuando alguien saca un disco y ya ha salido casi todo como single, y conoces todas las canciones hasta la pista 5. Yo quería que la experiencia de primera escucha fuera una sorpresa, con muchos registros. ¿Qué artistas que «no son de playlists» sueles escuchar?
Cosas de cuando no había playlists (risas): Bill Callahan, Wilco siempre han sido mi banda favorita, Pedro The Lion, Alex G, Elliott Smith…
Has dicho que una de tus inquietudes era que no te encajaran unas canciones con otras. ¿Te refieres a que unas son muy lo-fi y otras van con cuerdas?
Yo lo decía porque salía ‘Guapo’ y luego ‘Miedo de un país’, y podía parecer que no había una conexión o que dábamos palos de ciego. Pero yo siempre le he visto la coherencia. El disco es mío y la coherencia se la desarrollo como yo quiero, incluso la coherencia puede ser que no haya ninguna canción como otra. Me refería a la percepción desde fuera, porque no es un disco de banda de un estilo concreto. Si yo tuviera que hacer un segundo disco, no sabría para dónde apunta este.
¿Cómo ha surgido el tema de las cuerdas en ‘La gravedad’ y ‘Todo lo malo’? ¿Es cosa de Alberto Saorín o es cosa tuya?
Es cosa mía. Sobre todo en ‘La Gravedad’ me apetecía tener unas cuerdas porque es una canción muy solemne. Para mí, es muy natural si escuchas a Sixto Rodríguez: tiene canciones con una guitarra, con cuerdas, unas congas… O Neil Young. ‘Harvest’, que es uno de los discos que más he escuchado en mi vida, es un disco como súper acústico, súper tranqui y de repente en mitad del álbum hay una canción que es directamente una orquesta sinfónica. Hay gente que dice que las canciones tienes que defenderlas en directo, hacer cosas a tu alcance, pero para mí no es eso. El estudio me lo quería tomar de otra forma: quería darle a cada canción lo que pide y lo que necesita. Es una oportunidad para hacer otra cosa. Y luego, el directo ya es otra.
Te preguntaba porque en otra entrevista le has dado mucho protagonismo a Alberto Saorín. No sabía qué podía haber aportado.
A Alberto lo conocí hace mucho tiempo, cuando salió «Navajas». Es mi amigo, estoy con él todos los días. También hizo diseño gráfico pero se ha orientado más a «sound design». Es un músico increíble. Y yo, por esa parte, voy más justo. Yo hago las letras y la música, pero muy grosso modo. Siempre, al final, todo pasa por él. «Mira, he hecho esta canción nueva. ¿Qué te parece? A ver qué se le puede hacer». Y me suele dar siempre un «ok», «está guapísimo» o «mira este acorde aquí, que esta segunda vuelta puede tener otro acorde para que sea un poco más tal». Las pongo a prueba con él. Las tocamos junto con dos guitarras y vemos cómo funcionan. Él terminó ‘Navajas de Albacete’ desinteresadamente, porque le apetecía, y en este disco ya le he dado un protagonismo más grande porque pasamos tiempo juntos, escuchamos lo mismo… Y es un poco un joseluis en la sombra.
Pero no sois un dúo, ¿no? Como esto que decía La Bien Querida al principio de que era el dúo de Ana y David…
No, no es un dúo. Cada uno sabe su rol. Alberto hace mucha música y yo le digo «cualquier cosa que tengas, dime». En ‘Miedo de un país’, por ejemplo, es suyo el riff. Y la estrofa esta última de «Tengo el miedo de un país entero»: eso es una demo que él tenía. Y yo le puse más letra, le puse las estrofas, el puente…
¿’Navajas de Albacete’ por qué quedó fuera del disco?
Pues porque ya está bien ¿no?
Bueno, tampoco la conoce tanta gente, ¿no?
Si ya está ahí y se escucha más que ninguna, ¿para qué voy a meterla en el disco también? Ya tiene su lugar. Y no la veía tampoco en el disco. La verdad es que ni me lo planteé en ningún momento. Además, yo no sé hacer canciones como esa, me ha salido sin querer. Para mí, mis canciones son las del disco. Lo otro siempre ha sido una excepción. Es una canción que no iba a salir, que al final salió, pero bueno, por hacer algo.
«Yo no sé hacer canciones como ‘Navajas de Albacete’. Me salió sin querer»
¿A qué te refieres con que no sabes hacer canciones así?
Pues que esta canción, realmente, fue una cosa un poco accidental. Cuando conocí a Alberto, le enseñé un par de canciones que tenía. Una era ‘Caballo de carreras’, otra era ‘La gravedad’, y otra era ‘Navajas de Albacete’. Y entonces le dije «vamos a hacer algo, grabamos las canciones y ya veremos qué hacemos». La de ‘Caballo de carreras’ nos daba mucho respeto, porque era mi favorita, la otra también, y al final dije: «Oye, mira, pues esta que da más igual, que no sé qué hacer con ella, porque tiene poca letra, no sé para dónde tirar con esto». Se la llevó un día a su casa y me la enseñó terminada prácticamente, con la segunda subida. Es una canción que hice sin querer. Tampoco he intentado volver a hacer otra igual. Igual me pongo y me sale, pero no sé. Es un caso muy raro.
¿Te refieres a ruedas de acordes o a qué?
No, al tipo de canción, el estribillazo. Acordes, siempre uso los mismos.
Es muy llamativo que hayáis escogido esta portada habiendo trabajado los dos en diseño, ¿no?
Pues la portada la ha hecho un diseñador todavía más gordo…
A mí me encanta la portada, pero no deja de ser una cosa como de… ¿Tinder?
La verdad que el otro día, justo me metí en vuestra web y vi esta portada y la de Guitarrica que salía al lado… Y era como… (risas) Es del Studio Albert Romagosa, que ha hecho la de Maestro Espada, la de ‘Clamor’ de María Arnal, la de ‘Calambre’ de Nathy Peluso… La idea era una foto de portada que no parece una foto de portada: que parece una prueba de una foto. Que también ese espíritu está mucho en las canciones: esa espontaneidad y esa urgencia. Es verse un poco al desnudo literal, y el concepto «casa», que está mucho en el disco. Está mucho ese sonido de casa y de ambiente. Pero sí, a mí también me sorprende haberme quedado con ella. La única premisa que le di a Albert era que quería que fuera un retrato. Porque sentía que eso estaba bien para una persona, con un nombre propio, algo que nos puede acercar al mundo cantautor. Pero bueno. Sí que ha quedado un poco foto del Grindr (risas)
Sí, cuando has dicho lo de Guitarrica… De alguna manera, te posicionas un poco como sex symbol en las fotos promocionales. No son las fotos que se harían Eliott Smith o Wilco. Imagínate, Bill Callahan nunca tendría una portada así, ¿no?
(risas) Totalmente. Totalmente.
¿En qué momento decides dar ese paso y decir «Me voy a poner aquí posando guay»?
Macho, pues es que no lo sé. No sé a qué fotos te refieres, por ejemplo, ¿las fotos de la cama?
Claro, el tema de los pies desnudos, las axilas, los primeros planos…
Eso es porque lo ves tú así… pero me hace pensar.
Igual es cosa mía.
Lo entiendo… Siempre me gustaban los comentarios que hay en vuestra revista y sí había uno: «el disco mira que me ha gustado, pero la portada me está poniendo palote». Los comentarios en JENESAISPOP siempre son fuertes.
Juanjo Marbai
«La portada tenía que ser un retrato: ya que tengo una cara así como medio particular, que se vea un poco»
Ya, ya lo sé. ¿Qué me vas a contar?
A mí me gusta verlo. En el otro artículo que me hicieron… estuve mucho tiempo con mucha coña con eso. Es verdad que yo en la portada sabía que tenía que salir la cara, ya que tengo una cara así como medio particular, que se vea un poco. Es verdad que yo luego no soy nada así. Si te parece que soy sex symbol… en persona, no soy nada así. Quizá un poco más galán. Pero nada más.
La pregunta real aquí es si tú ves como un súper cantautor y ya está, o en un momento dado te verías como una estrella del pop.
Yo creo que es una línea muy fina. A mí me encantaría ser el tío raro del mainstream. Pero bueno, no se puede estar en misa y repicando. Mainstream y underground a la vez es complicado, pero cada vez está todo más difuso. Hace poco me preguntaron si prefería ser una persona súper respetada en lo tuyo, o que te vaya muy bien. Y no sabría qué elegir, la verdad.
Hablando de ‘Guapo’, hay un momento en que se te va la voz en la grabación y decidisteis dejarlo así, ¿por qué?
Es la grabación justo al terminar de componerla, fue en casa de Alberto. Yo tenía la canción hecha y tenía una duda con una parte. Pero me dijo: «Venga, vamos a grabarla, para que no se nos olvide, que yo creo que esta está muy guapa». La grabamos y se quedó ahí. En las demos que mandamos a Sony iba ‘Guapo’, que me pareció una inconsciencia, pero dije «Mira, si esto les entra, va a ser perfecto». Y luego ya, cuando nos pusimos a preproducir el disco, la de ‘Guapo’ yo tenía una idea de cómo iba a ser. Probamos a grabarla una vez, la probamos dos veces, la probamos tres veces… y se estaba quedando más descafeinada que la hostia. No caminaba ni para atrás. Y entonces me dijeron: «Oye, es que a lo mejor lo que tienes que hacer es poner la demo. De todo el mundo que la ha escuchado, nadie te ha dicho que esto va a estar muy guapo, sino que esto está ya muy guapo. A lo mejor la gracia es esa, equivocarse». Ya te digo, se me va la voz y me equivoco de acorde porque la canción está recién escrita. Estaba yo aprendiéndome mi propia canción. Hay una pregunta que me hacen mucho: «¿En la multinacional han cambiado algo de ti?». Y yo es como: «¿Has escuchado ‘Guapo’? Porque es un anti-single».
Después de haber tenido Los Planetas yo creo que saben corregir errores y respetar. ¿Qué esperas de estar en Sony? Maestro Espada, no sé si se han hecho mucho más grandes al pasar de La Castanya a Sony.
Pues yo lo que estaba haciendo hasta ahora. Conmigo han sido súper generosos, hemos conseguido un súper buen contrato en muchos niveles y han confiado en mí. Conocían la mitad de las canciones, la otra mitad la han conocido con las canciones ya mezcladas. Estar en una multinacional no te garantiza más popularidad. Evidentemente, te garantiza más medios, más recursos, más equipo humano, tener muchas cosas más accesibles, pero no la popularidad. Cuánta gente que no está en Sony le va mejor que a mí… Hay que relativizar un poco. Maestro Espada son superamigos míos. A lo mejor su proyecto es más de músicos que de artistas, por así decirlo. Hacen muchas cosas, son muy buenos músicos, han estado con Guitarrica trabajando en la gira, les he visto en la Sala del Wizink, que se llenó, en un teatro en Murcia que también fue «sold out»… No sé si se valora más la popularidad que la música como tal. Están en otras muchas cosas y también creo que están descansando un poco.
¿A Klaus y Kinski los conoces?
Sí, claro. Marina no me dio clase en la escuela, pero sí coincidíamos con ella allí.
¿Qué tal por Murcia? ¿Hay una escena?
La vida es estupenda. Lo de la escena… siempre me preguntan por eso. Y yo no puedo tener menos idea. Hay muchas escenas a la vez dentro de lo que se llama «escena murciana». Hay muchas cosas y es muy variado, que es lo más loco. Yo, personalmente, con la escena contacto más bien poco. No me considero parte de ninguna escena si entiendes como escena una cosa cohesionada. Más allá de Maestro Espada y tres más, no conozco a nadie.
Bueno, pero ¿te parece poco?
Ya, bueno, pero es que hay muchos tipos de gente: la gente más indie de otra generación. Grupos más de guitarreo. Los heavies.
Tampoco te hacía amigo de Viva Suecia. Pero es que es muy llamativo que haya tantísimos grupos.
En Murcia se hacen concursos de música todos los años, el CreaMurcia. Y toda la gente ha pasado por ahí. Second salió de ahí. Creo que Arde Bogotá participaron también. Yo lo gané, Alberto ganó uno también en su época, Pablo Serrano… Todo el mundo, por lo menos, ha tenido un escenario para subirse, le han dado un dinero para grabar cuatro maquetas gratis y se hacen cosas. Y yo creo que en parte es por eso: casi todos los grupos que yo conozco de aquí pasan por ahí.
¿O sea que las instituciones apoyan la cultura en Murcia?
Sí, mucho, mucho. Habrá gente que diga que no, habrá gente que se pondrá más underground y tal, pero yo considero que mucho.
«Ahora estoy intentando hacer estribillos, que no hay ni uno en el disco»
No te he preguntado por las letras del disco: hay imágenes muy bonitas, pero te quería preguntar si eres una persona atormentada que sufre mucho por amor, o te pones en un papel un poco «drama queen» al escribir. ¿Eres muy sensible?
Sí, sí, sí… Drama Queen no, pero sensible sí. La gente que me conoce ha cortocircuitado, porque aunque no te esté dando la impresión porque en esta entrevista estoy más serio, yo soy muy de la risa, de todo eso. Entonces, como que hay muchas veces un cortocircuitaje ahí. De… «¿Pero es el mismo tío que me está diciendo esto, que el que ha escrito esto?» A veces conecto más con esa parte. Y sí es verdad que me pongo a hacer el papel de derrotista absoluto o de romántico absoluto. Luego se me pasa, pero bueno. Siempre queda algo.
¿El disco te parece atormentado?
No.
¿Te parece divertido?
Me parece… de estar vivo. Es verdad que hay cosas atormentadas, pero la música va en otro tono y no hay nada como lúgubre ni nada así. Es todo bastante «vamos para arriba» en la mayoría de los casos. Ahí está un poco la gracia de ‘Accidente’, ‘Fortuna’… Tú mencionabas como favorita ‘La Gravedad’, ¿no? Esa la escribí en un parking del Carrefour, en el coche esperando para sacarme una foto para el carnet de la moto. Mira, le he quitado todo el glamour (risas) Siempre escribo de esa manera. Ahora me estoy poniendo a escribir bien. Voy a hacer las cosas guay. Siempre ha sido un poco cuando he podido, cuando me ha venido. No soy de sentarme a decir «Voy a ser gracioso». Ahora estoy escribiendo bien, creo, y estoy intentando hacer estribillos, que no hay ni uno en el disco.
Pero a lo mejor se pierde la gracia.
A ver, no voy a ser Viva Suecia. Pero hay cosas que me apetece apretar un poco más. Pero bueno, ya te digo que aunque yo quiera hacer una cosa, no va a ser lo que yo quiera, va a ser lo que yo pueda.
Al hablar de portadas has mencionado a María Arnal y Nathy Peluso, pero todos los demás artistas que hemos mencionado son hombres. ¿Hay alguna mujer que admires en el plano musical?
Hay mil, evidentemente: Adrianne Lenker, evidentemente. Lucinda Williams, también la escuché un montón, Angel Olsen, Sharon Van Etten…
¿Me cuentas algo de cómo serán los directos?
Somos tres, power trío. Guitarra, bajo y batería. Y bueno, somos Pablo, Alberto y yo, que somos como un grupo de tres impostores absolutos, porque Alberto no es batería, pero ha podido tocar la batería para esto. Yo soy un guitarrista justo y Pablo es la típica persona que toca de todo: el piano, la guitarra… donde lo pongas. Queremos ser cuatro para alguna ocasión especial, para poder hacerle más justicia al disco, a los arreglos y a toda la movida que tiene. Y nada, estoy viendo que estoy recibiendo a un público muy entregado. Quiero que los conciertos sean de cantar. A mí no hace falta que me escuchen tanto, quiero que sean de estar con la lágrima y el brazo así por encima del hombro con el amigo, y a cantar.
En la semana en que actúa por primera vez en España, donde encabeza el cartel de Primavera Sound junto a Charli xcx (y Troye Sivan) y Chappell Roan, Sabrina Carpenter prepara el lanzamiento de un nuevo single. ¿Lo tocará este viernes 6 de junio? Su show, recordamos, empieza a las 00.00.
En un anuncio subido a sus redes, Carpenter hace autostop en una carretera perdida de Estados Unidos, pero nadie la recoge. Vestida con una blusa blanca, shorts tejanos y tacones, y cargada con una maleta, parece la mismísima Dolly Parton en algún momento de los años 70.
Las vallas publicitarias que ya están apareciendo por Estados Unidos y que anuncian el nuevo single de Carpenter, detallan que el tema se titula ‘Manchild’. La estética vintage de los carteles apunta a que el tema podría traer influencias del country. Otras vallas revelan frases de la letra, como «juro que ellos me escogen a mí, yo no les escojo a ellos», o la rima «hey men» y «amen». ‘Short N’ Sweet‘, el último álbum de Carpenter, incluía varias pistas influenciadas por el country, como ‘Slim Pickins’, y parece que esa será la apuesta de ‘Manchild’ en la nueva era Trump. Con Morgan Wallen en la cima de las listas estadounidenses, nadie puede culpar a Carpenter de entregar su propio ‘The Giver‘.
Vanesa Martín es esta semana la entrada más fuerte en la lista de Discos española gracias a ‘Casa Mía’, que debuta en el número 3. La artista malagueña así supera a los lanzamientos de rusowsky, que entra en el número 7 con ‘DAISY’, y Morat, en el número 8 con ‘Ya Es Mañana’.
María Peláe consigue posicionar ‘El Evangelio’ en el puesto 15, mientras que Alejandro Sanz se coloca en el número 19 con ‘¿Y Ahora Qué’, su último EP. Este incluye su más reciente colaboración con Shakira, ‘Bésame’.
En el resto de la lista encontramos a Trueno, que entra en el número 40 con la versión deluxe de ‘EL ÚLTIMO BAILE’, y a Mike Oldfield, que se coloca en el puesto 43 con ‘Tubular Bells 2003’. Por otro lado, Beéle consigue la mayor subida en lista de la semana con su álbum debut, ‘BORONDO’, que pasa del quinto al cuarto puesto.
Tras trabajar juntos en múltiples ocasiones, FINNEAS y Ashe han decidido lanzarse a formar un nuevo grupo. Este se llama The Favors y ya han anunciado su primer disco, titulado ‘The Dream’ y programado para su lanzamiento el próximo 19 de septiembre. Este viernes llega su single inaugural, ‘The Little Mess You Made’.
«Nos ha encantado profundamente hacer esta música juntos en secreto y no podemos esperar para que os llegue finalmente», ha escrito FINNEAS en su página de Instagram. Aunque es conocido sobre todo por ser el productor y principal colaborador de Billie Eilish, su hermana, para el artista de 27 años tampoco es nuevo lo de trabajar con Ashe.
El reputado productor empezó a trabajar con la artista estadounidense en las dos partes de ‘Moral of the Story’, en 2019. De hecho, la canción titular hoy cuenta con casi mil millones de reproducciones en Spotify y se trata de una de las primeras canciones que le ayudaron a alcanzar la fama mundial.
No es hasta el single ‘Till Forever Falls Apart’ cuando FINNEAS no actúa solo como productor, sino también como intérprete. Hasta ahora, es la única canción en la que ambos artistas figuran como un dueto y la única aproximación al sonido que podría tener The Favors.
La última vez que C. Tangana alcanzaba el número 1 en la lista de singles española fue en octubre de 2021 con ‘Ateo’, junto a Nathy Peluso. En aquel momento, la canción debutó en el primer puesto directamente, manteniéndose durante cinco semanas consecutivas. Ahora, vuelve al mismo lugar con ‘DROGA’ gracias a otra colaboración, Mora. La semana pasada, la canción entraba en el número 4 de la lista.
La entrada más fuerte esta semana llega de la mano de Karol G y su último lanzamiento, ‘Latina Foreva’. La colombiana se posiciona en el número 13 de la lista, justo un puesto por delante de ‘Si Antes Te Hubiera Conocido’, que lleva ya 49 semanas en la tabla.
En esta primera mitad, Young Cister y Kreamly también entran en el puesto 50 con ‘QLOO*’. Beéle consigue posicionar dos canciones esta semana: ‘Quédate’ en el número 50 y ‘Top Diesel’ en el 68. Por otro lado, Alejandro Sanz y Shakira se plantan en el puesto 66 con ‘Bésame’, su última colaboración.
Mariah Carey acaba de publicar la reedición de ‘The Emancipation of Mimi‘ (2005), pero ya se pone manos a la obra para promocionar su próximo trabajo discográfico. Han pasado ya siete años desde ‘Caution‘ (2018), su decimoquinto y hasta ahora último álbum.
Desde esta tarde, Carey abre la veda de «MC16». La artista ha lanzado un adelanto de ‘What’s Your Type?’, el primer single de su próximo disco, cuyo lanzamiento debe ser inminente. El sonido remite -lo has adivinado- a ‘The Emancipation of Mimi’. De hecho, el anuncio de ‘What’s Your Type?’ así lo muestra: en el vídeo, Carey, que escucha la radio del coche, cambia ‘It’s Like That’ por su nueva canción.
Que ‘What’s Your Type?’ inaugura la nueva era de Mariah Carey lo confirma la matrícula del mencionado coche, que deletrea las siglas «MC16».
(@maria_latatus) 
Cuando vienen invitados grandes hay que sacar la cubertería cara. La pregunta mítica del QUÉ PREFIERES había que sacarla hoy. Yo sigo teniendo dudas porque a la broma está claro qué responder. 
No creo que ningún invitado use menos horas el móvil al día que Ed Sheeran porque directamente NO tiene móvil. 
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