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Anna von Hausswolff / ICONOCLASTS

Este año viene barroca la Navidad. En el sexto disco de Anna von Hausswolff «los animales chillan», el saxofonista y multiinstrumentista Otis Sandsjö se deja la piel y la artista sueca proclama: «he roto con el lenguaje, buscando algo más grande que eso». No seré yo quien se atreva a decir que ‘ICONOCLASTS’, así en mayúsculas, no da con ello.

Anna von Hausswolff, que ha colaborado con gente como Swans y Sunn O))), no abandona los drones. En sus mejores momentos, ‘ICONOCLASTS’ es el vivo retrato del nivel de locura al que puede llegar el ser humano. El álbum habla sobre «el desamor, la ruptura, la tristeza y el anhelo» dejando pasajes de tan dudosa salud mental como ‘Struggle with The Beast’. Si la intro instrumental del álbum nos presentaba a la «Bestia», esta canción de casi 9 minutos la desarrolla.

La letra de ‘Struggle with the Beast’ es explícita: «llamé al hospital esta mañana, con la sensación de estar volviéndome loca, de estar perdiendo el control». Este texto en que nuestros ojos dejan de ser humanos, y los ángeles se asoman, viene acompañado de esos truculentos arreglos de saxo, pero atención también al espléndido trabajo de baterías, siempre entendiendo por «espléndido» el acabado expresionista de la producción, nunca el caos retratado, que es escalofriante.

Anna escribió este tema inspirada en el episodio de psicosis que experimentó una amiga suya, tan fuera de sí que le pareció que habitaba un universo paralelo. «Me alegro de que se haya recuperado, pero me hizo reflexionar sobre lo vulnerables y complejos que somos. Todos tenemos capas de traumas sin resolver y verdades sin decir».

Y sin embargo, entre todo este «trauma», ‘ICONOCLASTS’ es una de las mayores aproximaciones al pop de Anna von Hausswolff. Las partes más apabullantes de «Struggle» se quedan desde la primera escucha. Por suerte o por desgracia, hay un leit motiv. Como también atrapa el corte titular, un tema de más de 11 minutos en el que la artista pretende romper con «ídolos, estructuras y creencias» que alguna vez tuvieron un significado decisivo en su vida. Eso incluye haber «buscado respuestas en lugares equivocados» y el devenir voluntario o involuntario de los propios padres. «Perdona a tu madre por hacerse mayor / perdona a tu padre por haberse vuelto tan frío», dice la letra.

Si las referencias de Anna von Hausswolff suelen estar más bien en el camino de Steve Reich, el último David Bowie o Brian Eno, este último en ‘An Ocean of Time’, cuya letra repite simplemente que tiempo es justo «lo que no tenemos»; el álbum esconde temas definitivamente más accesibles. ‘Stardust‘ -la canción de los animales chillando como en el apocalipsis- no es que esté cerca de Kate Bush, es que es casi bailable y un contraste muy necesario tras ‘The Mouth’. ‘Facing Atlas’, sobre los riesgos del compromiso y estar atado a algo de lo que pierdes el control, no dista tanto de lo que podría ser un tema de M83.

Las colaboraciones, músicos aparte, apuntan a ese lado. Su hermana y cineasta Maria la acompaña en la eclesiástica ‘Unconditional Love’. Iggy Pop aporta su registro más grave en ‘The Whole Woman’, que se define como «una canción de amor para el hombre que sabe escuchar, y para la mujer lo suficientemente valiente como para sumergirse». «¿Me querrás como la mujer que soy?», se pregunta Anna.

También son bellísimas las cuerdas en ‘Aging Young Women’, el tema junto a Ethel Cain que versa sobre el paso del tiempo y familias que lo parecen todo pero de las que no quedará nada. Nadie mejor que la autora del complejo ‘American Teenager‘ para reflexionar sobre ello.

Las aportaciones de Otis Sandsjö son una barbaridad y para muestra la calidad de instrumentales como ‘Consensual Neglect’. Pero la expresividad de Anna von Hausswolff no se queda atrás. Atención al momento en que en ‘Struggle with the Beast’ grita eso de «People are dying while I’m playing dead». Son auténticas «bestias» las que nos rodean, y muchas veces las tenemos en casa, incluso les hemos rendido pleitesía, como sugiere el título del álbum. Con una producción apabullante y grandilocuente, von Hausswolff les planta cara.

Meghan Trainor estrena single rosa y anuncia ‘Toy With Me’

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Meghan Trainor estrena hoy un sencillo llamado ‘Still Don’t Care’, como adelanto de su séptimo álbum de estudio. ‘Toy With Me’ llegará el 24 de abril de 2026 a través de Epic Records. Al mismo tiempo, se anuncia una gira que empezará en junio de 2026 y recorrerá más de 30 ciudades estadounidenses, incluyendo paradas en recintos tan populares como el Madison Square Garden en Nueva York y el Kia Forum en Los Ángeles.

La gira contará con la participación especial de Icona Pop y destinará parte de sus beneficios a The Trevor Project, organización dedicada a la prevención del suicidio entre jóvenes LGBTQ+.

Lo creas o no, Sony anuncia este álbum como «su trabajo más honesto y valiente hasta la fecha», así como una obra para celebrar «la confianza y la libertad personal» desde un espacio pop. El primer adelanto, con la co-producción y co-autoría de Steve Mac, reincide en la faceta más rosa de la artista.

Adele debutará como actriz de mano de Tom Ford

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Sin noticias sobre el regreso discográfico de Adele, que no está previsto en absoluto de momento, al menos podremos verla en la gran pantalla. Hoy Variety informa de que Adele está en el elenco de ‘Cry to Heaven’.

Se trata de una película de Tom Ford, inspirada en la novela de Anne Rice de 1982. Situada en la Italia del siglo XVIII, contará también con Nicholas Hoult, Aaron Taylor-Johnson, Ciarán Hinds, George MacKay, Mark Strong, Colin Firth, Paul Bettany, Owen Cooper, Daniel Quinn-Toye, Hunter Schafer, Josephine Thiesen, Thandiwe Newton, Theodore Pellerin, Daryl McCormack, Cassian Bilton, Hauk Hannenmann y Lux Pascal.

La película está en pre-producción en Londres y Roma, la fotografía se preparará en enero, y el estreno está previsto para finales de 2026. Tom Ford, diseñador de moda y director creativo de Gucci e Yves Saint Laurent, se pasaba al cine al dirigir ‘Un hombre soltero‘ en 2009, que terminó en la carrera de los Oscar. Lo mismo ocurrió con ‘Nocturnal Animals’ en 2016.

La mejor canción de Miss Caffeina en 6 años

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‘Hoy va a ser el día’ ha logrado posicionarse como la canción más escuchada de Miss Caffeina en Spotify. Al fin han dado con un tema capaz de aglutinar más streams diarios que su gran hit ‘Mira cómo vuelo’.

El tema lo merece. Extraído de ‘Buena suerte‘, el álbum sobre una ruptura y un duelo que el grupo publicaba hace menos de un mes, es el que mejor lo resume. Al menos en el estadio de bajona, pues el disco también pasa por otras etapas como el despecho, la venganza o la aceptación.

La letra de Alberto Jiménez es de una honestidad brutal. Pasa por el autoengaño («No me vuelvo a enamorar, es mentira, lo sé, pero suena poderoso»), el alcoholismo como refugio de las penas («te he escrito sin razón y unas copas de más, mientras bailo entre la gente»), el aturdimiento total («No te distingo ni aunque te tenga de frente») y el recuerdo tortuoso de lo que ya no está («Maldita sea, apareció esa nota…»).

Sin duda el momento más triste del álbum es esa repetición cuatro veces seguidas del título de la canción, sin que nadie se crea de verdad que «hoy vaya a ser el día». Alberto está gritando en verdad que no: hoy no va a ser el día que supere todo esto, pero en absoluto.

Este es también un triunfo en cuanto a producción. La canción comienza con un precioso piano, añade un lamento en coros como sacado de ‘El mal querer’, y se compone principalmente de beats cercanos al techno, bajo los mandos de Pablo Rouss, quien de hecho ha comentado en Instagram que esta es su grabación favorita del disco de Miss Caffeina.

El grupo acudió a él porque le gustaba el trabajo que había realizado Rouss junto a Belén Aguilera, y el acabado es igual de sofisticado. Sin duda, la mejor canción de Miss Caffeina desde los tiempos de ‘Merlí’, ‘Reina’ y ‘Prende’.

Reunión de Meteosat para el XXV Aniversario de Ochoymedio

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El ciclo de conciertos de XXV Aniversario de Ochoymedio, que nos ha dejado joyas como el show con orquesta de Mala Rodríguez, continuará en próximos días con shows de Cycle, Samantha Hudson, Galerna, Arc de Soleil, Triángulo de Amor Bizarro o L Kan con Tronco. También actúan La Casa Azul, La Milagrosa y muchos otros que ya agotaron entradas.

La gran novedad del día es la incorporación de Meteosat. Sí, aquella leyenda indie que supuso un puente entre el pop underground y la radiofórmula sobre todo gracias a la exposición de ‘Vilma’. Aunque por aquí siempre fuimos más de ‘Mi novio es bakala’ y ‘Metal S.A.’

Meteosat, que jamás volvieron desde entonces, se incorporarán el 6 de diciembre al Tardeo que se celebra en el Teatro Eslava a partir de las 18.00 horas. JENESAISPOP ha preguntado a la organización qué miembros de los originales estarán presentes, pues el destino de Nacho Escolar (hoy en El Diario), Diana Aller, Borja Prieto y compañía no pudo ser más desigual. Incluso hay gente en los comentarios de Instagram que lo ha tomado como una inocentada. Atención porque la foto promocional es una pista.

Diana Aller nos dejaba este titular hace unos años en una entrevista en profundidad dividida en 2 partes (1 y 2): «Meteosat fue un experimento de marketing y una promesa infantil». En la entrevista revelaba que «desafinaba hasta hablando» y narró cómo ellos mismos llamaban a Radio 3 poniéndose a sí mismos a parir para generar polémica.

Este es el escueto comunicado: «VUELVEN METEOSAT!! 🛰️💥 El 6 de diciembre los mitiquísimos Meteosat se juntarán después de muchos años para tocar en #OchoymedioFlashback! Hitazos como Vilma, Mi novio es Bakala, Metal S.A o Fiesta en mi Jardín volverán a sonar sobre un escenario y eso tú lo tienes que ver! Déjate flequillo. Recupera tus chapitas y no te pierdas este fiestón 🫵🏼💖 Las entradas ya están a la venta».

‘Superestrella’ sube pero no puede con ‘Berghain’

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Lleva semanas viralizándose y subiendo paso a paso, y aún no ha parado de crecer. ‘Superestrella’ de Aitana llegaba la pasada semana al puesto 2 oficial en España y esta semana se mantiene en esa posición, pero con la mayor subida de puntos/streams de la semana.

Promusicae señala la canción de Aitana viral en TikTok como la subida más fuerte de la semana pasada… pero no sube lo suficiente para destronar a ‘Berghain’ de Rosalía con Björk e Yves Tumor, que sigue en el número 1. Curiosamente, Aitana y Rosalía coincidieron en los premios de Los 40, y la primera reveló que habían hablado a través de mensaje. Luego posaron juntas.

‘Superestrella’ ha logrado el número 1 en Spotify España durante 4 días, pero al final el cómputo semanal ha beneficiado a ‘Berghain’. Previsiblemente el próximo número 1 oficial en España será ‘La perla’ también de Rosalía, pero después volverá a abrirse la competencia y Aitana encierra sus posibilidades, pues insistimos en que sus números son crecientes. Sería simbólico que lograra un número 1 en solitario, sin necesidad de Quevedo, ni remix. ‘6 de febrero’ quedó en el puesto 2, como esta canción… de momento.

La entrada más importante de la semana es ‘444 (Remix)’ de Yan Block, De la Rose, Hades66 y Ñengo Flow. Llega al puesto 9. Con tan solo un día de cómputo, el tema de Bizarrap con Daddy Yankee entra en el puesto 26. Suponemos que subirá al top 10, por debajo de algunas canciones de ‘LUX‘. Después, tiene que vérselas con ‘Superestrella’ también.

La lista de entradas de la semana se completa con ‘Pieza exhibición’ de Luar La L, Roa y Blessd (puesto 66), ‘Qué sensación’ de Jezzy y Arcángel (74), ‘Cuando no era cantante’ de El Bogueto y Yung Beef (80) y ‘Veinticinco’ de Dani Martín (84).

Delirante concierto de la Katy Perry más voladora y distópica

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Ainhoa Laucirica

«Dijeron que no llegaría aquí, pero aquí estoy. ¡Lo he conseguido!». Katy Perry finalizó anoche su gira europea en el Movistar Arena de Madrid, visiblemente eufórica. Allí presumió varias veces de estar celebrando el 83º concierto del ‘Lifetimes Tour’. Ya sólo le quedan 8 conciertos en Asia, aparte del segundo «round» del año que viene, que incluye un par de festivales en España.

Parece mentira que ‘143‘, el álbum peor acogido de toda su carrera, esté dando lugar a una de sus mejores y más exitosas giras. Tal es la locura por los conciertos de este impredecible mundo post-pandemia. Toda la negatividad en las redes en torno a la artista se transforma en amor y buen rollo sobre las tablas. Es la magia de la música, y más concretamente de la música en vivo.

El gran «backslash» de Katy Perry en estos últimos tiempos ha sido por volar al espacio durante 11 minutos, en lo que creyó una maniobra feminista -otra más que le sale mal- y en verdad lució como la promo de un oligarca del tamaño de Jeff Bezos. Aunque solo por la respuesta de Mariah Carey («yo ya he hecho bastante») mereció la pena que esto sucediera, lo cierto es que Katy se quedó con más ganas de desafiar la gravedad. Solo así podemos explicar que la artista pase tal cantidad de tiempo por los aires durante este tour. Ella, que ya voló en su icónica Super Bowl, a todas luces una de las mejores de la historia, nos da más y más.

La preocupación por el futuro que le hemos visto en otras ocasiones es el concepto principal del show, una especie de videojuego en el que una Katy Perry mitad humana mitad robot lucha contra una IA llamada Mainframe. A través de diferentes secciones -«niveles»- pelea, mientras se proyectan imágenes disruptivas en 31 superficies desiguales. Solo las gradas laterales disponen de una imagen limpia de distorsiones de Katy Perry. Los demás contemplamos su imagen troceada sobre vídeos tipo telediario y mensajes de «tormenta» vs «siente la luz», de «fuerza» vs «debilidad». Indudablemente, la artista nos está hablando de su propio periplo.

Ainhoa Laucirica

Katy Perry aparece volando ya en la primera canción, ‘Artificial’, que es sucedida por su gran composición distópica, ‘Chained to the Rhythm‘. El segundo «nivel» está conformado por un popurrí acelerado de sus hits. Si el primero termina con ‘Dark Horse’, en el segundo escuchamos nada menos que ‘California Gurls’, ‘Teenage Dream’, ‘Hot N Cold’, ‘Last Friday Night’ y ‘I Kissed a Girl’, esta última dedicada a los clubs gays de la ciudad. En esa parte, los pluriempleados bailarines -también cámaras y un poco albañiles- montan por sí mismos una espectacular estructura de la que se colgarán y sobre la que harán múltiples acrobacias. La referencia parece Madonna en algún punto entre ‘Drowned World Tour’ y ‘Confessions Tour’.

Pero nada como lo que nos trae el tercer nivel. Durante ‘Nirvana’ Katy Perry se engancha a un arnés y llega volando hasta el graderío posterior del pabellón. El show es espectacular hasta el punto de que temes por su seguridad. Mientras tú criticabas la deriva de Katy Perry, Katy Perry estaba arriesgando su vida ensayando para este show, en una nave perdida de algún lugar de América. En el último y 5º nivel y tras una interpretación austera de su nuevo single ‘Bandaids’, la artista vuelve a volar sobre una suerte de mariposa/insecto gigante mientras canta ‘Roar’.

Si el 4º nivel se había dedicado a más luchas contra el mal sobre canciones como ‘ET’, hay que parar un momento para hablar de lo que se conoce como «el nivel 3.5». Katy Perry ha presentado en versión reducida muchos de sus hits porque necesita pasar un cuarto de hora interactuando con sus fans en ese tramo, en el que improvisa 2 canciones a petición popular.

Este set que incorpora a su audiencia, y que tan soporífero ha sido en otros conciertos de otras giras, en Madrid al menos salió muy bien. Perry empieza a seleccionar fans del público por su vestimenta, por lejos del escenario que estén, y mientras estos consiguen subir, pide a las barras una pizza. De pepperoni, para más señas. Conocemos a un fan travesti sin nombre drag, Ricky. No solo Katy imita con dudoso gusto su voz masculina, sino que la pobre invitada es abucheada al decir que viene de Inglaterra. El asunto se reconduce con Katy diciéndole que va monísima, y la travesti diciendo que «vive en Madrid» y que «viva España». Un fan que logra llegar al escenario desde el graderío aparece diciendo: «por favor no me abucheéis, que soy de París». Su abuelo se acaba de morir el día anterior. Habla una niña de casi 12 años. Otro decide llamar a su madre y Katy Perry está muy divertida haciendo muecas cuando resulta que la madre no coge, en principio, el teléfono. Podía haber sido un rollo, pero fue tronchante. La artista está en su salsa por completo y los chavales se llevan un montón de selfies para toda la vida.

La interacción de los fans funciona definitivamente cuando la artista da a escoger canciones y la gente abuchea o vitorea, según su gusto. Nadie quería oír ‘By the Grace of God’ pero a ella se le puso agradecer a Dios su suerte. ‘Unconditionally’ se quedó sin sonar a pesar de ser claramente de las favoritas del respetable. Dio igual: el simple planteamiento es muy divertido. También funciona ese momento en que durante ‘Last Friday Night’ Katy roba el móvil de un fan, graba su paseíllo, primer plano de su entrepierna incluido, y solo a los 5 minutos se acuerda de devolver el teléfono a su dueño.

No sé si quedará mucho rastro de ‘143’ en la retina popular. El concierto sigue cerrándose con ‘Firework’, como siempre. ‘Woman’s World’ queda totalmente diluida en el popurrí de hits del «nivel 2» por mucho que lo abra. ‘I’m His, He’s Mine’ es tan bien recibida como olvidada. Y ‘Lifetimes‘, claramente la mejor canción de la era, la que mejor encaja en el entorno festivo que es un concierto de Katy Perry y la que queremos seguir escuchando en el futuro, es de las pocas lastradas por un playback. Pero Katy Perry lo sigue teniendo. Dudo mucho que quien haya visto este tour no quiera repetir. Su show en el próximo Río Babel promete ser tremenda fiesta. Además, en pleno Orgullo. 8.

Los Javis rompen, pero seguirán trabajando juntos

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El País confirma en exclusiva lo que era un secreto a voces en los mentideros. Tras 13 años de relación, Javier Ambrossi (Madrid, 41 años) y Javier Calvo (Murcia, 34 años) han roto como pareja. No obstante, continuarán trabajando como pareja profesional.

Actualmente les estamos viendo como jueces de ‘Drag Race España‘ y están rodando la película ‘La bola negra’. La semana pasada terminó de rodarse el grueso de la película, a falta de algunas pequeñas partes.

Según El País, continuarán siendo pareja creativa. Indica el periódico citando su fuente que «mantendrán todos los compromisos profesionales que tienen en común, continuando su colaboración creativa y manteniendo su unión en los futuros proyectos profesionales que tienen en marcha y en aquellos que llegarán». Según esta fuente, “están trabajando juntos mejor que nunca” y se asevera que ‘La bola negra’ es el “proyecto más bonito de su vida”.

Este lunes se pudo ver solo a Calvo en un gag de ‘La Revuelta’, la junta de vecinos que se montó como «bienvenida» a Rosalía. En ella participaron Almodóvar, Manuela Carmena, Carmen Machi o La Zowi. Pero en ningún momento se vio a Ambrossi. Se desconoce quién se quedará la casa que se habían comprado juntos y en la que habían trabajado durante 3 años y en 2024 mostraron a una revista de arquitectura y decoración.

‘La bola negra’ está protagonizada por Guitarricadelafuente y cuenta con Miguel Bernardeau (‘Querer’), Carlos González (‘Mariliendre’), Lola Dueñas y un papel pensado para Penélope Cruz. Además, hay un cameo de Glenn Close.

Puedes recordar aquí nuestra entrevista con Los Javis (2017).

Andy valoró llamar su disco ‘Hasta luego, Lucas’; Lucas amenaza con denunciarle

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La contrapartida de ‘El Hormiguero’ para lo de Rosalía en ‘La Revuelta’ -que fue récord histórico y líder de audiencia- fue invitar a Andy para presentar su primer single en solitario. ‘Marioneta’ es una mezcla entre una decepción amorosa y la separación del dúo. “Es un desamor y ha coincidido con la situación”, explicó Andy.

La letra dice cosas como “tú no quieres a nadie, tan solo a tu egoísmo/ Olvídate de mi persona porque para ti no existo”. En el videoclip, Andy sufre mucho y llueve.

Andy manifestó a Pablo Motos su disgusto con Lucas por no reconocerle como artista, históricamente: “Cuando empecé con mi media naranja de la música, participaba prácticamente en todo lo musical y fui perdiéndolo hasta que desaparecí (…) Hubo un momento que a la otra parte no le gustaba cómo montaba los temas y por no tener discusiones eso se fue al traste”.

Andy contó que no se lleva derechos de ‘Son de amores’, pese a que según él hizo la música: “Yo no entendía cómo funcionaba el negocio, pero él confiaba en mi manera de montar los temas. Él me dijo que hiciese la música, pero cuando llegó el momento de registrar la canción no me puso de coautor”.

En general, habló de cuentas turbias, pues de un caché de 30.000 euros solo le llegaban “2.000 o 3.000 euros”. Y de su último concierto, que facturó 250.000 euros, le llegaron menos de 10.000. El dúo ha estado a punto de llegar a las manos, según lo relatado en ‘El Hormiguero’.

De hecho, Andy ha valorado llamar su disco ‘Hasta luego, Lucas’, pero lo ha desechado: “Me lo han propuesto, pero por respeto a él y sobre todo a su familia, que sigo manteniendo contacto con ellos y sé que no lo están pasando bien, no es plato de buen gusto venir a hablar mal de mi socio”.

Tras escuchar a Andy en ‘El Hormiguero’, una fuente próxima a Lucas ha asegurado al programa de televisión ‘Y ahora Sonsoles’, que Lucas está valorando denunciar. Podría pedirle «por daños y perjuicios, hasta 150.000 euros», como informa Vertele.

Juana Molina / DOGA

Dice la artista experimental argentina Juana Molina que en cada disco intenta ofrecer una propuesta diferente, pero que inevitablemente siempre vuelve a la misma. “No puedo imparecerme”, bromea en una reciente entrevista. Esto significa que ‘DOGA’ vuelve a ser una obra tremendamente única y original, y aunque no sea la más accesible de su carrera, sí es un nuevo laberinto que descubrir y desenredar.

La concepción de ‘DOGA’, el primer álbum de Molina en ocho años, se origina en el show de improvisaciones Improvaset, nacido en 2019. Molina y su productor Marito (Mario Agustín de Jesús González) grabaron interminables horas de aquellas sesiones, basadas principalmente en sintetizadores analógicos y secuenciadores, y recuperaron ideas que después desarrollaron en este disco. Molina cuenta que la cantidad de material la paralizó y que, en un momento, llegó a plantearse sacar un disco triple, uno de ellos instrumental.

Más adelante, en el proceso, se unió Emilio Haro, productor de su debut de 1996, ‘Rara’, quien la ayudó a organizar las ideas. ‘DOGA’ -una variación del término «perra»- es otro ejemplo del estilo inconfundible de Molina para crear hipnóticos temas de pop a través de loops, capas y melodías misteriosas, casi narcóticas. Ella, que se muestra dolorida en las entrevistas a raíz de una lumbalgia -e incluso ofrece una desde el hospital-, quizá busca algún tipo de alivio. O, como mínimo, un escape de la realidad.

Las composiciones de Molina encierran universos sonoros, y en ‘DOGA’ fascina la manera en que evocan ciertos estilos, pero siempre desde una visión retorcida que los hace casi imposibles de identificar. Esta especie de juego óptico-sonoro puede ser figurado o literal. En el primer caso, por ejemplo, ‘Va Rara’ podría ser una composición de Tom Waits grabada desde una realidad invertida. En el segundo, literalmente, las guitarras de ‘Miro Todo’ están tocadas para que suenen “como violines desafinados, como si a quien las toca no le apeteciera hacerlo”.

En esta aparente “desgana” -visible en el registro vocal arrastrado, casi adormecido de Molina, una de sus señas de identidad- se esconden horas de laboriosa arquitectura sonora, especialmente evidente en los ritmos mecánicos, casi krautrock, de ‘Uno es árbol’ y ‘La paradoja’, que repite el mantra “los perros y los gatos van corriendo por ahí”, mientras la base instrumental se asemeja a un synth-punk pulido pero muy extraño. Detrás de la bonita melodía de ‘Desinhumano’, los instrumentales de guitarra acústica, bajo y percusiones se suceden en diferentes e hipnóticos pasajes.

Hay arreglos más convencionalmente pop-rock (dentro de que la música de Molina nunca es del todo convencional), como los de ‘Miro Todo’, que remiten a Radiohead; y otros más cercanos al folk, como ‘Caravana’, que construye una delicada pieza de tapicería sonora a través de arpas, bajos y órgano de clavos. La música se atreve a ser tan incómoda como en la final ‘Rina Soi’, que se desintegra hasta quedarse en una coda disonante infinita, sonando, en palabras de Molina, “como elefantes de hierro (y) bisagras sin aceitar”. La composición original llegó a durar entre 40 y 50 minutos; aquí se ha reducido a nueve y medio.

Las canciones de ‘DOGA’ hablan de sentimientos confusos («suave, honesto, atento, ingenioso, lo amo / engreído, me cansé, generoso, me casé», repite en ‘La paradoja’) o peleas de hermanos (‘Intringulado’) y pueden ser tan simbólicas como ‘Indignando a un zorzál’. La mejor puerta de entrada a este nuevo cosmos de Molina es ‘Siestas ahí‘, la pieza melódicamente más accesible, y también una de las más románticas: «Me disolví cuando al fin me besabas», canta, entre efectos gatunos de voz.

Manolo García, top 1 en España; Florence, top 11

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Manolo García suma otro número 1 más de Discos en España, una constante en su carrera, salvo algún tropiezo como el anterior ‘Desatinos desplumados’ (2022), que quedó en el top 2. El nuevo ‘Drapaires poligoneros’ sí logra destronar a Fito y Fitipaldis y se sitúa como el álbum más vendido del país. Han presentado el álbum de 16 pistas singles como ‘No estás solo, tienes tu voz’ o ‘Lloraré’.

La segunda entrada más fuerte es la de Mägo de Oz en el puesto 5 con ‘Malicia’. Por su parte, Florence + the Machine queda a las puertas del top 10 con ‘Everybody Scream‘. Florence es número 11 en España, además de top 2 en vinilos, solo por detrás de Manolo García. Este álbum de Florence ha sido número 1 en Reino Unido como todos sus discos excepto ‘High as Hope’ que quedó en el 2.

Además, ‘Everybody Scream’ ha llegado al top 3 en Alemania, Holanda y al top 4 en Estados Unidos y Australia. En general, ha sido top 5 a nivel mundial, pero España no ofrece su peor dato: el álbum de Florence ha sido top 15 en Italia y top 16 en Francia.

Otras entradas en la lista española han sido las de Bob Dylan en el 58 con la caja ‘Through the Open Window’; Radiohead en el puesto 59 con ‘Hail to the Thief: Live Recordings’ y Tarchi en el 84 con ‘Recuerda que vas a morir’.

También hay que destacar que la subida más fuerte de la semana vuelve a ser la de Sanguijuelas del Guadiana. ‘Revolá’ pasa del puesto 71 al puesto 42 tras pasar por ‘La Revuelta’. Además, ‘Chromakopia’ de Tyler the Creator reaparece en el puesto 51; y Barry B reaparece en el top 100 con ‘Chato‘.



‘Bandaids’ de Katy Perry: ¿remontada o hecha con IA?

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Katy Perry acaba de actuar en Barcelona y se encuentra en estos momentos en Madrid para hacer lo propio en el Movistar Arena. También tiene nuevo single, ‘Bandaids’. La redacción os ofrece una opinión a favor y otra en contra, así como la posibilidad de votar en nuestra encuesta.

“El single de Katy Perry me ha entrado por los ojos, comenzando con lo que parecen unas guitarras eléctricas con efecto tremolo, como inspiradas en la gran canción de despecho de los Smiths, ‘How Soon Is Now’. Johnny Marr se inspiró en el principio de ‘I Want More’ de los pioneros Can. Para Katy Perry expresan lo turbio de su separación de Orlando Bloom. Este ‘Bandaids’ se refiere a las “tiritas” de su “corazón roto”.

Mientras la melodía puede apuntar a ‘Never Really Over’ y en cualquier momento podría convertirse en un “grower” de éxito como aquella, la letra no puede ser más explícita ni estar mejor construida. “No es lo que hiciste, sino lo que no hiciste / Estabas ahí pero no estabas”, recrimina, además de preguntarle cuánto le costaba interesarse por su día a día.

Pero ‘Bandaids’ además deja un mensaje positivo: “En el lado bueno, vivimos buenos momentos / jamás fingimos en las fotos”, confiesa. Y además añade en el puente: “Si tuviera que repetirlo todo, lo repetiría todo / El amor que tuvimos mereció la pena”. Una bonita canción post-divorcio, pues, como pocas suelen hacerse. Sebas E. Alonso.

“No se puede decir que Katy Perry no lo intente. ‘143’ fue un fiasco tremendo, y no ha pasado ni un año cuando vuelve con otra canción, quizás precisamente para que nos olvidemos y hacer como si esa era nunca hubiese ocurrido. Lo hace con ‘Bandaids’, en principio una buena idea porque es un volantazo respecto a “recalentar los nachos” de sus hits, tirando por un sonido más cercano al pop-rock de su debut, a lo ‘Waking Up In Vegas’, con el punto sentimental que tan bien le funcionaría después en ‘The One Who Got Away’.

Pero el problema es justo ese: repite otra fórmula, pero sigue repitiendo fórmula sin darle más de una vuelta. ‘Bandaids’ se queda muy lejos de los dos temas nombrados, es tremendamente genérica pese a estar a priori inspirada en algo tan personal como es su ruptura con Orlando Bloom. Hasta se te pasa por la cabeza, por la rapidez en sacarla, si esto no lo ha hecho una IA. ¿Mejor que la mayoría de su último disco? Sí. ¿Olvidable? Pues un poco también”. Pablo N. Tocino

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Las baladas de Joji no han dejado de ser devastadoras

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Joji, que llegó a ser en algún momento uno de los personajes más absurdos de Internet, se ha convertido en uno de los baladistas más efectivos de la actualidad. ‘Past Won’t Leave My Bed’, el último adelanto del próximo ‘Piss In The Wind’, es otra devastadora (y preciosa) joya de las suyas. También es la Canción del Día.

‘Glimpse of Us’, lanzada en 2022, llegó al número 1 global en Spotify y es hoy en día el mayor éxito de la carrera de Joji, aunque nadie lo viese venir. En ‘Past Won’t Leave My Bed’, este repite la fórmula con otra honesta y directa pieza a piano. Si algo no está roto, no hay nada que arreglar.

Si aquella canción trataba sobre ver una relación pasada en los ojos de otra persona, ‘Past Won’t Leave My Bed’ habla sobre el tormento de esa relación siguiendo al protagonista hasta su cama. «Abro los ojos / Su cara permanece en las paredes», canta Joji en el estribillo. Este intenta «seguir adelante», pero el pasado no le deja descansar. En un trágico momento de la letra, Joji no encuentra solución: «Sé que no puedo dormir para siempre».

El videoclip también es un claro ‘throwback’ al de ‘Glimpse of Us’, grabado en primera persona y protagonizado por alguien al que no le importa ser arrestado por la policía o, por qué no, acariciar un oso que se le acerca en medio del bosque. Por otro lado, Joji también ha lanzado la breve y acústica ‘If It Only Gets Better’, así como la distorsionada ‘PIXELATED KISSES’, maravillosamente recibida por el público.

Daddy Yankee sigue haciendo hits aunque esté rendido a Dios

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Hace dos años, durante el concierto de despedida de su última gira, Daddy Yankee anunciaba su retirada de los escenarios para seguir a Jesucristo: «Él es el camino, la verdad y la vida», exclamaba delante de sus miles de fans. Ahora, demuestra en su nueva sesión con Bizarrap que su entrega a Dios no ha afectado a su capacidad de hacer temazos.

Los días de «chocha, culo, teta» han quedado atrás. Daddy Yankee no se ha pasado a hacer música cristiana, pero sí ha eliminado de sus letras todas las referencias al sexo, la bebida o las drogas que pudiese haber en el pasado. Así lo ha hecho en su primera colaboración con Bizarrap, que sigue petándolo como siempre.

La sesión #0 del argentino recluta a Daddy Yankee para hacer un tema que recuerda directamente a los mayores hits del gigante del reguetón. Tiene las trompetas, el estribillo clásico y pegadizo, y el flow a mil revoluciones del puertorriqueño. Eso sí, con una temática apta para todos los públicos.

Desde el principio del tema, este aborda su cambio vital directamente: «Todo el mundo me dice, ¿qué te pasa?», suelta justo antes del ‘hook’. «Si me preguntan a nadie yo le debo / Cuando me vaya, de aquí nada me llevo / Solo me voy con un amor verdadero / Los pies en la tierra, siempre mirando al cielo», canta Yankee mientras se suceden los adlibs típicos de «¡Masivo!» o «¡Fuego!».

Daddy se permite hasta referenciar su etapa más pagana de la forma más carismática en los versos, en los que también demuestra que en su campo sigue siendo de los mejores: «Es mi father quien llega a mi estadío / Conmigo pa’ tos’ laos camina / Es quien me pone la vitamina / La verdadera gasolina».

La nueva versión del reguetonero ha convencido al público, que ha posicionado el tema en el número 15 del Top 50 Global de Spotify y en el número 4 del Top 50 España, justo en mitad del huracán Rosalía. Este año, Daddy Yankee también lanzó ‘LAMENTO EN BAILE’, el primer disco de su nuevo etapa, cuyo título es una alusión al Salmo 30:11-12 de la Biblia.

Low Festival 2026 se celebrará en Torrevieja

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La semana pasada, Low Festival anunciaba un cambio de ciudad con el que dejaban atrás Benidorm, que había acogido el festival durante 15 años. Hoy han anunciado que la edición de 2026 se celebrará en Torrevieja. Además, han anunciado los primeros nombres de su cartel.

Editors, Dani Fernández, Fangoria, Alcalá Norte, Barry B, Natalia Lacunza, Ojete Calor, Veintiuno, Besmaya, joseluis, Perro y Repion completan la primera tanda de artistas de Low Festival, que se celebrará del 31 de julio al 2 de agosto en el Parque Antonio Soria de Torrevieja.

Desde la organización, achacaban el cambio de ciudad a «las nuevas condiciones impuestas para continuar en el recinto», incluidos «costes inasumibles» y «otras decisiones ajenas a nosotros».

OT Gala 8: Yo me lo he pasado muy bien

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Desde hace tiempo, en Operación Triunfo, los concursantes comentan sus actuaciones valorando que se lo «han pasado muy bien». Desde fuera, algunos lo hacen pasar mejor que otros. Lucía Casani ha vuelto a ser justamente nominada al no transmitir un mínimo de química sexual en una canción llamada ‘Sexo en la playa’. Su compañero, Guillo, propuesto para nominación pero salvado por el profesorado, ha tenido una noche correcta, aunque no a la altura de la anterior.

La nominación de Guille Toledano ha demostrado que las cosas en Operación Triunfo no son tan predecibles como parece. Su versión de ‘Como Camarón’ de Estopa nunca iba a transmitir la actitud canalla de la original, porque Toledano, de quien es fan, es de Pablo Alborán. Pero su actuación ha vuelto a ser un «parecía que no, pero sí». En mi opinión, el nominado más injusto de la noche.

Mientras tanto, se mantiene intacta la continuidad en la Academia de dos concursantes que hoy merecían haber salido nominados: Tinho, que no ha terminado de imprimir a ‘Cheek to Cheek’ el encanto esperado, y Téyou, cuya interpretación de ‘Baby, I Love Your Way’ no le ha supuesto ningún reto, pues la habría cantado igual en la gala 0, la 3 ó la 6, continúan en el concurso. Téyou ha sido propuesta para nominación y salvada por sus compañeros.

Tampoco comparto la valoración excesiva a Crespo. Con su ‘Me has invitado a bailar’ de Dani Fernández ha intentado llevar esta canción de pop-rock a «algo que me represente», y le ha salido una canción de pop-rock. Guillo es, en parte, responsable de su continuidad en el concurso, ya que le ha ayudado a soltarse en el escenario. Guillo es el ganador de esta edición.

Predecible ha sido la expulsión de María Cruz, quien apenas ha recibido el 16% de los votos frente al 84% de Cristina. Cruz ha acertado eligiendo canción -‘Envidia’, de Nathy Peluso, un nuevo clásico-, pero vocalmente parece que le han podido los nervios. Cristina, sin embargo, ha bordado ‘Garganta de arena’ de Cacho Castaña. Ambas han competido con baladas, pero Cristina ha ganado con elegancia y control.

Claudia fue una de las primeras nominadas de la edición, pero ya casi no nos acordamos. Sus interpretaciones vocales tienen calidez, y ha vuelto a demostrarlo interpretando ‘Kiss Me’ de Sixpence None the Richer, una canción que le va al pelo. ¡Que alguien le escriba una canción parecida en español cuando salga del concurso! ¿Confeti de Odio? Se nota que se lo ha pasado bien cantándola. Y nosotros, viéndola.

Rosalía alborota La Revuelta con elenco de lujo, bizcochito y récord de audiencia

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Rosalía continúa con la promoción de ‘LUX‘ y esta noche ha sido la gran invitada en La Revuelta, tal y como se anunció la semana pasada, siendo además la única invitada durante más de una hora de emisión.

Su visita al programa ha comenzado a lo grande, con la recreación de una junta de vecinos estelar celebrada en una finca colindante, que ha reunido a Pedro Almodóvar, Carmen Machi, Javier Calvo, Manuela Carmena, Estopa, La Zowi y Alexia Putellas en busca de una pelota perdida. Esta acaba en manos de Rosalía, quien la devuelve y, acto seguido, entra en La Revuelta acompañada de David Broncano, bañada en aplausos.

Rosalía ha aparecido en el plató completamente entregada al personaje de ‘LUX’, o al menos a su “persona”. No ha tenido precio verla repartir porciones de bizcocho al público, horneado por ella la noche anterior. Y al final, al responder a la pregunta sobre el sexo, ha confesado haberse despertado la noche previa con la “sensación” de haberse “venido”. Es decir, ha tenido un sueño húmedo. Mística incluso para un orgasmo.

Rosalía no ha anunciado la gira de ‘LUX’ durante su intervención en La Revuelta -por si alguien esperaba que eso ocurriera-, pues reconoce que es un plan que aún se encuentra “barajando”. Tampoco tenía prevista una actuación sobre el escenario, aunque ha improvisado a capela un fragmento de ‘La Perla’, que interrumpe justo antes de pronunciar el taco.

Lo que sí ha hecho Rosalía en La Revuelta ha sido entregarse al absurdo del programa y pasárselo en grande: la cantante propone un pulso con Broncano y lo gana, se pone la camiseta con la frase “La entrevista de Rosalía” que le regalan, y cuenta la vez que se enfrentó a la disyuntiva entre «tragar o escupir»… cuando un insecto acabó dentro de su garganta durante una actuación. El doble sentido no pasa desapercibido.

Rosalía y Broncano no profundizan demasiado en ‘LUX’, y la artista tampoco revela nada nuevo sobre su inspiración mística y espiritual. Aun así, Broncano acierta al comparar el disco con ‘Graceland’ (1986) de Paul Simon, especialmente por su uso de los coros. ‘Berghain’ sale a colación y Rosalía reconoce no haber tenido «nunca los cojones» de entrar a la discoteca berlinesa.

Un momento curioso de la entrevista sucede cuando Rosalía recuerda sus inicios y explica que ‘Malamente’ fue «en seguida» aceptada por Los 40 Principales a pesar de que ella todavía no había firmado con ninguna discográfica. Sin embargo, no cuenta que ella misma tuvo que pedir a la emisora que pinchara sus canciones cuando ‘Malamente’ llevaba meses en la calle. ‘Malamente’ había estado sonando en un programa nocturno, pero no en uno de máxima audiencia.

‘La Revuelta’ batió anoche récord de audiencia (20.4%) quedando hasta 5 puntos por encima de ‘El Hormiguero’ (15.3%). Fueron 2.706.000 espectadores frente a los 2.046.000 para el programa de Pablo Motos, donde el invitado fue Andy de Andy y Lucas. Como recuerda Vertele, ‘La Revuelta’ nunca había superado el 20% de share.

Pauline en la Playa, esta semana en AIEnRuta

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El ciclo AIEnRuta, que celebra conciertos por todo el país (y parte del extranjero, hay uno de Grande Amore en México), continúa este otoño. Entre los artistas que están celebrando shows estos meses se ha seleccionado -como ya os contamos– a Trashi, Le Parody, Los Bengala, Alavedra y muchas otras propuestas más urbanas (KYR4) o incluso jazz (Hilario Rodeiro).

Los objetivos de AIEnRuta son «fomentar el intercambio cultural entre artistas de todas las comunidades autónomas, potenciar todos los estilos musicales que se dan dentro de la música popular, dar a conocer a los nuevos valores artísticos facilitándoles un marco de expresión, a su vez dar un vehículo de expresión a artistas reconocidos de gran calidad musical, potenciar la iniciativa privada y crear un circuito de invierno consolidado». Más de 5.000 conciertos de 1.000 artistas se han celebrado desde 1995, con una asistencia de más de 300.000 espectadores.

Entre esos «artistas reconocidos de gran calidad musical», esta semana recomendamos especialmente el caso de Pauline en la Playa. El dúo de las hermanas Mar y Alicia Álvarez, surgido de las cenizas de Undershakers, dejó atrás las etiquetas del indie para ofrecer una exquisita canción de autor absolutamente atemporal y universal. Con influencias como Vainica Doble y primas hermanas de Nosoträsh, editaron álbumes tan recomendables como ‘Tormenta de ranas’, ‘Silabario’ o ‘Física del equipaje‘.

Últimamente han espaciado más sus lanzamientos, pues pasaron 6 años entre ‘El mundo se va a acabar‘ (2013) y ‘El salto‘ (2019). Pero su disco de 2024, ‘Los días largos‘, era más que recomendable, con ciertas aproximaciones country que no solo salpicaron al single ‘Yo podría ser John Wayne’ sino a la excelente ‘Que te parta un rayo’.

Como parte del ciclo AIEnRuta, Pauline en la Playa actúan este jueves 13 de noviembre en el Centro Cultural Delicias de Zaragoza. Detalles y otros conciertos, en la web oficial.

Charli xcx y John Cale te invitan a su «CASA» del terror

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Charli xcx pasa oficialmente página de ‘brat‘ (2024) publicando ‘House’, el primer adelanto de la música que ha compuesto para la banda sonora de la próxima adaptación cinematográfica de ‘Wuthering Heights’, dirigida por Emerald Fennell (‘Saltburn‘, ‘Promising Young Woman‘), y que llega a taquillas el 13 de febrero de 2026. ‘Wuthering Heights’ NO es una de las SIETE películas que han confirmado a Charli xcx en su reparto, pero sí tendrá su firma musical.

‘House’ es una colaboración con John Cale, lo cual tiene mucho sentido, pues Charli xcx no se ha cansado de contar que Lou Reed está inspirando la dirección de su próximo álbum. Aunque ‘House’ no es tan evocadora del sonido de la Velvet Underground, ni de Nico. Tiene más que ver, quizá, con ‘MERCY‘, el álbum que Cale publicó en 2023, lleno de colaboraciones.

‘House’ es una pieza ambiental, enmarcada en un estilo de suspense y terror, que cede el protagonismo a John Cale y a su voz recitada. Cale, acompañado de cuerdas disonantes y tensas, comienza recitando un texto, con su voz grave, sobre una casa que «ha construido» y de la que no puede salir: se siente atrapado. En el momento en el que muro de guitarras explota, Charli aparece para armonizar con Cale, que «creo que moriré dentro de esa casa», curiosamente sin renunciar a su característico autotune, pero ahora sumida en la distorsión. En el tramo final, Charli repite la citada frase de forma desesperada, mientras el ruido la engulle.

En resumen, ‘House’ no es ‘brat’, pero sí ofrece una interesante dirección musical para Charli xcx, más tétrica y oscura, y hasta ahora inédita en su discografía.

¿Puede ‘House’ anticipar el sonido del próximo elepé de Charli? De momento, Charli ha contado, durante su paso por el podcast de Gwyneth Paltrow, que está explorando el sonido de las cuerdas.

Pablo Alborán / KM0

Que Pablo Alborán haya decidido publicar su nuevo álbum el mismo día que Rosalía puede ser una coincidencia… o no. ‘KM0’, curiosamente, también se ha presentado con un single arriesgadillo (‘Clickbait‘), y resulta que también es un disco políglota (incluye letras en portugués y japonés) y que explora diferentes estilos globales (flamenco, afrobeat, salsa, merengue, hasta country).

Las comparaciones son odiosas, sin embargo, y que Warner Music presentara ‘Clickbait’ como un single «vanguardista» de Alborán en una nota de prensa, hace flaco favor al malagueño. ‘Clickbait’ puede ser arriesgado en su carrera por su mezcla de electrónica y rap, pero no es vanguardista. Más bien, toma el testigo de ‘Reputation‘ (2017) de Taylor Swift, pero con menos sentido del humor (y ya es decir).

La relación de Alborán con la fama marca otras pistas de ‘KM0’, como la gélida balada ‘Mi talón de aquiles’ («crees que me conoces, cuando solo has visto parte de la silueta») o el afrobeat ‘Te invito’ («no busco ni fama ni gloria, solo camino despacio»), pero el séptimo trabajo de Alborán vuelve a centrarse principalmente en el desamor, aunque llega marcado por un duro bache personal. El «kilómetro cero» para Alborán es su hogar, el lugar donde empieza todo.

La experiencia de un familiar cercano con la leucemia, que le obliga a recibir un transplante de médula ósea, inspira la balada titular («casa vacía, corazón lleno, historias que casi me arrancan el pecho»), y la mejor composición del disco. ‘Planta 7’, una colaboración con el guitarrista de flamenco Vicente Amigo, rinde homenaje a los hospitales y también a Valencia, pero lo mejor es su estructura libre, pues la canción, preciosa, se extiende hasta los nueve minutos.

Ese tipo de composición flamenca épica podría haber supuesto un riesgo más interesante para Alborán que coquetear con el rap en ‘Clickbait’, pero ‘KM0’ nunca se tira a la piscina ni de una idea, ni de otra. La fórmula termina imperando en el álbum, especialmente en las baladas, tan recargadas y empalagosas como siempre, recordando especialmente a Alejandro Sanz (‘KM0’, ‘Mis 36‘, ‘Me quedo’), o en ‘Inciso’ junto a Ana Belén, apostando por una pieza más clásica.

Son particularmente fallidos los experimentos con diversos géneros. Alborán recurre a los clichés del country en ‘Vamonos de aquí’ (ese solo de armónica parece IA), y ‘Si quisieras’ es un merengue que suena forzado y descafeinado: nunca este ritmo sonó menos alegre. En ambos casos da la impresión de que Alborán intenta encajar estos ritmos a su estilo compositivo, y no al revés, resultando en fusiones que no suenan naturales.

‘Copiloto’, en el tramo final del álbum, tira un cable a ‘Clickbait’, aproximándose al urban-house, pero ni este tardío intento, ni el verso en japonés de Lilas, vocalista de YOASOBI, en la balada ‘Perfectos imperfectos’, que recuerda el futuro de un amor que pudo haber sido, usando imágenes típicas de mapas y trenes, cuajan en un álbum que toma diferentes direcciones sin ni tan solo atisbar una cohesión.

El mejor aspecto de ‘KM0’ -aparte de ‘Planta 7’- es la calidad vocal de Alborán, inmejorable en todos los sentidos (no solo las florituras, sino también las notas sostenidas), y la verdad es que el dramático estribillo de ‘Mis 36’ construye un potencial clásico. Está a años «LUX» de ‘Clickbait’ por estilo y resultado.

Robyn estrena ‘Dopamine’: «es como si no aceptáramos que somos humanos»

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Robyn estrena su nuevo single ‘Dopamine’ este miércoles 12 de noviembre. Este domingo, la cantante sueca había prometido una «sorpresa» para la semana que empieza y había abierto un registro para contenido exclusivo.

Dado título y avance de la letra, ‘Dopamine’ apuntaba a ser el regreso definitivo de Robyn a la pista de baile más contundente, 15 años después de ‘Body Talk‘ (2010). La producción está realizada a medias entre Klas Ahlund, con créditos en la co-autoría de no otra persona que Taio Cruz. La grabación está también influida por los sonidos típicos de Daft Punk.

Con ‘Dopamine’ Robyn estrena nuevo sello, Young. Según XL, distribuidora en España, la canción «captura la euforia química que inunda tu cuerpo cuando te enamoras, ese vertiginoso subidón en el que las emociones y la biología se difuminan. Es el sonido del deseo y la duda chocando: el sentimiento es real, pero eres consciente de que es una ilusión hormonal. Sonoramente, la canción refleja esa tensión e intensidad: embriagadora, pulsante y eufórica, como si surgiera del subidón que evoca».

Indica Robyn: «Todo el mundo tiene un teléfono en el que puede ver su frecuencia cardíaca, y estamos aprendiendo a decodificar nuestras emociones a través de las hormonas y las sustancias químicas de nuestro cuerpo. Es casi como si ya ni siquiera aceptáramos que somos humanos, como si intentáramos escapar de ello y explicarlo todo, lo cual me parece genial, pero también es la razón por la que el mundo es una mierda, esa idea de que puedes entender y ganar la vida o algo así. La dualidad de la dopamina es tener una emoción que es súper real, súper fuerte, intensa, placentera o dolorosa, y al mismo tiempo saber que se trata solo de un proceso biológico en mi cuerpo, y entonces no elegir entre la religión o la ciencia. Simplemente aceptar que ambas cosas están ahí juntas y ser capaz de alternar entre ellas».

A finales del pasado mes de septiembre trascendían unas declaraciones del productor Klas Åhlund según las cuales el nuevo disco de Robyn estaría terminado. ‘Dopamine’ se presume el primer adelanto del próximo álbum de Robyn, el primero en 8 años. Este es el tiempo que ha pasado desde lanzamiento de ‘Honey’ en 2018. Desde entonces, Robyn ha sido madre y ha lanzado colaboraciones con Charli xcx (el remix de ‘360’) o Jamie xx (‘Life’). También ha actuado con David Byrne en el 50 aniversario de Saturday Night Live y con Gracie Abrams en Lollapalooza.

Kelly Reichardt subvierte el cine de atracos en la exquisita ‘The Mastermind’

La historia de ‘The Mastermind’ sucede en 1970, en un tranquilo barrio residencial de algún lugar de Massachussets. JB Mooney (Josh O’Connor), carpintero en paro y padre de familia, se pasea a menudo por el museo local. Su objetivo es idear un plan perfecto para robar unos cuadros del pintor Arthur Dove. Junto a dos colaboradores y sin pensarlo demasiado, decide llevar a cabo la empresa, pero su supuesta jugada maestra termina por hacer aguas, y lo que podría haber sido la solución para una vida acomodada con su mujer Terri (Alana Haim) y sus hijos, se tuerce, forzándolo a huir de la justicia.

Kelly Reichardt, directora personalísima y siempre a contracorriente de los vicios del cine americano contemporáneo, se aventura en el cine de atracos con una película que no pone el foco en la tensión que rodea al robo, sino que busca componer un retrato humanista sobre un hombre a la deriva. Josh O’Connor, actor cuya presencia siempre resulta magnética, se pierde en la piel de un personaje de apariencia tranquila y amable pero profundamente complejo, inmerso en una fallida odisea.

Fiel a su ritmo pausado y contemplativo, la cineasta divide la película en dos partes, una antes del atraco y otra después. En esta última es donde subvierte los tópicos sobre los que se cimienta este tipo de cine, convirtiendo lo que tradicionalmente sería un film de acción en un drama minimalista que estudia minuciosamente a su personaje, esbozando un retrato sutilmente crítico de la masculinidad tradicional. JB no representa precisamente al típico hombre rudo y machista, pero su forma de ver el mundo es tan infantil e ingenua que parece que nadie le haya enseñado a ser adulto en el mundo real.

Primorosamente rodada, la película logra una exquisita recreación de la época tanto en lo visual, donde destaca la evocadora fotografía de Christopher Blauvelt y el discreto pero estupendo diseño de vestuario de Amy Roth, como en lo narrativo. La directora captura con audacia las ansiedades sociales de los 70, como la preocupación por la guerra de Vietnam, la falsedad de la fantasía familiar suburbana o el auge de la delincuencia.

La mente maestra de Kelly Reichardt vuelve a idear un guion que transforma un género históricamente cargado de acción y testosterona (ya lo hizo anteriormente con el western en ‘Meek’s Cutoff’ y ‘First Cow’) en un delicado ejercicio casi-bressoniano que impone sus propias reglas y sus propios tiempos. ‘The Mastermind’ es una aventura anti-épica y minimalista de una cineasta que continúa indagando en la compleja historia de Estados Unidos con historias pequeñas y humanas pero rebosantes de gran cine.

Underscores da Britney, da Justin, en el bop ‘Do It’

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Underscores, el proyecto de la compositora y productora estadounidense April Harper Grey, de quien os hablamos recientemente a raíz de su single ‘Music’, ha publicado un nuevo tema estos días y es el más pop de toda su carrera.

‘Do It’ es una producción inspirada en el pop y el R&B futurista de los dosmiles. Su ritmo mecánico, acento funky y su fusión de guitarras acústicas y ráfagas de ruido, recuerdan al trabajo de Britney Spears con Bloodshy & Avant, a ‘Futuresex/LoveSounds‘ (2006) de Justin Timberlake, un poco a Basement Jaxx, y también a Janet Jackson en la época de ‘Feedback’ (2008) y ‘Make Me’ (2009).

Underscores, quien este año ha colaborado con Oklou en ‘Harvest Sky’, es una auténtica estudiosa del pop; por eso no sorprende que en ‘Do It’ proclame que la única con quien está casada es con la música. Ya lo había dejado claro en su single anterior.

Pero ‘Do It’ también es una declaración de intenciones. Underscores establece límites claros con alguien que le interesa, avisando de que no habrá relación a menos que se conozcan bien. Y eso incluye su carrera musical: “No lo entiendes, la gente se tatúa mis letras en la piel”, desafía la artista. Luego añade: “¿Sabes cuánto valgo? ¿Te sabes mi canción? ¿La tienes en tu playlist? ¿Usas Spotify?”

La compositora deja claro que el amor no forma parte de sus planes por ahora: “Para mí, todo está en juego, y tú podrías arruinarlo todo”. Con ‘Do It’, queda evidente que Underscores sale a ganar.

La catarsis brutalista de The Temper Trap en ‘Giving Up Air’

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Un padre joven con un hijo adolescente, un barrio obrero inglés, temazo musical y toneladas de lirismo visual. Andrea Banjanin parece haber tomado buena nota del cine de Andrea Arnold. El cinematográfico videoclip de ‘Giving Up Air’ podría haberse extraído de alguna de las películas de la realizadora británica: desde ‘Fish Tank’ o ‘Bird’ (probemos a imaginar a Michael Fassbender o Barry Keoghan en el papel del padre), hasta ‘Red Road’ y sus icónicas torres de hormigón.

Uno de los elementos más destacados del vídeo es precisamente el protagonismo de una torre. La londinense Trellick Tower es una de esas moles de hormigón que en su momento provocaron el mismo espanto que la arquitectura de la Bucarest de Ceaușescu (“Tower of Terror”, la llamaban). Concebida como vivienda social en los años setenta, sus bajos llegaron a albergar más yonquis que Chueca en los ochenta. Hoy, sin embargo, se ha convertido en un icono de la arquitectura brutalista más extrema.

En el piso 23 de esa torre comienza la historia de ‘Giving Up Air’: un relato sobre el progresivo acercamiento entre un padre y un hijo distanciados por lo que, según ha explicado el vocalista Dougy Mandagi -“un momento que cambia la vida y el dolor inimaginable de perder a un ser querido en circunstancias trágicas”-, podría ser el fallecimiento de la madre.

Por medio de un montaje estructurado a través de una dialéctica visual padre-hijo, con planos de uno y otro en permanente dialogo, la narración va acercando poco a poco a los protagonistas hasta desembocar en un emotivo final: un reencuentro resuelto con un precioso baile catártico.