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‘Mary Shelley’, un biopic con más costurones que el monstruo de Frankenstein

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Mary Wollstonecraft Shelley empezó a escribir ‘Frankenstein’ en Villa Diodati con dieciocho años. Su futuro marido, Percy B. Shelley, tenía veintitrés. John Polidori, el otro de los invitados que escribió su “historia de fantasmas” (‘El vampiro’) en la célebre velada, tenía veinte. Lord Byron, el anfitrión, veintiocho. Esta reunión, tantas veces representada en el cine (‘La novia de Frankenstein’, ‘Remando al viento’, ‘Gothic’…), alumbró dos mitos del género de terror: el monstruo de Frankenstein y el vampiro. Pero también tuvo mucho de fiesta veraniega de adolescentes adinerados.

Haifaa al Manssur, la directora saudita que se dio a conocer hace cuatro años con ‘La bicicleta verde’, la primera película dirigida por una mujer en su país, acierta en desmitificar esta reunión, en quitarle pompa decimonónica e insuflarle energía adolescente. Sus protagonistas están retratados como posiblemente fueron: veinteañeros apasionados que, en aquel verano “sin verano” de 1816, entre tragos de alcohol y gotas de láudano, hablaron sobre sentimientos, emociones y, de vez en cuando, poesía.

Sin embargo, la directora se queda corta en su empeño. ‘Mary Shelley’ parece enunciar una relectura en clave pop y feminista de la creadora de Frankenstein y del movimiento romántico inglés. La sensibilidad contemporánea con la que están caracterizados los personajes, desde la lánguida y empoderada Mary (Elle Fanning) a un Shelley con pose de instagrammer y un Byron casi como estrella del rock del siglo XIX, parecen apuntar en esa dirección. Pero no. Más que un biopic tipo ‘María Antonieta’, de Sofia Coppola, ‘Mary Shelley’ se acaba pareciendo a una de esas muchas biografías femeninas que se han estrenado últimamente. A retratos muy convencionales sobre figuras excepcionales como ‘Paula’, ‘Marie Curie’ o ‘Lou Andreas-Salome’.

Como el monstruo de Frankenstein, este biopic necesita varios calambrazos que le insuflen vida. Ni su preciosista ambientación, su elegante escritura visual o su loable discurso reivindicativo lo consiguen. Las enormes carencias del reparto (más que una competición a ver quién escribe el mejor cuento de terror, parece una a ver quién actúa peor), una música que parece un rotulador fosforito (de tanto subrayar), y un afán didáctico de Wikipedia, hacen que queramos que aparezca Igor y entierre esta película en un cementerio decimonónico. 5.

Weezer, primeros confirmados para Bilbao BBK Live 2019

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Cuando apenas acababa de dar comienzo el festival, en las primeras horas de la edición 2018, Bilbao BBK Live anunciaba el primer gran nombre confirmado en su cartel del año 2019. Se trata de Weezer, que además se encargaban de informar ellos mismos a través de un tuit.

“España, os vemos en Bilbao BBK Live el próximo julio 😎”, refiriéndose no al corriente, obviamente, sino al mismo mes del año que viene. En principio, Weezer presentarán ‘Pacific Dream’, el disco que publicaban a principios de este mismo año. Sin embargo, habida cuenta de su frecuencia creativa (‘The White Album’ data del verano de 2016) quién sabe si no tendrán ya nuevas canciones entre manos.

Lo que sí tendrán, seguro, es un nuevo éxito bajo el brazo, aunque no sea de su propia firma. Como hemos contado recientemente, Weezer se han anotado su primera entrada en 9 años en la lista de singles Billboard Hot 100 con ‘Africa’, la versión del grupo AOR Toto que comenzó siendo una broma de Twitter pero que, tras prestarse a seguir el juego, ha supuesto un nuevo e inesperado hit para el grupo comandado por Rivers Cuomo.

Netta: «Posicionarme políticamente sería arruinar algo puro que está libre de propaganda»

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Netta se convertía el pasado mes de mayo en la ganadora del Festival de Eurovisión por Israel, gracias a un ‘Toy’ que se ha viralizado sobre todo a través de Youtube, donde suma más de 80 millones de reproducciones (más 20 en Spotify). Coincidiendo con su paso por el Orgullo de Madrid pude entrevistar a la artista de «looping» en su hotel, donde ante la propuesta de hacerle una foto, rápidamente me arrebotó el móvil y se puso a hacer selfies. Divertida y contundente en sus opiniones (alguna vez incluso golpeando la mesa que nos separa), Netta nos habla sin tapujos de su paso por el festival, su futuro, política o las comparaciones de ‘Toy’ con ‘Seven Nation Army’ de White Stripes.

¿Cómo sienta ganar un concurso tan gigantesco como Eurovisión?
Es como una tormenta. Cuando gané sentí como si tuviera una emergencia en casa, como si algo se quemara, y tuvieras que actuar por instinto: «¡he ganado! ¡tengo que actuar otra vez! ¡tengo que decir algo! ¡tengo que estar concentrada!». No tienes la oportunidad de celebrarlo, aunque sabes que todo el mundo está de celebración en Israel. Estás trabajando para un montón de gente de tu país, y enseguida pensé que podía hacer algo bueno para mucha gente. Antes de clasificarme, viajaba con mi looper, no tenía dinero, dependía de mi madre. Entonces decidí ir a un reality para intentar hacer algo. Hasta entonces hacía bodas y tocaba en la escena underground, pero en el underground no hay dinero, no podía pagar el alquiler, ni la comida. Me dijeron que por mi look no iba a triunfar, ni por el tipo de música. Que era muy rara. Y de repente todo explotó, no sabía que iba a ganar (el reality), pero tuve una victoria muy clara y me di cuenta de que podía hacer algo bueno para mucha gente.

«Al ganar, enseguida pensé que podía hacer algo bueno para mucha gente»

Has mencionado a tu madre. ¿Cómo se lo tomaba ella? ¿Te decía cosas tipo: «hija mía, haz algo con tu vida»?
Mi madre es una de las personas más increíbles que puede haber. Se preocupa, como todas las madres, por su hija de 25 años sin trabajo. No quieres ver a tu hijo así. Yo quería estudiar, trabajar, dejar de depender de ella económicamente… Siempre me cuidó. Decidí dejar de tener miedo e hice el reality-show, aunque la gente no pensó que pudiera resultar.

Háblame de cómo fue la noche de la victoria en Eurovisión, ¿qué hiciste después? ¿A qué hora te acostaste?
¿Esa noche? Como a las 5 de la mañana. No podíamos dormir. Fui al hotel, todo el mundo vino, cientos de fans de Israel. Fue electrizante, era como la energía de una bomba cayendo. Todo el mundo quiere verte y no puedes contener eso. Es como una bomba.

¿Realmente te apetece, al ganar, volver a repetir la canción, como es costumbre en Eurovisión?
Como te he dicho, vives como en una situación de emergencia. Te comportas como un robot. Es como una montaña rusa cayendo. Abres los ojos y los tienes que cerrar de repente. Esa ha sido mi experiencia. Mi segunda performance no fue muy buena, pero tampoco se supone que tenga que serlo. Estás ahí intentando pasarlo bien con tu gente. Es emocionante verla.

«La victoria de Conchita fue muy revolucionaria, me recordó a nuestra Dana ganando»

¿Cuándo viste Eurovisión por primera vez?
No me acuerdo. Recuerdo verlo en años recientes. Cuando Shiri, Nadav Guedj… Recuerdo muy bien el año de ‘Euphoria’. Y la victoria de Conchita fue muy revolucionaria, me recordó a nuestra Dana ganando.

¿De pequeña no lo veías?
Sí, pero nunca me imaginé ahí… Incluso estando en la selección (nacional), en el reality, que dura 6 meses. No crees que vas a ganar, piensas más en la exposición que vas a recibir. Mi sueño era hacer festivales indies, que alguien me lo consiguiera. Y entonces mi vida cambió muy rápidamente. No me di cuenta, pero van pasando las cosas, y me encanta estar viviendo este sueño.

«Mi sueño era hacer festivales indies, que alguien me lo consiguiera»

¿Qué tipo de festivales querías hacer?
Como inDnegev, electro-rock, hip-hop indie… ese tipo de gente. Quería pertenecer a esa escena, con mi looper y eso, porque no es demasiado comercial. No hay un artista con looper que sea famoso. Bueno, Ed Sheeran, pero yo lo que uso es mi voz. No es muy parecido.

¿Cómo empezaste a trabajar con el looper?
Cuando tenía 19 años, estaba en el ejército, y actuaba en bares. En uno de ellos, cada domingo había una jam session de blues, en la que la gente improvisaba con instrumentos. No se permitía improvisación con la voz, por lo que me dijeron que no podía interpretar canciones. Intenté improvisar y lo que hice fue trabajar con la palabra «love» repetida como 47 veces. Me di cuenta de que era divertido improvisar y aprender cómo funciona una banda. Después de eso empecé a tocar, y notaba que cuanto más raro era lo que hacía, más entusiasta era el público, incluso inventando palabras. Después de eso me di cuenta de que yo quería ser la banda: el guitarrista, el batería, el bajista… todo, así que me compré el looper que me daba la libertad para hacer lo que quería.

«Empecé a notar que cuanto más raro era lo que hacía, más entusiasta era el público»

¿Cómo fue estar en el ejército?
Es la ley en Israel. Todo el mundo tiene que ir. Lo que yo hice fue cantar para la comunidad. Es un servicio comunitario.

No sé si te están preguntando mucho por política en Madrid. Me fascina un poco que el mundo espere que una cantante de pop resuelva conflictos que no resuelven los políticos o los politólogos. ¿Cómo lo ves tú?
Exactamente como lo has dicho. Creo que mi trabajo es llevar la luz y la felicidad donde hay oscuridad. Y creo que hice un trabajo fabuloso al respecto. Y quiero seguir haciéndolo. No quiero expresar mis opiniones políticas, porque no creo que sea mi lugar. Hay políticos que han estudiado para ello y no es uno de mis intereses. Creo que posicionarme sería arruinar lo que hago, lo que creo para la gente, algo puro, algo que está libre de agendas y libre de propaganda. ¿Por qué convertirlo en algo que no es?

Hay quien puede decir que posar con el primer ministro israelí es un posicionamiento político.
Lo que dije después de ganar Eurovisión es que si algún político o alguna persona pública quería conocerme para felicitarme, les diría que sí.

«‘Toy’ es todo lo que yo soy frente a la gente diciéndome lo que debo hacer, lo que no debo hacer, lo que tengo que ser…»

‘Toy’ es una canción sobre feminismo y empoderamiento, pero está escrita por dos hombres…
En el reality, mucha gente pudo verme y dos hombres maravillosos, Doron Medalie y Stav Beger, uno de ellos de hecho gay, decidieron hacerme una canción. Doron Medalie es uno de los más increíbles expertos de Israel en Eurovisión. Escribió ‘Golden Boy’ y ‘Made of Stars’ (NdE: las canciones representantes de otros años). Ambos decidieron escribir una canción para mí y me pareció de lo más increíble. Era tan yo… Decidí usarla porque escribieron mi esencia. ‘Toy’ es todo lo que yo soy frente a la gente diciéndome lo que debo hacer, lo que no debo hacer, lo que tengo que ser…

¿De qué se habla ahora mismo en la comunidad gay de Israel? ¿Cuáles han sido las reivindicaciones de este año?
Hay mucho de lo que hablar en la comunidad gay, la visibilidad de la gente transgénero, la igualdad para el matrimonio gay… Hay mucho que promocionar, pero no es a mí a quien compete. Me encanta la comunidad gay, creo que es el mejor despliegue de poder y festividad. Por eso me encanta el Orgullo. Es también el feminismo que me gusta, no sentarme en casa y quejarme.

¿Por qué crees que los participantes de Eurovisión actúan en el Orgullo? ¿Cuál crees que es la relación?
No sé, mola, es divertido, es un festival de diversidad. Es como decir «¿por qué a los gays les gustan los helados?». (se ríe) A todo el mundo le gustan los helados, y a mi entender, a todo el mundo le gusta el Orgullo.

‘Toy’ es una canción muy particular, ¿qué es para ti más importante, la melodía o la producción?
Tener un beat fuerte. Sin duda. ¡Sin duda!

¿Quizá porque eres una artista de «looping»?
Sí, lo soy. El ritmo me lleva a sitios, lleva mi corazón a otros lugares. Necesito algo que me haga moverme, que haga magia dentro de mí. ‘Toy’ tiene eso. Medalie es un gran beatmaker.

Hemos hecho un artículo defendiendo a ‘Toy’ de las comparaciones con White Stripes, ¿conocías tú su canción?
Cuando oí que estaban acusando ‘Toy’ de ser «robada» o como lo llamen… Para mí ‘Toy’ sonaba como algo que no había oído nunca. Hay un montón de canciones que se parecen, y no creo que este sea el caso. Creo que esta canción es fresca y nueva. Cuando una canción triunfa, la gente quiere un pedazo y este es el problema.

Parece una cosa más de editores que del autor…
Te prometo que los autores de la canción no pensaron en esa canción.

Aunque es muy famosa, incluso está asociada al fútbol…
Supongo… Yo la conocía, pero ni se me ocurrió la comparación.

«Me va a llevar mucho tiempo hacer un disco, nunca ha sido mi sueño (…) Es difícil hacer algo revolucionario, colorido, fresco»

¿Qué podemos esperar del futuro de Netta? ¿Un disco o canciones sueltas?
Singles. Me va a llevar mucho tiempo hacer un disco, nunca ha sido mi sueño. Quiero producir canciones, y no las quiero hacer rápidamente. Puedo producir canciones y luego ponerlas en un álbum. Me encanta hacer música y voy a trabajar duro en ello pero me va a llevar tiempo, porque me preocupa mucho la calidad. Es difícil encontrar el camino, el «momentum» para hacer algo revolucionario, único, colorido, fresco… hay que trabajar duro para ello.

¿Trabajarías con los mismos autores o con otra gente?
Me encantan los autores con los que trabajo, y también me gustaría trabajar con otra gente. Tengo mi propio productor y es una de las personas más increíbles del mundo. Ha trabajado conmigo en las versiones y es revolucionario, abierto y no se levanta de la silla hasta que hacemos algo divertido, algo genuino, algo con significado, algo único, aunque nos lleve 14 horas. Eso es lo auténtico de verdad.

¿Entonces no hay single listo como para el mes que viene o después de verano?
(niega con la cabeza)

«Me gusta trabajar duro, no me gusta soñar, no me gusta esperar cosas»

Has mencionado ‘Euphoria’. ¿Alguna vez has pensado si ‘Toy’ podía ser tan grande?
No, no sabía. Me gusta trabajar duro, no me gusta soñar, no me gusta esperar cosas. Cuando trabajas, las cosas vienen solas, simplemente haces lo que tienes que hacer.

¿Mantienes contacto con otros concursantes del festival, de otros países?
(piensa)

Parece que no.
No. Me encanta Jessica Mauboy, de Australia, es una buena amiga. Y Surie de Reino Unido. Pero aparte de ellas, no mucho.

«Eurovisión es un entorno muy estresante. No tienes la oportunidad de conectar con los demás»

¿Y eso?
Eurovisión es un entorno muy estresante. Tienes que trabajar muy duro no solo para hacer una performance y no joderla, sino para mantener a tu equipo unido y muchas otras cosas. No tienes la oportunidad de conectar con los demás. No tienes tiempo. No estás en el mismo hotel. No hay tiempo para pasar juntos. En un autobús conocí a Jessica, fue muy amable conmigo y nos mandamos mensajes a veces.

Creo que hay fiestas en las que alternáis, pero no sé si habrás querido ir.
Sí, vas y tocas, pero cuando tocas, todo el mundo está nervioso, que si las apuestas, que si nosequién va a ganar, es un entorno muy estresante, y tienes que trabajar, romper la ecuación… Convertir Eurovisión en un bar local es muy difícil.

Quizá fue diferente para ti, que eras la número 1 en las apuestas…
Sí, durante mucho tiempo, y luego llegó la última semana y Eleni ocupó el primer lugar (NdE: con ‘Fuego’).

El año pasado al final no ganó el favorito. Supongo que lo tenías presente. Creo que era Francia (NdE: me confundo con la edición 2016).
No, Italia, la canción del mono. No estaba estresada sobre ser la número 1 o no serlo. Estaba estresada sobre hacer un trabajo alucinante. La actuación va a durar para siempre, tienes que hacer un trabajo alucinante, y el puesto me da igual.

Drake / Scorpion

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La mayor sorpresa de ‘Scorpion’, el exitosísimo nuevo disco de Drake, no es que el canadiense revele en él su paternidad, que había estado escondiendo (su hijo, Adonis, nació en 2017), sino que sea un disco más o menos digno cuando es doble y llega a las 25 pistas. Claramente sobran en ‘Scorpion’ al menos unas 10, pero por lo menos estas están mejor repartidas en la secuencia o simplemente son mediocres, lo cual por cierto incluye una colaboración con Jay-Z que samplea ‘Dopeman’ de N.W.A. La fórmula parece perfecta, pero el resultado es la anodina ‘Talk Up’.

Se percibe en las composiciones de Drake cierto desgaste y conformismo desde hace tiempo, y aunque el enorme éxito de ‘God’s Plan’ me parece un verdadero misterio, claramente su estribillo “it’s a lot of bad things that they wishin’, they wishin’, they wishin’ on me” ha calado y se ha convertido en uno de los más emblemáticos de su carrera. ‘God’s Plan’ es tan representativa del estilo “chill” de Drake como ‘Hotline Bling’, pero hablándonos -cómo no- de su éxito, consigue un single bastante carismático que sin duda destaca muy por encima del grueso del primer CD de ‘Scorpion’, centrado en el rap y en el que brillan otros temas que hablan de lo mismo como ‘Emotionless’, que samplea a Mariah Carey e incluye la bonita reflexión sobre la fama “tengo todos estos seguidores, ¿pero quién me seguirá de verdad hasta el final?”, o la durilla ‘Nonstop’, el mayor éxito del álbum al margen de los singles.

Gracias a samples excelentemente integrados como el de Nas en la intrigante ‘Mob Ties’ y el de Detroit Emeralds en la “old skool” ‘8 out of 10’, Drake logra un primer CD de ‘Scorpion’ digno, mientras la rica producción de temas como ‘Survival’ o ‘Sandra’s Rose’, cuya melodía recuerda improbablemente a ‘Feel You’ de Julia Holter y que Drake dedica a su madre (a la suya, no a la de Holter), lo refuerzan. Peor es el CD2, centrado en el R&B y donde encontramos la mayoría de los peores temas, como ‘That’s How You Feel’, que utiliza un sample espantoso de un directo de Nicki Minaj (?), la risible ‘Ratchet Happy Birthday’ (¿quién ha aprobado esta canción?) o el rancio homenaje al R&B de 2005 de ‘After Dark’, pero donde también están el hitazo ‘Nice for What’, que está untando en oro a Ms. Lauryn Hill, y la ensoñadora ‘Don’t Matter to Me’, la del dichoso sample de Michael Jackson que parece The Weeknd.

Ensoñadoras son, de hecho, las mejores canciones de ese CD2: la ingrávida ‘Peak’ es una pequeña exquisitez R&B de ritmo aletargado, que Drake dedica probablemente a su rumoreada relación sentimental con Jorja Smith, con quien ha colaborado (atención a las referencias a la cultura británica de la letra), y ‘Summer Games’, sobre un amor de verano que ha “roto el corazón” a Drake, aúna sintetizadores cósmicos con percusiones tribales de manera elegante e hipnótica. Por su parte, ‘Jaded’ cuenta con una producción especialmente gustosa e ‘In My Feelings’ constituye la mayor sorpresa del CD2 al ser su tema más instantáneo (ayuda que utilice una melodía parecida a ‘God’s Plan’) y gracias también a su coda tribal. Así las cosas, ‘Scorpion’ sigue sin darnos ese gran disco de Drake que el mundo no ve desde ‘Take Care’, pero su colección de aciertos es innegable, y haciendo un poco de tijera, que para eso estamos en la época del streaming, queda un disco bastante bueno.

Calificación: 6,4/10
Lo mejor: ‘God’s Plan’, ‘Nice for What’, ‘Emotionless’, ‘Nonstop’, ‘Peak’, ‘Summer Games’, ‘In My Feelings’
Te gustará si te gusta: Frank Ocean, Beyoncé, The Weeknd
Escúchalo: Spotify

Florence + The Machine, arrebatadora, y Childish Gambino, estelar, en la primera jornada de Bilbao BBK Live

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Foto Let’s Eat Grandma: Óscar L. Tejeda para Bilbao BBK Live

Let’s Eat Grandma actuaron en uno de los escenarios pequeños del BBK Live presentando ‘I’m All Ears‘, su segundo y maravilloso álbum. El dúo formado por las jovencísimas Rosa Walton y Jenny Hollingworth, estuvieron a la altura defendiendo los temas principales de su nuevo trabajo, al cual le dedicaron todo el concierto. Comenzaron siendo fieles al tracklist encadenando la intro ‘Whitewater’, ‘Hot Pink’, ‘It’s Not Just Me’ y ‘Falling into Me’. Después también hubo espacio para la genial ‘I Will Be Waiting’, que sonó tan sugerente como en estudio; ‘Ava’ y, finalmente, el viaje casi psicodélico de ‘Donnie Darko’, donde capturan toda la esencia del grupo gracias a una interpretación desenfadada y a la vez sentida. Teniendo como principal recurso sonoro un teclado cada una (y sus voces, claro), añaden nuevos sonidos tocando diversos instrumentos como la guitarra eléctrica, la flauta o la trompeta. Se hubieran merecido un escenario más grande, porque son puro talento y un soplo de aire fresco necesario en el pop más experimental. Fernando García.

Gaz Coombes retomaba la gira europea de su tercer disco en solitario, ‘World’s Strongest Man‘, tras una serie de conciertos en Reino Unido. Él y su banda estuvieron más que correctos, ya que su experiencia sobre los escenarios es palpable. Sin embargo, la carpa donde les tocó actuar no fue una buena opción. El sonido se oía algo distorsionado, las voces de la gente del público rebotaban y ensuciaban los esfuerzos del ex-Supergrass por buscar un sonido más limpio. Debido a esto, no fue todo lo disfrutable que cabría esperar. Hubo algunos buenos momentos, especialmente durante las primeras canciones y en las partes instrumentales, pero desgraciadamente no fue un concierto memorable. No terminó de establecerse una conexión con el público, por lo que todo resultó algo frío pese a la profesionalidad de Gaz y los esfuerzos su banda. Quizá en una sala sea mejor opción para verle que en un festival. Fernando García.

alt-J traen a su concierto la precisión de su trabajo de estudio, y son varias las voces que oigo que concuerdan su directo mola igual que sus discos. Yo diría que más, puesto que además el grupo lleva una puesta escena compuesta por un brutal diseño de luces. Tocan por supuesto sus temas más conocidos, entre ellos un ‘In Cold Blood’ que presentan mediante español chapurreado (“es genial estar de vuelta con ustedes”), aunque a mí me conquistan sobre todo con su apasionada ‘Matilda’, con ese “this is wrong Matilda” coreado en multitud. Jordi Bardají.


Foto Childish Gambino: Twitter de Bilbao BBK Live, no acreditada

Ayer se daba a conocer que Donald Glover está nominado a dos premios en la próxima edición de los Emmy (por ‘Atlanta’ y ‘Saturday Night Live’) poco antes de su actuación en Bilbao bajo el pseudónimo de Childish Gambino. Era uno de los platos fuertes de la jornada, así que varios minutos antes de que empezara, ya estaba repleto el escenario principal, adornado con una escenografía sencilla que lo decoraba con luces que cambiaban de color. Acompañado de una gran banda, Glover apareció con una fuerza tremenda, haciendo que el público se entregara desde el primer minuto. No hay demasiados artistas a los que podamos llamar estrellas, pero sin duda, se puede decir que él es uno de ellos. El carisma que desprende, su forma de bailar, de actuar, y, sobre todo, su amplísimo registro vocal (algo realmente impresionante y digno de escuchar) consiguen hechizar a cualquiera, incluso a quienes no disfrutan particularmente de su música en estudio. El setlist acertó equilibrando temas más raperos con otros más melódicos y veraniegos como ‘California’. Además, aprovechó para presentar una de sus dos nuevas canciones del EP ‘Summer Pack‘ (que salió hace tan solo un par de días). Era la primera vez que Childish Gambino actuaba en España, por lo que había bastante expectación, y más viendo el éxito que han tenido sus singles recientes. Así, en los últimos temas que tocó –’Redbone’ y ‘This is America‘– el público directamente enloqueció, y no fue para menos, ya que sonaron perfectos, poniendo el broche de oro a un show enérgico y divertido, que confirma al cantante como un artista ecléctico, y capaz de defender cualquier tema, sea cual sea el género. Fernando García.


Foto Florence + the Machine: Óscar L. Tejeda para Bilbao BBK Live

La extraordinaria presencia de Florence + the Machine arrebató al público desde el principio, con una emotiva ‘Queen of Peace’ que en directo no puede ser más épica, a la que siguió una coreada ‘Only for the Night’. Emocionadísima por el calor del público, Florence lloró varias veces, como cuando presentó una ‘Hunger’ que considera una de las canciones más importantes que ha escrito. Y buscando una conexión mayor con su audiencia, en ‘Dog Days Are Over’ nos pidió que guardáramos nuestros teléfonos móviles y expresáramos todo aquello que nos preocupaba a través de la fuerza de esta canción. Se producen de hecho varios momentos de apoteosis durante el concierto, mientras Florence salta y brinca por el escenario, presenta la potente ‘100 Years’ o se deja llevar –y nosotros con ella– por el éxtasis de ‘What Kind of Man’. Pero sin duda el mayor de todos es el momento en que Florence baja hacia el público y se mete entre la marabunta, dejándose elevar por manos anónimas cual Mesías. Pareció Florence eso, un “gran Dios” venido para hacernos saber que el amor es la cosa más importante del mundo, y vaya si nos dimos por enterados. Jordi Bardají.

Bomba Estéreo es uno de esos grupos que definitivamente se benefician de la primera impresión. Visto un concierto, ya los has visto todos. Está bien: Li Saumet tiene una gran presencia escénica, su batín amarillo le da un gran porte, y los temazos se suceden uno tras otro. Curiosamente todo el mundo canta ‘To My Love’ en el cámping, y cuando llega en el concierto, como es de esperar, es de las más coreadas. ‘Soy yo’ y ‘Fuego’ elevarían el espíritu de un muerto, sobre todo en directo. Pero no hay mucho más que contar: un concierto divertido… como todos los que hace Bomba Estéreo.

La canción del día: Ariana Grande relata las delicias del sexo en ‘God Is A Woman’

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Aunque estaba anunciado para el 20 de julio, Ariana Grande ha dado la sorpresa y ha adelantado a hoy, viernes 13 de julio, el lanzamiento de ‘God Is A Woman’, segundo single oficial de su nuevo disco ‘Sweetener’. Se trata de una canción en cuya composición ha contado con Max Martin e Ilya (que también firma la producción) y que tiene una cadencia de medio tiempo hip hop, con trucos que remiten al trap (incluso tiene algunos fraseos rapeados por ella misma), pero que de nuevo sirve a Grande para mostrar sus dotes vocales como intérprete de soul y R&B. En tanto se lanza el vídeo oficial a lo largo del día de hoy, se ha estrenado con un lyric video de ambientación celestial y galáctica (en el sentido astrofísico de la palabra), que alude a la elevada aspiración de su título.

En todo caso, la letra de la canción no tiene que ver exactamente con lo místico ni o espiritual. Más bien al contrario, Grande dedica esta canción a algo tan terrenal como el sexo, al goce del mismo por parte de una pareja compenetrada, con líneas tan claritas como “cuando él viene a mí yo sigo floreciendo” [ese “come to me” también puede relacionarse en este caso con la eyaculación] o “él ve el universo cuando estoy en compañía” (¿estamos hablando de sexo en grupo?).

Cuestionada en Twitter por una fan si ‘God Is A Woman’ era una canción sobre empoderamiento femenino, Grande ha sido muy clara: “El sexo es empoderamiento. Es fuente de vida. El coño es un privilegio”. De hecho, en alguna imagen que suponemos procede del clip oficial, vemos Ariana con el suyo plantado justo en todo lo alto del globo terráqueo. ‘Sweetener’ se publica el 17 de agosto y, según ha revelado Grande en las últimas horas, además del tema junto a Nicki Minaj y Pharrell que ya conocemos, ‘The Light Is Coming’, también cuenta en él con colaboraciones de Imogen Heap y… ¡Madonna!

Actualización: A media tarde Ariana Grande lanzaba al fin el vídeo oficial para ‘God Is A Woman’. Se trata, como el de ‘No Tears Left To Cry‘, de una obra dirigida por Dave Meyers, una absoluta maravilla en la que, al contrario de lo que sugería la letra y sus tutis de la pasada noche, sí está dedicado al empoderamiento de la mujer. Una sucesión de planos realmente espectacular (destacan los símbolos vaginales por doquier y esa escena en la que una Ariana gigante soporta sin inmutarse los insultos de unos hombres) que, muy probablemente, disputará con el clip de ‘This Is America’ el título oficioso de Vídeo del Año.

Mad Cool atribuye a «un problema con la red del recinto» las largas colas y atascos en su acceso

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Mad Cool 2018, el gran evento musical de Madrid que congrega este año a bandas del calibre de Pearl Jam, Depeche Mode, Arctic Monkeys, Massive Attack o Nine Inch Nails, es trending topic en Twitter desde última hora de la tarde… pero no por las razones que cabría esperar.

Según se desprenden de las numerosas quejas de asistentes en Twitter (curiosamente, bastantes de ellos eran de origen anglosajón), el acceso al recinto del festival ha sido muy complicado, con un recorrido de unos 20 minutos a pie desde el metro y larguísimas colas para acceder (especialmente para los usuarios que debían recoger su pulsera; existía la opción de que la enviaran a domicilio) desde primera hora de la tarde, a pleno sol y sin sombra. Además, las puertas de acceso a los escenarios se han abierto apenas 15 minutos antes del inicio de los primeros conciertos.

Una situación que, según nos cuentan nuestros redactores desplazados al festival, no sólo persiste a esta hora de la noche sino que incluso se ha complicado por la llegada masiva de público tras la jornada laboral, creando también colas en los accesos con pulsera. Lo que sí ha confirmado el presidente de la Comunidad de Madrid, Ángel Garrido, es que la línea 8 de metro funcionará durante las tres noches completas del festival, con convoys cada 5 minutos.

[Actualización, viernes 13 de julio, 09.30h]: En las primeras horas del viernes, en un comunicado de Mad Cool Festival en el que ofrecen una crónica de los conciertos ofrecidos a lo largo del jueves, la organización dedica un párrafo a explicar lo que, según ellos, complicó los accesos al recinto: al parecer, un fallo en «la red» (suponemos que se refieren a la de comunicaciones, puesto que nuestros redactores constatan que durante toda la tarde no hubo apenas cobertura en todo el área) derivó en esos incidentes, que dan por resueltos y confían en que no se repetirán en las jornadas de viernes y sábado. Este es su texto completo:

«Sobre las incidencias de la primera jornada

Debido a un problema con la red en todo el recinto, el acceso al Espacio Mad Cool se ha producido con más incidencias de las esperadas en la primera jornada del festival. Lamentamos profundamente las esperas y las largas colas a todos los asistentes. Agradecemos a todo el público la comprensión ante los imprevistos. Estamos seguros de que las dos siguientes jornadas se desarrollarán con total normalidad».

Glass Animals cancelan todos sus conciertos por un grave accidente de tráfico de su batería

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Hace una semana Mad Cool comunicaba que el grupo británico Glass Animals cancelaba su actuación en la edición que precisamente da comienzo en estos momentos en Valdebebas (Madrid), indicando que sería el grupo quién comunicaría la razón de esa cancelación. Pues bien, según ha explicado el grupo en un comunicado publicado en redes sociales hace un par de horas, la razón es bastante grave.

Al parecer, Joe Seaward, batería del grupo (segundo por la izquierda), sufrió el lunes de la pasada semana un grave accidente de tráfico: fue arrollado por un camión mientras circulaba en bicicleta por la ciudad de Dublín, quedando su cuerpo atrapado en el remolque y sufriendo una compleja rotura de cráneo, además de romperse una de sus piernas. «Por fortuna y milagrosamente, está vivo», dice el escrito firmado por Dave Bayley que, asegura, «tras varias largas operaciones, está en el camino de la recuperación». También da detalles de la gravedad de los daños, puesto que su cerebro ha sufrido daños en una zona que afecta al habla –aunque poco a poco puede decir más vocablos– y puede mover los dedos de sus manos, si bien los neurocirujanos aún no pueden determinar las posibles secuelas. En el conmovedor texto, Bayley se disculpa con sus fans por cancelar sus conciertos y espera que entiendan sus razones: «la vida nos ha arrojado algo terriblemente triste e inesperado, pero necesitamos hacer todo lo que esté a nuestro alcance para superarlo y hacer que Joe se recupere».

Además del concierto de Mad Cool (este lunes se anunciaba que los encargados de sustituirles en serían sus compatriotas Friendly Fires), Glass Animals han cancelado todos sus compromisos para este año, que además de varios festivales incluían varias fechas teloneando a Beck.

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‘Juego de Tronos’ tratará de recuperar su ídem ante ‘The Handmaid’s Tale’ en los Emmy 2018

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Los premios de la academia de televisión estadounidense, los Emmy, acaban de anunciar sus nominados para la edición 2018 –la número 70– que se entregarán el próximo día 7 de septiembre. Y, como ocurriera en 2017, aparentemente el duelo de la noche se batirá entre ‘Juego de tronos’ (por su 7ª temporada) y ‘The Handmaid’s Tale‘ (por su 2ª). Ambas series pugnarán por alzarse con el premio a Mejor Drama, galardón que (más o menos) sorprendentemente arrebató la serie basada en la novela de Margaret Atwood a la aparentemente imbatible saga de fantasía medieval basada en los libros de George R.R. Martin.

Este año tendrá ocasión de recuperar ese trono –recordemos que batió el récord de Emmys en 2016–, si bien en las categorías interpretativas ‘El cuento de la criada’ lleva cierta ventaja, con Elisabeth Moss nominada a mejor actriz principal –se batirá con Sandra Oh, por ‘Killing Eve‘, y Evan Rachel Woods, por ‘Westworld’, entre otras– y hasta cuatro (por tres de ‘… Tronos’) de sus secundarios también optando a galardón. En el apartado actoral, llaman la atención la presencia entre los nominados de los españoles Penélope Cruz, por su papel de Donatella Versace en la 2ª temporada de ‘American Crime Story‘, y Antonio Banderas, por su papel de Pablo Picasso en la miniserie ‘Genius’, aunque no parten como favoritos.

En cuanto a comedias, la ausencia temporal de ‘Veep’ por la enfermedad de su protagonista Julia Louis-Dreyfus allana el camino a ‘Atlanta’, la comedia creada por Donald Glover (que ayer publicaba sendas nuevas canciones como Childish Gambino y que hoy actúa en Bilbao BBK Live 2018), aunque no se puede descartar la sorpresa de ‘La maravillosa Sra. Maisel‘, cuya protagonista, Rachel Brosnahan, tiene a su vez posibilidades al premio a actriz de comedia debido al vacío dejado por Dreyfus, ganadora en las 6 últimas ediciones (casi nada). También son dignas de mención las 12 (¡12!) nominaciones a las que opta la penúltima temporada de ‘Rupaul’s Drag Race’.

Puedes consultar los nominados de todas las categorías aquí.

Kacey Musgraves, asqueada de 9 a 5 en el vídeo de ‘High Horse’

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L@s más talludit@s del lugar recordaréis ‘9 to 5‘ (que, como aún hoy sigue ocurriendo, fue pervertida en nuestra lengua como ‘Cómo eliminar a su jefe’), aquella comedia de 1980 protagonizada por Jane Fonda, Lily Tomlin y Dolly Parton, en la que las actrices hacían de secretarias de una oficina que fantasean con eliminar a su asqueroso y machista jefe. Tratándose de la Gran Dama del country, parece evidente que la elección por parte de Kacey Musgraves de una estética y una situación similar en el clip de ‘High Horse‘ no es casual.

Y es que además de seguir los pasos de una de las grandes referentes del estilo que practica, el argumento le va al pelo al trasfondo de la canción, un tema que ridiculiza a esos tipos misóginos que se creen por encima del bien y del mal y ven en las mujeres a meros objetos de sus bromas y deseos (John Waynes, les denomina explícitamente en su canción). Así, con una ambientación setentera muy conseguida, Kacey y sus compañeras tienen que lidiar con tipos repugnantes de su oficina, de los que al fin se liberan yéndose de fiesta (y ahí es donde encaja el rollo disco de la canción, claro).

Un vídeo dirigido por la reputada Hannah Lux Davis (autora de los clips de ‘Into You’ y ‘Side To Side’ para Ariana Grande, entre otros) lleno de detalles simpáticos (el lápiz acabado en bola disco, el apellido de su jefe…) y cuya estética funde épocas (planos de Super8 se mezclan con la estética ‘Fiebre del sábado noche’) de manera a veces desconcertante (el plano final de Musgraves subida a caballo por una especie de Chinatown es muy WTF). Una pieza a la altura de este temazo, que hemos seleccionado en JENESAISPOP como uno de los mejores de 2018 hasta el momento. ‘High Horse’ es uno de los temas más destacados del notable ‘Golden Hour‘ que Musgraves publicaba hace un par de meses.

King Jedet asegura que denunciará a Ciudadanos por usar su imagen en un vídeo pro-LGTBI+

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La conmemoración del Orgullo LGTBI+ del pasado fin de semana en Madrid aún colea: según ha anunciado en un tuit, el artista King Jedet ha anunciado que planea tomar acciones legales contra Ciudadanos, el partido que preside Albert Rivera, por usar su imagen sin su consentimiento. Al parecer, Jedet aparecía durante algunos segundos en un vídeo que el partido naranja empleó para promocionar su apoyo a los colectivos que anualmente se manifiestan por sus derechos y libertades.

En un tono beligerante, Jedet respondía a un tuit de Rivera en el que celebraba haberse manifestado por la causa LGTBI+ «un año más», diciéndole al líder político que no quiere «que se me asocie a tu partido de mierda» y asegurando que emprendería acciones legales contra ellos por el vídeo. En una respuesta a un comentario que le decía que no podría hacer nada al haber sido filmado en un lugar público, aseguraba que sí podía y que, de hecho, «ya se está gestionando». Consultados por El Mundo, desde Ciudadanos aseguran que no conocía a King Jedet de nada y que en el vídeo, que ya han retirado, apenas «aparecía un segundo».

Tras hacerse popular por su canal de Youtube y su presencia en redes sociales, Jedet daba el salto a la música el pasado año, colaborando con su amiga Ms Nina en el exitoso single ‘Reinas’, más tarde refrendado por ‘Mentiras’, junto a La Favi. Una carrera que ha consolidado este año lanzando su primer álbum, ‘La leona’, un disco autoeditado de pop urban, con toques de reggaeton y R&B y la colaboración de productores tan respetados en el underground como LOWLIGHT, Mygal X o Beauty Brain.

Twenty One Pilots anuncian primera visita a España y se viralizan con uno de sus dos nuevos singles

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Twenty One Pilots, el dúo formado por Tyler Joseph y Josh Dun, ha anunciado en las horas recientes que visitará por primera vez nuestro país para actuar el 15 de marzo en Bilbao y el 16 de marzo en Madrid. Será en el Bizkaia Arena BEC! y en el WiZink Center, respectivamente. Queda mucho para los shows pero hay que estar atento desde ya, pues las entradas estarán a la venta en Ticketmaster el viernes 20 de julio a las 10 de la mañana (también habrá una preventa para fans en su web).

En estos shows se presentará su próximo álbum ’Trench’, mientras que la gira llevará el nombre de ‘The Bandito Tour’. Al mismo tiempo se han estrenado dos singles del álbum, llamados ‘Jumpsuit’ y ‘Nico And The Niners’, el primero de los cuales bajo la dirección de Andrew Donoho se ha viralizado gracias a sus escenas de acción y enigmáticos protagonistas, y ocupa ahora mismo el tercer lugar de los vídeos más vistos en España en Youtube. Por su parte, ’Nico and the Niners’ presenta un ritmo más jamaicano.

’Trench’ saldrá el 5 de octubre y será el primer disco de Twenty One Pilots desde que arrasaran en 2015 con ‘Blurryface’, un disco que fue número 1 y platino en Estados Unidos. El sencillo ‘Stressed Out’ se acerca nada menos que a los 1000 millones de reproducciones en Spotify.

Beyoncé y Jay Z en Barcelona: la familia bien, gracias

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Por mucho que especulemos nunca sabremos a ciencia cierta qué ocurrió entre Beyoncé y Jay Z realmente. Básicamente porque la pareja más allá de en sus respectivos álbumes, ‘Lemonade’ y ‘4:44’, no ha hablado mucho públicamente sobre las supuestas cornamentas. ¿Ficción musical? ¿Una estrategia mercadotécnica que poco tiene que envidiar a lo que hacen diariamente los guionistas de ´Sálvame’? Quizás ambas cosas y algunas más que se nos escapan, pero lo que anoche pudo verse en el Estadi Olímpic Lluís Companys de Barcelona en la única parada española del ‘On the Run Tour II’ fue la constatación definitiva de que ellos, y sólo ellos, son quienes realmente marcan el actual estándar de lo que es un espectáculo apabullante para las masas.

Aún tenemos fresco en la memoria aquel ‘The Formation World Tour’ con el que hace dos años Beyoncé debutó en los grandes estadios, un hábitat que de aquí en adelante parece que va a ser la tónica para ella. Aquel gigantesco cubo es prácticamente imposible de superar, pero lo de anoche por momentos se le acercó gracias a una puesta en escena megalómana que recicló las mejores bazas tanto de aquella gira como del primer ‘On the Run Tour’ de 2014 y el reciente paso de la ex Destiny’s Child por Coachella. Pero vayamos por partes.

Técnicamente hubo un sold out (o, al menos, lo parecía), pero no se engañen: el 95% de los ahí congregados iban única y exclusivamente a ver a Beyoncé, relegando a su marido a la categoría de artista invitado para que nos entendamos. No obstante, los haters del rapero tuvieron que tragarse sus palabras porque el estadounidense derrochó flow y carisma por todos sus poros y, aun partiendo con desventaja, salió más que victorioso gracias a unas celebradísimas ‘Fuckwithmeyouknowigotit’ y ‘Niggas in Paris’. Aunque quien esto escribe debe confesar que se queda con su interpretación de ‘The Story of O.J.’ mientras se proyectaba a lo grande el fabuloso vídeo animado creado por el propio Jay Z y Mark Romanek. Él, agradecido en todo momento, ni se podía creer que en un país tan ajeno a su trayectoria como el nuestro pudiese salir en volandas.

Beyoncé, por su parte, dio todo lo que se podía esperar de ella. Bien es cierto que quien la haya visto con anterioridad ya conoce de antemano todos sus trucos, porque los viene repitiendo hasta la saciedad desde hace años. Pero si algo funciona tan y tan bien, ¿para qué cambiarlo? Vocalmente estuvo magnífica (para muestra su sentida interpretación de ‘Resentment’), y con un simple movimiento de pelazo tenía a todo el mundo comiendo de su mano. Personalmente me da mucha rabia que buena parte de sus shows estén dominados por medleys en los que de un plumazo (al primer estribillo casi siempre) se quita de encima los singles de marras dejando cierta sensación de coitus interruptus. Pero la acción es tan trepidante a lo largo de las dos horas del show que, como antes dejaba caer, hasta no siendo fan de Jay Z muy pocas pegas se le pueden a esta gira.

Del ‘The Formation World Tour’ se ha rescatado muy acertadamente esa realización cinematográfica que, atendiendo exclusivamente a las pantallas, daba la sensación de estar viendo un videoclip rodado en tiempo real. Y lo que es mejor, ni se echó en falta el cubo gigantesco de aquella gira que ahora ha mutado en una enorme pantalla horizontal móvil desde la que se proyectaban diversos interludios a lo CinemaScope y visuales como los que en ’99 Problems’ mostraban a diversos famosos como David Bowie en sus respectivas fichas policiales. Aun estando en el gallinero, a cientos de metros del escenario, nadie podía perderse ni un detalle.

Del primer ‘On the Run Tour’ se calcó gran parte del setlist (sin ir más lejos, al final volvieron a reverenciar el ‘Forever Young’ de Alphaville como ya hicieran entonces, aunque esta vez aderezado con versos de ‘Perfect Duet’) y el planteamiento de irse turnando o cantar a dúo, aunque con muchísimo más presupuesto y con dos largas pasarelas que se podían haber aprovechado todavía más. Sorprendentemente, pese a su reciente publicación, no interpretaron ni un solo tema de ‘Everything Is Love’, por lo que muy probablemente estrenarán el álbum cuando la gira arranque en Estados Unidos en un par de semanas. Del espectáculo que Beyoncé ofreció en Coachella, por su parte, se ha tomado prestada la puesta en escena de la banda. Aun estando en un segundo plano detrás de la pareja fue de lo más efectivo que estuvieran situados en una especie de tablero en tres en raya que parecía un homenaje al ‘VIP Noche’ de Emilio Aragón.

Siempre se les puede tirar en cara que nos intenten vender por activa y por pasiva que se aman locamente y que lo suyo es amor verdadero después de haber estado sacando rédito económico de sus miserias en los últimos años. Pero dejando eso de lado hay algo incuestionable: lo de anoche fue un conciertazo con todas las letras. No supera al ‘The Formation World Tour’, por supuesto, pero poco tiene que envidiarle. 8,5.

Sesión de Control: Delafé, Feroe, Presumido, Joan Colomo, Somos La Herencia, Gúdar…

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Nueva edición de nuestra sección Sesión de Control, dedicada a las novedades más interesantes del panorama alternativo y/o independiente nacional y latinoamericano. Al final del artículo encontrarás la playlist de Spotify dedicada a esta sección que se renueva quincenalmente, conservando las canciones incluidas en la anterior entrega. Hoy añadimos en ella nuevas canciones y lanzamientos de Delafé, Feroe, Presumido, Joan Colomo, Somos La Herencia, Gúdar, Caliente Caliente, Invisible Harvey, Tú no existes, Marcelo Criminal y Lia Pamina & Dario Persi. Foto exterior, Delafé: Menos Cabeza Más Corazón.

Delafé

Vuelve Óscar D’Aniello, dos años años después de su primer disco firmado en solitario, ‘La fuerza irresistible’. Y ‘La gran ola’ nos remite al Delafé de canciones emblemáticas como ‘Enero en la Playa’, ‘La Fuerza’ o ‘Crema Solar’. No sólo porque esté producida, como aquellas, por Kulyela y el propio Delafé, sino también porque captura con su manejo léxico cercano y cálido un instante cotidiano y lo convierte en poesía a lo largo de unos 6 minutos en los que ocurren muchas cosas, también musicalmente.

Lia Pamina & Dario Persi

Tras un bonito debut, ‘Love Is Enough’, en el que esta cantante castellonense que se mira en artistas de los años 60 como Margo Guryan o Blossom Dearie interpretaba canciones escritas para ella por el veterano Joe Moore, ahora Lia Pamina muestra su capacidad para adaptarse a otros compositores. Es el caso de Dario Persi, líder y vocalista del grupo italiano de beat Radio Days. Juntos han grabado cuatro canciones para un EP exquisito llamado ‘So Far Tonight’, en el que sus voces empastan de maravilla.

Invisible Harvey

En los 2 años transcurridos tras la publicación de ‘La puerta giratoria’, Dimas Rodríguez ha consolidado su proyecto con la formación de un septeto en el que violines y chelos le permiten expandir los arreglos de sus canciones y llevarlos a tesituras de unos Belle & Sebastian. Es lo que encontramos en el recién estrenado ‘No es justo que llegues ahora’, un segundo largo muy ambicioso en lo sonoro e igualmente imaginativo y surrealista en lo lírico.

Joan Colomo

El año pasado regresaban con un nuevo álbum The Unfinished Sympathy, proyecto en el que vimos crecer a Joan Colomo. Pero lo cierto es que su carrera en solitario es más prolífica e igual de interesante que la de su grupo primario, como muestra este funky (en la manera en que lo pueden ser The Shins, por ejemplo) ‘Ritme pervers’. Es el primer avance de su quinto disco en solitario, ‘L’Oferta i la Demanda’, que publicará (como siempre) BCore Disc el próximo 7 de septiembre.

Feroe

Es normal que este nombre no te suene de nada aún, puesto que acaba de lanzar su primer single. Pero tras él encontramos a Myriam, mitad del dúo The Bright, que ha aprovechado un lapso en la carrera del grupo para componer y grabar sus propias canciones. Ahora debuta en solitario con ‘Vapor’, una sensual canción en la que alterna texturas vaporosas con cierto carácter rocoso, evocando algunos pasajes de la obra de Angel Olsen. Promete seguir cautivando con más temas así después del verano.

Gúdar

Vuelve uno de los proyectos musicales más esquivos, singulares y misteriosos del indie catalán más militante, comandado como siempre por las peculiares voz y canciones de Albert Espuña. Esta vez suma a Laura Antolín de Doble Pletina a su insigne cohorte de colaboradores (Eloy Bernal, de Hibernales, Alberto Rodríguez y Olivia Mateu –Tirana–). Su imponente sonido de bajo, que en este caso evoca a Hot Chip, protagoniza por ejemplo este bailable ‘Auf!’ que da título al nuevo álbum de Gúdar. ¿Será este su despegue definitivo del ultraindie? ¿Acaso hay alguna intención? Su ausencia en Spotify dice “no”.

Marcelo Criminal

Hay que reconocer que una de nuestras apuestas nacionales del año, el cantautor murciano Marcelo Criminal, puede no ser para todo el mundo. Es un “o lo tomas o lo dejas”, pero al menos tampoco se puede decir que él esté engañando a nadie: “música que parece hecha para niños o por niños” y “mala música para gente sensible y moderma” son las descripciones para sus canciones que encontramos en sus redes sociales. Y como muestra, un botón: tras revelarse el pasado año con ‘(acepta su cruz)’, esta suerte de Daniel Johnston mediterráneo post-adolescente ha ido desgranando alguna perla como ‘Vuelve el reguetón romántico’ (sólo en Bandcamp) o esta enternecedora ‘Perdona (ahora sí que sí)’, que reafirman su carácter único.

Presumido

El dúo vigués Presumido irrumpió en el panorama de manera notable con su debut ‘Vendetta’, a principios de 2017. Un año y medio después, ya trabajan en su continuación pero no pueden esperar para mostrarnos su actual momento creativo. Por eso presentan este espectacular ‘Esa no era yo’ a modo de single de transición entre álbumes. En su nota de presentación, ellos mismos citan a Beach House, Massive Attack o M83 como influencias del grupo y, también, de este explosivo tema, que cuenta con un ingenioso vídeo vertical optimizado para smartphones y tablets.

Caliente Caliente

El siempre inquieto Raúl Querido desempeña de un tiempo a esta parte el papel de bajista y cantante en Caliente Caliente, un trío que forma con Sandra y Paco (guitarrista en Camellos, a la sazón). Hace unas semanas estrenaban el clip oficial para ‘Mindfulness’, con claros aires de funk a lo ESG que nos conducen por esa autoayuda 2.0 que obra el milagro de que todo “nos parezca bien”, incluso el asqueroso calor en el repleto vagón del metro que nos conduce a pasar el día ante “otro puto Excel”. Yummy.

Somos La Herencia

El pasado otoño estrenábamos en JENESAISPOP el estupendo vídeo de ‘Signos de alguien’, canción incluida en ‘Zigurat’, segundo EP del grupo madrileño de post-todo Somos La Herencia. Ahora el cuarteto anticipa ‘Agua’, un sorprendente avance canción del que será su álbum de debut: en ella pretenden mostrar una mayor inmediatez, acogiendo influencias de grupos y músicos como Arca, Trentemøller o Soft Moon, según ellos mismos. Para este viraje al out pop han contado con la producción de Abel Hernández (El Hijo).

Tú no existes

En 2014 conocíamos a este grupo de Barcelona –entonces misterioso, hoy sabemos que está integrado por Edu Montoya, Roger Torralbo, Alena Danko y Mattia Bison– por medio de interesantes canciones como ‘Carl Sagan’ o ‘Blues existencial’. Tras un largo periplo de Montoya trabajando por todo el mundo (literalmente), ahora anuncian su álbum de debut ‘Tercera república’, que será editado por Zozoya Records (sello a caballo de Madrid y Helsinki) el próximo mes de septiembre. Su primer adelanto, ‘Nueva astronomía’, recoge las múltiples influencias que confluyen en Tú no existes que, aseguran, van de The Knife a El Último de la Fila.

La Canción del Día: Agost aluden a la espiritualidad del dream pop en ‘Heh’

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Hoy estrenamos el vídeo realizado para ‘Heh’, una de las grandes canciones del grupo revelación de Sabadell Agost, que quizá te suenen por haber sido ganadores del Proyecto Demo del FIB, el concurso Artsy, el de Embassat o finalistas de Bala Perduda. El grupo se mueve entre el shoegaze y el dream pop, con atmósferas abrasivas próximas al muro de sonido pero sin dejar de lado los punteos de guitarra embriagadores; y publica su primer disco ‘Dim Out’ el próximo 28 de septiembre.

El primer adelanto oficialmente es ‘Heh’, una canción que debe su nombre al Dios del espacio infinito y la eternidad en la mitología egipcia. Habla, según la nota de prensa, de la imposibilidad de tocar u ordenar el tiempo. “En el vídeo se transmiten estos conceptos a través de elementos como el reloj, que hace referecia a la circularidad o la bailarina, que representa el movimiento. Mientras la realidad se va mezclando con la ficción y con elementos 3D, la banda permanece en el centro, siendo espectadores y partícipes al mismo tiempo”. La buena factura del vídeo se debe a las manos experimentadas de Freemasons.

La letra de la canción hace referencia a estos mismos conceptos comenzando, en inglés: “quiero tocar el tiempo y organizar lo inmaterial, para poder asegurarme de que todo es real”. Agost, ideales para seguidores de Slowdive, Beach House y Desert, pero también Delorean, van a estar tocando el 20 de julio en el escenario Apolo de las fiestas de Poble Sec y el 21 en el FIB. 

Ebon Moss-Bachrach de ‘Girls’, un «hipster distraído», «un líder de culto», en el nuevo vídeo de Interpol

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Uno de los actores secundarios -con bastante protagonismo- de ‘Girls’, Ebon Moss-Bachrach, es el protagonista del vídeo del primer single del próximo disco de Interpol, que se llama ‘Marauder’ y sale en poco más de un mes, el 24 de agosto. El sencillo, que ya conocíamos, ‘The Rover’ («el vagabundo», «el trotamundos»), ha visto rodado su videoclip en la ciudad de México, donde de hecho se anunció el álbum. El director es Gerardo Naranjo de ‘Narcos‘, de la que se ha encargado de dirigir 3 episodios de la segunda temporada. También ha dirigido un episodio de ‘Fear the Walking Dead’.

El vídeo está protagonizado oficialmente por un «hipster distraído que disfruta de la psicodelia» y también presenta «la historia original del personaje descrito en la canción, el nacimiento de un líder de culto». La gracia es que además Ebon Moss-Bachrach protagonizó un extraño cameo en la citada conferencia de México de presentación mundial del disco de Interpol y eso es algo que se ve en el videoclip. El momento comunión entre él y Paul Banks no tiene desperdicio.

Os dejamos con el tracklist de ‘Marauder’ y también con su presentación en vivo en TV.
01 If You Really Love Nothing
02 The Rover
03 Complications
04 Flight of Fancy
05 Stay in Touch
06 Interlude 1
07 Mountain Child
08 NYSMAW
09 Surveillance
10 Number 10
11 Party’s Over
12 Interlude 2
13 It Probably Matters


Gorillaz continúan su gira sin Del the Funky Homosapien, tras caerse este del escenario

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SPOILER para aquellos que vais a Bilbao BBK Live: Gorillaz suelen terminar sus conciertos con uno de sus mayores hits, ‘Clint Eastwood’. FIN DEL SPOILER. Durante la gira europea, el longevo MC, en activo desde los 90 y cantante en dos temas del debut de Gorillaz, Del the Funky Homosapien, se ha subido al escenario para interpretar el citado éxito. Sin embargo, en el popular festival de Roskilde, Del the Funky se cayó y no pudo terminarse la actuación, ante la atónita mirada de decenas de miles de asistentes, los que estaban viéndolo por internet y también Damon Albarn, que esperaba que se pudiera levantar. El también líder de Blur tuvo que excusar el abrupto final, como podéis ver en el vídeo bajo estas líneas.

No solo «Del» no se pudo levantar, teniendo que abortarse la misión, sino que además el artista continúa hospitalizado en Dinamarca. Desde el día 7 de julio Gorillaz han tenido que dar un par de conciertos más, es decir, su gira continúa con normalidad… pero ya sin Del the Funky, lo cual tampoco ha implicado la desaparición del setlist de su canción. Damon ha explicado el susto que se ha dado durante una entrevista con Beats 1 recogida por Pitchfork. «Va a ponerse bien. Es una caída del escenario, yo me he caído muchas veces, y de escenarios más altos, con la suerte de no hacerme nada. Cuando él se cayó, le miré y pensé: «venga, levántate, hay 80.000 personas ahí y tenemos que acabar. Creía que íbamos a poder terminar y que estaba bien. Pero no. Es una cosa horrible que no me puedo creer. Le sigo dando vueltas».

El MC se ha fracturado siete costillas, le han pinchado un pulmón por un lado y lacerado por el otro, según las propias palabras de Damon. En cualquier caso, no es impedimento para la continuación de la gira de Gorillaz, que llega este fin de semana a Bilbao BBK Live tras haber pasado por Gurtenfestival o hacerlo hoy en Lucca Summer Festival. El sábado será el turno del festival vasco, presentando por supuesto su notable último disco, ‘The Now Now‘.

La madre de Whitney Houston tiene «dificultades para creer» que Dee Dee Warwick abusara de Whitney

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El documental ‘Whitney’ se ha estrenado esta semana en cines españoles y una de las cosas que pone sobre la mesa es la posibilidad de que la cantante sufriera abusos de pequeña por parte de su prima, la cantante de soul Dee Dee Warwick. En el documental se ve cómo Whitney y sus hermanos tienen que pasar de pequeños por varias manos cuando sus padres no podían cuidarlos por razones de trabajo, lo que parece guardar cierta relación con el hecho de que Whitney después no quisiera dejar a su hija sola con nadie cuando tenía que salir de gira, por lo que solía llevarla consigo. El director del documental, el oscarizado en 1999 Kevin MacDonald, ha dicho en alguna entrevista que, simplemente viendo entrevistas de Houston o estudiando su comportamiento, intuía que la cantante había sufrido abusos de pequeña.

La madre de Whitney ha decidido emitir un duro comunicado a la revista People: «Con este comunicado no intentamos defender, justificar o excusar el crimen de los abusos. Sin embargo, no podemos pasar por alto el shock y el horror que sentimos y la dificultad de creer que mi sobrina Dee Dee Warwick, hermana de Dionne, abusara de dos de mis tres hijos. Cómo deseo poder preguntar a Dee Dee y Whitney por lo que pasó, pero esta película se distingue de otras sobre ella extendiendo un rumor, una insinuación y habladurías, dejando preguntas para las que nunca tendré respuestas». La madre de Whitney, que aparece en el documental, añade que se enteró de que el film incluiría este rumor tan solo dos días antes de su estreno en Cannes.

Además, añade que a Whitney no le hubiera gustado que este rumor saliera a la luz. «Aunque ella habló de su lucha con las drogas, operaciones, su hija Krissi y sus problemas en el matrimonio, nunca habló públicamente de que su padre le robara ni reveló haber sufrido abusos. Si ella sufrió abusos, no creo que hubiera querido que fuera revelado por primera vez a miles, quizá millones de personas, en una película». Concluye que «Dee Dee pudo tener sus problemas personales, pero la idea de que abusara de mis hijos me supera y, para nosotros, es incomprensible. No podemos aceptar la necesidad del público de conocer la vida de Whitney como justificación para invadir su privacidad o cargar contra Dee Dee, un cargo que ni Whitney ni Dee Dee están aquí para negar, refutar o confirmar».

Years & Years / Palo Santo

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“Si a los quince años, durante el proceso de formación de la personalidad, uno tiene que fingir continuamente ser quien no es, acaba convirtiéndose poco a poco en el personaje que trata de representar (…) Por eso no sé bien, desde hace mucho, quién soy realmente. O, mejor dicho, no sé quién habría llegado a ser si en todos aquellos años cardinales no hubiera tenido que mentir día tras día. Tengo la impresión de que sería más afable y compasivo. De que mi neurosis no tendría los rasgos patológicos y antisociales que a veces tiene. De que mis pulsiones sexuales estarían reglamentadas con más simetría. De que no habría llegado a escribir algunos libros dolorosos que he escrito ni a concebir algunas teorías poco piadosas que defiendo cuando me dan la ocasión de hacerlo. De que sería un hombre más insignificante y feliz de lo que soy”. Las líneas pertenecen a la historia autobiográfica contada por Luisgé Martín en el (muy) recomendable ‘El amor del revés’, pero ni se trata solo de su caso particular ni hay que recurrir a la ficción para hablar de que las personas LGBT son más proclives a tener problemas de salud mental; no por determinantes genéticos de salud, sino más por aquellos relacionados con el contexto de rechazo, desprecio y culpa con el que muchos han tenido que lidiar y, concretamente en casos como el de Martín o el de Olly Alexander, con la homofobia interiorizada.

El propio Olly se abría completamente hace unos meses acerca de esto en un documental de la BBC (después de una entrevista también bastante sincera con Owen Jones): hablaba de su
ansiedad, parálisis del sueño, bulimia y, sin tabúes, de su propia depresión y autolesiones. Actualmente, el cantante está mucho más liberado que en ‘Communion‘, y no digamos en comparación a su adolescencia… pero el enemigo interior sigue ahí. Y Olly sigue luchando contra él. ‘Palo Santo’ es una herramienta de esa lucha; él mismo dice que la música y la composición le sirven como el palo santo que se quema para limpiar un lugar de energía negativa. Ya sea a través de un rompepistas como ‘All For You’ (y como lo fue ‘King’) que, al más puro estilo La Casa Azul, lleva una temática dramática a la pista de baile, o con composiciones más íntimas y enigmáticas como el tema homónimo, que puede estar dirigido a un ex, o también a esa presencia que, aunque menos fuerte, sigue ahí dentro de ti: “you’re the darkness in me, Palo Santo”.

El amor que sobrevolaba las letras de ‘Communion’ continúa, pero hay aquí mucho más espacio para el no-amor hacia uno mismo, y concretamente el relacionado con el constructo de masculinidad y la homofobia interiorizada: “14 years and it’s crumbling down / you gotta be strong boy, you gotta be tough, don’t you know you’re a man?” canta, por ejemplo, en ‘Up in Flames’. Precisamente esta última, con una producción ochentera a lo Pet Shop Boys bastante simpática, plantea un mensaje esperanzador al respecto: “and we’re dancing to the sound / of your demons falling down / and our past is going up in flames / and the future will be rearranged”. Tanto en este caso como en el de una ‘Howl’ que recuerda a sus inicios y donde sigue esta temática (“standing in front of the hungriest crowd / nothing will stop me from screaming out loud / I am the wolf and the enemy now”), uno se pregunta qué hacen estos dos temas relegados a los bonus tracks. Las baladas tienen mayor peso en este álbum: ya conocíamos la idílica ‘Hypnotised’ por la campaña de Baz Luhrmann para H&M, y se añaden ‘Lucky Escape’ (es una pena que su genérica producción no esté a la altura de su letra, y de una interpretación vocal cada vez más Michael Jackson) y las más redondas ‘Palo Santo’ y ‘Here’, que cierra la edición estándar del álbum recordando involuntariamente a ‘How to Disappear Completely’ con esa cadencia arrastrando los “I’m not here, I’m not here”.

Esta mirada más profunda y madura se mezcla, por supuesto, con letras sobre relaciones sexuales, o sentimentales, o ambas a la vez… cubiertas por una capa de referencias religiosas, bien meramente descriptivas (la familia del chico de esa ‘Preacher’ que podríamos imaginarnos en un disco de Justin Timberlake), bien usadas como reapropiación (‘Hallelujah’, ‘Sanctify’). La mencionada ‘Hallelujah’ es uno de los temazos que no esperábamos encontrar en este disco, a juzgar por los primeros adelantos (sobre todo por ‘If You’re Over Me‘, cuyo característico sonido se queda más cerca de un tema random de Imagine Dragons que de ‘Such Great Heights’ de The Postal Service). Si nuestras esperanzas en ese aspecto se levantaron con ‘All For You’, aquí se ven confirmadas por canciones como esa, o como la estupenda ‘Karma’ (de nuevo con las referencias comentadas: “Daddy said I never could win / that’s probably why I never pretend / but good things are coming to me”) o como LA canción del disco, una ‘Rendezvous’ que reúne las mejores habilidades de Olly y compañía.

Y con eso de “Olly y compañía” llegamos al elefante en la habitación: es probable que muchos fans de Years & Years no sepan quiénes son Mikey Goldsworthy y Emre Türkmen. Los créditos de producción de ‘Palo Santo’ incluyen a Greg Kurstin, a su colaborador habitual Jesse Shatkin, y a gente como Steve Mac (tras hits como ‘Shape of You’, ‘What About Us’ o ‘Rockabye’), GRADES (tras el álbum de NAO), Kid Harpoon y el ya conocido por el grupo Mark Ralph (y en la composición echaron un cable Justin Tranter, Julia Michaels y Alex Hope), pero los otros dos miembros de Years & Years han seguido teniendo peso en la producción. Aun así, es innegable el protagonismo absoluto de Olly frente a sus dos compañeros, desde los videoclips hasta la mismísima portada del disco. La cosa es: ¿tiene que ser este ego necesariamente negativo? Si no contase nada interesante, si la imagen que tanto se empeña en destacar fuese falsa, ok, pero, para lo bueno y para lo malo, la imagen del líder de la banda es auténtica: no oculta que quiere un vestido carísimo como sus admiradas divas ni el “yoyoyo” en la estética de esta era, no se corta a la hora de hablar de sus líos con heteros ni, importante, se corta a la hora de hablar en canciones y entrevistas de su salud mental, un tabú que muchos artistas mainstream eluden aun cuando es obvio. Yoyoyo, sí, pero “Yoyoyo sufro por esto, y seguramente vosotros también, así que voy a empezar a hablar”. ‘Palo Santo’ es, además de un disco pop muy recomendable, una invitación y una forma de poner sobre la mesa problemas que tienen muchísimas personas LGBT. Y hacerlo como mejor sabemos: sin negarnos la alegría que representa la pista de baile. Your disco needs you.

Calificación: 7,6/10
Lo mejor: ‘Rendezvous’, ‘Karma’, ‘All for you’, ‘Howl’, ‘Hallelujah’, ‘Palo Santo’
Te gustará si te gusta: Troye Sivan, Tove Lo, Michael Jackson, Pet Shop Boys, Britney, Chromeo
Escúchalo: Spotify

Lo + Sabrosón 2018

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Un año más presentamos nuestro recopilatorio estival Lo + Sabrosón, si bien hay que reconocer que esto se vuelve cada vez más complicado: como decimos en la redacción, es difícil buscar temas especialmente «sabrosones» cuando no dejamos de escucharlos casi a diario, con la explosión comercial de los ritmos latinos y la democratización del perreo.

Pero haberlos, haylos, y aquí tenéis 15 (14 en la playlist de Spotify) temas de artistas latinoamericanos, españoles y anglosajones de ritmos, melodías y letras bien variaditos y sobre todo calientes, prestos para gozarlos en las próximas semanas (y más allá) en piscinas, montañas, plazas de pueblo, chiringuitos, playas y, por supuesto, calles medio vacías de ciudades. Fotograma del clip ‘All About The Music’ de WAS.

Your Smith

Lo más sorprendente de Your Smith no es recordar que detrás está una chica que hace cuatro o cinco años pugnaba por hacerse un nombre al frente del grupo indiefolk Caroline Smith & The Good Night Sleeps, que más tarde encontrábamos en solitario colaborando en un single de la artista de rap/R&B Lizzo. Lo más sorprendente es que el primer single de su nueva encarnación (un tanto Christine and the Queens, ¿verdad?) recuerda terriblemente a ‘All I Wanna Do’ de Sheryl Crow, sólo que sonando perfectamente fresca, ideal para despertar a tope de power en un día estival.

Iseo & Dodosound

Ya sabíamos del proyecto dub-reggae de la versátil cantautora Iseo, que el pasado año publicaban su segundo EP ‘Roots In The Air’. Pero pocas veces hemos oído al dúo en una aproximación tan descarada –aunque sin traicionar sus principios estéticos– al pop sabrosón como este irresistible ‘Dame’, con la artista navarra dando rienda suelta a su sensualidad.

Monsieur Periné

En 2015 este trío colombiano obtenía el Grammy Latino al Mejor nuevo artista por su mezcla de jazz, bossa nova, funk, pop y folclore latinoamericano. Este año han publicado su tercer largo, ‘Encanto tropical’, que se ha convertido en un notable éxito en Latinoamérica gracias a su single principal, este ‘Bailar contigo’ que combina clasicismo y contemporaneidad de forma muy, muy sugerente.

Locoplaya

La verdad es que desde que hace un par de temporadas descubriéramos, vía su integrante Bejo, la existencia de Locoplaya no podemos imaginar un verano sin sus canciones o las de alguno de sus miembros (Don Patricio y Uge completan el trío). Este verano nos lo han puesto a huevo con este claro hito veraniego, entre el tumbao que aporta la producción de Bassilones y sus jugosas barras y flows. El clip del gran Cachi Richi es tan imperdible como acostumbran sus obras.

Jax Jones ft. Mabel & Rich The Kid

Y ya que hemos cogido la senda del banger y de la amplia sombra de Diplo, tampoco podíamos olvidarnos del nuevo single del productor británico Jax Jones. Tras petarlo a lo grande el pasado año con ‘You Don’t Know Me’, este 2018 Jones ha cambiado la voz de RAYE por la de Mabel en este ‘Ring Ring’ que no por obvio en su recurrente tropical-house resulta menos disfrutón. Especialmente gracias a su fabuloso vídeo muy ‘Armas de mujer’ en el que la hija de Neneh Cherry y el productor Cameron McVey impone su enorme presencia escénica y su personalidad vocal, con ese broken english con el que entona los “ring ring” y los “no more late night Ubers, baby” de la que se resiste a ser segundo plato en una relación a tres.

Leslie & Betsie

“Podría ser la canción del verano”, comienza diciendo el nuevo single del dúo Leslie & Betsie, a modo de declaración de intenciones. Y, efectivamente, si nuestro verano puede tener tal cosa, esta ‘Sabor a ti’, que roba el nombre a un bolero y el espíritu al eurodisco veraniego a lo Sonia & Selena (su nota de prensa cita como referente explícito ‘Corazón Boom Boom’ de Irune y María Jesús en Eurojunior 2003), sumándole cierto espíritu punk a lo Le Tigre en esos coros de su arrebatador estribillo.

Chlöe’s Clue

Publicado a finales de 2017, ‘Panorama’ suponía una gratísima sorpresa para los amantes del pop rock con querencia retro. Un disco en el que la valenciana Raquel Adalid mostraba su capacidad para crear canciones redondas no únicamente influenciadas por el country o el folk yanquis sino también por estilos latinos como el chachachá de este ‘Cafe Bar 2000’, perfecto para escuchar degustando esos margaritas que cita su letra junto a una piscina. Su recién estrenado clip oficial es una auténtica y divertida exquisitez, con el leit motiv de ser un “female road thriller”.

Samuel O’Kane

Tras licenciar para Universal –a través del sello 99Uno– su debut largo ‘Good News For Bad Boys’, Samuel O’Kane ha retomado su independencia este año, publicando dos nuevos singles. El segundo de ellos es este ‘Mamacita’ en el que la producción de tCHEY se inspira en un son cubano, invitando a mover las caderas precisamente como esa “demonia” que retrata la canción.

WAS

Es frecuente encontrar un poquito de french touch en esta playlist, pero no tanto que esa faceta del house, elegante y funky, proceda de nuestro propio país. Pero es lo que ofrece ‘All About The Music’, el nuevo single de los vascos WAS (hace ya años que no responden por We Are Standard) en el que se apropian del estilo que han internacionalizado productores como Philippe Zdar o Fred Falke y que es perfecto para bailar tanto con el sol en la cara como a la luz del chiringuito nocturno.

Clara Luciani

Hace un par de meses lanzaba su debut en solitario, ‘Sainte-Victoire’, la que fuera vocalista original del grupo La Femme. Un disco que entre otras joyas contiene esta apabullante ‘La grenade’, un tema de poderoso bajo funk y cierta inspiración ochentera en sus teclados que empujan a la euforia ante la melodía arrebatada de su estribillo. Tras esto, su letra pone en alerta al oyente sobre el carácter detrás de su aspecto físico: “Cuidado, bajo mis pechos hay una granada”. ¡Boooom!

The Rudeboyz & Greeicy

Seguramente habrás escuchado sonar la marca de este dúo de productores en algunos de los éxitos de sus compatriotas Maluma y Shakira, juntos (‘Chantaje’, ‘Trap’) o por separado (‘El préstamo’ / ‘Me enamoré’). También lanzan sus singles propios, como es el caso de este ‘No te equivoques’ que interpreta Greeicy (Rendón, también conocida como protagonista de la serie infantil de Disney ‘Chica vampiro’). Un pildorazo de pop-reggaeton irresistible, que además emplea la voz de la también actriz para situar a la mujer como la que debe marcar el tempo en las relaciones nocturnas, sexuales o no, esporádicas o no.

Selecta ft Recycled J

Recientemente hablábamos de Selecta por su papel de productor en el estupendo último single del MC y cantante madrileño Recycled J, ‘Aunque digan que yo’. Pero este joven músico tenía aún guardados más ases en la manga escondidos, como este ‘Tiempo’ que ha publicado como un single propio y que cuenta de nuevo con Jorge Escorial en la voz, si bien en esta ocasión su registro se aproxima al del pop á la Major Lazer. Un verdadero temazo para bailárselo sin pensarlo dos veces.

Elsa y Elmar

Tras este aparente dúo se esconde Elsa Carvajal, una artista de origen colombiano –de repente, el epicentro del pop alternativo sudamericano parece haberse trasladado de Santiago de Chile a Bogotá– que en 2015 debutaba llamativamente con ‘Rey’, un disco en el que alternaba folk y pop con sonidos electrónicos y melodías estupendas, logrando unas cifras importantes para tratarse de una autoedición. Este año ha regresado de forma espectacular con ‘Culpa, tengo’, una canción fabulosa que seduce con su ritmo de cumbia contemporánea contrapuesto con su gran línea vocal, de hechuras clásicas.

Empress Of

Mi impresión es que el último single doble de Lorely Rodriguez, esta neoyorquina que lleva unos años mostrándonos su pop arty, no ha obtenido toda la atención que merecía. Especialmente en nuestro país, habida cuenta de que se esfuerza por cantar prácticamente en inglés y español (su madre es española, su padre hondureño) al 50%. Especialmente atractiva es su cara B, una ‘In Dreams’ que habla de una relación romántica e íntima imaginada en sueños, que la hacen perfecta para cerrar esta sesión por su carácter vespertino y al día siguiente “despertar sintiéndose loca”, como dice la letra de esta preciosidad de Empress Of.

La Dani

Terminamos con La Dani, uno de esos hallazgos que, de tanto en tanto, te vuelan la cabeza y te descolocan. Por el momento el malagueño Daniel F. Pozo sigue siendo un secreto en voz alta –desde que actuó la pasada semana en Madrid en los actos del Orgullo 2018, un poco menos secreto–, pero no cabe duda de que el suyo es de esos proyectos que redefinen géneros y concepciones, fusionando estéticas como si fuera de lo más natural, destinados a dejar huella. Si su manera de mezclar libremente –siempre con la mano en la producción de su amigo Stereotypo– trap, copla, cumbia, R&B, reggaeton y flamenco ya noquea, el golpe definitivo llega con sus letras ultrasexuales y en la peculiar estética superqueer-fantasía cañí de sus vídeos. Un año después de presentarse con ‘Como Beyoncé’, ha ido dejando un reguero de hitos como ‘Fiesta felina’, ‘Aguamarga’, ‘Trapical’ o ‘Dembow del veneno’, a cada cual más ganchudo. El penúltimo, con el que despedimos este Lo + Sabrosón 2018 (y que, desgraciadamente, no podemos incluir en nuestra playlist de Spotify al no estar aún en la plataforma), es la rumba de aire cubano ‘Gordo y apretao’, una oda a los tíos grandes y peludos que vuelven loco a La Dani. “Contigo me caso, me embaraso”. Un delirio.

The xx tocando para 400 personas: un engaño maravilloso

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En algún momento dado alguien en Bilbao debería agradecer la labor que han llevado a cabo The xx con Night + Day Bilbao. Aunque solo sea por el hecho de dar un empujón a Zinegoak, el festival de cine LGTB de la ciudad, o por habilitar el museo Guggenheim como escenario para que John Talabot, el propio Jamie o Joy Orbison, entre otros, pinchen en un entorno privilegiado. Pero, sobre todo, por ofrecer un concierto como el que ofrecieron anoche en el Kafe Antzokia.

Se vendió como un show íntimo y especial. Especial fue, desde luego, pero no por los motivos que muchos tenían en mente. No hubo colaboraciones con bandas locales ni tampoco con Florence + The Machine que comparten cartel con The xx en el BBK Live que comienza el jueves. El carácter de concierto único estaba marcado por la sensación, perceptible nada más entrar, de que la escenografía no cuadraba con el local: demasiado grande para las dimensiones del escenario del Antzoki. Todo fue excesivo en realidad: la calidad y volumen de sonido, el comportamiento del público, el setlist, los arreglos, etc.

Nada más arrancar con ‘Dangerous’, ‘Islands’ y ‘Say Something Loving’ quedó claro que lo de íntimo era una excusa para que el público pagase los 50€ que costaba la entrada esperando ver algo distinto a lo que se va a encontrar el viernes en el recinto del BBK Live. Una especie de maravilloso engaño que nos permitió disfrutar de un concierto gigante en un entorno reducido. Esa sensación, la de estar viendo algo enorme en una sala pequeña, fue quizás la causante de que los asistentes estuviesen pendientes de cada arreglo para celebrarlo. De hecho, salvo un grupo de anormales que dio la nota -y que, por supuesto, se colocaron a mi lado- pocas veces he visto una audiencia más respetuosa y entregada. Hubo momentos para todo; desde la versión casi desnuda de ‘I Dare You’, coreada de principio a fin, hasta la explosión extática de ‘Say Something Lovin’, ‘Loud Places’ y una ‘On Hold’ que vino precedida del remix de Jamie. En todos contaron con el favor del público.

Casi todas las crónicas de los conciertos de The xx coinciden en que sus miembros se muestran casi sobrepasados por los aplausos. Desconozco si es una pose o un comportamiento derivado de su timidez. Lo que sí sé, o al menos quiero creer, es que ayer sí se emocionaron un poco cuando nos dijeron que «Está muy bien todo esto. Está muy bien poder veros las caras y notar cómo disfrutáis». Por lo que a mí respecta, más teniendo en cuenta que cada vez me encuentro más incómodo entre grandes aglomeraciones de gente, lo de ayer debería ser obligatorio en todos los festivales. No una versión en acústico del concierto sino EL CONCIERTO en sí en local pequeño.

Jamie, Rommy y Oliver cerraron con ‘Angels’ creo que para demostrar que son capaces de hacer lo que quieran y hacerlo siempre bien. Os levantamos con ‘Loud Places’, ‘On Hold’ e ‘Intro’ y os dejamos coreando «leaving without them / being as in love with you as I am». Porque podemos.

Sigrid sabe que su “agenda está jodida” pero quiere “portarse mal” en la ochentera ‘Schedules’

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Sigrid ha publicado un tema nuevo, pero curiosamente no lo ha estrenado aparte sino que lo ha añadido a la secuencia de ‘Raw’, su EP de este año. Así, ‘Schedules’ cierra ahora tracklist y además lo enriquece con un sonido mucho más ochentero de lo que presentan el resto de temas, la guitarrera ‘Raw’, las baladas ‘I Don’t Want to Know’ y ‘Focus’ y la pop-rock ‘High Five’.

Si esto suena a que ‘Schedules’ tiene más que ver con el gran éxito de Sigrid hasta ahora, ‘Strangers’, es porque es verdad. El tema empieza como si fuera de Haim, pero pronto añade un ritmo post-disco que lo conecta con el sinfín de producciones que han salido en los últimos años que buscan emular el sonido de la música disco que sonó en los 80, desde Calvin Harris a La Casa Azul pasando por Katy Perry y Bruno Mars.

Pero como ‘Schedules’ es de Sigrid, el tema presenta además un elemento totalmente explosivo, sobre todo en su estribillo lleno de “oh ohs”, que parece hecho a medida para su poderosa voz. Hablándonos de que sabe su “agenda está jodida” pero que le da igual, que va a “portarse mal”, Sigrid ha dado con un nuevo rompepistas para añadir a su estupendo repertorio de canciones, quién sabe si de cara a un futuro álbum debut que termine de justificar su merecida victoria en el BBC Sound of 2018.

Cardi B anuncia el nacimiento de su hija Kulture Kiari Cephus mediante fotón estilo Beyoncé

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Cardi B y Offset han dado al fin la bienvenida al mundo a su hija, Kulture Kiari Cephus. El bebé nació ayer 10 de julio, pero ha sido hoy 11 cuando Cardi lo ha anunciado en las redes sociales, mediante una imagen de ella embarazadísima y rodeada de flores que no puede sino recordar a la que publicó Beyoncé el año pasado para anunciar su embarazo de gemelos.

La rapera vive el mejor momento de su vida tanto en lo personal, como puede observarse, como en lo profesional, ya que su álbum debut ‘Invasion of Privacy‘ ha superado el millón de unidades vendidas en Estados Unidos, y además ‘I Like It’, el cuarto single del disco, ha alcanzado el número uno en el país, convirtiendo a Cardi en la primera mujer rapera en la historia que logra dos números uno.

En los últimos días de su embarazo, Cardi no ha dejado de trabajar y de hecho recientemente anunciaba nueva colaboración con Ozuna, con quien ha trabajado en el single ‘La modelo’. Cabe preguntarse en cualquier caso si habrá más singles de ‘Invasion of Privacy’ o la rapera aprovechará el tirón del que disfruta actualmente para publicar un segundo álbum lo antes posible.

Kulture Kiari Cephus 07/10/18🎀🌸 @offsetyrn

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Beak> mantienen vivo el espíritu de ‘Third’ de Portishead con ‘Brean Down’

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Portishead siguen sin volver, pero Beak>, el proyecto ya no tan paralelo de Geoff Barrow, quien no ha parado en los últimos años, por ejemplo, componiendo junto a Ben Salisbury la banda sonora de la tercera temporada de ‘Black Mirror’, continúa en forma y anuncia un nuevo álbum, >>> (el tercero, por si había dudas), para el 21 de septiembre.

La nota de prensa explica que >>> “suena como un paso adelante”. Añade: “La producción y el sentimiento de los primeros dos álbumes fueron como escuchar [música] través de un cristal helado, a un grupo tocando tras una cortina. Ahora escuchamos a Beak> desde un enfoque nítido, pero sin abandonar lo que la banda considera su “elemento malo”. Esto podría ser resultado de haber actuado en escenarios más grandes y en festivales -algo que nunca formó parte del plan-, o quizás simplemente sea una reacción a las incontables bandas de kraut aferradas al fuzz pedal que existen en el mundo”.

El primer adelanto de este >>> es ‘Brean Down’, que recibe su nombre de un promontorio situado en Somerset, Inglaterra y definitivamente mantiene el espíritu industrial, humeante y distópico de Beak>, y también de aquel ‘Third‘ de Portishead que salió hace una década.

>>>:

01 The Brazilian
02 Brean Down
03 Birthday Suit
04 Harvester
05 Allé Sauvage
06 Tesco
07 King Of The Castle
08 RSI
09 Abbots Leigh
10 When We Fall